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Mit ihrem fünften Album Memories of the Future entwerfen The Fourth Wall ein eindringliches Klangbild einer Zukunft in der Krise. Inspiriert von Denkern wie Mark Fisher und Frederic Jameson thematisieren die neun Songs die schwindende Fähigkeit, sich eine lebenswerte Zukunft vorzustellen - und die psychologischen Spannungen, die daraus entstehen. Aufgenommen im urbanen Umbruchgebiet Portlands, spiegelt das Album die Atmosphäre zwischen Verfall und Neuanfang wider: verlassene Industriebauten treffen auf beginnende Gentrifizierung. Diese Kulisse prägt den Sound - eine Mischung aus distanzierten Klangräumen, körnigen Gitarren und kantigen Synths. Die Songs bewegen sich zwischen Nostalgie und Eskapismus: Während City Lights Receding die Sehnsucht nach einer verlorenen Vergangenheit einfängt, erzählt Kármán Line von radikalem Ausbruchswillen und der Suche nach Bedeutung im Spektakel. The Fourth Wall verbinden auf Memories of the Future Indie-Rock mit konzeptueller Tiefe - ein atmosphärisches Album über Stillstand, Überreizung und die Frage, was von unseren Zukunftsträumen bleibt.

The Chicago trio of Black Duck is a natural fit for collaboration with acclaimed Basque musician Elena Setién. Black Duck"s bassist/guitarist Douglas McCombs, guitarist Bill MacKay and drummer Charles Rumback have been lauded for their adaptability as live performers and collaborators for decades, performing in countless ensembles from Tortoise to Brokeback to collaborations with Ryley Walker, Bill Callahan, James Singleton and many more. Setién honed her improvisational skills in duo Little Red Suitcase before going on to collaborate with the likes of Steve Gunn, Mary Lattimore, and Glenn Kotche (Wilco) to name a few. Black Duck and Elena Setién"s combined preternatural ability to converse at the boundaries of improvisation and composition makes for fertile ground in which every subtle gesture carries weight. On their debut, self-titled collaborative release, Black Duck and Elena Setién alchemize the ease of their live chemistry and their wealth of experience into a refined menagerie.

Die renommierten Gitarristen Steve Hackett und Steve Rothery freuen sich, ihr lang erwartetes gemeinsames Album "The Roaring Waves" vorzustellen. Sieben Instrumentalstücke, die von gekonnt-absurd bis brillant-erhaben reichen, aber alle ein gemeinsames Thema haben: die Tiefe des Meeres. Rothery erklärt: "Im Winter konnte man bei stürmischem Wetter das Rauschen der Wellen hören. Whitby war ein sehr inspirierender Ort zum Leben, ein sehr poetischer und kraftvoller Ort, um aufzuwachsen. Ich denke, dieses Album ist eine Möglichkeit, einige dieser Erinnerungen und Emotionen darüber auszudrücken, was das Meer für mich bedeutet hat." "The Roaring Waves" entstand über einen Zeitraum von fast acht Jahren, obwohl die ursprüngliche Idee, gemeinsam ein Album aufzunehmen, bereits drei Jahre zuvor entstanden war. Aufgrund ihrer jeweiligen Tagesjobs und Tourneepläne konnten sie jedoch monatelang nicht zusammenarbeiten. Die Aufnahmesessions im Racket Club und in ihren jeweiligen Heimstudios brachten jedoch eine Fülle an Kreativität hervor. "Unser Ansatz war ein bisschen old school, so wie die Idee, dass Freunde sich in der Garage treffen, um zu spielen und zusammen abzuhängen", sagt Hackett über ihre Herangehensweise an Kreativität. Derzeit handelt es sich um ein Einzelalbum, da keiner der beiden Gitarristen Zeit für Live-Auftritte aufbringen kann, geschweige denn daran denkt, gemeinsam ein weiteres Album aufzunehmen. Während die Gezeiten kommen und gehen, blicken alle Gesichter auf den leeren Horizont und warten darauf, dass ein letztes Schiff an Land gebracht wird, um endlich nach Hause zurückzukehren. "The Roaring Waves" wird als limitierte CD & Blu-ray Mediabook mit Dolby Atmos-Mixes von Andy Bradfield sowie als Gatefold 180g LP & LP-Booklet erhältlich sein, das von Miles Showell in den Abbey Road Studios mit Half-Speed Mastering gemastert wurde. Das Album wird auch als Standard-CD-Jewelcase und digital erhältlich sein.

Der finnische Sänger Bobby Oroza veröffentlicht sein Debütalbum This Love bei Big Crown Records. Das Label aus New York City ist bereits Heimat von Bands wie Lee Fields & The Expressions, The Shacks und El Michels Affair. Bobby ist in Helsinki geboren und in einer Musiker- und Künstlerfamilie aufgewachsen. Zu Bobbys Glück hatten seine Eltern eine große Plattensammlung mit frühem Jazz, Blues, Motown-Hits, Gospelchören und Doo-Wop-Gruppen wie The Drifters und The Clovers, aber auch Alben aus Brasilien und Afrika, Folksongs aus Nord- und Südamerika von Bobbys Mutter und Salsa-Musik aus New York. All diese Einflüsse sind heute in Bobbys Musik hör- und spürbar. Auf Kuba studierte er monatelang intensiv Schlagzeug und Gesang. Mit Cold Diamond & Mink, der Hausband von Timmion Records, bestehend aus Bandleader Jukka Sarapää, Sami Kantelinen und Gitarrist/Komponist Seppo Salmi, bildet er ein brillantes Quartett, mit dem er seine Vision in Musik umsetzt. CD&M liefern mit ihren LoFi-Instrumentals die perfekte Untermalung für Bobbys verrauchte Tenorstimme, die Herzen brechen und schmelzen lässt. Der bereits 2016 als 7" Single veröffentlichte Titelsong "This Love" ist längst zum Hit in Lowrider-Kreisen geworden und wurde auf "Hat Trick" von Odd Future Rapper Earl Sweatshirt gesamplet. Der Song ist mit seinen harten Drums, den wilden Riffs, dem vergrabenen Bass und Bobbys verhaltenem, aber intensivem Gesang ein Muss für Soul-Sammler und hat sich als 7? mehr als 3.000 Mal verkauft. Der Song "Your Love Is Too Cold" ist ein Stomper, der Soul-Grooves früher Motown-Stücke mit Gitarrenriffs aus einem Funk-Soundtrack von James Brown mischt und schon jetzt weltweit auf allen Soul-Partys schwer angesagt ist. Bobby hat einiges für die Tänzer im Publikum in petto: Stücke wie "Lonely Girl" und "Falling in Love" sind Verneigungen vor dem Northern Soul, "Keep On Believing" liefert Jazz-Funk wie aus den Siebzigern. Aber "This Love" wendet sich vor allem an die Balladenliebhaber, die voller Sehnsucht in die Nacht schauen. Mit Songs wie "Alone Again", "Down On My Knees" und "Deja Vu" beschwört er eine intensive, leicht abgründige Sinnlichkeit. Eine einzigartige Spielart von Soul, made in Finland.

Big Crown Records ist stolz darauf, "Perak", das Debütalbum von Thee Marloes, zu präsentieren. Wenn man Thee Marloes zum ersten Mal hört, mag einem ihr spezieller Soul-Sound vertraut vorkommen. Da sind die wuchtigen Trommeln, eine sanfte Gitarre und eine schöne Stimme, die über unerwiderte Liebe und die Komplikationen in Herzensangelegenheiten singt. Aber dann ist da etwas unbestreitbar anderes an Thee Marloes und ihrer Musik, etwas Neues und Unverwechselbares. Die meisten, die mit Soulmusik vertraut sind, haben wahrscheinlich noch nie etwas aus Surabaya, Indonesien, gehört - dem Ort, den Thee Marloes ihre Heimat nennen. Thee Marloes, das sind Natassya Sianturi (Gesang und Keyboard), Tommy Satwick (Schlagzeug) und Sinatrya ("Raka") Dharaka (Gitarre und Produktion). Ihr Sound hat die universelle Anziehungskraft von Soul, Jazz und Pop, aber mit einem ganz eigenen Ansatz, der auf ihre lokale Kultur und ihren globalen Einfluss zurückzuführen ist. Die erste Auskopplung von "Perak" ist "Midnight Hotline", die heiße A-Seite ihrer Debüt-7" auf Big Crown. Eine druckvolle Dancefloor-Nummer mit einem ansteckenden Refrain, vibrierendem Piano und jazzigen Gitarrenlicks. Die B-Seite "Beri Cinta Waktu" ist auch auf dem Album und hat alles, was eine beliebte Soul-Ballade ausmacht, aber der Text ist auf Indonesisch. Unabhängig von der Sprachbarriere ist das Gefühl in ihrer Musik spürbar, was dazu beiträgt, dass ihre Songs nachvollziehbar sind und ans Herz gehen. "I Know" ist ein Mid-Tempo-Song, der davon handelt, wie man den Schleier der Lügen von einer Liebesaffäre, die auf Falschheit beruht, wegzieht. "Not Today" gehört zu den groovigsten Wohlfühlsongs, die man an einem Sonntagmorgen spielen kann. Natassya erinnert uns daran, uns selbst Raum zu geben, ganz gleich, was das Leben uns vor die Füße wirft. "Mungkin Saja" zieht das Tempo mit einem weiteren Dancefloor-Smoker wieder an, während Thee Marloes mit "True Love" in die gefühlvolle Seite des Jazz eintauchen, mit einer Beat-Ballade, die eine Tarantino-Tanzszene untermalen könnte. "Over" beginnt mit einem schweren Drum-Break und entwickelt sich zu einem epischen Arrangement, das in Schichten wunderschöner Melodien getränkt ist und das Chaos einer Liebesaffäre, die abrupt endet, perfekt einfängt. "Perak" ist eine Reise aus dem Herzen Surabayas in den Geist des Soul-Sounds. Es geht darum, einen Raum zu schaffen, wo keiner war, und es zu tun, weil man es liebt. Man spürt den Spaß, den Thee Marloes haben, ihre Musik zu machen, vom Songwriting und Aufnehmen bis hin zu den Auftritten vor Publikum. "Wir wollen das, was wir leben, mit anderen teilen", sagt Natassya. Egal, welche Sprache man spricht oder aus welcher Kultur man kommt, die Musik und die Energie von Thee Marloes sind so charmant, dass wir sie alle noch jahrelang in der Nähe des Plattenspielers haben werden.

Teksti-TV 666 will release their fourth mini-album as a limited-edition vinyl pressing in August Finland’s hottest indie rock band, Teksti-TV 666, released their new EP 4 digitally on All That Plazz in April. Svart Records, who have previously released the band’s albums and EPs on vinyl, is continuing this tradition with the new mini-album as well. EP 4 marks a small new beginning for this distinctive rock band, currently enjoying a strong cult following internationally. Teksti-TV 666 is known for their raucous krautrock, which has elevated the band to the status of an exceptional act in Finnish indie rock, even on the international scene. The band enjoys a strong and rapidly growing cult following, particularly in Sweden and Denmark. The new EP features four tracks of some of the most interesting Finnish indie rock on the international scene right now. It includes a 10-minute prog jam, a three-minute punk track, more traditional guitar rock, and the track “Fast & Furious,” which hooks listeners with its lighter, airier krautrock vibe.

LIMITED EDITION FIRST PRESS OF 300 COPIES ON TRANSPARENT RED VINYL WITH JAPANESE STYLE OBI. NON-RETURNABLE.
Osaka quartet HIBUSHIBIRE return this August with their fifth studio album ‘Phantom Fuzzy Exotica‘.
Phantom Fuzzy Exotica continues to find the band exploring their own little universe, where psychedelia, 70’s hard rock and folk rock influences collide. You’ve got the short punchy riff heavy songs, the mellow time-out bits, and of course the epic psych jams and more vocals then previously. It’s all here, and as always they deliver the goods.
Phantom Fuzzy Exotica … in the bands own words
The initial image behind this album was “phantoms”- things that seem to exist, yet somehow don’t. Another thing that sets this album apart from our previous releases is that four of the five tracks feature vocals. The only instrumental is “Invocation and Ritual Dance of the Electric Nonsense.” We didn’t consciously plan it that way; it just happened naturally. After finishing last year’s tour, we didn’t have much time, but everyone’s ideas came together, and I think we’ve created an album we’re truly satisfied with.
Mandrake Oracle: The opening track of the album.Built around a single guitar riff by changchang, while the other instruments and electronics keep pushing the music forward. Personally, I imagined Deep Purple playing a Pink Floyd song while writing this one.
Minagoroshi Western: Imagined as the soundtrack to a fictional spaghetti western. In the end … everybody dies.
Daydream Rendezvous: A piece of daydream acid psychedelic folk.
Invocation and Ritual Dance of the Electric Nonsense: Hard psychedelic jazz rock. The title is a little nod to Frank Zappa.
Ai Vist Lo Lop (Cover): I’ve always loved Ai Vist Lo Lop by the wonderful Occitan traditional band Mont-Jòia, and I’d wanted to cover it someday. We especially enjoyed creating the a cappella section and finding the right sound for the main melody.
We sincerely hope you enjoy listening to this album as much as we enjoyed making it. — changchang
The Phantom Fuzzy Exotica European Tour 2026
AUGUST
19th Archive, Liverpool (UK) , 20th Ivory Blacks, Glasgow (UK), 21st The Golden Lion, Todmorden (UK), 22nd The Bunkhouse, Swansea (UK), 23rd Beautiful Days, Devon (UK), 25th The Peer Hat, Manchester (UK), 26th Le Pub, Newport (UK), 27th Strongroom Bar, London (UK) with Black Helium, 28th The Holloway, Norwich (UK), 29th The Sunflower Lounge, Birmingham (UK), 30th The Piper, St Leonards (UK) with Black Helium
SEPTEMBER
1st DND, Dunkirk (FR), 3rd Pilsen Busking Fest, Pilsen (CZ), 4th Pilsen Busking Fest, Pilsen (CZ), 6th Riff, Budapest (HU), 7th Végállomás Klub, Szombathely (HU), 8th A Beton, Győr (HU), 9th Chemiefabrik, Dresden (DE), 10th Bar Neun, Berlin (DE), 11th Subsol, Dusseldorf (DE), 12th Magasin 4, Brussels (BE), 13th De Onderbroek, Nijmegen (NL), 14th La Bulle Café, Lille (FR)
HIBUSHIBIRE are
Changchang (Guitar/Vocal/Bouzouki/Electronics/Melting Eye Spectacle), Tetsuji Toyoda (Bass/Vocal/Mermaid Mountain), AOI HAMA (Drums/Vocal/Cat Tongue Queen), Kohei Katsuma (Conga/Vocal/Theremin/Percussion/God Dog Family)

I Must Be Dreaming ist das erste neue Album von Alabama Shakes seit mehr als einem Jahrzehnt. Das
Album knüpft an die ungezügelte Erkundungslust des 2015 erschienenen Albums Sound & Color an und
erweitert sie, wobei es sich einer viszeral aufgeladenen Form des psychedelischen Soul zuwendet.
Produziert wurde das Album von Alabama Shakes gemeinsam mit ihrem langjährigen Kollaborateur Shawn
Everett. Es entstand in Nashvilles Sound Emporium Studios und im Blackbird Studio. Während das Album die für die Band charakteristische Intensität bewahrt, bewegen sich seine Songs häufig in üppigere und
entrücktere Klanglandschaften hinein und offenbaren dabei eine präzisere Beherrschung von Atmosphäre
und Raum.

Gleichermaßen erdrückend wie befreiend: Mit Marrow Deep dringen die Grammy-Gewinner Mastodon in
neue klangliche Tiefen vor, ohne das zu opfern, was sie zu einer der zukunftsgewandtesten Kräfte der
Heavy-Music macht.
Mastodon kanalisieren tiefe Trauer in eines der emotional geladensten Alben ihrer geschichtsträchtigen
Karriere. Ein 13 Songs starkes Vermächtnis über den Einfluss, den uns nahestehende Menschen auf unser
Leben haben können – Auswirkungen, die weit über die Zeit hinausreichen, die wir mit ihnen teilen dürfen.
Ein Album, das letztendlich für Widerstandskraft und Solidarität steht.

Mit „Everything’s Falling“ zeigen The Warning eindrucksvoll, warum sie zu den spannendsten Stimmen im
modernen Rock zählen. Das Latin-Grammy-nominierte Schwestertrio aus Monterrey, Mexiko, verbindet
Alternative Rock, Hard Rock und Metal zu einem kraftvollen Sound, der von starken Riffs und eingängigen
Melodien geprägt ist. Bekannt geworden durch ihr virales „Enter Sandman“-Cover, haben sich Daniela,
Paulina und Alejandra längst als eigenständige Künstlerinnen, mit einer internationalen Fanbase, in der
Rockszene etabliert.
Auf ihrem fünften Studioalbum „Everything’s Falling“ setzen sich The Warning mit inneren Konflikten,
Ängsten und Selbstzweifeln auseinander und verwandeln diese Themen in energiegeladene Songs mit ungefilterter Ehrlichkeit.

Jascha Heifetz gilt als einer der prägendsten Geiger des 20. Jahrhunderts. Für María Dueñas (»Dueñas war
schlichtweg fesselnd« - New York Times) ist er seit ihrer Kindheit eine konstante künstlerische Inspiration
und Bezugsperson. Mit ihrem neuen Album ’Homage to Heifetz’ folgt sie diesen Spuren und stellt Werke
in den Mittelpunkt, die eng mit dem Vermächtnis von Heifetz verbunden sind. Aufgenommen mit Gustavo
Dudamel, der für Dueñas eine weitere Inspirationsquelle nicht nur »als fantastischer Musiker, sondern
auch als wunderbarer Mensch« darstellt, und dem Simón Bolívar Symphony Orchestra in den berühmten
Abbey Road Studios in London, finden sich unter anderem Korngolds Violinkonzert und Lalos Symphonie
espagnole auf dem neuem Album. Ergänzt wird das Programm durch Miniaturen von Debussy und Ponce,
die bewusst an die Tradition Heifetz’ anknüpfen. So entsteht ein Album, das Heifetz’ Vermächtnis würdigt
und zugleich die eigene künstlerische Stimme von María Dueñas hervorhebt.

Album #4 der brandneuen Vinyl-Serie mit zukunftsweisenden Aufnahmen der musikalischen Avantgarde.
Unter den 24 Alben, aus denen sich die Originalausgabe der Avant-Garde-Reihe der Deutschen Grammophon zusammensetzt, die zwischen 1968 und 1971 erschien, zählt die Interpretation von „Paragraph 2
& 7“ aus „The Great Learning“ des englischen Komponisten Cornelius Cardew mit dem Scratch Orchestra
nach wie vor zu den beliebtesten und komplexesten.
Nach Abschluss seines Studiums an der Royal Academy of Music in London zog Cardew 1958 nach Köln
und arbeitete dort als Assistent von Karlheinz Stockhausen im Studio für elektronische Musik des Westdeutschen Rundfunks (WDR).
John Tilbury sagte, dass es Cardews Ziel sowohl mit dem Scratch Orchestra als auch mit „The Great
Learning“ war, „die grundlegendsten Prinzipien der westlichen Kunst und insbesondere das des Künstlers
als Aristokraten zu überwinden. Das Scratch Orchestra war ein Ausdruck der Universalität der Kunst;
Kunst als Lebensweise.“
Diese 1971 aufgenommene Veröffentlichung von „The Great Learning“ ist nach wie vor die wichtigste
Quelle für eine klangliche Erfahrung mit dem Scratch Orchestra und der bedeutendste Beitrag zu seinem
bleibenden Vermächtnis.
Gemastert und geschnitten von den originalen analogen ¼-Zoll-2-Spur-Masterbändern von Rainer Maillard
und Sidney Claire Meyer in den Emil Berliner Studios.
Limitierte und nummerierte Auflage mit Original-Artwork und einer neu gestalteten, wunderschön gearbeiteten Sammler-Cover mit neuen Liner Notes von Bradford Bailey, gepresst auf 180-g-Vinyl.

Album #5 der brandneuen Vinyl-Serie mit zukunftsweisenden Aufnahmen der musikalischen Avantgarde.
Mauricio Kagel (1931–2008) wurde als Sohn jüdischer Eltern in Buenos Aires geboren. Seine Familie
war vor politischer Verfolgung in Russland nach der Oktoberrevolution nach Argentinien gekommen. Kagel
wuchs in einer der dynamischsten gesellschaftspolitischen Phasen der argentinischen Geschichte auf.
Exotica ist seiner Zeit zwar bemerkenswert voraus, steht aber gleichermaßen im Einklang mit der Kulturlandschaft der frühen 1970er Jahre. Als sich der Hippie-Trail seinen Weg um den Globus bahnte, fanden
Sitars, Gongs, Bambusflöten, Gamelans und gestimmte Perkussionsinstrumente zunehmend Eingang in die
Pop- und Avantgardemusik Europas und der USA.
Exotica – unter Einsatz von mehr als 200 Instrumenten aus aller Welt – spielt sich wie eine fröhliche
Komödie in fünf Akten. Ähnlich wie Shakespeare und Beckett setzt Kagel Humor meisterhaft als Mittel
der Kritik ein und hält der Kulturlandschaft seiner Zeit einen grellen Spiegel vor.
Gemastert und geschnitten von den originalen analogen ¼-Zoll-2-Spur-Masterbändern von Rainer Maillard
und Sidney Claire Meyer in den Emil Berliner Studios.
Limitierte und nummerierte Auflage mit Original-Artwork und einer neu gestalteten, wunderschön gearbeiteten Sammler-Cover mit neuen Liner Notes von Bradford Bailey, gepresst auf 180-g-Vinyl

Album #6 der brandneuen Vinyl-Serie mit zukunftsweisenden Aufnahmen der musikalischen Avantgarde.
Luigi Nono (1924–1990) genoss während seiner gesamten Karriere große Anerkennung. Als zentrale Figur
des Nachkriegsserialismus trat der venezianische Komponist in den 1950er Jahren als eines der drei Mitglieder der „avant-garde trinity“ neben Karlheinz Stockhausen und Pierre Boulez in Erscheinung.
„Contrappunto“ wurde 1968 für 2-Kanal-Tonband komponiert, in einer Zeit, in der Nono sich intensiv für
die internationalen Studentenbewegungen sowie gegen den Vietnamkrieg engagierte. Nono stützte das
Werk auf eine Madrigal-Komödie von Adriano Banchieri aus dem frühen 17. Jahrhundert und erklärte,
er habe „versucht, die Art des musikalischen Prozesses widerzuspiegeln, den Banchieri verwendete: die
Konzentration auf die Stimme, die Einbeziehung von Klangmaterial der damaligen Zeit, humoristische und
parodistische Verzerrungen, insbesondere in den lyrischen und dramatischen Elementen … aber in der heutigen Aktualität“.
Roland Kayns „Cybernetics III“ nimmt auf beeindruckende Weise die Fortschritte in den Bereichen Synthese, Computer- und Aufnahmetechnik sowie die Entwicklung von Samplern und Sequenzern vorweg. Die
Art und Weise, wie diese Werkzeuge von den Künstlergenerationen, die in Kayns Fußstapfen traten, aufgegriffen wurden, hat die Rahmenbedingungen der elektronischen Musik grundlegend verändert. In diesem
Sinne hat „Cybernetics III“ tiefgreifende Veränderungen im kreativen Denken vorausgesehen.
Gemastert und geschnitten von den originalen analogen ¼-Zoll-2-Spur-Masterbändern von Rainer Maillard
und Sidney Claire Meyer in den Emil Berliner Studios.
Limitierte und nummerierte Auflage mit Original-Artwork und einem neu gestalteten, wunderschön gearbeiteten Sammler-Cover mit neuen Liner Notes von Bradford Bailey, gepresst auf 180-g-Vinyl.

Angekündigt von astreinen Sommer- und Hangover-Hymnen (u.a. „discothèque with u“, „spaß am glas“),
kümmern sich Tiavo im kommenden Jahr auch um die Urlaubsplanung: Ihr neues Studioalbum „Hotel
Tiavo“ öffnet im Spätsommer 2026 seine Pforten! Vor allem ist das „Hotel Tiavo“ das womöglich einzige
Top-Etablissement der Welt, dessen Lobby zugleich als Dancefloor fungiert. Die Standardeditionen auf CD
und LP in transparenten roten Vinyl mit allen 24 Tracks erscheint am 28.08.2026.
„Hotel Tiavo“ ist das erste „richtige“ Konzeptalbum der Band: Nachdem sich der „absolute gewinner“-
Vorgänger eher beiläufig zu einem ultrasaarländischen „Einfache-Leute“-Konzeptalbum entwickelt habe,
wollten Leandros, Xaver & Co. dieses Mal einen konzeptionellen Rahmen abstecken, der richtig viel Raum
für Neues bietet – neue Einflüsse, neue Perspektiven, neue Umwege über den Indie-Dancefloor und durchs
Tiavo-Universum. Große Ereignisse werfen ihre Schatten voraus, so auch die feierliche Eröffnung des „Hotel Tiavo“: 24 Suiten, Schicksale, Storys – nein, Songs (oder: „Hymnen über Mikrothemen, die noch
keine Songs haben“), mit denen das saarländische Duo den eigenen Orbit sprengt und sich genau deshalb
treubleibt. Man sieht sich in der Hotelbar „Tropical“…

Mixed Emotions: Das legendäre Comeback-Album „We Belong Together“ erstmals auf Vinyl!
„Tag Alter, ick bin Drafi“. Mit diesen inzwischen legendären Worten begrüßte Poplegende Drafi Deutscher
im Jahr 1986 den jungen Sänger Oliver Simon. Es war der Beginn einer der erfolgreichsten Duo-Partnerschaften
der deutschen Musikgeschichte. Jetzt, genau 40 Jahre nach ihrer Gründung, erscheint das gefeierte
Comeback-Werk „We Belong Together“ aus dem Jahr 1999 zum ersten Mal auf edlem schwarzem Vinyl.
Eine Erfolgsgeschichte der Extraklasse
Was ursprünglich als Solo-Projekt für Oliver Simon geplant war, entwickelte sich unter der Regie von
Mastermind Drafi Deutscher schnell zum Pop-Phänomen Mixed Emotions. Die Kombination aus Drafis
markantem Timbre und Olivers glasklarer Stimme traf den Nerv der Zeit:
Chart-Rekorde: 1987 mit drei Singles gleichzeitig in den Single-Charts.
Edelmetall: Gold- und Platin-Auszeichnungen für beide Alben in den 80ern.
Internationale Hits: Erfolge weit über die Grenzen Europas hinaus, bis nach Südafrika.
Das 1999er Comeback: Mehr als nur Nostalgie
Nach der Trennung 1989 kehrten Mixed Emotions zehn Jahre später spektakulär zurück. Statt lediglich alte
Aufnahmen neu zu mischen, entschied sich das Duo für komplette Neuaufnahmen ihrer größten Klassiker
und Albumtracks, sowie für neue Hits wie den Uptempo-Ohrwurm „You Are My Angel“. Erneut stürmten
sie die Top 30 der Album-Charts und begeisterten Millionen in zahlreichen TV-Shows. Die musikalische
Chemie war auch nach einer Dekade Pause ungebrochen.
Exklusives Highlight für Sammler
Die vorliegende Vinyl-Edition bringt diesen Meilenstein der Pop-Schlager-Geschichte erstmals auf dem
„schwarzen Gold“ zurück. Als besonderes Schmankerl enthält die LP den brandneuen 2026er DJ Herzbeat
Remix von „Just For You“, der den unverkennbaren Mixed-Emotions-Sound perfekt in die heutige Zeit
übersetzt. Die Vinyl ist limitiert auf 500 Stück und nummeriert.
Die musikalische Formel von Mixed Emotions bleibt zeitlos. Für Drafi, Oliver und ihre treuen Fans gilt
auch heute mehr denn je: We Belong Together!

Die Transparent Blue Vinyl-Edition der auf Act Music erschienenen "Endless" LP von Adam Bałdych European Quartet ist erschienen.

Das Album dokumentiert ein kammermusikalisch geprägtes Quartett, das Adam Bałdych mit drei ausgewiesenen Persönlichkeiten der europäischen Improvisationsszene versammelt: Daniele di Bonaventura am Bandoneon, Jacob Karlzon am Klavier und Michel Benita am Kontrabass. Diese Besetzung öffnet einen weiten Klangraum, in dem Streichergesten auf die dunkleren, erzählerischen Farben des Bandoneons und das harmonische Feingefühl des Klaviers treffen. Konzertankündigungen und Pressetexte nennen die beteiligten Musiker und stellen die gemeinsame Arbeit als zentrales Element des Projekts heraus.

Musikalisch führt "Endless" die Ausdrucksformen zusammen, die Baldych über Jahre geprägt haben: die Verschmelzung von jazzimprovisatorischer Freiheit mit Elementen der europäischen klassischen Tradition und Anklängen an Renaissance-Polyphonie. Die Arrangements setzen auf dichte, dialogische Interaktion und erlauben solistischen Entfaltungsraum bei gleichzeitigem Fokus auf feine dynamische Nuancen. Typisch für Baldych ist die Kombination aus virtuoser Artikulation und lyrischem Tonfluss, wodurch der Violinklang zur treibenden Stimme einer kammermusikalischen Erzählung wird.

Die "Simple Game" LP von Sendecki & Spiegel erscheint auf Skip und führt das Duo mit einem reduzierten, zugleich präzisen Programm zusammen, das Klavier und Schlagzeug in den Mittelpunkt rückt.

Im musikalischen Zentrum stehen kompositorische Kürze und ein feines Gespür für Raum: filigrane Motive und pointierte Rhythmen wechseln mit offenen Passagen, in denen die beiden Musiker gegenseitig Impulse geben und Formeln aufbrechen. Die Stücke bewegen sich zwischen modernem Jazz, lyrischer Improvisation und Momenten, die an die introspektiven Tendenzen zeitgenössischer Klaviermusik erinnern. Dadurch entsteht ein ausgewogenes Gleichgewicht aus Struktur und Spielfreude, das dem Duo eine eigene Klangsprache verleiht.

Vladyslav Sendecki bringt seine Erfahrung als international gefragter Pianist ein; Jürgen Spiegel ist als Schlagzeuger des Tingvall Trio bekannt und in verschiedenen Rollen als Live‑ und Studiomusiker aktiv. Die Zusammenarbeit baut auf beiderseitiger Vertrautheit und langjähriger Praxis im Jazzbereich auf, wodurch Arrangement und Interaktion klar konturiert wirken. Frühere Veröffentlichungen des Duos zeigen denselben Fokus a

The Fall war eine englische Post-Punk-Band, die 1976 in Manchester gegründet wurde. Die Band existierte seither in wechselnden Besetzungen fort und war im Wesentlichen um ihren Gründer und einziges konstantes Mitglied, den verstorbenen Mark E. Smith, aufgebaut. Obwohl die Gruppe anfangs der Punk-Bewegung der späten 1970er Jahre zugeordnet wurde, durchlief ihre Musik im Laufe der Jahre etliche stilistische Wandlungen; sie zeichnet sich jedoch häufig durch einen rauen, gitarrenlastigen Sound sowie den wiederholten Einsatz von Repetitionen aus und wird stets von Smiths unverwechselbarem Gesang und oft kryptischen Texten getragen.

Die Band ist bekannt für ihre enorme Produktivität: Sie veröffentlichte über 25 Studioalben – eine Zahl, die sich mehr als verdreifacht, wenn man Live-Alben und sonstige Veröffentlichungen hinzurechnet. Über eine Handvoll kleinerer Hit-Singles in den späten 1980er Jahren hinaus blieb ihnen ein breiter kommerzieller Erfolg zwar verwehrt, doch konnten sie sich eine treue Fangemeinde mit Kultstatus bewahren. Die Band pflegte über lange Zeit eine enge Verbindung zu dem BBC-DJ John Peel, der sie bereits früh in ihrer Karriere nachdrücklich unterstützte und The Fall als seine Lieblingsband bezeichnete – mit der berühmten Begründung: „Sie sind immer anders; sie sind immer gleich.“

Remastered und mit zahlreichen Bonustracks versehen: Cherry Red wiederveröffentlicht das vierte Album von Dinosaur Jr., das ursprünglich 1991 auf Sire Records erschien, als Deluxe-Doppel-CD mit Singles-A- und B-Seiten sowie einem Konzertmitschnitt von 1991.

Die britischen Alternativ- und Progressive-Rocker von The Pineapple Thief melden sich 2016 mit einem neuen Album zurück. »Your Wilderness« heißt der Nachfolger von »Magnolia« aus dem Jahr 2014.

Mit gerade einmal acht Songs handelt es sich dabei auf den ersten Blick fast schon um ein Minialbum. Bei näherem Hinsehen bzw. Hinhören stellt man aber fest, dass alle Songs zwischen 3:46 und 9:52 Minuten liegen, was eine Durchschnittslänge von rund 5 Minuten pro Song macht. Hier kommt also niemand zu kurz.

Im Gegensatz zu früheren Alben haben sich The Pineapple Thief für »Your Wilderness« zum ersten Mal einen ganzen Haufen illustrer Gäste eingeladen.

Zunächst einmal ist Schlagzeuger Gavin Harrison mit von der Partie, der dem einen oder anderen bereits durch seine Mitgliedschaft bei der Band Porcupine Tree bekannt sein dürfte. Für einige Klarinettenparts stand zudem niemand Geringeres als John Helliwell von Supertramp zur Verfügung. Geoffrey Richardson von den legendären Caravan steuerte unterdessen das Streichquartett bei, das auf dem Album zu hören ist. An der Gitarre unterstützte Darran Charles von Godsticks. Zu guter Letzt sorgte ein vierköpfiger Chor für die Backgroundgesänge.

Produziert wurde »Your Wilderness« komplett in Eigenregie der Band, mit Ausnahme der Drumparts, die Harrison in seinem eigenen Studio einspielte.

Mit »No Man’s Land« haben The Pineapple Thief auch bereits die erste Single des neuen Albums vorgestellt. Und die lässt erahnen, dass die Band sich trotz neuem Personal musikalisch treu bleibt – zur Freude vieler Fans.

Am 15. Februar 2026 feierte Posaunist und Sänger Nils Landgren seinen 70. Geburtstag – wie es sich für einen der erfolgreichsten europäischen Musiker seines Fachs gehört mit einem oppulenten Orchesteralbum »Love of My Life« und einer Tour durch die großen Konzerthäuser.

ACT-Gründer, Förderer und Freund Siggi Loch machte Nils Landgren ein besonderes Geschenk: Einen Abend in der von ihm kuratierten Reihe »Jazz at Berlin Philharmonic« im großen Saal der Berliner Philharmonie. Im ersten Teil des Konzertes spielten Mitglieder der ACT Family für »Mr. Red Horn«.

Nach der Pause betrat Nils Landgren unter großem Jubel selbst die Bühne – mit einem exklusiven Programm, dass seinem großen Idol und Weggefährten Joe Sample gewidmet war. Mit dabei: Michael Wollny, Lars Danielsson, Wolfgang Haffner, China Moses und Mitglieder der Berliner Philharmoniker mit Arrangements von Magnus Lindgren.

Es wurde eine Soul-Jazz-Party im Klassiktempel, bei der am Ende der ganze Saal tanzte – jetzt nachzuhören auf »Jazz at Berlin Philharmonic – Nils Landgren 70«

Die Feder
Master Of The Skies – Limitierte Edition auf neongelbem Vinyl
Metalville | Artikelnummer: 1417558
Vinyl-LP | 2026 / EU - Original | Neu
32,99 €
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Vorbestellungen werden ab dem 28.08.2026 versandt.
Das Datum basiert auf den Angaben unserer Lieferanten und kann sich ändern.
Die farbige Vinyl-LP „Master Of The Skies Limited Neon Yellow Vinyl Edition“ von The Quill ist bei Metalville erschienen und vereint die neuen Studioaufnahmen des schwedischen Veteranen-Quartetts. Die LP enthält zehn Tracks mit einer Spielzeit von rund 45 Minuten. Der Titeltrack ist in einer Extended Version und als Reprise enthalten, während das epische Stück „Mastodon“ mit über neun Minuten Spielzeit viel Raum für ausgedehnte Riffpassagen bietet.

Musikalisch bewegt sich The Quill zwischen druckvollem Hard Rock und Stoner-Rock-Elementen, wobei Groove, Schwere und Melodie stets eng miteinander verwoben sind. Auf dem Album setzt die Band auf dunklere, dichtere Klangfarben als auf früheren Veröffentlichungen. Die Arrangements reichen von prägnanten, riffbetonten Songs bis hin zu atemlosen, doomigen Momenten. Diese Balance zwischen Eingängigkeit und düsterer Atmosphäre zieht sich durch das gesamte Album.

Gesang und Gitarrenspiel stehen im Zentrum der Kompositionen, während die Songs durch bewusst gesetzte Tempowechsel und dynamische Übergänge zusammengehalten werden. Damit knüpft The Quill an seine lange Bandgeschichte an und untermauert seine Rolle als feste Größe in der skandinavischen Hardrock-Szene.

Louisiana Red wurde im März 1932 in Alabama geboren und starb fast auf den Tag genau 80 Jahre später in Hannover. Der frühe Lebensweg von Iverson Minter, auch bekannt als Louisiana Red, war geprägt von Leid. Seine Mutter starb eine Woche nach seiner Geburt an einer Lungenentzündung. Als er fünf Jahre alt war, wurde sein Vater vom Ku-Klux-Klan hingerichtet. Danach lebte er in Waisenhäusern, bis er den Rest seiner Kindheit bei seiner Großmutter verbringen konnte. Als Jugendlicher wurde er wegen Einbruchs zu Zwangsarbeit verurteilt und anschließend von Uncle Sam in den Koreakrieg geschickt. Bluesmusiker wollte Iverson werden, seit er Muddy Waters kennengelernt hatte. Ende der 1950er Jahre spielte er in der Band von John Lee Hooker. Mitte der 1970er Jahre zog es ihn nach Europa, wo er durch Auftritte beim WDR-Rockpalast oder dem Montreux Jazz Festival einem breiteren Publikum bekannt wurde. In den 1980er Jahren verpflichtete Fritz Rau Louisiana Red für sein erfolgreiches Festivalformat "American Folk Blues Festival". 1983 veröffentlichte er sein erfolgreiches Album "Anti-Nuclear Blues", dessen Inhalt und Aussage heute aktueller denn je sind. Die Original-Vinyl-Ausgabe ist inzwischen zu einer gesuchten Rarität geworden. Nun erscheint das Album erstmals auch auf CD mit sechs Bonustiteln vom "American Folk Blues Festival" von 1981 sowie als Neuauflage auf Vinyl im frischen Soundgewand.

Vierte Auflage - das aktuelle Solo-Album vom dänischen Psych-Rock-Zauberers Uffe Lorenzen aka Lorenzo Woodrose aka... Seit zehn Jahren interpretiert Uffe Lorenzen (bekannt von u.a Baby Woodrose und Spids Nogenhat) auf allen seinen Alben ein altes dänisches Lied. Das gilt für seine drei Soloalben und die beiden Alben seiner aktuellen Rockband Lydsyn. Auf seinem neuen Soloalbum Glemte Spor ("Vergessene Spuren") hat er ein komplettes Album mit 10 Interpretationen von Liedern aus den Jahren 1967 bis 1999 aufgenommen. Einige davon sind dänische Klassiker, andere sind eher unbekannte Lieder, die er sich zu eigen gemacht hat. Viele davon können als Protestsongs betrachtet werden oder haben einen anti-war Charakter. ,Ich habe festgestellt, dass ich die Herausforderung, Songs anderer Leute zu interpretieren und sie zu meinen eigenen zu machen, wirklich mag. Sie zu verändern, zu interpretieren und vielleicht sogar zu verbessern. Viele der Songs werden den meisten Menschen unbekannt sein, während andere dänische Klassiker sind. Was sie gemeinsam haben, ist, dass sie mich irgendwie zu dem gemacht haben, der ich bin", sagt Uffe Lorenzen. Das Album wurde zusammen mit Morten Hart Grabowski in einem kleinen Studio in Kopenhagen aufgenommen. In mehr als 20 Sessions haben sie zusammen eine Liste von 50 Songs auf die zehn reduziert, die schließlich auf dem Album gelandet sind. Laut Lorenzen fanden die Aufnahmen in einer sehr entspannten Atmosphäre statt: ,Wir haben etwas Gras geraucht und Rotwein getrunken, was den Prozess sehr entspannt gemacht hat, und ich glaube, das hört man dem Endergebnis auch an." Später übernahm Flemming Rasmussen den Mix und das Mastering in seinem berühmten Sweet Silence Studio. Die erste Auflage war auf 1000 Exemplare in schwarzem Vinyl limitiert und ist ausverkauft, die zweite und dritte Auflage kamen streng limitiert für den Indie-Handel auf rotem und grünem Vinyl (500 Stück weltweit), die vierte Pressung ist bei Bad Afro traditionell Purple (weltweit ebenfalls 500 Stück).

Mit "Olden" liegt eines der wichtigsten Frühwerke von 16 Horsepower wieder vor - erstmals als Oxblood Vinyl Edition. Die Sammlung vereint die ersten beiden Studio-Sessions von 1993/94 und zeigt die Band in ihrer rohsten, intensivsten Form. Klassiker wie "American Wheeze", "South Pennsylvania Waltz" oder "I Seen What I Saw" erscheinen hier in ihren ursprünglichen, ungezähmten Fassungen und werden durch rare, bislang unveröffentlichte Aufnahmen ergänzt. Dazu kommen Live-Mitschnitte aus dem Mercury Café in Denver, die die hypnotische Bühnenpräsenz der frühen Band dokumentieren. Olden ist damit nicht nur ein essenzielles Dokument der "Denver Sound"-Geburtsphase - sondern auch ein zentrales Werk für eine neue Generation von Hörern.

Louisiana Red's "Anti-Nuclear Blues" is considered a classic among acoustic blues albums and comes out on CD (w/bonus tracks) and LP in random coloured vinyl , limited to 500 copies worldwide - for fans of Buddy Guy, Junior Wells, Sonny Terry, Lightnin' Hopkins Louisiana Red was born in Alabama in March 1932 and died in Hanover almost exactly 80 years later. The early life of Iverson Minter, also known as Louisiana Red, was marked by suffering.

His mother died of pneumonia a week after he was born. When he was five years old, his father was executed by the Ku Klux Klan. After that, he lived in orphanages until he was able to spend the rest of his childhood with his grandmother. As a teenager, he was sentenced to hard labor for burglary and subsequently sent by Uncle Sam to the Korean War. Iverson had wanted to become a blues musician ever since he had met Muddy Waters. In the late 1950s, he played in John Lee Hooker's band. In the mid-1970s, he moved to Europe, where he gained recognition among a wider audience through appearances at the WDR Rockpalast and the Montreux Jazz Festival. In the 1980s, Fritz Rau signed Louisiana Red for his successful festival series, the "American Folk Blues Festival." In 1983, he released his acclaimed album "Anti- Nuclear Blues," whose content and message are more relevant today than ever. The original vinyl edition has since become a sought-after rarity. Now, the album is being released for the first time on CD, featuring six bonus tracks from the 1981 "American Folk Blues Festival," as well as a reissue on vinyl with a fresh sound.

Callisto celebrates 20 years of Noir with a vinyl reissue out in September Finnish post-metal outift Callisto are celebrating the critically acclaimed 2006 album Noir with its 20th anniversary vinyl reissue released by Svart Records in September. Founded in Kokkola in 2001, but already established in Turku early on, Callisto has been laying low in recent years. However, the band's versatile and nuanced metal achieved international popularity in the early 2000s. Their second full-length album, Noir, released in 2006, is a significant cornerstone of Callisto's career. – Noir is the album we have probably received the most feedback about over the years, the band admits. – People make and send covers of Noir songs to us and the album is usually the first thing that comes up in conversation when you come across people who have some experience, memory or opinion about Callisto's active years. Noir's production and recording process was also difficult in its own way, so it's already a reason to celebrate that it ultimately became an album that strongly defined the band's early years, the band continues. Noir has the menace and progressive edge of doom metal; the album is lively, looks forward darkly, moves from whispers to screams and ends with massive, powerful energy.

celebrating the critically acclaimed 2006 album Noir with its 20th anniversary vinyl reissue released by Svart Records in September. Founded in Kokkola in 2001, but already established in Turku early on, Callisto has been laying low in recent years. However, the band's versatile and nuanced metal achieved international popularity in the early 2000s. Their second full-length album, Noir, released in 2006, is a significant cornerstone of Callisto's career. – Noir is the album we have probably received the most feedback about over the years, the band admits. – People make and send covers of Noir songs to us and the album is usually the first thing that comes up in conversation when you come across people who have some experience, memory or opinion about Callisto's active years. Noir's production and recording process was also difficult in its own way, so it's already a reason to celebrate that it ultimately became an album that strongly defined the band's early years, the band continues. Noir has the menace and progressive edge of doom metal; the album is lively, looks forward darkly, moves from whispers to screams and ends with massive, powerful energy.

Ein Konzert ist ein Ereignis, bei dem Songs zu neuem Leben erwachen. Deshalb trägt dieses Album den Titel "Live!", erklärt Jarvis Cocker zu diesem besonderen Werk im Pulp-Kanon. "Es ist sowohl eine Tatsachenfeststellung (es handelt sich um die Aufnahme einer Liveband) als auch eine Herausforderung (kommt schon! Alle sollen lebendig werden!)." Gleichzeitig ist es auch sowas wie der erste Filmsoundtrack von Pulp: Der von Garth Jennings inszenierte Film "What Do You Do For an Encore?" erscheint weltweit am 25. September. Die Zusammenarbeit zwischen Pulp und Garth Jennings reicht bis ins Jahr 1997 zurück, als er das Musikvideo zu "Help the Aged" drehte. Als Pulp 2023 ihre Rückkehr auf die Bühne ankündigten, nahm Garth Kontakt auf und bot an, das Bühnenkonzept mitzugestalten. Im Juni 2025 filmte er schließlich die beiden Auftritte der Band in der Londoner O2 Arena, die das Herzstück des Films bilden. Diese Konzerte liefern auch das Material für das Livealbum. Es waren die 566. und 567. Shows der Bandgeschichte und zeigen eine Gruppe auf dem Höhepunkt ihres Könnens. Aufgenommen in der Woche, in der "More" - Pulps erstes Album seit 24 Jahren - Platz 1 der offiziellen UK-Charts erreichte, fängt das Album genau den Moment ein, in dem die Band als kreative Kraft zurückkehrt: alte und neue Klassiker erstmals vereint.

Es gibt eine unbestreitbare Verbindung zwischen dem Süden und Ereignissen außerirdischen Ursprungs. Vom eklektischen Jazz-Guru Sun Ra bis zum deutschen Raketenwissenschaftler Wernher von Braun - Alabama hatte schon immer mehr als nur einen reißenden Anteil an Verbindungen zum Weltraum und zu Dingen außerirdischen Ursprungs. So war es auch bei ,Man or Astro-Man?", die vor einigen Jahren in einer kleinen Universitätsstadt in Alabama ankamen bzw. dort eine Bruchlandung hinlegten. Als sie ihre Plattensammlungen wiederentdeckten, die lange Zeit auf vergessenen Dachböden verstaut oder hinter Regalen mit alten Zeitschriftenausgaben in zahlreichen heruntergekommenen Secondhand-Läden in Alabama versteckt waren, verliebten sich die Mitglieder von ,Man or Astro-Man?" in die verkratzten Klänge von Link Wray, The Ventures, Dick Dale, The Shadows und Duane Eddy - also in Instrumental-Gitarren- und Surf-Musik der späten Fünfziger und frühen Sechziger. Gleichzeitig hatten bizarre Bühnenbilder und Auftritte von Kraftwerk, Sun Ra, Devo, Frank Zappa, The Sputniks und natürlich den Residents großen Einfluss auf die sich rasch entwickelnde Truppe. Dennoch war es das erzwungene Leben in einer hoffnungslos konservativen Kleinstadtumgebung, das Man or Astro-Man? dazu brachte, das Offensichtliche hinter sich zu lassen und sich viel stärker von dem beeinflussen zu lassen, was sie hassten, als von dem, was ihnen eigentlich gefiel. Im Grunde könnte man sagen, dass Man or Astro-Man? weitaus stärker von College-Football und muskelbepackten Verbindungs-Spinnern beeinflusst waren als von Science-Fiction. Die Band trieb es, besonders bei Live-Auftritten, auf die Spitze, so lächerlich wie möglich zu sein, und verspottete dabei ernsthafte ,alternative" Acts und mit ihnen die Musikindustrie selbst. ,Experiment Zero" (1996) war ihr Debütalbum bei Touch and Go. Es wurde in drei Tagen im eigenen Studio von Man or Astro-Man?, dem ,Zero Return" in Alabama, zusammen mit Steve Albini aufgenommen und gilt als eines der großartigen modernen, vom Surf-Stil beeinflussten Gitarren-Instrumentalalben. Da Man or Astro-Man? ,Experiment Zero" als ihr Meisterwerk der langen Entwicklung der Surf-Musik etablieren wollten, begannen sie, sich schneller als je zuvor weiterzuentwickeln. Sie veränderten ihren Sound weiter und erweiterten den Einsatz von Samples, Computerprogrammierung, Keyboards, elektronischen Spielereien sowie experimentellem analogem Schneiden und Einfügen von Tonband. Obwohl das Album von der Kritik weithin gelobt wurde, mussten sich langjährige Fans erst einmal daran gewöhnen. Wo die meisten Bands müde geworden wären oder einfach immer wieder dasselbe Album im Kreis gedreht hätten, erfanden sich Man or Astro-man? und ihre Live-Auftritte immer wieder neu.

Schwarzes 180g Vinyl im Gatefold Sleeve! Die Innenhülle kommt im schwarzen Doppel-Druck mit UV-Spotlack. LP mit 16-seitigem 12" Booklet und Downloadcode. "Do To The Beast" ist das erste neue Album von THE AFGHAN WHIGS seit eineinhalb Jahrzehnten. Gegründet 1988 in Cincinnati, Ohio, war die Band mit ihrer wilden, stürmischen Mischung aus Alternative Rock, klassischem Soul und den Obsessionen ihres Frontmanns Greg Dulli ihren Zeitgenossen immer mindestens eine Nasenlänge voraus. Das neue Album ist somit sowohl eine Heimkehr - zum Label Sub Pop, das die Band 1989 als ersten Act unter Vertrag nahm, der nicht aus Seattle bzw. dem Nordwesten kam und die beiden Alben "Up In It" (1990) und "Congregation" (1992) veröffentlichte - als auch ein Blick in die Zukunft einer der anerkanntesten Rock Bands der letzten 25 Jahre. "Do To The Beast" ist damit ein angebracht wilder Titel für die vielleicht intensivste, kathartischste Platte in der Karriere von Greg Dulli und sorgt für frischen Wind im AFGHAN WHIGS-Kanon: Da gibt es die brutale Selbstprüfung von "Gentlemen" (1993), die Film Noir Erzählung von "Black Love" (1996), den Überschwang von ,1965" (1998). "Do To The Beast" versprüht ein galvanisiertes musikalisches Spirit und rhythmisches Gewicht, das inmitten des Aderlasses Transzendenz und Hoffnung suggeriert. Aufgenommen zwischen L.A., New Orleans, Cincinnati und Joshua Tree - eine Landkarte der aktuellen und vergangenen Heimatstätten der Band - wartet das Album mit den AFGHAN WHIGS Gründern Greg Dulli und John Curley auf, zusammen mit der Kernband aus den Gitarristen Dave Rosser und Jon Skibic, dem Multiinstrumentalisten Rick Nelson und Schlagzeuger Cully Symington. Außerdem mit dabei: der Soul-Bilderstürmer Van Hunt, Marc McGuire (EMERALDS), Johnny "Natural" Nagera (der Musical Director von USHER), Alain Johannes (QUEENS OF THE STONE AGE, ARCTIC MONKEYS), Clay Tarver (BULLET LAVOLTA, CHAVEZ), Dave Catching (QUEENS OF THE STONE AGE, EAGLES OF DEATH METAL).

Mechatronica presents “Residual Future” by Koloah. Across six tracks, Koloah delivers a striking fusion of futuristic electro, bass-heavy rhythms, and expressive vocal experimentation. Combining powerful machine grooves, processed voices, and detailed synth programming, the EP explores the connection between human emotion and technology. From the driving energy of “Graduate” and the vocoder-driven character of “Vocodex” to the deeper moods of “System” and the sharp rhythm of “Edge”, the release moves through a wide spectrum of electronic forms — balancing dancefloor impact with atmosphere, melody, and a strong sense of storytelling. The journey expands further with “Elevator”, a slower, immersive descent built around hypnotic movement, spacious textures, and a more introspective emotional pull. On the other side, “Jump” pushes the pressure higher — a peak-time electro weapon driven by explosive rhythms, heavy low-end force, and Koloah’s unmistakable futuristic energy. Throughout “Residual Future”, vocals become a central element: fragmented, transformed, and woven into the machinery of the tracks. Human traces merge with precise rhythms and futuristic textures, creating a sound world that is both soulful and synthetic. A distinctive statement from Koloah, delivering forward-thinking electro with depth, emotion, and a unique voice-driven identity.

Anjunadeep Explorations delivers a third vinyl sampler, marking the label’s 100th release and two years since its launch. Anjunadeep, the imprint’s parent label, has become “one of dance music’s ultimate tastemaker labels” (Billboard), best known for breaking global artists like Ben Böhmer, Lane 8, Tinlicker and Dusky. The ‘Explorations’ imprint is an evolution of the much-loved Various Artist EP series of the same name, which spanned 25 editions between 2016-2023 on Anjunadeep. Responsible for bringing through now-mainstay acts to the label such as Ben Böhmer, CRi, Luttrell, Rezident and Simon Doty, the series also featured underground talents like Theo Kottis, Sam Goku and Gacha Bakradze. Between the label’s launch in July 2024 and the release of this sampler, the label has introduced just under 50 acts to the Anjunadeep label group, comprising just shy of half of the label’s output so far, and with a release schedule booked until 2027 shows no signs of slowing down.

The latest vinyl sampler features six exciting tracks showcasing fresh talent like British duo josh & sam who are twins and Argentina’s Rossie, alongside established names including the widely-respected lo-fi producer dj poolboi. In keeping with the imprint’s ethos, the product also sees three further label debuts from AFFKT, foglight and Giom respectively hailing from Spain, Lebanon and France

Der Breakthrough-Artist sombr hat sein Debütalbum "I Barely Know Her" veröffentlicht. Das 10-Track-Album ist jetzt über Warner Records erhältlich und enthält die Hits „back to friends”, „undressed” und „12 to 12” (inklusive Musikvideo mit Addison Rae), die weiterhin international die Charts stürmen – darunter die globalen Spotify-Charts, die UK Official Singles Charts sowie die US-amerikanischen „Top 40 Radio“ und „Alternative Radio“-Charts. In diesen erreichte sombr schneller als jeder andere neue Künstler der letzten zehn Jahre Platz 1. Auch in den Billboard Hot Rock Songs setzte er ein Ausrufezeichen und verdrängte Hozier nach einem Jahr von der Spitze. In Deutschland befinden sich mit „back to friends”, "12 to 12" und „undressed” mittlerweile 3 Singles in den Top 30 der deutschen Single-Charts und das Debutalbum schoss auf Platz #16 der offiziellen deutschen Albumcharts!
"I Barely Know Her" wurde komplett von sombr geschrieben und vom 20-jährigen Künstler zusammen mit dem renommierten Produzenten Tony Berg (Phoebe Bridgers, The Replacements) co-produziert. Gegenüber i-D gibt er zu Protokoll, die Songs seien inspiriert von „young romance, dimly lit rooms, late nights, and love, loss, and life.” Die Veröffentlichung folgt auf die Nachricht, dass sombr sein Debüt bei den MTV Video Music Awards geben wird – live aus New York am 7. September –, wo er als Best New Artist und Best Alternative Artist nominiert ist.

sombr (bürgerlich Shane Boose) wuchs im New Yorker Stadtteil Lower East Side auf und entdeckte seine Liebe zur Musik als Teenager im eigenen Schlafzimmer. Parallel dazu studierte er klassische Musik an der renommierten LaGuardia High School. Mit dem viralen Hit „Caroline“ (2022) wurde er über Nacht zum Internetphänomen. Seitdem hat er mehrere EPs und Singles veröffentlicht und bringt es inzwischen auf über 400 Millionen monatliche Streams über alle Plattformen hinweg. Heute lebt sombr in Los Angeles und verarbeitet in seinen Songs die Höhen und Tiefen junger Liebe – alles selbst geschrieben, co-produziert und veröffentlicht über Warner Records.

Lange vergriffen, jetzt in einer neuen Auflage mit Obi erhältlich, Transparentes Doppelvinyl in Orange und Blaugrün. ,A Certain Distance" (2009) gilt als das vielleicht beliebteste Album von Lusine, auf dem unter anderem die bahnbrechende Single ,Two Dots" zu finden ist. Seit seinen frühen Veröffentlichungen als Lusine bilden Jeff McIlwains elektronische Experimente eine der vielfältigsten Diskografien der letzten anderthalb Jahrzehnte. Mühelos verwischt er die Grenzen zwischen Techno, Electro-Pop und experimenteller Komposition - die Arrangements des in Seattle ansässigen Produzenten sind akribisch konstruiert, aber auch voller Emotionen und Seele. ,Aber noch nie war das Seltsame so unterhaltsam wie auf A Certain Distance. Die Mischung aus Ambient, experimenteller Electronica, üppigen Melodien und durchdachten Beats sorgt für fesselnden Hörgenuss _ das Album hat zudem eine filmische Qualität. Bilder strömen in deinen Kopf, während du zuhörst - ein Soundtrack zu tausend imaginären Szenen." - Clash Magazine

Critical Thot ist das kraftvolle neue Kollaborationsalbum der in der Bay Area ansässigen Rapperin und Produzentin Sha Ray sowie der Produzentin und Elektronikmusikerin DJ Haram - zwei kompromisslose Künstlerinnen, die Rap und experimentellen Sound neu definieren. Es ist eine spannende Kombination: Haram ist die eine Hälfte des Duos 700 Bliss zusammen mit der Rapperin und Poetin Moor Mother und hat zudem mehrere Soloalben veröffentlicht - darunter Beside Myself (Hyperdub, 2025), das von der Kritik gefeiert wurde - sowie hochkarätige Kollaborationen mit BbyMutha, Fever Ray, Ghais Guevara und Armand Hammer.Währenddessen handelt es sich bei Critical Thot zwar um Sha Rays offizielles Debütalbum, doch ihr Ruf als aufstrebendes Talent der nächsten Generation eilte ihr bereits voraus. DJ Haram wurde 2022 auf sie aufmerksam, als sie Sha Ray bei einem Auftritt in Brooklyn sah: ,Wir haben uns vor Ort unterhalten, und danach habe ich ihr auf Social Media gefolgt. Sie hat eine unglaubliche Performance abgeliefert, also war ich sofort dabei, als sie mir später eine Nachricht geschrieben und nach Beats gefragt hat", erklärt Haram.Ein Armand Hammer/DJ Haram-Konzert in Los Angeles wurde schließlich zum entscheidenden Moment, an dem sich diese Verbindungen konkretisierten. Sha Ray reiste aus der Bay Area an, um sich mit Haram zu treffen. Auch wenn an diesem Tag noch keine Aufnahmen entstanden, bildete er den Ausgangspunkt für die spätere Zusammenarbeit über große Distanz hinweg, die in Critical Thot mündete. Das gesamte Album entstand remote: Haram produzierte Beats in Brooklyn und schickte sie an Sha Ray, die ihrerseits Demos und Anmerkungen zurücksandte. Während der Arbeit an diesem Projekt lernten sie sich sowohl künstlerisch als auch persönlich besser kennen.,Haram und ich haben viele ähnliche Erfahrungen als Frauen in der Musikindustrie gemacht, was unsere Verbindung enorm gestärkt hat. Außerdem hat mich ihr markanter Produktionsstil stark beim Schreiben dieses Albums inspiriert", sagt Sha Ray.Diese Texte sind messerscharf und erfrischend direkt. Sha Ray beweist schnell, dass sie in ihrer eigenen Liga spielt und selbst die komplexesten Produktionen von DJ Haram mühelos meistert, ohne an Energie zu verlieren. Haram schöpft aus dem Vollen und bewegt sich mit ihren Beats zwischen experimentell-abrasiven Sounds, geschmeidiger Leichtigkeit und dunkel bedrohlicher Atmosphäre. Perkussive Einschläge und Schüsse werden mit feinen Details und weichen Klangflächen kombiniert. Ein traplastiger Banger löst sich plötzlich in einem Strom aus Streichern auf, während eine minimale industrielle Klanglandschaft sich langsam zu einer wuchtigen, kakophonischen Rap-Attacke steigert. Sha Ray navigiert sich souverän und trotzig durch jede Drumstruktur und jeden Synthesizer.,Als Rapperin interessiere ich mich fast ausschließlich dafür, Misogynie und Sexualität in meiner Arbeit zu hinterfragen. Critical Thot ist eine Auseinandersetzung mit unapologetischer weiblicher Autorität und gleichzeitig eine ehrliche Reflexion darüber, wie komplex es ist, an Selbstobjektifizierung teilzuhaben und Sexualität als soziale Währung zu begreifen", erläutert Sha Ray. ,Auf diesem Album geht es stark darum, Macht in weiblicher Sexualität als etwas Relationales und ständig Wandelndes zu definieren - und damit als grundsätzlich unvollkommen. Aber es ist eine Macht, die ich habe, und ich werde sie nutzen."Critical Thot enthält Beiträge von Nappy Nina, JWords und Archangel.