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The Original Lineup Reunited
For the first time since their iconic run in the early 1960s, all five founding members—Eric Burdon, Alan Price, Hilton Valentine, Chas Chandler, and John Steel—came together for a raw, soulful reunion. This is the Animals with the benefit of age, experience, and no pressure to chase hits—just great playing.
A Gritty, Understated Gem
Recorded with minimal fanfare in 1977, Before We Were So Rudely Interrupted is a return to the blues and R&B roots that shaped the band's early success. It's stripped-down, honest, and deeply musical—a perfect record for fans of The Rolling Stones, Van Morrison, or Bob Dylan.
Dylan, Jimmy Reed, and the Blues Canon
The album features a standout cover of Bob Dylan's "It's All Over Now, Baby Blue", along with classics from Jimmy Reed, Joe Tex, and Gospel/Blues deep cuts, reinterpreted with grit and grace.
Cult Classic with Lasting Legacy

Two titanic forces in reggae history — Roots Radics and The Mighty Revolutionaires — unite for a powerful dubwise journey on Outernational Riddim. This long-anticipated collaboration blends heavyweight rhythms, militant drum patterns, and deep, atmospheric dubs that channel the essence of Jamaican roots music with a forward-thinking production style.
The Roots Radics, known for backing icons like Gregory Isaacs, Barrington Levy, and Israel Vibration, bring their unmistakable heavyweight style to this session. Meanwhile, The Revolutionaires, studio legends behind countless Channel One classics, lace the tracks with their tight arrangements and classic rockers grooves.
Produced and mixed in true dubwise tradition, Outernational Riddim delivers:
Authentic Studio Vibes – Mixed on analog boards with vintage effects and tape echo for that raw, immersive sound.

Peace and love in late 60s America did not come without parallel feelings of fear and confusion about the social situation – specifically about Vietnam. “Safe In My Garden” is the latest Ace compilation in an acclaimed series compiled by Bob Stanley – it’s a companion piece to the much-praised “State Of The Union (The American Dream In Crisis 1967 – 1973)” Ace CDCHD 1533/XXQLP2 057 2018).

The music on “Safe In My Garden” is harmony-laden, beautifully produced soft rock. Sunshine pop, even - a melodic, innovative style of American music that grew in the mid-60s out of the folk and surf scenes, exemplified by the Beach Boys and the Mamas and Papas. You will hear orchestral arrangements, and soft boy-girl vocals. But it wasn’t made in isolation from what was going on in the outside world. There are clouds and minor chords, plenty of melancholy in those harmonies.

“Safe In My Garden” includes songs of escape (Mark Eric’s ‘Move With The Dawn’, the Groop’s ‘A Famous Myth’), loss (the Eighth Day’s ‘How Can I Stop Loving You’, the New Colony Six’s ‘Prairie Grey’), dreamscapes (Tommy James and the Shondells’ ‘She’, Nancy Priddy’s ‘Christina’s World’), rebirth (Smokey and his Sister’s ‘Creators Of Rain’), a simpler world (the Free Design’s ‘My Brother Woody’) and a philosophically sounder future (Chad & Jeremy’s ‘The Ark’, Best of Friends’ ‘Summer Sound’).

It contains some surprisingly dark messages paired with beautiful melodies, as well as songs of hope. Thousands of young musicians in cities, suburbs and small towns across the States from the mid to late 60s spent their mornings hiding from the mailman, dreading the draft. This is the Sound of Young America in the late 60s, keeping its fingers crossed.

‘Icon’ is an overused word when it comes to describing singers and musicians, but when it comes to Nina Simone there are few artists that the word describes more accurately. The ‘High Priestess Of Soul’ is surely one of the most iconic singers of the 20th century, and one whose fame and acclaim stretches far beyond conventional black American music circles. 

Nina Simone has featured on Ace and Kent CDs before but this is the first time she’s had one all to herself. “Let It All Out” is the first and only Nina Simone collection to draw repertoire from every label she recorded for between the late 1950s to the late 1970s. 

Not a traditional ‘Best Of’ or ‘Greatest Hits’ package (although the performances included here ARE among her very best, and do include most of her Greatest Hits!) it is a singles collection that presents Nina Simone’s soul and R&B-slanted 45s in chronological order. Invariably they are the definitive versions of the songs, whether she recorded the original versions or not. 

As well as almost all of her American pop and R&B chart hits from 1960 onwards, “Let It All Out” also contains all of Simone’s UK chart hits from the same period – several of which were more successful here than they were back home, including both versions of her biggest British hit ‘Ain’t Got No; I Got Life’, a UK #2 that did not chart at all in the US as was the case with the belated UK Top 5 hit ‘My Baby Just Cares For Me’ which also made no chart impression on its home turf…

Carefully curated and concisely annotated, “Let It All Out” lets the listener in to two dozen of Nina Simone’s most celebrated singles. There have been many compilations of her works since she passed away 20+ years ago, but none that gets to the heart – and soul – of her catalogue in quite so direct a manner as this one does. 

Two years before the legendary trumpeter mysteriously fell from the window of a Dutch hotel, he delivered this high-level live performance on a stage in Bologna, Italy, in 1985.

Accompanied by Philippe Catherine on guitar and Jean-Louis Rassinfosse on double bass, Baker drew on his natural charm, that utterly disarming magnetism which made him deeply moving, even when decline was looming. Baker carried within him that inner fracture, that haunting depth that rendered every note fragile. Released for the first time as a double 180 gram vinyl LP with HD vinyl mastering

Die in Chicago geborene Musikerin keiyaA ist bekannt für ihren eigenen Sound-Mix zwischen R&B, Jazz, Elektronik und Soul. Schon ihr Debüt "Forever, Ya Girl" (2020) wurde international gefeiert, von Pitchfork als "Best New Music" ausgezeichnet und in Bestenlisten von The New York Times, Rolling Stone, NPR und The Guardian geführt. Künstler:innen wie Solange, Jay-Z oder Moses Sumney lobten ihre Arbeit. Ihr neues Album "hooke"s law" entstand über fünf Jahre hinweg - in einer Zeit, in der keiyaA zwischen künstlerischem Aufbruch und persönlicher Krise oszillierte. Es ist ein Werk radikaler Selbstbefragung, das Intimität, politische Wut und künstlerische Experimentierfreude verbindet. Klanglich finden sich schillernde Synths mit Videospiel-Anklängen, kaleidoskopische Jazz-Arrangements und fragile R&B-Momente. Emotional pendelt das Album zwischen Zartheit und Widerstand, zwischen der Suche nach innerem Frieden und der Konfrontation mit einer Welt, die queere Schwarze Frauen unsichtbar macht und zugleich überwacht. Songs wie "stupid prizes" oder "get close 2 me" erzählen vom Spannungsfeld zwischen Überleben und Selbstbehauptung, während "think about it what u think" unvermittelt von Sinnlichkeit in politische Anklage kippt. Wie auch in ihrem experimentellen Theaterstück milk thot entwirft keiyaA auf "hooke"s law" Räume, in denen Identität nicht fixiert, sondern ständig neu zusammengesetzt wird. James Baldwin schrieb, die Aufgabe von Künstler:innen sei es, die verborgenen Wahrheiten einer Gesellschaft ans Licht zu bringen. Genau das gelingt keiyaA hier: Sie verwandelt Schmerz in Klang und schenkt uns das Mutigste, was Kunst geben kann - die Freiheit, Widersprüche auszuhalten.

Claire Rousay"s music cascades from a well of documented experience, reflections of the past that compose the present. A prolific multi-instrumentalist, producer, and composer, Rousay gracefully crafts boundaryless music. From her frequent and acclaimed collaborations with artists like M. Sage, more eaze, Gretchen Korsmo, Andrew Weathers, LEYA, and Alex Cunningham, to her film scoring like on The Bloody Lady. From her own compositions to her solo pop work, Rousay"s music is delicate yet powerful, carefully constructed with a casual intimacy. Rousay collages a wealth of found sounds and field recordings with earthy strings, stately piano, and processed instrumentation, all of which trace the outlines of memories and distinct impressions and create a complex constellation of feeling. Her music has evolved from confessional to conversational and excavates the rich emotional essence of each passage. Her work as both archivist and adept arranger and orchestrator merge sublimely into deeply honest and engrossing music. On a little death, Rousay"s blend of pop sensibility and compositional acumen turn abstracted sounds into tangible feelings, its warm, glimmering glow coalescing sensually with the darkness.

To some extent, this album arriving at INDEX:Records has been over 3 years in the making: we were first introduced to Beau’s work at GLOB in Denver (during our USA tour in 2023), at an event hosted by a dear friend, filled with lovely peeps. We were totally blown away by Beau’s performance and knew within a few minutes of their set starting that we wanted to release an album with them someday. Now, here it is: Subterra. Featuring tasty collaborations with iii, Uza A'amo and Yau Hei ASJ.

Charlie Overman ist für Fans von Tyler Childers, Sturgill Simpson und John Prine. Charlie Overman ist durch und durch Kentucky, und die Songs und Geschichten auf dieser LP strahlen alles aus, was Kentucky ausmacht. Diese Authentizität dringt bis in die Rillen dieser LP vor. Charlies Detailtreue beim Songwriting ist stark von John Prine beeinflusst und zeugt von einer Fähigkeit, die Charlies Alter weit übertrifft. Charlie wird von einigen der besten Musiker des Bundesstaates Kentucky begleitet, die den Sound ergänzen. Sie hören traditionelle Country- und Folk-Klänge, die für ein breites Publikum zugänglich sind. Kommen Sie herein und begeben Sie sich auf eine Reise von Pikeville nach Paducah, während Sie sich in Charlies neue und aufstrebende Stimme in der Americana Musikszene verlieben.

Holy Sons is the largely solo project of Emil Amos (Grails, Om, Lilacs & Champagne). Puritan Themes is his 17th album and his 4th for Thrill Jockey Records and a tentpole album in his wide-ranging output, including myriad private press LPs, collections of oddities, and conceptual series". Puritan Themes" relaxed vibes are influenced by the laid-back west coast rock sound of mid-period Fleetwood Mac, blended with a dose of psych distortion and imbued with the breeziness and ease of yacht rock. Puritan Themes is a record that knowingly, barely fits into the modern world. When mixing the record in Chicago, everyday Amos skated through Douglass Park listening to podcasts about the inner workings of The Band, listened to 70"s AM radio while washing dishes and went to sleep at night to early Bee Gees interviews. The earliest concept of the record was based around the track "Chain Gang" which was an imaginary take on if Cat Stevens had smoked a ton of salvia and taken a much darker route within that world of dense, story-telling/message-based songwriting. The track "Raw & Disfigured" borrows its name from the last Thrill Jockey Holy Sons record, in a referential move that"s stolen from the way Led Zeppelin separated the track "Houses of the Holy" from the record of the same name (once again harkening back to 70"s lore).

Claire Rousay"s music cascades from a well of documented experience, reflections of the past that compose the present. A prolific multi-instrumentalist, producer, and composer, Rousay gracefully crafts boundaryless music. From her frequent and acclaimed collaborations with artists like M. Sage, more eaze, Gretchen Korsmo, Andrew Weathers, LEYA, and Alex Cunningham, to her film scoring like on The Bloody Lady. From her own compositions to her solo pop work, Rousay"s music is delicate yet powerful, carefully constructed with a casual intimacy. Rousay collages a wealth of found sounds and field recordings with earthy strings, stately piano, and processed instrumentation, all of which trace the outlines of memories and distinct impressions and create a complex constellation of feeling. Her music has evolved from confessional to conversational and excavates the rich emotional essence of each passage. Her work as both archivist and adept arranger and orchestrator merge sublimely into deeply honest and engrossing music. On a little death, Rousay"s blend of pop sensibility and compositional acumen turn abstracted sounds into tangible feelings, its warm, glimmering glow coalescing sensually with the darkness.

Zum 20-jährigen Jubiläum erscheint A Certain Trigger gemeinsam mit der 2006er B-Sides- und Demo-Compilation Missing Songs als hochwertige 2LP auf schwarzem Vinyl im Gatefold-Cover. Die Zusammenstellung enthält seltene B-Seiten und Demo-Aufnahmen aus den UK-Singles dieser Ära und wird ergänzt durch ein beidseitig bedrucktes, farbiges 60 × 90 cm Poster auf luxuriösem Kunstdruckpapier. Ein Sammlerstück für alle Fans des energiegeladenen Indie-Rock-Sounds von Maxïmo Park.

Format: 2LP schwarzes Vinyl, Gatefold, inkl. beidseitigem Farbposter (60 × 90 cm)

Autodidactic musicologist and sample collagist U turned his archival eye on the melting pot of ‘80s post-punk with his debut ‘Life Isn’t A Fountain?’ EP for Lex. He follows up with an experimental exploration of regional identity with ARCHENFIELD, a deeply personal collection of ambient music and found sound that examines the relationship between geographical space and aural histories.

To construct this record U mined a wealth of recorded material relevant to the area. With a nod to traditional music, he takes samples from these records and creates beautifully atmospheric sound pieces that are often mixed with painstakingly researched snippets to create a stirring reflection on local history and broader themes of how we interact, or even fail to interact, with English folklore today.

Pressed on 180g vinyl, the album comes with a 24-page visual companion that expands on its themes and folk stories through imagery and narrative, echoing the album’s soundscape. : The Caretaker, Oneohtrix Point Never, JG Bie1berkopf, Maxime Denuc, Leon Vynehall

c 3Good Karma (Feat. G Herbo) [remix]



[c] 3Good Karma (Feat. G Herbo) [remix]

Transparentes orangefarbenes Vinyl. Diese beiden Tracks, die aus den Randbereichen von "Nosebleed Weekend" ausgegraben wurden, bieten einen rohen, aufschlussreichen Einblick in den kreativen Prozess von The Coathangers und zeigen eine Band in voller Fahrt, die zwischen Instinkt und Absicht hin- und hergerissen ist. "Hurry" und "Drifter" wurden beide während der Sessions für dieses Album geschrieben und als Demos aufgenommen, aber letztendlich auf Eis gelegt und blieben in den Archiven liegen. Jahre später hörte sich Sängerin Julia Kugel die Tracks mit neuen Ohren an und entdeckte etwas Wichtiges: eine Lockerheit, einen Funken. "Hurry" begann als Experiment mit vertauschten Instrumenten - Julia am Schlagzeug, Stephanie an der Gitarre - mit einem rauen Charme und einer wilden Dynamik. Die Rhythmusgruppe ist treibend, die Gitarren sind übersteuert und drahtig, der Gesang hallt mit einer Art privater Dringlichkeit nach. Der Song ist nicht auf Hochglanz poliert, und genau darum geht es: Man hat das Gefühl, dass die Band etwas Neues entdeckt hat, indem sie nicht zu viel nachgedacht hat. "Drifter" hingegen ist eine frühe Version eines Songs, der später auf der "Parasite" EP erschien, diesmal mit einem leichteren Touch die Verzerrung wurde gerade so weit zurückgenommen, dass die Gesangsmelodie mehr im Vordergrund steht und selbstbewusster wirkt. Es fühlt sich ein bisschen wie eine Zeitreise zu den ursprünglichsten Instinkten der Band an. Beide Tracks haben eine Unmittelbarkeit, sind Skizzen, die während des Chaos der Albumproduktion entstanden sind, voller Experimentierfreude und Risikobereitschaft. Die von Suicide Squeeze auf 7" gepressten Tracks sind weniger auf Perfektion ausgerichtet, sondern mehr auf den Prozess: ein Beweis für die Fähigkeit der Coathangers, ihrem Bauchgefühl zu vertrauen und den Dingen Raum zum Atmen zu lassen.

e 5Lay On Your Side (7" Version) [2025 Remaster]










[p] 7Don't Mess With Doctor Dream (7" Version) [2025 Remaster]
[q] 8Revolution (7" Version) [2025 Remaster]
[r] 9Nothing in Common (7" Version) [2025 Remaster]





[e] 5Lay On Your Side (7" Version) [2025 Remaster]










[p] 7Don't Mess With Doctor Dream (7" Version) [2025 Remaster]
[q] 8Revolution (7" Version) [2025 Remaster]
[r] 9Nothing in Common (7" Version) [2025 Remaster]

[b] 2Forgive and Forget (Pull Down the Night) [2025 Remaster]








[k] 2Happy Dog (For Caggie) [2025 Remaster]

Mit "Plan 76" entwickeln The Orchestra (For Now) ihren maximalistischen Ansatz dessen, was sie selbst als "London Prog" bezeichnen, weiter. Die EP kombiniert avantgardistische Rock-Theatralik, komplexes klassisches Zusammenspiel, pastoralen Barock-Indie, Post-Hardcore-Dynamik, jazzige Freakouts und alles dazwischen und ist eine Meisterleistung in Sachen Spannung und Entspannung. Die Elemente, die ihr Debüt zu einem Durchbruch machten, sind immer noch vorhanden: Die Kompositionen sind unvorhersehbar und doch unverkennbar eingängig, und es gibt skurrile Referenzen an die Popkultur und die sie umgebende Welt. Doch hier wird alles auf ein höheres Niveau gebracht, die zugrunde liegende Fragilität in einen Mantel musikalischen Selbstvertrauens gehüllt, der nur mit solch großem Ehrgeiz entstehen kann.

Die Lead-Single "Hattrick" fasst ihre Entwicklung perfekt zusammen. Sättigung und Kontrast wurden gesteigert, die dunkleren Ecken akzentuiert, ihre breitere Palette lebendiger und farbenfroher. Labyrinthartige Instrumentierung schwillt an und explodiert in Momenten schamanischer Stimmkraft, filmischer Streicher, einer treibenden Rhythmusgruppe und ungezügelter Gitarren, bevor sie aufflammt und grüblerischen, nachdenklichen Versen weicht.

Zur EP erklärt die Band: "Plan 76 vervollständigt die Geschichte, die wir ursprünglich erzählen wollten. Sie führt die Themen unserer ersten Veröffentlichung fort, platziert das dort Bewährte aber in anderen Welten und Situationen. Instrumental gesehen ist sie für uns anspruchsvoller. Nicht, weil wir unglaublich komplizierte Parts spielen, sondern im Gegenteil – wir haben versucht, sie zu verfeinern, anstatt sie zu verkomplizieren. Es gibt unglaublich exponierte Momente, in denen wir die Instrumentierung reduziert haben (was für uns nicht selbstverständlich ist). Diese EP bereitet auch den Boden für das, was als Nächstes kommt."

In den letzten Jahren hat die Band einen Aufstieg erlebt, von dem die meisten neuen Acts nur träumen können. Sie spielten auf der Hauptbühne des Green Man Festivals, traten beim End Of The Road Festival auf und spielten mehrere ausverkaufte Headliner-Konzerte, bevor sie überhaupt eine Single veröffentlichten. Nachdem sie ihren Sound auf der Londoner Live-Tour verfeinert hatten, veröffentlichte die Band Anfang des Jahres ihre mit Spannung erwartete Debüt-EP "Plan 75", die sowohl bei Kritikern als auch bei ihrer Fangemeinde für Begeisterung sorgte.