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The Marías ist so etwas wie das Psychedelic-Soul-Wunschkind zwischen der in Puerto Rico geborenen und in Atlanta aufgewachsenen María Zardoya und dem aus Los Angeles stammenden Josh Conway. Komplettiert wird Band durch ihren besten Freunde Jesse Perlman an der Gitarre und Edward James an den Keyboards. Geleitet von einer intuitiven musikalischen Chemie, ist ihre Musik ein sanftes Rendezvous von Jazz-Percussion, hypnotischen Gitarrenriffs, rauchig-samtigem Gesang und nostalgischen Horn-Solos. Wenn The Marías Jazz, Psychedelia, Funk und Lounge miteinander verschmelzen, hat das etwas Traumgleiches und zugleich unglaublich Sinnliches
„We’re back”, so meldeten sich The Marías Mitte Februar zurück zum Dienst. Drei Jahre nach ihrem hochgelobten, Grammy-nominierten Debütalbum taucht die kalifornische Indie-Pop-Band mit ihrem U-Boot zurück an die Oberfläche. Exakt so, „Submarine“, lautet nämlich der Titel des zweiten Albums, das The Marías am 31. Mai veröffentlichen. Für The Marías steht der Titel „Submarine“ für die Themen Einsamkeit und Erkundung. Auf dem Album tauchen sie ab in die Komplexität menschlicher Emotionen. Was bedeutet es, sich für die Einsamkeit zu entscheiden? Wo liegen der Schmerz und die Schönheit, die untrennbar damit verbunden sind? Die neue Single „Run Your Mouth“ ist eine erste Einführung in die immersive Welt, zu der die Band durch dieses Album inspiriert wurde.

Als Sänger des belgischen Post-Metal-Kollektivs Amenra ist Colin H. Van Eeckhout für seine Fähigkeit bekannt, sich mit den Zuhörern zu verbinden und sie auf Amenras transformativen Weg zur Heilung zu führen.

Mit seiner Soloarbeit als CHVE erzählt er seine eigene Geschichte - eine Geschichte, die darauf abzielt, den Hörer tief in sein Inneres zu führen und etwas Ursprüngliches anzuzapfen, das in uns allen wohnt.
Für Colin bietet CHVE die Möglichkeit, seine kreative Freiheit voll auszuschöpfen: mit Klängen zu experimentieren, ohne Einschränkungen zu haben, und die Verletzlichkeit anzunehmen, die mit dem Schaffen allein einhergeht. Die hypnotische Musik von CHVE ist fast bewusstseinsverändernd, die dröhnenden Wiederholungen der Drehleier, verschiedene Percussions und Effekte verschmelzen mit der sanften Andersweltlichkeit von Colins Stimme. Obwohl die Musik nicht im Metal-Bereich angesiedelt ist, hat sie eine Schwere und Härte, die der von Amenra in nichts nachsteht.

Volume 3 of a set of collaborations between the prolific Argentine polymaths Reynols and the inescapable Acid Mothers Temple. Recorded in Buenos Aries on AMT’s 2017 South American Tour, the music has identifiable sonic elements from both groups but ends up sounding like neither, with a surprising weightlessness that keeps things jammy and psychedelic until the final track’s blustering rock. Taking up most of side 1, “Kicking Air Bricks” has a loose Gong/’70s Euro-classic vibe, with Satoshima Nani getting to swing on the drums in a way that isn’t always part of AMT’s steamroller, while the rest of the gang layers in abstract piano, percussion, glissando guitar, etc. “Multiverse Turtle Reflex” closes the side with a thick drone coda. Side two starts with Miguel Tomasin’s gentle vocal and organ accompaniment on “Smelling Oneiric Asado” before the group gradually gathers momentum with Wolf’s thick bass anchoring layers of clean and loose guitar interplay. “Lemurian Tsunami Inside A Hat” is a thriteen-minute heavy rock epic, with the Reynols’ guitars going head to head with Makota Kawabata’s easily recognized interjections, ramping up into a riffy crescendo.

"Tools of Oppression / Rule by Deception" ist das neue Album von The Hope Conspiracy. Das Album wurde von Kurt Ballou und Zach Weeks in den God City Studios produziert. Das Artwork für die Veröffentlichung stammt von dem gefeierten Künstler Alexander Heir (Death/Traitors).

Dies ist wahre akustische Gewalt, die sich gegen politische Spaltung, wirtschaftliche Manipulation, Kriegsgewinnlerei, Medienpropaganda und andere abscheuliche Formen globaler Unterdrückung richtet. Luftschutzsirenen heulen auf, während die ahnungsvollen "Those Who Gave Us Yesterday" und "The Prophets and Doom" wie brennende Schrapnells explodieren. Der Höllenritt geht weiter mit "A Struggle For Power" und "Live In Fear", zwei bösartigen Blasts, die vor Bosheit und Verachtung nur so strotzen. "Shock By Shock" und "Of A Dying Nation" leiten die doomig-düstere Schwere ein
und drosseln das Tempo auf ein mittelschnelles Sperrfeuer. "Confusion/Chaos/Misery" zieht das Tempo an und geht mit verbrannter Erde auf die soziopolitischen Alpträume los, die uns alle umgarnen, während "Broken Vessels" die Opioid-Krise und die Sucht als Ganzes thematisiert. Dies führt zu "The West Is Dead", einer dystopischen Hardcore-Hymne mit vielen Hooks, und dem epischen Schlussstück "The Specter Looms"; ein unheilvoller Soundtrack zum stetigen Niedergang unserer modernen Zeit.Keine Frage, The Hope Conspiracy ist zurück, um eine kalte, harte Aussage über die Existenz in der Endzeit zu treffen.

Citadel of Stars" ist ein bahnbrechendes Album. Eine einzigartige Mischung aus epischem Pagan Metal und traditionellem Blackened Metal. "Citadel of Stars" ist sowohl ein wehmütiges Klagelied für ein sterbendes Zeitalter als auch ein hoffnungsvoller Blick auf eine Wiedergeburt zwischen den Sternen. Der kanadische Ein-Mann-Act SIG:AR:TYR ist mit "Citadel of Stars" zurück. Das erste neue Album seit dem 2016 erschienenen "Northen"

kehrt zu den dunklen Atmosphären früherer Werke zurück und verwebt Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft zu einer bahnbrechenden Veröffentlichung, die die epischen Themen von 20 Jahren SIG:AR:TYRs musikalischem Erbe widerspiegelt. Von den frühen Jahren mit Akustikgitarren und Ambient-Klängen bis hin zu einer Reihe von Alben, die epischen Pagan Metal mit introspektiven Instrumentalstücken nahtlos verbinden, ist "Citadel of Stars" der Höhepunkt von zwei Jahrzehnten musikalischer Entwicklung, die den Hörer auf eine spirituelle Reise zu den Sternen und wieder zurück mitnimmt - eine Erfahrung, die man so noch nie gehört hat und die man nicht so schnell vergessen wird. Es ist schwer, einzelne Songs herauszugreifen oder hervorzuheben, denn "Citadel of Stars" schwebt, nimmt einen mit auf eine Reise und bevor man sich versieht, merkt man, dass man wieder auf "Play" drücken muss: Das ist die Stärke dieses großartigen Albums.

Von seinem ersten Album „Minima Moralia“ („Excellent“ 8.1 Pitchfork) im Jahr 2006 bis hin zu den über 70 folgenden Alben hat Chihei Hatakeyama einen gewaltigen Kanon an Werken geschaffen.
Shun Ishiwaka, der mit Künstlern wie Ai Kuwabara, Hiroki Chiba, Kei Matsumaru, Gen Hoshino, Terumasa Hino, Tony Allen und unzähligen anderen zusammengearbeitet hat, ist einer der produktivsten Modern-Jazz-Schlagzeuger Japans.
Gemeinsam haben sie in Ambient-, Experimental-, Elektronik-, Pop-, Hip-Hop-, Jazz- und Metal-Projekten gespielt, und genau das repräsentiert diese neue Veröffentlichung - ein Treffen gleichgesinnter Musiker mit unzähligen Bezugspunkten, die an einem epochalen Punkt zusammenkommen, um ein Ambient-Werk zu produzieren, das vor Kreativität und Verständnis strotzt
Sie lernten sich bei Live-Auftritten im Radio kennen. Dies führte zu einer Reihe von Auftritten. Die Chemie stimmte sofort, und im März 2023 folgten die Aufnahmesitzungen für dieses 2-bändige Epos.
Zu Chiheis spezifischen Referenzen für die Gitarrenbearbeitung auf diesem Album gehören My Bloody Valentine, Les Rallizes Dénudés und Keiji Haino.
Beide Musiker schöpften aus ihrer Vorliebe für Free Jazz und Spiritual Jazz, insbesondere für die Werke von Alice Coltrane und später Sun Ra.
Psychoakustische Überlegungen, Zufall, Spontaneität und der Schnittpunkt, an dem Musiker in der Hitze des Gefechts aufeinander reagieren (oder auch nicht), waren allesamt Inspirationen für dieses bemerkenswerte Projekt, das in zwei separaten Teilen im Jahr 2024 veröffentlicht wird.

Die erste Singleauskopplung aus Jimi Tenors neuem Timmion-Album "Is There Love In Outer Space?" wirkt wie eine Wüstenbrise aus dem kosmischen Liederbuch des nigerianischen Keyboarders Mamman Sani aus den 1980er Jahren. Vielleicht ist es genau dieses Panorama, das Tenor und Cold Diamond & Mink uns vor Augen führen wollen, während wir die beiden Seiten dieser Vinyl-Single durchqueren. Spätestens das psychedelische Wüstenblues-Gitarrensolo versetzt uns auf eine kalte Sahara-Sanddüne, wo wir einen magischen Sonnenaufgang auf Mutter Erde beobachten, den nur wenige Menschen erleben dürfen. Dies ist die Art von Jam, bei der man die Augen schließen und sich von den Farblandschaften des Geistes erfüllen lassen kann. Die minimalen Gesangsparts wirken wie ein Willkommensgruß an die Sonne, die langsam am Horizont emporsteigt und bereit ist, ihre brennenden Arme um alle Dinge zu legen - lebende und tote gleichermaßen. Mit ihrem neuen gemeinsamen Projekt hauchen Jimi Tenor und Cold Diamond & Mink den bewährten Stilen des jeweils anderen eine neue Art von Leben ein und liefern eine natürliche Verschmelzung von kosmischer und rauer Soulmusik.

Die erste Singleauskopplung aus Jimi Tenors neuem Timmion-Album "Is There Love In Outer Space?" wirkt wie eine Wüstenbrise aus dem kosmischen Liederbuch des nigerianischen Keyboarders Mamman Sani aus den 1980er Jahren. Vielleicht ist es genau dieses Panorama, das Tenor und Cold Diamond & Mink uns vor Augen führen wollen, während wir die beiden Seiten dieser Vinyl-Single durchqueren. Spätestens das psychedelische Wüstenblues-Gitarrensolo versetzt uns auf eine kalte Sahara-Sanddüne, wo wir einen magischen Sonnenaufgang auf Mutter Erde beobachten, den nur wenige Menschen erleben dürfen. Dies ist die Art von Jam, bei der man die Augen schließen und sich von den Farblandschaften des Geistes erfüllen lassen kann. Die minimalen Gesangsparts wirken wie ein Willkommensgruß an die Sonne, die langsam am Horizont emporsteigt und bereit ist, ihre brennenden Arme um alle Dinge zu legen - lebende und tote gleichermaßen. Mit ihrem neuen gemeinsamen Projekt hauchen Jimi Tenor und Cold Diamond & Mink den bewährten Stilen des jeweils anderen eine neue Art von Leben ein und liefern eine natürliche Verschmelzung von kosmischer und rauer Soulmusik.

FREQ Records is the record label accompanying the manga "FREQ," created by Nicola Kazimir, illustrated by goodnewsforbadguys, and written by the legendary Dai Sato, who has written scripts for Ergo Proxy, Eureka Seven, Cowboy Bebop, Samurai Champloo, among many others.

The setting of Freq's lore unfolds in a futuristic realm where the influence of sound frequencies governs all aspects of life. In this world, everything from traffic and AR visuals to electricity, warfare, and of course, music, is orchestrated through the manipulation and extraction of sound frequencies. The narrative unfolds within the sprawling expanse of Rephlex, a vast city featuring diverse districts, factions, and social classes.

FREQ001, called Super FREQ, is composed by none other than Machine Girl, known for their breakcore-inspired sonic adventures and highly energetic live shows. For this EP, we might get a compositional glimpse of how Machine Girl will sound in the future.

"Tools of Oppression / Rule by Deception" ist das neue Album von The Hope Conspiracy. Das Album wurde von Kurt Ballou und Zach Weeks in den God City Studios produziert. Das Artwork für die Veröffentlichung stammt von dem gefeierten Künstler Alexander Heir (Death/Traitors).

Dies ist wahre akustische Gewalt, die sich gegen politische Spaltung, wirtschaftliche Manipulation, Kriegsgewinnlerei, Medienpropaganda und andere abscheuliche Formen globaler Unterdrückung richtet. Luftschutzsirenen heulen auf, während die ahnungsvollen "Those Who Gave Us Yesterday" und "The Prophets and Doom" wie brennende Schrapnells explodieren. Der Höllenritt geht weiter mit "A Struggle For Power" und "Live In Fear", zwei bösartigen Blasts, die vor Bosheit und Verachtung nur so strotzen. "Shock By Shock" und "Of A Dying Nation" leiten die doomig-düstere Schwere ein
und drosseln das Tempo auf ein mittelschnelles Sperrfeuer. "Confusion/Chaos/Misery" zieht das Tempo an und geht mit verbrannter Erde auf die soziopolitischen Alpträume los, die uns alle umgarnen, während "Broken Vessels" die Opioid-Krise und die Sucht als Ganzes thematisiert. Dies führt zu "The West Is Dead", einer dystopischen Hardcore-Hymne mit vielen Hooks, und dem epischen Schlussstück "The Specter Looms"; ein unheilvoller Soundtrack zum stetigen Niedergang unserer modernen Zeit.Keine Frage, The Hope Conspiracy ist zurück, um eine kalte, harte Aussage über die Existenz in der Endzeit zu treffen.

To address the weight of the world without speaking of weariness. To march the song to breathlessness but loosen your grip when the band wanders. To tell all your secrets but shield your loved ones from vulnerability. To dress up in the charm and temptation of the pop song but maintain a core of peculiarity, of a single voice trying to navigate this world. This is the project of the Spatulas. Think of the few songwriters who know they're the only ones in the world who could write their songs. The ones who sing in the confidence that the song couldn't exist without them: Peter Jefferies, Jenny Mae, Ron House, Heather Lewis. Jonathan Richman? Put Miranda Soileau-Pratt and the Spatulas on this list. All eleven songs on `Beehive Mind' share a percussive, unshadowed presence, a steady, clear-voiced clop. Every note on the record is a little bit sad on its own but then they're organized in a way that you don't actually notice. Credit this to the band's skill_Jon Grothman, Lila Jarzombek, Kyle Raquipiso and Miranda Soileau-Pratt all play with no limits and they all play with profound ease. The songs breathe in warmth and patience, they are immediate and sweet. And then they start to meander. The guitar skitters with the deliberate unpredictability of a wild animal. Parts repeat and reset with the obsessiveness of an anxious mind. The lyrics open doors to unexpected scenes of lovers, family, and violence. This is all intentional: "I need to play music and listen to music as a form of therapy," explains Soileau. This means safety, this means encouragement, this means trauma, this means hard questions. Only a band so comfortable at the margins, only a band so capable, only a band so trusting can achieve all this. Miranda Solileau-Pratt wrote the first Spatulas song in 2020, while living in Oregon. Since that time, the band has released two cassettes and toured the United States. Members of the Spatulas have also played in The Blimp, Honey Bucket, Hot Gum, and Meerkaz. The band has shared stages with Helen, Lavender Flu, Debt Rag, Pink Reason, Blues Ambush, and Kath Bloom. `Beehive Mind' is their debut LP.

Das Album "Joan Jett & the Blackhearts Greatest Hits" ist eine Zusammenstellung der beliebtesten Songs der Königin des Rock 'n' Roll, Joan Jett. Perfekt für alle Fans von Joan Jett & the Blackhearts ist dieses Album eine Reise durch die Karriere einer Frau, die mit ihrer Gitarre, ihrem Charisma und ihrer unerschütterlichen Entschlossenheit die gläsernen Decken der Musikindustrie durchbrochen hat. Die LP enthält die Hits "Bad Reputation", "I Hate Myself For Loving You", "I Love Rock N' Roll" und viele mehr.

"Let The Canary Sing" ist eine Best-Of-LP, die Cyndi Laupers Karriere von ihren Anfängen bei "Blue Angel" über ihre Durchbruchssingle "Girls Just Want to Have Fun" bis hin zu ihrem ikonischen Popstar-Status nachzeichnet. Mit Hits wie "True Colors", "I Drove All Night" und weiteren ist diese Kollektion ein Muss für jeden Fan von Cyndi Lauper.

Die US-Progressive-Metal-Pioniere und Innovatoren PSYCHOTIC WALTZ machen endlich ihren gesamten fesselnden und zeitlosen Backkatalog weltweit über InsideOutMusic wieder verfügbar. In zwei Wiederveröffentlichungs-Schritten (Mai & Juli 2024) werden die klassischen ersten vier Alben der Band - "A Social Grace" (1990), "Into The Everflow" (1992), "Mosquito" (1994) und "Bleeding" (1996) - neu gemastert von Patrick W. Engel / Temple Of Disharmony als 2CD Digipaks mit viel seltenem oder bisher unveröffentlichtem Bonusmaterial sowie erweiterten Layouts erhältlich sein, und die Hauptalben werden zusätzlich als Ltd. Gatefold-LP-Editionen auf 180g-Vinyl neu aufgelegt. Eine zusätzliche Demo-Raritäten-Zusammenstellung (mit einem Teil des Bonusmaterials) mit dem Titel "To Chase The Stars (Demos 1987 - 1989)" wird ebenfalls als Ltd. Gatefold 2LP Edition erhältlich sein, was diese Re-Issue-Kampagne zu einem aufregenden und unverzichtbaren Projekt sowohl für langjährige Kenner der Band als auch für neuere Mitglieder der ständig wachsenden progressiven Musikgemeinde macht.

Die US-Progressive-Metal-Pioniere und Innovatoren PSYCHOTIC WALTZ machen endlich ihren gesamten fesselnden und zeitlosen Backkatalog weltweit über InsideOutMusic wieder verfügbar. In zwei Wiederveröffentlichungs-Schritten (Mai & Juli 2024) werden die klassischen ersten vier Alben der Band - "A Social Grace" (1990), "Into The Everflow" (1992), "Mosquito" (1994) und "Bleeding" (1996) - neu gemastert von Patrick W. Engel / Temple Of Disharmony als 2CD Digipaks mit viel seltenem oder bisher unveröffentlichtem Bonusmaterial sowie erweiterten Layouts erhältlich sein, und die Hauptalben werden zusätzlich als Ltd. Gatefold-LP-Editionen auf 180g-Vinyl neu aufgelegt. Eine zusätzliche Demo-Raritäten-Zusammenstellung (mit einem Teil des Bonusmaterials) mit dem Titel "To Chase The Stars (Demos 1987 - 1989)" wird ebenfalls als Ltd. Gatefold 2LP Edition erhältlich sein, was diese Re-Issue-Kampagne zu einem aufregenden und unverzichtbaren Projekt sowohl für langjährige Kenner der Band als auch für neuere Mitglieder der ständig wachsenden progressiven Musikgemeinde macht.

Es ist das Jahr 2007. Die Welt gehört dir und der Rest deines Lebens beginnt. DIY ist das Motto der Stunde. Nach dem überbordenden Vorgänger „Geräusch“ wirken die ärzte harmonischer und kompakter denn je zuvor. Genau dieser Moment, er ist perfekt. Mit „Jazz ist anders“ präsentiert sich die Beste Band der Welt in exzellenter Spiellaune und vervollkommnet das System BelaFarinRod. Es gibt die irre vielen zwingenden Melodien, die elektrischen Gitarren, den Quatsch, das Nachdenken, das Rausbrüllen, die ganz großen und die ganz kleinen Gefühle.

„Lied vom Scheitern“ ist die schmissige Hymne zur Selbstermächtigung, „Niedliches Liebeslied“ hebt das Genre Rodballade auf ein neues Level, „Licht am Ende des Sarges“ probt den Perspektivwechsel zum lustigen Vampir. „Tu das nicht“ ist ultimatives Statement zur Lage der Musikindustrie im beginnenden Breitband-Zeitalter. Und „Junge“ protokolliert nicht nur pedantisch allseits bekannte elterliche Sorgen, sondern schafft auch ohne Versmaß und echte Reime die Aufnahme in den Klassiker-Kanon der deutschen Popmusik. die ärzte: Jetzt gegen Angst, Hass, Titten und den Wetterbericht. Immer noch ohne Festanstellung und Barry Manilow. Dafür mit Schalala und Schalalu und ein bisschen breit. Und ständig dieser Lärm.

Die »vielleicht letzte wichtige Rock'n'Roll-Band unserer Generation« (Zitat Musikexpress) ist zurück. Wanda, Amore, Bussi, Niente, Ciao! Fünf Alben der österreichischen Kultband Wanda, formal insgesamt weit über 300 Wochen lang in den Charts, mittlerweile 14-mal Platin. Unabhängig davon wachsen die Songs live dargeboten ins Unermessliche; als ekstatische Gewalt auf der Bühne spielt die Band ausverkaufte Konzerte und Festivals in Deutschland, Österreich und der Schweiz.
»Es gab nie einen Plan B, es gab nur das Leben als Problemstellung, Musik und Erfolg, hin oder her«, bringt Sänger Marco Wanda einen Hauch von Bandphilosophie in einem der hunderten Interviews zum Ausdruck. Diese Kompromisslosigkeit spürt man auch. Die Jahre zwischen Bühne, Tourbus und Studio verschmelzen zu einem langen Drahtseilakt ohne Sicherheitsnetz. Und die Energie bei jedem Konzert – jedes Mal spielt die Band als wäre es das letzte Mal – reißt das Publikum ausnahmslos mit.

»Wenn deutschsprachiger Rock'n'Roll tot war, dann haben Wanda ihn wiederbelebt«, sagt detektor.fm über die Anfangszeiten dieser Band, die sich 2014 mit Amore gleichzeitig in die Radio Playlists und die Herzen der Fans katapultierte. In der neuen Single vereinen sich aufgestaute Energie, Sehnsucht und Aufbruchsstimmung, und ziehen gemeinsam durch die Nacht. Die Stadt wird wachgerüttelt, die Botschaft ist klar: »Don't stop the rock«.

Die »vielleicht letzte wichtige Rock'n'Roll-Band unserer Generation« (Zitat Musikexpress) ist zurück. Wanda, Amore, Bussi, Niente, Ciao! Fünf Alben der österreichischen Kultband Wanda, formal insgesamt weit über 300 Wochen lang in den Charts, mittlerweile 14-mal Platin. Unabhängig davon wachsen die Songs live dargeboten ins Unermessliche; als ekstatische Gewalt auf der Bühne spielt die Band ausverkaufte Konzerte und Festivals in Deutschland, Österreich und der Schweiz.
»Es gab nie einen Plan B, es gab nur das Leben als Problemstellung, Musik und Erfolg, hin oder her«, bringt Sänger Marco Wanda einen Hauch von Bandphilosophie in einem der hunderten Interviews zum Ausdruck. Diese Kompromisslosigkeit spürt man auch. Die Jahre zwischen Bühne, Tourbus und Studio verschmelzen zu einem langen Drahtseilakt ohne Sicherheitsnetz. Und die Energie bei jedem Konzert – jedes Mal spielt die Band als wäre es das letzte Mal – reißt das Publikum ausnahmslos mit.

»Wenn deutschsprachiger Rock'n'Roll tot war, dann haben Wanda ihn wiederbelebt«, sagt detektor.fm über die Anfangszeiten dieser Band, die sich 2014 mit Amore gleichzeitig in die Radio Playlists und die Herzen der Fans katapultierte. In der neuen Single vereinen sich aufgestaute Energie, Sehnsucht und Aufbruchsstimmung, und ziehen gemeinsam durch die Nacht. Die Stadt wird wachgerüttelt, die Botschaft ist klar: »Don't stop the rock«.