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Cold, Bold & Together (CBT) CBT was founded in Bellingham, Washington in 1971 by percussionist Tony Gable and musicians Solomon Harris, Keith Hooks and twin brothers TC & Jamar Jenkins. It soon became evident that Bellingham was not a particularly welcoming environment for R&B music, so they moved to Seattle to try their luck and plumb the rich supply of venues, which they successfully did until disbanding in 1978. They spent their early Seattle years playing a combination of covers and originals in clubs, later becoming the "go to" opening act for various nationally known artists, such as Ohio Players, Kool and the Gang and Earth, Wind & Fire. While they were paying their club circuit and opening act dues, they squeezed in recording sessions whenever they could and released their own material, which was well-received and got strong regional airplay. However, because of the feudal nature of the music business at the time, they just couldn't break out, and like a lot of Northwest bands with great potential, they inevitably broke up and went their separate ways. Upon disbanding, they left behind a collection of original recordings at Seattle's legendary Kaye-Smith studios.

Unfortunately for CBT, the studio passed through several owners and at some unknown point in time, one of them did the unforgivable and destroyed the storied studio inventory of two-inch tapes and quarter-inch masters. Unknown to the band, a copy of their masters was smuggled out by their producer who added them to his legacy collection of cloned quarter-inch masters. After several years and many moves, he became concerned about the tendency for magnetic tape to deteriorate over time.

He sent the tapes to a Seattle lab to be restored and digitized, with the hope that perhaps, some day, they might be made available for the listening pleasure of R&B fans. The hoped-for day has finally arrived. Russell Paine and Super Disco Edits has pressed two of the Kaye-Smith CBT tracks: "Go For It", a jazz-influenced instrumental, featuring Kenny G, and "Unity", sung by the group en masse with Tony Gable singing lead. The musicians on these tracks are: Tony Gable, leader, vocals and percussion Harry Alexander, drums Kenny Gorelick (now world-renowned "Kenny G"), sax, flute and horn arrangements Chris Ishi, trumpet Michael Young, Trombone Jamar Jenkins guitar, vocals TC Jenkins bass, vocals 1 Philip Woo, keyboards Footnotes: CBT gave legendary saxophonist Kenny G his start in the music business. Kenny was still in high school when he was recruited to play sax and write horn arrangements. Kenny co-wrote, arranged and played sax and flute on the instrumental "Go For It." He rips a smoking tenor sax solo in the middle, which showcases his already masterful technique and solidifies his R&B bona fides. He went on to have a spectacular career recording for Clive Davis and Arista Records. Before his untimely passing in 2016, Tony Gable went on to found contemporary Jazz group, "Tony Gable and 206" (206 being Seattle's then only area code). With songwriting, performance and production help from Kenny G.

2026 Repress

The clergy is pleased to introduce you to a new initiate: Birds ov Paradise. This highly anticipated Hypnus debut comes split into three separate EP's which will be released one each full moon starting October.

Some of you may be acquainted with the music of Birds ov Paradise already as he's put out two stellar records on Jens and Aniara Recordings in 2016-2017, as well as making a contribution to our podcast series The Memoir where his sound was put on a grand display. Those of you who are new to the fantastic dream world of this very talented artist will quickly get lost in the flowing rhythms that drives his magical deep techno sound.

Early support from Etapp Kyle, Ness, Slam, Iori, Refracted, Svreca, Cio D'Or and Dorisburg to name a few.

Magazine Announces 15th Anniversary Remaster of Barnt’s Techno Classic Geffen

Cologne-based record label Magazine celebrates the 15th anniversary of Barnt’s visionary anthem Geffen. One of electronic music's most defining tracks of the 2010s will be reissued in a 2026 remaster edition, marking the first time it receives its own dedicated standalone release.

Originally published on the legendary Cómeme imprint as part of the Various Artists EP The Power Of Now, the track rapidly became a global phenomenon. Looking back, one can hardly imagine Geffen without the 2010s, or, conversely, maybe even electronic music of that era without it. The composition mirrors the expressive possibilities of bedroom producers at the beginning of that decade—an era where artists could launch tracks into the world and have them resonate through their sheer sonic power, without major marketing efforts.

Barnt remembers: "It was one of my earliest tracks. I had just entered art school and didn't own much equipment. My MIDI keyboard only had two octaves. I would always play notes with my right hand while simultaneously shifting through the octaves with my left. This is how the hook line came to life. The production only consisted of seven or eight stems, and barely any equalizers were used during the mixdown. In hindsight, this sparse approach to production probably made it sound different and is why it hits so hard on big sound systems (while sounding unfinished to some on YouTube). At that time, we were doing a small festival on a playground in the center of Cologne. When I played the CDR there, Matias Aguayo demanded it right after. That is how it ended up on Cómeme."

The release comes with two very Magazine-esque reinterpretations from the label's two other co-founders alongside Barnt: a powerful atmospheric club remix by Jens-Uwe Beyer, and Magazine Hallucination, a wild, collaborative, psychedelic mutation by Crato and Beyer.

Jörg Burger, who already mastered the original track, is also responsible for the mastering of this release.

The man with the hat returns to where it all began. A lot of water has flowed down the Rhine since Rune Reilly Kölsch set out 16 years ago to conquer the raving planet with “Loreley.” But just as that rock stands firm against the floodwaters, so too is Kölsch’s instinct for great tracks, great emotions, and great moments. “Anti Promi Energie” is yet another track that generates incredible energy with astonishing ease. The B-side isn’t just a true standout within the Kölsch canon; it also opens a remarkable new chapter in the label’s history: “Verschwinden” can best be described as techno-folk—or simply as the ideal final track after a night of partying, before the dawn swallows up the happy souls.
Der Mann mit dem Hut kehrt dorthin zurück, wo alles begann. Seit Rune Reilly Kölsch sich vor 16 Jahren mit “Loreley” anschickte, den Rave-Planeten zu erobern, ist viel Wasser den Rhein hinuntergeflossen. Doch so unumstösslich wie jener Felsen den Fluten standhält, so stabil ist auch Kölsch’s Gespür für große Tracks, große Gefühle und große Momente. “Anti Promi Energie” ist wieder so ein Track, der mit erstaunlicher Leichtigkeit unglaubliche Energie erzeugt. Die B-Seite ist nicht nur innerhalb des Kölsch-Kanons eine echte Besonderheit, sondern schlägt auch in der Geschichte des Labels ein bemerkenswertes neues Kapitel auf: “Verschwinden” lässt sich am besten als Techno-Folk beschreiben – oder einfach als der ideale letzte Track nach durchfeierter Nacht, bevor der anbrechende Tag die glücklichen Seelen verschluckt.

Das neue Album "The Lying Swans" der deutsch-brasilianischen Musikerin und bildenden Künstlerin Gloria de Oliveira entfaltet sich wie ein Werk des Magischen Realismus - bevölkert von Vögeln, Heiligen, Sirenen, blutigen Gesichtern, Geisterschiffen und gespenstischen Erscheinungen - und lädt die Hörer*innen in ihr bislang unmittelbarstes und komplexestes Werk ein. De Oliveiras drittes Album aber eigentliches Debut wirkt wie ein Werk der Gothic-Literatur, angestoßen durch das Bild einer Frau, die aus einem Spukhaus flieht; dieses zentrale Motiv prägte auch die visuelle Welt des Albums. Produziert von Randall Dunn (Anna von Hausswolff, Sunn O))), Marissa Nadler) und aufgenommen zwischen Island, New York und Berlin, ist das Ergebnis eine traumhafte Welt, in der Zauber und Gefahr nebeneinander existieren. Nach der EP-Compilation "Fascination" (2020, Reptile Music) sowie "Oceans of Time" (2022, Sacred Bones) - ihrer Zusammenarbeit mit David Lynchs langjährigem Sounddesigner Dean Hurley - führt "The Lying Swans" de Oliveira in neues Terrain. Sowohl thematisch als auch klanglich scheinen diese neun Songs aus den nebligen Gefilden von Hall und ätherischem Fuzz-Sound herauszutreten und eine erdige, greifbarere und damit verletzlichere Seite zu offenbaren. Dennoch bleibt ihre seraphische, sehnsuchtsvolle Stimme der Mittelpunkt, flankiert von einer beeindruckenden Riege an Musikern: Schlagzeuger Matt Chamberlain (David Bowie, Tori Amos, Pearl Jam), Gitarrist Lennard Zander, Cellistin Gyda Valtysdóttir (múm), Harfenistin Marilu Donovan (LEYA, Eartheater, Julie Byrne) und Keyboarder Ulfur Hansson wirken mit, während Ambient-Ikone Tor Lundvall eine seltene Spoken-Word-Darbietung beisteuert. Lina Andonovskas Querflöte spielt eine tragende Rolle und verleiht den Songs einen ebenso luftigen wie beunruhigenden Klang - inspiriert sowohl von de Oliveiras brasilianischen Wurzeln als auch von den Giallo-Soundtracks der 1970er und 1980er Jahre, jenen atmosphärischen italienischen Horror-Krimis, die stilisierte, drastische Gewalt und Voyeurismus mit prachtvoller Schönheit verbinden. Inspiriert von Lyrik, Literatur, Film und bildender Kunst ebenso wie von Musik, haben de Oliveira und Dunn ein Album geschaffen, das sich mühelos zwischen dem Spektralen und dem Pastoralen bewegt - ein Werk, in dem Anklänge an Fantasy- und Giallo-Soundtracks, alte Folk-Traditionen sowie die rhythmische Zartheit von Bossa Nova, MPB und Tropicália verschmelzen. Auch die Texte verweben Mythologie mit Anspielungen auf Miltons Paradise Lost*sowie die Lyrik von John Keats, Emily Brontë und Anne Sexton. Ein durchweg erhabenes Werk. Als CD (Digisleeve) mit Booklet oder auf LP (in klassisch Schwarz, Coke-Bottle-Green oder weiß-blau marmoriert) mit bedruckter Innenhülle & inside-out Sleeve.

Das neue Album "The Lying Swans" der deutsch-brasilianischen Musikerin und bildenden Künstlerin Gloria de Oliveira entfaltet sich wie ein Werk des Magischen Realismus - bevölkert von Vögeln, Heiligen, Sirenen, blutigen Gesichtern, Geisterschiffen und gespenstischen Erscheinungen - und lädt die Hörer*innen in ihr bislang unmittelbarstes und komplexestes Werk ein. De Oliveiras drittes Album aber eigentliches Debut wirkt wie ein Werk der Gothic-Literatur, angestoßen durch das Bild einer Frau, die aus einem Spukhaus flieht; dieses zentrale Motiv prägte auch die visuelle Welt des Albums. Produziert von Randall Dunn (Anna von Hausswolff, Sunn O))), Marissa Nadler) und aufgenommen zwischen Island, New York und Berlin, ist das Ergebnis eine traumhafte Welt, in der Zauber und Gefahr nebeneinander existieren. Nach der EP-Compilation "Fascination" (2020, Reptile Music) sowie "Oceans of Time" (2022, Sacred Bones) - ihrer Zusammenarbeit mit David Lynchs langjährigem Sounddesigner Dean Hurley - führt "The Lying Swans" de Oliveira in neues Terrain. Sowohl thematisch als auch klanglich scheinen diese neun Songs aus den nebligen Gefilden von Hall und ätherischem Fuzz-Sound herauszutreten und eine erdige, greifbarere und damit verletzlichere Seite zu offenbaren. Dennoch bleibt ihre seraphische, sehnsuchtsvolle Stimme der Mittelpunkt, flankiert von einer beeindruckenden Riege an Musikern: Schlagzeuger Matt Chamberlain (David Bowie, Tori Amos, Pearl Jam), Gitarrist Lennard Zander, Cellistin Gyda Valtysdóttir (múm), Harfenistin Marilu Donovan (LEYA, Eartheater, Julie Byrne) und Keyboarder Ulfur Hansson wirken mit, während Ambient-Ikone Tor Lundvall eine seltene Spoken-Word-Darbietung beisteuert. Lina Andonovskas Querflöte spielt eine tragende Rolle und verleiht den Songs einen ebenso luftigen wie beunruhigenden Klang - inspiriert sowohl von de Oliveiras brasilianischen Wurzeln als auch von den Giallo-Soundtracks der 1970er und 1980er Jahre, jenen atmosphärischen italienischen Horror-Krimis, die stilisierte, drastische Gewalt und Voyeurismus mit prachtvoller Schönheit verbinden. Inspiriert von Lyrik, Literatur, Film und bildender Kunst ebenso wie von Musik, haben de Oliveira und Dunn ein Album geschaffen, das sich mühelos zwischen dem Spektralen und dem Pastoralen bewegt - ein Werk, in dem Anklänge an Fantasy- und Giallo-Soundtracks, alte Folk-Traditionen sowie die rhythmische Zartheit von Bossa Nova, MPB und Tropicália verschmelzen. Auch die Texte verweben Mythologie mit Anspielungen auf Miltons Paradise Lost*sowie die Lyrik von John Keats, Emily Brontë und Anne Sexton. Ein durchweg erhabenes Werk. Als CD (Digisleeve) mit Booklet oder auf LP (in klassisch Schwarz, Coke-Bottle-Green oder weiß-blau marmoriert) mit bedruckter Innenhülle & inside-out Sleeve.

Das neue Album "The Lying Swans" der deutsch-brasilianischen Musikerin und bildenden Künstlerin Gloria de Oliveira entfaltet sich wie ein Werk des Magischen Realismus - bevölkert von Vögeln, Heiligen, Sirenen, blutigen Gesichtern, Geisterschiffen und gespenstischen Erscheinungen - und lädt die Hörer*innen in ihr bislang unmittelbarstes und komplexestes Werk ein. De Oliveiras drittes Album aber eigentliches Debut wirkt wie ein Werk der Gothic-Literatur, angestoßen durch das Bild einer Frau, die aus einem Spukhaus flieht; dieses zentrale Motiv prägte auch die visuelle Welt des Albums. Produziert von Randall Dunn (Anna von Hausswolff, Sunn O))), Marissa Nadler) und aufgenommen zwischen Island, New York und Berlin, ist das Ergebnis eine traumhafte Welt, in der Zauber und Gefahr nebeneinander existieren. Nach der EP-Compilation "Fascination" (2020, Reptile Music) sowie "Oceans of Time" (2022, Sacred Bones) - ihrer Zusammenarbeit mit David Lynchs langjährigem Sounddesigner Dean Hurley - führt "The Lying Swans" de Oliveira in neues Terrain. Sowohl thematisch als auch klanglich scheinen diese neun Songs aus den nebligen Gefilden von Hall und ätherischem Fuzz-Sound herauszutreten und eine erdige, greifbarere und damit verletzlichere Seite zu offenbaren. Dennoch bleibt ihre seraphische, sehnsuchtsvolle Stimme der Mittelpunkt, flankiert von einer beeindruckenden Riege an Musikern: Schlagzeuger Matt Chamberlain (David Bowie, Tori Amos, Pearl Jam), Gitarrist Lennard Zander, Cellistin Gyda Valtysdóttir (múm), Harfenistin Marilu Donovan (LEYA, Eartheater, Julie Byrne) und Keyboarder Ulfur Hansson wirken mit, während Ambient-Ikone Tor Lundvall eine seltene Spoken-Word-Darbietung beisteuert. Lina Andonovskas Querflöte spielt eine tragende Rolle und verleiht den Songs einen ebenso luftigen wie beunruhigenden Klang - inspiriert sowohl von de Oliveiras brasilianischen Wurzeln als auch von den Giallo-Soundtracks der 1970er und 1980er Jahre, jenen atmosphärischen italienischen Horror-Krimis, die stilisierte, drastische Gewalt und Voyeurismus mit prachtvoller Schönheit verbinden. Inspiriert von Lyrik, Literatur, Film und bildender Kunst ebenso wie von Musik, haben de Oliveira und Dunn ein Album geschaffen, das sich mühelos zwischen dem Spektralen und dem Pastoralen bewegt - ein Werk, in dem Anklänge an Fantasy- und Giallo-Soundtracks, alte Folk-Traditionen sowie die rhythmische Zartheit von Bossa Nova, MPB und Tropicália verschmelzen. Auch die Texte verweben Mythologie mit Anspielungen auf Miltons Paradise Lost*sowie die Lyrik von John Keats, Emily Brontë und Anne Sexton. Ein durchweg erhabenes Werk. Als CD (Digisleeve) mit Booklet oder auf LP (in klassisch Schwarz, Coke-Bottle-Green oder weiß-blau marmoriert) mit bedruckter Innenhülle & inside-out Sleeve.

,Yaphet" ist das neue Album des Rappers Curly Castro - auch bekannt als eine Hälfte des dynamischen Duos Shrapknel - das am 18. September 2026 bei Backwoodz Studioz erscheint. Auf ,Yaphet" lässt sich Castro vom Blaxploitation-Filmgenre der 1970er Jahre inspirieren; die schwarzen Helden und Antihelden jener Zeit dient ihm als Sprungbrett für seine filmische Lyrik. Die Flows wechseln so mühelos wie Kamerawinkel, die Strophen sind gespickt mit Anspielungen und Zweideutigkeiten - eine Rap-Meisterklasse, die man endlos wiederholen kann. Aber ,Yaphet" ist auch Castros erstes Soloalbum seit ,Little Robert Hutton" aus dem Jahr 2021, und hinter dem Feuerwerk spiegelt dieses Album die Tiefe seiner Erfahrungen in den dazwischenliegenden Jahren wider. ,Ich hatte nicht vor, so ehrlich über mein Leben zu sein, aber genau das ist dabei herausgekommen, und das Album ist dadurch besser geworden", erklärt Castro, ,vom Tod meiner kleinen Tochter über den Tod meines Vaters bis hin zur Konfrontation mit meiner eigenen bevorstehenden Sterblichkeit - das sind meine verwundbarsten Klingen, die meine tiefsten Wunden aufreißen." Genau wie Castro marschiert auch diese Platte im Takt ihrer eigenen Trommel, und täuscht euch nicht: Es gibt jede Menge Trommeln, mit denen sich der erfahrene MC messen kann, wie nur er es kann. Komplett produziert vom Milwaukeeer Beatmaker Locust, ist ,Yaphet" ein schwungvolles, vielseitiges Hörerlebnis, das seinen Einflüssen zunickt, ohne jemals zurückzuschauen. Castro wird von einem Wirbelwind der Besten des Genres begleitet: billy woods, PremRock, Fatboi Sharif, Brian Ennals, SKECH185, Blueprint, AJ Suede, shemar, ALASKA, Sunmundi, blackchai und Margel the Sophant.

a 1.1BLACK DON'T CRACK [FT. FATBOI SHARIF, BLUEPRINT, BRIAN ENNALS, SKECH185, ...]


[d] 1.4ENEMY-MINDED [FT. MARGEL THE SOPHANT]

[f] 1.6RAILROAD SPIKES [FT. MARGEL THE SOPHANT]
[g] 1.7BLOOD IN THE GARDEN [FT. PREMROCK]

[i] 1.9THE DELECTABLE NEGRO [FT. MARGEL THE SOPHANT]
[j] 1.10RINZLER WRECK [FT. ALASKA]

[l] 1.12NEW MUTANTS [FT. SHEMAR, BLACKCHAI, & SUNMUNDI]

[a] 1.1BLACK DON'T CRACK [FT. FATBOI SHARIF, BLUEPRINT, BRIAN ENNALS, SKECH185, ...]


[d] 1.4ENEMY-MINDED [FT. MARGEL THE SOPHANT]

[f] 1.6RAILROAD SPIKES [FT. MARGEL THE SOPHANT]
[g] 1.7BLOOD IN THE GARDEN [FT. PREMROCK]

[i] 1.9THE DELECTABLE NEGRO [FT. MARGEL THE SOPHANT]
[j] 1.10RINZLER WRECK [FT. ALASKA]

[l] 1.12NEW MUTANTS [FT. SHEMAR, BLACKCHAI, & SUNMUNDI]

,Yaphet" ist das neue Album des Rappers Curly Castro - auch bekannt als eine Hälfte des dynamischen Duos Shrapknel - das am 18. September 2026 bei Backwoodz Studioz erscheint. Auf ,Yaphet" lässt sich Castro vom Blaxploitation-Filmgenre der 1970er Jahre inspirieren; die schwarzen Helden und Antihelden jener Zeit dient ihm als Sprungbrett für seine filmische Lyrik. Die Flows wechseln so mühelos wie Kamerawinkel, die Strophen sind gespickt mit Anspielungen und Zweideutigkeiten - eine Rap-Meisterklasse, die man endlos wiederholen kann. Aber ,Yaphet" ist auch Castros erstes Soloalbum seit ,Little Robert Hutton" aus dem Jahr 2021, und hinter dem Feuerwerk spiegelt dieses Album die Tiefe seiner Erfahrungen in den dazwischenliegenden Jahren wider. ,Ich hatte nicht vor, so ehrlich über mein Leben zu sein, aber genau das ist dabei herausgekommen, und das Album ist dadurch besser geworden", erklärt Castro, ,vom Tod meiner kleinen Tochter über den Tod meines Vaters bis hin zur Konfrontation mit meiner eigenen bevorstehenden Sterblichkeit - das sind meine verwundbarsten Klingen, die meine tiefsten Wunden aufreißen." Genau wie Castro marschiert auch diese Platte im Takt ihrer eigenen Trommel, und täuscht euch nicht: Es gibt jede Menge Trommeln, mit denen sich der erfahrene MC messen kann, wie nur er es kann. Komplett produziert vom Milwaukeeer Beatmaker Locust, ist ,Yaphet" ein schwungvolles, vielseitiges Hörerlebnis, das seinen Einflüssen zunickt, ohne jemals zurückzuschauen. Castro wird von einem Wirbelwind der Besten des Genres begleitet: billy woods, PremRock, Fatboi Sharif, Brian Ennals, SKECH185, Blueprint, AJ Suede, shemar, ALASKA, Sunmundi, blackchai und Margel the Sophant.

[a] 1.1BLACK DON'T CRACK [FT. FATBOI SHARIF, BLUEPRINT, BRIAN ENNALS, SKECH185, ...]


[d] 1.4ENEMY-MINDED [FT. MARGEL THE SOPHANT]

[f] 1.6RAILROAD SPIKES [FT. MARGEL THE SOPHANT]
[g] 1.7BLOOD IN THE GARDEN [FT. PREMROCK]

[i] 1.9THE DELECTABLE NEGRO [FT. MARGEL THE SOPHANT]
[j] 1.10RINZLER WRECK [FT. ALASKA]

[l] 1.12NEW MUTANTS [FT. SHEMAR, BLACKCHAI, & SUNMUNDI]

Radiant, spring-loaded and alive with movement, Lab Boogie sees Jupiter’s Depth go full dancefloor as Vienna-based Nizar Sarakbi makes his first appearance on the label.

The A-side cuts a brighter path through house, with rolling low-end, dubby flashes and percussion flickering from every angle. Across the B-side, the groove turns techier and the mood slightly darker, before Bella Sarris closes the record with a warped, off-centre take on “Angel Dust”.

Ukrainian-born and now based in Vienna, Nizar follows releases on Outdom and Naked Groove Records, including the recent *Truth Seekers* EP alongside COZi. The record is already picking up support from label favourites Julian Anthony, Christopher Ledger, Roza Terenzi, Eoin DJ and Jennifer Cardini.

Die Band ,The Black Heart Procession" besteht aus den beiden Hauptsongwriter Tobias Nathaniel und Pall A. Jenkins, die beide zuvor bei ,Three Mile Pilot" mitwirkten. Manchmal treten sie als reines Duo auf, zu anderen Zeiten laden sie Freunde ein, mitzuspielen. Mario Rubalcaba (Clikitat Ikitowi), Jason Crane (Rocket from the Crypt) und Kazu Makino (Blonde Redhead) wirkten an der Entstehung von ,Three" mit. ,Three", das ursprünglich im Jahr 2000 erschien, ist das dritte Album der Black Heart Procession in voller Länge. Die Klänge der Instrumente verschmelzen miteinander und untermalen den Rhythmus von Palls ausdrucksstarkem Gesang. Jeder Song scheint sich unaufhörlich vorwärts und rückwärts zu bewegen und spielt dabei mit dem Kontrast zwischen hellen Klängen und dunklen, grüblerischen Themen. The Black Heart Procession brechen Herzen mit der Verschmelzung von Klängen aus Klavier, Säge, Pumporgel, Gitarre, Trompete und Gesang sowie dem einen oder anderen ungewöhnlichen Perkussionsinstrument. Die Klänge mögen bei einigen von Ihnen Schmerz oder Freude auslösen - oder beides -, da ihre Musik von Trauer und Herzschmerz durchdrungen ist, doch es liegt ein unterschwelliges Element der Befreiung darin.

Mit ihren ersten beiden Alben verwandelten Dream Unending die vertraute Architektur des Death Doom in einen eigenen Ort. Eine Sprache, in der tiefste Schwere mit Progressive Rock, Ambient-Musik, jazzinspirierter Improvisation und unverblümter emotionaler Offenheit koexistieren konnte.
Auf dem neuen Album 'Certain Uncertainties' bleibt dieser Ausdruck intakt, doch der Blick hat sich verändert. Wo frühere Werke oft nach oben und außen zu greifen schienen, kehrt dieses auf die Erde zurück: schlanker im Aufbau, rauere Kanten und von einer ausgeprägt nächtlichen Atmosphäre geprägt. Man könnte es vielleicht 'Adult Contemporary Doom' nennen; Musik von erheblichem Gewicht, die dennoch gelernt hat, wie viel gesagt werden kann, indem man bestimmte Dinge ungesagt lässt.

Aufgenommen mit weniger Schichten und einem bewusst unmittelbaren instrumentalen Ansatz, gibt 'Certain Uncertainties' den einzelnen Darbietungen Raum zum Atmen. Derrick Vellas Gitarren bewegen sich mit ungewohnter Freiheit durch Blues-, Jazz- und Progressive-Vokabular und tragen zuweilen den offen geführten Charakter amerikanischer Roots-Musik in Gefilde, die man im Doom selten antrifft. Justin DeTores Schlagzeug ist durchgehend präsent, verleiht dem Album eine physischere Dynamik und hilft den Kompositionen, ihre Ziele mit größerer Sparsamkeit zu erreichen. Dennoch hat die Prägnanz die Vorliebe von Dream Unending für Entladung nicht geschmälert: Insbesondere das Eröffnungs- und das Schlussstück steuern auf enorme Druckpunkte zu, während die Zwischenräume Vellas Spiel zum Wandern, Reagieren und gelegentlichen Unvollkommenheiten einladen. Jeder Song funktioniert als eigene Vignette – teils Wüsten-Träumerei, teils After-Hours-Noir – durchzogen von Spuren westlicher Landschaften, dämmrigen Räumen und leeren Straßen.

Diese erdgebundene Qualität passt zu einem Album, das sich im Kern mit Instabilität und Wiederaufbau beschäftigt. Entstanden in einer Phase, in der Vella sein eigenes Vertrauen ins Risikoeingehen neu aufbaute, trägt 'Certain Uncertainties' Zweifel in sich, ohne der Verzweiflung zu verfallen. Die versehrte Balladenhaftigkeit von 'I Carry Your Burden' (mit Gastgesang von Brendan Radigan), die improvisatorische Offenheit des Titeltracks und die hässlicheren Ausbrüche des Death Doom gehören alle zum selben emotionalen Terrain: Schönheit und Unbehagen dürfen denselben Rahmen einnehmen. Wenn das frühere Werk von Dream Unending eine andere Welt jenseits der Grenzen schwerer Musik imaginierte, findet 'Certain Uncertainties' etwas ebenso Seltsames in der Welt unter unseren Füßen. Ein Album voller trockener Luft, langer Schatten, ungelöster Fragen und dem sturen Impuls, sich weiter durch sie hindurchzubewegen.

Perry Louis is a pivotal figure in the UK jazz dance movement. As a dancer and choreographer, producer, DJ, broadcaster, and founder of the internationally respected jazz dance collective JazzCotech Dancers, he is perfectly placed to curate this collection.

Perry has been at the heart of the scene since the early 1980s, from JAFFAS, the Electric Ballroom, Dingwalls, Acid Jazz, Hi Hat, and Messin’ Around, taking its energy and sound as far as Japan, the USA, St. Lucia, India, Canada, and across Europe.

This compilation celebrates 25 years of Shiftless Shuffle, with Perry as its ambassador and driving force. Over the years, he has collaborated with top DJs including Paul Murphy, Gilles Peterson, Snowboy, Colin Curtis, and Shuya Okino, helping shape the UK jazz dance sound into a global phenomenon.

The album blends deep jazz, fusion, Latin, and groove-driven tracks, reflecting both the scene’s rich heritage and its forward momentum.

From the brand-new exclusive track by Kyoto Jazz Massive, Get It Together (Samba Fusion Mix), to Bunny Brunel’s Fickle Funk appearing on vinyl for the very first time, and the hard-hitting Caribbean Fire Dance by Tom Grant, this compilation tells the story of a movement—an underground culture born on UK dancefloors that has now captured a worldwide audience.

LP with insert

In the artist’s own words:

"Thank Goodness brings together an overdubbed ‘chamber band’ of bass guitar, viola, piano, harpsichord, voice and drums. Made on my own in London and Ireland between 2023-26 as a slow channelling inward of a lot of social energy.”

Seán Being is a committed figure at the sharp edges of Irish music, including being the key instigator of the band Princ€ss, touring bass player with Maria Somerville, and a long-time affiliate of Dublin label wherethetimegoes. Their various collaborations include contributions to live and recorded projects with the likes of Spellcaster, Nashpaints, Florian TM Zeizig, Jennifer Moore, Olan Monk, Dylan Kerr, Asa Nisi Masa, Life is Beautiful, Polido, Adriana João and Usof.
Not always in the business of ‘popular music’, Seán also has Gregorian Chant and car horn performances in their repertoire.

Aspects of all of this activity have made their way, directly or otherwise, into this first full-length album.

Amidst their illustrious presence in dance music, Âme have been - and seen - a tumultuous evolution in all that surrounds. Genres have splintered and sharpened, melodies reinvented.
Yet, Frank and Kristian continue to stay true to their own meticulously individual art form. The pair muse on all that's been in latest album, "Love Is The Dance", where they reflect on a multitude of sounds that have shadowed their career for 20 years and counting - presenting a collection of tracks that flicker between different worlds and feelings, whilst harmoniously paying tribute to icons such as Underground Resistance and Compass Point Studios.

Between slower gems such as "Water Be My Crown" and "Of Courage", where buttery chords melt into sleek solitude, comes catchy pop-leaning numbers like "Shadow Of Love" and "Pha Na Pha" that carve their own vibrancy; having already painted endless dance floors with endless memories following individual releases. Cemented with club-focused cuts "Asa" and "Love Is The Dance", the album also moves towards familiar Âme territory; and still, threaded through its DNA is the art of collaboration. A substantial essence to Âme's work throughout the years, the duo level-up, as they invite a curated list of friends and artists, including RY X, Henrik Schwarz, Curses and Busiswa. The result forms a curious, all-expansive record that sees Âme creating avenues bolder, stronger - and even more musically diverse.

Amidst their illustrious presence in dance music, Âme have been - and seen - a tumultuous evolution in all that surrounds. Genres have splintered and sharpened, melodies reinvented.
Yet, Frank and Kristian continue to stay true to their own meticulously individual art form. The pair muse on all that's been in latest album, "Love Is The Dance", where they reflect on a multitude of sounds that have shadowed their career for 20 years and counting - presenting a collection of tracks that flicker between different worlds and feelings, whilst harmoniously paying tribute to icons such as Underground Resistance and Compass Point Studios.

Between slower gems such as "Water Be My Crown" and "Of Courage", where buttery chords melt into sleek solitude, comes catchy pop-leaning numbers like "Shadow Of Love" and "Pha Na Pha" that carve their own vibrancy; having already painted endless dance floors with endless memories following individual releases. Cemented with club-focused cuts "Asa" and "Love Is The Dance", the album also moves towards familiar Âme territory; and still, threaded through its DNA is the art of collaboration. A substantial essence to Âme's work throughout the years, the duo level-up, as they invite a curated list of friends and artists, including RY X, Henrik Schwarz, Curses and Busiswa. The result forms a curious, all-expansive record that sees Âme creating avenues bolder, stronger - and even more musically diverse.

Nach der erfolgreichen Veröffentlichung von Greatest Hits & Remixes Vol. 1 mit den beliebten Extended Versions folgt nun die passende Ergänzung: Greatest Hits & Remixes Vol. 2 – Radio Versions. Diese Zusammenstellung präsentiert die größten Hits von Fancy in ihren originalen, kompakten Singleund Radio-Versionen.

Mit internationalen Klassikern wie „Flames Of Love“, „Slice Me Nice“, „Bolero (Hold Me In Your Arms Again)“, „Lady Of Ice“ und „Chinese Eyes“ vereint das Album jene Songs, die Fancy zu einer der prägendsten Figuren der Euro-Disco- und Synth-Pop-Szene der 1980er Jahre machten. Ergänzt wird die Sammlung durch weitere Fan-Favoriten wie „China Blue“, „Fools Cry“, „Angel Eyes“ und „Long Way To Paradise“.

Greatest Hits & Remixes Vol. 2 – Radio Versions bietet die perfekte Möglichkeit, diese zeitlosen Hits in ihren eingängigen Originalversionen zu genießen – ein Muss für Fans von Fancy sowie für Liebhaber klassischer 80er-Jahre-Pop- und DiscoMusik

2026 Repress

Assembler Code - We've Felt This One Coming For A Minute Now. After An Unstoppable Run Of Releases Along Side Jensen Interceptor On Labels Such As Cultivated Electronics, Private Persons & Boysnoize Records, Ac Is Finally Flying Solo With This 4 Track Electro Assault Masterpiece 'mental Escape'.

Plugging Into The Title Track 'mental Escape', It's A Rugged Machine Driven Work Out Through Idm & Industrial Landscapes Formulated To Present His Vision Of Futuristic Electro Whilst Still Providing All The Nostalgic Rother & Drexcyian Nods We All Love.

Now That The Tone Has Been Set, 'simulant' Follows Suit. Entering The Celestial Sphere Via Some Haunting Sci-fi Strings, We're Slapped In The Face With Slamming Percussion Followed By A Relentless Acidic Modulated Baseline That Takes Us From One Planet To The Next At Light Speed.

The Journey Wouldn't Be Complete With Out His Old Partner In Crime Jensen Interceptor Coming On Board For A Ride. 'type 2' Is A Classic Case Of Past Meets Present. Scrapyard Industrial Groove Ready To Split Speakers At Your Next Warehouse Party Married With A Selection Of Classic Alpha Sounds To Keep All The Purists In Check.

The Thunder Continues To The Very End. If You're A Tape Saturation Fiend Begging For Your Next 808 Crack Hit, Prepare To Have Your Back Bent In Half With Euphoria As Soon As 'hal's Machine Tool' Is Injected Into Your Ears. In Short, 4 Minutes & 44 Seconds Of Hard Nasty Robotic Electro Booty Sweat.

Jnbo ist der Künstlername von Henry Jenkins, einem Komponisten, Produzenten/Toningenieur und Bassisten aus Melbourne/Naarm. Jenkins ist den meisten als Produzent/Toningenieur hinter Surprise Chef, Karate Boogaloo und der für den Grammy nominierten Frollen Music Library bekannt. Als hauseigener Toningenieur für Aufnahmen und Abmischungen bei College In-House-Aufnahme- und Mix-Ingenieur bei Knowledge Records hat Jenkins die klangliche Grundlage für die instrumentale Cinematic-Soul-Bewegung von Melbourne/Naarm geschaffen. Auf ,& Friends" setzt Jenkins seine Fähigkeiten für seine eigenen brillanten Kompositionen ein. Das Album umfasst 12 introspektive Instrumentalstücke - tiefe, cineastische Odysseen, die von Romantik und Aufrichtigkeit durchdrungen sind und jenen unverkennbaren ,Freak Funk Bump" haben. Jenkins erklärt die Konzeption von ,& Friends": ,Ich wollte ein Album schreiben, auf dessen Aufnahme ich mich mit meinen Freunden freuen würde. Die Musik, die ich schrieb, hatte eine Funk-Sensibilität in Bass und Schlagzeug, kontrastiert durch einen eher cineastischen Ansatz in Bezug auf Harmonie und Melodie, mit Gitarren, die sich dazwischen schlängeln und gleiten. Ich habe versucht, diesen Kontrast zum Charakter des Albums zu machen. Ich fand, dass jeder Song die gleiche Instrumentierung und die gleichen Musiker haben sollte. Das wurde zu einer angenehmen kreativen Herausforderung: Wie viel Variation konnte ich im Laufe des Albums aus denselben acht Instrumenten herausholen? Ich wollte innerhalb dieser engen Grenzen so viel Vielfalt wie möglich finden." Jenkins hat diese Prinzipien bei den Aufnahmen zu ,& Friends" angewendet und langjährige Musikpartner wie Hudson Whitlock, Darvid Thor und Callum Riley (Karate Boogaloo), Lachlan Stuckey und Jethro Curtin (Surprise Chef), Lewis Coleman und Lena Douglas (The Cactus Channel) zusammen, um unkonventionelle Arrangements für drei Gitarren, Klavier, Streichersynthesizer, Hammondorgel, Schlagzeug und Bass zu verwirklichen, wobei Jenkins selbst den Bass und die Produktion übernahm. Das Ergebnis ist ein auffallend einzigartiges Album: Mal gibt's malerische Stimmungen, mal funkige Rhythmen, die zum Mitwippen einladen, wobei die drei Gitarren und drei Keyboards genau im Stereofeld angeordnet sind. Das Album zeigt die Einflüsse des Filmkomponisten Bernard Herrmann, des Lounge-Pioniers Les Baxter und Lamont Dozier von Motown, zusammen mit den exzentrischen Eigenheiten von JNBO. Für Fans von Surprise Chef, El Michels Affair, Menahan Street Band, Les Baxter, Bernard Herrmann.

College of Knowledge Records verkündet stolz das selbstbetitelte zweite Album von Let Your Hair Down. Let Your Hair Down ist eine siebenköpfige Boogaloo-Soul-Band aus Melbourne / Naarm , bestehend aus Hudson Whitlock (Karate Boogaloo, The Pro-Teens), Lachlan Stuckey (Surprise Chef), Tom Pettit (Temporary Blessings), Nic Ryan-Glenie (Owelu Dreamhouse), Will Morrissey (Saskwatch), Olaf Scott (The Teskey Brothers) und Luigi Portararo. Kurz nach der Veröffentlichung von Let Your Hair Downs mittlerweile sehr beliebtem Kult Klassiker-Debüt ,Waiting Room" kehrte die Band in das inzwischen stillgelegte Dachstudio zurück, in dem ihr erstes Album aufgenommen wurde, um ein zweites Album auf Band aufzunehmen. Mit dem gefeierten Toningenieur und Produzenten Henry Jenkins (alias Jnbo) erneut am Ruder entstanden bei einer fruchtbaren und fröhlichen Wochenendsession 11 brandneue Originalaufnahmen - und der einfache Teil war geschafft. Mit einem von Let Your Hair Down-Schlagzeuger Hudson Whitlock entworfenen Albumcover war das selbstbetitelte zweite Album von Let Your Hair Down fertig; 11 hammermäßige Instrumentalstücke, die den schrägen Funk in Moll, die perkussive Psychedelia und den bläserlastigen Boogaloo der undergroundigsten Gruppe aus der Soul-Underground-Szene von Melbourne dokumentieren. ,Let Your Hair Down" fängt die Band in Höchstform ein: spontane, energiegeladene Arrangements, dargeboten von einer erstklassigen Gruppe von Musikern, die es einfach lieben, gemeinsam Musik zu machen. Der ,Good Clean Fun"-Faktor verbindet sich mit messerscharfer Musikalität und fundiertem Gespür und kristallisiert sich zu einem wahrhaft erstklassigen Originalalbum heraus.

Was genau ist Folk Soul? Es handelt sich nicht um den zeitgenössischen Roots-Rock oder die Country-nahen Balladen, die du wahrscheinlich kennst. Folk Soul steht direkt vor - wenn nicht sogar direkt neben - der schwarzen Musikszene der Mitte bis Ende der 60er bis in die frühen 70er Jahre. Während Spiritual Soul das Ethos der afroamerikanischen Befreiungsbewegung und den breiteren Kampf seiner Zeit verkörpert, beschäftigte sich Folk Soul mit der Analyse, Klassifizierung und regelrechten Ablehnung des Status quo - und stellte sich den komplexen, starren Machtkämpfen jener Zeit durch minimalistische, klassisch geprägte und zukunftsweisende Ansätze im Songwriting. Diese LP besiegt den Faschismus.

Was genau ist Folk Soul? Es handelt sich nicht um den zeitgenössischen Roots-Rock oder die Country-nahen Balladen, die du wahrscheinlich kennst. Folk Soul steht direkt vor - wenn nicht sogar direkt neben - der schwarzen Musikszene der Mitte bis Ende der 60er bis in die frühen 70er Jahre. Während Spiritual Soul das Ethos der afroamerikanischen Befreiungsbewegung und den breiteren Kampf seiner Zeit verkörpert, beschäftigte sich Folk Soul mit der Analyse, Klassifizierung und regelrechten Ablehnung des Status quo - und stellte sich den komplexen, starren Machtkämpfen jener Zeit durch minimalistische, klassisch geprägte und zukunftsweisende Ansätze im Songwriting. Diese LP besiegt den Faschismus.

,PROUD OF ME" ist ein sehr persönliches neues Album, an dem ALA.NI - die geheimnisvolle britische Sängerin, Songwriterin und Musikerin, deren Stimme jenseits der Zeit zu schweben scheint - und der Komponist Adrian Younge fast ein Jahrzehnt lang gearbeitet haben. Das Album fängt einen tagebuchartigen Schnappschuss aus ALA.NIs Leben über mehrere Jahre hinweg ein und zeichnet Liebe, Sehnsucht, Trauer und Selbstfindung vor dem Hintergrund von Los Angeles nach. Auf ,Proud of Me" schreibt ALA.NI offen über Sehnsucht, Trauer, Intimität und Selbstbeherrschung und lässt dabei oft die emotionalen Ecken und Kanten offen liegen. Von der gedämpften Intimität von ,Face in the Evening" bis zur verträumten Romantik von ,Middle of Nowhere" zeichnet das Album die Geschichte einer Frau nach, die lernt, ihrer eigenen Stimme und ihren Erfahrungen zu vertrauen.

Das Repertoire des aus Brooklyn stammenden Komponisten, Arrangeurs und Multi-Instrumentalisten Sammy Weissberg umfasst intime Stücke für Gitarre und Holzblasinstrumente, Filmmusik für Kammerorchester und alles dazwischen. Im Mittelpunkt seiner zeitgenössischen klassischen Werke stehen liebevoll geschwungene Melodien, markante Akkordfolgen und insgesamt eine grenzenlose musikalische Fantasie. ,Music for Strings and Brass", Weissbergs neueste Veröffentlichung (und sein Debüt bei Dear Life Records), enthält zwei Werke, die den Umfang seines künstlerischen Schaffens neu definieren und Techniken einbeziehen, die er während seiner Arbeit als Arrangeur für Songwriter (The Lemon Twins, Allegra Krieger, June McDoom, Frances Chang und viele mehr) verfeinert hat. Das Album enthält sein beeindruckendes, impressionistisches Streichquartett Nr. 2 und ein Blechbläserquintett, das die ergreifende, stimmähnliche Ausdruckskraft jedes einzelnen Instruments auslotet. In beiden Fällen erweist sich Weissberg als Komponist, dessen humanistische und unmittelbare Musiksprache keinen großen dramatischen Rahmen benötigt, um tief im Herzen nachzuklingen. Inspiriert von Komponisten der Spätromantik und der Moderne spricht Weissberg eine musikalische Sprache, die manchmal so klingt, als käme sie direkt aus einer anderen Zeit. An verschiedenen Stellen greifen seine Werke die anmutigen und eingängigen Instrumentalthemen von Antonín Dvorák und Sergej Prokofjew, das atomare rhythmische Zusammenspiel von Igor Strawinsky sowie die üppigen Klangwelten von Claude Debussy und Nino Rota auf. Doch stets verwandelt er diese nostalgischen Anknüpfungspunkte in zeitgemäß klingende, zutiefst persönliche Kammermusikwerke, die man unmöglich missverstehen kann: ausgefeilt und unprätentiös, außergewöhnlich und zeitlos. Seine Werke spiegeln die grundlegendsten Instinkte und die Struktur des Alltags wider - das Gefühl, dass wir ständig von irgendwoher kommen und irgendwohin gehen, auf der Suche nach einfachen, zugrunde liegenden Mustern, die komplexen Phänomenen Sinn und Sinnzusammenhang verleihen, und voller Sehnsucht nach jenem Gefühl der Leichtigkeit, das uns über das Vertraute hinaustreibt. ,Music for Strings and Brass" ist der perfekte Einstieg in die Art und Weise, wie Sammy Weissberg das Leben in Klängen verarbeitet - ein Album, das zu den warmherzigsten und zielstrebigsten Instrumentalveröffentlichungen des Jahres zählen dürfte.

2026 Repress

purple vinyl

Following up from Amadeezy's wildly successful East Side G-Ride earlier this year, Nite Fleit beams onto the International Chrome starship to bring us four tracks of extra-terrestrial electro that will blow your sensor readings. The EP comes on 140g purple vinyl and includes an interstellar team-up with Jensen Interceptor on the track Effe Bee Eye. The Truth is out there...

Huxley debuts on Rekids with the ‘MIND G%MES’ EP.

UK DJ, producer, and Dumb Safari label head Huxley joins Radio Slave’s Rekids for the first time with the ‘MIND G%MES’ EP, dropping 25th July 2025. The first track, ‘M%ND’, kicks off with woozy and alluring pads swirling round a cuddly but kicking Deep House groove. Soulful vocals and delicate, cosmic melodies rise out of the mix to bring it to a close in style. 'CLUB SH%T' ups the ante with zippy synths injecting some texture to slamming drums that straddle the House and Techno divide, while wispy stabs and warm daubs of sound dance around the cowbells to make this an evaluated late-night tool.

'FEAR N%THING' is a new school cut, with fi ltered loops, sugary chords, and pent-up energy all surging through the dance fl oor. Last but not least is 'ANY1', a sleazy House pumper featuring moody spoken word, a big, rubbery bassline, and slinky, Garage-infl uenced percussion.

Active in the underground music scene for two decades, former Rinse resident and sometime Aus, Shall Not Fade and Unknown To The Unknown artist has had one hell of a career. From huge breakthrough tracks like ‘Let it Go’ on Hypercolour and ‘Box Clever’ on 20:20 Vision to his 2014 ‘Blurred’ LP on Aus, he’s seen universal critical acclaim as well as massive support from DJs and dancefloors globally. In recent years, his Dumb Safari label, the online community R Trybe (co-founded by Ramin Rezaie/BAKKIS) and collaborations with Steve Bug are just a handful of his projects, while his ‘MIND G%MES’ EP for Rekids is already feeding the fi re with support from Jen Cardini, Cromby, I.Jordan, Jennifer Loveless and big room dons, Michael Bibi and Solomun.

Younger Than Me announces his debut full length "The Golden Age Of Love", to be released on 90's Wax this coming March 2024. The record is the perfect example of the breadth of his irrepressible and unique sound. Featuring collaborations with Massimiliano Pagliara, Brame & Hamo and Pablo Bozzi. The artist is an Italian native known for a modern interpretation of '90s club music' - a dynamic blend of Progressive House, Trance, EBM, Breakbeat, and Techno ideas. This first album is a love letter to a deep-rooted passion for the idiosyncrasies of rave culture and the crossover points with contemporary electronic music.

Younger Than Me, an artistic project by Francesco Mingrino that is steeped in the nostalgia of ‘90s rave, yet not at all trapped in that past. A project that has cemented a special place in the electronic music scene with a string of records on labels like Bordello A Parigi, Amsterdam-Utrecht based platform XXX, Rotterdam’s Bar and Jennifer Cardini’s Dischi Autunno. To this point Francesco has pushed his fun yet forceful sound, with many releases on his own 90's Wax, and collaborations with people like Skatebård, Francesco Farfa, Timothy Clerkin and Curses (as Y2C).

"The Golden Age Of Love" as a package is curated in Younger Than Me's characteristic style. Opening with "Long Life Death", a track that sets the stage with a cinematic soundscape in a classic Carpenter vibe. Picking up the tempo "Zarathustra Dance" takes you right into the golden age itself, its low slung beat and carefully sequenced lead line pushes an ever building tension designed to crack any dancefloor. The track with Massimiliano Pagliara, "Eternal Sunshine Of Solitary Mind", is one of the highlights, perfectly building around a catchy lead with tight arpeggio and sequenced acid. Leading us into the 2nd half of the record "Sadness Is The Only Way To Happiness" is a proto-trance beast, inspired by that period in the early 90s when Trance was less bright lights and big stages and more dark rooms and smoke filled spaces, an ever building progressive run of haunting vocals, rave stabs and rolling bass.

Whilst YTM is at home presenting dancefloor focussed material, we see him explore the other side too, with "Memory Is A Clock" like the earlier "Vortix", he ditches the 4x4 for breakbeat territory. Whilst the bass keeps the solid metronome you would expect, "Memory Is A Clock" is a track that takes a few moments, contemplative melody and trademark arpeggios take the lead. When it comes to the other collaborations on the record, the appearance of Brame And Hamo on "Raver's Heart Is A Mess" sees them lean into the Progressive nature both artists love so much. Then Pablo Bozzi lends his own unique outlook to "We Don't Know The Way, We Just Stay" in one of the standout tracks, epitomising Younger Than Me’s ability to create profound experiences.

The album concludes with "Music Will Never Stop, Heartbeat Will Never Fade, Party Will Never End", less of a title and more of a personal philosophy – the perpetual essence of rave culture and its timeless impact on music. A rhythmic belter, juxtaposed with incendiary synth-lines and staple catchy sequence work, finishing the record with one of the true highpoints. In addition the release also features four digital bonus tracks, including "The Other Face Of Loneliness" and a Prog Dance Reshape of one of the records more eclectic cuts "Zarathustra Dance" all offering an extended exploration into the creative landscape YTM inhabits.

"The Golden Age Of Love" is a debut album that ticks all the boxes; it's a celebration of a bygone era through the lens of the contemporary. Younger Than Me stands as a testament to the enduring spirit and evolving nature of the music that began in the ‘90s rave scene, with an LP that pushes Love, Progression and Fun to the forefront.

Jennifer Touch release her next LP 'Aging at Airports' on Fabrika Records. The idea for the record title came before the music even existed as Touch was spending an increasing amount of time in airports while touring. In her own words: "It felt like I waste a large part of my life waiting for the next show to come, to entertain and perform my music and build timeless moments with others. This waiting, the slowly ticking time at the gate, was in complete contrast to what I want to do as an artist: to be in flux, to create things that will last forever. The airport, as a busy hub, was like a symbol of this ambivalence. And a reminder: every second, whether waiting or on the move, I have to accept that I am fading, that my creative power, my face, and my body are fading. As a (performing) artist, everything feels like a strange contrast. While you want to stay true to yourself and speak authentically from the soul, you are also expected to appear forever young, and powerful. Artists are often wanted to distract people, but creating this art forces me to confront my own transience. I feel the struggle to fit into this powerful artificial framework that the world has set and the desire to break free from it."

'Sometimes life can kick you in the nads,' says Dominick Martin (aka Calibre). 'When life does do that, I need to make music like this. With its tones of hope and gospel-level layers of self-recorded vocals. Raw, uplifting, soulfull... Even to the most ardent of Calibre follower, ' Grow' sounds like nothing else he's done before. Yet it's not actually on the album it gave a name to. Partly because its ultimately positive veneer (even though it was written in the midst of two toxic relationships - one personal, one with the bottle) doesn't quite complement the deeper, more contemplative aesthetic of the album. But also because this is the start of a whole new story for Calibre...

'A part of Dominick is a poet and a part of him is a man who's lived through Northern Ireland at its worst,' observes Craig Richards . 'There's a gentleness and a tension to him and his past and his experiences. Somewhere in that middle ground is his music.'

Taken from a interview by Dave Jenkins for DJ Magazine.

Celebrated British producer O’Flynn presents his highly anticipated 3rd album ‘Kairos’ on his Panthus imprint.

‘Kairos’ comes off the back of some of the biggest success O’Flynn has seen so far in career: his January single ‘Fara’ shot into the top 40 in the UK’s Shazam Dance chart after landing BBC R1 Breakfast Track of the Week and adds to the Radio 1 Dance & Capital Dance playlists, plus a Headliner Mix on BBC R1Dance, with support on over 30 editorial playlists including the cover of Spotify’s key tastemaker playlists ‘Altar’. O’Flynn’s recent single ‘Sekete’ was an instant hit among A-listers, with support from Bonobo, Floating Points, Caribou, Barry Can’t Swim and Gilles Peterson; hitting #1 in the Beatport Bass/Club Top 100 and peaking at #47 in Shazam’s UK Dance Chart; it premiered with a first play by Sian Eleri on BBC R1’s Future Artists before seeing support from Danny Howard, Jack Saunders, Arielle Free and Jaguar as well as X6 Spins from Nick Grimshaw on BBC 6 Music and X3 plays from Jenny Greene on RTÉ 2.

Upcoming events include an exclusive in-person listening event at the Devon Turnbull Room @ 180 Studios, the sold out Cirque du Soul Summer Party (The Cause) and Glitterbox Ibiza on the day of release.

Bruno Berle is a singer, songwriter, producer, multi-instrumentalist and figurehead of a contemporary Brazilian music movement. With a quiet mastery of songwriting and an astonishing voice, his music has won hearts around the world. Since the release of his debut album No Reino Dos Afetos (2022), Berle has performed across the UK, Europe, Japan, South Korea, and China, only leaving his home country for the first time in 2023. Shaped by these journeys, Berle’s third studio album, Sem Fronteiras (Without Borders), reflects a utopian vision of a unified world.

Recorded across London, São Paulo, Minas Gerais, Germany, and Maceió, the album–co-produced alongside his longstanding musical partner Batata Boy–is the most expansive canvas Berle has worked on to date. Shot through with the imagery that has always animated his songwriting: open skies, morning light, vivid colours and the magic of human connection, Berle’s carefully crafted poetics and warm, delicate instrumentation drive this vivid body of work.

“I came from nothing”–Berle doesn’t take his rise to global prominence for granted.

Born to a working class family from Brazil’s northeastern Alagoas state, one of Brazil’s most economically deprived, Bruno moved frequently in his youth to follow any job opportunities his parents could find, before eventually settling in the coastal capital of Maceió. “I used to travel to Caruaru, Santa Cruz, Recife, Garanhuns, Arapiraca, which I loved and feel it made me ready to be in this rhythm i’, but at the same time I think not having friends from childhood and being in constant change made me a little numb to the constant upheaval”. On Sem Fronteiras, there is a similar duality at play. The album celebrates the collective joy and human connection that live touring brings, but it also sits with the darker realities of crossing borders. While music moves more freely around the world than ever before, our bodies are not granted the same privilege.

Though he’s never lacked self-belief, Berle recognises that talent alone doesn’t guarantee opportunity. “Before my second album No Reino Dos Afetos 2 everything I had ever recorded was made with the help and kindness of people who believed in my ability”. Determined to pay that kindness forward and help others from the sharp end of Brazil’s desperately unequal society, Berle produced and featured on the recent self-titled albums by his northeast Brazilian compatriots, Nyron Higor and Phylipe Nunes Araújo (both 2025), helping propel both onto the international stage. In turn, following the successes of Nyron & Phylipe’s albums alongside his own, Bruno finds himself at the forefront of a thriving community of artists now based in São Paulo, but primarily originating from northeastern states like Alagoas and Pernambuco.

Much like the famed Clube Da Esquina movement that spawned in 1970’s Minas Gerais, they operate with a free-exchange of ideas, writing songs with and for each other, performing on each other’s albums and on the live circuit together. Lead single ‘Manha’ flows from this ethos. It was written by Berle’s friend and fellow Alagoan João Menezes (writer of ‘Ate Meu Violao’ and ‘Te Amar Eterno’ from Bruno’s previous albums) and Marvin Viera, and originally recorded on their 2018 album Areia e Mar.

Sem Fronteiras opens with ‘Você Já Sabe Que Eu Te Amo’, just six beats of one nylon guitar chord ring out before changing key, paving the way for the gentle strike of fender rhodes and the arresting call & response duet between Berle and Higor. On ‘Amor Inteiro’, the album reaches a celebratory burst of catharsis, with the punch-packing drums of Pedro Lacerda and Nina Maia’s joyous backing vocals encapsulating the live energy that Berle and his band bring to the stage.

With the abundant talents of this musical community at its heart, Sem Fronteiras releases 10th July 2026 via Far Out Recordings, supported by a summer tour across Europe. Bruno Berle will perform in a four-piece band alongside Nyron Higor, Phylipe Nunes, and Batata Boy, culminating in an appearance at Roskilde festival, Berle’s biggest live show to date. He’ll continue to carry a hopeful vision of a world where artists and musicians can move as freely as their music flows.

Tracklist:

A1 “Você Já Sabe Que Eu Te Amo”
(Nyron Higor / Bruno Berle)
Nyron Higor – drums, bass, acoustic guitar, electric piano, synthesizers, vocals
Bruno Berle – piano, vocals
Batata Boy – piano
Jorik Bergman – score preparation and conducting
Klara Gronet – violin
Ségolène de Beaufond – violin
Cristina Ardelean Montelongo – viola
Ilektra Stevi – cello

A2 “Não Posso Viver Sem Você”
(Batata Boy / Bruno Berle)
Batata Boy – electric piano, organ, synthesizer
Bruno Berle – drums, bass, synthesizer, vocals
Jorik Bergman – score preparation and conducting
Klara Gronet – violin
Ségolène de Beaufond – violin
Cristina Ardelean Montelongo – viola
Ilektra Stevi – cello

A3 “A Noite de Estrelas”
(Nyron Higor / Bruno Berle)
Nyron Higor – synthesizers
Bruno Berle – bass, drums, vocals

A4 “Outra Noite”
(Bruno Berle)
Nyron Higor – drums
Bruno Berle – acoustic guitar, bass
Felipe Berle – congas
Lucca Francisco – guitar, vocals

B1 “Amor Inteiro”
(Bruno Berle)
Pedro Lacerda – drums, choir
Nyron Higor – bass, choir
Batata Boy – guitars, organ, electric piano, choir
Nina Maia – choir
Bruno Berle – guitars, acoustic guitar, congas, vocals

B2 “Ideias Mágicas”
(Batata Boy / Bruno Berle)
Heloisa Alvino – trombone
Batata Boy – synthesizers, beats, electric piano, organ, bass
Bruno Berle – synthesizer, vocals

B3 “Vim Dizer”
(Batata Boy / Bruno Berle)
Batata Boy – electric piano, organ, synthesizer
Thomas Stankiewicz – synthesizer
Nyron Higor – synthesizer
Bruno Berle – acoustic guitar, bass, vocals

B4 “Tô Assim”
(Bruno Berle)
Bruno Berle – acoustic guitars
Batata Boy – synthesizer
Nyron Higor – bass, synthesizer

B5 “Manhã”
(João Menezes / Marvin Silva)
Bruno Berle – acoustic guitar, vocals, congas, shaker
Batata Boy – piano, shaker, electric piano, vibraphone, synthesizers
Nyron Higor – drums, bass

B6 “Sem Fronteiras”
(Bruno Berle)
Filipe Mariz – guitar
Bruno Berle – acoustic guitar, vocals, bass
Jennifer Souza – vocals, acoustic guitar
Rudson França – drums

Credits:

Produced by Bruno Berle and Batata Boy
Mixed and mastered by Bruno Berle, Batata Boy and Felipe Berle

Audio engineering:
Nyron Higor (track 1 – production; track 4 with Felipe Berle)
Joe Osborne (tracks 7 and 9)
Victor Gelling (strings on tracks 1 and 2)
Filipe Mariz (track 10)

Photography: Claudio Virgínio
Design: Minchai

Recorded in:
Maceió, Alagoas, Brazil
Tamandaré, Pernambuco, Brazil
Belo Horizonte, Minas Gerais, Brazil
São Paulo, São Paulo, Brazil
London, England
Cologne, Germany

Die Musik von Panda Bear und Sonic Boom war schon immer ein Spielplatz: ein Ort, an dem Klangexperimente, Loops und unerwartete Ideen aufeinandertreffen. Während Sonic Boom einst mit Spacemen 3 die Balance zwischen Drone und Pop neu dachte und später mit modularen Synths experimentierte, erschafft Panda Bear, solo oder mit Animal Collective, schillernde Klangwelten zwischen Noise, Folk und Elektronik. Ihr gemeinsames Debüt Reset (2022) wirkte wie ein kreativer Befreiungsschlag im Pandemie-Nebel.

Mit A ? of WHEN setzen sie diese Spielfreude fort, gehen aber noch weiter. Harfen-Loops, Steel Drums, Pedal Steel, sogar Jodeln: Das Duo greift bewusst auf vermeintlich „uncooles“ Material zurück und macht daraus etwas Eigenes. Songs wie „Something Like Dreaming“ oder „Like a Moth to a Flame“ verbinden verspielte Psychedelik mit eingängigen Melodien, als würde man von Station zu Station durch einen musikalischen Abenteuerspielplatz springen.

Gleichzeitig wird der Ton ernster. Die zehn Stücke verhandeln digitale Erschöpfung, politische Verwerfungen und ökologische Fragen, ohne dabei die Leichtigkeit zu verlieren. Inspiriert von einer Welt aus „AI slop“, algorithmischem Dauerrauschen und permanenter Vernetzung, suchen Panda Bear und Sonic Boom bewusst nach anderen Formen der Verbindung: weniger Scrollen, mehr echtes Erleben, mehr Radio, Live-Shows, Listening-Partys und reale Begegnungen. Statt Zynismus setzen sie auf Empathie, Glück und gegenseitige Unterstützung.

Im Kern bleibt das Album jedoch ein Akt der Aneignung: Klänge aus unterschiedlichen Kontexten werden neu zusammengesetzt, getragen von ungewöhnlicher Percussion wie Harfe und Steel Drums. So entsteht Musik, die zugleich verspielt und reflektiert ist. A ? of WHEN blickt auf eine widersprüchliche Welt und verwandelt sie in etwas Verbindendes. Kein großes Heilsversprechen, sondern die Einladung, gemeinsam offline darin aufzugehen.

Konsequenterweise wird das Album nicht auf Streaming-Plattformen verfügbar sein: Panda Bear und Sonic Boom setzen stattdessen auf reale Begegnungen, Listening Sessions und direkten Austausch jenseits algorithmischer Dauerbeschallung.

The incredible story that began with The Most Mysterious Song on the Internet (TMMS) now enters an exciting new chapter: Skyscraper, the debut album by FEX.

Skyscraper features ten original tracks recorded in the early to mid-1980s-carefully re-transferred, remastered, and brought back to life. The album cover, designed by Darius S., brings the story full circle. Darius is the very person who preserved the now-iconic track Subways of Your Mind by recording it from NDR radio in the mid-80s. Without him, FEX may never have been discovered.

FEX's debut opens with its namesake, Skyscraper-a brooding, previously unreleased track the band once described as part of their "psychedelic phase." With haunting synth-helicopter textures and deep guitar riffs, it immediately sets the tone and raises tension.

The release flows naturally into the energetic and fully remastered studio version of Subways of Your Mind. This version of the TMMS - re-discovered on the "yellow label tape" by Reddit user Marijn-was long believed to be from a smaller home studio, but was actually recorded in November 1984 at Hawkeye Studios in Ganderkesee, near Hamburg.

Goldrush, first teased in raw form on FEX's YouTube channel, bends toward mechanical rhythm and shimmering synths, a snapshot of the band's experiments with programmed drum machine sound. Rückwardt's lyrics point to greed and criticizes materialism, and while the music leans toward pop sensibilities, it carries a raw, fractured edge.

Heart in Danger and I've Got My Eyes On You offer contrasting experiences-one rooted in classic post-punk tension, the other floating in melodic synth layers. The latter in particular feels like a fragment from a parallel radio history: a precise and one of a kind synth pop love song with a progressive touch.

From a rehearsal tape comes Dirty Slapstick, its urgency intact. Missing keyboard parts were later reconstructed by Michael Hädrich using his original DX7 synthesizer-recovering lost elements without rewriting the past. The lyrics take a wry look at forced optimism. Also included are the songs Talking Hands, Jenny and Strange Feeling, the latter being a slower blues-tinged cut, revealing yet another facet of the band's reach and Rückwardt's songwriting diversity.

The album closes where the legend began-with the original radio recording of Subways of Your Mind from Darius' cassette. This version of The Most Mysterious Song features alternate vocal effects, contributing to the track's enigmatic aura. Digitally transferred using a high-end Revox machine and carefully remastered, it now has its long-deserved official release.

The cover features a photo of the Eichenberg Bunker in Kiel-one of FEX's original rehearsal spaces and a symbolic monument to their sonic legacy.

Ja:ck is an artist who moves beyond fast-paced trends, focusing instead on a clear, driving vision. His releases on the renowned label Cocoon Recordings represent an uncompromising sound that balances hypnotic techno and energetic club dynamics. With a keen sense of tension and atmosphere, he has developed a signature style over the years that works as effectively on large floors as it does in intimate sets.
His new track, Dinamo, perfectly encapsulates this energy: pulsating, powerful, and precisely crafted. The track builds with subtle intensity before erupting into a forceful, captivating movement designed for the peak time.
Notably, Ja:ck has been supported for years by techno icon Sven Väth, who consistently integrates Ja:ck's sound into his sets. This ongoing backing underscores not only the quality of his productions but also his relevance within the international scene. With Dinamo, Ja:ck delivers another clear statement: raw, direct, and absolute club material.
The Oliver Keim remix of Ja:ck’s Dinamo translates the original track into a clean, stripped-back club aesthetic with a steadfast focus on groove and energy. From the start, a driving flow emerges: precise, dry drums meet a deep, rolling bassline that constantly pushes forward. The arrangement remains intentionally minimalist, yet leaves enough room for subtle details to unfold and build tension. Finely placed breaks provide dynamics without losing momentum, leading back into powerful, controlled drops.
The remix eschews clutter, relying instead on clarity, punch, and timing. This makes it versatile enough for both intimate club settings and larger floors, fitting seamlessly into Tech House, Melodic Techno, or driving House sets. It is a modern, functional remix—minimalist in sound, powerful in impact, and strictly geared toward the dancefloor.

Ja:ck ist ein Künstler, der sich jenseits schneller Trends bewegt und stattdessen auf eine klare, treibende Vision setzt. Seine Releases auf dem renommierten Label Cocoon Recordings stehen für kompromisslosen Sound zwischen hypnotischem Techno und energetischer Club-Dynamik. Mit einem feinen Gespür für Spannung und Atmosphäre hat er sich über die Jahre eine eigene Handschrift erarbeitet, die sowohl auf großen Floors als auch in intimen Sets funktioniert.
Sein neuer Track Dinamo bringt genau diese Energie auf den Punkt: pulsierend, druckvoll und gleichzeitig präzise ausgearbeitet. Der Track baut sich mit subtiler Intensität auf, bevor er sich in eine kraftvolle, mitreißende Bewegung entlädt, gemacht für die Peak-Time.
Besonders bemerkenswert: Ja:ck wird bereits seit Jahren von Techno Ikone Sven Väth unterstützt, der seinen Sound immer wieder in seine Sets integriert. Diese kontinuierliche Rückendeckung unterstreicht nicht nur die Qualität seiner Produktionen, sondern auch seine Relevanz in der internationalen Szene.
Mit Dinamo setzt Ja:ck ein weiteres klares Statement : roh, direkt und absolut clubtauglich.

German Text:
Der Oliver Keim Remix von „Dinamo“ von Ja:ck übersetzt den Original-Track in eine klare, reduzierte Club-Ästhetik mit konsequentem Fokus auf Groove und Energie.
Von Beginn an entsteht ein treibender Flow: präzise, trockene Drums treffen auf eine tiefe, rollende Bassline, die sich konstant nach vorne bewegt. Der Aufbau bleibt bewusst minimalistisch, lässt aber genug Raum für subtile Details, die sich im Verlauf entfalten und Spannung erzeugen. Fein eingesetzte Breaks sorgen für Dynamik, ohne den Drive zu verlieren, und führen kontrolliert zurück in kraftvolle Drops.
Der Remix verzichtet auf Überladung und setzt stattdessen auf Klarheit, Druck und Timing. Dadurch funktioniert er sowohl in intimen Clubsettings als auch auf größeren Floors und lässt sich vielseitig zwischen Tech House, Melodic Techno und treibenden House-Sets einsetzen.
Ein moderner, funktionaler Remix, reduziert im Sound, stark in der Wirkung und konsequent auf den Dancefloor ausgerichtet.

PLAYED BY SVEN VÄTH

Life and Death launches Peak Time Archives, a new vinyl and digital various artists series shining a light on rising producers and the next wave of label-affiliated talent.

This first edition moves across the full spectrum of the dancefloor. Jennifer Loveless — Guardian 'Artist To Watch', Mixmag Track of the Year recipient, and alumni of !K7, Future Classic and Butter Sessions — opens with "Satisfaction", a warm, body-moving indie dance reinterpretation that feels at home as much at Ibiza sunset as it does on a festival main stage.

UK mystery producer ROKAR follows with "Bedroom Headliner", a garage-rooted house cut that blurs the line between intimate and euphoric, already earning BBC Radio 1 plays and support from Marco Carola, Skream and Chloé Caillet.

Rudy With A Hoodie & J-Land deliver "The Rhythm", a driving, hypnotic peak-time weapon built for main stages, drawing on the analog warmth of Red Axes and DJ Tennis.

Mexico City's PAURRO closes the record with "Chik Fresa" — playful, punchy indie dance with personality to spare, from an artist who has performed at Tresor and Boiler Room and released on Cómeme and Nervous.

Four tracks. Four distinct voices. One dancefloor.---

White Mechatronica returns.
Introducing Cold Voltage - a new series wired for tension, circuitry, and raw machine emotion. This first volume sets the tone: cold, direct, and built for dark rooms.

On the A-side, Elena Siziva opens with "The Balls", an experimental descent of bouncing basslines and cavernous synth textures. Filmmaker follows, delivering his unmistakable dark wave electro signature - sharp, shadowed, and hypnotic. Violet Position & Echo Protocol close the side with "Into the Silent Blue", an electro vocal cut designed to ignite the floor.

Flip to the B-side: Jennifer Touch strikes with "Don't", a rolling, snare-driven machine track that hits without warning. Mr. Funghi pushes further into EBM/Techno territory with "Off for the Weekend", a relentless piece built to tear down walls. Closing the release, The Spy delivers "Track Reaper", a dramatic Italo wave finale that lingers long after the last note fades.

Ambient Library Music for Woodwind and Synthesiser. A 9 track album inspired by a birthday card Greg's 4 year old son Leo drew for his mum earlier this year. This album is an aural delight of unusual sounds. Kind of like a mix of Satoshi & Makoto, Hiroshi Yoshimura, Hiroki Kikuta and the Karl Jenkins and Mike Ratledge soundtrack to 80's children's Television show 'Button Moon'.