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Die vier Musiker aus Rosenheim sammelten schon viele Jahre Erfahrung in verschiedenen Bands, bevor sie 2013 gemeinsam ein neues Projekt starteten. Zum ersten Live-Auftritt musste zwangsläufig ein Bandname her: die Wahl fiel auf Koriander. Warum und wieso weiß keiner mehr so genau. Den Stil kann man grob mit Rock, 80er-Sound, Pop und deutschsprachigen Texten umschreiben. Insgesamt recht breit gefächert, manche Songs klingen kompromisslos, grob & laut, andere dann eher wieder ruhig und einfühlsam. Eine eigene, außergewöhnliche Mischung die fesselt und mitreißt. Nach gut 10 Jahren gemeinsamen Musizierens erscheint 2024 nun das langersehnte Debüt-Album auf Trikont, dem wahrscheinlich ältesten Indielabel der Welt. mal rockig, mal bluesig, mal punkig - echt - Out of Rosenheim Koriander aus Rosenheim, das ist die musikalische Symbiose von vier gereiften Musikern, die seit nunmehr 10 Jahren ihr Publikum mit einer heißen Mischung aus progressiven "80s Trash Pop" ehrlichen Rock"n"Roll und gradlinig philosophischen Liedern begeistern. Eine Rhythmusabteilung wie ein Brett, eine umtriebige Gitarre und eine ordentliche Portion Seele in der Stimme machen den Sound very unique. Die kompromisslose Liveshow schließt den Kreis. Neue innovative Musik aus der Provinz mit außergewöhnlichen Texten die man nicht so schnell vergessen wird.

20 Jahre sind vergangen seit "the Gimmes" die Bar Mitzvah eines
gewissen Johnny zerstört haben, und die beste Punkrock-Coverband ist jetzt zurück, um eine weitere Coming-of-Age-Zeremonie
zu ruinieren. Diesmal war es, wie der Albumtitel verrät, die
Quinceañera einer jungen Dame namens Madison. Angefangen
mit Black Sabbaths "Changes" über ABBAs "Dancing Queen"
oder Olivia Rodrigos "Good 4 U" bis hin zu Dolly Partons "Before
The Next Teardrop Falls" wird die Party erfolgreich gekapert.

Top-Mixtape-Collage von Death Is Not The End mit Auszügen aus Soundsystem-Tapes aus Manchesters berühmter Street-Soul-Szene der späten 1980er bis Mitte der 1990er Jahre. Jetzt auch auf Vinyl. Cut-Up-DIY-Kassettenaufnahmen von Broadway, Stereo Dan & Soul Control, die von 1988 bis 1996 bei Dance- und Blues-Partys in Süd- und Zentral-Manchester auflegten

"Den Bildschirm zur Verbrechensbekämpfung einzusetzen, das, meine Damen und Herren, ist der Sinn unserer neuen Sendereihe Aktenzeichen XY Ungelöst, die ich Ihnen heute vorstellen möchte." Mit diesen Worten begrüßte Eduard Zimmermann am 20. Oktober 1967 die Zuschauer des Zweiten Deutschen Fernsehens. Es war die erste Ausgabe eines neuen Sendeformats das, so weiß man heute, (Fernseh-)Geschichte schreiben sollte.

Die Idee zu diesem Projekt kam der Tramp Mannschaft, wie so oft, eher zufällig in den Sinn. Es war Ende der 1980er Jahre, als wir zum ersten Mal Eduard Zimmermann am Bildschirm bestaunten. Damals war offensichtlich nicht die Musik ausschlaggebend, sondern das Gesamtpaket XY. Zum einen der sachliche Moderationsstil des Protagonisten, zum anderen die spannenden, jedoch immer behutsam produzierten Filmbeiträge von Kurt Grimm. Die XY Fan-Gemeinde ist sich einig, dass durch seine außergewöhnliche Regiearbeit der filmischen Rekonstruktion der Fälle maßgeblich zum Erfolg von XY beigetragen hat. Des Weiteren waren es die Sprecher der Filmbeiträge, allen voran Wolfgang Grönebaum, der zwischen 1967-1989 mit seiner markanten Stimme des öfteren für Gänsehautmomente bei den Zuschauern sorgte. All das würde aber ohne die passende Begleitmusik nicht funktionieren. Und so ist das letzte Puzzlestück welches XY den Kultstatus einbrachte die Kompositionen die für die Filmbeiträge benutzt wurden.

Nun fndet sich auf dieser (Bio*-)Schallplatte aber keineswegs Musik von XY aus den 1980er Jahren. Wie ihr wisst schlägt das Tramp Herz, bis auf wenige Ausnahmen, für die Musik der '60er und '70er. Als wir vor einigen Jahren auf XY-Folgen der Anfangszeit stießen war schnell klar: da muss eine Schallplatte her! Und genau diese kann man nun als Resultat unserer Leidenschaft in den Händen halten. Längst überfällig möchte man meinen. Ein besonderer Dank geht hierbei an den Komponisten Ernst-August Quelle aus dessen Hand alle Titel auf diesem Album stammen.

Eduard Zimmermann hat mit Aktenzeichen XY... Ungelöst Fernsehgeschichte geschrieben. Wir, die Tramp Crew, ist mehr als stolz ihm und seinen Fans mit dieser Schallplatte ein Denkmal gesetzt zu haben. Gern geschehen.

*Die LP stellt die erstmalige Veröffentlichung aller Titel auf Tonträger dar und erscheint in einer limitierten, handnummerierten Auflage von 500 Stück, gepresst auf BIO-VINYL (Ersatz von Erdöl in S-PVC durch Recycling von u.a. Altspeiseöl =>100% CO2-Einsparung), mit einem Text von Peter Hohl, der zwischen 1967 und 1979 engster Mitarbeiter Eduard Zimmermanns war.

Dieser Tage erscheint das Ted Kessler Buch "To Ease My Troubled Mind: Die autorisierte unautorisierte Geschichte von Billy Childish". Als die Idee für das Buch die Idee für das Buch aufkam, wollte Billy ein prägnantes Doppelalbum zusammenstellen, das die 47 Jahre seines musikalischen Schaffens zusammenfasst. Dies ist das Ergebnis. Mein Name ist William Ivy Loveday, alias Steve Hamper, alias Guy Hamper, alias Jack Ketch, alias Billy Childish. Ich wurde in Medway, Kent, geboren, wo ich immer noch lebe. Ich verließ die Schule 1976, als ich 16 war. Da ich keinen Schulabschluss hatte, wurde ich von der Kunstschule abgelehnt und ging in der Werft von Chatham als Steinmetzlehrling arbeiten. Später schaffte ich es, aufgrund meiner Bilder in einen Malkurs an der St. Martin's School of Art aufgenommen zu werden. Ich, Bruce, Big Russ und Little Russ gründeten 1977 The Pop Rivets und machten unsere ersten Aufnahmen. Unsere Inspiration war Punkrock, TV21 und The Swinging Blue Jeans. Ich lernte Gitarre zu spielen und arbeitete 1979 vier Wochen lang im Oakwood Mental Hospital als Pförtner, dann gründeten ich, Mick und Bertie The Milkshakes. Unsere Inspirationen waren Link Wray, die Beatles-Live-at-the-Star-Club-LP, der Song "Gotta Get the First Plane Home" von den Kinks und unser Hass auf die New Romantics-Szene. Dann wurde ich von der St. Martin's School of Art verwiesen, weil ich etwas geschrieben hatte, das als "die schlimmste Art von Toilettenwand-Humor" bezeichnet wurde. Ich verprügelte meinen Vater, als er aus dem Gefängnis kam, wo er wegen Drogenschmuggels gesessen hatte. Wir haben uns bei The Milkshakes nie selbst bezahlt und das ganze Geld in die Herstellung unserer eigenen Platten gesteckt. Ich bewahrte das Geld auf einem Bankkonto unter dem Namen Kurt Schwitters auf. Ich lebte 12 Jahre lang von der Sozialhilfe. Im Jahr 1985 gründeten wir Thee Mighty Caesars. Unsere Inspiration waren Bo Diddley und The Troggs. Ich wurde Mitglied von Greenpeace. 1989 gründeten Bruce und ich Thee Headcoats. Unsere Inspiration waren Son House und Downliners Sect. 1999 gründeten ich, Wolf und Johnny Barker The Buff Medways. Unsere Inspiration war Jimi Hendrix in Beatle-Stiefeln und The Who, bevor Roger Daltry anfing, die Vorhänge seiner Oma zu tragen. Etwa 2008 gründeten Julie und ich The Musicians of the British Empire. Daraus wurde dann CTMF. Daraus wurden dann die Chatham Singers. Unsere Inspiration basierte auf uns selbst. Als Nächstes war es an der Zeit, dass Neil und ich die Spartan Dreggs gründeten, inspiriert von Homer und A. E. Housman. Andere Gruppen entstanden und zerfielen - damit niemand wusste, wer wir waren oder warum. Im Jahr 2019 entstand The William Loveday Intention - inspiriert von Hollis Brown und den Mississippi Sheiks. Das Guy Hamper Trio tauchte noch einmal auf, zusammen mit Jamie an der Hammond. Einige dieser Gruppen sind geblieben, viele haben sich zu fernen Ufern mit scharfen, versteckten Felsen aufgemacht. Hauptsächlich male ich und schreibe Gedichte und Romane. Zusammen mit der Musik, die ich spiele, ist nichts, was ich tue, jemals besonders modisch gewesen, aber genau darum geht es auch. Schon 1977 haben wir gerne Nein gesagt. Dann, als der Punk sich in New Romantic verwandelte, fielen wir in den frühen Rock 'n' Roll und den Blues zurück. Bei The Milkshakes sagte man uns, dass wir zu viele LPs veröffentlichten und damit kommerziellen Selbstmord begingen, also brachten wir an einem Tag vier verschiedene LPs heraus. Ab und zu kommt jemand Berühmtes vorbei und ein kleiner Krümel rollt über den Tisch und spritzt in unsere lauwarme Suppe. Ein anderes Mal eifern uns Unbekannte nach und erweisen sich nur als besser. Ich liebe Pop, aber keine Popstars. Ich interessiere mich nur für Klang und Farbe und das in einem kleinen Maßstab zu sein. Ich verstecke mich nicht hinter Lautstärke und Off-Stage-Mixing. Ich brauche keine Show zu spielen, weil ich lieber daheimsitze und eine Tasse Tee trinke. Meine Arbeit gehört nach unten, zum Instinkt und zum Elementaren, und ist nahe am Boden. Ich glaube an selbstgemachte Musik, selbstgemachte Kunst und selbstgemachtes Kochen. Die Musik war über die Jahre hinweg ein lohnendes Hobby. Ich habe viele gute Freunde getroffen und mit ihnen gearbeitet, und Gott hat mich vor dem Ruhm bewahrt. Ich möchte die Straßenbahn und das Pferd zurückbringen.

Das Berliner Projekt Sprung Aus Den Wolken gehörte Anfang der 1980er Jahre zusammen mit den Einstrüzenden Neubauten und Mechanik Destrktiw Komandh zur Bewegung der "Genialen Dilletanten". Die Band veröffentlichte 1981 zunächst eine EP auf ZickZack, gefolgt von 1982 und 1983 folgten weitere Veröffentlichungen auf dem bandeigenen Label Faux Pas, dann auf dem französischen Vertrieb Les Disques Du Soleil Et De L"Acier bis 1991. Der Titel "Pas Attendre" war Teil des Soundtracks von Wim Wenders Film "Der Himmel über Berlin" und wurde so zu einem Underground-Hit. Bureau B freut sich, die Debüt-EP unter dem Titel "1981 West Berlin" mit weiteren Songs aus den Anfangstagen der Band wieder zu veröffentlichen, die sorgfältig von den Original-Kassetten remastert wurden.

Mit Kasabian meldet sich eine der größten und wichtigsten britischen Rockbands in neuer Stärke mit einem brandneuen Studioalbum zurück! "Happenings" erscheint am 5. Juli 2024 via Columbia Records. Mit "Happenings" legen Kasabian ihr 8. und gleichzeitig eines ihrer besten Studioalben vor, wie die UK-Formation bereits mit der vorab ausgekoppelten Lead-Single "Call" beweist, die mit ihrem massiven Synth-Riff, den packenden Background-Chören und dem unaufhaltsamen Groove den Grundton des neuen Longplayers setzt. "Call" stellt den ersten Song dar, den Serge Pizzorno für das neue Album schrieb - ein Track, der nun einen ersten Ausblick auf die Verlockungen bietet, die Kasabian diesmal für ihre Fans im Gepäck haben. Mit dem Nachfolger ihres 2022 veröffentlichten Top 1-Albums "The Alchemist`s Euphoria" legen Kasabian auf "Happenings" zehn schnelle, geschliffene und hochdosierte Power-Tracks vor, die von der "Anything Goes"-Kunstrichtung der späten 1950er-Jahre inspiriert wurden. Während die Band einen scharfen Schlenker vom Dancefloor in Richtung Moshpit macht, wurden Tracks über drei Minuten rigoros aussortiert (jedenfalls fast). Insgesamt kommen die zehn Stücke auf eine Spielzeit von 26 Minuten ("Eine Minute kürzer als das Debütalbum der Ramones damals"). Mit anderen Worten: "Happenings" ist ein zwar kurzes, aber dafür um so intensiveres Hörvergnügen, das süchtig nach mehr macht. Alle Songs wurden in Pizzornos Homestudio The Sergery geschrieben und aufgenommen, bevor Serge und Co-Produzent Mark Ralph (Zara Larsson, Clean Bandit, Rudimental) sich gemeinsam an die Endfassung machten.

Mit Kasabian meldet sich eine der größten und wichtigsten britischen Rockbands in neuer Stärke mit einem brandneuen Studioalbum zurück! "Happenings" erscheint am 5. Juli 2024 via Columbia Records. Mit "Happenings" legen Kasabian ihr 8. und gleichzeitig eines ihrer besten Studioalben vor, wie die UK-Formation bereits mit der vorab ausgekoppelten Lead-Single "Call" beweist, die mit ihrem massiven Synth-Riff, den packenden Background-Chören und dem unaufhaltsamen Groove den Grundton des neuen Longplayers setzt. "Call" stellt den ersten Song dar, den Serge Pizzorno für das neue Album schrieb - ein Track, der nun einen ersten Ausblick auf die Verlockungen bietet, die Kasabian diesmal für ihre Fans im Gepäck haben. Mit dem Nachfolger ihres 2022 veröffentlichten Top 1-Albums "The Alchemist`s Euphoria" legen Kasabian auf "Happenings" zehn schnelle, geschliffene und hochdosierte Power-Tracks vor, die von der "Anything Goes"-Kunstrichtung der späten 1950er-Jahre inspiriert wurden. Während die Band einen scharfen Schlenker vom Dancefloor in Richtung Moshpit macht, wurden Tracks über drei Minuten rigoros aussortiert (jedenfalls fast). Insgesamt kommen die zehn Stücke auf eine Spielzeit von 26 Minuten ("Eine Minute kürzer als das Debütalbum der Ramones damals"). Mit anderen Worten: "Happenings" ist ein zwar kurzes, aber dafür um so intensiveres Hörvergnügen, das süchtig nach mehr macht. Alle Songs wurden in Pizzornos Homestudio The Sergery geschrieben und aufgenommen, bevor Serge und Co-Produzent Mark Ralph (Zara Larsson, Clean Bandit, Rudimental) sich gemeinsam an die Endfassung machten.

Ursprünglich im September 2000 auf Science/Virgin veröffentlicht, festigte Solaris Rupert Parkes' Rolle als unverwechselbare Kraft im Bereich des Underground-Dance und führte einige seiner Zuhörer in die Irre, indem es sich vom mathematischen Drum and Bass seines Debüts Modus Operandi entfernte. Diese Wiederveröffentlichung wird hier mit akribischer Aufmerksamkeit für die Details der ursprünglichen britischen Erstpressung präsentiert und ist auf zwei 140g-LPs erhältlich. Modus Operandi wurde 1997 veröffentlicht und war sowohl ein Kritiker-Liebling als auch ein kommerzieller Erfolg, der Photek als eine Art schattenhafte Leitfigur in der Welt des Drum and Bass etablierte, nachdem er in den Jahren zuvor bei Metalheadz gelernt hatte. Solaris, das drei Jahre später erschien, wurde mit Spannung erwartet; hier spielte Photek mit Form und Genre. Glamorama mit seiner stark verhallten Bearbeitung der Stimme der Künstlerin Marie-Jos Jongerius klingt nicht unähnlich zu David Byrnes und Brian Enos klassischen Cut-ups von My Life In The Bush of Ghosts. Wo Solaris von seinem Vorgänger abweicht, ist der wunderschöne Deep-House-Sound von Mine To Give und Can't Come Down, die beide von der Chicagoer Legende Robert Owens gesungen werden und Photeks Techno-Seele mehr Herz verleihen. Wie um seine Kritiker zum Schweigen zu bringen, zeigten die unerbittlichen achteinhalb Minuten von Infinity, dass nur wenige die Grenzen von Drum and Bass so weit hinausschieben können wie Photek. Photek ist heute ein etablierter Film- und Fernsehkomponist in Hollywood. Dennoch wird seine Arbeit liebevoll in Erinnerung behalten und sehr respektiert.

Was klingt, wie die begehrteste Mailadresse der Klasse 11b, ist das zweite Album der Berliner Indie-Pop-Band Von Wegen Lisbeth und hört auf den einzigartigen Namen sweetlilly93 @ hotmail . com . Und wer Angst hatte, der einstige Geheimtipp sei drei Jahre nach dem Debütalbum GRANDE nun im Mainstream angekommen, kann sich beruhigt zurücklehnen: Von Wegen Lisbeth bringen zwar mittlerweile problemlos die Konzerthallen von Kiel bis Freiburg zum Tanzen, klingen aber trotz Refrains, die einem wochenlang im Ohr bleiben, auch 2019 noch angenehm sperrig und dabei stets unverwechselbar.

Auf dem nun erscheinenden Album kümmert sich die Band, die in ihrem Proberaum wohl genug skurrile Instrumente hortet, um jegliche Flohmärkte Neuköllns zu füllen, um die kleinen alltäglichen Momente ihrer Umgebung und sagt dabei dank pointierter Ironie trotzdem mehr über unsere Gesellschaft aus, als man manchmal wahrhaben möchte. Von Wegen Lisbeth erzählen von der unübersehbaren Gentrifizierung im Viertel, dem Döner an der Ecke und dem Schweigen, das manchmal lauter scheint als der Presslufthammer vor dem Fenster.

Nach ersten Supporttouren für die Kölner von AnnenMayKantereit oder Sven Regeners Element of Crime haben sich Von Wegen Lisbeth längst in der deutschen Musikszene etabliert, ihr Album GRANDE erntete zurecht positive Kritik, nun legen die Berliner mit sweetlilly93@ hotmail . c om musikalisch und textlich nochmal einen drauf. Bereits mit der Single Lieferandomann erscheint ein erster Vorgeschmack auf das neue Album.

»Ist das 2Pac oder Brecht? Swipe' ich nach links oder nach rechts?«

Sein drittes Studioalbum “The Learning Of Urgency“ erscheint Anfang Juni 2024 auf ODESZAs angesehenem Label, Foreign Family Collective.

Für Kasbo ist „The Learning Of Urgency“ ein extrem wichtiges Konzept. Das Songwriting kreist um das Thema Entschleunigung, da die letzten Jahre seines Lebens von einem Gefühl des akuten Drucks geprägt waren, der sich in einem unterbewussten Zwang manifestierte, ständig mehr zu erreichen und zu tun. Das Ergebnis hätte ihn fast seine Karriere gekostet, da er einen seltenen, stressbedingten Hörverlust entwickelte. Das Ende der Pandemie relativierte diese Stressfaktoren, und indem er sich mit ihnen auseinandersetzte, war er in der Lage, persönlich und beruflich wieder auf Kurs zu kommen und dieses neue Album zu schreiben. Vier Jahre lang nahm Kasbo „The Learning Of Urgency“ auf, während er hauptsächlich in Göteborg und Stockholm lebte. Er hatte die Gelegenheit, im geschichtsträchtigen Aufnahmestudio Riksmixningsverket (RMV) zu arbeiten, das auf der Insel Skeppsholmen in Stockholm liegt und dessen Besitzer:innen niemand geringeres als ABBA sind. Das Studio ist in einem 150 Jahre alten Lagerhaus untergebracht, das früher von der schwedischen Marine betrieben wurde. Kasbos Musik hat bis heute über 500 Millionen Streams erreicht. Er wurde mit dem schwedischen P3 Gold Award in der Kategorie „Dance Artist Of The Year“ ausgezeichnet und erhielt Lob von Billboard, The FADER, Stereogum und anderen. Mit seinen sich ständig erweiternden Fähigkeiten hat Kasbo als Live-Performer, DJ und Produzent die Dreifaltigkeit der modernen Tanzmusik erreicht.

Mit einer Mischung aus klassischem Südstaaten-Rock und modernem Country macht Kyle Daniel Blue-Collar-Musik für Rockclubs, Honky-Tonks und alles, was dazwischen liegt. Nach hunderten Live-Shows veröffentlicht Daniel via Snakefarm ein hymnisches Debütalbum, das bis zum Rand gefüllt ist mit Gibson-Grit, Telecaster-Twang und der hart erkämpften Unverwüstlichkeit eines Straßenkämpfers, der jahrelang sein Lehrgeld bezahlt hat.

Nach 30 Jahren wird EDGE OF SANITYs bahnbrechendes viertes Album "Purgatory Afterglow" nun remastert und sogar von Songwriter/Frontmann/Produzent Dan Swanö (Opeth, Dissection, Katatonia, etc) neu abgemischt. Die Wiederveröffentlichung des 1994 erstmals erschienenen Albums ist nun endlich wieder als Limited Deluxe 2CD Jewelcase mit O-Card (mit der "Until Eternity Ends" 4-Track EP als Bonus) und auf verschiedenen 180g-Vinyl-Editionen erhältlich. Mit dem eingängigen "Twilight", dem fulminanten "Of Darksome Origin", dem langsamen "Velvet Dreams" und EDGE OF SANITYs Durchbruchshit "Black Tears" ist "Purgatory Afterglow" ein Triumph des modernen Death Metal. Diese 30th Anniversary Edition enthält den Original-Mix/Master und als Bonus einen Total Mix Rework des Albums, den Swanö als "lebendig und frisch" bezeichnet. Entdecke EDGE OF SANITYs "Purgatory Afterglow" neu, bevor X-Machines uns alle auslöschen!

Im Jahr 2024 steht für CROCELL viel auf dem Spiel. Bewaffnet mit einem von Tue Madsen produzierten neuen Album planen die Dänen, ihren bösen Einfluss weiter auszubauen und alles zu verderben, was sich ihnen in den Weg stellt. „Of Frost, Of Flame, Of Flesh“ ist der Titel des Albums und zusammen mit der Tatsache, dass die Band kürzlich bei EMZ unterschrieben hat, hat es das Potenzial, Crocells großen internationalen Durchbruch zu werden, nachdem sie zuvor auf kleinen Underground-Labels unterwegs waren. Der dänische Metal hat eine Band nach der anderen aufflackern und aussterben sehen, aber nach 17 Jahren macht Crocell unbeirrt weiter und hat sich mit fast sieben Veröffentlichungen und über 100 Konzerten in mehr als zehn Ländern längst als unverzichtbare Größe in der dänischen Metalszene etabliert.

Ende 2022 unterzeichneten ALTAR OF OBLIVION einen Deal mit From the Vaults und veröffentlichten im letzten Jahr die "Burning Memories"-EP, die als Appetizer für ihr kommendes viertes Album diente. Aber NICHTS konnte vorhersehen, was kommen würde. "In The Cesspit Of Divine Decay", das neue Album der dänischen Epic-Doomer, ist ein Konzeptwerk, das auf dem Tagebuch von Gitarrist Martin Meyer Sparvaths Urgroßvater mütterlicherseits, Jesper Wilhem Meyer, basiert, der während des Ersten Weltkriegs (1914-1918) widerwillig für das Deutsche Reich kämpfte.

Die Vorbereitungen für dieses akustische Unterfangen begannen 2005, als die Band eine Demoversion dessen aufnahm, was sich Jahre später in das jetzt fertiggestellte Album verwandeln sollte, das ursprünglich das Debütalbum der frühen Duo-Inkarnation der Band sein sollte. Dieses Album enthält einige der ersten Kreationen der Band, und in vielerlei Hinsicht kann es als eine Art Altar Of Oblivion-Prototyp betrachtet werden, der ihr düsterstes und traditionellstes episches Doom-Werk hervorbringt und ausspuckt. Während und seit der Pandemie waren Altar Of Oblivion im Aufnahmemodus
und haben sowohl neues als auch altes Material fertiggestellt, darunter zwei Alben, zwei EPs und ein Akustikalbum, was der Band eine wohlverdiente Studiopause ermöglicht, um sich von nun an auf Live-Shows zu konzentrieren. Für 2024 sind bereits einige Auftritte bestätigt, und das Kollektiv freut sich nun darauf, wieder auf die Bühne zu gehen, schwerer, älter und stärker als je zuvor. Die Zeit wird zeigen, ob Live-Auftritte die richtige Kur für einen schweren Fall von verfärbter Studio-Bräune sind.

Ein exzellenter Tribut an den Budapester Komponisten und Pianisten Stephen de Bastion, dessen Karriere in den 1930er Jahren grausam unterbrochen wurde, er aber die Schrecken überleben konnte. Kuratiert von seiner Enkelin Roxanne de Bastion, die - parallel zu ihrem Buch "The Piano Player Of Budepast" - mit diversen Musikern und dem Produzenten Simon Tong (Damon Albarn, The Verve) einen Schatz von Kassetten auswertete und die Stücke (teilweise auf Stephens Originalklavier in Berlin) liebevoll neu interpretierte. Entstanden ist ein zutiefst ergreifendes Album mit Stephens wundervoller Musik.

Die Hamburger Punk Chaoten AXIDS veröffentlichen am 28. Juni mit den Amis von Knelt Before aus Oregon ein Split-MINI-Album mit dem Titel "SPLITSCREEN". Darauf zu hören: eigene Songs der beiden Bands und gegenseitiges Covern. Klingt nach Spaß, Krach und ewiger Adoleszenz. Die eine Seite voller stabiler HC-Screamo-Anthems, die andere eine konsequente Weiterführung, was die AXIDS 2021 mit ihrem Release "KIDS WITH AN AXE" gestartet haben: ein wilder Mix aus Punk, Garage und Black Metal mit einer ordentlichen Portion Wahnsinn. Musikalisch weiterentwickelt, bleibt inhaltlich alles beim Alten: Scream of Consciousness, Humor und purer Blödsinn. Die Titel sprechen für sich. Hier und dort taucht dann aber doch mal eine Message auf: "Nie wieder Krieg. Nie wieder Voldemort!" - zu hören im Opener: AXIDPELLIARMUS _ Wie es zu der Split gekommen ist, erzählen die AXIDS so: "Als wir das ganze vor drei Jahren gestartet haben, sind wir schnell über Insta mit unendlich vielen nicen Leuten in Kontakt gekommen. So auch mit Knelt Before. Wir haben uns sofort verstanden und eine Bandfreundschaft ist trotz der großen Distanz entstanden." Die Split läuft unter dem Titel Splitscreen und zeigt, wie die Jungs von beiden Bands aufgewachsen sind: Popkultur, Videospiele und Punkrock. Parallelen und Unterschiede wurden hier mit viel Passion fürs Detail von dem Künstler Rachid Lotf für das Cover Artwork in Szene gesetzt. Aufgenommen wurde die Seite der AXIDS von Yannig Malry - kein Unbekannter in der deutschen Punkszene - im Off Ya Tree Studio in Hamburg. Den Mix verantwortet Tobi Forneberg, der ansonsten für seine Extrem-Metal-Produktionen oder als Live-Mischer vom Freak Valley Festival bekannt ist. Ein musikalischer Spagat, der den AXIDS zugute kommt. Veredelt wurde das ganze zum Schluss von Philipp Welsing von Original Mastering.

Die US Metal-Legende Warlord wurde im Jahre 1981 von Mark Zonder und William J. Tsamis gegründet. Ein Jahr später, 1982, erschien der Song "Lucifer's Hammer" (basierend auf einem Roman von Larry Niven und Jerry Pournelle) auf der prestigeträchtigen Compilation "Metal Massacre II". Als Resultat unterzeichneten Warlord einen Kontrakt bei Metal Blade Records und nahmen ihre erste Mini-LP auf. "Deliver Us" erblickte 1983 das Licht der Welt und gilt heute als Blaupause des "Epic Metal" (zusammen mit Manilla Road, Cirith Ungol und Brocas Helm gelten Warlord als Erfinder jenes Stils). Nach zwischenzeitlicher Auflösung erschien im Jahre 2002 das starke Comeback-Album "Rising Out Of The Ashes", erst elf Jahre später gefolgt von "The Holy Empire". "The Holy Empire" sollte das letzte Warlord-Studioalbum mit neuem Songmaterial bleiben, denn Bandgründer William J. Tsamis verstarb am 13. Mai 2021 im Alter von nur 60 Jahren. Allerdings erschien danach noch ein weiteres Warlord-Album, nämlich "The Hunt For Damien" im Jahre 2015. Darauf zu hören ist als Sänger Nicholas Leptos (u.a. auch bei Astronomikon, Prodigal Earth, Gangland und Diphteria tätig). Das jetzt erscheinende "Free Spirit Soar", welches auch zwei überarbeitete Nummern von Lordian Guard enthält, ist ein Tribut von Sänger Giles Lavery an das musikalische Erbe von Bill Tsamis. Er wird dabei unterstützt von Mark Zonder (Drums), Jimmy Waldo (Keyboards/Synthesizer), Phillip Bynoe (Bass) sowie Eric Juris (Gitarre). Alle Songs wurden zwischen März und September 2023 aufgenommen.

Giles Lavery, der auch als Produzent fungierte, erklärt die Entstehungsgeschichte des Albums im Detail: "Unser erklärtes Ziel als Band war es, diese Musik für Bill fertigstellen. Und das vorliegende Material erschien uns ohne Frage stark genug, um uns dazu zu inspirieren. Bill ist bei allen Gitarrenparts zu hören, bei denen es uns möglich war, sie von den ursprünglichen Demo-Recordings zu isolieren - ganz so wie die verbliebenen Beatles die Stimme von John Lennon vom einem alten Demo-Tape zu retten in der Lage waren. Der Großteil der Gitarrenpassagen auf "Free Spirit Soar" wird zwar von Eric gespielt, aber die gesamte Musik stammt aus der Feder von Bill. Und wir haben uns wirklich sehr darum bemüht, seine Arrangements möglichst originalgetreu umzusetzen."

Line-up: Giles Lavery - vocals Eric Juris - guitars Philip Bynoe - bass Jimmy Waldo - keys Mark Zonder - drums

Die US Metal-Legende Warlord wurde im Jahre 1981 von Mark Zonder und William J. Tsamis gegründet. Ein Jahr später, 1982, erschien der Song "Lucifer's Hammer" (basierend auf einem Roman von Larry Niven und Jerry Pournelle) auf der prestigeträchtigen Compilation "Metal Massacre II". Als Resultat unterzeichneten Warlord einen Kontrakt bei Metal Blade Records und nahmen ihre erste Mini-LP auf. "Deliver Us" erblickte 1983 das Licht der Welt und gilt heute als Blaupause des "Epic Metal" (zusammen mit Manilla Road, Cirith Ungol und Brocas Helm gelten Warlord als Erfinder jenes Stils). Nach zwischenzeitlicher Auflösung erschien im Jahre 2002 das starke Comeback-Album "Rising Out Of The Ashes", erst elf Jahre später gefolgt von "The Holy Empire". "The Holy Empire" sollte das letzte Warlord-Studioalbum mit neuem Songmaterial bleiben, denn Bandgründer William J. Tsamis verstarb am 13. Mai 2021 im Alter von nur 60 Jahren. Allerdings erschien danach noch ein weiteres Warlord-Album, nämlich "The Hunt For Damien" im Jahre 2015. Darauf zu hören ist als Sänger Nicholas Leptos (u.a. auch bei Astronomikon, Prodigal Earth, Gangland und Diphteria tätig). Das jetzt erscheinende "Free Spirit Soar", welches auch zwei überarbeitete Nummern von Lordian Guard enthält, ist ein Tribut von Sänger Giles Lavery an das musikalische Erbe von Bill Tsamis. Er wird dabei unterstützt von Mark Zonder (Drums), Jimmy Waldo (Keyboards/Synthesizer), Phillip Bynoe (Bass) sowie Eric Juris (Gitarre). Alle Songs wurden zwischen März und September 2023 aufgenommen.

Giles Lavery, der auch als Produzent fungierte, erklärt die Entstehungsgeschichte des Albums im Detail: "Unser erklärtes Ziel als Band war es, diese Musik für Bill fertigstellen. Und das vorliegende Material erschien uns ohne Frage stark genug, um uns dazu zu inspirieren. Bill ist bei allen Gitarrenparts zu hören, bei denen es uns möglich war, sie von den ursprünglichen Demo-Recordings zu isolieren - ganz so wie die verbliebenen Beatles die Stimme von John Lennon vom einem alten Demo-Tape zu retten in der Lage waren. Der Großteil der Gitarrenpassagen auf "Free Spirit Soar" wird zwar von Eric gespielt, aber die gesamte Musik stammt aus der Feder von Bill. Und wir haben uns wirklich sehr darum bemüht, seine Arrangements möglichst originalgetreu umzusetzen."

Line-up: Giles Lavery - vocals Eric Juris - guitars Philip Bynoe - bass Jimmy Waldo - keys Mark Zonder - drums

Die schwedischen Heavy Rocker GREENLEAF haben mit ihrem neunten Album "The Head & The Habit" den vorläufigen Gipfel ihrer langen Evolution erklommen. Die musikalische Handschrift und Virtuosität von Gitarrist Tommi Holappa, seit mehr als 25 Jahren einer der Vorreiter und tragenden Säulen der europäischen Stoner Rock Szene, zeichnen sich deutlich ab. Die Gitarren werden perfekt ergänzt durch den gefühlvollen, intuitiven Sinn für Melodien und die charakterliche Tiefe, die der klassisch ausgebildete Sänger Arvid Hällagård dem Sound von GREENLEAF verleiht. Neben den erstklassigen Gesangslinien sowie den massiven Fuzz-Power-Riffs hat sich der Frontmann intensive Gedanken zu seinen Texten für "The Head & The Habit" gemacht, die weit über den Standard des oft klischeebeladenen Genres hinausreichen. Wie bereits der Albumtitel ("Der Kopf & Die Gewohnheit") andeutet, sind die neuen Songs als symbolische Kurzgeschichten angelegt, die sich um das Ringen mit Gefühlen bis zu psychischen Erkrankungen drehen. In Hällagårds Lyrik spiegeln sich seine Erfahrungen aus der Arbeit mit Menschen wider, die mit Sucht und anderen psychischen Problemen zu kämpfen haben. Die Heavy Rock Liebhaber GREENLEAF wurden ursprünglich als informelles Privatprojekt unter Freunden gegründet. Alle spielten bereits in anderen Bands, worunter sich so klangvolle Namen wie DOZER, LOWRIDER und DEMON CLEANER finden. Die Schweden suchten einfach nur nach einem Ventil für ihre gemeinsame Liebe zum Hard Rock und Proto-Metal der 70er Jahre, das frei von den Erwartungen und dem Druck ihrer Hauptbands sein sollte. Trotz der Absicht, GREENLEAF nur zum Vergnügen zu betreiben, führte die ungetrübte Freude beim Erschaffen eingängiger Songs dazu, dass ihr gesamtes Umfeld nach Aufnahmen von diesem Material verlangte. Dies führte schließlich zur Veröffentlichung einer selbstbetitelten Debüt-EP im Jahr 2000, der nur ein Jahr später das erste vollständige Album "Revolution Rock" folgte. Die Jahre mit wechselnden Besetzungen waren vorbei. GREENLEAFs stabiler Fokus wurde durch ihr fünftes Album "Trails & Passes" (2014) gekrönt, auf dem erstmals Arvid Hällagård als Sänger zu hören war. Dieser Meilenstein markierte den endgültigen Beginn einer neuen Phase der Band. Mit "The Head & The Habit" verbinden GREENLEAF nun das Bewusstsein für vergangene Triumphe mit reifem Handwerk. Die Schweden wissen, wie sie mehr als je zuvor stärker, härter und auf den Punkt rocken. GREENLEAF verschmelzen donnernde Riff-Magie, mitreißenden und mit Soul getränkten Gesang, frenetische Rhythmen und treibende Takt-Attacken zu einer ohrwurmverdächtigen, funkelnden Legierung von Hardrock-Hymnen!

Die schwedischen Heavy Rocker GREENLEAF haben mit ihrem neunten Album "The Head & The Habit" den vorläufigen Gipfel ihrer langen Evolution erklommen. Die musikalische Handschrift und Virtuosität von Gitarrist Tommi Holappa, seit mehr als 25 Jahren einer der Vorreiter und tragenden Säulen der europäischen Stoner Rock Szene, zeichnen sich deutlich ab. Die Gitarren werden perfekt ergänzt durch den gefühlvollen, intuitiven Sinn für Melodien und die charakterliche Tiefe, die der klassisch ausgebildete Sänger Arvid Hällagård dem Sound von GREENLEAF verleiht. Neben den erstklassigen Gesangslinien sowie den massiven Fuzz-Power-Riffs hat sich der Frontmann intensive Gedanken zu seinen Texten für "The Head & The Habit" gemacht, die weit über den Standard des oft klischeebeladenen Genres hinausreichen. Wie bereits der Albumtitel ("Der Kopf & Die Gewohnheit") andeutet, sind die neuen Songs als symbolische Kurzgeschichten angelegt, die sich um das Ringen mit Gefühlen bis zu psychischen Erkrankungen drehen. In Hällagårds Lyrik spiegeln sich seine Erfahrungen aus der Arbeit mit Menschen wider, die mit Sucht und anderen psychischen Problemen zu kämpfen haben. Die Heavy Rock Liebhaber GREENLEAF wurden ursprünglich als informelles Privatprojekt unter Freunden gegründet. Alle spielten bereits in anderen Bands, worunter sich so klangvolle Namen wie DOZER, LOWRIDER und DEMON CLEANER finden. Die Schweden suchten einfach nur nach einem Ventil für ihre gemeinsame Liebe zum Hard Rock und Proto-Metal der 70er Jahre, das frei von den Erwartungen und dem Druck ihrer Hauptbands sein sollte. Trotz der Absicht, GREENLEAF nur zum Vergnügen zu betreiben, führte die ungetrübte Freude beim Erschaffen eingängiger Songs dazu, dass ihr gesamtes Umfeld nach Aufnahmen von diesem Material verlangte. Dies führte schließlich zur Veröffentlichung einer selbstbetitelten Debüt-EP im Jahr 2000, der nur ein Jahr später das erste vollständige Album "Revolution Rock" folgte. Die Jahre mit wechselnden Besetzungen waren vorbei. GREENLEAFs stabiler Fokus wurde durch ihr fünftes Album "Trails & Passes" (2014) gekrönt, auf dem erstmals Arvid Hällagård als Sänger zu hören war. Dieser Meilenstein markierte den endgültigen Beginn einer neuen Phase der Band. Mit "The Head & The Habit" verbinden GREENLEAF nun das Bewusstsein für vergangene Triumphe mit reifem Handwerk. Die Schweden wissen, wie sie mehr als je zuvor stärker, härter und auf den Punkt rocken. GREENLEAF verschmelzen donnernde Riff-Magie, mitreißenden und mit Soul getränkten Gesang, frenetische Rhythmen und treibende Takt-Attacken zu einer ohrwurmverdächtigen, funkelnden Legierung von Hardrock-Hymnen!

Die schwedischen Heavy Rocker GREENLEAF haben mit ihrem neunten Album "The Head & The Habit" den vorläufigen Gipfel ihrer langen Evolution erklommen. Die musikalische Handschrift und Virtuosität von Gitarrist Tommi Holappa, seit mehr als 25 Jahren einer der Vorreiter und tragenden Säulen der europäischen Stoner Rock Szene, zeichnen sich deutlich ab. Die Gitarren werden perfekt ergänzt durch den gefühlvollen, intuitiven Sinn für Melodien und die charakterliche Tiefe, die der klassisch ausgebildete Sänger Arvid Hällagård dem Sound von GREENLEAF verleiht. Neben den erstklassigen Gesangslinien sowie den massiven Fuzz-Power-Riffs hat sich der Frontmann intensive Gedanken zu seinen Texten für "The Head & The Habit" gemacht, die weit über den Standard des oft klischeebeladenen Genres hinausreichen. Wie bereits der Albumtitel ("Der Kopf & Die Gewohnheit") andeutet, sind die neuen Songs als symbolische Kurzgeschichten angelegt, die sich um das Ringen mit Gefühlen bis zu psychischen Erkrankungen drehen. In Hällagårds Lyrik spiegeln sich seine Erfahrungen aus der Arbeit mit Menschen wider, die mit Sucht und anderen psychischen Problemen zu kämpfen haben. Die Heavy Rock Liebhaber GREENLEAF wurden ursprünglich als informelles Privatprojekt unter Freunden gegründet. Alle spielten bereits in anderen Bands, worunter sich so klangvolle Namen wie DOZER, LOWRIDER und DEMON CLEANER finden. Die Schweden suchten einfach nur nach einem Ventil für ihre gemeinsame Liebe zum Hard Rock und Proto-Metal der 70er Jahre, das frei von den Erwartungen und dem Druck ihrer Hauptbands sein sollte. Trotz der Absicht, GREENLEAF nur zum Vergnügen zu betreiben, führte die ungetrübte Freude beim Erschaffen eingängiger Songs dazu, dass ihr gesamtes Umfeld nach Aufnahmen von diesem Material verlangte. Dies führte schließlich zur Veröffentlichung einer selbstbetitelten Debüt-EP im Jahr 2000, der nur ein Jahr später das erste vollständige Album "Revolution Rock" folgte. Die Jahre mit wechselnden Besetzungen waren vorbei. GREENLEAFs stabiler Fokus wurde durch ihr fünftes Album "Trails & Passes" (2014) gekrönt, auf dem erstmals Arvid Hällagård als Sänger zu hören war. Dieser Meilenstein markierte den endgültigen Beginn einer neuen Phase der Band. Mit "The Head & The Habit" verbinden GREENLEAF nun das Bewusstsein für vergangene Triumphe mit reifem Handwerk. Die Schweden wissen, wie sie mehr als je zuvor stärker, härter und auf den Punkt rocken. GREENLEAF verschmelzen donnernde Riff-Magie, mitreißenden und mit Soul getränkten Gesang, frenetische Rhythmen und treibende Takt-Attacken zu einer ohrwurmverdächtigen, funkelnden Legierung von Hardrock-Hymnen!

Wenn sich eine Band HOUSE BY THE CEMETARY nennt, was erwartet einen dann? Richtig! Old School Death Metal mit Horror-Thematik. Definitiv keine neue Erfindung, funktioniert aber immer gut. Anzuführen wären da wohl die großartigen Fulci. Und wenn dann noch Rogga Johansson sein gefühlt fünfzigstes Projekt vorantreibt, kann das eigentlich nur gut werden. Mit Mike Hrubovcak, Ex-Monstrosity, hat er sich dann noch mal richtig Gewalt ans Mikrofon geholt. Album Nummer zwei besticht mit Neunziger-Jahre-Death-Metal mit etlichen Anleihen an zum Beispiel Gorefest, alte Six Feet Under und Bone Gnawer. Midtempo, stampfend - und der Kopf will fast von allein zum Headbangen übergehen. Songs wie 'Cadavers Emerge' sind HM-2-Verneigungen at its best, und das zieht sich durch das ganze Album. Gefällt auch noch nach dem zehnten Durchlauf, was ja bekanntlich nicht immer selbstverständlich ist. (MK)
Rock Hard:
Rogga Johanssons (Paganizer, Massacre u.a.) kreative Energie ist anscheinend endlos, und so gibt es nun auch schon das zweite Album von HOUSE BY THE CEMETARY, dem Projekt mit Mike Hrubovcak (ex-Monstrosity/Vile) am Mikro. Der solide Old-School-Death-Metal geht gut ins Ohr, ist zeitgemäß produziert - und wie bei vielen Johansson-Scheiben in dem Moment vergessen, in dem die Spielzeit vorbei ist. Kann man sich in die Playlist schieben, die Platte im Regal brauchen nur Johansson-Ultras, falls es so was gibt.
6,5

In den letzten zehn Jahren hat sich DANIEL DAVIES zu einem gefeierten Komponisten atmosphärischer, synthielastiger Instrumentalmusik entwickelt - für Film- und Fernseh-Musik, an der Seite von JOHN CARPENTER auf den "Lost Themes"-Alben des Regisseurs und auf Solo-Veröffentlichungen wie "Signals And Spies". In seinem früheren musikalischen Leben war DAVIES jedoch ein Rocker, der mit Bands wie YEAR LONG DISASTER und KARMA TO BURN durch die ganze Welt tourte. Mit seinem neuen Solo-Album "Ghost Of The Heart" kehrt DAVIES zu dem Alt-Rock-Sound zurück, den er vorübergehend beiseite gelegt hatte, und ergänzt ihn mit dem, was er beim Produzieren von Soundtracks und Instrumentalmusik gelernt hat. "Ein Rockalbum zu schreiben ist ein Ausdruck der Gefühle des Künstlers, während es bei der Vertonung eines Films darum geht, Klanglandschaften zu schaffen, die die Geschichte eines anderen ergänzen", sagt DAVIES. "Bei diesem Album wollte ich die schweren Gitarrenriffs aus meiner Rockzeit mit den atmosphärischen Synthesizerklängen verbinden, mit denen ich als Komponist experimentiert habe." Die Songs auf "Ghost Of The Heart" lassen sich nicht in ein bestimmtes Subgenre einordnen: Sie sind stimmungsvoll, schwer und ein wenig proggig, aber mit einer starken Pop-Sensibilität und viel Melodie. Das Album verrät DAVIES' Vorliebe für eingängige, zukunftsweisende Bands wie RADIOHEAD und BLUR, aber vor allem fühlt sich "Ghost Of The Heart" natürlich an, so als würde er etwas Grundlegendes über sich selbst als Musiker wiederfinden. DAVIES nahm "Ghost Of The Heart" im Laufe des Jahres 2023 mit dem Produzenten John Spiker auf, seinem langjährigen Freund und Mitarbeiter. Spiker steuert auch den Bass bei, während Matt Flynn Schlagzeug spielt. Alles andere auf der Platte wird von DAVIES selbst eingespielt.

"Daylight" ist eine exzellente Kooperation des britischen Dance-Produzenten Hifi Sean mit dem Top-Vokalisten David McAlmont. Ihre berauschende Reise zelebriert und erforscht auf 12 Tracks die Farben und das Gefühl des Sommers. Es wird das erste von zwei Alben des Duos dieses Jahr sein, zusammen mit dem Schwesteralbum "Twilight", das am ersten Wintertag, dem 1. Dezember, folgt.

- Format: Neon-gelbes LP-Vinyl mit downloadbarem Booklet samt Lyrics & Fotos.

"Daylight" ist eine exzellente Kooperation des britischen Dance-Produzenten Hifi Sean mit dem Top-Vokalisten David McAlmont. Ihre berauschende Reise zelebriert und erforscht auf 12 Tracks die Farben und das Gefühl des Sommers. Es wird das erste von zwei Alben des Duos dieses Jahr sein, zusammen mit dem Schwesteralbum "Twilight", das am ersten Wintertag, dem 1. Dezember, folgt.

- Format: Neon-gelbes LP-Vinyl mit downloadbarem Booklet samt Lyrics & Fotos.

NIGHTINGALEs begehrte "Nightfall Overture"-Veröffentlichung, die neu interpretierte und neu aufgenommene Versionen von Songs der ersten vier Alben der Band versammelt, wurde nun von Songwriter/Frontmann/Produzent Dan Swanö (Opeth, Katatonia, Edge Of Sanity, etc.) remastert. Erstmals 2005 zum 10-jährigen Bandjubiläum veröffentlicht, wird diese überfällige Wiederveröffentlichung als Limited Deluxe 2CD Jewelcase mit O-Card inkl. einer 16-Track / 73 min. Bonus-Disc mit karriereübergreifenden Live-Aufnahmen von 2004 bis 2016 ("Rock Hard Live"-Veröffentlichung) und als 180g Vinyl-Edition erhältlich sein. "Nightfall Overture" bietet in seiner aufgewerteten Form eine perfekte Einstiegsmöglichkeit, das frühe und äußerst vielseitige Werk von NIGHTINGALE (wieder) zu entdecken. Der Schatten atmet noch einmal...

Bereits 2012 von den Balfour-Brüdern Ryan und David gegründet, konnten sich MAVERICK aus Belfast, Nordirland schnell in der Szene etablieren. Mit ihrem ersten Album „Quid Pro Quo“ tourten sie gemeinsam mit den schwedischen Hardrock-Stars THE POODLES durch Europa. Mit dem zweiten Album „Big Red“ war der Fünfer mit den schwedischen Superstars TREAT unterwegs. Sie spielten u.a. auch auf Festivals wie dem H.E.A.T FESTIVAL (Deutschland), ICE ROCK und ROCKNACHT TENNWIL (Schweiz), WILDFEST (Belgien) und ROCKINGHAM in Großbritannien, was ihnen dabei half ihre
schon solide Fangemeinde weiter massiv zu vergrößern! Das nächste MAVERICK Album „Cold Star Dancer“ wurde 2018 veröffentlicht. Es erhielt ebenfalls beste Kritiken von der internationalen Presse und die Band spielte ihre erste Headliner-Tour durch Europa. Zudem spielte man mehrere Shows mit den schwedischen Glam-Rockern CRASHDIET. Ein Highlight war das Schweizer ROCK THE RING Festival wo sie zusammen mit WHITESNAKE,
TESLA und DEF LEPPARD auftraten. Im Jahr 2021 veröffentlichten sie das wieder vielbeachtete und überdurchschnittlich rezensierte Album
„Ethereality“. Aufgrund der Pandemie und deren Folgen konnten sie dieses Album aber leider nicht wirklich auf die Bühne bringen. „SILVER TONGUE“ ist das 5. Album der Band und das erste Lebenszeichen vom neuen Album war die bereits 2023 erschienene Coverversion des STEELHEART respektive STEEL DRAGON Hits „We All Die Young“ aus dem Blockbuster „Rock Star“, welche als
onustrack auf der CD enthalten ist. MAVERICK sind zurück, stärker als je zuvor und beginnen mit „SILVER TONGUE“ eine neue erfolgreiche Ära!

Schwarz, Grau und Silber dreigeteiltes Farb-Vinyl. Trotz der großen Aufmerksamkeit, die ihrem Durchbruchsalbum "Tramp" zuteil wurde, kehrte Sharon Van Etten ins Studio zurück, bereit und gewillt, eine neue Richtung einzuschlagen, tiefer zu gehen und ehrlicher und vulgärer denn je zu schreiben. Das Ergebnis dieser Bemühungen war "Are We There", ein selbstproduziertes Album von außergewöhnlicher Intimität, erhabener Genialität und immenser Kraft. "Are We There" wird dieses Jahr zehn Jahre alt und erweist sich erneut als eine ihrer kraftvollsten und zeitlosesten Sammlungen. Von den ersten Akkorden des ersten Songs "Afraid of Nothing' an ist klar, dass wir Zeugen eines neuen Bewusstseins sind. Van Etten in voller Fahrt schreibt, produziert und performt von einem Ort, der fast mythisch erscheint, wäre er nicht so greifbar und real. Stets direkt und selbst vor den persönlich schmerzhaftesten Erzählungen nicht zurückschreckend, handeln viele der Songs von scheinbar unmöglichen Entscheidungen, Vorfreude und dann Auflösung. Sie singt von der Natur des Begehrens, der Erinnerung, des Verlorenseins, der Leere, von Versprechen und Loyalität, von Angst und Veränderung, von Heilung und dem wahren Selbst, von Gewalt und Zuflucht, vom Warten, von Stille. Die Künstlerin, die mit einer solchen Stimme spricht, fordert uns auf zuzugreifen und tiefer zu gehen. Auf diese Weise bleiben die Fragen des Lebens lebendig, so nah und beständig wie der Atem. Inmitten all dieser wahrhaft brutalen Ehrlichkeit findet Van Etten Momente der Leichtigkeit. "Every Time the Sun Comes Up" hebt das Album am Ende an, vervollständigt die Welt, in die sie uns einlässt, und stellt uns sanft auf das ein, was folgen mag. Seitdem ist es zu einem unauslöschlichen Bestandteil von Van Ettens Live-Shows geworden. Es ist schon genug, seine Musik zu leben, ohne auch noch die Rolle des Produzenten zu übernehmen, aber Van Etten wusste, dass es an der Zeit war, ein Album zu machen, das ganz nach ihren eigenen Bedingungen entstand. Gleichzeitig erkannte Van Etten, dass dies nicht bedeutete, dass sie es alleine machen musste, und sie stellte eine geliebte, jetzt gefeierte Gemeinschaft zusammen, um ihre Vision zum Leben zu erwecken. Für die Aufnahmen fand Van Etten in dem erfahrenen Musikproduzenten Stewart Lerman einen verwandten Geist. Lermans Studioexpertise gab Van Etten die Freiheit, "Are We There" so zu machen, wie sie es sich vorstellte. Van Etten nutzte auch die individuellen Talente ihrer Band, bestehend aus Heather Woods Broderick, Doug Keith und Zeke Hutchins, und holte ihre Freunde Dave Hartley und Adam Granduciel von The War on Drugs, Jonathan Meiberg (Shearwater), Jana Hunter (Lower Dens), Peter Broderick, Mackenzie Scott (Torres), Stuart Bogie, Jacob C. Morris und Mickey Freeze hinzu. Der unvergleichliche Richard Swift arbeitete mit Van Etten am Endmix. Man könnte den Strom abschalten, alle Instrumente entfernen, und Sharons Stimme und Worte würden bleiben. Sie sind heute noch so kraftvoll wie vor zehn Jahren und sie werden sicher noch viele Jahre überdauern.

Das letzte reguläre Studioalbum der THE PRIMITIVES feiert
den 10. Jahrestag und beschert uns klares rotes Vinyl und
drei Extra-Tracks! Die Zeit ist spurlos an ihnen
vorbeigegangen und sie klingen genauso frisch wie immer.
Ihre mitreissenden Melodien bringen uns zrück ans Ende der
80er, als sie mit Klassikern wie "Lovely", "Pure" und "Galore"
den Britpop vorwegnahmen
Als THE PRIMITIVES 2009 wieder zusammenkamen, um
ihrem verstorbenen Bassisten Steve Dullaghan Tribut zu
zollen, begann die neue Geschichte. Die Fans ihrer ersten drei
Alben zwischen Ende der Achtziger und Anfang der Neunziger
konnten nicht glauben, sie noch einmal auf der Bühne zu
sehen und neue Veröffentlichungen von Tracy Tracys Band zu
genießen würden. Sie waren eine der wichtigsten Gruppen in
unserem Leben und deshalb wollen wir das zehnjährige
Jubiläum von „Spin-O-Rama“ mit einer ganz besonderen
Veröffentlichung feiern.

Yaya Beys neues Album ‘Ten Fold' knüpft an den kraftvollen Doppelschlag ihres 2022er-Albums, „Remember Your North Star“, und der Folge-EP, „Exodus The North Star“, aus dem Jahr 2023 an und ist ein frei gesprochenes und fließendes Selbstporträt, das von unmittelbaren Reflexionen über die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft geprägt ist. „Ten Fold“ ist vollgepackt mit den Nuancen von Yaya Beys Identität und den verschiedenen Facetten ihrer kreativen Bemühungen. Es richtet den Fokus nach innen und meditiert über ihr inneres Wesen, während es gleichzeitig Raum für den Humor und den bissigen sozialen Kommentar schafft, der ein bestimmendes Merkmal ihrer Arbeit ist.
Die als Hadaiyah Bey geborene Yaya Bey begann bereits im Alter von neun Jahren mit dem Schreiben von Songs und trat mit ihrem 2020 erschienenen Album, „Madison Tapes“, als neue Stimme in der Avantgarde der R&B-Storyteller:innen in Erscheinung. Ihre 2022 erschienene LP, „Remember Your North Star“ und die darauf folgende EP, „Exodus The North Star“, wurden vom Spiegel, Stern, Zeit Online, Rolling Stone Deutschland, Jazzthetik, Missy Magazine, Plattentests u.v.m. und im Radio von u.a. Deutschlandfunk Kultur, BR 2, Cosmo, ByteFM, RBB Radioeins und FluxFM sehr positiv aufgenommen, sowie international u.a. von der New York Times, Pitchfork, Rolling Stone, The Guardian, NPR, GQ, Crack Magazine, The Times, Clash ebenfalls hochgelobt.
Kürzlich spielte sie an der Seite von Immanuel Wilkins die Hauptrolle in einer Werbekampagne für die aktuelle Zusammenarbeit von Converse mit der New Yorker Marke AwakeNY. Bevor die in Brooklyn geborene Künstlerin offiziell das Jahr 2023 abschloss, spielte sie eine ausverkaufte Show im New Yorker SOBs für Spotify Stages und krönte damit eine Reihe von Live-Auftritten auf Festivalbühnen rund um den Globus in diesem Jahr, darunter Glastonbury, Pitchfork Festival in Chicago, Roskilde Festival in Dänemark und viele mehr.

Rock n Roll Star! zeichnet Bowies Weg zu Ziggy Stardust nach. Angefangen bei frühen Demos für zu Hause, über Radiosessions und Live-Auftritte bis hin zu Session-Aufnahmen, Outtakes und alternativen Versionen von den Aufnahmen zum Album The Rise and Fall of Ziggy Stardust ROCK 'N' ROLL STAR! enthält 29 unveröffentlichte Tracks, darunter frühe Songwriting-Demos, Aufnahmen von Davids Band The Arnold Corns, Proben in Bowies damaligem Zuhause Haddon Hall, BBC-Sessions, Singles, Live-Auftritte sowie Outtakes und alternative Versionen von den Original-Aufnahmesessions des Albums, die vom ursprünglichen Album-Produzenten Ken Scott neu gemischt wurden. Zu den unveröffentlichten Highlights gehören eine alternative Version von "Lady Stardust", eine ungehörte Version des Deep-Cut-Klassikers "Shadow Man" und eine Up-Tempo-Aufnahme von The Who's "I Can't Explain", die er später verlangsamt und für das PIN-UPS-Album gecovert hat. Die reine Audio-Blu-Ray enthält das definitive Remaster des Original-Ziggy Stardust-Albums aus dem Jahr 2012 in 96kHz/24bit PCM Stereo, das Album und zusätzliche Mixe aus dem Jahr 2003 in DTS-HD Master Audio 5.1 sowie die Singles, Outtakes und alternative Versionen in 96kHz/24bit PCM Stereo. Die Blu-Ray enthält außerdem eine Version des ZIGGY STARDUST-Albums namens WAITING IN THE SKY (BEFORE THE STARMAN CAME TO EARTH), die von Trident Studio-Bändern vom 15. Dezember 1971 stammt und eine alternative Reihenfolge sowie vier Songs enthält, die es nicht auf das endgültige Album geschafft haben. Diese wird auch als limitierte Vinyl-LP am 20. April 2024 zum Record Store Day erhältlich sein. Außerdem gibt es eine 1-LP-Version von ROCK 'N' ROLL STAR! mit den alternativen Aufnahmen und Abmischungen.

Words And Music" ist eine 3xLP-Box mit dem Werk der im Jahr 2021 verstorbenen Sängerin und Songwriterin MARGO GURYAN. Als Zeugin von Revolutionen in Jazz und Pop hat sich GURYAN ihren Platz im Pantheon der Songwriter verdient. Dass sie jahrzehntelang weitgehend unbekannt war, liegt nicht an zerstörten Träumen, sondern an ihren eigenen Entscheidungen und Prioritäten. Von den bescheidenen Anfängen über die Höhepunkte ihres barocken Pop-Meisterwerks "Take A Picture" von 1968 und die gesammelten Demos bis hin zur jüngsten viralen Verbreitung von "Why Do I Cry" - das Boxset "Words And Music" fängt die gesamte Karriere von GURYAN ein, einschließlich 16 bisher unveröffentlichter Aufnahmen und einem 32-seitigen Booklet, das ihre ganze Geschichte erzählt. Produziert wurde die Box von ihrem Stiefsohn Jonathan Rosner, ihrem Freund und Historiker Geoffrey Weiss und den Numero Group-Mitarbeitern Douglas Mcgowan, Rob Sevier und Ken Shipley. Alle Tracks wurden von Jessica Thompson neu gemastert. In ihrer Blütezeit veröffentlichte GURYAN nur ein einziges Album: "Take A Picture" von 1968. Da MARGO jedoch kein Interesse daran hatte, aufzutreten, zu touren und für ihr Werk zu werben, wurde das Album damals kaum beachtet. Dennoch wurde die Platte in den 1990er Jahren zu einem begehrten Kultobjekt. Eine neue Generation von Hörer*innen lernte ihre Arbeit kennen, als "Take A Picture" im Jahr 2000 neu aufgelegt wurde. Kurz darauf folgten die gesammelten Demos, eine unglaubliche Zusammenstellung von ausgegrabenen alternativen Aufnahmen und neu veröffentlichten Songs, die MARGO selbst betreut hat. GURYANs Leben war in den dazwischen liegenden Jahren weiterhin von Musik erfüllt; sie wurde Musiklehrerin, schrieb weiterhin Songs und pflegte Freundschaften mit einem wachsenden Kreis von Anhängern. Die Geschichte von MARGO GURYAN ist die einer Frau, die von klein auf in die Tiefe ging und nie Angst vor Veränderungen hatte. Ihr Gespür für Ton, Phrasierungen, Spannung, Präsenz und Texte, die treffen, machen ihren Namen heute zu einem Synonym für ausgefeiltes Songhandwerk und die unnachahmliche Coolness der 1960er Jahre. Ihr Einfallsreichtum und ihre Technik stellen sie in die Tradition von Kammer-Pop-Ikonen wie Brian Wilson und Burt Bacharach, während die bittersüße Offenheit in ihren Beschreibungen des Frauseins einen Mittelweg zwischen Carole Kings Pop-Fabrik und der Singer-Songwriter-Ära aufzeigt. Aber die unaufdringliche Strenge von MARGOs künstlerischer Stimme ist ganz ihre eigene.

Reflets de ses voyages, reflets de ses imaginaires, et figures tutélaires, notre bagpacker préféré prend un peu plus la route du western africain avec ses synthétiseurs comme unique boussole . Le fil rouge qui s'impose rapidement à lui c'est cet instrument qui
a traversé les siècles : le balafon. Il invite également leseprésentant.es du monde moderne, icône de la scène afro électronique à participer à l'écriture de cet incroyable deuxième album .


La production débute en novembre 2022 par une résidence à Korhogo, au nord de la Côte d'Ivoire. À cette occasion, Praktika invite le balafoniste burkinabé Innocent Kimpe pour sept jours de jam session. La transe s’opère et se matérialise dans 4 tracks aux sonorités très organiques.

Le voyage se poursuit par la rencontre avec le grand balafoniste malien Lansiné Kouyaté (Kouyaté & Neerman,Salif Keita, Fatoumata Diawara, Damon Albarn…).

Dans une atmosphère plus soutenue, techno de détroit et touches acides viennent colorer le timbre des lames de bois de vène, donnant vie à deux nouveaux morceaux.

Reprenant ses recherches, Praktika découvre par hasard l’existence de Zélé de Papara, chanteuse ivoirienne des années 90 méconnue du grand public, dont la voix et l’histoire singulière éveillent sa curiosité.
De retour à Abidjan, il propose à la chanteuse Jahelle ainsi qu’à la rare griotte Burkinabé Dafra Keita de poser chacune leur voix sur un morceau en hommage à la chanteuse Zélé de Papara, la cantatrice Sénoufo.

Nourri de l’énergie des rencontres, il collabore enfin avec Sly A 10, ancien batteur de (Tiken Jah Fakoly) et grand percussionniste en Côte d'Ivoire, qui lui partage ses rythmes dans un Track sombre teinté de bass music.

Bruce Springsteens Album BORN IN THE U.S.A. wird anlässlich seines 40-jährigen Jubiläums auf farbigem Vinyl (transparent rot) wiederaufgelegt. Weitere besondere Features dieser Edition: Gatefold-Cover und ein exklusives Booklet mit Archivmaterial aus der Entstehungszeit des Albums, neuen Liner Notes von Erik Flannigan und einer vierfarbigen Lithografie.

Nach seinem Release am 4. Juni 1984 brach BORN IN THE U.S.A. alle Rekorde. Nicht nur, dass es gleich sieben Titel der Tracklist in die Top Ten der Charts schafften, was bis dahin keinem Künstler gelungen war.

Auch die Verkaufszahlen waren mit (bis heute) 17 Millionen verkauften Einheiten ebenfalls spektakulär.

One of the best reggae albums of the ‘80s and one of the real highlights in the Real Authentic Sound label catalog finally gets an LP reissue! Lascelle “Wiss” Bulgin, Albert “Apple Gabriel” Craig, and Cecil “Skelly” Spence all contracted childhood polio, and met at a Jamaican rehab center; in the ‘70s, they formed Israel Vibration and their first record, The Same Song, released in 1978 on the Top Ranking label, was an international smash. But by the time they released Strength of My Life in 1988, it had been seven years since they had made a record, having fled Jamaica in the intervening years to seek better health care and to escape the dancehall scene. Against all odds, Strength of My Life turned out to be a triumph, the beginning of the group’s partnership with the Roots Radics and a reaffirmation of the love the group’s members had for each other and a celebration, as the title goes, of the strength of their lives (we defy you not to be moved by the title track). That’s Augustus Pablo on melodica on “Greedy Dog” and Dwight Pinkney on guitar on “Jah Love Me,” by the way. Roots reggae royalty!

Drei Jahre nach ihrem morbiden Manifest "Limbo", einer bitteren Abrechnung mit der Pandemie und ihren bestialischen Folgen, kehrt Wave-Alchemist Ronny Moorings zurück. Im Gepäck hat er einen schwarzen Blumenstrauß aus Trauergesängen für eine kranke neue Welt, Elegien für einen neuen Status quo, mit dem wir alle leben müssen.

Auch 40 Jahre nach ihrer Gründung sind CLAN OF XYMOX ein Leuchtfeuer tragischer Eleganz und düsterer Tristesse. Sie sind die unbestrittene, unangefochtene Speerspitze einer Szene, die zuletzt überraschend die Aufmerksamkeit einer viel jüngeren Generation auf sich gezogen hat, die ihre Angst und ihren Schmerz durch Musik wie diese ausdrücken will. Gerne doch! "Exodus" zeugt von diesem Ausnahmestatus und führt das Feld der prosaischen Trauer mit zehn neuen Hymnen von erlesener Nachtschwere an. Das Besteck, welches Ronny Moorings benutzt, mag noch dasselbe sein; das Ergebnis ist ein weiteres Meisterwerk voller sehnsüchtiger Melodien, weltabgewandten Vocals aus den Tiefen der Erde, hallenden Gitarren und hypnotischen Drums, die die Phantome in uns allen zum Mitternachtsschmaus einladen.

Wir tanzen direkt in den Abgrund, will uns dieses Album sagen. Aber wenigstens tanzen wir noch. Denn wenn es nichts mehr gibt, an das man sich wenden kann, wenn alle Hoffnung verloren scheint und die Welt uns unter Fluten biblischen Ausmaßes begräbt, bleibt manchmal nur noch, sich der Musik hinzugeben. Diesem fesselnden Exodus in Richtung Katharsis. Vielleicht ist das der Grund, warum "Exodus" einige der düstersten und niedergeschlagensten Stücke enthält, die Ronny Moorings seit vielen Jahren geschrieben hat. Vielleicht ist das der Grund, warum diese Platte mit den besten Veröffentlichungen von THE CURE mithalten kann. Weil die Zeiten, in denen wir leben, ihn dazu gezwungen haben. Weil es einfach keinen anderen Weg gibt, als all seinen Kummer, seine Wut und seinen Weltschmerz in seine klagende Musik einfließen zu lassen. Nicht, weil die Welt danach eine bessere sein wird. Sondern weil es für ihn die einzige Möglichkeit ist, mit dem brutalen Wahnsinn, den wir Alltag nennen, fertig zu werden.

"Exodus" ist kein Album für Träumer. Es ist aber auch kein Albtraum - trotz der Schatten, die unter der Oberfläche brüten. Es ist ein Tor für all jene, die die Dunkelheit unserer Tage anerkennen und sich dennoch weigern, aufzugeben. Lasst uns also diese nächtlichen Wiegenlieder gemeinsam singen und tanzen, solange wir noch einen Boden dafür haben. Denn das ist alles, was wir im Moment tun können.

Drei Jahre nach ihrem morbiden Manifest "Limbo", einer bitteren Abrechnung mit der Pandemie und ihren bestialischen Folgen, kehrt Wave-Alchemist Ronny Moorings zurück. Im Gepäck hat er einen schwarzen Blumenstrauß aus Trauergesängen für eine kranke neue Welt, Elegien für einen neuen Status quo, mit dem wir alle leben müssen.

Auch 40 Jahre nach ihrer Gründung sind CLAN OF XYMOX ein Leuchtfeuer tragischer Eleganz und düsterer Tristesse. Sie sind die unbestrittene, unangefochtene Speerspitze einer Szene, die zuletzt überraschend die Aufmerksamkeit einer viel jüngeren Generation auf sich gezogen hat, die ihre Angst und ihren Schmerz durch Musik wie diese ausdrücken will. Gerne doch! "Exodus" zeugt von diesem Ausnahmestatus und führt das Feld der prosaischen Trauer mit zehn neuen Hymnen von erlesener Nachtschwere an. Das Besteck, welches Ronny Moorings benutzt, mag noch dasselbe sein; das Ergebnis ist ein weiteres Meisterwerk voller sehnsüchtiger Melodien, weltabgewandten Vocals aus den Tiefen der Erde, hallenden Gitarren und hypnotischen Drums, die die Phantome in uns allen zum Mitternachtsschmaus einladen.

Wir tanzen direkt in den Abgrund, will uns dieses Album sagen. Aber wenigstens tanzen wir noch. Denn wenn es nichts mehr gibt, an das man sich wenden kann, wenn alle Hoffnung verloren scheint und die Welt uns unter Fluten biblischen Ausmaßes begräbt, bleibt manchmal nur noch, sich der Musik hinzugeben. Diesem fesselnden Exodus in Richtung Katharsis. Vielleicht ist das der Grund, warum "Exodus" einige der düstersten und niedergeschlagensten Stücke enthält, die Ronny Moorings seit vielen Jahren geschrieben hat. Vielleicht ist das der Grund, warum diese Platte mit den besten Veröffentlichungen von THE CURE mithalten kann. Weil die Zeiten, in denen wir leben, ihn dazu gezwungen haben. Weil es einfach keinen anderen Weg gibt, als all seinen Kummer, seine Wut und seinen Weltschmerz in seine klagende Musik einfließen zu lassen. Nicht, weil die Welt danach eine bessere sein wird. Sondern weil es für ihn die einzige Möglichkeit ist, mit dem brutalen Wahnsinn, den wir Alltag nennen, fertig zu werden.

"Exodus" ist kein Album für Träumer. Es ist aber auch kein Albtraum - trotz der Schatten, die unter der Oberfläche brüten. Es ist ein Tor für all jene, die die Dunkelheit unserer Tage anerkennen und sich dennoch weigern, aufzugeben. Lasst uns also diese nächtlichen Wiegenlieder gemeinsam singen und tanzen, solange wir noch einen Boden dafür haben. Denn das ist alles, was wir im Moment tun können.

Words And Music" ist eine 3xLP-Box mit dem Werk der im Jahr 2021 verstorbenen Sängerin und Songwriterin MARGO GURYAN. Als Zeugin von Revolutionen in Jazz und Pop hat sich GURYAN ihren Platz im Pantheon der Songwriter verdient. Dass sie jahrzehntelang weitgehend unbekannt war, liegt nicht an zerstörten Träumen, sondern an ihren eigenen Entscheidungen und Prioritäten. Von den bescheidenen Anfängen über die Höhepunkte ihres barocken Pop-Meisterwerks "Take A Picture" von 1968 und die gesammelten Demos bis hin zur jüngsten viralen Verbreitung von "Why Do I Cry" - das Boxset "Words And Music" fängt die gesamte Karriere von GURYAN ein, einschließlich 16 bisher unveröffentlichter Aufnahmen und einem 32-seitigen Booklet, das ihre ganze Geschichte erzählt. Produziert wurde die Box von ihrem Stiefsohn Jonathan Rosner, ihrem Freund und Historiker Geoffrey Weiss und den Numero Group-Mitarbeitern Douglas Mcgowan, Rob Sevier und Ken Shipley. Alle Tracks wurden von Jessica Thompson neu gemastert. In ihrer Blütezeit veröffentlichte GURYAN nur ein einziges Album: "Take A Picture" von 1968. Da MARGO jedoch kein Interesse daran hatte, aufzutreten, zu touren und für ihr Werk zu werben, wurde das Album damals kaum beachtet. Dennoch wurde die Platte in den 1990er Jahren zu einem begehrten Kultobjekt. Eine neue Generation von Hörer*innen lernte ihre Arbeit kennen, als "Take A Picture" im Jahr 2000 neu aufgelegt wurde. Kurz darauf folgten die gesammelten Demos, eine unglaubliche Zusammenstellung von ausgegrabenen alternativen Aufnahmen und neu veröffentlichten Songs, die MARGO selbst betreut hat. GURYANs Leben war in den dazwischen liegenden Jahren weiterhin von Musik erfüllt; sie wurde Musiklehrerin, schrieb weiterhin Songs und pflegte Freundschaften mit einem wachsenden Kreis von Anhängern. Die Geschichte von MARGO GURYAN ist die einer Frau, die von klein auf in die Tiefe ging und nie Angst vor Veränderungen hatte. Ihr Gespür für Ton, Phrasierungen, Spannung, Präsenz und Texte, die treffen, machen ihren Namen heute zu einem Synonym für ausgefeiltes Songhandwerk und die unnachahmliche Coolness der 1960er Jahre. Ihr Einfallsreichtum und ihre Technik stellen sie in die Tradition von Kammer-Pop-Ikonen wie Brian Wilson und Burt Bacharach, während die bittersüße Offenheit in ihren Beschreibungen des Frauseins einen Mittelweg zwischen Carole Kings Pop-Fabrik und der Singer-Songwriter-Ära aufzeigt. Aber die unaufdringliche Strenge von MARGOs künstlerischer Stimme ist ganz ihre eigene.