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Commissioned for Fela Day in Amsterdam Paradiso Noord, Raul Monsalve y Los Forajidos celebrates the legacy of the father of Afrobeat, Fela Anikolapu Kuti, with this new 10’’ vinyl on Super Sonic Jazz Records, where Nigerians rhythms travel the Atlantic ocean to meet Venezuelan Calipso , sangueos, and more.

First in Venezuela, Monsalve played with a number of bands before forming the first incarnation of his Forajidos band. A move to Paris, via London, led to opportunities to share stages with a vast array of musical giants, not least of all the legendary Nigerian saxophonist Orlando Julius, as well as the Heliocentrics, Venezuelan master percussionist Orlando Poleo and members of Fela Kuti’s legendary bands, Afrika 70 and Egypt 80.

“Calipso Time” is none other than a cover of Fela’s Koola Lobitos’ “Highlife Time. Taking the original track to the region of El Callao in Venezuela, where the population from Trinidad & Tobago and other islands in the Caribbean settled themselves at the end of the 19th century when they started to work in mineral exploitation. As a result, this region of Venezuela has a particular language, mixing English and Spanish elements, and of course the celebration of the Carnival and the birth of Venezuelan calipso .
Side B brings the Afrobeat madness of “Deo e’ Mono”, the very first track Monsalve did for the project back in the day. As Raul says “I just took the opportunity to celebrate Fela’s anniversary by recording this track as I dreamed it should sound when I was starting the project, learning Afrobeat only through records” . For this Monsalve called Chief Uduh Essiet, the original percussionist of the Egypt 80 and with the Forajidos’ Mario Orsinet on drums the rhythm section was without doubt cooking immediately. As on their last record, “Bichos” on Olindo Records, these two tracks are full of psychedelia, rough electronics, powerful vocals and tons of traditional Venezuelan percussion.

We like the idea that if someone were new to us and they played this record it would convey everything that we are about.

To convey the almost 20-year career of the band is to take a deep dive into all forms of electronic music - from pop to house to disco to acid - along with nods to 1970s Germany, psychedelia, funk and art pop. And that's exactly what this record does, while also capturing the duality of a band who can craft meticulously constructed studio music as seamlessly as they can lock into unpredictable yet infectious grooves on stage.

"While focusing on the current conditions we find ourselves in and bracing for what seems like the collapse of humanity, I made this collection of music in an attempt to ignite the essential remnants of my inner euphoria, and perhaps yours too" - Feldermelder

Euphoric Attempts is a finespun, voluminous manifestation of euphoria, a testimony to creativity, produced at a time when the outside world seems to be slowly disintegrating. The musical language is pure, vast, resilient, and vulnerable. The compositions of Feldermelder have a tonality both strange and familiar, intensified and influenced by classical music, yet distinguished by the coalescence of contrasting styles.

Euphoric Attempts relates to the state of our external surroundings but also refers to our inner life: it passes through our memories — through our organism — through our stories, and intends to elude the cold grip of analytical listening, instead retrieving intrinsic truths. The track titles signify a form of homage to our inner individuality, existing in parallel with the severities of the tangible, the external.

For this album, Feldermelder draws together compositions from his extensive archives, focussing on material that reflects the simple joy of making music. As a counterpoint to the abstract complexities and intricate rhythms of his live performances, here Feldermelder creates candid compositions of purity and minimalism, finding a sense of elegance in the details. Euphoric Attempts discovers the prospect of liberation and vitality in concealed intimacies, capturing their resemblance in gentle, elaborate, and prodigious movements of sound.

Feldermelder is a Swiss musician, sound designer, producer, and installation artist. He is co-founder of -OUS and part of the audio-visual collective Encor.studio. He has previously released several releases on -OUS, both as a solo artist, and in collaboration with Sara Oswald and Julian Sartorius. Feldermelder's influences range from pioneering early electronic music to contemporary analogue electronics to classic jazz and beyond. The diversity of the music that inspires him is mirrored in his own work, which illustrates an ever-evolving sound, and indicates that influence is seen as both map and compass, guiding divergent inclinations.

Achtung, ein Sturm bricht los! THE SKINFLICKS legen neues Album vor!

Lange Jahre war es betont ruhig um die Band geworden, denn zuletzt hatten die SKINFLICKS im Herbst 2002 ein zweites und bis dato vorläufig letztes Studioalbum veröffentlicht.
Pünktlich zum 25-jährigen Bandjubiläum meldet sich die Luxemburger Formation in nahezu vollständiger Originalbesetzung mit ihrem neuen, fulminanten Album zurück: "Old Dogs New Tricks" ist ein klassisches Oi!-Meisterwerk geworden, das alle Erwartungen locker übertrifft. Groß ist das Heer an Nörglern und Zweiflern, wenn es um eine "Reunion" geht, doch das umschiffen die vier Jungs ganz einfach, indem sie absolutes Vollgas geben und den eh schon harten SKINFLICKS-Sound um einiges an Rotz und Galle erweitern. Die schmissigen, "old school" Street-Punk Hymnen strotzen nur vor bittersüßer Ironie und trotzigem Sarkasmus. Das ganze eloquent vermischt mit der so schwungvoll erfrischenden und gänzlich unzeitgemäßen Prise Gewalt.
Die SKINFLICKS machen keine Gefangenen und scheuen sich nicht davor, anzuecken. Nach jahrelanger Abstinenz sind die Großmeister erschreckend frisch und nicht im Geringsten eingerostet. Und so erwarten euch zehn neue Klassiker auf diesem Longplayer, wobei es jedem Hörer schwerfallen dürfte, hier einen Favoriten zu benennen: Jeder der zehn Songs ist ein absoluter brick-wall Ohrwurm!
Willkommen zu eurem neuen Lieblings-Punkalbum!

"Rad Wings of Destiny" ist das erste neue Album der kalifornischen Band Ugly Kid Joe seit dem 2015 erschienenen "Uglier Than They Used Ta Be". Für dieses Album haben sich Ugly Kid Joe mit dem Produzenten Mark Dodson zusammengetan, der bereits für das 1992 erschienene Multiplatin-Debütalbum "America's Least Wanted" verantwortlich zeichnete.

"Rad Wings of Destiny" ist das lang erwartete, brandneue Album der kalifornischen Band Ugly Kid Joe. Es wird ihr erstes neues Album seit dem 2015 erschienenen "Uglier Than They Used Ta Be" sein.
Für "Rad Wings of Destiny" arbeitet die Band mit dem Produzenten Mark Dodson zusammen, der bereits für Ugly Kid Joes Multiplatin-Debütalbum "Americas Least Wanted" aus dem Jahr 1992 verantwortlich zeichnete. Ein Album, das dieses Jahr sein 30-jähriges Bestehen feiert.
Das 10 Titel umfassende Album enthält die Singles "That Ain't Livin'", "Kill The Pain" und "Long Road".
Auf dem Album sind Whitfield Crane am Gesang, Klaus Eichstadt und Dave Fortman an der Gitarre, Cordell Crockett am Bass und Zac Morris und Shannon Larkin am Schlagzeug zu hören.
Ugly Kid Joe kehren im November für eine Albumtournee nach Großbritannien und Europa zurück.

RUBY THE HATCHET liefern mit "Fear Is a Cruel Master" genau das siedend heiße, eingängige und doch voller roher Energie steckende Killer-Album ab, das sein gefeierter Vorgänger "Planetary Space Child" (2017) versprochen hatte. Fünf lange Jahre hat sich die amerikanische Psych Rock Truppe aus New Jersey nach der Veröffentlichung ihrer letzten Scheibe Zeit gelassen, aber das sehnsüchtige Warten hat endlich ein Ende. RUBY THE HATCHET haben in ihrem kollektiven Songwriting einen neuen Gipfel erklommen. Dies hat sich die Ausnahmetruppe durch zahlreiche Opfer sowie einen eisernen Willen, sich erneut zu steigern, hart erkämpft. Der Albumtitel "Fear Is a Cruel Master" spiegelt die Stimmung der Zeit, in der die neuen Songs geschrieben wurden, perfekt wider. Sängerin Jill Taylor, Gitarrist Johnny Scarps, Schlagzeuger Owen Stewart, Bassist Lake Muir und Organist Sean Hur hatten sich längst daran gewöhnt, als Gruppe zusammenzuarbeiten. Doch während der Arbeit am neuen Album konnten sie nur wenig Zeit miteinander verbringen. "Ich habe während der Pandemie viel gelesen und bin dabei auf den Satz 'Angst ist ein grausamer Meister' "Fear Is a Cruel Master" gestoßen", erklärt Taylor. "In dieser Zeit wurde die Angst sichtbar und wie sie die Menschen zurückhielt. Der Titel hat einen Bezug zur Musikbranche, denn alle waren verunsichert - von den Bands über die Booking-Agenten bis hin zu den Clubs. Angst lag in der Luft". "Fear Is a Cruel Master" wurde zusammen mit Paul Ritchie (THE PARLOR MOB) im New Future in New Jersey aufgenommen und war nicht so akribisch durchgeplant wie RUBYs vorherige Alben. Die Band ließ bewusst mehr Spielraum für Spontaneität und magische Momente. Das Hauptthema von "Fear Is a Cruel Master" ist letztlich die Selbstreflexion. Obwohl die neuen Songs im Schmelztiegel einer weltumspannenden Pestilenz geschmiedet wurden, besitzen sie doch eine Zeitlosigkeit, die weit über den Moment ihrer Entstehung hinausreicht. Alles, was RUBY THE HATCHET zu einem so herausragenden und selbst bei ihren Kollegen äußersten beliebten Act macht, findet sich auf diesem Album - von Jills üppigem Gesang voll rauchigem Honig, über die psychedelischen, aber dennoch knackigen Gitarren, bis hin zum Spirit der Rock'n'Roll-Orgelhelden. "Fear Is a Cruel Master" ist definitiv ein Album, das von einer Band geschrieben wurde, die nach einem Jahrzehnt ohne Bedauern auf all die Momente zurückblickt, die sie gelebt oder nicht durchlebt hat. "Fear Is a Cruel Master" ist sowohl Ergebnis als auch Zeugnis dieser Reise. Es ist Zeit, sich auf den Weg zu machen, um RUBY THE HATCHET in ihrem ebenso beeindruckenden wie mächtigen klanglichen Kielwasser zu folgen.

What Are People For? make the perfect kind of dystopic dance music for our times. Born from a collaboration between artist Anna McCarthy and musician/producer Manuela Rzytki, the band could be the illicit lovechild of Tom Tom Club and Throbbing Gristle, displaying the ideal balance of hip shaking vibes and dark provocative content.

On their collaborative debut, McCarthy and Rzytki share songwriting duties. The album was produced by Rzytki herself. They are joined by Paulina Nolte on backing vocals and Tom Wu on drums, while Keith Tenniswood mastered the record.

The whole project stems from a publication and exhibition by McCarthy laying the foundations for the content and lyrics of the album, which is humorous, poetic and political. As a lyricist, McCarthy uses her storytelling ability to explore anxieties and desires, digging into free surreal word associations reminiscent of Su Tissues’ tongue in cheek experiments with Suburban Lawns, but also explosive and gripping like a Kae Tempest rap.
Rzytki’s precise sonic palette and talent at penning structured bangers perfectly complement McCarthy’s playful and subversive language manipulations. Rzytki's beats are rooted in old school Hiphop loop principles and an authentic love for the analog. Her use of an array of synthesizers and other "real" instruments adds to WAPF's depth, soul and sincerity.

The album opens with a joyful anthem, full of energy and melodic hooks. The audience is confronted with the quintessential titular question What Are People For? and told that they are just a mere disposable commodity. Throughout the album, lyrical themes revolve around underground aspects of society, violence, political ideologies, sexuality and mysticism. The content is deep but the album is as danceable as it is biting.

73, with its drum machine hysteria and hypnotic synth basses is a a text collage written on the 73 bus through London, consisting of situations and conversation snippets encountered along the way. Drones indulges in the narrator’s paranoia as they feel they are being watched by cigarette machines, whilst the haunting choir is half spoken, half sung, ending on the orgasmic chanting of the word “mummy”. Nursery Rhyme brings more soothing incantations. There is definitely an affinity for fairytales, albeit adult ones and especially the anarchistic ones such as The Moomins, who were a consistent influence on the band. The artwork for the record, created by McCarthy, is a beautiful children's book-style painting of the group in a forest, seemingly about to engage in a magical encounter to which we are invited.

WAPF? have absorbed and digested a variety of influences. Trip hop, Punk and Techno are rubbing shoulders on Party Time. 1977 was coined “Summer of Hate” in the UK and unsurprisingly in WAPF?’s Summer of War, ethereal singing alternates with a powerful marching Garage/Grime chorus reminiscent of street protests and UK culture.

Mz. Lazy starts like an invitation to meditation and references Gertrude Stein’s book Ida in which she develops the idea that publicity is a new religion and people are now famous for being famous. Repressed anger explodes into violence and freedom at the end of the song as our heroine eventually grabs an axe to destroy her oppressors.
Fantasize, on its part, is raw, sexual and liberating while the closing track Bring Back the Dirt is a welcome hymn into a world that is becoming more and more sanitised.

While exploring deep subject matters throughout their album, WAPF? manage to remain satirical, exciting and funny. Each and everyone of their songs have a cathartic quality.

The visual identity of the band is intrinsic to their appeal. Live, they are eccentric, wild and unapologetic, wearing see-through costumes, bright miniskirts and intricate headpieces while delivering their songs with sharp intensity. Their performances radiate queer sexiness and transcend B52's thrift store aesthetics, creating a space for collective dreaming.

WAPF? is a rare combination of contemporary punk energy, irresistible groove, absurdist dry humour and astounding depth of field. They have the mighty power to create a party with their music and soon you will find yourself lifting your arms as if controlled by an external force, to chant: WAPF? WAPF? WAPF?

– Marie Merlet (Malphino, Little Trouble Girls, London)

Die lang erwartete erste Wiederveröffentlichung eines Klassikers, dessen (einzige) Originalpressung innerhalb weniger Wochen nach der Veröffentlichung am 15. Oktober 2001 ausverkauft und seitdem nicht mehr erhältlich war.

Vielleicht das dynamischste und abenteuerlichste Album, das die Montrealer Szene der frühen Nullerjahre um Godspeed you black emperor! hervorgebracht hat.

Aufgenommen über einen Zeitraum von fünf Tagen, handelt es sich bei dem beeindruckenden Debütalbum des 13-köpfigen Kollektivs aus Montreal, dem auch Mitglieder von Godspeed you black emperor!, A Silver Mt Zion und Fly Pan Am angehören, laut TimeOut um 'eines der grüblerischsten, dramatischsten, emotionalsten und eindringlichsten Alben, die jemals an deiner Seele gekratzt haben.' Auch Pitchfork zeigte sich beeindruckt und attestierte: 'ein wunderbar einfallsreiches und kraftvolles Album.'

Remastered bei Dubplates & Mastering.

Doppel-LP, Coloured Vinyl in Tabaluga Grün. Gatefold."Wir schauen auf dieselbe Sonne und auf denselben Mond. Wir teilen uns dieselbe Erde, sind alle im selben Boot".So lauten die beiden ersten beiden Zeilen des Refrains von "Königreich der Liebe", der ersten Single aus dem neuen Drachenabenteueralbum "Tabaluga - Die Welt ist wunderbar". Zu mitreißend-anschwellendem, vielleicht ein bisschen an Elton Johns Hymne "Circle Of Life" erinnerndem Piano-Pop zeichnen Peter Maffay und seine Duett-Partnerin Stefanie Heinzmann (die hier ausnahmsweise auf Deutsch singt) in der kraftvollen Ballade das Bild von einer besseren Welt. "Es geht nicht um Farbe deiner Haut oder um das, woran du glaubst", heißt es in dem Lied weiter, und dann: "Komm, wir bauen ein Königreich mit Liebe auf dem Thron." Mit einer stärkeren Botschaft - und einem stärkeren Song - könnten die Feierlichkeiten zum vierzigsten Geburtstag des kleinen grünen Drachen kaum eingeläutet werden. 1983 erfand Peter Maffay die kindgerecht-kluge, wenngleich etwas stoffelige Figur zusammen mit Gregor Rottschalk, Rolf Zukowski und Helme Heine. Seither hat die liebenswerte Märchengestalt auf sechs Alben, mit zahlreichen Tourneen, einem Musical, einer Zeichentrickserie und einem Kinofilm immer wieder neue Generationen von Kindern und Eltern in Entzückung versetzt, aber auch zum Nachdenken gebracht.Denn Tabaluga steht für Unterhaltung mit einer klaren, positiven Botschaft. Auf dem neuen Album, so viel sei verraten, wird der ewige Drachenjunge zusammen mit seinen Freunden und der geballten Power der regenerativen Energien gegen die Klimakatastrophe antreten. Maßgeblich verstärkt wird Tabalugas Team erstmals von Lucy, einem schlauen, gemeinsam mit dem langjährigen Partner Volkswagen, entwickelten Glühwürmchen-Charakter. Tabaluga ist also definitiv so politisch relevant wie nie, und das, unterstreicht sein Mitschöpfer, sei auch dringend geboten. "Natürlich erzählen wir eine utopisch anmutende Geschichte", sagt Peter Maffay. "Aber zu dieser Utopie sehe ich keine Alternative. Wenn wir nicht mehr an die Zukunft glauben, dann geben wir uns selbst - und unsere Kinder - auf. Wir waren noch nie so gefordert, den Zusammenhalt zu stärken, wie jetzt".Für Peter Maffay (72) krönt das neue Tabaluga-Werk ein ereignisreiches Jahr. Am 18. August ist er erstmals im TV als neuer Juror bei "The Voice of Germany" zu sehen, und einen Tag zuvor startet - mit zwei Jahren Verspätung - endlich seine große Hallentournee.

Als Kodaline Anfang März 2022 die Bühne des gemütlichen, ausverkauften Olympia Theaters in Dublin betraten, spürten Sänger/Multiinstrumentalist Steve Garrigan, Bassist/Sänger Jason Boland, Gitarrist/Sänger Mark Prendergast und Schlagzeuger/Sänger Vinny May ein tiefes Gefühl der Erneuerung, ihrer Freundschaft, ihrer Brüderlichkeit und ihrer musikalischen Gemeinschaft.

Das geliebte irische Quartett spürte auch ein Gefühl der Befreiung. Zwei Jahre der pandemiebedingten Trennung voneinander und von dem Publikum, das sie sich seit 2011 akribisch aufgebaut hatten, hatten deutlich gemacht, wie wichtig diese symbiotische Beziehung wirklich ist.

Dieses Gefühl der Befreiung durchdringt auch ”Our Roots Run Deep”, das brandneue Live-Album von Kodaline mit 17 Tracks, das am 14. Oktober 2022 bei Fantasy Records erscheint. Produziert von Phillip Magee, einem irischen Weggefährten, bietet ”Our Roots Run Deep” einen Querschnitt der beliebtesten Stücke der Gruppe und drei aufschlussreiche Coverversionen in über 80 Minuten Musik.

”Dieses Album ist etwas, das wir schon sehr lange machen wollten, aber es ist auch etwas völlig Neues für uns”, erklärt die Band. ”Es ist eine akustische Show ohne Klicks, was im Grunde bedeutet, dass es sehr roh und ungefiltert ist. Wir wollten versuchen, die Energie und Atmosphäre des Abends so gut wie möglich einzufangen. Es war eine intime Show, die wir in einem unserer Lieblingsorte auf der Welt aufgenommen haben, in Dublin City, zu Hause in Irland.”

Mit einer Nonchalance, die fast unheimlich selbstverständlich daherkommt, bringt jeder Song auf A Modern Act die menschliche Natur auf den Punkt. Oder eher gesagt die Naturen, Plural, da jeder Song einer bestimmten "modernen" Person, Situation oder Beziehung gewidmet ist. Ultra-spezifisch und zugleich universell, das ist die Schönheit dieses Flickenteppichs aus unverhohlenen Beobachtungen.
Die ehrlichen und schnörkellosen Klavierballaden des ersten und letzten Songs legen sich wie eine zurückhaltende Klammer um die schrilleren Geschichten, die dazwischen erzählt werden. Das heitere und dunkle Long Blonde Hair weckt offensichtlich Erinnerungen an Stars mit wasserstoffblonden Haaren, die wir alle kennen und liebevoll verachten. Indoor Miners lässt uns genüsslich langsam in unseren eigenen Abstieg taumeln. Die verführerische Kombination aus Indie-Folk und Bombast, verpackt in sich wiederholenden Arrangements, lässt Hollywood Diamonds genau nach dem klingen, was es ist: Die scharfe Kritik eines Außenseiters an einer ausbeuterischen Industrie. Typisch für Collberg überlässt er es der eigenen Fantasie, die Leerstellen zu füllen, aber das Gerüst steht.
A Modern Act ist eine Sammlung autobiografischer Vignetten und Kurzgeschichten, die verspielt in persönlichen Befangenheiten schwelgen. In einem Anflug von kreativen Bewusstsein hat Collberg seine eigene kleine Gesellschaft erschaffen. Nicht immer schmeichelhaft widmet er sich dem, was glitzert, und dem, was düster ist. Anders als bei seinen früheren Werken standen diesmal alle Texte, bevor er die Musik komponierte. A Modern Act entstand im Januar 2021 und wurde in den folgenden Monaten zusammen mit Miccel Mohr (History of Sugar, Soho Rezanejad) in Kopenhagen, Dänemark aufgenommen und produziert, wobei Daily Tolliver (Molly Burch) an der Gitarre für den Titelsong "A Modern Act" mitwirkte.

CAVERNOUS GATE veröffentlichen mit "Voices from a Fathomless Realm" ihr Debütalbum. Musik und Texte des deutschen Death Doom Soloprojekts wurden von Multiinstrumentalist Sebastian "S.K." Körkemeier konzipiert, komponiert und verfasst. Sebastian hat sich in der Metal-Szene als Mitbegründer von HELRUNAR unter dem nom de guerre Alsvartr und als Live-Musiker bei Markus "Schwadorf" Stocks Black Metal Projekt SUN OF THE SLEEPLESS sowie EMPYRIUM längst einen exzellenten Ruf erworben. Sein Projekt CAVERNOUS GATE und das Album "Voices from a Fathomless Realm" sind hörbare Liebesbekundungen des vielseitigen Instrumentalisten an den Sound britischer Doom und Death Pioniere wie die ganz frühen PARADISE LOST und CATHEDRAL sowie den schwedischen Death Metal im Stile der frühen ENTOMBED und DISMEMBER. Aus der Herzensangelegenheit ist ein ebenso finsterer und melancholischer wie massiver Heavy-Monolith entstanden. Und während auf "Voices from a Fathomless Realm" Sebastians Granit gurgelnde und abgrundtiefe Growls eindeutig dominieren, bietet Jenny Kalbitz' wunderbare Frauenstimme an handverlesenen Stellen einen subtilen Kontrast. Textlich erkundet Sebastian mit "Voices from a Fathomless Realm" eine düstere Fantasiewelt des Zwielichts und ihre geisterhaften Bewohner. In seiner Lyrik "malt" der Autor gleichsam wie bei der Beschreibung von Gemälden metaphorische Traumbilder. In "Voices from a Fathomless Realm" steckt zwar auch die langjährige Erfahrung des gestandenen Metal-Musikers, doch es ist seine hörbare Liebe zu dem dunklen Heavy-Stil, die den Unterschied macht und dieses Album von der Masse ähnlicher Veröffentlichungen deutlich abhebt. CAVERNOUS GATE nehmen uns mit auf eine albtraumhafte Reise in die Abgründe des klassischen Doom Death, der jedoch auf eine zeitgemäße Weise neu interpretiert wird und nicht in schaler Nostalgie versackt. Es lohnt sich, beim "Betrachten" dieser musikalischen Bilder von unerwarteter Schönheit länger zu verweilen und die unerforschten Tiefen von Schmerz und seelenreißender Traurigkeit auf sich wirken zu lassen.

CAVERNOUS GATE veröffentlichen mit "Voices from a Fathomless Realm" ihr Debütalbum. Musik und Texte des deutschen Death Doom Soloprojekts wurden von Multiinstrumentalist Sebastian "S.K." Körkemeier konzipiert, komponiert und verfasst. Sebastian hat sich in der Metal-Szene als Mitbegründer von HELRUNAR unter dem nom de guerre Alsvartr und als Live-Musiker bei Markus "Schwadorf" Stocks Black Metal Projekt SUN OF THE SLEEPLESS sowie EMPYRIUM längst einen exzellenten Ruf erworben. Sein Projekt CAVERNOUS GATE und das Album "Voices from a Fathomless Realm" sind hörbare Liebesbekundungen des vielseitigen Instrumentalisten an den Sound britischer Doom und Death Pioniere wie die ganz frühen PARADISE LOST und CATHEDRAL sowie den schwedischen Death Metal im Stile der frühen ENTOMBED und DISMEMBER. Aus der Herzensangelegenheit ist ein ebenso finsterer und melancholischer wie massiver Heavy-Monolith entstanden. Und während auf "Voices from a Fathomless Realm" Sebastians Granit gurgelnde und abgrundtiefe Growls eindeutig dominieren, bietet Jenny Kalbitz' wunderbare Frauenstimme an handverlesenen Stellen einen subtilen Kontrast. Textlich erkundet Sebastian mit "Voices from a Fathomless Realm" eine düstere Fantasiewelt des Zwielichts und ihre geisterhaften Bewohner. In seiner Lyrik "malt" der Autor gleichsam wie bei der Beschreibung von Gemälden metaphorische Traumbilder. In "Voices from a Fathomless Realm" steckt zwar auch die langjährige Erfahrung des gestandenen Metal-Musikers, doch es ist seine hörbare Liebe zu dem dunklen Heavy-Stil, die den Unterschied macht und dieses Album von der Masse ähnlicher Veröffentlichungen deutlich abhebt. CAVERNOUS GATE nehmen uns mit auf eine albtraumhafte Reise in die Abgründe des klassischen Doom Death, der jedoch auf eine zeitgemäße Weise neu interpretiert wird und nicht in schaler Nostalgie versackt. Es lohnt sich, beim "Betrachten" dieser musikalischen Bilder von unerwarteter Schönheit länger zu verweilen und die unerforschten Tiefen von Schmerz und seelenreißender Traurigkeit auf sich wirken zu lassen.

Premium-Edition: Buch + Doppel Coloured Vinyl 180gr in Tabaluga Grün + 2CD."Wir schauen auf dieselbe Sonne und auf denselben Mond. Wir teilen uns dieselbe Erde, sind alle im selben Boot".So lauten die beiden ersten beiden Zeilen des Refrains von "Königreich der Liebe", der ersten Single aus dem neuen Drachenabenteueralbum "Tabaluga - Die Welt ist wunderbar". Zu mitreißend-anschwellendem, vielleicht ein bisschen an Elton Johns Hymne "Circle Of Life" erinnerndem Piano-Pop zeichnen Peter Maffay und seine Duett-Partnerin Stefanie Heinzmann (die hier ausnahmsweise auf Deutsch singt) in der kraftvollen Ballade das Bild von einer besseren Welt. "Es geht nicht um Farbe deiner Haut oder um das, woran du glaubst", heißt es in dem Lied weiter, und dann: "Komm, wir bauen ein Königreich mit Liebe auf dem Thron." Mit einer stärkeren Botschaft - und einem stärkeren Song - könnten die Feierlichkeiten zum vierzigsten Geburtstag des kleinen grünen Drachen kaum eingeläutet werden. 1983 erfand Peter Maffay die kindgerecht-kluge, wenngleich etwas stoffelige Figur zusammen mit Gregor Rottschalk, Rolf Zukowski und Helme Heine. Seither hat die liebenswerte Märchengestalt auf sechs Alben, mit zahlreichen Tourneen, einem Musical, einer Zeichentrickserie und einem Kinofilm immer wieder neue Generationen von Kindern und Eltern in Entzückung versetzt, aber auch zum Nachdenken gebracht.Denn Tabaluga steht für Unterhaltung mit einer klaren, positiven Botschaft. Auf dem neuen Album, so viel sei verraten, wird der ewige Drachenjunge zusammen mit seinen Freunden und der geballten Power der regenerativen Energien gegen die Klimakatastrophe antreten. Maßgeblich verstärkt wird Tabalugas Team erstmals von Lucy, einem schlauen, gemeinsam mit dem langjährigen Partner Volkswagen, entwickelten Glühwürmchen-Charakter. Tabaluga ist also definitiv so politisch relevant wie nie, und das, unterstreicht sein Mitschöpfer, sei auch dringend geboten. "Natürlich erzählen wir eine utopisch anmutende Geschichte", sagt Peter Maffay. "Aber zu dieser Utopie sehe ich keine Alternative. Wenn wir nicht mehr an die Zukunft glauben, dann geben wir uns selbst - und unsere Kinder - auf. Wir waren noch nie so gefordert, den Zusammenhalt zu stärken, wie jetzt".Für Peter Maffay (72) krönt das neue Tabaluga-Werk ein ereignisreiches Jahr. Am 18. August ist er erstmals im TV als neuer Juror bei "The Voice of Germany" zu sehen, und einen Tag zuvor startet - mit zwei Jahren Verspätung - endlich seine große Hallentournee.

Statement von DARK MILLENNIUM:
"6 Jahre nach der ursprünglichen Veröffentlichung unseres Comeback-Albums "Midnight In The Void" wollten wir unseren Katalog vervollständigen, indem wir dieses wichtige Album bei Massacre Records wiederveröffentlichten.

Zum ersten Mal wird es auch auf limitiertem Vinyl erhältlich sein - was von unseren Fans schon lang ersehnt wurde.
Endlich sind wir zu Hause."

Statement von DARK MILLENNIUM:
"6 Jahre nach der ursprünglichen Veröffentlichung unseres Comeback-Albums "Midnight In The Void" wollten wir unseren Katalog vervollständigen, indem wir dieses wichtige Album bei Massacre Records wiederveröffentlichten.

Zum ersten Mal wird es auch auf limitiertem Vinyl erhältlich sein - was von unseren Fans schon lang ersehnt wurde.
Endlich sind wir zu Hause."

Der Horror-Meister JOHN CARPENTER ist zurück und hat wieder seine Mitarbeiter DANIEL DAVIES und CODY CARPENTER für den fesselnden neuen Soundtrack zu der 2022er Verfilmung von Stephen Kings Romanklassiker "Firestarter" an Bord. Der Score ist der erste offizielle Soundtrack, den das Trio außerhalb der "Halloween"-Reihe gemeinsam komponiert hat, und ihre Inspiration und Entwicklung als kreatives Team ist deutlich zu hören. Der Film ist eine Neuauflage des Thrillers, in dem es um ein Mädchen mit außergewöhnlichen pyrokinetischen Kräften und ihren Kampf geht, ihre Familie und sich selbst vor finsteren Mächten zu schützen, die sie gefangen nehmen und kontrollieren wollen. Der Film kommt am 13. Mai 2022 in die Kinos. In den Hauptrollen spielen Zac Efron, Sydney Lemmon und Ryan Kiera, Regie führt Keith Thomas (The Vigil). Der "Firestarter"-Soundtrack bedient sich einiger der besten Elemente aus CARPENTERs berühmtem musikalischen Repertoire und betritt dabei aufregendes Neuland. Die Tracks reichen von pumpenden Sci-Fi-Hymnen bis hin zu langsamen, von Hall durchtränkten Piano-Balladen und nutzen jeweils eine Vielzahl von Klanganwendungen. Schleichende Beats, flirrende Synthesizer, krachende Gitarren und ein ständig lauerndes Echo kommen zusammen, um ein Album zu schaffen, das sowohl atmosphärisch als auch zutiefst melodisch, kohärent und vielseitig ist. Diese drei Musiker arbeiten alle auf dem Höhepunkt ihrer individuellen und kollaborativen Kreativität und dieser Soundtrack festigt sie als Meister ihres Fachs.

Der Horror-Meister JOHN CARPENTER ist zurück und hat wieder seine Mitarbeiter DANIEL DAVIES und CODY CARPENTER für den fesselnden neuen Soundtrack zu der 2022er Verfilmung von Stephen Kings Romanklassiker "Firestarter" an Bord. Der Score ist der erste offizielle Soundtrack, den das Trio außerhalb der "Halloween"-Reihe gemeinsam komponiert hat, und ihre Inspiration und Entwicklung als kreatives Team ist deutlich zu hören. Der Film ist eine Neuauflage des Thrillers, in dem es um ein Mädchen mit außergewöhnlichen pyrokinetischen Kräften und ihren Kampf geht, ihre Familie und sich selbst vor finsteren Mächten zu schützen, die sie gefangen nehmen und kontrollieren wollen. Der Film kommt am 13. Mai 2022 in die Kinos. In den Hauptrollen spielen Zac Efron, Sydney Lemmon und Ryan Kiera, Regie führt Keith Thomas (The Vigil). Der "Firestarter"-Soundtrack bedient sich einiger der besten Elemente aus CARPENTERs berühmtem musikalischen Repertoire und betritt dabei aufregendes Neuland. Die Tracks reichen von pumpenden Sci-Fi-Hymnen bis hin zu langsamen, von Hall durchtränkten Piano-Balladen und nutzen jeweils eine Vielzahl von Klanganwendungen. Schleichende Beats, flirrende Synthesizer, krachende Gitarren und ein ständig lauerndes Echo kommen zusammen, um ein Album zu schaffen, das sowohl atmosphärisch als auch zutiefst melodisch, kohärent und vielseitig ist. Diese drei Musiker arbeiten alle auf dem Höhepunkt ihrer individuellen und kollaborativen Kreativität und dieser Soundtrack festigt sie als Meister ihres Fachs.

Der Horror-Meister JOHN CARPENTER ist zurück und hat wieder seine Mitarbeiter DANIEL DAVIES und CODY CARPENTER für den fesselnden neuen Soundtrack zu der 2022er Verfilmung von Stephen Kings Romanklassiker "Firestarter" an Bord. Der Score ist der erste offizielle Soundtrack, den das Trio außerhalb der "Halloween"-Reihe gemeinsam komponiert hat, und ihre Inspiration und Entwicklung als kreatives Team ist deutlich zu hören. Der Film ist eine Neuauflage des Thrillers, in dem es um ein Mädchen mit außergewöhnlichen pyrokinetischen Kräften und ihren Kampf geht, ihre Familie und sich selbst vor finsteren Mächten zu schützen, die sie gefangen nehmen und kontrollieren wollen. Der Film kommt am 13. Mai 2022 in die Kinos. In den Hauptrollen spielen Zac Efron, Sydney Lemmon und Ryan Kiera, Regie führt Keith Thomas (The Vigil). Der "Firestarter"-Soundtrack bedient sich einiger der besten Elemente aus CARPENTERs berühmtem musikalischen Repertoire und betritt dabei aufregendes Neuland. Die Tracks reichen von pumpenden Sci-Fi-Hymnen bis hin zu langsamen, von Hall durchtränkten Piano-Balladen und nutzen jeweils eine Vielzahl von Klanganwendungen. Schleichende Beats, flirrende Synthesizer, krachende Gitarren und ein ständig lauerndes Echo kommen zusammen, um ein Album zu schaffen, das sowohl atmosphärisch als auch zutiefst melodisch, kohärent und vielseitig ist. Diese drei Musiker arbeiten alle auf dem Höhepunkt ihrer individuellen und kollaborativen Kreativität und dieser Soundtrack festigt sie als Meister ihres Fachs.

Der Horror-Meister JOHN CARPENTER ist zurück und hat wieder seine Mitarbeiter DANIEL DAVIES und CODY CARPENTER für den fesselnden neuen Soundtrack zu der 2022er Verfilmung von Stephen Kings Romanklassiker "Firestarter" an Bord. Der Score ist der erste offizielle Soundtrack, den das Trio außerhalb der "Halloween"-Reihe gemeinsam komponiert hat, und ihre Inspiration und Entwicklung als kreatives Team ist deutlich zu hören. Der Film ist eine Neuauflage des Thrillers, in dem es um ein Mädchen mit außergewöhnlichen pyrokinetischen Kräften und ihren Kampf geht, ihre Familie und sich selbst vor finsteren Mächten zu schützen, die sie gefangen nehmen und kontrollieren wollen. Der Film kommt am 13. Mai 2022 in die Kinos. In den Hauptrollen spielen Zac Efron, Sydney Lemmon und Ryan Kiera, Regie führt Keith Thomas (The Vigil). Der "Firestarter"-Soundtrack bedient sich einiger der besten Elemente aus CARPENTERs berühmtem musikalischen Repertoire und betritt dabei aufregendes Neuland. Die Tracks reichen von pumpenden Sci-Fi-Hymnen bis hin zu langsamen, von Hall durchtränkten Piano-Balladen und nutzen jeweils eine Vielzahl von Klanganwendungen. Schleichende Beats, flirrende Synthesizer, krachende Gitarren und ein ständig lauerndes Echo kommen zusammen, um ein Album zu schaffen, das sowohl atmosphärisch als auch zutiefst melodisch, kohärent und vielseitig ist. Diese drei Musiker arbeiten alle auf dem Höhepunkt ihrer individuellen und kollaborativen Kreativität und dieser Soundtrack festigt sie als Meister ihres Fachs.