Pop & More Vorverkauf

"Birmingham hailing quintet Swim Deep announces their fifth studio album ‘Hum’, due June 19th via Submarine Cat Records. They also share first single ‘Pieces Of You’ — a defiant cut of alternative rock: roaring with clouds of distortion that bring a bite and rawness to its chiming melodies. Fresh and inspired from a sold-out tour across Thailand and China in December, and with an unexpected line-up change: ‘Hum’ is the work of a group rejuvenated, driven by their innate passion for music – even when the going gets tough – and sounding more confident than ever, whilst juggling the challenges of maintaining a grassroots indie band on their fifth album. Speaking on the track, lead singer Austin “Ozzy” Williams adds: “I had found a new writing partner at the full-time bar job: there stood J.J. Buchanan by the barrels of beer kegs we were hauling. A sharp songwriter and a soaring guitarist, who brought something fresh to this song and the whole sonic landscape that would shape ‘Hum’. Thematically, ‘Hum’ continues the life journey of ‘There’s A Big Star Outside’, which captured a transformational period for Williams – preparing for the arrival of his first child, but also the departure of his wife’s father. The songs on ‘Hum’ detail the aftermath of that spell, exploring loss, family and our responsibilities to those we build a life with. “I’ve now got someone to inspire,” he explains. “It’s like, ‘Yeah, your dad works at a bar to make rent, but this is what he actually does, this is what the dream is, and we’ll all live on it together. That’s the ethos on this album.” With ‘Hum’, Swim Deep turn struggle into momentum and personal upheaval into collective uplift. It’s the band’s heaviest, most adventurous, and most uplifting album in years – and the sound of a band still chasing the dream with conviction, but now with something deeper at stake."

2026 Repress

Deadbeat & Tikiman's occasional collaborative performances have since blown the minds of many audiences

Deadbeat. Tikiman. Infinity. Dub. A quadrangle of such obvious statement and perfect musical inference may very well never have been uttered for those of the wholly weeded out persuasion. Indeed, when the great book of Dub music is written the names Scott Monteith and Paul St Hilaire will undoubtedly figure highly in its chapters devoted to recent years. Monteith, the last great prodigal son of the doctrine handed down from the Blue Mount of Lord Scratch and King Tubby, St Hilaire the undisputed voice of a generation, those fanatical warrior monks, followers of the most Holy House of Ernestus and Von Oswald incarnate.

Having developed a fast friendship from their very first meeting in Montreal at the premier Micro Mutek event a decade ago, Deadbeat and Tikiman's occasional collaborative performances have since blown the minds of audiences from Berlin to Tokyo and many points in between. No great surprise then that their first album length venture is a Tour de Force of Dub music of the highest order.

Nearly a year in the making, the genetic code of Deadbeat's Infinity Dubs series gets shot through with a Dreader than Dread Kingstonian logic, hi hats dropping back from the three to the one, Tikiman at his most militant, poetic, fierce, and flowing. These are the recordings of two lions uncaged, and none who bare witness shall escape their fiery judgement.

If music is truly eternal, here be two voices which shall echo in infinity with all the weight, reverence, and dire power unleashed with every tectonic bass hit, and every whimsical turn of phrase. And if these eight burnt offerings are any indication of what happens when these two sit down for a session of smoke and reasoning, here's hoping they choose to do it frequently. Dub without end. Ad Infinitum.

Maximum Exposure Inc. presents Joy Rider, the debut album from Down Town, the Toronto duo of Ian Elias Afif (bass+effects) and Maxwell Cecil Stover (soprano saxophone + electronics).

Produced and mixed in collaboration with Tony Price in Toronto, Joy Rider portrays a new vision for low-end music as sculpture. Liquid bass paintings, alloy tone abstractions — a virtual still life formed out of fretless aluminum bass, specular soprano saxophone cybernetics, and metallic rhythm architectures.

These pieces belong to a lineage of post-minimalist, low-end experimentalism that treats electroacoustic improvisation and ambient synthesis as mutable sound matter - Joe Zawinul's circuitboard cartographies, the insurgent bass guitar mutations of Bill Laswell, Mick Karn, and Robbie Shakespeare, Evan Parker's recursive multiphonic sax investigations, the most textural sides from the ECM catalogue and the sonic holography constructed by Jon Hassell and Michael Brook during their sessions with Eno and Lanois Hamilton, Ontario.

The album unfolds like a series of suspended environments - music for inside a city.

Nina Kraviz launches a new label.

treats is the younger, bratty sister label to trip, specialised in cool music for the dance floor that seems to ignore the idea of genres. To prove this point the first release brings together two tracks that have been roasted in Nina's sets for months and are genre bending.

On the A-side, Brazilian phenomenon and SoundCloud cowboy Joao Lagrima de Ouro teams up with Baile Funk legend MC Pogba. "Pitbull de Glocada" is an excessively naughty heater, with a serious nod to the regional Brazilian electronic music, creating an authentic blend of sounds.

On the B-side, Nina herself teams up with Rio de Janeiro marvel Mc Nick. The two met online, as Nina came across Nick's sensual hit "Mete com forza e com talento" and made her own version of it. Later during a Brazilian tour, the two finally met up on the mythical beach of Mc Nick's hometown where "sem amor" was recorded. Nina's signature minimalist production and approach to vocals pairs idyllically with Mc Nick's fiercely carnal and feminine raps.

treats 001 consists of two tracks with a fluctuating identity, spilling over with risque playfulness that might require parental advisory for some, but it's hard to deny the sheer joy these tracks exude.

Zeitgleich mit dem 40-jährigen Jubiläum der Band wurde Complete B Sides: 1988-97 von Pixies neu remastert und wird 25 Jahre nach seiner ursprünglichen CD-Veröffentlichung erneut herausgebracht. Das Album erscheint als Doppel-LP auf schwarzem Vinyl, als Doppel-LP auf klarem Vinyl sowie als Doppel-CD. Außerdem wird diese Veröffentlichung damit zum ersten Mal überhaupt auf Vinyl gepresst. Complete B Sides versammelt alle B-Seiten aus der klassischen 4AD-Ära der Band und enthält einige der besten "anderen" Songs der Pixies, darunter "Wave of Mutilation (UK Surf)", "Into The White" und "The Thing". Ursprünglich 2001 auf CD veröffentlicht, als sich die Band bereits seit fast einem Jahrzehnt in einer Pause befand, enthielt Complete B Sides: 1988-97 alle 19 Nicht-Single-Tracks aus der unglaublichen Reihe von Singles, die die Band zwischen 1988 und 1991 veröffentlichte. Zum Abschluss wurde die instrumentale Version von "Letter to Memphis" hinzugefügt, die zuvor nur auf der US-Version der Veröffentlichung der Alec Eiffel-Maxi-Single erschienen war. Da auf vier Vinylseiten Platz für mehr Musik vorhanden ist, enthält diese aktualisierte Version zusätzlich sechs Live-Tracks, die aus späteren Pixies-Veröffentlichungen stammen, darunter aus der 1997 erschienenen Neuauflage von Debaser. Für diese aktualisierte Edition wurden alle Titel von ihren ursprünglichen analogen Bändern von Kevin Vanbergen neu remastert. Das Ergebnis klingt erstaunlich frisch und vervollständigt zugleich seine umfangreiche Arbeit am gesamten Katalog der Band. Diese neue Vinyl-Edition fungiert außerdem als Begleitstück zur kürzlich erschienenen Compilation Live at the BBC. Designer Chris Bigg (v23) hat dafür ein eindrucksvolles neues Artwork geschaffen und dabei Fotos aus dem Archiv von Simon Larbalestier verwendet, die ursprünglich für die Pixies vorgesehen waren, später jedoch verworfen wurden. Beide arbeiteten seit vielen Jahren mit der Band zusammen und gestalteten beide Veröffentlichungen parallel, um an den verstorbenen visuellen Direktor der Band, Vaughan Oliver, zu erinnern und ihn zu ehren.

Ein Gespräch mit Thee Sinseers kurz vor der Veröffentlichung ihres neuen Albums ,Love Stories" bei Colemine Records macht eines ganz deutlich: Dies ist kein Album, das eine glatte und ordentliche Liebesgeschichte erzählt. Es geht hier nicht um das Happy End. Es geht um alles, was davor, danach und trotz allem passiert. Auf dieser LP hat sich die Band auf eine erdigere Instrumentierung konzentriert - Kontrabass, Gitarren, die durch Verstärker laufen, um einen wärmeren, an die Sechziger angelehnten Klang zu erzielen - und sich von allem inspirieren lassen, wo es sich bot, selbst an den unwahrscheinlichsten Orten. Es ist dieses genreübergreifende Denken, das Sänger Joey Quiñones als das bestimmende Merkmal der Platte ansieht. "Es fühlte sich zu keinem Zeitpunkt so an, als würden wir Soul-Musik machen", sagt er. ,Es fühlte sich an, als würden wir einfach unsere Musik machen." Die Band wollte etwas Ehrlicheres einfangen als nur die Höhepunkte - sie wollte die Höhen und Tiefen romantischer Beziehungen zeigen und gleichzeitig den Rahmen erweitern, um auch das Familiäre, das Komplizierte und das Ungelöste einzubeziehen. Die Eltern der Bandmitglieder sind auf dem Albumcover zu sehen, ihre eigenen Liebesgeschichten sind in die visuelle Identität der Platte eingewoben, manche dieser Geschichten bestehen noch, andere nicht. ,Jeder einzelne Songtitel führt dich auf einen anderen Weg der Liebe - egal, ob du gewinnst oder verlierst." Quiñones wollte, dass die Zuhörer sich auf diese Mehrdeutigkeit einlassen. ,Liebe ist unendlich", sagt er. ,Sie reicht über ein Leben hinaus. Ich möchte, dass die Leute immer noch verwirrt sind - ich möchte, dass es wie ein offenes Buch bleibt." Doch eines bleibt durchgehend konstant: das Bekenntnis von Thee Sinseers zu ihrer Herkunft. Diese East-LA-Identität stellt sich nicht zur Schau - sie existiert einfach, eingewoben in das Gewebe der Musik, ohne als Abzeichen getragen zu werden. Hier wird kein Liebeskummer vorgetäuscht, sondern es ist das Echte.

Ein Gespräch mit Thee Sinseers kurz vor der Veröffentlichung ihres neuen Albums ,Love Stories" bei Colemine Records macht eines ganz deutlich: Dies ist kein Album, das eine glatte und ordentliche Liebesgeschichte erzählt. Es geht hier nicht um das Happy End. Es geht um alles, was davor, danach und trotz allem passiert. Auf dieser LP hat sich die Band auf eine erdigere Instrumentierung konzentriert - Kontrabass, Gitarren, die durch Verstärker laufen, um einen wärmeren, an die Sechziger angelehnten Klang zu erzielen - und sich von allem inspirieren lassen, wo es sich bot, selbst an den unwahrscheinlichsten Orten. Es ist dieses genreübergreifende Denken, das Sänger Joey Quiñones als das bestimmende Merkmal der Platte ansieht. "Es fühlte sich zu keinem Zeitpunkt so an, als würden wir Soul-Musik machen", sagt er. ,Es fühlte sich an, als würden wir einfach unsere Musik machen." Die Band wollte etwas Ehrlicheres einfangen als nur die Höhepunkte - sie wollte die Höhen und Tiefen romantischer Beziehungen zeigen und gleichzeitig den Rahmen erweitern, um auch das Familiäre, das Komplizierte und das Ungelöste einzubeziehen. Die Eltern der Bandmitglieder sind auf dem Albumcover zu sehen, ihre eigenen Liebesgeschichten sind in die visuelle Identität der Platte eingewoben, manche dieser Geschichten bestehen noch, andere nicht. ,Jeder einzelne Songtitel führt dich auf einen anderen Weg der Liebe - egal, ob du gewinnst oder verlierst." Quiñones wollte, dass die Zuhörer sich auf diese Mehrdeutigkeit einlassen. ,Liebe ist unendlich", sagt er. ,Sie reicht über ein Leben hinaus. Ich möchte, dass die Leute immer noch verwirrt sind - ich möchte, dass es wie ein offenes Buch bleibt." Doch eines bleibt durchgehend konstant: das Bekenntnis von Thee Sinseers zu ihrer Herkunft. Diese East-LA-Identität stellt sich nicht zur Schau - sie existiert einfach, eingewoben in das Gewebe der Musik, ohne als Abzeichen getragen zu werden. Hier wird kein Liebeskummer vorgetäuscht, sondern es ist das Echte.

Mit "Karaoke Bar" präsentieren Angus & Julia Stone ihr siebtes Studioalbum und schlagen erneut ein spannendes neues Kapitel in ihrer musikalischen Entwicklung auf. Entstanden auf Reisen rund um den Globus, vereint das Album die Eindrücke von Orten, Begegnungen und Momenten zu einer lebendigen, atmosphärischen Songsammlung. Erstmals setzen die Geschwister verstärkt auf elektronische Elemente, die den charakteristischen Sound des Duos erweitern und gleichzeitig die vertraute emotional-intime Klangwelt bewahren. Im Fokus steht dabei eine spürbare Leichtigkeit und Freude, die sich durch das gesamte Album zieht.

Gesanglich agieren Angus und Julia dabei enger denn je: im Wechsel, im Einklang oder harmonisch verwoben verleihen sie jedem Song zusätzliche Tiefe und Ausdruck. Die aufwendige Produktion unterstützt die erzählerische Kraft der Stücke und hebt die jeweilige Stimmung eindrücklich hervor.

"Karaoke Bar" fängt musikalisch wie lyrisch ein Gefühl ein, das zwischen Nostalgie, Melancholie und Gegenwart schwebt – und öffnet den Hörer:innen ein intensives Tor zu einem bewusst erlebten Moment.

Back again— Soul N Palms droppin' fresh soulful re-edits for the real ones who know the vibe. Built for late-night sessions, block party vibes, and crate-diggin’ heads alike.

Since 2020, 12 Inch Lovers has embarked on an exhilarating journey, characterized by sold-out parties and samplers that have built a loyal fanbase. These samplers consistently find their way to collectors in search of contemporary classics. Samplers 7 & 8 once again constitute a collection of true classics, rare gems, and club tracks that have never before appeared on vinyl.

Sampler 8

Since 2020, 12 Inch Lovers has embarked on an exhilarating journey, characterized by sold-out parties and samplers that have built a loyal fanbase. These samplers consistently find their way to collectors in search of contemporary classics. Samplers 7 & 8 once again constitute a collection of true classics, rare gems, and club tracks that have never before appeared on vinyl.

Sampler 7

Incl. Pryda, Dexter Connection, Superfunk feat. Ron Carroll, Dave Swayze, Chris Bangs feat. Rita Campbell, Hyper Pearl, Daniel Bovie & Roy Rox, The Disco Freaks, The Mackenzie feat. Jessy



Since 2020, 12 Inch Lovers have been releasing new samplers every year, eagerly anticipated by collectors. These samplers have now become a staple and are easily added to vinyl collections across Europe. They offer timeless classics and rare tracks that are often hard to find elsewhere.

With Samplers 9 & 10, they surprise again with a mix of modern classics and tracks that have never been released on vinyl or are difficult to find. By adding unique and exclusive tracks, the 12 Inch Lovers samplers remain innovative and high-quality. They are a must-have for DJs, collectors, and fans of contemporary classics!

SAMPLER 9

A1) Pryda - Allein (Original Release 2012)

Pryda, the legendary alter ego of Eric Prydz, has earned iconic status in the electronic music scene with his refined productions and epic tracks. Under this name, he has released several hits that have stood the test of time, including Allein. This track is a progressive house masterpiece built around a sample from Polarkreis 18's Allein Allein and is infused with the characteristic Pryda sound: grand, hypnotic, and emotionally powerful.

With its timeless and universal appeal, Pryda - Allein has captivated fans worldwide. The track is an absolute floor-filler that forms a highlight in any DJ set. Notably, this iconic track has never had a vinyl release, making this edition extra special for both collectors and lovers of true electronic music history.

A2) Dexter Connection - Baby Be Mine (Original Release 2003)

Released in 2003, this delightful groover samples Michael Jackson's Baby Be Mine and Brothers Johnson's Stomp. The track combines funky basslines with a tight, rhythmic groove that immediately invites dancing. The nostalgic vibes from the classic samples provide a familiar sound, while the modern production gives it a fresh, contemporary twist. Ideal for DJ sets where you want to get the crowd in the right mood.

A3) Superfunk feat. Ron Carroll - Lucky Star (Original Release 2000)

This track needs little introduction. Released in 2000, with soulful vocals from Ron Carroll, it quickly became an iconic hit within the house scene. Lucky Star was the breakthrough single of Superfunk, a French house group,and sold over 500,000 copies worldwide. The track reached number 42 on the UK Singles Chart and has since become a staple in house and dance sets.

With its funky basslines, catchy melody, and infectious groove, it's a perfect mix of disco, house, and soul. The track includes a sample from Chris Rea's Josephine, adding to the recognizable and nostalgic vibe. Lucky Star became not only a floor-filler but also an anthem of the French house movement, alongside acts like Daft Punk and Cassius who dominated the world in the same period.

B1) Dave Swayze - Goldwave (24K) (Original Release 1996)

This 1996 trance classic needs little introduction. Goldwave is a timeless track that continues to resonate with trance lovers, thanks to the unique combination of dreamy synths, hypnotic rhythms, and epic build-up. The track is a true ear-candy and touches anyone who hears it. Originally released in 1996 on Belgium's DiKi Records, it quickly became a classic in clubs like La Bush, Illusion, La Rocca, and many more.

To this day, Goldwave is still played in the sets of many DJs, and remains a favorite at retro trance events. The track has stood the test of time and remains a key track for fans of old-school trance. It's a piece of electronic music history that makes people dream on the dancefloor with its dreamy Goldwave.

B2) Chris Bangs feat. Rita Campbell - Warm Weather (Ibiza BeachBall Vocal Mix) (Original Release 2000)

Warm Weather by Chris Bangs feat. Rita Campbell is a summery, uplifting track that perfectly evokes the atmosphere of Ibiza. The song blends house and trance with the infectious vocals of Rita Campbell, creating a warm, relaxed vibe. The Ibiza BeachBall Vocal Mix adds a touch of Balearic energy, with a calm rhythm and melodies that immediately remind you of sunny beaches and carefree days. Originally released in 2000 on the UK label INCredible, it remains a hidden gem for many trance lovers.

C1) Hyper Pearl - Can You Feel The Pain (Up & Vox Version) (Original Release 1995)

This 1995 trance classic made a lot of noise in clubs like Illusion, La Bush, Lagoa, and At the Villa. Pure old-school trance with emotion and drive like only that era could produce. A fantastic track, produced by Carl Drake, Matt Spinner, and Zzino, originally released on Belgium's Aquatic label.

C2) Daniel Bovie & Roy Rox - Stop Playing With My Mind (Dub) (Original Release 2008)

Daniel Bovie (aka Danny Van Wouwe) is a versatile producer with dozens of tracks to his name, many of which are considered classics. This track is no exception. Originally released on the legendary Strictly Rhythm label, co-produced with Dutch producer Roy "Van Luffelen" Rox, this track quickly became a floor-filler and charted in Belgium and the Netherlands. The vocals wereprovided by the talented Nelson.

D1) The Disco Freaks - Make My Dreams Reality (Chord Memory Mix) (Original Release 1997)

Originally released on an EP by The Disco Freaks, the alter ego of producers Bart Grinaert and Lajos Meszaros. This mix, which is much stronger than the original, quickly became a club classic and was played extensively in clubs like Illusion, Carat, and Extreme. A delightful, groovy, and uplifting track that combines disco elements with house. The Chord Memory Mix adds a nostalgic touch by using warm chords, funky basslines, and uplifting percussion.

D2) The Mackenzie feat. Jessy - I Am Free (Marino Stephano Club Mix) (Original Release 1997)

I Am Free by The Mackenzie needs little introduction and is a must in every DJ and vinyl lover's collection. This mix, often played at our parties, is something special. The man behind many legendary trance classics, Marino Stephano (RIP), hasreworked this version in his unmistakable way. The remix has an energetic and captivating vibe, with deep, hypnotic beats and floating synths. A beautiful track in its original version, it continues to fascinate.

Featuring Sarathy Korwar, Dudú Kouate, Marysia Osu and more

French-born, London-based composer and musician Pascal Bideau aka Akusmi announces his second full-length Terra Incognita, an album of intrepid sonic exploration that delights in the sensation of being somewhere you've never been before. The listener is invited to experience seven faraway sonic imaginariums, as global and spiritual jazz are fused with modern electronics and life affirming minimalism into a hypnotic, polyrhythmic odyssey.

The album's rich multilayered sound world features contributions from tabla virtuoso Sarathy Korwar, Senegalese musician Dudú Kouate adds an array of percussions, ngoni and flutes and Levitation Orchesta's Marysia Osu brings harp and flutes. Following Akusmi's widely acclaimed debut album Fleeting Future (2022) which was supported by The Guardian, The Quietus, MOJO , Gilles Peterson, Mary Anne Hobbs etc, this time, the sound palette for Terra Incognita is more vibrant, earthy and abundant, drawing inspiration from the radiating optimism and high-energy sources heard in Afrobeat, Highlife and Electronic Afro-pop music, sounding looser, free and primarily interested in raw sensations

Featuring Sarathy Korwar, Dudú Kouate, Marysia Osu and more

French-born, London-based composer and musician Pascal Bideau aka Akusmi announces his second full-length Terra Incognita, an album of intrepid sonic exploration that delights in the sensation of being somewhere you've never been before. The listener is invited to experience seven faraway sonic imaginariums, as global and spiritual jazz are fused with modern electronics and life affirming minimalism into a hypnotic, polyrhythmic odyssey.

The album's rich multilayered sound world features contributions from tabla virtuoso Sarathy Korwar, Senegalese musician Dudú Kouate adds an array of percussions, ngoni and flutes and Levitation Orchesta's Marysia Osu brings harp and flutes. Following Akusmi's widely acclaimed debut album Fleeting Future (2022) which was supported by The Guardian, The Quietus, MOJO , Gilles Peterson, Mary Anne Hobbs etc, this time, the sound palette for Terra Incognita is more vibrant, earthy and abundant, drawing inspiration from the radiating optimism and high-energy sources heard in Afrobeat, Highlife and Electronic Afro-pop music, sounding looser, free and primarily interested in raw sensations

Angel Witch is a pioneering British heavy metal band formed in London in 1976. Together with bands like Iron Maiden, Saxon and Diamond Head, Angel Witch is a key part of the New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM), they are recognized as a major influence on early 1980s metal, including bands like Metallica, Slayer, and Megadeth.

The band lineup back then consisted of Kevin Heybourne, Kevin Riddles and Dave Hogg. Angel Witch's self-titled 1980 debut album is considered a seminal, influential work, and to this day metalheads all over the world sing along to the title track Angel Witch whenever it's played. The album cover features an image of a well-known painting; The Fallen Angels Entering Pandemonium by John Martin.

Angel Witch is available as a limited edition of 750 individually numbered copies on silver vinyl.

Die niederländische Hardcore-Band aus Maastricht wurde 1993 gegründet und löste sich 2009 nach zwei Abschiedskonzerten (Leipzig & Maastricht) auf. 2012 kam es zur Wiedervereinigung mit dem Album ,My Broken World". Nach einigen Besetzungswechseln löste sich die Band 2017 erneut auf. Zwei Jahre später feierten sie jedoch ein Comeback und veröffentlichten 2023 das Album ,Angry Gods". Nun verabschieden sie sich endgültig, denn sie sind auf Abschiedstour und macht ihren Fans ein besonderes Geschenk: Erstmals auf Einzel-Vinyl erscheint ihr 2012-er Reunion-Album "My Broken World" als Special Collectors Edition: Handnummeriert auf insgesamt nur 333 Exemplare mit komplett neudesigntem Artwork, sowie A2 Poster und Inlay - natürlich auf 180gr. Schwarzes Vinyl oder klares Vinyl mit Schwarz-Weißem Kreuz 15x mal brachial-aggressiver Hardcore, very oldschool mit klarer NYHC-Kante.

Cloud Machines is the extraordinary debut collaboration between M.C. Schmidt of legendary electronic duo Matmos and John Berndt, the Baltimore avant-garde institution and band leader behind High Zero Festival, the Red Room collective, Geodesic Gnome, and radical sonic concepts like Spectral Relay (a bespoke signal processing architecture) and Relabi (a conceptual genre defined by a Rorschach-blot pulse. These two iconoclasts have delivered something genuinely unexpected: an oddly sweet electronic opus that"s as immediately engaging as it is a series of delicious puzzles. When two of experimental music"s most irascible characters spend twelve years crafting an album, you don"t just get another release - it is an anthology of pocket universes. The record is a love letter to two of their strongest mutual influences of the 1980s - the delirious comic books of French auteur Jean Giraud (AKA Moebius) and the beautiful miniatures of the SKY Records Cluster/Eno/Conny Plank collaborations. Cloud Machines honors the spirit of those ineffably "hermetic" creations by reinventing their legacy through the lens of decades of accumulated experimental practice and the duo"s singular creative personalities. The result feels simultaneously like rediscovering a lost classic from 1978 and receiving a transmission from an alternate, somehow better timeline in 2026. Yet unlike so much "difficult" experimental music, Cloud Machines maintains an uncanny and sneaky accessibility - each track a self-contained world, inviting and alien in equal measure.

Helping to celebrate the 50th anniversary of his debut LP, Matthew & Son, released in 1967 via Deram, Third Man Records along with producer Jack White are pleased to announce two new and as of yet unreleased renditions of the earliest singles from Yusuf "Cat Stevens" Islam's vibrant and storied catalog. The project signals more of what's to come from the Blue Room Sessions series. Recorded at label headquarters this past September, the songs find new life with arrangements that are pensive and potent, sharpened by time on the road. The results are far and away a testament to the hustle and vision of all involved.

Ian F. Svenonius and the philosopher of fuzz, black-jacket beat-bopper, bandstand bolshevik, single note savant, tear-stained tape deck, last refuge of ineptitude, sin is in group, ESCAPE-ISM stopped by our Detroit location one spring afternoon and recorded this pan-sonic polymorphously perverse plastic platter live on the Blue Stage. TOP SECRET. DO NOT BUY.

Music springs eternal. Recognising the enduring power of timeless albums to guide us through life, Forever Records is a reissue series dedicated to rediscovering lost musical treasures from across the spectrum of head-feeding, heart-rending electronic music.

Established by Rush Hour co-founder Christiaan Macdonald and Delsin founder Marsel van der Wielen, Forever Records places heartfelt faith in a carefully curated sequence of seminal, largely forgotten records from disparate eras, scenes and spaces within electronic music history. Tipped towards the mellow and introspective, these are albums that stop time when the needle hits the groove, stirring only when it's time to flip over before you sink back into the experience. That's what albums were always meant to be about, back then, right now, always and forever.



The Release:
Striking the sweet spot between sampledelic downtempo and earth-rooted deep house, Fila Brazillia's Old Codes New Chaos is a maverick patchwork of grooves and soundscapes. Crafted in North East England in the vibrant period before chill-out was co-opted by advertising, Steve Cobby and Dave McSherry's sharp-eared funk formula remains a cult classic suite of exquisite productions spanning deep house, broken beat and ambient shot through with wry humour.
Last physically released in limited quantities in 2002, Forever Records are revisiting this 1994 gem with an extensive reissue led by a triple vinyl pressing. As well as a new LP edition of the album, there will also be a uniquely numbered, limited edition housed in a gatefold sleeve that comes with a bonus 10" featuring two previously unreleased tracks.

'Chemistry' and 'Rankine', plus an exclusive print of Catherine Brennand's watercolour painting that graces the front of the album. All editions also features liner notes by veteran music journalist John McCready.

Press response to Old Codes New Chaos:
"The album that made the world finally sit up and take notice of the avant funk grooves coming from Hull's immaculately stoned tech funk magicians." Frank Tope, Mixmag, UK 1994.
"This album… stands out a mile from most of its peers as a work of untouchable genius." Bill Brewster, DJ Mag UK 1994.

"Fila works because they fit into that no man’s land, the space in your record collection where ambient seems too much like wallpaper and house seems just too braindead for your bedroom " Frank Tope, Mixmag, UK 1994.

"Having already created the perfect desert island disc, "Mermaids" and explored the darker side of sub bass on the 17-minute extravaganza "Fila Funk", Fila Brazillia have just unleashed their moving debut LP, "Old Codes New Chaos", and to be quite honest, you'd be fool to miss out this time around." Mandi James, Melody Maker, UK 1994.

“Where Cobby and Man rip up the rulebook on the four to the floor and probably make the greatest afterhours house album in the word”. Tony Marcus, Mixmag, 1996.

Kaum zu fassen - Gimp Fist sind nun schon seit 21 Jahren eine feste Größen der britischen Oi!-Szene. Das Trio hat sich als eine der angesehensten Street-Punk-Bands Großbritanniens etabliert, mit einem einzigartigen Songwriting-Stil fernab der üblichen Klischees, treffsicherem Gespür für mitreißende Songs und eigenem Sound, in Europa ebenso beliebt wie in Großbritannien. Und ihre Street-Punk-Hymnen füllen jedes Jahr den Empress Ballroom mit einer Kapazität von 3.000 Plätzen beim Rebellion Festival in Blackpool. Die Band stammt ursprünglich aus Bishop Auckland, County Durham, und hat seit ihren Anfängen im Jahr 2005 elf Alben, ein halbes Dutzend Singles und drei EPs veröffentlicht. Auch wenn es nicht immer leicht ist auch Anerkennung bei der größtenteils auf London fokussierten Musikpresse zu finden, haben sie doch eine treue Anhängerschaft in UK und ganz Europa gewonnen und sind vor allem dem Publikum des Rebellion Festivals bekannt, wo sie seit 2008 jedes Jahr auftreten. Zwei Jahre nach dem letzten Album "Losing Streak" erscheint nun das 12. Album "Take the Power Back", produziert von Jamie Wilson, mit insgesamt 15 brandneuen Titeln. "Wir haben das Gefühl, dass wir auf diesem Album viele unserer Einflüsse und Stile miteinander verschmolzen haben, ohne dabei das typische Gimp-Fist-Feeling zu verlieren", sagt Sänger und Gitarrist Jonny. Von der Auseinandersetzung mit der aktuellen Wirtschaftslage und den Kämpfen der Arbeiterklasse in Songs wie "Give Me A Reason" bis hin zu den angstgeladenen, an die frühen Rancid erinnernden Tiraden gegen Faschisten und Tyrannen in "Waiting For The Punchline". Mit einer Mischung aus Street-Punk, Ska und Dirty Reggae wird "Take The Power Back" alle alten Fans begeistern und ohne Frage neue Anhänger gewinnen. Als Digipak CD, LP klassisch schwarze (limitiert) oder zweifarbiges "Atomic" Vinyl erhältlich.

Kaum zu fassen - Gimp Fist sind nun schon seit 21 Jahren eine feste Größen der britischen Oi!-Szene. Das Trio hat sich als eine der angesehensten Street-Punk-Bands Großbritanniens etabliert, mit einem einzigartigen Songwriting-Stil fernab der üblichen Klischees, treffsicherem Gespür für mitreißende Songs und eigenem Sound, in Europa ebenso beliebt wie in Großbritannien. Und ihre Street-Punk-Hymnen füllen jedes Jahr den Empress Ballroom mit einer Kapazität von 3.000 Plätzen beim Rebellion Festival in Blackpool. Die Band stammt ursprünglich aus Bishop Auckland, County Durham, und hat seit ihren Anfängen im Jahr 2005 elf Alben, ein halbes Dutzend Singles und drei EPs veröffentlicht. Auch wenn es nicht immer leicht ist auch Anerkennung bei der größtenteils auf London fokussierten Musikpresse zu finden, haben sie doch eine treue Anhängerschaft in UK und ganz Europa gewonnen und sind vor allem dem Publikum des Rebellion Festivals bekannt, wo sie seit 2008 jedes Jahr auftreten. Zwei Jahre nach dem letzten Album "Losing Streak" erscheint nun das 12. Album "Take the Power Back", produziert von Jamie Wilson, mit insgesamt 15 brandneuen Titeln. "Wir haben das Gefühl, dass wir auf diesem Album viele unserer Einflüsse und Stile miteinander verschmolzen haben, ohne dabei das typische Gimp-Fist-Feeling zu verlieren", sagt Sänger und Gitarrist Jonny. Von der Auseinandersetzung mit der aktuellen Wirtschaftslage und den Kämpfen der Arbeiterklasse in Songs wie "Give Me A Reason" bis hin zu den angstgeladenen, an die frühen Rancid erinnernden Tiraden gegen Faschisten und Tyrannen in "Waiting For The Punchline". Mit einer Mischung aus Street-Punk, Ska und Dirty Reggae wird "Take The Power Back" alle alten Fans begeistern und ohne Frage neue Anhänger gewinnen. Als Digipak CD, LP klassisch schwarze (limitiert) oder zweifarbiges "Atomic" Vinyl erhältlich.

Kaum zu fassen - Gimp Fist sind nun schon seit 21 Jahren eine feste Größen der britischen Oi!-Szene. Das Trio hat sich als eine der angesehensten Street-Punk-Bands Großbritanniens etabliert, mit einem einzigartigen Songwriting-Stil fernab der üblichen Klischees, treffsicherem Gespür für mitreißende Songs und eigenem Sound, in Europa ebenso beliebt wie in Großbritannien. Und ihre Street-Punk-Hymnen füllen jedes Jahr den Empress Ballroom mit einer Kapazität von 3.000 Plätzen beim Rebellion Festival in Blackpool. Die Band stammt ursprünglich aus Bishop Auckland, County Durham, und hat seit ihren Anfängen im Jahr 2005 elf Alben, ein halbes Dutzend Singles und drei EPs veröffentlicht. Auch wenn es nicht immer leicht ist auch Anerkennung bei der größtenteils auf London fokussierten Musikpresse zu finden, haben sie doch eine treue Anhängerschaft in UK und ganz Europa gewonnen und sind vor allem dem Publikum des Rebellion Festivals bekannt, wo sie seit 2008 jedes Jahr auftreten. Zwei Jahre nach dem letzten Album "Losing Streak" erscheint nun das 12. Album "Take the Power Back", produziert von Jamie Wilson, mit insgesamt 15 brandneuen Titeln. "Wir haben das Gefühl, dass wir auf diesem Album viele unserer Einflüsse und Stile miteinander verschmolzen haben, ohne dabei das typische Gimp-Fist-Feeling zu verlieren", sagt Sänger und Gitarrist Jonny. Von der Auseinandersetzung mit der aktuellen Wirtschaftslage und den Kämpfen der Arbeiterklasse in Songs wie "Give Me A Reason" bis hin zu den angstgeladenen, an die frühen Rancid erinnernden Tiraden gegen Faschisten und Tyrannen in "Waiting For The Punchline". Mit einer Mischung aus Street-Punk, Ska und Dirty Reggae wird "Take The Power Back" alle alten Fans begeistern und ohne Frage neue Anhänger gewinnen. Als Digipak CD, LP klassisch schwarze (limitiert) oder zweifarbiges "Atomic" Vinyl erhältlich.

First released in 1976, "Metallic K.O." was the fourth album from IGGY & THE STOOGES, a classic, memorable recording of the Stooges confrontational last gig. The Stooges had not been heard since "73"s "Raw Power", and the sound of kamikaze Iggy in between new songs dodging eggs and glasses thrown by Hell"s Angels gave him a new audience in the embryonic punk crowd. It defined Iggy as a punk originator, sold 100k+ and become the Stooges best-selling album. Previously re-issued as an extended, two-CD set with two complete shows (FREUDCD070), it"s now been condensed down to the exact original album edit that shocked and inspired so many. In the 2007 remastering from the original tapes an original tape-speed fault was found - now for the first time the album can be heard in the correct pitch! As Lester Bangs said: "IT"S THE ONLY ROCK ALBUM I KNOW WHERE YOU CAN ACTUALLY HEAR HURLED BEER BOTTLES BREAKING AGAINST GUITAR STRINGS". Recorded 1973 & 74. Inner bag with historical background.

Mana is the International Anthem debut by trombonist and composer Kalia Vandever. The collection carries the spirit of their first solo album, We Fell In Turn, while entering a new landscape of spacious songwriting. Mana, which in Hawaiian means "foundational, supernatural, or divine power and strength", reveals more of their voice and words, drawing from yearning, loss, and bewilderment. Vandever"s music has quickly and widely gained traction in the last few years despite the fact that their style has been consistently difficult to pin down, boasting a compositional scope ranging from the palatial modern jazz of their quartet work to the synthetic, gauze-like droning ambience of their solo material. Mana leans into the expansion of the latter: solo trombone filtered through a well-dialed pedalboard, manipulated live; spare piano à la the late-career work of Ryuichi Sakamoto; electroacoustic interplay simultaneously echoing and transforming the long-note melodicism of Vandever"s melancholic brass work; head-on, unambiguous, and deeply personal lyricism - a particularly fresh move for the composer... Appropriate for the early riser"s first step into the day or the night owl"s weary and quiet walk home.

Michael Hurley ist einer der besten und produktivsten Songwriter der Welt. Diese LP enthält Heimaufnahmen, auf denen Michael Gitarre, Banjo und Orgel spielt. Erhaben und manchmal ein wenig seltsam - ein neuer Klassiker für die Ewigkeit. Zu den Songs gehören ,The Kentucky 3" - ein wunderschönes Instrumental-Medley aus Liedern, die an Kentucky erinnern, ,Charona" - eine großartige Banjo-Ballade, ,Tender is the Guitar" - eine traurige, von der Orgel getragene Ballade, ,Boone and Jocko" - ein langjähriger Favorit aus Michaels Live-Sets, der endlich auf Platte erschienen ist, ,Cuckoo Rock" und ,Lo Bonney" - zwei einzigartige Neuinterpretationen traditioneller Balladen, ,Dragging the Indian" - ein karges Instrumentalstück und vieles mehr. Lassen Sie sich dieses Meisterwerk nicht entgehen. Covergestaltung von Michael selbst.

The first OM album, Variations on a Theme, features Al Cisneros bass, vocals and Chris Hakius drums. It was produced by OM and originally released in 2005 on Holy Mountain. Variations on a Theme is comprised of three long songs employing a series of rhythmic chants whose cadence-like textural drive conveys flight. Recorded with Billy Anderson.

Originally released in 2003, With A Heartbeat brings together Pharoah Sanders, Bill Laswell and Graham Haynes in a collaboration that remains as elusive as it is forward-thinking. Now reissued by Glossy Mistakes, the album receives its first official vinyl edition, remastered and available both in standard black and a limited burgundy pressing.

At the core of the record lies an unusual but striking element: the steady pulse of a human heartbeat. Rather than a conceptual gesture, it becomes the foundation of the music itself-treated as a deep, bass-like rhythm that anchors the entire album. Around it, Laswell builds his unmistakable sonic world, drawing from dub techniques where basslines expand, dissolve, and re-emerge, and where space becomes as important as sound.
Across its extended compositions, the album unfolds slowly and deliberately. Layers of electric sitar, guitar, keyboards and subtle percussion drift in and out, creating a fluid, almost tidal movement. The heartbeat remains present throughout, grounding even the most abstract passages in something physical and immediate.

At the center stands Sanders' saxophone-searching, expansive, and deeply spiritual. His playing moves freely across the structures, at times echoing the lineage of John Coltrane, while also reaching beyond it. Alongside him, Haynes adds a complementary voice, weaving through the shifting textures.

The result is a work that resists easy definition: part spiritual jazz, part future-facing experiment, shaped by dub's sense of space and transformation. Meditative, immersive, and deeply rhythmic, With A Heartbeat unfolds like a living organism-guided not by fixed tempo, but by the pulse of life itself.
With this release, Glossy Mistakes continues its work of bringing essential and forward-thinking recordings into new formats, preserving their depth while opening them to new listeners.

White/Orange Splatter Vinyl. To All The Ones That I Love wurde im bandeigenen Studio im Westen Melbournes aufgenommen, wobei Gitarrist Greg Rietwyk für Produktion und Mix zuständig war, bevor das Album von Kris Crummett (Closure in Moscow, Dune Rats, Currents) gemastert wurde. Dies ist das vierte Album von Press Club, und die Reife der Band spiegelt sich in den zehn Tracks wider. Dem Hörer wird ein Ritt durch verschiedene Genres geboten, während das Album Themen wie Introspektion, Entwicklung, Veränderung und das Lernen aus vergangenen Fehlern durchläuft. Die Band beschreibt die Entstehung des Albums als eine unglaublich spannende, kreative und befreiende Erfahrung: Die Songs wurden alle gemeinsam in ihrem Studio über mehrere Monate hinweg geschrieben. Diese Art des Schreibens gab der Band die Freiheit, mit verschiedenen Genres zu experimentieren und die Tiefen all ihrer Einflüsse auszuloten.

The definitive 1998 True Metal Masterpiece - reissued on red vinyl!

WRWTFWW Records presents the first ever vinyl release for the Startled Insects’ 1984-1985 abstract/synth-pop/post-punk/electronic run compiled into one album : The Antenna Years. The Bristol music must-have comes as a limited edition LP with astonishing artwork, liner notes and a heavyweight sleeve.
The Antenna Years compiles the independent EPs/mini-LPs the Startled Insects released in 1984 (self-titled) and 1985 (Underworld/Black Spring), with two bonus unreleased tracks that were only ever played in their live shows (W.W.W and What A Waste, both amazing).
Astonishingly futuristic when they landed in 1984, the Startled Insects sounded like they came from another planet while staying rooted in Bristol’s underground. Abstract electronic, leftfield synth-pop, dub science, gamelan heat, post-punk edge, cinematic atmosphere : The Antenna Years delivers one beautifully odd voyage into the sonic unknown.

In the 90s, the band released two albums, including the classic Curse Of The Pheromones via Antilles New Directions (Island Records), then evolved into The Insects: film composers for BBC/National Geographic, Emmy winners, and key architects of the 90s Bristol orbit, working with Massive Attack, Goldfrapp, Tricky, and members of Portishead.

Four decades on, The Antenna Years still hits like a transmission from the future. Dive in with no fear.

Seit mehr als drei Jahrzehnten befindet sich AFI in einem nahezu ständigen Prozess der Neuerfindung. Die Band hat es sich zum Ziel gesetzt, sich mit jedem Album weiterzuentwickeln - manchmal sogar dramatisch - und sich niemals zu sehr in einem Genre einzurichten oder sich auf ihren beeindruckenden Erfolgen auszuruhen. Dieser Ansatz hat ihr Publikum vergrößert, aber auch herausgefordert mit einer klanglichen Identität, die sich in wilde, unerwartete Richtungen entwickeln kann. Mit ihrem zwölften Album "Silver Bleeds the Black Sun_" stehen AFI erneut am Anfang eines mutigen neuen Kapitels, nur dass sie es diesmal geschafft haben, sich selbst zu überraschen. Wie schafft es eine Band, die für kreative Umbrüche bekannt ist, immer wieder Wege zu finden, sich selbst aus ihrer Komfortzone herauszuziehen? Normalerweise beginnt die Band ein Album, indem sie sich sofort in das Schreiben stürzt und sich einfach von ihrer intuitiven musikalischen Sprache leiten lässt. Für "Silver Bleeds the Black Sun_" jedoch haben AFI sich bewusst dazu entschlossen, ihren kreativen Ansatz komplett zu ändern. Diesmal begann alles mit einer Frage: Wie könnten sie neue Wege beschreiten? Der Schlüssel zum Fortschritt lag letztendlich in der gemeinsamen Vergangenheit von AFI. "Wir begannen mit etwas, das wie Echo & the Bunnymen klang", erklärt Gitarrist Jade Puget, der das Album produzierte und abmischte. "Aber schließlich landeten wir bei dieser Mischung aus Death Rock und Postpunk - all diesen Einflüssen aus den späten 70ern und frühen 80ern, mit denen wir aufgewachsen sind, wie Sisters of Mercy, Bauhaus und Siouxsie and the Banshees." Das Ziel war es, ein Album mit einer einzigartigen Stimmung zu schaffen, etwas Verträumtes und Ätherisches, und die Bandmitglieder tauchten kopfüber in Einflüsse ein, die schon immer tief in der Musik von AFI verwurzelt waren, jetzt aber in den Vordergrund rückten. "Silver Bleeds the Black Sun_" ist düster und jenseitig, aber auch grandios und würdevoll, bissig und schön zugleich - mit anderen Worten: Es ist sehr AFI, aber doch anders als alles, was man bisher von der Band gehört hat.

Futurismo präsentiert das legendäre Debütalbum "Only Theatre Of Pain" (1982) der Gothic-Legenden Christian Death in neuen limitierten Deluxe-Formaten - remastert und erweitert um frühe Demos und rarem Material, samt Poster. "Only Theatre Of Pain" gilt als Meisterwerk und Ursprung des Deathrock - ein wegweisendes Epos von unheiliger Kraft und tiefschwarzer Emotionalität. Obwohl seine Wurzeln im Punk liegen – die Ursprünge der Christian Death-Originalbesetzung liegen in der Früh-1980er Hardcore-Explosion in Südkalifornien –, kann die Bedeutung dieses Werks für die nachfolgende Musiklandschaft nicht hoch genug eingeschätzt werden. Wie ein Adrenalinstoß ins Herz der Finsternis entspringt diese ungezügelte und geheimnisvolle Aufnahme bis heute jeder Kategorisierung. Mit dem visionären Rozz Williams (damals noch Teenager) sowie Punk-Legende Rikk Agnew (Adolescents), James McGearty und George Belanger präsentiert "Only Theatre Of Pain" eine musikalische Erkundung, geprägt von psychosexueller Lyrik und einem tiefen Glaubenskampf, aufgenommen innerhalb weniger Tage mit Produzentenlegende Thom Wilson. Klanglich und visuell seiner Zeit voraus, ist dieses Stück sakrilegischer US-Punk ein absolutes Muss für alle, die sich für Gothic begeistern, für Fans von The Misfits, Bauhaus und The Cramps.

The second OM album, Conference of the Birds, also features Al Cisneros and Chris Hakius, with production by OM, originally released in 2006 on Holy Mountain. With Billy Anderson (of the Melvins, among others), they deliver an intelligent, hypnotic doom drone album featuring elements of dub and psychedelia, alongside monotonous vocals. Two tracks: minimalist and a logical continuation of Sleep"s sound.

The first OM album, Variations on a Theme, features Al Cisneros bass, vocals and Chris Hakius drums. It was produced by OM and originally released in 2005 on Holy Mountain. Variations on a Theme is comprised of three long songs employing a series of rhythmic chants whose cadence-like textural drive conveys flight. Recorded with Billy Anderson.

Strictly limited to 150 copies. DJ use only.

By popular demand, almost two years after its original release, we're finally pressing one of MM Discos' most iconic records to vinyl. A record that, in many ways, captures the label's vibe, spirituality, and sonic identity.
Daichi landed in 2024 with standout versatility, effortlessly pulling almost any genre into a balearic universe, bending it to his own language.
From the proto-tropical trance of "See of Cosmic" to the loose, hard-to-pin-down house of "Dampness," somewhere between Madchester moods and an Arthur Russell-esque swing. Late-night energy runs through "You Got Me" and "Aja Aja" - the former riding a garage swing, the latter drifting further into that signature cosmic space. To close it out and ease the tempo down, Daichi moves into more disco-leaning territory with a pair of understated but heavyweight edits.

Music springs eternal. Recognising the enduring power of timeless albums to guide us through life, Forever Records is a reissue series dedicated to rediscovering lost musical treasures from across the spectrum of head-feeding, heart-rending electronic music.

Established by Rush Hour co-founder Christiaan Macdonald and Delsin founder Marsel van der Wielen, Forever Records places heartfelt faith in a carefully curated sequence of seminal, largely forgotten records from disparate eras, scenes and spaces within electronic music history. Tipped towards the mellow and introspective, these are albums that stop time when the needle hits the groove, stirring only when it's time to flip over before you sink back into the experience. That's what albums were always meant to be about, back then, right now, always and forever.



The Release:
Striking the sweet spot between sampledelic downtempo and earth-rooted deep house, Fila Brazillia's Old Codes New Chaos is a maverick patchwork of grooves and soundscapes. Crafted in North East England in the vibrant period before chill-out was co-opted by advertising, Steve Cobby and Dave McSherry's sharp-eared funk formula remains a cult classic suite of exquisite productions spanning deep house, broken beat and ambient shot through with wry humour.
Last physically released in limited quantities in 2002, Forever Records are revisiting this 1994 gem with an extensive reissue led by a triple vinyl pressing. As well as a new LP edition of the album, there will also be a uniquely numbered, limited edition housed in a gatefold sleeve that comes with a bonus 10" featuring two previously unreleased tracks.

'Chemistry' and 'Rankine', plus an exclusive print of Catherine Brennand's watercolour painting that graces the front of the album. All editions also features liner notes by veteran music journalist John McCready.

Press response to Old Codes New Chaos:
"The album that made the world finally sit up and take notice of the avant funk grooves coming from Hull's immaculately stoned tech funk magicians." Frank Tope, Mixmag, UK 1994.
"This album… stands out a mile from most of its peers as a work of untouchable genius." Bill Brewster, DJ Mag UK 1994.

"Fila works because they fit into that no man’s land, the space in your record collection where ambient seems too much like wallpaper and house seems just too braindead for your bedroom " Frank Tope, Mixmag, UK 1994.

"Having already created the perfect desert island disc, "Mermaids" and explored the darker side of sub bass on the 17-minute extravaganza "Fila Funk", Fila Brazillia have just unleashed their moving debut LP, "Old Codes New Chaos", and to be quite honest, you'd be fool to miss out this time around." Mandi James, Melody Maker, UK 1994.

“Where Cobby and Man rip up the rulebook on the four to the floor and probably make the greatest afterhours house album in the word”. Tony Marcus, Mixmag, 1996.

Originally released in 1990 by Happy Mondays, Pills ‘n’ Thrills and Bellyaches captured the chaotic, euphoric spirit of the Madchester movement, blending indie rock, acid house rhythms and funk grooves into a sound that helped reshape British alternative music. Featuring era-defining tracks such as “Step On” and “Kinky Afro,” the record became both a commercial breakthrough and a cultural snapshot of a generation fuelled by dance culture and Northern nightlife.

More than three decades later, its grooves, attitude and genre-blurring production still resonate strongly with contemporary audiences, influencing modern indie and electronic artists alike.

1LP Red Edition. All original audio remastered from Factory Records master tapes. Includes original album and brand new liner notes by James Brown.

RICE TBC

Songs Before Bed (2022) marks Otto Benson’s first physical release under his own name, following earlier
work under aliases including Memo Boy, OTTO, and Pudding Club.

Originally published as a digital-only release through Otto's own WNOADIARWB website and platforms on
New Year's Eve 2022, Songs Before Bed bridges the gap between the more experimental psychedelic
electronic works of OTTO and his most recent release, the acclaimed Peanut, released on NYE 2025.
Blending brief pop fragments with melodic bedroom guitar, droning ambient shoegaze textures, and blissful
IDM jaunts reminiscent of the Rephlex catalog, the album offers a seamless overview of Otto Benson's
genre-defying sound. Originally conceived as a late-night record, Songs Before Bed (2022) rewards
listening at any hour.

Remastered for vinyl by Stephan Mathieu and pressed on Sonopress EcoRecord, an environmentally
conscious alternative to PVC, special care was taken by Palto Flats and Otto Benson to make a sustainable
product without sacrificing sound quality.

The Body"s landmark record Master, We Perish, originally released in 2013, found the acclaimed duo at a crossroads in their career. Recorded just before the duo of drummer Lee Buford and guitarist/vocalist Chip King were leaving their longtime home of Providence for Portland and released in between their breakthrough albums All the Waters of the Earth Turn to Blood and Christs, Redeemers, Master expanded on the duo"s love of layered worldbuilding with more precision and a stronger emphasis on percussive samples than ever before. The seeds of the duo"s celebrated collaborative inclination are evident as the album features Assembly of Light Choir leader Chrissy Wolpert, choir member Reba Mitchell, Otesanek vocalist Leslie Weitz, and guitarist David Lifrieri. With the expanded edition, the album"s striking cover painting by Providence mainstay Manifester aka Matt Brinkman (Mindflayer, Forcefield) is finally rendered in its original form. Master, We Perish is expanded with rare bonus tracks from The Body"s early days, taken from a pair of rare 7" singles Cop Killer/Dead Cops as well as a split with Get Killed. These storied singles mark the first time the band truly pushed the boundaries of sound in the studio and on record. It also marks the beginning of The Body"s practice of wielding the studio as a veritable weapon to translate their gargantuan sound with deeper impact on LP. The results are not only pushing the capacity of the album format but are sonically riveting. The bonus material was recorded at Machines with Magnets. The band described them economically: "NASTY."

Hyperdreams returns with Caim — Dream Ritual, a transmission pulled from a forgotten exoplanet where forest and machine have fused into a single ecosystem. Synthetic vines wrap through dead circuitry. Somewhere inside it, an alien tribe is still performing rituals to keep the system alive.

Vinyl Best of album Recorded Live at the Coronet, London 29th August 2004 Charged GBH: Colin Abrahall: Vocals / Jock Blyth: Guitar / Ross Lomas: Bass / Scott Preece: Drums Also available on CD+DVD Cat No. SECDP134 ‘City Baby Attacked By Rats’.
Full mailout to relevant music press and radio. Full promotion across social media platforms Advertising in Record Collector, Viva le Rock, Shindig

Nach der Veröffentlichung von „idea 1“, kündigt Kelela ihr neues, drittes Album an, das am 10. Juli bei Warp Records erscheint – und veröffentlicht die zweite Single „linknb“, produziert von Oscar Scheller.

Der Track entstand in einer Phase der Schreibblockade und begann als Mantra, das Kelela schrieb, um sich wieder an die Arbeit zu bringen. Angeführt von einem labyrinthischen Gitarrenriff über treibenden Metal-Drums ist „linknb“ ein Song über Selbstvertrauen, das man sich durch Schwierigkeiten erarbeitet hat, darüber, sich nicht klein machen zu lassen. „Es ist nicht schwer, mutig zu sein / Es ist leichter, zu viel preiszugeben / Ich weiß nur, dass ich den Weg geebnet habe, unterbezahlt.“

Das von Mischa Notcutt inszenierte Video versetzt Kelela in die Mitte einer urbanen Traumlandschaft. Als enger Freund und Kelelas ehemaliger Kreativdirektor war Notcutt die naheliegende Wahl. Das Video lässt Realismus und Abstraktion ineinanderfließen und verwandelt eine einsame Reise in eine Meditation über Selbstfindung und Erneuerung.

Mit „new avatar“ rückt alles, worauf Kelela hingearbeitet hat, in den Fokus. Sie begann ihre ersten Songs in der Indie-Szene von Washington, D.C. zu schreiben, bevor die Clubmusik und die elektronische Produktion, die ihre frühe Karriere prägten, die Oberhand gewannen. Mit „new avatar“ schließt sie den Kreis: R&B, unterlegt mit verzerrten Gitarrenklängen, trifft auf neue Schnittstellen in der Tanzmusik und gipfelt in einem Sound, der aus all den musikalischen Einflüssen schöpft, die sie je geprägt haben. Das Album enthält zudem Kollaborationen mit PinkPantheress, A. K. Paul und Fousheé.

„Dieses Album findet Trost in der Konfrontation“, sagt Kelela. „Ich möchte nicht, dass die Musik von dem ablenkt, was wirklich in der Welt vor sich geht; ich möchte, dass sie in dieser verrückten Zeit Sinn ergibt und den Menschen gleichzeitig hilft, mit der Schönheit und Freude in Kontakt zu kommen, die sie ebenfalls erleben.“

Das Album setzt sich mit einer Welt auseinander, die aus allen Nähten auseinanderfällt, und mit der Klarheit, die das Überleben erfordert.

„Die Leute sollten auch wissen, dass meine Freunde und ich ständig lachen und dass Humor kein Abwehrmechanismus ist; er ist Ausdruck dafür, wie scharfsinnig wir die Dinge einschätzen und wie klar wir die Welt sehen.“

Im Kern schildert „new avatar“ eine vielschichtige Erfahrung, und obwohl die Außenwelt präsent ist, schwächt sie Kelelas Entschlossenheit zu keinem Zeitpunkt.

About Kelela: Throughout her globally revered, boundary-pushing career, Kelela has established a lane of her own in R&B and electronic music. On her long-awaited third album, new avatar, the singer/songwriter (through the versatility of the guitar) challenges perceptions of these genres, while weaving together fragments of lived experiences to shape a world of connection and resilience during times of unrest.

The songs journey through Black femme rage, joy as resistance, Gotham City-esque dystopia, misogynoir, romantic tension, and more. It’s anchored by production that demands a broader rethink about alternative, rock and indie music.

Kelela’s defiant nature has propelled her so far already — from her hometown of Washington, D.C to world stages. In 2013, she released her debut mixtape, Cut 4 Me. She continued solidifying her revolutionary R&B sound with 2015’s Hallucinogen EP, with The New York Times naming its single, “Rewind,” one of the “25 Songs That Tell Us Where Music Is Going”. By 2017, she released her electric debut album Take Me Apart (which was followed by 2018’s TAKE ME A_PART, THE REMIXES), building upon her intimate storytelling.

After a nearly five-year hiatus, she returned in 2023 with her groundbreaking second album, Raven, and its critically-acclaimed counterpart, RAVE:N, The Remixes in 2024. Raven has been hailed as one of the ‘Best Albums of 2023’ by Pitchfork, Billboard, Vulture, Variety, and more, while the remixes solidified her as a leader in the dance music space.

In 2025, Kelela showcased yet another innovative side of her artistry with her live album In The Blue Light, which hit #5 on the Contemporary Jazz chart and #20 on the Jazz Albums chart. Now, with new avatar, Kelela displays the masterful intention she puts into forming new sonic cityscapes. But don’t confuse it with escapism: “I don't want the music to be a distraction from what's really going on in the world; I want it to help you get into it.”

Neu-Auflage auif schwarzem Vinyl im Gatefold

Die schwedischen High-Energy-Rocker The Hellacopters haben kürzlich ihr 30-jähriges Jubiläum gefeiert und nach der Veröffentlichung ihres neuen, vielgelobten Albums »Overdriver« am 31. Januar 2025, das zum zweiten Mal in der Bandgeschichte Platz 1 der schwedischen Charts erreichte 1 der schwedischen Charts erreichte – ist es nun an der Zeit, ihrer treuen Fangemeinde etwas wirklich Nostalgisches zu bieten.

»Cream Of The Crap! Collected Non-Album Works • Volume 3« ist der lang erwartete Nachfolger einer Reihe von Raritäten-Sammlungen, die 2002 begann und Material aus einer Vielzahl von Singles, EPs und Compilations vereint. Die 24 Titel dieses Sets wurden ursprünglich zwischen 1995 und 2004 veröffentlicht, die meisten davon nur auf Vinyl, und umfassen Originale wie »Disappointment Blues«, »Freeway To Hell«, »Doggone Your Bad-Luck Soul« und »Long Gone Losers« sowie Coverversionen von Songs von Motörhead, Wilson Pickett, Mc5, Smokey Robinson, Alice Cooper, The Ramones, The Nomads, Adam West – dessen Sänger Jake Starr die Liner Notes für diese Veröffentlichung verfasst hat – und vielen, vielen anderen.

The Womack Sisters – Kucha, Zeimani und BG Womack – sangen schon, bevor sie laufen konnten. Ihr gleichnamiges Debütalbum „The Womack Sisters“ aus dem Jahr 2026 ist der musikalische Höhepunkt der langen und kurvenreichen Reise der drei Schwestern auf der Suche nach sich selbst. In einer Sammlung von Stücken voller intensiver Soul-Power, die an eine Zeit erinnert, als Popmusik noch Substanz, Atmosphäre und Sinn hatte, kommt jede ihrer unverwechselbaren Stimmen im Rampenlicht zur Geltung.
Die Schwestern wuchsen auf der Straße auf. Ihre Schulen waren Bühnen und Studios auf der ganzen Welt, wo sie hinter ihren Eltern, Zekkariyas & Zeriiya (ehemals Womack & Womack), zusammen mit ihren vier Geschwistern sangen. Nirgendwo waren sie lange zu Hause. Egal, wo sie lebten – London, Thailand, Amsterdam, Kenia, Paris, Sydney, Zürich, Wien, Tansania, New York, Miami, West Virginia, die Bahamas – sie waren immer von Musik und Familie umgeben.
Als Enkelinnen des legendären Sam Cooke und Nichten von Bobby Womack stammen die Schwestern aus einer Soul-Dynastie, die tief in ihrem musikalischen Wesen verwurzelt ist. Das Album „The Womack Sisters“, das am 14. August bei Daptone Records erscheint, blickt nach vorne, indem es zurückblickt: Es ist eine Hommage an die Tradition ihrer Familie und schafft gleichzeitig einen Sound, der ganz und gar ihr eigener ist.

Featuring virtuosos of "Contemporary Armenian" music such as Bei Ru, Lara Sarkissian and Armen Ra, as well as shedding a light on the independent music scene in Yerevan, "YERAZ" is an exercise in ethnomusicology. Classical songs and instruments collide with the full spectrum of electronic-based music from ambient to techno and everything in between, building a mosaic inside of a specific cultural context. Whether you are looking to get lost in meditation or bring dynamic energy to a room, this record serves as a tool kit for all intents and purposes with a traditional touch. The double-LP is split between Angeleno artists (Sides A and B) incorporating folk instruments and melodies to reinterpret the "Contemporary Armenian" idea outside of the established pop landscape, and Yerevani artists (Sides C and D) emulating popular musical trends of the West through their native lexicons. Critique will be donating 100% of its net profits from sales of YERAZ to Kooyrigs, a non-profit organization providing resources for women and transparent aid to the Armenian homeland.

Joyce und Tutty Moreno, die legendäre Sängerin/Gitarristin und der Schlagzeuger, die maßgeblich den Klang der brasilianischen Popmusik geprägt haben, haben sich mit Adrian Younge zusammengetan, um JID027 zu erschaffen. Das Ergebnis ist ein Album, das die ätherische Schönheit kollektiver Improvisation, die Schwere der Saudade und die unzerstörbare Verbindung zwischen zwei der angesehensten Musiker Brasiliens einfängt.Das Album bewegt sich in einem feinen Gleichgewicht zwischen Vorausplanung und Improvisation. Joyce' Kompositionen - ,Mandala", ,Uaná Eté", ,Is This Love?", ,Fingers" und ,Janeiro" - stehen neben instrumentalen Stücken von Younge, in denen Joyce' Stimme selbst zum Instrument wird: mal wie ein Horn, mal wie eine Flöte, ein wortloser Strom aus Melodie. Den Abschluss bildet ,Círculo Vicioso", eine Vertonung eines ikonischen Gedichts von Machado de Assis, Brasiliens bedeutendstem Schriftsteller. Joyce' gesprochene Worte, vorgetragen in ihrer Muttersprache Portugiesisch, verwandeln das Stück in eine Meditation über Leben, Tod und die zyklische Natur der Kunst.

Natalie Imbruglia ist Millionen von Menschen mit ihrem weltweiten Hit "Torn" bekannt, einer der bis heute prägendsten Songs der Neunziger. Damit begann eine außergewöhnliche Erfolgsserie, die u.a. 2 BRIT Awards, 3 Grammy-Nominierungen, 8 ARIA Awards und 7 Mio. verkaufte Exemplare ihres Debütalbums "Left Of The Middle" umfasst. In jüngerer Zeit stand sie durch Auftritte an der Seite von Olivia Rodrigo erneut im Rampenlicht. Jetzt ist der perfekte Moment für ein neues Kapitel: ihr neues Album Algorithm mit der Lead-Single "Upside Down".

Algorithm zeigt Natalie Imbruglia in einer neuen Ära – geprägt von Selbstermächtigung, Freiheit und kreativer Erfüllung. Das erste Album der australisch-britischen Pop-Ikone seit fünf Jahren ist eine echte Tour de Force: ein zutiefst persönliches Werk, das eindrucksvoll daran erinnert, warum wir uns ursprünglich in ihre Musik verliebt haben. Es erscheint in einer Zeit, in der sich der kulturelle Zeitgeist wandelt und Popmusik wieder stärker zur Tanzfläche tendiert – mit einer Ausrichtung, die sich an den eleganten Pop-, Disco- und House-Elementen von Robyn orientiert.

Nach dem UK-Top-10-Comeback mit Firebird (2021) meldet sich Natalie Imbruglia auf Algorithm voller Energie und Tatendrang zurück. Sie ist Co-Produzentin und -Autorin jedes Songs, neben namhaften Kollaborateur:innen wie MyRiot (London Grammar), David Sneddon (Lana Del Rey), Fraser T Smith (Adele, Stormzy, Sam Smith), Gary Lightbody von Snow Patrol, Anu Pillai (Lewis Capaldi), Tobie Tripp (George Ezra), Mark Crew (Bastille, James Arthur) und Dan Priddy (Rag’n’Bone Man, Bastille). Im Anschluss an die Veröffentlichung des Albums wird Natalie Imbruglia ausgewählte Festivaltermine spielen und auf Tour gehen.

Neon Electronics presents “Liberation”, the final chapter of the project born as the successor to The Neon Judgement—an essential vehicle for Dirk Da Davo, an artist who helped lay the foundations of EBM and post-punk. As co-founder of The Neon Judgement, he forged a sonic language that continues to resonate across generations. With “Liberation”, he brings Neon Electronics to a close, marking the end of this era with clarity and intent.

Joined by longtime collaborators Glenn Keteleer (Radical G) and Pieter-Jan Theunis, this release captures the essence of his most vital years. It distills the spirit of the ’80s and early ’90s into a sequence of tracks that unfold like a collection of undeniable hits—direct, timeless, and uncompromising.

The record reaches its final form with remixes by Ancient Methods, a leading force in industrial techno, and Patrick Codenys of Front 242—one of the few acts whose legacy stands alongside Dirk’s own.

For the label, presenting this final work is both a privilege and a responsibility: a closing statement from one of the true architects of the sound itself, and the definitive work of Neon Electronics as a project.

Basking in the glow of Lightsaber, the swashbuckling synthesizer synergy of Tending Tropic, Kay-Chi and Sharlese debuts. A cross-continent collaboration that bridges the Atlantic, this group joins forces through a shared passion for italo and wave with their sound set firmly on the floor. The title track is analogue brightness, drums drive a melody that dips and soars next to Sharlese’s uplifting lyrics. Energy levels are high from the needle drop. Cymbals crash for “Timeloop.” Vocoder words are softened by gently scaling chords before generous builds give way to sparking synthwork. Disco flourishes and bongos break to spiralling notes in the playful “Luminara.” Cosmic influences radiate through key shifts and understated toms in this celebration of the night sky. “Inertia” marches to a heavy-hitting beat. Industrially dipped, the percussion is fortified by a simmering melody that spills over into a bold body-throbbing close. Despite being oceans apart, this is a partnership light years ahead.

One of the best mid 70s roots tunes, reissued the way we always wanted to see it. The Officials (later known as Earth & Stone) "Babylonian" was released on a very rare Jaguar 45 as a solo vocal, but also had a lesser known release on a Dynamic Sounds compilation album. That album cut is a duo harmony vocal over a slightly different take of the rhythm, and never reissued on vinyl before. Both vocal cuts are now paired back to back in crisp master tape quality.

Anthony Hüseyin presents their new album O Geliyor (Making O), in which they return to the rediscovery of their gender, their childhood, and their attachment to Zeki Müren.

Müren is widely regarded as the most important queer exponent in the history of Turkish Art Music (Türk Sanat Müzigi). This genre of music was open to musical hybridism, and Müren himself also included elements of jazz and pop music.
Stylistically, O Geliyor (Making O) is a combination of contemporary discoid electro-pop music, based on Turkish Art Music by Zeki Müren. After successful current re-interpretations of Turkish music styles like neo-Anatolian pop and neo-Arabesk, this album provides a first take on neo-Turkish Art Music.

The album title is referring to the third genderless person pronoun in Turkish called "O", which encompasses all gender possibilities in one word. The album reflects on the memories that haunt us and the indescribable wounds of displacement. Set against the backdrop of Berlin, home to many immigrants and political and queer refugees, it exposes the profound emptiness in a metropolis wishing to imagine itself as a safe haven for the free-spirited, yet always reminding the Other that they don't belong. At the same time, it delivers anthems for the displaced, for the queer migrants who traverse internal and external landscapes in search of a place called home.

Anthony Hüseyin is a non-binary musician and performance artist of Kurdish-Turkish and Arabic descent who works with voice, text, film, dance, and installation. Raised in Urfa in Southeastern Turkey, where they learned traditional local music, they went on to study both classical and jazz singing in Istanbul and Rotterdam. Their works combine the personal and political to explore memory, identity, community, collective consciousness, and the body.

Hip Hop icon and one of the genre’s most distinctive voices, Big L returns with 'Harlem's Finest: Return Of The King', the latest release in Mass Appeal's 'Legend Has It...' series.

Features guest appearances from Nas, JAY Z, Mac Miller, Joey Bada$$, Method Man and more

“Nimm die rosa Brille … sag was Du siehst … alles viel besser”

44 years after its original release, one of the most idiosyncratic DIY minimal electronics / synth / new wave records of the early ’80s returns: the legendary 7” by German group DEUTSCHE SCHÄFERHUNDE (engl. German shepherds)—now remastered and reissued for the first time as a one-sided 12” on Anna Logue Records. Recorded in the winter of 1981/82 between rehearsal space, provincial disco and bar nights, and a humble four-track setup, these tracks capture the raw spirit of a generation that simply started creating—no formal training, but plenty of attitude. Minimalist, uncompromising, and inspired by krautrock, punk, new wave, electronic music and dub, the songs move between raw electronics, percussive noise, new wave experimentation, and sharp social commentary. „Rosa Brille“ (rose coloured glasses) in particular feels as urgent today as it did back then—a track that has lost none of its relevance, „Gasmasken“ tells of gas masks dancing in the woods to the sound of sirens, and a timeless Holger Czukay/Jah Wobble inspired „Mein Herz“ (my heart).

Originally pressed in a small run of just 500 copies and later becoming a sought-after collector’s item now worth 200€, the record now returns in a carefully crafted edition featuring a laser-printed reverse side and additional materials such as original lyric sheets and articles, postcard and poster. DEUTSCHE SCHÄFERHUNDE thrived on paradox—a provocative name paired with a clear stance, and lyrics that still resonate today. Shaped by Cold War tension, political unease, and youthful rebellion, their sound refused to fit into any neat category. Only few other bands, such as Der Musikant, Im Namen des Volkes, Thorax Wach, Klinisch Sauber oder Stephan Eicher spielt Noise Boys come to mind.

This release is more than a reissue—it’s a document of its time that still hits with full force.

12″ features: limited to 400 copies, hand-numbered, one-sided 180g black vinyl, laser-etched B-side, outer sleeve printed on reverse side of the board, printed inner sleeve with original lyrics sheets and original articles, DIN A3 poster, double-sided postcard

A founding member of the legendary Wu-Tang Clan, Ghostface Killah is Hip Hop’s masked poet — known for his cinematic storytelling, gritty slang, and razor-sharp delivery. With classic albums like Supreme Clientele and Fishscale, Ghostface carved his name into rap history as one of the most original and consistent voices in the game. The Wait is Over. Supreme Clientele 2 is FINALLY here. The highly anticipated album is a vivid- late-night noir where every bar brought Ghost’s inner thoughts to life. From Staten Island to sold out stages worldwide.

HolyBrune begeistert mit ihrer sanften Stimme und eingängigen Toplines. Als Singer-Songwriterin und Komponistin erlangte sie erstmals Aufmerksamkeit an der Seite von Dabeull mit dem goldzertifizierten Hit „You & I“. Mit „Visions“ liefert sie eine intergalaktische Ode an die Liebe, die kosmische Romantik und Retro-Futurismus miteinander verbindet. Verspielt und luftig vereint der Track Vocoder, Talkbox, groovigen Bass und kitschige Synthesizer – eine lebendige Hommage an die 80er-Jahre und The Rah Band.

Focus Track: Bear Hill Album Description: Raekwon’s The Emperor’s New Clothes is a sharp return to form, showcasing the Wu-Tang veteran’s lyrical precision and timeless street wisdom. The album is powerful with equal parts - high-quality bars and carefully sculpted production. Raekwon recruits a stacked lineup of guests, including Nas, Griselda, Method Man, Inspectah Deck, and Ghostface Killah, injecting the project with gritty energy and legacy chemistry. Marsha Ambrosius and Stacy Barthe provide smooth, soulful hooks, adding emotional layers to the hard-edged verses. Production comes courtesy of Nottz, Swizz Beatz J.U.S.T.I.C.E League and more. The LP is a reminder of Raekwon’s enduring power as a lyricist and curator. A veteran artist showing that mastery doesn’t need excess. The Emperor’s New Clothes is regal, streetwise, and sharply tailored for those who value craft.

Snoop Dogg’s 22nd album is a tight, 35-minute project that blends his classic G-Funk style with a more futuristic sound.

Featuring production from Pharrell Williams, Swizz Beatz, and Erick Sermon, it moves between high-energy tracks like

“Step” and smoother moments like “QTSAMYAH” with October London. The album presents a polished, cinematic look at Snoop’s evolution,

reinforced by an accompanying short film, showing his style and influence remain strong in 2026.

Snoop Dogg’s 22nd album is a tight, 35-minute project that blends his classic G-Funk style with a more futuristic sound.

Featuring production from Pharrell Williams, Swizz Beatz, and Erick Sermon, it moves between high-energy tracks like

“Step” and smoother moments like “QTSAMYAH” with October London. The album presents a polished, cinematic look at Snoop’s evolution,

reinforced by an accompanying short film, showing his style and influence remain strong in 2026.

TALCO melden sich mit ihrem bisher wohl ambitioniertesten Werk zurück. "Freek" erscheint am zweiten Freitag des Jahres 2027! Eine kühne und unverblümte Reise durch mentale Käfige, ruhelose Gedanken und schwebende Träume. Das Album präsentiert TALCOs unverkennbare Punk-Ska-Energie mit einer schärferen, introspektiveren Note. Geschrieben von Tomaso De Mattia (Dema), Sänger und Frontmann von TALCO, setzt sich das Album mit den unsichtbaren Strukturen auseinander, die uns in einer von Image und Performance besessenen Welt prägen. Im Zentrum steht die Frage: "Lohnt es sich, den Traum vom offenen Meer aufzugeben, nur um ein von anderen entworfenes Rennen zu gewinnen?" Es ist ein Konzeptalbum, das mit surrealem Storytelling eine statische, dekadente Gesellschaft reflektiert, die unfähig scheint, kulturelle oder politische Risiken einzugehen. Die italienischen Alternative-Ska-Punk-Rocker aus Marghera/Venedig haben sich mit ihrer Kombination aus schnellem Punkrock, Ska-Einflüssen, Blasinstrumenten und italienischer Volksmusik sowie ihren sozialkritischen, oft politischen Texten in ganz Europa einen Namen gemacht. Freek markiert eine Rückkehr zu den Wurzeln des Albums "Gran Galà", angetrieben von der kalifornischen Punk-Energie von "Videogame". Und dies ist erst der Anfang einer Reise, die weit über die Musik hinausgeht. Viele Überraschungen erwarten uns. Ein volles Dutzend Tracks im beliebten Punkchanka-Stil zum Genießen (plus vier weitere (die B-Seiten)), darunter das bereits digital veröffentlichte "Dalla Mia Parte Ella Strada" und die kommende Single "Disco Inferno". Das "Freek"-Konzept wird von einer Geschichte begleitet, die in den offiziellen Videos, den zusätzlich digital veröffentlichten B-Seiten (auch als Bonustracks auf CD erhältlich) und einem Graphic Novel/Comic aufgegriffen und erweitert wird. Das Comicbook ist Bestandteil der limitierten Freek Deluxe Pizzaboxen der beiden Formate. Als LP schwarz, LP farbig, CD mit Bonustracks und limitierte Deluxe Pizzaboxen mit Extras erhältlich.

TALCO melden sich mit ihrem bisher wohl ambitioniertesten Werk zurück. "Freek" erscheint am zweiten Freitag des Jahres 2027! Eine kühne und unverblümte Reise durch mentale Käfige, ruhelose Gedanken und schwebende Träume. Das Album präsentiert TALCOs unverkennbare Punk-Ska-Energie mit einer schärferen, introspektiveren Note. Geschrieben von Tomaso De Mattia (Dema), Sänger und Frontmann von TALCO, setzt sich das Album mit den unsichtbaren Strukturen auseinander, die uns in einer von Image und Performance besessenen Welt prägen. Im Zentrum steht die Frage: "Lohnt es sich, den Traum vom offenen Meer aufzugeben, nur um ein von anderen entworfenes Rennen zu gewinnen?" Es ist ein Konzeptalbum, das mit surrealem Storytelling eine statische, dekadente Gesellschaft reflektiert, die unfähig scheint, kulturelle oder politische Risiken einzugehen. Die italienischen Alternative-Ska-Punk-Rocker aus Marghera/Venedig haben sich mit ihrer Kombination aus schnellem Punkrock, Ska-Einflüssen, Blasinstrumenten und italienischer Volksmusik sowie ihren sozialkritischen, oft politischen Texten in ganz Europa einen Namen gemacht. Freek markiert eine Rückkehr zu den Wurzeln des Albums "Gran Galà", angetrieben von der kalifornischen Punk-Energie von "Videogame". Und dies ist erst der Anfang einer Reise, die weit über die Musik hinausgeht. Viele Überraschungen erwarten uns. Ein volles Dutzend Tracks im beliebten Punkchanka-Stil zum Genießen (plus vier weitere (die B-Seiten)), darunter das bereits digital veröffentlichte "Dalla Mia Parte Ella Strada" und die kommende Single "Disco Inferno". Das "Freek"-Konzept wird von einer Geschichte begleitet, die in den offiziellen Videos, den zusätzlich digital veröffentlichten B-Seiten (auch als Bonustracks auf CD erhältlich) und einem Graphic Novel/Comic aufgegriffen und erweitert wird. Das Comicbook ist Bestandteil der limitierten Freek Deluxe Pizzaboxen der beiden Formate. Als LP schwarz, LP farbig, CD mit Bonustracks und limitierte Deluxe Pizzaboxen mit Extras erhältlich.

Destination Unknown is an EP by Unpronounceable born from an archive of sounds collected between 2019 and 2024—sonic fragments that took shape without a predetermined direction guided only by an open idea in constant transformation. The original track conceived as a “destination unknown” composition developed its own independent identity. However precisely because of its fluid and cross-genre nature Unpronounceable chose not to place it within a traditional EP context instead opening it up to a multiplicity of perspectives by inviting five artists to reinterpret it freely without genre constraints.

The result is an EP that unfolds like an alternative map of the same sonic territory where each remix explores a distinct direction transforming Destination Unknown into a multifaceted and ever-evolving experience.

In Carl Finlow’s remix Destination Unknown takes on a strong cinematic and narrative dimension. Inspired by the title Finlow imagines a mysterious journey toward a futuristic dystopian city turning the track into a kind of electro soundtrack—dark yet ironic rich in character and capable of evoking vivid images and motion.

MANASYt pushes the track toward more physical and ritualistic territories focusing on the dark pads and the more oneiric vocal elements of the original. The result is a hypnotic pulsating tribal-industrial reinterpretation where rhythm and sonic material become central intensifying the track’s most visceral qualities.

With Gay Horror the focus shifts to an emotional and narrative dimension. The vocals are deliberately made elusive and undefined while the structure develops through a slow controlled crescendo that recalls the atmospheres of ’90s trip-hop. This version also reflects a long-standing human and artistic relationship conceived as a story that travels through time and reaches the present day.

Kevin Follet adopts a more conceptual approach overturning the perspective of the original track. Rather than working with its main elements he brings the underlying structures to the foreground transforming what usually remains hidden into the core of his reinterpretation. His remix is elegant and deep balancing sound exploration with a strong attention to songwriting.

Closing the EP is GP The Synth Roller with a radical and highly experimental reinterpretation. The track behaves like an unstable system: parameters shift without warning surfaces lose coherence sudden accelerations collide with moments of arrest. There is no resolution only a sonic condition in constant tension eventually condensing into a dark compact mass.

Taken as a whole Destination Unknown is far more than a simple remix collection: it is a collective exploration of the potential of a single composition. Unpronounceable’s original track and the reinterpretations by Carl Finlow MANASYt Gay Horror Kevin Follet and GP The Synth Roller move across electro techno industrial and experimental territories offering six different perspectives from the same starting point. An open journey with no fixed destination where every detour becomes an integral part of the path.

Available as 2LP & as a Bundle 2LP+Book (English, Portuguese & French).

Featuring DJ Anderson do Paraiso, DJ Sandrinho, Jonas Albrecht, Xexa, Felinto, Gabi Guedes & Sávio de Queiroz, Vincent Taeger, Kimia.



Upon their arrival in Brazil after the traumatic Atlantic crossing, enslaved populations from West Africa sought to reconstruct their sacred cultural and spiritual systems within a profoundly hostile environment. Five centuries later, the vitality of terreiros (ritual grounds) across the country bears witness to a living and adaptive religion that continues to evolve while remaining deeply rooted in ancestral traditions. Today, Candomblé is celebrated throughout Brazil and increasingly recognised internationally, far beyond Afro-descendant communities.


The project “Candomblé: Sacred Rhythms in Brazil”, articulated around the publication of a book and a double LP combining original sound archives with newly commissioned compositions, seeks to honour this tradition by documenting its historical foundations while offering a critical and artistic reflection on its contemporary transformations and future trajectories.

The Diamonds return with Moran, Absentia, Pianopoli and DJ Fresh & Packim aka Freshim!

Snoop Dogg’s 22nd album is a tight, 35-minute project that blends his classic G-Funk style with a more futuristic sound.

Featuring production from Pharrell Williams, Swizz Beatz, and Erick Sermon, it moves between high-energy tracks like

“Step” and smoother moments like “QTSAMYAH” with October London. The album presents a polished, cinematic look at Snoop’s evolution,

reinforced by an accompanying short film, showing his style and influence remain strong in 2026.

There is a particular kind of strangeness that arrives on long drives across Europe. Flat light, service stations and fields stretching endlessly past the window. It might look mundane at first glance, but becomes faintly surreal when the tiredness of touring blurs the edges of everything.

That feeling became the quiet engine behind Driving Through Belgium, the debut solo album from Anton Pearson, best known as one of the guitarists in respected post-punk outfit Squid. The title grew from a track that felt like the record’s centrepiece, which itself came from the recurring image of extensive periods on the road across the continent. It is a record shaped in the margins of touring, and finessed in the in-between hours.

Across six pieces, Pearson leans into atmosphere, texture and space. It is ambient in spirit, adjacent to contemporary classical in feeling, but composed less with notes in mind than with sound itself. The compositions rarely began with harmony or melody, with Pearson instead responding to his environment and sounds in real time, placing trust in his instinct.

Although initial inspiration came from the road, the album was recorded in a studio he shares in Brighton, and marks his first fully solo project made in that setting. It gave him access to not only new tools and techniques, but a hitherto un-experienced freedom. Much of the process began experimentally, feeding instruments into unfamiliar chains, pitching loops into unexpected registers and playing with previously unused synthesizers simply to see what they might reveal. Many of the sounds were created out of pure curiosity, wanting to understand a piece of equipment or technology, and then following wherever it led.

The album was built with this experimentation at its core, as Pearson would layer then extract, processing stacks of sound until things blur and confuse. Guitars dissolve into drones, a Pianet Clavinet dances against muddier textures whilst a Korg PS-1000 occasionally cuts through with its glittering top end. On ‘Driving Past the Muscular Cows in Belgium’, a flat, still drone is pushed through valve amps until it growls and tightens with tension, before receding again. Even the trumpet, which Pearson freely admits he is not technically proficient at, is embraced in its naivety, its squeaks left intact rather than corrected. The twin ‘Tintinnabulation’ pieces frame the record with looping, pitched bell like tones, accidental discoveries that became structural anchors. Meanwhile, ‘Teeth to Cut the Grass’ deliberately introduces abrasion, some of the harshest textures on the record, a refusal to become passive background music.


That embrace of imperfection is central. In contrast to the hyper-analytical precision of his band, Pearson was keen to honour first takes. If something felt good, it would stay. The end result is an album that favours looseness, instinct and the energy of creation itself. If Squid thrives on propulsion and tension, Anton Pearson finds his energy in suspension on Driving Through Belgium. It is curious rather than declarative, creating a space where experimentation feels playful again.

Zuerst das Wichtigste: Ja, Your Day Will Come an, das zweite Album von Chanel Beads trägt denselben Namen wie sein Debüt aus dem Jahr 2024. Aber es handelt sich um ein völlig neues Werk, nicht um einen zweiten Teil oder eine Neuauflage. Der Titel des neuen Albums ist derselbe wie der des Vorgängers - eine perfekte Zusammenfassung der Zweideutigkeit von Chanel Beads: zu gleichen Teilen ein augenzwinkernder Scherz und eine zutiefst ernste Aussage. Während sich die Songs entwickelten, entdeckte Lavers, dass der Satz eine tiefere Nuance hatte und eine Spannung zwischen Gewissheit und Zweifel hervorrief, die seine Psyche beschäftigte. Wird dein Tag kommen? Wie wird er sein? Wie kannst du dir sicher sein? Während er das Album schrieb, hatten Lavers' Gedanken mehr Raum, um in seinem Kopf herumzuschwirren und sich zu verdrehen, und er fühlte sich oft abgestumpft von einer Welt, die sich absurd grausam anfühlen kann. Die zweite Inkarnation von Your Day Will Come dokumentiert eine klangliche Verschiebung und Weiterentwicklung des Chanel-Beads-Sounds. Dieses Mal ist alles stärker geschichtet, mit mehr eigenständigen Parts und Mitwirkenden. Es entstand in seinem kleinen, spärlich eingerichteten Studio in Brooklyn, wo die Lautsprecher so nah an seinem Gesicht standen, dass er bei jedem Schlag der Bassdrum die Luftwelle spüren konnte. Geiger Zachary Paul tritt präsenter in Erscheinung, während Lavers weiterhin mit der semiotischen Bedeutung von Plug-ins spielt. Auch die ätherische Stimme von Maya McGrory ist erneut auf dem Album zu hören; sie schrieb zudem am majestätischen ,Silver Cup" mit. Die 14 Songs sind ausgearbeiteter und strukturierter - Ergebnis eines kollaborativeren Ansatzes, der Spontaneität und Unvollkommenheit bewusst zulässt. Er folgt der Devise "Wenn es funktioniert, lass es so", nimmt einfach mit dem Mikrofon auf, das gerade zur Hand ist, und baut den Song auf dieser Aufnahme auf. Aus lockeren Treffen ergaben sich Beiträge von Freund*innen wie Tchad Cousins (Urika's Bedroom), Mari Maurice (More Eaze), Anastasia Coope und Bella Litsa. "Dust in the Wind" entstand gemeinsam mit Isaac Eiger von Strange Ranger und Threshold und markiert die erste Co-Autorenschaft außerhalb des Kerntrios aus Lavers, McGrory und Paul. Lavers' fragmentierte Texte sind voller offener Fragen. Er war besonders von der Koexistenz von Nihilismus und Liebe eingenommen und sagte: "Es fühlt sich an, als müsste das eine das andere auslöschen, aber das tut es nicht." Emotionale Sublimierung steht im Mittelpunkt von Chanel Beads, als könne man etwas so fest umklammern, dass es transzendent wird. Your Day Will Come nutzt Traumlogik, um sich mit Liminalität und prekären Erinnerungen auseinanderzusetzen. Es ist geprägt von den Schatten bestimmter Verluste, aber auch davon, wie man sich selbst heimsuchen kann, indem man in alte Gewohnheiten zurückfällt.

Die vollständigen originalen Studioaufnahmen des aus San Diego stammenden, über Boston geformten Alternative-Trios - remastert, restauriert und in einem opulenten Boxset vereint. Wait A Lifetime versammelt die unvergleichlichen Alben der Band Junk und This Afternoon Malady sowie R.I.P., erweitert um ihr unvollendetes drittes Album, Singles, Split-Veröffentlichungen und Beiträge zu Compilations.Das begleitende 68-seitige Booklet zeichnet die gesamte Geschichte anhand eines Essays von Nina Cocoran und Dutzender zeitgenössischer Fotos nach. Alles ist untergebracht in einer beeindruckenden, kaschierten und lackierten Box.Sink in die Erde - und flieg.

Citizens anhaltende klangliche Weiterentwicklung und ihre konsequente Weigerung, jemals zweimal dasselbe Album zu machen, haben ihnen den Ruf eingebracht, eine der konstant fesselndsten Bands der modernen Rockmusik zu sein. Genau dieses kompromisslose Bekenntnis zu ihrem Handwerk führte zu ihrem neuen Album Halcyon Blues. Es ist eine dynamische und selbstbewusste Kulmination all dessen, was zuvor kam - und macht unmissverständlich klar: Bei aller klanglichen Rastlosigkeit wussten Citizen immer genau, wer sie sind.Von Beginn an war die Band - Sänger Mat Kerekes, Gitarrist Nick Hamm, Bassist Eric Hamm sowie die neueren Mitglieder Gitarrist Mason Mercer und Schlagzeuger Ben Russin - fest entschlossen, ihrer Kreativität kompromisslos zu folgen, wohin auch immer sie sie führen würde. Über die Jahre bewegten sie sich souverän durch rohen Emo, bedrohlichen Post-Hardcore, hymnischen Alternative Rock, garageartigen Indie-Pop und vieles mehr.Halcyon Blues vereint nun Elemente aus dem gesamten bisherigen Katalog der Band zu einem geschlossenen, unmittelbar befriedigenden Album, das einfach unverkennbar nach Citizen klingt. Während frühere Citizen-Alben oft wie direkte Reaktionen auf den jeweiligen Vorgänger wirkten, fühlt sich Halcyon Blues an, als würde die Band ihr gesamtes bisheriges Werk umarmen und geschlossen weitertragen.Aufgenommen von Kerekes in seinem Heimstudio in Toledo und anschließend von Tom Lorde-Alge (U2, Weezer, Blink-182) gemischt, greift das Album die Dringlichkeit und Wildheit der frühen Citizen-Veröffentlichungen auf und verbindet sie mit der epischen Weite und den unbestreitbaren Hooks ihres jüngeren Schaffens. Das Ergebnis sind große Rock-Songs mit entsprechend großen Emotionen. Doch auch die jugendliche Frustration der frühen Jahre ist gereift - ersetzt durch eine nuanciertere, wenn auch nicht weniger scharfzüngige erwachsene Perspektive.

Re-Release auf clear, purple marbled Vinyl.

Personified, reinvigorated, and re-imagined!

Tech-metal outfit FALLUJAH expand horizons and solidify their position as one of America’s most exciting artists on their new album, Xenotaph, through Nuclear Blast. The Bay Area-based quintet’s confidence in the lineup that made their previous album, Empyrean (2022), such a resounding success—earning high marks from Metal Injection, New Noise, and Guitar World—has been reconfigured slightly, with guitarist Sam Mooradian (INHALE EXISTENCE, SAM MOORADIAN) and drummer Kevin Alexander (DISEMBODIED TYRANT. BROUGHT BY PAIN) bringing their jaw-dropping musical proficiency to the fold, as vocalist Kyle Schaefer, guitarist Scott Carstairs, and bassist Evan Brewer enter a new chapter with FALLUJAH. Moored by singles ‘Kaleidoscopic Waves,’ ‘Labyrinth of Stone,’ and ‘Step Through the Portal and Breathe,’ Xenotaph is FALLUJAH personified, reinvigorated, and re-imagined.
As a details-oriented record Xenotaph benefits from moments of low tension, atmospheric delight, and Schaefer’s winged clean vocals. This
dynamic isn’t particularly new to Fallujah, but the group spent considerable time honing what each song needed—from blast-laden speed runs and jazz-fusion solos to vocal restraint and brutality—which resulted in a brighter, more exhilarating experience. Musically, it truly feels like the listener is embroiled in the album’s sci-fi concept and Peter Mohrbacher’s stunning cosmogonic cover art, which is aesthetically in line with his previous covers (Dreamless and Empyrean) for FALLUJAH. Close encounters with ‘Step Through the Portal and Breathe’, ‘Labyrinth of Stone,’ and ‘Kaleidoscopic Waves’ spark wonder and stimulate the soul.

What Soul Media, led by Jiro Inagaki, ultimately arrived at was a tight, cool, and ultimate groove.

As Inagaki himself has stated that he “played black funk” on this album, the explosive jazz-rock foundation he had cultivated up to that point is fused with the stickiness, elasticity, and physicality of black music—elevating his musical vision to an entirely new dimension. Combined with the masterful arrangements of Hiromasa Suzuki, the groove is polished to a high sheen, growing richer, more fluid, and subtly seductive.

Every track stands out: the vibrant, driving energy of “Painted Paradise”; the coexistence of funkiness and mellowness on “Breeze”; and the low-slung, razor-sharp cover of Kool & The Gang’s “Funky Stuff”.
Now regarded as a definitive classic, this album remains in constant demand from listeners around the world.