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180g ultra clear vinyl, download card included. Western Mystery Tradition' is the third studio album from Detroit, MI via Brooklyn, NY outfit Moonwalks and is due for via Fuzz Club. A departure from the band's DIY psych-rock roots to a more mature and polished sound, the album was produced by Mattiel's Jonah Swilley and recorded in May 2019 at Detroit's acclaimed (and rumored haunted) Masonic Temple with Bill Skibbe (Jack White, The Kills) in a lodge belonging to the Free Masons' Detroit chapter. "Western Mystery Tradition was conceived in the winter of 2019 amidst a polar vortex in Detroit, Michigan", Moonwalks recall of the record's origins: "At the time and in between touring, we lived together in a house on the west side that lacked a working stove and had no power in half of the building. The band - trapped indoors due to temperatures in the negatives and massive amounts of snow - drew inspiration from our isolated state amidst a bleak Michigan winter." Moonwalks consists of Kerrigan Pearce (drums), Jacob Dean (guitar), and Kate Gutwald (bass). Originating in Detroit's DIY scene, the trio started out playing in warehouses and makeshift venues across the city. Since then, they've gone on to tour extensively throughout North America and Europe supporting acts like The Murlocs, Metric, Julian Casablancas & The Voidz, Thee Oh Sees, The Liminanas, and The Mystery Lights to name a few

Doppel-LP im Klappcover mit zwei bedruckten Innersleeves, 140 Gramm Vinyl. Was tun, wenn die Welt stehen bleibt? März 2020 ist der Moment, als die deutsche Schauspielerin Melanie Wiegmann auf der kleinen maltesischen Insel Gozo landet, um dort ihren Lebensgefährten, den Musiker Carl Carlton, zu besuchen. Pandemie, Quarantäne, Reisebeschränkungen - nichts geht mehr. Carl, international vernetzter und bekannter Rockgitarrist, ist gezwungen, sämtliche musikalischen Projekte auf Eis zu legen. Auch für Melanie wird die Reise zur Zäsur. Sie bricht Brücken ab und verlässt die laufende Produktion der ARD-Telenovela "Sturm der Liebe", mit der sie zum Star wurde. Aus ihrem ursprünglich geplanten Vier-Tage-Trip werden schließlich drei Jahre. Das Paar nutzt die Zwangspause auf der Mittelmeerinsel, um sich der Musik zu widmen. Im Vordergrund stehen der Spaß und die gemeinsame Liebe zu den Songs, an eine kommerzielle Verwertung denkt niemand. Der rote Faden, der sämtliche Songs verbindet: das ewige Thema Liebe - mit allen Schattierungen. Melanie und Carl entwickeln Arrangements und stellen fest, dass nicht nur ihre Stimmen, sondern auch ihre Geschmäcker harmonieren. Das Great Americana Songbook bildet die Grundlage. Neben Genre-Klassikern wie "Love Hurts" und "If I Needed You" kommen auch die Beatles ("Here, There And Everywhere") und Perlen aus den Katalogen großer Songwriter wie Leonard Cohen ("Dance Me To The End Of Love"), Tom Petty ("Wildflowers") und John Prine ("Long Monday") oder Bob Dylan ("I'll Be Your Baby Tonight") ins Spiel. Als Reisen endlich wieder möglich ist, packen die beiden die Koffer, um Carls weltweit verzweigte Musikerfamilie zu besuchen. Die Aufnahmen der Songs entstehen in Irland, Berlin und schließlich auf Malta. Den Feinschliff für das Album gab es in New York von Mastering-Legende Fred Kevorkian. Mit "Glory Of Love" ist ein warmherziges musikalisches Tagebuch entstanden, das mit eigenwilliger Songauswahl, unprätentiösen Arrangements und natürlichem Charme überzeugt. Die vielleicht schönste Überraschung: Hier haben sich nicht nur zwei Seelen, sondern auch zwei wundervoll harmonierende Stimmen gefunden.

Laura Nyro Live In Concert in 1994! Previously available only in Japan Includes live versions of the classics “And When I Die,” “Wedding Bell Blues,” “Stoned Soul Picnic,” and more Member of both the Songwriters and Rock & Roll Halls of Fame A member of both the Songwriters and Rock & Roll Halls of Fame, Laura Nyro not only wrote songs that became hits for acts including The 5th Dimension, Blood, Sweat & Tears, Three Dog Night, Barbra Streisand, and many more, but has been cited as a major influence by Kate Bush, Elton John, Elvis Costello, Cyndi Lauper, Todd Rundgren, Broadway composer Stephen Schwartz Godspell, Wicked, and countless others. She recorded 10 studio albums (one released posthumously), but a live performance from Nyro was always an event. Originally issued only in Japan as Live In Japan in 2003, these 16 tracks recorded at Kintetsu Hall, plus 5 recorded at On Air West return as Trees Of The Ages: Laura Nyro Live In Japan. From Nyro-penned hits including “And When I Die,” “Wedding Bell Blues,” and “Save The Country,” to covers of Bacharach/David, Smokey Robinson, and Phil Spector classics, Trees Of The Ages is an essential document of Laura’s February 1994 historic visit to Japan. With Laura on piano and vocals, with harmonies by Diane Wilson, Dian Sorrell, Diane Garisto, the performances are sublime. Newly remastered by Grammy®-winner Michael Graves, and produced for release by Grammy®-winner Cheryl Pawelski and George Gilbert with the approval of The Laura Nyro Trust, the packaging contains updated artwork and new liner notes from author and musician John Kruth. Looking and sounding incredible, this essential addition to Nyro’s discography is available worldwide for the first time. Trees Of The Ages: Laura Nyro Live In Japan cements the legend of the incomparable Laura Nyro.

A kind of hush pervades throughout Standards Vol VI, the latest release by The National Jazz Trio of Scotland, the ironically named project helmed by Falkirk’s musical polymath, Bill Wells, that is neither a trio, nor a jazz band. If this collection of ten covers probably comes closest to the latter in its late night renditions of actual standards, the presence of long-term NJToS member and collaborator Aby Vulliamy as the record’s lone vocalist adds to its solitary air. This follows Standards Vol IV (2018), which featured fellow NJToS co-founder Kate Sugden as primary vocalist, while Gerard Black, a member of the group since 2016, took centre stage in similar fashion on Standards Vol V (2019). Wells has long been a fan of Vulliamy, both of her work as a viola player with numerous collaborators, and as a singer.

Vulliamy played viola on Everything’s Getting Older, Wells’ 2011 collaboration with Arab Strap vocalist Aidan Moffat. Wells went on to play melodica on Vulliamy’s solo record, Spin Cycle, released on Karaoke Kalk in 2018. With the intent of producing the saddest heartbreak record ever made, Wells sourced a back catalogue of miniature epics, reinterpreting each tale of everyday yearning to make a canon of melancholy loungecore designed for nights in alone, if not always lonely. Beyond the concept of isolation behind Standards Vol VI, practical concerns added to the affair, with Wells recording backing tracks at home in Glasgow, while Vulliamy added her voice from her home in Yorkshire. The result on Standards Vol VI is a thing of quiet beauty that sees Wells and Vulliamy reimagine a panoply of pop classics in their own aloof sounding image.

Shades of Margo Guryan and Claudine Longet abound in Vulliamy’s delivery over Wells’ woozy, low-slung guitar and piano, with samples culled from a session with Teenage Fanclub’s Norman Blake. Little electronic percussive clicks and hisses lend things an even more otherworldly air on a record bookended by opener, Donovan’s proto hippy classic, Catch the Wind, and Dixieland miniature, Careless Love. The eight points in between take in a first half led by The Beatles’ normally jaunty We Can Work it Out, flipping the loveable mop-tops’ perky optimism for something more soul searching. This is followed by I Wish You Love, Albert Beach’s English language version of French songwriter Charles Trenet’s evergreen, Que reste-t-il de nos amours. The Bee Gees lost classic, To Love Somebody, is up next, with more impossible to answer questions coming in Why Can’t I?

The latter is a Rodgers and Hart composition that first appeared in the duo’s 1930 Broadway musical, Spring is Here, in which the show’s two heroines commiserate each other over their shared loneliness. Wells stumbled on the song in a tatty Rodgers and Hart songbook, which, like its subjects, had been left on the shelf before he and Vulliamy brought it in from the cold. The second half of Standards Vol VI leads with Matchmaker, Matchmaker, Jerry Bock and Sheldon Harnick’s much covered evocation of a pre dating app era from their 1964 hit musical, Fiddler on the Roof. This is followed by Billy Rose and Dave Dreyer’s showbiz staple (with Al Jolson also taking a credit), Me and My Shadow. While made famous by showbiz double acts ranging from Frank and Sammy to Robbie and Jonathan, here it flies decidedly solo. Johnny Mercer and Hoagy Carmichael’s Skylark comes next, a song inspired by Mercer’s yearning for Judy Garland. We hear ya, bub. The most downbeat take on Bacharach and David’s The Look of Love you’re ever likely to hear comes next, ushering in the short farewell of Careless Love, before the lights are turned out forever. Yeah, well. Whatever gets you through the night…

NOW Music is proud to present the next instalment in our ongoing ‘Yearbook’ series, NOW – Yearbook 1978; 85 tracks from a magical year in Pop! The 85 track special edition CD is housed in ‘hard-back-book’ packaging, including a 28-page booklet featuring a summary of the year, a track-by-track guide, a quiz, and original singles artwork. NOW – Yearbook 1978; 46 tracks on a 3LP set pressed on translucent pink vinyl - from a magical year in Pop!

Opeth wurde von den Kritikern für ihre Kombination aus progressiven Einflüssen und vernichtendem schwedischem Death Metal gelobt. Diese farbigen 140g Re-Issues sind ein Muss für Fans und Sammler, denn sie wurden von keinem Geringeren als Jens Bogren (Opeth, Katatonia, Amorphis, Sepultura) mit Unterstützung von Mikael Åkerfeldt ein liebevoll remastert. Die Aufnahmen wurden mit halber Geschwindigkeit in den berüchtigten Abbey Rd von Miles Showell (ABBA, Beatles) geschnitten, und das gesamte Artwork wurde von Dan Capp sorgfältig restauriert und so gestaltet, wie es die Band ursprünglich beabsichtigt hatte.

Es gibt nur wenige Bands, die es mit den Schweden von Opeth aufnehmen können oder wollen. Seit ihrer Gründung 1990 in dem kleinen Stockholmer Vorort Bandhagen haben die Schweden alle Konventionen über den Haufen geworfen, sich trotzig gegen alle Widrigkeiten durchgesetzt und - was am wichtigsten ist -12 atemberaubend schöne und intensive Alben geschaffen und sich damit zu einer der besten Bands der Welt entwickelt.

Opeth wurde von den Kritikern für ihre Kombination aus progressiven Einflüssen und vernichtendem schwedischem Death Metal gelobt. Diese farbigen 140g Re-Issues sind ein Muss für Fans und Sammler, denn sie wurden von keinem Geringeren als Jens Bogren (Opeth, Katatonia, Amorphis, Sepultura) mit Unterstützung von Mikael Åkerfeldt ein liebevoll remastert. Die Aufnahmen wurden mit halber Geschwindigkeit in den berüchtigten Abbey Rd von Miles Showell (ABBA, Beatles) geschnitten, und das gesamte Artwork wurde von Dan Capp sorgfältig restauriert und so gestaltet, wie es die Band ursprünglich beabsichtigt hatte.

Es gibt nur wenige Bands, die es mit den Schweden von Opeth aufnehmen können oder wollen. Seit ihrer Gründung 1990 in dem kleinen Stockholmer Vorort Bandhagen haben die Schweden alle Konventionen über den Haufen geworfen, sich trotzig gegen alle Widrigkeiten durchgesetzt und - was am wichtigsten ist -12 atemberaubend schöne und intensive Alben geschaffen und sich damit zu einer der besten Bands der Welt entwickelt.

Opeth wurde von den Kritikern für ihre Kombination aus progressiven Einflüssen und vernichtendem schwedischem Death Metal gelobt. Diese farbigen 140g Re-Issues sind ein Muss für Fans und Sammler, denn sie wurden von keinem Geringeren als Jens Bogren (Opeth, Katatonia, Amorphis, Sepultura) mit Unterstützung von Mikael Åkerfeldt ein liebevoll remastert. Die Aufnahmen wurden mit halber Geschwindigkeit in den berüchtigten Abbey Rd von Miles Showell (ABBA, Beatles) geschnitten, und das gesamte Artwork wurde von Dan Capp sorgfältig restauriert und so gestaltet, wie es die Band ursprünglich beabsichtigt hatte.

Es gibt nur wenige Bands, die es mit den Schweden von Opeth aufnehmen können oder wollen. Seit ihrer Gründung 1990 in dem kleinen Stockholmer Vorort Bandhagen haben die Schweden alle Konventionen über den Haufen geworfen, sich trotzig gegen alle Widrigkeiten durchgesetzt und - was am wichtigsten ist -12 atemberaubend schöne und intensive Alben geschaffen und sich damit zu einer der besten Bands der Welt entwickelt.

Auf 'Onliness' blickt Josienne Clarke retrospektiv auf ihre Karriere zurück - mit Neuinterpretation von Fan-Favoriten, Perlen aus ihrem Katalog und mit einem neuen Song zum Abschluss. Durch eine neue Linse und mit Liebe zum Detail liefert sie eine 17 Tracks umfassende Platte von Herzen für ihre Fans. Erhältlich auf CD und in limitierter Auflage als Doppel-LP.

Mit dem 2008 erschienenen Album „Gumbo“ fiel der Startschuss für Brenk Sinatras interna-tionale Producerlaufbahn. Vom JUICE Magazin zu einem der Top 20 besten Instrumentalalbenaller Zeiten gewählt, schaffte „Gumbo“ mit seinen brachialen und zugleich sehr souligen,sample-basierten Instrumentals den Sprung raus aus Österreich und rückte Brenk als Aus-nahmeproducer erstmals in den Fokus.Der Nachfolger„Gumbo II“erschien 2011 über das Kölner Label MPM, das mit Brenk Sinatra so-wie weiteren Ausnahmeproducern an Bord den wachsenden Hype um instrumentalen Hip-Hopmitzündete. Brenks kompromissloser, zweiter Part der Gumbo-Reihe katapultierte ihn kurzer-hand in die Riege der gefragtesten Beat-Produzenten Europas. Seither war auch der dritte undfinale Teil der Gumbo-Reihe in Planung, jedoch hinderten die immer mehr werdenden musi-kalischen Projekte und nicht zuletzt auch der Druck, die ersten beiden Albumteile zu toppen,Brenk an der Fertigstellung seiner Instrumental-Trilogie. Der Folder mit den dafür selektiertenInstrumentals wuchs auf weit über 100 Beats, wurde teilweise gelöscht und ständig in seinerZusammenstellung verändert, bis Brenk das gezielte Sammeln von Gumbo-Material 2017 vor-erst einstellte. Damals vollzog Brenk einen stilistischen Wechsel, der ihn weg von klassischen,Samplebasierten Beats hin zu jenen entspannten Trap-Hybriden führte, die heute als seinTrademark-Sound bekannt sind. Auch wollte sich das Mindset für die Fertigstellung von „Gum-bo III“ nicht einstellen und andere Projekte wurden vorgezogen, bis das Album komplett in denHintergrund rückte. Über die Jahre wurden Fans und Journalist*innen auf die Frage nach einemRelease Date immer wieder von Brenk vertröstet, „Gumbo III“ wurde zu einem sehnsüchtigerwarteten Phantomprojekt.

Fast Forward in das Jahr 2021: erstmals seit vier Jahren klickt sich Brenk wieder durch den Folder mit den einst für die „Gumbo III“ produzierten Interludes, musikalischen Skizzen undbereits fertiggestellten Beats. Mit einer neuen Label- und Verlagssituation im Hintergrund(2021 gründete Brenk das MusiklabelWave Planet Recordssowie den dazugehörigen VerlagWave Planet Publishing) fällt er den Entschluss, dass die Zeit für den Abschluss der Gumbo-Trilogie nun reif ist und Wave Planet Records zur neuen Heimat dieses Projekts werden muss.Danach folgt eine wochenlange und mühselige Wiederherstellung der in den Jahren 2012 bis2016 produzierten Instrumentals. Brenks Hauptaugenmerk war es, den musikalischen Spiritder Instrumentals unverändert zu lassen und den Sound nicht zu modernisieren. Aus heutigerSicht klingt das mit unzähligen Vinyl-Samples gespickte Chop-Gewitter auf der „Gumbo III“wie man es von Brenks früheren Beats kennt, anachronistisch und gerade dadurch erfrischendanders. Als einziges Update für die „Gumbo III“ Instrumentals wurden lediglich ein neuesMixing von Brenk sowie das Mastering seines hochkarätigen Producer-Kollegen Dexter zu-gelassen.Für die perfekte visuelle Ergänzung des Gumbo-Sounduniversums sorgt das verspielte, vorDetails strotzende Cover-Artwork von Cone The Weird, der bereits das markante Artwork zum„Gumbo II“ Album lieferte.Die Vollendung der Trilogie wird unter anderem mit einer ganz besonderen „Gumbo TrilogyBox“ zelebriert, die im Oktober 2022 erscheinen und das Herz jedes passionierten Sammlershöherschlagen lässt

The Pretty Reckless haben dem Rock 'n' Roll den nötigen Schwung für eine neue Generation gegeben, und sie haben es auf ihre ganz eigene Weise geschafft. Seit 2008 haben sie sich als die ungewöhnlichste Naturgewalt entpuppt, die in INTERVIEW Magazine, Nylon, ELLE, Good Morning America und Entertainment Tonight erscheinen kann - und sich eine Bühne mit Guns N' Roses und Soundgarden teilt. Zusammen mit dem verstorbenen Produzenten Kato Khandwala entfachten sie diese Flamme auf Light Me Up 2010 und Going To Hell 2014. Letzteres enthielt drei Nummer-1-Hits - das Platin-zertifizierte "Heaven Knows" (der größte Rocksong des Jahres 2014), "Fucked Up World" und "Follow Me Down". Nach "Who You Selling For" von 2016 stieg "Take Me Down" auf Platz 1 der US Mainstream Rock Songs Chart und machte die Band laut Billboard zur "ersten Band, die ihre ersten vier Singles auf Platz 1 der Charts schickte". Im Jahr 2021 wurden sie mit dem Album "Death By Rock and Roll" in den Himmel gehoben. Die vierköpfige Band ging in die Geschichte ein als "die erste von einer Frau angeführte Band, die zwei Mal hintereinander auf Platz 1 der aktiven Rock-Charts stand" und "die erste von einer Frau angeführte Band, die sieben Mal auf Platz 1 der Billboard Rock Radio Charts stand". Das Album wurde nicht nur vom V Magazine, Spin und anderen gelobt, sondern landete auch auf Platz 1 der Billboard Top Album Sales Chart. Bemerkenswert ist auch die Zusammenarbeit mit Legenden wie Matt Cameron und Kim Thayil von Soundgarden bei "Only Love Can Save Me Now" und Tom Morello von Rage Against the Machine bei "And So It Went". Diese Grenzenlosigkeit treibt "Other Worlds" Fearless Records an, wo sie ihre ersten richtigen akustischen Aufnahmen, unerwartete Covers und andere Neuinterpretationen abliefern und einmal mehr Neuland betreten.

White Vinyl

The Pretty Reckless haben dem Rock 'n' Roll den nötigen Schwung für eine neue Generation gegeben, und sie haben es auf ihre ganz eigene Weise geschafft. Seit 2008 haben sie sich als die ungewöhnlichste Naturgewalt entpuppt, die in INTERVIEW Magazine, Nylon, ELLE, Good Morning America und Entertainment Tonight erscheinen kann - und sich eine Bühne mit Guns N' Roses und Soundgarden teilt. Zusammen mit dem verstorbenen Produzenten Kato Khandwala entfachten sie diese Flamme auf Light Me Up 2010 und Going To Hell 2014. Letzteres enthielt drei Nummer-1-Hits - das Platin-zertifizierte "Heaven Knows" (der größte Rocksong des Jahres 2014), "Fucked Up World" und "Follow Me Down". Nach "Who You Selling For" von 2016 stieg "Take Me Down" auf Platz 1 der US Mainstream Rock Songs Chart und machte die Band laut Billboard zur "ersten Band, die ihre ersten vier Singles auf Platz 1 der Charts schickte". Im Jahr 2021 wurden sie mit dem Album "Death By Rock and Roll" in den Himmel gehoben. Die vierköpfige Band ging in die Geschichte ein als "die erste von einer Frau angeführte Band, die zwei Mal hintereinander auf Platz 1 der aktiven Rock-Charts stand" und "die erste von einer Frau angeführte Band, die sieben Mal auf Platz 1 der Billboard Rock Radio Charts stand". Das Album wurde nicht nur vom V Magazine, Spin und anderen gelobt, sondern landete auch auf Platz 1 der Billboard Top Album Sales Chart. Bemerkenswert ist auch die Zusammenarbeit mit Legenden wie Matt Cameron und Kim Thayil von Soundgarden bei "Only Love Can Save Me Now" und Tom Morello von Rage Against the Machine bei "And So It Went". Diese Grenzenlosigkeit treibt "Other Worlds" [Fearless Records] an, wo sie ihre ersten richtigen akustischen Aufnahmen, unerwartete Covers und andere Neuinterpretationen abliefern und einmal mehr Neuland betreten.

Silver Vinyl

O'Flynn und Frazer Ray - zwei gefeierte britische Produzenten und DJs - kündigen ihr gemeinsames Album,„Shimmer“ auf Technicolour an. Das Album ist das Ergebnis der Liebe von O'Flynn und Frazer Ray (fka Soundbwoy Killah) für die britische Dance-Music-Szene, von Speed Garage bis hin zu Breaks und Hardcore, und ihr umfassendes Wissen und ihr Respekt für Underground-Kulturen und -Genres scheinen als direkter Einfluss durch. Insgesamt ist diese Herzensangelegenheit eine nostalgische Hommage an ikonische britische Nachtclubs und den Eskapismus, den sie bieten, selbst bei ihrer Abwesenheit während der Pandemie - „Musik für diese Räume zu machen während sie geschlossen sind, war eine Form des Eskapismus für uns - ähnlich wie ein Videospiel zu spielen oder ein Buch zu lesen, wir wollten einfach an einen anderen Ort transportiert werden.“.

O'Flynn hat sich in den letzten Jahren einen Namen in der britischen Electronic-Dance-Szene gemacht und bekam Support von Künstler*innen wie u.a. Four Tet, James Blake, Ben UFO, Gilles Peterson, die ihn in ihren jeweiligen Radioshows spielten, sowie von Bonobo, mit dem er auf dem Track „Otomo“ (aus Bonobos aktuellem Top 3-Album „Fragments“) zusammenarbeitete. Bereits 2017 veröffentlichte er bei Ninja Tune seine 12“ „Pluto’s Beating Heart“/ „Eleven“, bevor er 2019 sein von der Kritik gefeiertes Debütalbum „Aletheia“veröffentlichte, für das er eine 18-tägige UK-Tour absolvierte und vom Guardian als „One to watch“ bezeichnet wurde. Frazer Ray veröffentlichte ebenfalls 2019 sein Debütalbum, „Halcyon Daze“ (als Soundbwoy Killah), das auf Vinyl schnell ausverkauft war.

Here lies a reissue of the first release from legendary long-running
Chicago group ONO, Kate Cincinnati
ONO originally self-released the music in an edition of 300 tapes, and it shares
several traits with the music of today's ONO. travis's singing moves effortlessly
between gospel, blues, opera and noise registers; Shannon Rose Riley plays a
maelstrom of music on her horn of choice, here saxophone; bandleader P.
Michael Grego quietly orchestrates bass, guitar and lap guitar, creating a musical
Jenga tower. If this is your first time with ONO, hop on board and see why Moor
Mother, Black Midi, Algiers and countless other acts love them so. If you're
already a fan: don't walk - run.

Black Truffle is pleased to announce Uri Katzenstein’s Audio Works, produced in collaboration with Holon’s Centre for Digital Art. Spanning sculptural installation, performance, video art, and many other media, Katzenstein’s absurdist, poetic, and often hilarious work made extensive use of sound and music. This, however, is the first release dedicated to the artist’s audio work, collecting 28 tracks produced between the early 1980s and 2017. Compiled from dozens of hours of recordings left uncatalogued (and in some instances unheard) at the artist’s death in 2018, these four sides are a treasure trove, offering a captivating glimpse into a uniquely uninhibited creative practice. Predominantly recorded alone, with some contributions from regular collaborators such as Ohad Fishof on the later pieces, many of these tracks stem from Katzenstein’s time living in New York in the 1980s. Feeding on the cross-pollination of post-punk energy, radical art practice, and new media possibilities that characterised the New York scene at this time, many of Katzenstein’s recordings squeeze multilayered vocal experimentation into synth-based miniatures with a distinctively pop twist, their forms ruptured with anarchic bursts of free-form electronics, sounds from self-built instruments, and field-recorded snatches of the outside world. Katzenstein’s electronic production calls up touchstones of skewed 80s art pop like Laurie Anderson, Ambitious Lovers, and Scritti Politti, but imbued with DIY directness and economy of means. The arrangements of synths, percussion, and noise elements are invigoratingly raw and, at times, almost austerely minimal. On ‘Intermission’, thick distorted chords accompany a wandering portamento melody, inhabiting the wayward carnival space of Roedelius’ most unhinged efforts. Many of the tracks centre on Katzenstein’s multi-tracked vocal performances, often moving between multiple languages, (most commonly English, German, French, and Hebrew). A bewildering range of vocal approaches are present on these pieces, from sweet wordless harmonies to hammed-up growls and monastic recitations. On ‘Skin O. Daayba – Complex Habits no. 3’, improvised resonance singing against a backdrop of echoing electronics and radio snatches. ‘Half Monk Half Herring’ layers multi-lingual syllabic fragments, crossing sound poetry techniques with melodic invention in a way rarely heard outside of Caetano Veloso’s Araçá Azul. On ‘Attempt to Raise Hell’, Katzenstein’s distorted voice spits out streams of alliterative nonsense (‘the hemlock of Henry, he was a hermit…purple pumpkin pulsates to pops’), while on the hilarious ‘Eric’, Katzenstein appears to instruct a small boy simultaneously in basic French and German conversation. On ‘Chicken’, vocal harmonies accompany the pecking and clucking of the titular fowl. Moving from bent, outsider synth pop to snatches of Jo Jones-esque automated instrumental clang and absurdist linguistic experiments, these are far more than footnotes to an artist’s gallery works. Accompanied by extensive, beautifully written liner notes by Roee Rosen and the little information that exists on the individual tracks, Katzenstein’s Audio Works inhabits an outer fringe of DIY pop and sonic experiment reminiscent of Pascal Comelade or Die Welttraumforscher, where accessible forms convey radical interrogations of song, word, and sound.

Portland troublemakers Hurry Up are up to it again - They've had it up to
here - and they're here to tell you about it
Lauded + feared for their ferocious 2015 self-titled LP, they've only grown bolder
and sharper, honing their craft in a radon-soaked basement lit by one bare party
bulb. Between tours with Drive Like Jehu, Hot Snakes, Protomartyr and other
luminaries of post-punk firmament, Hurry Up wrote the songs that would become
Dismal Nitch. Recorded on the brink of disaster (late 2019-early 2020), the record
is a cracked crystal ball with fire in its heart. Drummer Kathy Foster (Thermals, All
Girl Summer Fun Band, Roseblood), guitarist Westin Glass (Thermals) and bassist
Maggie Vail (Bangs) share equal writing / singing duties, conjuring a vision of a
world whirling with firestorms - social, emotional, political and literal. Dismal
Nitch is one of 2022's most compelling releases, impossible to ignore

Die Power Metal Gnome WIND ROSE stürmen in die epische Schlacht auf Warfront! Nach der Veröffentlichung ihres hochgelobten 2019er Albums Wintersaga mit epischen Geschichten und noch epischeren Riffs kehren WIND ROSE, die mächtigsten Gnome des Power Metal, aus der Schmiede zurück und hämmern auf ihrem neuen Album Warfront (10. Juni via Napalm Records) neue Hymnen auf
den Amboss!

Die fünfköpfige Band aus Pisa, Italien, der mit ihrer viralen Neuinterpretation der Minecraft-Hymne ”Diggy Diggy Hole” (bis dato über 30 Millionen Aufrufe auf YouTube) ihr sensationeller Durchbruch gelang, schärft ihre Schwerter und stürzt sich mit zehn neuen heroischen Songs auf die Schlacht. Egal wie groß der Sturm,
wie eisig die Winterkälte, WIND ROSE’s Gespür für sensationelle Hooks und eingängige Riffs - gekrönt von Francesco Cavalieri’s markanter Stimme - katapultiert sie an die Speerspitze des Folk- und Power Metal, ohne ihre einzigartige Härte einzubüßen!

WIND ROSE liefern auf Warfront jede Menge Gnom-Abenteuer, dramatische Orchesterarrangements und puren Spaß - Replay garantiert!

Across eight studio albums, DECAPITATED grew from the adolescent dream of teenagers from a small Central European town to one of the leaders of the metal genre. Each successive album further expands the band’s sound with genre-bending authenticity and integrity. As Metal Injection rightfully observed, “any self-respecting death metalhead knows the name well.”

DECAPITATED’s music is a weapon forged by four young men from a historic medieval-fortified town in Poland, which catapulted them to the top of a worldwide subculture. Like a rose in the devil’s garden, the DECAPITATED story builds triumph from tragedy. The gleeful grotesquery of extreme metal imagery and rifftastic bludgeoning beckons listeners to uncover broader truths.Upon the release of 2017’s Anticult, Metal Hammer declared DECAPITATED “a serious successor to the likes of Pantera and Lamb Of God – a band who can draw new legions into the metal world as its new champions.” Their diverse follow-up, 2022’s Cancer Culture, delivers on that promise.

Instantly recognizable devastation and deceptively sinister hooks abound. Freshly minted DECAPITATED anthems like “Last Supper,” “Hello Death,” “Just Cigarette,” “No Cure,” “Iconoclast,” and “Cancer Culture” shimmer with sonically sharp production and unrelenting bombast. There’s also a newly increased emphasis on melody, even venturing into darkly romantic territory. Wacław "Vogg" Kiełtyka (guitar), Rafał "Rasta" Piotrowski (vocals), Paweł Pasek (bass), and James Stewart (drums) are at the top of their game, delivering the goods at peak performance. Jinjer vocalist Tatiana Shmayluk and Machine Head frontman Robb Flynn make guest appearances.

Set on the descending plains of a mountain range amid a dense forest, Krosno boasts a 14th-century Gothic church, a Subcarpathian museum, and stunning artisan glassware. In this Polish town, teenage music student Wacław "Vogg" Kiełtyka discovered records from bands like Morbid Angel, Cannibal Corpse, Metallica, and Machine Head. The guitarist and his younger brother, drummer Witold “Vitek” Kiełtyka, cofounded DECAPITATED in 1996, inspired by a wide range of technical death, blackened thrash, and local heroes, like KAT and the world-renowned Vader. Death and black metal reigned supreme in the Polish scene of the 1990s, where Behemoth originated as well. In fact, a Vader song called “Decapitated Saints” inspired the band’s moniker.
The organic musical chemistry between the Kiełtykas was akin to the brotherly connectivity and vibe driving Pantera, Gojira, and the classic era of Sepultura. In 2006, Kerrang! praised the first three DECAPITATED albums - Winds of Creation (2000), Nihility (2002), and The Negation (2004) – as “superbly conceived and executed eruptions of technical brilliance and razor-sharp songwriting that turned these youthful Poles into one of the genre’s most widely respected bands.” That year’s Organic Hallucinosis further perfected Vogg’s penchant for blending extremity with catchy hooks.

The rule-breaking ferocity and invention of the first four albums reinvigorated death metal, as DECAPITATED inspired a new generation of bands who followed suit. Sadly, this era came to a shocking end in late 2007. While touring Russia, the band’s bus collided with a large truck near the border with Belarus. Both Vitak and then-singer Adrian “Covan” Kowanek sustained severe head injuries. Tragically, Vitak passed away in a Russian hospital a few days later. He was just 23.Vogg summoned the courage to continue, in honor of his brother and what they created, and returned with a new incarnation of DECAPITATED and the fiercely adventurous comeback album, Carnival is Forever (2011) featuring new vocalist Rafał "Rasta" Piotrowski. Blood Mantra (2014) introduced bassist, Paweł Pasek. Blabbermouth declared it “perhaps the most poised and gutsy” DECAPITATED album, adding “its courageous bends make it a turbulent but pleasurable ride.”

Cancer Culture sounds brilliant, modern, and tasty. “There is no place for any fake, plastic, bullshit drum machine or anything like that,” Vogg insists. “It’s all organic, pure, and clear, showing the true face of the band. Vogg and company entrusted the Cancer Culture mix to David Castillo at Sweden’s Fascination Street Studios / Studio Gröndahl (Sepultura, Carcass, Opeth, Katatonia), and legendary American producer Ted Jensen (Metallica, Slipknot, Pantera, Machine Head, Korn).
The devoted supporters who traveled to see DECAPITATED on international tours with the likes of Lamb Of God, Meshuggah, Soulfly, Fear Factory, and Suffocation over the years will recognize the ever-present pummeling backbone. Longtime fans and newcomers alike will connect to the variety of atmospheric depth throughout Cancer Culture’s ten boundlessly energetic and creative tracks.
“If you told me 25 years ago, in my neighborhood in the South of Poland, that I would be in Machine Head, sharing riffs with Robb Flynn,” Vogg marvels. “It’s simply incredible. It means that everything is possible in your life. That gives me the faith to believe that I can achieve even more in my career. The dreams we have when we are kids, things we can barely imagine, can happen.” Flynn contributes a hauntingly beautiful vocal to the Cancer Culture track “Iconoclast.” “Clean vocal singing is a really new thing in DECAPITATED,” Vogg notes. “It’s really unique and amazing.”

Driven by Vogg’s passion and integrity, the dual emphasis on creative invention and technical prowess maintains DECAPITATED’s stature as genre-leaders in 2022 and beyond. The band’s supporters continually demonstrate confidence and absolute certainty DECAPITATED will deliver.

Across eight studio albums, DECAPITATED grew from the adolescent dream of teenagers from a small Central European town to one of the leaders of the metal genre. Each successive album further expands the band’s sound with genre-bending authenticity and integrity. As Metal Injection rightfully observed, “any self-respecting death metalhead knows the name well.”

DECAPITATED’s music is a weapon forged by four young men from a historic medieval-fortified town in Poland, which catapulted them to the top of a worldwide subculture. Like a rose in the devil’s garden, the DECAPITATED story builds triumph from tragedy. The gleeful grotesquery of extreme metal imagery and rifftastic bludgeoning beckons listeners to uncover broader truths.Upon the release of 2017’s Anticult, Metal Hammer declared DECAPITATED “a serious successor to the likes of Pantera and Lamb Of God – a band who can draw new legions into the metal world as its new champions.” Their diverse follow-up, 2022’s Cancer Culture, delivers on that promise.

Instantly recognizable devastation and deceptively sinister hooks abound. Freshly minted DECAPITATED anthems like “Last Supper,” “Hello Death,” “Just Cigarette,” “No Cure,” “Iconoclast,” and “Cancer Culture” shimmer with sonically sharp production and unrelenting bombast. There’s also a newly increased emphasis on melody, even venturing into darkly romantic territory. Wacław "Vogg" Kiełtyka (guitar), Rafał "Rasta" Piotrowski (vocals), Paweł Pasek (bass), and James Stewart (drums) are at the top of their game, delivering the goods at peak performance. Jinjer vocalist Tatiana Shmayluk and Machine Head frontman Robb Flynn make guest appearances.

Set on the descending plains of a mountain range amid a dense forest, Krosno boasts a 14th-century Gothic church, a Subcarpathian museum, and stunning artisan glassware. In this Polish town, teenage music student Wacław "Vogg" Kiełtyka discovered records from bands like Morbid Angel, Cannibal Corpse, Metallica, and Machine Head. The guitarist and his younger brother, drummer Witold “Vitek” Kiełtyka, cofounded DECAPITATED in 1996, inspired by a wide range of technical death, blackened thrash, and local heroes, like KAT and the world-renowned Vader. Death and black metal reigned supreme in the Polish scene of the 1990s, where Behemoth originated as well. In fact, a Vader song called “Decapitated Saints” inspired the band’s moniker.
The organic musical chemistry between the Kiełtykas was akin to the brotherly connectivity and vibe driving Pantera, Gojira, and the classic era of Sepultura. In 2006, Kerrang! praised the first three DECAPITATED albums - Winds of Creation (2000), Nihility (2002), and The Negation (2004) – as “superbly conceived and executed eruptions of technical brilliance and razor-sharp songwriting that turned these youthful Poles into one of the genre’s most widely respected bands.” That year’s Organic Hallucinosis further perfected Vogg’s penchant for blending extremity with catchy hooks.

The rule-breaking ferocity and invention of the first four albums reinvigorated death metal, as DECAPITATED inspired a new generation of bands who followed suit. Sadly, this era came to a shocking end in late 2007. While touring Russia, the band’s bus collided with a large truck near the border with Belarus. Both Vitak and then-singer Adrian “Covan” Kowanek sustained severe head injuries. Tragically, Vitak passed away in a Russian hospital a few days later. He was just 23.Vogg summoned the courage to continue, in honor of his brother and what they created, and returned with a new incarnation of DECAPITATED and the fiercely adventurous comeback album, Carnival is Forever (2011) featuring new vocalist Rafał "Rasta" Piotrowski. Blood Mantra (2014) introduced bassist, Paweł Pasek. Blabbermouth declared it “perhaps the most poised and gutsy” DECAPITATED album, adding “its courageous bends make it a turbulent but pleasurable ride.”

Cancer Culture sounds brilliant, modern, and tasty. “There is no place for any fake, plastic, bullshit drum machine or anything like that,” Vogg insists. “It’s all organic, pure, and clear, showing the true face of the band. Vogg and company entrusted the Cancer Culture mix to David Castillo at Sweden’s Fascination Street Studios / Studio Gröndahl (Sepultura, Carcass, Opeth, Katatonia), and legendary American producer Ted Jensen (Metallica, Slipknot, Pantera, Machine Head, Korn).
The devoted supporters who traveled to see DECAPITATED on international tours with the likes of Lamb Of God, Meshuggah, Soulfly, Fear Factory, and Suffocation over the years will recognize the ever-present pummeling backbone. Longtime fans and newcomers alike will connect to the variety of atmospheric depth throughout Cancer Culture’s ten boundlessly energetic and creative tracks.
“If you told me 25 years ago, in my neighborhood in the South of Poland, that I would be in Machine Head, sharing riffs with Robb Flynn,” Vogg marvels. “It’s simply incredible. It means that everything is possible in your life. That gives me the faith to believe that I can achieve even more in my career. The dreams we have when we are kids, things we can barely imagine, can happen.” Flynn contributes a hauntingly beautiful vocal to the Cancer Culture track “Iconoclast.” “Clean vocal singing is a really new thing in DECAPITATED,” Vogg notes. “It’s really unique and amazing.”

Driven by Vogg’s passion and integrity, the dual emphasis on creative invention and technical prowess maintains DECAPITATED’s stature as genre-leaders in 2022 and beyond. The band’s supporters continually demonstrate confidence and absolute certainty DECAPITATED will deliver.

All Away Lou is the new band from Lou Hanman; a 40 something, queer, English woman living in Philadelphia, PA, still playing punk rock three decades in because it's fun and she needs it! The force behind UK punk favourites Caves & Flamingo 50. Lou emigrated to the US 6 years ago to pursue music full time, touring & recording drums, bass, guitar for the likes of RVIVR, Mikey Erg, Thin Lips, Katie Ellen, Queen of Jeans, Worriers. After a significant songwriting drought, the pandemic and a break from touring gave Lou the space to focus on her own musical output and spend some time recording at Headroom Studios in her current hometown of Philadelphia, PA with Kyle Pulley and Jackie Milestone. While she records everything herself, All Away Lou is very much a band, and an opportunity to get loud, sweaty and rock out as soon as the possibility arises. The name simply comes from never feeling at home, always away. She had felt the culture shock of moving to the states from the UK (especially of the political landscape after November 2016) and a breakup that underpinned the realization that life was not turning out the way she had hoped. Lyrics on the record reflect this point in Lou’s life: the need to return to a feeling of “home” and have the courage to change her mind, take a new path and not settle for things that didn’t feel right. All Away Lou will be taking the album on the road with dates in the UK & Ireland supporting Jeff Rosenstock & Fresh in April 2022.

Ten years after its release, the reissue of this fabulous Matt Elliott record seemed essential to us since it was eagerly expected! It is undoubtedly the most dramatic sequel to the songs trilogy being outstanding for its darkness, from which he has progressively turned away. The Songs Trilogy is over, A new chapter entitled 'The Broken Man' is about to open and is the most delicate of Elliott's albums to date. The angry noise has all but abated, making way for more fragile melodies and a more subtle approach to intensity to immerse the listener. Ideally listened to in total darkness to discover the hope hidden deep within the guitars, voice, choirs, bells, ethereal trumpets, the howl of the dog beneath the skin, in the sincerity of the music. Inspired by the ghosts of European folk music, the voice often resigned but always expressive. Always finding new ways of working, Elliott collaborated with Katia Labeque who interpreted an improvisation of his that became the backbone of one of the central epic pieces on this album 'If Anyone Ever Tells Me That it is Better to Have Loved and Lost Than to Have Never Loved At All I Will Stab Them in the Face'. 'Dust Flesh and Bones', another of the epic pieces on this album, is perhaps Elliott's most beautiful and moving work to date, simple in it's form but emotionally profound. 'The Pain that's Yet to Come' hints at a new almost psychedelic era to come. 'The Broken Man' is an album to be discovered gradually over many listens, and with each one a new depth is surrendered until one can appreciate the panorama in it's entirety. Each track is an invitation to explore one mans analysis of his own descent reflecting the frustrations and sadness that touch us all at some point. Mixed by Yann Tiersen this album is a bridge between the more acoustic work of 'Songs' and the more electronic, ethereal work of Third Eye Foundation. It is finely balanced in the centre of Matt's musical universe.

The Monsters wurden 1986 in Bern der Schweiz gegründet, als Alternative zur damaligen populären Musik (z. B. Disco, Pop, Top 40 Rock). Sie nannten dies "Teenage Primitive Rock n' Roll Chainsaw Massacre Garage Trash Mix up Rockabilly mit Punkrock und Garage" und haben sich zu einer gefragten Garagen-Punkrockband gemausert, die auf Festivals, in Klubs und großen Hallen so weit gen Osten wie Japan, gen Süden wie Brasilien und gen Norden zu den Skandinavier resit und dort audspielt. Sogar im so Wilden Westen wie New York City in Amerika. Und dann öffnet 2020 die Türen, YAHOO!!! Die Welt wurde komplett abgeschottet und die Pläne aller änderten sich! Da es in naher Zukunft keine Tourneen gäbe, war es jetzt an der Zeit, ein neues Album zu machen. So widmete sich die Band zwei Wochen, um ihren Proberaum aufzuräumen und neue Musik zu schreiben, und 3 Tage im Berner Shirt Off Studio um diese aufzunehmen. Voila! Hier hast du Rosemary's Baby den Knüppel aus dem Sack: 13 raue, laute und spritzig klingende Tracks, die live ohne Overdubs (nur der Gesang/das Geschrei') aufgenommen wurden. Textlich ist das Album eine komplette Katastrophe mit nicht viel mehr als 120 Wörtern, welche aneinandergereiht meistenfalls keinen Sinn ergeben! Es ist eigentlich völliger Quatsch, aber THE MONSTERS lieben es!

Obey Cobra features Kate Wood, Steve O Jones, Rory Coughlan-Allen, Gareth Day, Ian Coote and Rosemary Swan.

Over the past three years the band’s reputation as a formidable live force has grown following gigs with the likes of Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs, Bob Log III, Hey Colossus and Acid Mothers Temple amongst many more.

Their debut album Oblong is an exceedingly potent blend of ethereal psychedelica, doom and punk with adept flourishes of noise rock, electronics and improv.

Recorded at Foel Studios and Coach House Sessions the album has been specially remastered for vinyl release on Box Records by Sam Grant (Richard Dawson, Du Blonde, Hen Ogledd, Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs).

The album is completed with songs Sunflowers, Dim Break, Behind The Wall Of Sleep and Wunsch which align the lysergic psychedelics of Velvet Underground with the bewitching magic of Chelsea Wolfe and the mythical atmospherics of SunnO))).


The breadth of genres and sounds Obey Cobra explore across the course of Oblong is breathtaking, every song projecting the enchanting assuredness of a unique and captivating band.

Das in Texas ansässige Duo Balmorhea ist mit neuer Musik zurück! Nach einer intensiven fünfjährigen
Tournee-Phase haben die beiden Gründer von Balmorhea, Rob Lowe und Michael A. Mulle, eine Pause vom
Touren genutzt, um wieder gemeinsam zu improvisieren und zu experimentieren. Ihr neues Album The
Wind, inspiriert von Meditationen über die natürliche Welt und ihre Zerbrechlichkeit, einer alten Geschichte
über einen Heiligen, der den Wind in ein luftleeres französisches Tal trug, und Gedanken der Klimaaktivistin
Greta Thunberg, die den Atlantik auf dem Katamaran La Vagabonde überquerte, zeichnet eine Reise durch
eine beschwörende Klanglandschaft, die von Echos von Gebetsfahnen, die in einer Himalaya-Brise flattern,
einem alten Harmonium, einer Pfeifenorgel, einem Trio von Kontrabässen, Windspielen und betörenden
Gitarren- und Klavierinstrumenten berührt wird. The Wind markiert sowohl eine Rückkehr zu Balmorheas
ursprünglicher Konstellation als Duo als auch einen Neuanfang als ihr erstes Album, das bei der Deutschen
Grammophon veröffentlicht wird.

Songs of Comfort & Hope is inspired by the series of recorded-at-home musical offerings that Yo-Yo Ma began sharing in the first days of the COVID-19 lockdown in the United States. Throughout the spring and summer, Ma’s #SongsofComfort grew from a self-shot video of Antonín Dvořák’s “Goin’ Home” into a worldwide effort that has reached more than 20 million people.

Ma and longtime collaborator Kathryn Stott mark the next chapter in the project with this brand new album, offering consolation and connection in the face of fear and isolation. The album includes 21 new recordings, which span modern arrangements of traditional folk tunes, canonical pop songs, jazz standards, and mainstays from the western classical repertoire. Among the new takes on old favorites are Pulitzer Prize® winner Caroline Shaw’s artful and eloquently arranged “Shenandoah”; Australian composer Harry Sdraulig’s “Fantasia on Waltzing Matilda”; pianist Stephen Hough’s lush arrangement of “Scarborough Fair”, and two-time Academy® Award-nominated icon Jorge Calandrelli’s re-imagining of a pair of songbook treasures: “We’ll Meet Again” by Ross Parker and Hughie Charles, and Violeta Parra’s “Gracias a la Vida.”

Yo-Yo Ma and Kathryn Stott share the warmth of decades of music making again with Songs of Comfort & Hope, offering audiences new paths into treasured musical memories and a few notes of hope for a better future.

Songs of Comfort & Hope is inspired by the series of recorded-at-home musical offerings that Yo-Yo Ma began sharing in the first days of the COVID-19 lockdown in the United States. Throughout the spring and summer, Ma’s #SongsofComfort grew from a self-shot video of Antonín Dvořák’s “Goin’ Home” into a worldwide effort that has reached more than 20 million people.

Ma and longtime collaborator Kathryn Stott mark the next chapter in the project with this brand new album, offering consolation and connection in the face of fear and isolation. The album includes 21 new recordings, which span modern arrangements of traditional folk tunes, canonical pop songs, jazz standards, and mainstays from the western classical repertoire. Among the new takes on old favorites are Pulitzer Prize® winner Caroline Shaw’s artful and eloquently arranged “Shenandoah”; Australian composer Harry Sdraulig’s “Fantasia on Waltzing Matilda”; pianist Stephen Hough’s lush arrangement of “Scarborough Fair”, and two-time Academy® Award-nominated icon Jorge Calandrelli’s re-imagining of a pair of songbook treasures: “We’ll Meet Again” by Ross Parker and Hughie Charles, and Violeta Parra’s “Gracias a la Vida.”

Yo-Yo Ma and Kathryn Stott share the warmth of decades of music making again with Songs of Comfort & Hope, offering audiences new paths into treasured musical memories and a few notes of hope for a better future.

LTD. BLUE SEAFOAM WAVE VINYL

Holy Hive ist ein Folk-Soul-Trio aus Brooklyn, bestehend aus Folksänger/Gitarrist Paul Spring, dem begehrten Soul-Schlagzeuger Homer Steinweiss und dem Bassisten Joe Harrison. Die Band hat sich durch fast schon legendäre Konzerte und ihre EP "Harping" einen Namen gemacht. Als Holy Hive erforschen sie die Beziehung zwischen den lyrischen Traditionen des Folk mit dem Rhythmus und der Ästhetik des Soul. Das Debütalbum "Float Back To You", aufgenommen in Queens im Studio Diamond Mine (von dem Steinweiss Mitbesitzer ist), besteht aus 10 eigenen Songs, einem Cover von "Be Thou By My Side" (ursprünglich von der britischen Gruppe Honeybus aus den Sechzigern) und einer Adaption des irischen Folksongs "Red Is The Rose". Steinweiss hat das Album produziert, als Gäste treten die Harfenistin Mary Lattimore, Leon Michels (El Michels Affair) am Saxofon und Keyboard, Shannon Wise (The Shacks) als Backgroundsängerin, Dave Guy (The Roots) an der Trompete, Nick Movshon am Bass und Paul Springs Ehefrau Sophia Heymans am Klavier auf. Homer Steinweiss arbeitet seit zwanzig Jahren als professioneller Schlagzeuger und hat in dieser Zeit den Beat zu Hits von Amy Winehouse, Bruno Mars, den Jonas Brothers, St. Vincent und Charles Bradley beigesteuert - um nur einige zu nennen. Als Gründungsmitglied von Sharon Jones & The Dap-Kings ist er mit der legendären Gruppe durch die ganze Welt getourt, bis er sich für eine Karriere im Studio entschieden hat. Paul Spring hat als Solokünstler sieben Alben mit eigenen Songs veröffentlicht, darunter, "Home of Song", eine von Kritikern sehr gelobte Platte mit Kinderliedern. Der Multiinstrumentalist Joe Harrison hat unter anderem mit Frank Dukes und Charles Bradley gespielt. Die symbiotische Beziehung zwischen Steinweiss und Spring ist wie die eines Spechts, der auf dem Rücken eines Nashorns sitzt. Springs zarter Gesang und seine flatternde Gitarre schweben in perfekter Harmonie über Homers bulligem Schlagzeug. Holy Hive sind eine vielschichtige Band: Manches an ihnen erschließt sich sofort, anderes erst später. Wie der Titelsong des Albums, der sich zuerst wie ein wunderschöner klassischer Liebessong anhört und sich dann als die Gefühle einer Frau entpuppt, die sich auf ihre Katze freut. Dafür steht Holy Hive: Die Musik geht verführerisch einfach ins Ohr und entfaltet sich dann sehr langsam - bis sie ganz aufblüht.

M!R!M is the solo project of Jack Milwaukee, italian multi-instrumentalist based in London since 2011. Inspired by early 80's synth pop, cold and dark wave, M!R!M has been releasing on labels as Fabrika and Manic Depression. Since his debut album, he’s been touring and playing shows all around Europe building an important following and a significant name within the scene.

On January 31st, 2020, Avant! Records will release his third full-length, The Visionary. Still featuring Milwaukee at the helm along with selected collaborators as supplementation, The Visionary is a further evolution in M!R!M sound, which showcases how the musician’s vision has evolved throughout the years.

Holding firmly to the vibes that recall the most dreaming 80’s, Jack Milwaukee this time blends together that typical FM synth timbre, which has always characterized the artist, with deeper and sumptuous sounds found within the notes of Mellotron and sax; overcoming previous Lo-Fi approaches to undertake a solid, prominent and more mature path.

The Visionary is a collection of songs pieced together in a meaningful and harmonious way where the storytelling is very vivid and fundamental. Trapped between hope and melancholy each track evolves smoothly into another one until it gets to a mystical end, a point of no return. From syncopated punchy bass lines drove by solid drum beats to elegant violin quartets accompanied by almost religious choirs, The Visionary is an engaging work that doesn’t remain only inside the robes of shimmering synth-pop tunes but also explores more intimate and private territories as an ode to the most deep feelings.

Pulling from the ‘pop’ approach of mid 80’s synth-pop pioneers like New Order, The Wake, Tears For Fears to most iconic figures of the Italian 80’s era, M!R!M dialed in on a clear understanding of it's own specific sound, which has since evolved. The Visionary is the ultimate unified vision of M!R!M’s work, it’s the sweetest transition of the most nostalgic daydream.

The relationship between Norm and Core is in terms of sunlight playing over a mountain and a valley. Norm is the brightly lit portion, Core is the dark area occluded by the mountain's bulk. As the sun moves across the sky, Norm and Core gradually trade places with each other, revealing what was obscured and obscuring what was revealed. Norm is solid, focused, hot, dry, and active.

Fire – Sky – The Sun – Day Time.
Core, by contrast is yielding, cold, wet.
Water – Earth – The moon – Night-time.

Time is Local is a project by Danish collective We like We and sound artist Jacob Kirkegaard built around a 12-hour live sound installation and performance at Thorvaldsen Museum in Copenhagen.

The piece was initiated and performed by the artists during the G((o))ng Tomorrow Festival in 2017. As they slowly wandered the halls and rooms of the museum for a whole day, they performed extended sound compositions for a visiting audience at each of the 12 chambers for a longer session - a haunting experience as the outside world disappeared and the focus was on quiet sonic moments unfolding in midst of the grand, reverberous space. For this album they have collected 12 fragments revolving around the chambers in the museum. Each chamber is being represented by its own handful of tones, instruments and voice. The statues within, depicted by neo-classicist sculptor Bertel Thorvaldsen get their own soundtrack of quiet emanating gusts. Barely heard frequencies reflect through the walls. The marble carved busts of Greek gods that line the museum hallways gaze eternally with a blank stare as decades pass and new audience arrives.

Although We like We should need no introduction to followers of the Sonic Pieces label, the Danish all female sound quartet consists of Katrine Grarup Elbo (violin), Josefine Opsahl (cello), Sara Nigard Rosendal (percussion) and Katinka Fogh Vindelev (voice). Together they have forged a dynamic and intuitional sound beyond genres through the last decade. Only two years ago they released the nordic neo-classical opus Next to the entire All. This time they emerge in collaboration with sound artist Jacob Kirkegaard. Jacob’s works are sonic reflections on complex aspects of the human civilisation, treating themes such as radioactivity, melting ice, border walls and tones emitted by the ears. Through the last decades he has released records and sound documents through labels such as Touch, Important Records and more. As a document of their 12h performance, Time is Local is a beautiful sonic evocation that shines as a bright line of sun through the cracks of a tomb.

Kate Tempest returns with her third studio album, The Book of Traps and Lessons.

The highly anticipated album was crafted with Rick Rubin and Dan Carey over the course of the past five years. It follows Tempest’s previous releases, 2014’s Everybody Down and 2017’s Let Them Eat Chaos, both of which were shortlisted for Mercury Prize in 2014 and 2017, respectively. Last year, Kate Tempest was nominated at The BRIT Awards for Best Female Solo Performer.

A handful of words often tell you everything you need to know. When asked, who is Kate Tempest? She gives a brief, albeit telling answer. “Kate Tempest is the words,” she responds. You haven’t ever seen, heard, or experienced anyone quite like her. Tempest uncovers the missing link between the Golden Ages of literature and hip-hop. The London-born BRIT Award-nominated spoken word artist, rapper, poet, novelist, and playwright rhymes with a century-turning fury. Since her emergence in 2011, she has redefined what it means to be a wordsmith in the Modern Age. To date, she has published three poetry collections, staged three plays, and released two studio albums. Along the way, she entranced audiences on The Tonight Show Starring Jimmy Fallon, NPR’s “Tiny Desk,” and more. Not to mention, she garnered widespread critical acclaim from The New York Times, The New Yorker, Forbes, and more, to name a few. In the midst of this whirlwind journey, she performed a passage of her popular 75-minute narrative poem, Brand New Ancients, on Charlie Rose. Legendary producer and American Recordings Founder Rick Rubin caught the show, tracked down her phone number, and made a call. This set a series of events in motion that led to her 2019 debut album for American Recordings, The Book of Traps and Lessons, set for release on June 14th.

Nach Dem Sensationellen Erfolg Des Ersten Albums - oracle Im Letzten Jahr, Erscheint Nun Das Zweite Album Der Deutschen Jazz-supergroup Web Web. - dance Of The Demons Ist Ein Furioser Tanz Mit Den Dämonen - Mal Im Positiven Spirit Soul Jazz Rausch Wie Bei - land Of The Arum Flower , Das Mit Seiner Ergreifenden Melodie An Ethopian Jazz Der 60er Jahre Erinnert, Oder Mal Verrückt, Entfesselt Wie Bei - sandia .

Web Web Spielt Nun Mittlerweile Seit 2 Jahren Intensiv Zusammen, Man Hat Duzende Konzerte Absolviert Und Man Spürt Förmlich Die Geschlossenheit, Intensität Und Kraft, Die Sich Als Homogener Organismus Aus Einem Guß Heraus Zu Einem Phantastischen Sound Zusammenbraut.

Als Einen Besonderen Glücksfall Konnte Die Band Den Berühmten Marrokanischen Sänger Und Gembri-spieler Majid Bekkas Gewinnen, Der In Rabat Beheimatet Ist. Tony Lakatos Arbeitete Mit Majid Und Joachim Kühn In Den Letzten Jahren Immer Wieder Zusammen, Ebenso Roberto Digioia In Zusammenhang Mit Klaus Doldinger. Insofern Lag Es Nahe, Diesen Brillianten Musiker Mit Seinen Nordafrikanischen Wurzeln Mit Dem Ungeschliffenen Konzept Von Web Web Zu Verbinden. In - maroc Blues , Einer Soloperformance Von Majid, Hört Man Den Warmen Klangkörper Der Gembri, Einem Kontrabassartig-klingendem Instrument (dreisaitige Langhalslaute), Sowie Auch Majids Wunderbare Stimme, In Der Sich Die Jahrhunderte Alte Tradition Der Berber Widerspiegelt. - safar Zeigt Ebenso Die Große Improvisatorische Klasse Von Web Web, Vor Allem Wie Sie Auf Allen Ebenen In Die Spirituelle Sprache Eintauchen.
Majid Bekkas Ist Einer Der Bedeutendsten Musiker Und Vertreter Der Gnawa-musik, Die In Der Südlichen Sahara Beheimatet Ist. Am Konservatorium Für Musik Und Tanz In Rabat Studierte Er Seit 1975 Klassische Gitarre Und Oud.
Nach Ersten Erfahrungen Mit Eigenen Bands In Den 80er Jahren Gründete Er 1990 Sein Trio Gnaoua Blues Band, In Dem Er Blues Mit Gnawa-musik Verband. In Den Darauffolgenden Jahren Interessierte Er Sich Zunehmends Für Jazz, Trat Schon Bald Mit Größen Wie Archie Shepp, Louis Sclavis, Peter Brötzmann Oder Hamid Drake Auf.

- dance Of The Demons- Wurde Wie Auch - oracle An Einem Wochenende Live In München Eingespielt
Toningenieur Ist Wie Auch Bei - oracle Jan Krause (beanfield, Poets Of Rhythm U.v.m.)
Das Nächste, Dritte Web Web Album Wird Im Winter 2018 Ebendort In München Aufgenommen, Und Es Werden Wíeder Ein Oder Zwei Hochkarätige Gäste Dazu Eingeladen.

Web Web Sind: Roberto Di Gioia (piano, Synth, Percussion), Tony Lakatos (tenor- Und Sopranosaxophone), Christian Von Kaphengst (upright Bass) Und Peter Gall (drums).

Roberto Di Gioia Arbeitete Mit Zahlreichen Jazz-legenden Zusammen, Wie Z.b. Mit Woody Shaw, Art Farmer, James Moody, Johnny Griffin, Charlie Rouse, Clifford Jordan, Clark Terry, Roy Ayers, Gregory Porter U.v.m.
Anfang 1990 Wurde Er Mitglied In Klaus Doldingers Passport.
Als Pianist Machte Er U.a. Aufnahmen Mit Udo Lindenberg (mtv-unplugged,2011), Charlie Watts (- music Of The Rolling Stones , 2005), Console (- reset The Preset , 2003), The Notwist (- shrink 1998, - neon Golden , 2002).
Seit 2007 Arbeitet Er Zusammen Mit Samon Kawamura Und Max Herre Als Kahedi: Max Herre (- hallo Welt , 2012), Joy Denalane (- gleisdreieck , 2017), U.v.m.
Seine Eigene Band Marsmobil (produziert Von Peter Kruder) Wird Im Herbst Ihr 4.studioalbum Veröffentlichen.

Tony Lakatos Stammt Aus Der Berühmten Lakatos-familie Aus Budapest, Ungarn. Sein Vater War Ein Berühmter Geiger, Ebenso Sein Jüngerer Bruder Roby. Er Begann Mit Dem Saxofon-spiel Als Er 15 Jahre Alt War.
Tony Studierte Auf Dem Bela-bartok-konservatorium In Budapest, Machte Seinen Abschluß 1979 Und Spielte Seither Auf Über 350 Jazzproduktionen Weltweit Mit, U.a. Mit Al Foster, Kirk Lightsey, Randy Brecker, George Mraz, David Witham, Terri Lyne Carrington, Anthony Jackson. Tony War Mitglied Der Band Pili Pili Von Jasper Van´t Hof. Seit 1993 Ist Er Solist In Der Hr Radio-bigband.

Christian Von Kaphengst Bekam Mit 6 Jahren Klassischen Klavierunterricht Im Peter-cornelius-konservatorium In Mainz.
Von 1988 Bis 1995 Studierte Er Jazz-kontrabass Sowie Instrumentalpädagogik An Der Musikhochschule In Köln.
Sein Jazzquartett - cafe Du Sport Absolvierte Im Auftrag Des Goethe-instituts Tourneen Nach Pakistan, Indien, Türkei Und Westafrika. Seit 1999 Ist Er Regelmäßig Bassist Von Patti Austin Sowie Der New York Voices Für Europäische Konzerte.
Von Kaphengst Spielte U.a. Mit Randy Brecker, Nat Adderley, Roy Hargrove, Joe Sample, Charlie Mariano, Katja Ebstein, Xavier Naidoo, Roachford, Yvonne Catterfeld.

Peter Gall Gewann Bereits In Jungen Jahren Erste Preise Bei Jugendjazzt Und Tourte Mit Dem Bundesjazzorchester Unter Leitung Von Peter Herbholzheimer. Er Studierte An Der Berliner Universität Der Künste Und Am Jazz Institut Berlin Bei John Hollenbeck. Gall Absolvierte Sein Masterstudium An Der Manhattan School Of Music Bei John Riley.
Er Arbeitete U.a. Mit Kurt Rosenwinkel, Seamus Blake, Ben Street, Gabriel Rios, Jasmin Tabatabai, Thomas Quasthoff, Peter Fessler.

Feedback - Web Web - oracle :

"oracle Ist Nicht Nur Ungemein Packend, Sondern Klingt Auch Absolut International, Bewegt Sich Auf Einer Ebene Mit Leuten Wie Kamasi Washington Oder Shabaka Hutchings." - Jazzthetik

"ein Wirklich Erstaunliches Erstes Album" - Süddeutsche Zeitung

"sun Ra Wäre Stolz Gewesen Auf Web Web Und Ihr Erstes Album Oracle." - Soultrainonline.de

"...the Album Is Engaging And Fascinating In Equal Measures. ... Sonically, The Album Embraces The Various Late 1960s And '70s Jazz Aesthetics Of Modal, Fusion And Spiritual Jazz Soundscapes, But 'oracle' Isn't A Strata East Or Black Jazz Tribute Record. This Is Very Much A Contemporary Affair With Its Richness Emanating From The Group's Varied Musical Tastes And Sensibilities And It Favours An Entire Listening Experience." - Ukvibe.org

"raise A Glass And Toast This Supremely Enjoyable Recording." - Birdistheworm
"oracle Contains 13 Tracks Of Pure Retro Sounding Perfection. This Is Like A Long Forgotten Treasure. It's Certainly An Album Serious Lovers Of The Genre Will Embrace." - Reviewgraveyard
"wonderful Album!!" - Simon Harrison / Basic Soul

"this Is Amazing. Going To Have To Grab A Vinyl Copy For The Collection" - Kev Beadle

"fantastic Record ! Love It ! We Need More Music Like This !!" - Peter Kruder

Next to the entire All is an astonishing work by Danish experimental sound quartet We like We, consisting of Katrine Grarup Elbo (violin), Josefine Opsahl (cello), Sara Nigard Rosendal (percussion) and Katinka Fogh Vindelev (voice).

Although classically trained, all four share a desire for exploring, experimenting and shaping a sound of their own, something which is truly present on this album. Both instrumentation and composition feel glued together with an abundant sense of playfulness and vision. The record starts with the beautiful I'm not for More which sets the tone for the 10 pieces, hurling you back and forth in a whirlwind of sound and musical intuitivity.

Genre bending as the record can be, it can be seen as somewhat of a contrasting work - as much of northern folk traditions as of an avant-classical work in the spirit of György Ligeti and Meredith Monk. Forest Sketches, as an example, starts with minimal woodblocks and percussive rattling while slow building violins, cello and vocals pull themselves in through the unknown before bursting into a Pagan sounding wormhole of screams and looped cellos. The piece ends with minimal vocal sound scapes fading away into almost pure silence. It could be mirrored with a merger of both the opening and closing scene of Kubrick's classic movie 2001 - creating the sense of beginning of humanity versus the far future, with abstractation and the unknown.

Next to the entire All is both a mind bending and grounded piece of work fitting naturally next to other Sonic Pieces releases such as Hauschka & Hildur Gudnadottir's Pan Tone or Christoph Berg's Conversations, while adding a northern minimalism. A record as hard to shake off as it is to describe.

Keeno's third full length album, 'All The Shimmering Things', is a gorgeous body of work that truly transcends the dancefloor, offering maturity and depth far beyond his years.

From the majestic flutterings of 'Light Cascading' to the breathtaking euphoria of 'Cosmic Creeper', the album elevates into a world of brilliantly constructed sonics, arrangements and melodies, seemlessly crafted with care and precision.

The journey is made complete by guest vocalists Becca Grey, Abbie Rosie and Katya, whose exquisite lyrics perfectly fuse the album's themes with notable sophistication. Such a finely balanced combination creates a collection that is guaranteed to charm loyal fans and new comers alike.

Keeno's debut album 'Life Cycle' turned drum & bass on its head with its fresh approach to compositon and instrumentation, receiving universal praise from fans and artists across drum & bass and beyond. This pinnacle moment was the start of a continuous rise for Keeno, leading him to take his music from UK festival stages to club shows in Australia and New Zealand.

'All The Shimmering Things' expands and improves on everything that we love about Keeno's music and is sure to be one of the finest drum & bass albums in 2017.