Pop & Rock News

"The Sophs sind quasi aus dem Nichts aufgetaucht", sagen Rough-Trade-Mitgründer Geoff Travis und Jeannette Lee über ihr neuestes Signing: eine sechsköpfige Band aus L.A. mit dem feinsinnigen Namen The Sophs. Die kompromisslose Ehrlichkeit und der weite Soundkosmos der Band überzeugten sofort. Als Sänger Ethan Ramon ein Demo an seine Lieblingslabels schickte, rechnete er nicht mit einer Reaktion - doch schon am nächsten Tag meldete sich Rough Trade mit der Bitte um ein Gespräch. In den frühen Songs hörte das Label genau jene Kreativität, Vielseitigkeit und den draufgängerischen "Don"t expect me to act pretty"-Spirit, den The Sophs auf jede Bühne bringen: Ethan Ramon (Gesang), Sam Yuh (Keyboards), Austin Parker Jones (E-Gitarre), Seth Smades (Akustikgitarre), Devin Russ (Drums) und Cole Bobbitt (Bass). Die fünf Demo-Tracks bildeten die Blaupause für ihr Debütalbum "GOLDSTAR". Musikalisch bewegen sich The Sophs im Zickzack: Pop-Punk trifft auf Funk, Delta Blues auf ZZ Top. Ramons warme, kraftvolle Stimme wandert dabei wie ein vokales Chamäleon durch die Genres. "Wir versuchen nie, so vielseitig zu sein, wie wir am Ende klingen", sagt Ramon. Songwriting verstehen sie als Pop Art - ein spielerisches Zitieren, Verformen und Neuerschaffen. Oft entstehen Songs aus spontanen Ideen, die im Bandprozess eine völlig neue Richtung nehmen. Der Track "THE DOG DIES IN THE END" erinnert an 2000er-Pop-Punk, getragen von düsteren Gedankenspiralen und Akkordeon. "DEATH IN THE FAMILY" kombiniert sonnigen Rock mit bitterem Humor und der Sehnsucht nach Mitleid als Schutz vor Verantwortung. "GOLDSTAR" stellt dabei einfache, aber unbequeme Fragen nach Anerkennung und Moral. Weitere Highlights wie "SWEETIEPIE" und "BLITZED AGAIN" zeigen die Band zwischen Selbstentlarvung und euphorischer Energie - roh, lebendig und kompromisslos kreativ.

Repress on black vinyl. Goldfoil embossed cover. Alright! 2023, Black Rainbows are back with 12 fresh, brand new tunes! The new album sounds huge, with of a great deal of attention paid to the guitars in the recording, and it seems that the band has finally found the perfect balance and tone for their heavy super stoner sound! This album gives you not only incredible heavy rock-stoner gems, but also: one space acoustic song, one super psychedelic suite and one melodic trippy ballad that adds a perfect mixture of what is sure to be the best album released by the band so far! "Superskull" has been recorded by Fabio Sforza (the same producer of the last two recordings), in May 2022, and after much work and effort by the band in mixing and mastering, the album will see the light of day one year later. The incredible artwork has been delivered by the brazilian artist Pedro Correa.

Limited to 300 copies. Yellow Vinyl. Approaching Doom is the third album by Monsternaut, a darker and heavier representation of the band's established devotion to groovy riffs and to the point compositions. The songs took shape over several years, during which the arrival of a new drummer opened the door to more adventurous rhythms and riff ideas, pushing the band into new territory while staying true to their roots. Sonically, the album leans toward the grit and weight of early 90s metal rather than polished modern production, giving it a raw and immediate edge. Its lyrics and atmosphere follow a naturally darker direction as well, adding an extra layer of tension beneath the grooves. Recorded entirely the old fashioned way, straight to analog tape with no digital editing, it captures the band playing as they are, relying on performance, chemistry, and feel rather than correction. The result is a record that hits harder, feels more focused, and marks a confident new chapter in Monsternaut's evolution.

Nachauflage auf schwarzem Vinyl. 22 Jahre nach ihrer ersten Veröffentlichung und 10 Jahre nach ihrem letzten Album sind Nebula wieder da. Wenn du jetzt "Holy Shit!" denkst hast du es ziemlich genau getroffen. "Holy Shit" ist Nebulas erste LP seit "Heavy Psych" (2009), und beantwortet schnell die Frage die sich stellte, seitdem Gitarrist/Sänger Eddie Glass, Bassist Tom Davies und Schlagzeuger Michael Amster 2017 die Reformierung der Band angekündigt haben: Nebula sind immer noch Nebula. Seit den Tagen der 1998er Let it Burn EP und dem mittlerweile klassischen To the Center Debütalbum waren Nebula immer nur ein wenig gefährlicher. Nur etwas mehr aus den Angeln gehoben. Holy Shit zeigt diesen von vorne nach hinten für den wesentlichen Teil ihres Charakters, der er ist, und doch versucht er nicht, etwas zu sein, was sie schon einmal getan haben, sei es bei diesen frühen Ausflügen oder Heavy Psych or Charged (2001), Apollo (2003) oder Atomic Ritual (2005). Es ist ein sechstes Nebula-Album - etwas, worauf selbst die leidenschaftlichsten Fans kaum gehofft hätten. Die Grundtracks wurden in zwei Tagen aufgenommen, aufgenommen in den Mysterious Mammal Studios in L.A. mit Matt Lynch (ebenfalls von Snail) am Steuer. Leads und Loops und Feedback-Effekte wurden von Glass and Davies live aufgenommen, als sie die Basic-Tracks aufnahmen, genau so, wie sie es auf der Bühne tun würden, und Overdubs folgten bei Bedarf. Eine Fülle von Material wurde produziert und auf den Kern dessen, was man hier hört, reduziert. Ein sechstes Nebelalbum. Und wenn du es hörst, wirst du feststellen, dass du diesen Titel immer wieder sagst. Cover Art von ROBIN GNISTA

Nachauflage auf senfgelbem Vinyl. Limitiert auf 300 Exemplare. 22 Jahre nach ihrer ersten Veröffentlichung und 10 Jahre nach ihrem letzten Album sind Nebula wieder da. Wenn du jetzt "Holy Shit!" denkst hast du es ziemlich genau getroffen. "Holy Shit" ist Nebulas erste LP seit "Heavy Psych" (2009), und beantwortet schnell die Frage die sich stellte, seitdem Gitarrist/Sänger Eddie Glass, Bassist Tom Davies und Schlagzeuger Michael Amster 2017 die Reformierung der Band angekündigt haben: Nebula sind immer noch Nebula. Seit den Tagen der 1998er Let it Burn EP und dem mittlerweile klassischen To the Center Debütalbum waren Nebula immer nur ein wenig gefährlicher. Nur etwas mehr aus den Angeln gehoben. Holy Shit zeigt diesen von vorne nach hinten für den wesentlichen Teil ihres Charakters, der er ist, und doch versucht er nicht, etwas zu sein, was sie schon einmal getan haben, sei es bei diesen frühen Ausflügen oder Heavy Psych or Charged (2001), Apollo (2003) oder Atomic Ritual (2005). Es ist ein sechstes Nebula-Album - etwas, worauf selbst die leidenschaftlichsten Fans kaum gehofft hätten. Die Grundtracks wurden in zwei Tagen aufgenommen, aufgenommen in den Mysterious Mammal Studios in L.A. mit Matt Lynch (ebenfalls von Snail) am Steuer. Leads und Loops und Feedback-Effekte wurden von Glass and Davies live aufgenommen, als sie die Basic-Tracks aufnahmen, genau so, wie sie es auf der Bühne tun würden, und Overdubs folgten bei Bedarf. Eine Fülle von Material wurde produziert und auf den Kern dessen, was man hier hört, reduziert. Ein sechstes Nebelalbum. Und wenn du es hörst, wirst du feststellen, dass du diesen Titel immer wieder sagst. Cover Art von ROBIN GNISTA

Pink Must is the duo project by Brooklyn based sound artists and musicians Mari 'More Eaze' Rubio and Lynn Avery. This self titled album is the debut release under the Pink Must umbrella.

Based on a long-standing artistic chemistry and shared love of genre-defying sounds, Pink Must started off as a remote grunge collaboration, with demos shared long-distance between New York and Texas. Over time, and especially since uniting in Brooklyn in 2023, the project evolved into its own animated soundspace, connecting raw imperfect textures with classic songwriting and a playful approach to both track instrumentation and lyrics.

The duo's production blends richness, glitches, and dissonant layers with drum and string arrangements in ways that subtly hint at influences like Stina Nordenstam and PJ Harvey. The record is tangled yet direct: fictional sketches of various situations, songs about love, change, decay, and even Mari's dog, Keith—all wrapped in signature guitar dreams and deadpan vocal lines.

Repress on black vinyl. A longtime dream has been to capture YAWNING MAN performing in the very environment that so inspired their music. The opportunity arose in 2020 from the challenges artists and musicians faced during the Covid 19 Pandemic, social distancing forcing artists to creatively adapt to alternatives to express themselves musically and visually. Yawning Man 's answer to this calling is "Live at Giant Rock". This cinematic concert experience is intimately and beautifully captured by videographer Sam Grant in the environment that inspires Yawning Man's spacious, expansive and cinematic music. Filmed live in the early morning hours of May 18th, 2020 in the visually stunning and mysterious landscape of Giant Rock. In the spirit of Pink Floyd's "Live at Pompeii" the performance is shot on location with no audience, just the band performing their instrumental meditations in the rugged beauty of the Mojave Desert. Giant Rock in Landers California has attracted Native American Nomads, Scientists, UFO Researchers, and travelers from all over the world, drawn by its magnetic spiritual energy

Repress on blue jay vinyl, limited to 200 copies. A longtime dream has been to capture YAWNING MAN performing in the very environment that so inspired their music. The opportunity arose in 2020 from the challenges artists and musicians faced during the Covid 19 Pandemic, social distancing forcing artists to creatively adapt to alternatives to express themselves musically and visually. Yawning Man 's answer to this calling is "Live at Giant Rock". This cinematic concert experience is intimately and beautifully captured by videographer Sam Grant in the environment that inspires Yawning Man's spacious, expansive and cinematic music. Filmed live in the early morning hours of May 18th, 2020 in the visually stunning and mysterious landscape of Giant Rock. In the spirit of Pink Floyd's "Live at Pompeii" the performance is shot on location with no audience, just the band performing their instrumental meditations in the rugged beauty of the Mojave Desert. Giant Rock in Landers California has attracted Native American Nomads, Scientists, UFO Researchers, and travelers from all over the world, drawn by its magnetic spiritual energy

Das Debütalbum von My New Band Believe entstand unter ungewöhnlichen Umständen: Während eines Aufenthalts in einem chinesischen Hotel fühlte sich Cameron Picton plötzlich krank. In seinem delirierenden Zustand entstanden Bilder und Textfragmente, aus denen später Songs wurden - darunter auch der Ausdruck "My New Band Believe", der zum Projekt- und Albumnamen wurde. Picton empfindet den Titel zugleich als kitschig und brillant: eine bewusste Wiedervorstellung, ein Neuanfang, der zwischen Ich-Bezug und kollektivem Anspruch oszilliert. Als Bassist und zweiter Frontmann von black midi war Picton Teil einer Band, die für komplexe Strukturen und kontrolliertes Chaos stand. Nach deren Auflösung 2023 begann er ohne festen Plan mit Studioarbeiten. Aus dieser offenen Phase heraus formierte sich My New Band Believe, unterstützt von Musiker:innen wie Kiran Leonard, Caius Williams, Steve Noble, Andrew Cheetham und Mitgliedern von caroline. Das Album bewegt sich assoziativ durch unterschiedliche emotionale Ebenen. Klanglich setzt es überwiegend auf akustische Arrangements statt auf elektronische Effekte, bleibt dabei jedoch dynamisch. Einflüsse wie Bert Jansch oder Judee Sill sind spürbar. Songs wie "Actress" oder "Opposite Teacher" verbinden Zurückhaltung mit plötzlichen Ausbrüchen. "Target Practice" verwandelt Vigilantismus in eine theatralische Mitsing-Hymne, während "One Night" und "Heart of Darkness" intime, suchende Figuren zeigen. Picton gelingt es, diffuse Ängste in eindringliche, mehrdeutige Popmusik zu übersetzen.

After the success of Soda Stereo’s three albums and their impressive Signos tour, the band released their first live album,
Ruido Blanco - En Vivo. This live album was recorded in Argentina, Chile, Peru, Venezuela and Mexico.

This shows how the band's already has a substantial fanbase across Latin America after just three studio albums.

The album features some of their biggest early hits, such as "Prófugos", "Persiana Americana", and "Signos",
and these live recordings give the songs really an extra kick.

Ruido Blanco - En Vivo is one of the most iconic live albums in Latin rock history, celebrating Soda Stereo’s status as pioneers of the Rock en Español movement and their enduring legacy.

Neuauflage von Kadavars Album "Live in Antwerp", das ursprünglich 2014 veröffentlicht wurde! ,Live in Antwerp" ist ein Konzertmitschnitt der Hardrock Stoner Kadavar, das 2014 bei Nuclear Blast erschienen ist. Es war ihr erstes Live-Album und insgesamt viertes. Die Platte enthält Live-Versionen von elf Titeln, die ursprünglich auf den Studioalben ,Kadavar" und ,Abra Kadavar" erschienen sind und im November 2013 im Trix in Antwerpen, Belgien, aufgeführt und aufgenommen wurden. "Kadavar are a great live band and Live In Antwerp is a noble testament to that fact." - The Sleeping Shaman 2014 - Lineup: Lupus Lindemann - Guitar /Vocals - Christoph Tiger Bartelt - Drums - Simon Dragon Bouteloup - Bass - Shazzula Vultura - Theremin - Classic black vinyl, 2LP, gatefold sleeve.

Grünes Vinyl, limitiert auf 200 Exemplare. Neuauflage von Kadavars Album "Live in Antwerp", das ursprünglich 2014 veröffentlicht wurde! ,Live in Antwerp" ist ein Konzertmitschnitt der Hardrock Stoner Kadavar, das 2014 bei Nuclear Blast erschienen ist. Es war ihr erstes Live-Album und insgesamt viertes. Die Platte enthält Live-Versionen von elf Titeln, die ursprünglich auf den Studioalben ,Kadavar" und ,Abra Kadavar" erschienen sind und im November 2013 im Trix in Antwerpen, Belgien, aufgeführt und aufgenommen wurden. "Kadavar are a great live band and Live In Antwerp is a noble testament to that fact." - The Sleeping Shaman 2014 - Lineup: Lupus Lindemann - Guitar /Vocals - Christoph Tiger Bartelt - Drums - Simon Dragon Bouteloup - Bass - Shazzula Vultura - Theremin - Green coloured vinyl, 2LP, gatefold sleeve.

A journey into the raw and visceral origins: from the demo sessions mixed by Steve Albini to the night of the very first secret show on December 20th, 1988. In the heart of Chicago, Geordie and Martin Atkins turned frustration and distance into pure creative energy, recording the now-legendary "Black Cassette" demos at Albini"s house. Distorted, menacing bass lines, unruly oscillators, and Albini running endlessly up and down the stairs between the basement drum room and the pantry control room defined a sound that was brutally direct and uncompromising. The first interactions with the Yamaha drum machine foreshadowed elements that would later shape parts of the album. Those sessions sparked essential ideas, while the future studio - purchased from Steve and moved to Wabash Ave - would soon become the core of Invisible Records and Killing Joke"s operations. On the other side, a truly rare document: excerpts from Atkins"s very first show with the band, at Burberries in Birmingham on December 20th, 1988. In a small, mirror-lined club filled with tension, adrenaline, and inevitable collisions with the walls, Extremities, The Fanatic, Intravenous, and The Beautiful Dead were performed publicly for the first time. It was the night when everything ignited: the blast beat still in its embryonic stage, the controlled fury Geordie demanded - "can you go a bit more Moonie on it?" - and above all Jaz"s theatrical yet strikingly genuine laughter. Not just joy, but a declaration: a giant "fuck off" to the doubters and a prelude of what was about to come. A raw, essential, indispensable testimony: the birth of an era.

“Black Jacket” is a love letter between two bands separated by continents but united by mutual admiration. Contriva, of Berlin, and Chessie of Washington, DC, first came together in 2001 when sharing a stage, sparking a deep connection over their respective takes on textural, emotive, and mostly instrumental music that merges post-rock, ambient, and experimental elements into unique visions. Fast forward two decades and many trips to their respective studios and we now have “Black Jacket”, a double LP of musical alchemy that builds upon the expressionistic, idiosyncratic sounds of these two groups. A new classic that proves far greater than the sum of its parts.

Begun in the mid 1990's, Washington DC's Chessie is Stephen Gardner (also of noisy shoegaze pioneers, Lorelei) and Ben Bailes, whose various LP's for Slumberland's Dropbeat imprint and Plug Research pair abstract electronics and melancholy post-rock in search of the sounds and feelings of railways and train travel.

Berlin's Contriva, (Monika Enterprises, Lok Musik, and Morr Music) features Masha Qrella (known for her solo works for Morr Music), Max Punktezahl (also of Munich indie legends the Notwist and Berlin's Jersey and Saroos), Hannes Lehmann and Rike Schuberty. For over a decade beginning in the mid-1990's, Contriva crafted compelling instrumentals, grafting experimental textures onto beautiful and complex indie songs.

Together, the six of them have created “Black Jacket.”

Generic Flipper, the debut album by Flipper, remains the most absorbing full-length LP to emerge from the early San Francisco punk scene. A constant source of imitation for so-called "noise rock" bands, it has yet to be surpassed in its nihilistic glee.

Recorded between October 1980 and August 1981 and released in 1982 on the indispensable Subterranean Records, this album functions as a chaotic, sticky mass of individual personalities: the magma-like bass eruptions and dual vocals of Will Shatter and Bruce Loose, Ted Falconi's icy guitar scraping and the relentless beat of drummer Steve DePace. At times playful and taciturn, paranoid and absurd, Generic charts a deliberate path that willfully chances destruction.

In early '80s punk, when the hardening default was "faster-shorter-louder," Generic subverts the nascent hardcore scene with a strictly applied regimen of turgid-slower-heavier. The lyrics are bleak, yet unnervingly beautiful. "Ever" sets the tone with trademark restraint – "Ever wish the human race didn't exist? And then realize you're one too?" – while closer "Sex Bomb" is a churning, 8-minute epic with looping bass, saxophone accompaniment and electronic effects of dropping bombs.

Tons of indie bands have attempted to recreate Flipper's mix of acidic guitar, metallic bass sludge and sardonically brilliant lyricism, using the seemingly effortless template they pioneered; however, the effect usually drives listeners right back to Generic. While most of their contemporaries wilt under direct comparison, No Trend, the Butthole Surfers, feedtime and Church Police are a few who can stand the frigid heat.

Altin Gün, die türkisch-psychedelische Band aus Amsterdam, veröffentlicht ihr sechstes Studioalbum "Garip", ein ehrgeiziges und vielseitiges Werk, das als Hommage an die türkische Volksmusiklegende Neset Ertas (1938-2012) dient. "Garip" enthält zehn von Ertas" ikonischen Kompositionen, die von Altin Gün auf einzigartige Weise neu interpretiert und musikalisch erweitert werden. Die Band verbindet dabei eine Vielzahl von Einflüssen, von der klassischen Anatolischen Volksmusik über Arabesque und Bollywood-Soundtracks bis hin zu westlichen Rock- und Synth-Vibes. Das Album ist eine kreative Weiterentwicklung des bereits etablierten Sounds von Altin Gün, der Elemente aus Funk, Rock, und türkischer Folklore miteinander vereint. Mit hypnotischen Basslinien, kräftigen Schlagzeugrhythmen und filigranen Synthesizer-Arpeggien schafft "Garip" eine Atmosphäre, die die Essenz von Ertas" emotional aufgeladenen Liedern einfängt und gleichzeitig die experimentierfreudige Energie der Band widerspiegelt. Die Band, die für ihre packenden Live-Auftritte bekannt ist, beweist mit "Garip" einmal mehr, dass sie zu den innovativsten Vertretern der modernen türkischen Musikszene gehört.

Farnak. The inspirational nihilist and perpetual droog is the sound of bedroom rock experimentations and insightful lyricism in this 7" single. Lend your ears a listen and give yourself a break.

Francis of Delirium is the moniker of 22-year old, Luxembourg-based Jana Bahrich. The young artist’s incredible journey up until this point has seen her release 3 critically acclaimed EPs, ‘All Change’, 'Wading’ and ‘The Funhouse’. With praise so far from the likes of Stereogum, FADER, Pitchfork, Line of Best Fit, 6 Music, Radio 1, KEXP and NPR to name but a few, Francis of Delirium is on the precipice of something extremely exciting with debut album ‘Lighthouse’.

The announcement of ‘Lighthouse’ comes following a busy year of touring with the likes of Soccer Mommy, Briston Maroney, Horsegirl, The Districts and hitting Eurosonic, Iceland Airwaves and Tree Fort Fest, as well as opening for The 1975 & Kings of Leon.

Production duties on ‘Lighthouse’ were shared by Catherine Marks (Boygenius, Wolf Alice) and Jana Bahrich/Chris Hewitt. ‘Lighthouse’ was mixed by Jolyon Thomas (U2, Royal Blood).

Neuauflage von Kadavars Live-Album "Live in Copenhagen", das ursprünglich 2017 veröffentlicht wurde (Nuclear Blast). Das Album enthält KADAVARs berüchtigten Auftritt im Pumpehuset in der dänischen Hauptstadt im November 2017 während der Tournee zu ihrem Album ,Rough Times". Hier zeichnen Kadavar am 9. November 2017 das zweite Live-Album ihrer achtjährigen Karriere auf. Die Frage, wieso die Band so viele Konzerte offiziell für die Nachwelt festgehalten hat, erübrigt sich schnell: Erst live entfalten ihre Songs jene Wucht, die selbst die besten ihrer Studioaufnahmen nicht einfangen können . "Live In Copenhagen" ist klar und fokusiert, aber nicht steril gemischt, mit Stücken aus allen bis dato erschienenen Studioalben. "Überragendes Livedokument einer überragenden Band". - Time For Metal 2018 Classic black vinyl, 2LP, gatefold sleeve.

Oxblood Vinyl, limitiert auf 200 Exemplare. Neuauflage von Kadavars Live-Album "Live in Copenhagen", das ursprünglich 2017 veröffentlicht wurde (Nuclear Blast). Das Album enthält KADAVARs berüchtigten Auftritt im Pumpehuset in der dänischen Hauptstadt im November 2017 während der Tournee zu ihrem Album ,Rough Times". Hier zeichnen Kadavar am 9. November 2017 das zweite Live-Album ihrer achtjährigen Karriere auf. Die Frage, wieso die Band so viele Konzerte offiziell für die Nachwelt festgehalten hat, erübrigt sich schnell: Erst live entfalten ihre Songs jene Wucht, die selbst die besten ihrer Studioaufnahmen nicht einfangen können . "Live In Copenhagen" ist klar und fokusiert, aber nicht steril gemischt, mit Stücken aus allen bis dato erschienenen Studioalben. "Überragendes Livedokument einer überragenden Band". - Time For Metal 2018

Weiß/orange/schwarzes A/B Splatter Vinyl. Neuauflage von Kadavars Live-Album "Live in Copenhagen", das ursprünglich 2017 veröffentlicht wurde (Nuclear Blast). Das Album enthält KADAVARs berüchtigten Auftritt im Pumpehuset in der dänischen Hauptstadt im November 2017 während der Tournee zu ihrem Album ,Rough Times". Hier zeichnen Kadavar am 9. November 2017 das zweite Live-Album ihrer achtjährigen Karriere auf. Die Frage, wieso die Band so viele Konzerte offiziell für die Nachwelt festgehalten hat, erübrigt sich schnell: Erst live entfalten ihre Songs jene Wucht, die selbst die besten ihrer Studioaufnahmen nicht einfangen können . "Live In Copenhagen" ist klar und fokusiert, aber nicht steril gemischt, mit Stücken aus allen bis dato erschienenen Studioalben. "Überragendes Livedokument einer überragenden Band". - Time For Metal 2018 Ltd Splattervinyl, 2LP, gatefold sleeve.

Nach zwei gemeinsamen Headliner-Tourneen in den letzten zehn Jahren setzen die Melvins ihre langjährige Tradition fort, mit einer anderen Band ein Album aufzunehmen. Als nächstes steht Napalm Death auf dem Programm. Es handelt sich hierbei nicht um eine Split-Veröffentlichung, bei der jede Band eine Seite für sich beansprucht. Savage Imperial Death March ist eine vollständige Zusammenarbeit, bei der Melvins und Napalm Death auf allen Tracks gemeinsam spielen. Diese Veröffentlichung erschien ursprünglich 2025 in streng limitierter Auflage auf CD und Vinyl über AmRep (nur auf Tour und im AmRep-Store). Es handelt sich um eine erweiterte Version mit zwei zusätzlichen Songs, brandneuem Artwork von Mackie Osborne, neuen Vinyl-Varianten und wird zum ersten Mal offiziell in Plattenläden, bei DSPs und anderen Händlern erhältlich sein. Napalm Death gelten als Pioniere des Grindcore-Genres, da sie Elemente des Crust Punk und Death Metal einfließen lassen. Selbst nachdem sie fast 40 Jahre lang einen unauslöschlichen Einfluss auf die gesamte Welt der Heavy-Musik ausgeübt haben, gibt es immer noch keine Band auf der Welt, die so klingt wie Napalm Death. Die Legenden aus Birmingham sind nicht nur Pioniere, sondern auch ein dauerhafter Maßstab für Erfindungsreichtum und Furchtlosigkeit in der Heavy- und Experimentalmusik aller Art und rasen immer noch mit voller Kraft voran. Die Melvins sind eine der einflussreichsten Bands der modernen Musik. Die 1983 gegründete Gruppe - bestehend aus Sänger/Gitarrist Buzz Osborne gegründet wurde und zu der ein Jahr später Schlagzeuger Dale Crover stieß, wird zugeschrieben, die Welten des Punkrock und der Heavy-Musik miteinander verschmolzen und ein ganz eigenes neues Subgenre geschaffen zu haben. Im Laufe ihrer über 40-jährigen Karriere haben sie mehr als 30 Originalalben, zahlreiche Live-Alben und unzählige Singles und Raritäten veröffentlicht.

Leaving the putrid confines of Pigfuck, TN's dankest basements, full time rock and roll heroes emerge. Prepare for battery acid guitar solos, Johnny Paycheck death screams, blackened humor, and a little old fashioned fuckin’ in the USA--all clocked in for a full 9-5. You don’t christen yourself FILTH lightly—forget the classics, forget poetry, forget respect. Don’t come here looking for an honest job. Take your punk and shove it and let the scene heads fracture. Welcome to Full Time Filth.

Ray Gun rides again with two entropic bursts of pandemic era fury. Hailing from a two hour madcap session, immortalized on seven inch, this is mean music for nice people. The final recordings... for now. See you on the astral plane.

"The Thinking of the World Began Pounding in Our Ears the Moment We Hit Shore is a studio-constructed album developed as a project rather than a band.

Created by Florian TM Zeisig between 2022 and 2025, the record draws on sessions and material contributed by a small group of collaborators. Recordings were gathered across different contexts and brought together through an extended studio process, with writing, production, arrangement, and assembly treated as a continuous activity.

The album took shape gradually through selection, editing, and re-placement of material over time. Individual pieces were revisited, reshaped, and recontextualized until they formed a unified body of work.

Contributions to the project include work by Mari Rubio (More Eaze), Róisín Berkeley, Don Lyons, Cal Fish, K, Seán Being, and JQ. All tracks were produced, written, arranged, and mixed by Florian TM Zeisig, with co-songwriting contributions noted per track."

In Joe Meek's last months, he produced some of his best, hard-edged mod and proto-psychedelic records - like this one. But still he clung on to the name of the Tornados, like a touchstone, reminding him of his greatest success with the 1962 hit single ‘Telstar’.

This Tornados in 1966 was very different to the original line-up, based around an entirely different group called the Saxons, and had an entirely different sound. ‘No More You And Me’ has blistering guitar lines, and an intense soulful vocal; it's a British popsike monster that drives along like the Eyes or Wimple Winch. On the flip, ‘You Always Did What You Wanted’ is British blue-eyed soul, a terrific beat ballad with hypnotic swirling piano.

Both point to directions Meek could have headed in had he lived, and are A-grade 60s beat. It's the first time on vinyl for both tracks. And it's another brace of dancefloor-friendly tracks from Bob Stanley's Measured Mile label.

"I got to know visual artist, musician, and producer Guido Erfen and sound engineer, acoustic artist, and percussionist Michael Springer as part of a group of five by the name of SHM1. The members of the group organised concerts at Rhenania, a disused grain silo, where I performed with The Absurd in 1988 and 1989. The band was also featured on one of Erfen's tape releases. Erfen and Springer met when they were still at the same secondary school and soon became close friends and musical allies. With the other members of SHM they built an independent network for creating and distributing music beyond the mainstream in Cologne. Rent at Rhenania was incredibly low, allowing a recording studio to be established there.

The first traces of the Ukrainian Underground arrived at Erfen's door via a cassette tape with three bands from Kharkiv and Kyiv, the package including a long essay which detailed the rock scene in the two cities by Sergey Myasoyedow. In 1986, Myasoyedow, together with Sasha Panchenko, had founded the “Novaya Scena“ rock club in Kharkiv, presenting bands inspired by punk, the avant-garde, dadaism, and even medieval melodies. If Erfen hadn't been part of the independent mail-art scene, he wouldn't have had the chance to discover this unorthodox music. It was the summer of 1990, shortly before the Soviet Union collapsed and Ukraine became an independent state the following year.

In 1991, singer and keyboard player Soloveyka from Kharkiv arrived in Cologne and gave Erfen half a dozen cassettes with underground bands from Ukraine and a handful with bands from the Soviet Union. Intrigued by the original music of many of the acts, he visited Ukraine twice, made friends there, compiled a tape with his favourite tracks and finally succeeded in convincing Hamburg label boss Alfred Hilsberg to present underground music from Ukraine on the CD “Novaya Scena“ via his label What's So Funny About (the original home of Einstürzende Neubauten).
The album compiled 20 tracks recorded between 1986 and 1992 by 14 bands out of Kharkiv and Kyiv– music beyond the usual Perestroika records, often with jarring dissonances over grooves that fans of Captain Beefheart or The Fall would certainly enjoy.

On the other hand, there are tracks featuring flute and trumpet that seem inspired by folk, classical music, and punk. Ghostly chamber prog miniatures by Cukor Belaya Smert (lit. Sugar White Death) from Kyiv featuring, among others, the classically trained pianist and singer Svitlana Nianio (née Ochrimenko) and guitarist, visual artist, and spokesman Yewgeny "Yenia" Taran. Nianio sang in her native Ukrainian, as did two more of the bands. Today, this seems more relevant than ever, more culturally and historically significant from a Ukrainian point of view than it was even in 1993. Young Ukrainians were amazed at that time that rock music sung in their native tongue could work!

It is in the aftermath of the “Novaya Scena“ album that the music on this LP was created. About a year after the release of the CD in August 1993, Nianio and Taran came to Cologne to work on music for the dance production "Transilvania Smile" by the dance theatre ensemble Pentamonia2.
The seeds for the Traces of Ukrainian Underground in Cologne were sown. Starting in 1994, a series of informal recording sessions took place at Michael Springer’s Phanton Studio and at SHM studio in Rhenania. Together, these sessions formed the basis of the four different incarnations of the Ukraine-Cologne connection heard on STROOMS’s compilation.

Out on February 20th 2026. The album release will be preceded by the single " The Praise of Folly part 1". First 13 minutes of a long composition that will take up the entire side A of the album for a total of 21 minutes. Guitarist Alessandro Santori says about the album: " We are very excited to finally release these three songs that we have worked hard to arrange on over the past two years. Once again we invite the listener to join us on a journey beyond the constraints of song form and genre, and to dive into The Praise of Folly like reading a book where you never know what will happen when you turn the page... sometimes exactly what you expect, but very often... absolutely not.

From the production point of view we pushed even more on the live aspect and sounds of the single performance. We decided to not edit and comping between different takes of each song but to choose which one to use on the base of general feeling and then add some post arrangements to emphasize specific passages. We definitely did not want to create a perfect Frankenstein but to take the listener in the room with us during the performance, as in concert".

Nach ihrer gemeinsamen Interpretation von I See A Darkness mit Perfume Genius kündigt Anna Calvi die neue EP Is This All There Is? an, die am 20. März erscheint. Die vier Songs versammeln Kollaborationen mit Perfume Genius, Iggy Pop, Laurie Anderson und Matt Berninger.

Eröffnet wird die EP von God’s Lonely Man, in dem Calvi Iggy Pop die Stimme eines zerstörerischen inneren Monologs überlässt. Der Song ist von nervöser Energie getragen: kantige Gitarren, antreibende Drums, eine direkte Konfrontation mit emotionaler Stagnation. Pop verkörpert dabei genau jene rohe Präsenz, die Calvi für die Erzählung suchte.

Seht und hört "God´s Lonely Man" HIER.

Is This All There Is? bildet den ersten Teil einer geplanten Trilogie, die Identität als etwas Veränderliches begreift, geformt durch Nähe, Liebe und biografische Brüche. Ausgangspunkt ist Calvis eigene Erfahrung des Mutterwerdens, die ihren Blick auf Sicherheit, Verantwortung und Möglichkeiten verschoben hat. Die EP kreist um grundlegende Fragen moderner Existenz: Wie lässt sich Intimität neu denken? Was bedeutet es, sich wirklich verbunden zu fühlen? Und wann fühlt man sich wach?

Neben dem bereits veröffentlichten I See A Darkness interpretiert Calvi gemeinsam mit Laurie Anderson Kraftwerks Computer Love neu. Mit Andersons Stimme im Zentrum und choralen Arrangements entsteht ein Stück über digitale Nähe und emotionale Distanz. In ihrer Gesamtheit wirkt die EP wie ein zusammenhängender filmischer Bogen – vier Songs, vier Perspektiven, eine fortlaufende Erzählung.
Is This All There Is? versteht Kollaboration nicht als Zusatz, sondern als Strukturprinzip: Die Stimmen der Beteiligten werden zu Figuren innerhalb eines gemeinsamen Klangraums, in dem Fragen offen bleiben dürfen.

Classic !

Isella doesn’t flinch from the horror stitched into the fabric of the feminine experience. Citing writers like Plath Margaret Atwood, and Mona Awad as germinal influences on her lyricism, Isella plunges into the underbelly of expectations of good-girlhood, of valiant womanhood. In her songs she splays out the stakes of it all, plumbing the viscera, unearthing the blood, guts, dirt, and decay lurking beneath. By the time she hit fifteen, Isella’s taste had expanded and grown darker and more mature. Artists like Nine Inch Nails and Tom Waits became a conduit for the kind of raw intensity she’d always been drawn to, and gave her permission to push herself to new depths of expression. This is evidenced on her latest EP; That freedom that Reznor et al. endowed to the songwriter are evidenced on her latest EP; Something is a shell . Isella’s vocals swing from coolly detached to emotional detonation, often in the span of the same song. She brings listeners into a world colored by feminist hyper-realism, challenging listeners to re-define ideas of femininity, and safety; to see that things are not okay.

Alongside the legendary Mercyful Fate and more obscure acts such as Alien Force, Randy, and Crystal Knight, Copenhagen's Witch Cross are undoubtedly one of the best Danish metal bands of all time. Their 1984 album “Fit For Fight” is definitely among the top five metal records in the country. One of the two guitarists on this masterpiece was a certain ‘Cole Hamilton’. His real name is Ole Hamilton Poulsen. He joined the band after the recording of Witch Cross' debut single, “Are You There” (from 1983). His partner on guitar was Mike Wlad (his birth name is Michael Koch). Mike Wlad is not only a founding member of Witch Cross, but also their main songwriter. After the premature end of the original Witch Cross, Mike Wlad formed a band called Harlot, which released a hard-to-find album called “Room With A View” in 1988. He then moved to London. Witch Cross are now active again and are currently working on their third album.