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Nach dem Erfolg seines Debüt-Albums „Kid Krow“ (2020), veröffentlicht Conan Gray jetzt sein zweites
Studioalbum „Superache“. Der 23-Jährige gilt mittlerweile als eine der interessantesten Stimmen der
amerikanischen Gen-Z Pop-Kultur.
Fans können sich auf einiges gefasst machen. Conan selbst sagt über sein neues Album: „‘Kid Krow‘ was
just the introduction“. Mit „Superache“ beginnt für Conan ein neues Kapitel seiner Karriere, hier möchte
er jetzt all das sagen, dass er sich vorher nicht getraut hat.
Einen Vorgeschmack lieferte schon seine Single „Memories“, die das Thema des Albums gut einfängt. Conan sagt: „(The Album is) just about that ache of being young and sometimes dramatic about the way that
you deal with pain and heartbreak and mourning.” Zusätzlich zu seinem neuen Album, können Fans seine
ausgefallenen Bühnenoutfits jetzt auch weltweit live bestaunen. Conan ist 2022 auf Welttournee, 4 Konzerte davon sind in Deutschland. Neben der digitalen Variante gibt es das Album als CD und Vinyl zu kaufen

A.B. Crentsil is a heavyweight of Highlife music and the main vocalist of Sweet Talks, one of the most popular Ghanaian bands of the 1970’s. In 1992, musician Charles Amoah and producer Richie Osei Kuffour offered him the opportunity to explore a new popular sound: Bürger Highlife. Little did he know these studio sessions would give birth to the biggest song of his career.
Charles Amoah, who had released his Sweet Vibrations LP in 1984 to great acclaim, extensively toured in Europe with bands such as Black Earth and Saraba, was eager to bring a new sound to Crentsil, an artist he had admired for years. Throughout the 1980’s, Highlife had been changing pretty radically, following the same evolution as Congolese Soukous, Caribbean Zouk and most popular black music
genres of that era: Heavy use of drum machines, synths and digital technology was conveniently replacing big bands and expensive
analog studios and equipments. Mostly recorded, produced or mixed in Germany, this new breed of electric Highlife dubbed ‘Bürger Highlife’ could be defined as a fusion of Disco, Jazz, Funk and Pop with the popular Highlife beats, rhythms and lyrics.
According to A.B. Crentsil, the name was a reference to the ever present American cultural influence on Ghanaian musicians. Charles
Amoah has his own take: “I initially called this particular kind of Highlife ‘Ethno Pop’. Bürger is the German word for citizen, and that’s how Ghanaian musicians living and working in Germany were calling each other”.
The music for both “Obi Baa Wiase'' and “Sika Be Ba” was entirely composed and played by Charles Amoah, using minimal equipment: a
DX7 synth, a Korg M1, a Yamaha RX5 drum machine, and an Akai 1000 sampler. A.B. Crentsil provided the lyrics for both tunes on the spot. Obi Ba Wiase’s message is one of gratitude and faith: it says we should appreciate our life way more and follow the example of people who have a lot less but still praise God all day.
Charles remembers fondly Crentsil’s larger than life personality: "A.B. slept a lot, he really loved sleeping. His lack of punctuality was easily dismissed by his wonderful sense of humour and it wasn't uncommon to find musicians rolling with laughter on the studio floor."
Charles also remembers vividly the "Obi Baa Wiase" session: he could feel the magic in the air while working on the soon to be hit, and
knew something special was happening. A.B. asked for a break in the middle of the session, which Charles adamantly refused until the song was finished and the magic fully captured.
Success was not immediate, and Charles was first a little concerned by the lack of buzz following the immediate release of the Gyae Me
Life Ma Me album. But a few months down the line, the situation took a new turn. "Obi Baa Wiase" was making its way into radio playlists,
weddings and festive celebrations. It was covered by local bands, and soon most of Ghana and its European and American diasporas were hooked. It became A.B. Crentsil’s most requested song at live events for the following decades.
As producer Richie Moore wrote on the album back cover : "A perfect integration of two musical geniuses, the result of which are the
scintillating tracks of music on this record… so all you party fans go onto the floor and dance the body music"

B-Side is one of the cornerstones of the german Instrumental-beats scene and has been here for a minute. His unique approach for cutting and programming drums made him well known and gave his music a very distinct touch. His last LP came out three years ago and since then he released a number of collaborations with other international producers, rappers and singers. But now it’s time to show the world his interpretation of modern Instrumental-beats. Of course is he a man of the classic retro jazzsound but his record „Inner Life“ is pushing boundaries to the next level. Rhythmical Trap patterns clash with head nodding Boom-Bap vibes. B-Side really took his time. Three years of constant work on the right sound for this album did certainly pay off. This Record takes you on a journey that is not your average sleepy sound. It is hypnotizing and straight up futuristic, both sonically- and productionwise. It just sounds grown up, but in a good way.

He gathered a bunch of his friends for some partial collaborations. Devaloop, TESK, OG Nuage, ØDYSSEE and Flitz&Suppe are really contributing to the whole picture of „Inner Life“.

While the world is busy chasing the right sound for playlists, B-Side made an album that will stand the test of time. Purely good music by an artist that is passionate about his art. He mixed and mastered every single track and also took care of the complete artwork himself with photos shot by Flitz&Suppe. INNER LIFE is released on The Breed's WE RUN THIS Records.

International Feel founder and guru of the sunset soundtrack, Mark Barrott returns with a new EP entitled Travelling Music. After spending the last few years writing & producing for other people, Mark is focusing his creative efforts inwards & rediscovering his own musical compass, calling it ‘the best medicine and therapy there is’. It’s this energy he looks forward to sharing via a number of releases over the coming months, including a new La Torre compilation, a series of Bandcamp only releases (Bandcamp Editions), the soundtrack to a new Japanese documentary (??) and this new vinyl release, Travelling Music.

He refers to the title track as Balearic trance. Not in the overblown Dutch sense, but trance as a metaphor/mechanism for an altered state, through hypnotic unraveling synth lines and a dash of wonkiness thrown in for good measure . Elsewhere on the EP, Arcade Scene flexes its melodic Italo dance moves with a slight nod to New Order, but a version of the group that’s beamed in from an alternate reality, where The Haçienda was called Il Tesoro and relocated to Ancona via a Gerd Janson DJ set circa 1991.

Chillin’ 4 work channels Aphex Twin from his easy listening Gentle People remix era, with added Sketches from an Island / Ry Cooder-esque guitars and the reprise of Travelling Music already feels like a La Torre sunset classic, bouncing with sequenced polyrhythmic arpeggios, before gently evaporating into a Vangelis-meets-Edgar Froese heat haze.

As with most of his work, Barrott calls this folk music…the telling of stories from everyday life and being Ibizan in origin, there are always a lot of varied & crazy stories to tell, but this chapter in particular feels like a deep burnt therapeutic transmission straight from the heart.

Es liegt in den Düsseldorfer Genen, dass Vibravoid Kunst vor Kommerz setzen. Sich auf den Aspekt beziehen, wie er 1967 im Creamcheese gelegt wurde. Deutschlands erste Psychedelic Diskothek, die mit Gerhard Richter, Joseph Beuys, Günther Ücker, Kraftwerk und NEU! die Düsseldorfer Blaupausen von Kunst und Pop Kultur schufen. Seit einigen Jahren haben Vibravoid die künstlerische Leitung des Creamcheese übernommen, das z.B. im Guggenheim Museum gewürdigt und in Zusammenarbeit mit H.A. Schult als großes Kunsthappening reanimiert wurde. Phasenvoind enthält zusätzlich ein glücklicher Weise erhaltenes Vibravoid Interview aus dem Jahr 1997, das aus erster hand ein heute unbekanntes Bild der 1990er Jahre zeichnet und für Musikhistoriker einen unschätzbaren Wert bietet. Ob Vinylschallplatten. Kraut und Psychedelic Rock, Theremin, Sitar, Light Show und der Underground - wer die Unsprünge der aktuellen Musikszene sucht wird sie hier finden_ und es mag viele überraschen, dass Begriffe wie ,Psych", Stoner oder Doom zu dieser Zeit noch keinerlei Relevanz besaßen und die Pionierleistungen von Vibravoid verdeutlichen.

Die größten Schlager des Jahres 1962 auf einer Schallplatte.
Ein Fest für alle Vinylliebhaber.

16 Original Hits von den Original Interpreten !
Diese Vinyl eignet sich natürlich auch perfekt als
Geburtstagsgeschenk.

Hier werden Erinnerungen wach, wenn Mina, Freddy Quinn,
Nana Mouskouri uvm. ihre Hits zum Besten geben.

Kenn hat es wieder getan... Es würde Sinn machen, sein vorheriges Werk "Dancing with the Past" als das neue Anacrusis-Album zu bezeichnen und das nicht nur, weil das meiste darauf enthaltene Material mit der Absicht geschrieben wurde, ein Comeback zu feiern. Acht Jahre später meldet sich Mr. Nardi mit einem weiteren Epos zurück, das zwar eine Stunde kürzer ist als der Vorgänger, aber von der Qualität her "Trauma" atmet seinen Nacken. Die epische Länge beider Alben sollte den Hörer aber nicht zurückhalten, denn das hier ist wirklich fesselndes Material von Anfang bis Ende, dunkle Progressive/Thrash-Scheiben, die nichts von dem vermissen lassen, was das Repertoire von Anacrusis zu einem der beliebtesten in der Szene gemacht hat. "Trauma" ist dynamischer und ein bisschen weniger atmosphärisch, was an der geringeren Anzahl der Balladen liegt. Hier sind es nur drei, die sich jeweils einem bestimmten Segment zuwenden aus dem balladesken Bereich, ansonsten bestimmt eine brachiale Kombination aus Progressive und Thrash die Handlung, das schnellere Material pulverisiert, vielschichtige Thrasher voller voller inbrünstiger Tempowechsel und abrupter Stimmungswechsel. Das Herzstück des Albums ist die 11-minütige Odyssee "The Orphan", eine zusammenfassende Reise durch alle Ecken und Winkel des des Anacrusis-Katalogs, ein fesselndes Epos, wie es Anacrusis bzw. Nardi noch nie versucht haben.

Wir wollen glauben, dass die Anacrusis-Fans bereitwillig ins Nardi-Lager gewechselt sind, das in nicht allzu regelmäßiger Folge deftige Genüsse verspricht. Das ist auch gut so, solange er einen ganzen Vormittag füllen kann, wird er bei allen ganz oben auf der Liste stehen.

Für Fans von: Anacrusis, Nevermore, Atheist, Voivod, Forbidden, Control Denied

SCHANDMAUL, die unangefochtene Speerspitze des deutschen Mittelalter Folk Rocks, enthüllen ihren neuesten Geniestreich und lassen wahrlich den Knüppel aus dem Sack. Das elfte Album der deutschen Ausnahmekünstler erscheint am 10. Juni 2022 via Napalm Records. Seit ihrem 1999 veröffentlichten Debütalbum, Wahre Helden, sind die Münchner ein Garant für hochkarätigen und niveauvollen Folk-Rock voller spannender, fesselnder Erzählungen, dargeboten durch genretypische Instrumente wie Dudelsäcke, Drehleier
und Folk-Flöten und gekrönt von der unverwechselbaren Sangeskunst von Vocalist Thomas Lindner. Mit sechs #10 Alben in den deutschen Charts (darunter das #1 Werk Leuchtfeuer, 2016, und zuletzt Artus auf #2, 2019), zwei Nominierungen für den Echo Award, Gold-Status für Traumtänzer (2011) und Unendlich (2014), erfolgreichen Touren und zahlreichen Festivals, wie etwa dem Wave Gotik Treffen, M’era Luna und dem legendären Wacken Open Air, sowie Millionen Streams auf digitalen Plattformen haben SCHANDMAUL sich an die Spitze der Folk Rock Szene vorgearbeitet. 2022 beweisen SCHANDMAUL erneut, dass sie diesen Standpunkt erobert haben, um dort zu verweilen!

SCHANDMAUL demonstrieren mit ihrem stimmungsvollen Folk Rock und dem neuesten Ausrufezeichen, Knüppel aus dem Sack, einmal mehr instrumentale Klasse voller wohltuender Unbeschwingtheit und zaubern einen weiteren Meilenstein in ihrer fast 25-jährigen Bandgeschichte!

On textstar+ Jan Jelinek brings together the material from the CMYK series, four EPs he released between 1999 and 2002 under the pseudonym farben (the German word for both colours and paints), on a vinyl double LP for the first time. The selection of tracks has been remastered from the original tapes, joined by two additional pieces that appeared on compilations during the same period.

A Polaroid. Still life with tangled leads and consumer electronics, late twentieth century. Black and various shades of dirty white are the dominant non-colours. The image’s spatial depth remains diffuse, the links between its elements speculative. A note stuck to the wall (a legend, perhaps, or an all-explaining blueprint in text form?) is impossible to decipher. You can’t see what connects the picture’s signs. You have to hear it.

farben says: Every sound is a text. A bearer of meaning in search of a reader. Hoping the ideas inscribed in its autonomous existence will be understood as intended. While its beauty lies precisely in misunderstanding, in reading the coded message a new way every time. A thousand colours of sound, a thousand different ways to hear, to see, to understand.

On textstar+ Jan Jelinek brings together the material from the CMYK series, four EPs he released between 1999 and 2002 under the pseudonym farben (the German word for both colours and paints), on a vinyl double LP for the first time. The selection of tracks has been remastered from the original tapes, joined by two additional pieces that appeared on compilations during the same period. Another new element is the Polaroid, showing the origins of a world: Jelinek’s home studio in Berlin at the time.

farben says: Move your body! The project has its roots in Jelinek’s love of house as a reductionist vision of soul. Of four to the floor as a proposition that can be accessed anywhere. Of electronic dance music as a realm of possibility that can be continually expanded. farben was written as contemporary house music. As a text about excitement and euphoria. The arrangements were made directly while recording to DAT, on a twelve-channel mixing desk. Several track titles suggest a link to live concerts, coupled with the context of machine music and bedroom recording. Others affirm pop music’s most extravagant stock phrases about various states of love.

Jelinek produced the tracks with the aim of making music for dancefloors. An idea that failed very productively. In the locations to which it was originally addressed, the project barely figured. But people did listen, and they listened all the more closely to this music that opened up new acoustic and associative scope for house. farben is the opposite of genre: a music spawning new terms (clicks & cuts, micro-house) that never manage to fully capture it.

farben says: Signifiers. The four CMYK EPs are designed as a network of references that cannot be missed but that can also never be precisely deciphered. The vectors of sound, word and image point to Isaac Hayes and Ornette Coleman, to Detroit and the first generation of the Red Army Faction, to Karl Marx and Friedrich Engels. So multifarious that they are distorted to the point of recognition. Overall we hear sonic docufictions whose appealing vagueness derives precisely from this oscillation between clarity and ambiguity, which is also the source of their poetry: the lyricism of the pure circulation of signs.

The artwork is based on photographs of former Red Army Faction members, broken down into the four colours of the CMYK model. The motifs dissolve into individual dots of a single colour, so close to the faces that their expressions are only hinted at. Taken together, the individual colours compose a new whole out of fragmentary material, defying definition and thus maintaining their vibrancy. The same occurs on the level of sound. The sampler Jelinek used for these tracks had to be fed with floppy disks, imposing a memory limit of 1.44 megabytes per audio quotation from soul or jazz records. As a necessary consequence of this, the individual references, like the dots of colour, are dissolved into details and abstractions. They appear as splinters that recombine in new ways to create new meanings. The joy of collapsing metaphors.

farben says: New departures. Even two decades after its original release, textstar+ does not come across as an epitaph to the modern era. Instead, it appears as a euphoric affirmation of the utopias of the twentieth century, translated into new sound texts via the aesthetic strategies of abstraction, collage, networking and speculation. 1.44 megabytes of history, one thousand signifiers, one album. From “Live ...” to “... Love”.

Arno Raffeiner, 2021

Es gibt eine Dub-Serie die seit Jahren für Furore sorgt, und das seit der VÖ der "KING SIZE DUB 1" (damals in Zusammenarbeit mit dem Kult-Magazin SPEX) im Jahre 1994! In der Serie gab es immer wieder Ausflüge zu obskursen Zählweisen (Vol.69) und Specials über bestimmte Regionen (Dub In Germany), Labels (ON-U Sound Records aus London) oder Bands (Dubmatix aus Toronto)! Wunderbar, dass nun mit KSD 25 eine weitere Compilation der Reihe Dub als vielschichtige Kunst des Klangmischens darstellt. Im Rahmen dieser Ausgabe dubben sich alte und neue Freunde des Hauses Echo Beach gegenseitig oder präsentieren eigene Versionen von Pop- und Reggae-Hits von u.a. Ramones, Bob Marley, Blondie, Robert Palmer und David Bowie. Die Musik suggeriert Sonnenschein und Sound Systems, heissen Sand und coole Drinks, der Bass schlurft gelassen aber auch aufreizend rebellisch. Dub ist die Kunst des Disk Jockeys, den sie zunächst in Jamaika zum Star erhoben haben. In den Fünfzigern waren dort Musikmobile, die "Sound Systems", der Ersatz für fehlende Radiosender. Die auf Exklusivität bedachten DJs nahmen ihre Hitsingles bald selbst auf, mit instrumentalen Rückseiten für Ulk und Ansagen. Ende der Sechziger verselbständigte sich dieser Dub durch den technischen Fortschritt. King Tubby und Lee "Scratch" Perry spielten mit Hall, Echo und rückläufigen Bändern. Dub löste sich von Jamaika, ging nach New York oder London, wo er in seiner Militanz gut zum Punk passte.

Die größten Schlager des Jahres 1952 auf einer Vinyl. Ein
Fest für alle Schallplattenliebhaber. 14 Original Hits von den
Original Interpreten ! Diese Vinyl eignet sich natürlich auch
perfekt als Geburtstagsgeschenk.

Hier werden Erinnerungen wach, wenn Peter Alexander, Lale
Andersen, Zarah Leander uvm. ihre Hits zum Besten geben.

Incl. Schacke Remix

Having been extensively road-tested this past year by DJs including Daniel Avery, HAAi and Gerd Janson, Highdive arrives with tangible anticipation. The work of less-than-shadowy figures Gramrcy and John Loveless, the pair have passed lockdown and beyond remixing artists such as WH Lung, Discovery Zone and Ghost Culture. Debuting their first original material, closely following Gramrcy’s recent appearance on Loveless’s own Hot Concept imprint, Highdive is a long-anticipated explosion of energy.

Built around a sonic-boom breakdown, glossy rave chords and pounding post-punk drums, Highdive feels immediately at home on Phantasy. Having worked closely alongside founder Erol Alkan in recent years to shape the imprint's diverse output, Loveless' collaboration with the Peach Discs founder nods to the electro landscape of the label's earliest days. Having never left dance floors since, Gramrcy & John Loveless take a golden opportunity to plunge dancers into the sublime and the ridiculous.

While a stripped-down ‘Beats Mix’ sees the pair adopt a less-maximal approach, leave it to Schacke to stretch Highdive into hardcore rave heaven. The already-influential Copenhagen artist underscores his refreshing funk in the ‘fast-techno’ scene through which he has risen, turning the screws and upping the tempo with intense but elastic results.

Am Freitag, den 13. Mai gilt es erneut die Tanzschuhe auszupacken: Florence + The Machine veröffentlichen ihr neues Album „Dance Fever“!

Mit 14 brandneuen Songs wirbelt Frontsängerin Florence Welch sich in die Ohren und Herzen von Fans und erkundet in dem Album die pandemiebedingte Sehnsucht nach dem kollektiven Miteinander in Clubs und Festivals, gesellschaftliche Stereotypen und dem Tanzen. Das historische Phänomen der „Choreomanie“, auch bekannt als „Tanzwut“, in welcher sich große Menschenmengen im Spätmittelalter bis zur Erschöpfung oder gar zum Tode dem Tanz hingaben war eine besondere Inspiration für die Frontfrau, die aufgrund der Pandemie mal einen heißersehnte und dann doch schreckliche Pause im ordentlich gefüllten Touring-Kalender erdulden musste.

Weiter inspiriert von Horrorfilmen wie „The Wicker Man“, „The Witch“ und „Midsommar“, sowie düsteren Gothic Fiction-Texten erschuf sie zusammen mit der Regisseurin Autumn de Wilde eine magische, nahezu ekstasische Welt.

Das Album wurde produziert von dem sechsfachen GRAMMY Gewinner Jack Antonoff (Bleachers), Dave Bayley (Glass Animals) der zuletzt mit „Heat Waves“ die deutschen Charts eroberte und Florence selbst. „Dance Fever“ erscheint als CD, Deluxe CD und 2LP.

Pure Reason Revolution kehren im Mai 2022 mit ihrem fünften Studioalbum 'Above Cirrus' zurück, ihrem zweiten seit ihrer Wiedervereinigung im Jahr 2019. Die Wiedergeburt der Band sah sie zu ihren frühesten Einflüssen zurückkehren, und 'Above Cirrus' sieht sie immer tiefer in die atmosphärischen, cineastischen Psych-Prog-Kompositionen eindringen, die 'Eupnea' zu einer so begeistert aufgenommenen Rückkehr machten. Basierend auf dem Kerntrio Jon Courtney, Chloe Alper und Greg Jong gelingt es dem neuen Album, die Klangpalette der Band noch weiter zu erweitern. Das Album, das wieder einmal von der Berliner Künstlerin Jill Tegan Doherty gemalt wurde, erscheint als limitierte CD, Gatefold 180g LP+CD und als digitales Album. Die Band wird im April 2022 zusammen mit Gazpacho auf Europa-Tournee sein.

Greg Dowling and Shane Johnson return to the Go Deep label for their third album, ‘This Bit of Earth’. Beginning work in the relative normality of 2019 and finishing over the strange summer of 2020, the resulting music mirrors the thoughts that such upheaval brings out - our world and our place in it - while also functioning as a kind of travelogue of journeys past and planned, real and imaginary.

Mixing samples with modular synths, programmed drums with jazz loops, and quirky plugins with outboard gear, the album ranges far and wide while retaining a warm, natural core sound.

The title track opens proceedings on an ambiguous note. A simple double bass motif weaves around a misheard vocal sample, layers of piano and vibraphone take up the call, and the whole thing gradually spins off axis to a distorted, disjointed finish. ‘Suburban Key’ follows on a groove of busy drum work and deep sub bass, the stately piano and strings setting the stage for an undulating synth solo.

Further in, ‘Alice on Jupiter’ takes a deep breath and blends field recordings, gently swelling pads, modular bursts and a recurring picked melody.

‘Back Trace Dub’ strolls the imagined streets of Irish author Kevin Barry’s ‘City of Bohane’, noting the “taint of badness” in the air and revelling in the tense, dub-noir atmosphere. Later on, the spoken word intro of ‘I Could See’ expresses the dread of confinement and the relief and ecstasy of release, a theme the music reflects as it steadily builds to a joyful climax.

And closing the album on an optimistic note, the languid, emotional Culatra Ferry remembers better, beautiful days in the sun and looks hopefully forward to more.

“Highlights are the stunning sonics of Suburban Key, with its dusty groove and fast paced drums, stately piano, and cinematic strings reminiscent of a Four Hero orchestral masterpiece. High As Scaffold is full of warmth and soul and is yet another example of Fish Go Deep going even deeper into the dark blue waters of their brilliant musical minds.” Ban Ban Ton Ton review, Japan

“So good. Real beauty” Laurent Garnier, Radio FG, France

“Really liking this, would love to support on radio” Colleen 'Cosmo' Murphy, WorldwideFM, UK

“Lovely album” Osunlade, Yoruba Soul, US

“Very very nice album...love the new directions here” Charles Webster, Openlab, SA

“Absolutely beautiful piece of work” Darimont, RWAV, Germany

“A lovely LP of eclectic sounds” Jimpster, Freerange Records, UK

“Delightful album this. Very much appreciate the musicianship and we need that in the world right now as the commercial music world starts to fire up its nonsense for the new beginning” Vince Watson, Yoruba, Netherlands

“Such a fucking great body of work, and on par with ANY of the great albums I've listened to recently” Billy Scurry, Ireland

“There’s some REAL magic here. Possibly the deepest year from this duo” Charles Levine, Soul Clap, US

“A fabulous surprise. I'm sure if he were still alive Jose Padilla would have hailed this as his number one album of the year, it certainly is mine” Steve Miller, Afterlife, UK

“Great album... will play in next shows” Franck Roger, Real Tone, France

“Beautifully produced and great atmospherics” Ashley Beedle, Black Science Orchestra, UK

Radio and DJ support from Ron Trent, Hector Romero, Ame, Cian Ó Cíobháin, Bill Brewster, DJ Sprinkles, Harri, Honey Soundsystem, Alexkid, Moodymanc, Hifi Sean, Kassian, Freddie Garcia, 6th Borough Project, Stuart Patterson, Lars Behrenroth, Fred Everything, Mark Roberts, Cut n Shut, Will McGiven, Stefano Tucci, Tristan Jong, Matthias Schober, Trevor Fung, Ben Davis, Max P and more.

Willie ist zurück mit seinem 72. Solo-Studioalbum. Ein spannendes Album mit neuem Studiomaterial, das mit seinem langjährigen Mitarbeiter Buddy Cannon produziert wurde. Es erscheint zu Willies 89. Geburtstag und zeigt, wie produktiv er nach wie vor ist, denn das Album enthält einige seiner besten Songs und Performances seit Jahren! Die 14 Tracks beinhalten 5 erstaunliche neue Willie Nelson/Buddy Cannon Kompositionen, neue Songs von Chris Stapleton & Rodney Crowell (die erste Single "I'll Love You Till The End Of Time") und einer Reihe von Top-Songwritern aus Nashville, sowie einige Coverversionen von Leonard Cohen ("Tower Of Song") und den Beatles ("With A Little Help From My Friends"), die von Willie gekonnt interpretiert werden.Le jour de son 89ème anniversaire c'est Willie Nelson qui nous fait un cadeau avec son nouvel album studio. Parmi ses nombreux charmes musicaux, A Beautiful Time présente une variété de futurs classiques popcountry, dont cinq nouvelles compositions de Willie Nelson/Buddy Cannon et des contributions de certains des meilleurs auteurs-compositeurs contemporains de Nashville. L'album présente également des reprises convaincantes de «Tower of Song» de Leonard Cohen et de «With a Little Help from My Friends» des Beatles.

In "Das eine Leben" blickt Marius Müller-Westernhagen nicht nur auf seine ganz eigenen Erfahrungen in den letzten zwei Jahren zurück, sondern greift auch gesellschaftskritische Themen auf, die aus Sicht des Künstlers in der sogenannten Corona-Zeit noch radikaler freigelegt worden sind. Marius' Sprache ist noch deutlicher und klarer als auf früheren Alben, seine Texte zeigen seine Haltung und seinen ehrlichen Blick auf die Welt von heute. Produziert wurde das Album in New Jersey gemeinsam mit Larry Campbell. Marius hat im Zuge des Albums auch die Arbeit mit dem Fotografen Olaf Heine wieder aufgenommen, sämtliche Aufnahmen der Kampagne, sowie das Video zu "Zeitgeist" wurden von Olaf Heine in Berlin gemacht.Das Album "Das Eine Leben" erscheint am 20.05.2022 als CD, Vinyl und Vinyl-Hardcoverfotobuch inkl. 7" mit zwei Bonustiteln.

In "Das eine Leben" blickt Marius Müller-Westernhagen nicht nur auf seine ganz eigenen Erfahrungen in den letzten zwei Jahren zurück, sondern greift auch gesellschaftskritische Themen auf, die aus Sicht des Künstlers in der sogenannten Corona-Zeit noch radikaler freigelegt worden sind. Marius' Sprache ist noch deutlicher und klarer als auf früheren Alben, seine Texte zeigen seine Haltung und seinen ehrlichen Blick auf die Welt von heute. Produziert wurde das Album in New Jersey gemeinsam mit Larry Campbell. Marius hat im Zuge des Albums auch die Arbeit mit dem Fotografen Olaf Heine wieder aufgenommen, sämtliche Aufnahmen der Kampagne, sowie das Video zu "Zeitgeist" wurden von Olaf Heine in Berlin gemacht.Das Album "Das Eine Leben" erscheint am 20.05.2022 als CD, Vinyl und Vinyl-Hardcoverfotobuch inkl. 7" mit zwei Bonustiteln.

Double black vinyl LP, compiling the rare Home Recordings of Sandy Denny. Never pressed to vinyl and in partnership with the Sandy Denny estate. Twenty-seven 1960s recordings of pre-Fairport Sandy Denny – nearly all making their vinyl debut! This essential collection includes two different demos of her classic “Who Knows Where the Time Goes” (and other songs penned by her – some later recorded by Fairport), plus heartfelt covers of songs by Jackson C. Frank, Fred Neil, and traditional folk songs. The definitive collection of Denny’s home demos and authorized by her estate.

Rock'n'Roll hits adapted and sung in Italiano to seduce an exotic and difficult music market. A tradition that saw many stars (Mick Jagger, Françoise Hardy...) test their pronounciation skills with swinging (but always very fun) results. Now its The Courettes' turn, to translate two of their newest songs for a special limited single 7'', released in time for their southern Europe tour and the Record Store Day 2022. Anzi, LE FAVOLOSE COURETTES, volevamo dire “the real deal” (Vive Le Rock, UK) “the real sound of now busting through your door” (Rolling Stone, USA)! “the world’s greatest two person rock n’ roll ensemble” (The Next Big Thing, UK) “Your new favourite band once you ve heard them!” (Louder Than War, UK) The Courettes. “A force to be reckoned with. Matching the garage rock ferocity of The Sonics to prime early 60s girl group, the band’s output is utterly feral in the most addictive possible way. Reminiscent of The Ronettes given a Ramones style overhaul, their evil charms arrive covered in blood-soaked glamour. Twanging guitar and raucous percussion, a wild head-long charge into the unknown.” (The Clash Magazine, UK) The Courettes is an explosive rock duo from Denmark and Brazil who found the perfect blend between garage rock, 60s Girl Group, Wall of Sound, surf music and doo wop. Like The Ronettes meet The Ramones at a wild party at Gold Star Studios echo chamber. Praised by the biggest music magazines around the world, in 2020 the band signed with legendary British label Damaged Goods, putting them on the same roster as top international rock icons like Buzzcocks, Manic Street Preaches, Atari Teenage Riot, New Bomb Turks, Amyl and the Sniffers, Billy Childish, Captain Sensible and many others. Their last and third album, “Back in Mono” was released in the Fall 2021 and is a truly milestone in the career. The album brings the band in top form, showing great songwriting skills and with broader nuances, influences and sound qualities to their garage rock recipe. Their last singles, “Want You! Like a Cigarette”, “Hop The Twig” and “R.I.N.G.O.” all got airplay at BBC 6 Radio in England and radio stations in Europe and the USA. “Back in Mono” got top reviews in the main music magazines like Mojo, Classic Rock and Shindig and was featured in countless Best Albums of 2021 lists: “Exuberant third release, a giddying rush of noise” (MOJO, UK) 4 out of 5 stars “Seems like the best record you’ve ever heard. A rock n’ roll sacrament from your new favourite band.” (Classic Rock Magazine, UK) 9 out 10 stars “Sensational good album!” (Ox Magazine, Germany) 9 out of 10 stars “Just keeps getting better and better” (Shindig!, UK) 4 out of 5 stars “Fantastic album” (Louder Than War, UK) 4,5 out of 5 stars “A complete riot” (The Arts Desk, UK) 4 out of 5 stars “14 new original tracks–all killer” (Add to want list, UK) “The whole album is one long highlight” (UK Rock n’ Roll) “Exciting combination of Wall of Sound and Fuzz” (El Periodico, Spain) 4 out of 5 “A collection of perfect songs, full-blown instant classic” (Triste Sunset, Italy)