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Southern Italian producer Kikko Esse makes his debut on Four Framed Music with Wisdom of Many Minds. Rooted in funk and soul, his sound draws on the timeless spirit of Chicago, deep and Detroit house, while adding a warm musical touch of his own. The result is a collection of four deep house cuts built on groove, musicality and timeless appeal.

Opening track Solo Imperiale sets the tone with warm Rhodes chords, organic percussion and a rolling bassline. Its hypnotic groove strikes the perfect balance between musicality and timeless dancefloor appeal. Detroit legend Rick Wade puts his unmistakable stamp on the original with a signature Detroit deep house reinterpretation. Dusty chords, loose percussion and a deep rolling groove come together in a timeless remix that perfectly reflects his iconic sound.

On the flip, Echoes of The Tribe explores a more organic and spiritual direction, combining earthy rhythms, warm melodies and hypnotic grooves. Trinidadian Deep rounds off the release with a signature deep dub house remix, blending organic percussion, warm sub bass, lush pads and organ improvisations into a spacious, meditative groove.

With two original productions from Kikko Esse and remixes by Rick Wade and Trinidadian Deep, Wisdom of Many Minds brings together three distinctive artists, each with their own take on timeless deep house.

SPF 50 returns to Bliss Point with Ett Inre Rum, a collection of pulsing, immersive techno, rounded out with a remix from renowned club synthesist Erik Luebs.

Recently enamored with the psychoacoustic power of drone, Ett Inre Rum finds SPF 50 pushing his sound deeper, heavier, and more psychedelic. With Ett Inre Rum, he explores sonics that connect internal states to the external spaces we inhabit, patiently building energy until the walls are stretching, the room is heaving, and the lines between inner and outer are thoroughly blurred.

Drawing inspiration from the natural world and culled from over a year of peak time live sets, Ett Inre Rum eschews dance floor tropes for a refreshing minimalism: club tracks as enveloping sonic environments, breathing deep as they propel forward through atmospheric washes, layered and manipulated to achieve peak emotional resonance.

GodSexy (the best unused track title in Prince’s sadly now dormant Future Titles notebook) throbs and bounces in all the right places. Positively sprightly whilst also oozing depth, it unveils itself layer after beautiful layer. In true Howells style, it sits alone and imperious in a world above and beyond mere genres, sonically cerebral yet simultaneously 100% dancefloor ready. Urgently uplifting, inspirationally intense.

Shut Down is House Heaven meets Danny Does Disco in characteristically off-kilter (and peerless) fashion. Driven by a twisted percussive loop and a seductive vocal sample, aided and abetted by hypnotically funky guitar licks and lush chords that duck and dive like the (original) Artful Dodger, it’s all about the tension between analogue evangelism and digital futurism.

Hotrocks, your bonus vinyl only offering, will have you heading through the door marked ‘Magic Black Plastic’ at a rate of techno-infused knots. This is serious heads down business, a rave monster, Joey Beltram and Patrick Cowley’s mystery lovechild. Blistering, breathless, bounteous, bloomin’ brilliant.

DJ Support Mark Knight, Dj Spen, Brian Tappert, David Penn, The Shapeshifters and many others.

Serge Funk’s "You Treat Me Right" EP on Groove Culture is a definitive masterclass in modern disco-house that belongs on every DJ and collector’s turntable. Impeccably curated by the Italian imprint Groove Culture, this four-track 12" vinyl balances future funk playfulness with crisp, contemporary production. It delivers high-octane dancefloor energy that rewards listeners both in a packed club and on a high-fidelity home setup.

The second installment from Sven Weisemann on the FDF DUBS series shows how incredibly he masters the genres, blending roots reggae and dub infusions with his own characteristic trademark sound. These tracks could go on forever. Timeless, deep, and built to submerge the dancefloor.

2026 repress :)

The long-awaited repress of "Baby EP" - Ricardo Villalobos's first solo single on raum...musik under the Villalobos moniker - is finally here. Featuring two tonally and energetically distinct cuts of dancefloor minimalism that are undoubtedly Ricardo. "Baby EP" sounds as cutting-edge as when it was initially released 12 years ago.

From the slightly euphoric and light-hearted atmosphere of 'hansup' (A) to the emotionally charged groove of 'Baby' (B), "Baby EP" travels through a world of intricately layered micro/macro percussions, eloquently programmed synths, and Ricardo's own vocals spread across the frequency spectrum - an added human touch to his usual machine funk. And while rhythm seems to be at centre stage here, in usual Villalobos fashion, both tracks resolve into pure jazzy melancholy. After dragging the listener into a world of (very) human feelings so uncommon in electronic dance music, "Baby EP" makes it very clear you are listening to Villalobos.

Scott Monteith makes his debut on Berlin's own Bright Sounds under his DEADBEAT alias, bringing three unreleased dub tracks steeped in the deep, cavernous low end he's known for. A pioneer of the Canadian dub techno scene, DEADBEAT has spent over two decades shaping the genre's darker, more spacious corners, and this EP marks a fitting first outing for the label. Pressed in a strictly limited deep blue vinyl edition, it's a must for collectors and dub heads alike.

Introducing (Common) Side Effects, a new Brazilian reissue label dedicated to digging up lost and forgotten sonic treasures. For its debut release, the label unearths a holy grail from the 2000s brazilian electronic scene: DJ Eraldo Palmero’s 'Arujá' EP.


Originally released in 2002, the record is now an incredibly rare find; back in the day, the vast majority of the original pressing was destroyed, leaving only a handful of copies in existence.


This reissue brings back the three original tracks that first defined the release. To make this return even more essential, (Common) Side Effects has added 'Looking for Love', a standout track previously exclusive to the 2002 CD version, now making its first-ever appearance on vinyl.

Kukangendai are the innovative three-piece Kyoto based experimental rock band formed in 2006 with Junya Noguchi on guitar and vocals, Keisuke Koyano on bass, and Hideaki Yamada on drums. Since 2016 the band have set up shop in their studio and venue space, Soto, which houses an incredibly well tuned and powerful sound system that has become a well known destination for touring musicians. In March of 2025, Marionette was celebrating a belated 10 years of activity with label showcases across Japan in collaboration with Dotei Records, and Soto was inevitably one of the stops as many label alumni have set foot in the venue over the years. This is where I got to experience Kukangendai perform for the very first time and knew right then we were destined to work together.

Kukangendai embody an undeniable sense of timing and precision through collage-like repetition of minimalist phrases that manifest as a single unified rhythm. Their latest offering for Marionette, titled Baquet Wheel, is a purely acoustic endeavor, remarkably recorded live using Taku Unami's special binaural microphone. The trio seamlessly twist polyrhythms and melodies rooted in jazz, krautrock, blues, and Tuareg producing a timeless sound that preserves the primitive and memory evoking narratives buried deep within the music. Over the course of five tracks, the visceral nature of Kukangendai’s dynamic evolves from playful riffs that are seemingly familiar yet strikingly original, making it impossible to discern exactly when this material was conceived.

Kukangendai have maintained a prolific yet relatively low profile for the last two decades, with a handful of self-released editions on their own labels (Soto and Leftbrain) as well as a collaborative album with pioneering electronic music composer Ryuichi Sakamoto in 2018, then venturing outside Japan in 2019 to release their first widely distributed album on Ideologic Organ, a label curated by Sunn O)))’s Stephen O'Malley. Other collaborative projects to date include an album produced with rap group Moe and ghosts, live performances with Keiji Haino and with poet Gozo Yoshimasu, productions with the Chiten theater company, and most recently a remix album of their works featuring Carl Stone and Madteo.

Das im März 1983 veröffentlichte Album *Magical Ring* ist das siebte Studioalbum der irischen FolkGruppe Clannad und markiert einen entscheidenden Wendepunkt in der Entwicklung der Band – weg
vom traditionellen keltischen Folk hin zu jenem atmosphärischen Klang, der später einen Großteil ihres
internationalen Erfolgs ausmachen sollte. Das Album verbindet Lieder in irischer Sprache, traditionelle
Melodien und eine moderne Produktion zu einem facettenreichen und stimmungsvollen Hörerlebnis.
Der herausragende Titel des Albums, das eindringliche „Theme from Harry’s Game“, entwickelte sich
zu Clannads Durchbruchshit; er erreichte Platz 5 der britischen Single-Charts und machte ein breiteres
Publikum mit dem unverwechselbaren Sound der Band bekannt.
Zu den weiteren bemerkenswerten Stücken zählen „Newgrange“ – ein bei Fans beliebter Song, der den
ätherischen Gesang und die vielschichtigen Arrangements der Band zur Geltung bringt – sowie „I See
Red“, eine seltene Coverversion, die ebenfalls als Single in die Charts gelangte. Das Album selbst erreichte
Platz 26 der britischen Album-Charts; es war Clannads erster großer kommerzieller Erfolg und legte den
Grundstein für spätere Klassiker wie *Legend* und *Macalla*.

„The Age Of Everything“ ist Johnny Marrs fünftes Studioalbum. Geschrieben in London, live auf Tour an
der Ostküste Nordamerikas weiterentwickelt und in Manchester aufgenommen, fängt das Album die Energie
und die Spannungen der Stadt ein. Es ist scharf, schnell und dynamisch – voller Ideen und Möglichkeiten.
„Dies ist das Album, das am stärksten befreiend gewirkt hat. Der Titel kam mir schon früh in den
Sinn und entwickelte sich zu einer Idee, der ich mich nicht entziehen konnte. Er schien genau das Gefühl
auf den Punkt zu bringen, das meiner Meinung nach viele Menschen haben. Er umfasst alles, ist aber nicht
zwangsläufig eine negative Aussage. Die Technologie löst in unserer Kultur ein Gefühl der Überforderung
aus, doch betrachtet man die Dinge aus einem anderen Blickwinkel, eröffnet sich auch ein Gefühl von
Möglichkeiten.“ – Johnny Marr

Diese Veröffentlichung ist Teil der farbigen Vinyl-Serie zum 40-jährigen Jubiläum von World Circuit. „Moussolou“ ist das Debütalbum der malischen Sängerin Oumou Sangaré; es wurde 1989 aufgenommen und 1991
veröffentlicht. Der Titel bedeutet auf Bambara „Frauen“ und verweist von Anfang an auf das zentrale
Thema des Albums. Viele der Lieder basieren auf Sangarés eigenen Erfahrungen als Frau in einer männerdominierten Gesellschaft, in der Polygamie nach wie vor praktiziert wird. Ihre Texte behandeln Themen wie
Liebe, Ehe, Unabhängigkeit und Frauenrechte mit einer Direktheit, die sowohl mutig als auch bahnbrechend
war.
Auch die Musik war ebenso revolutionär wie die Thematik. Verwurzelt in den kraftvollen, pulsierenden
Rhythmen des traditionellen Wassoulou-Sounds und geprägt durch das brillante Kamalengoni-Spiel von
Bénogo Diakité, modernisierte „Moussolou“ diese Traditionen mit zeitgenössischen Arrangements und einer
Instrumentierung, die bei einer neuen Generation von Hörern in Mali und ganz Westafrika Anklang fand.
Das Album, das sowohl tiefen Respekt vor der Tradition als auch einen unverkennbar modernen Geist zeigte,
entwickelte sich rasch zu einem großen Erfolg und begründete Sangarés Karriere, als sie noch sehr jung
war.
Die Mischung aus kultureller Authentizität und furchtlosem Eintreten für ihre Überzeugungen machte
„Moussolou“ zu einem Meilenstein der afrikanischen Musik und der Weltmusik; es legte den Grundstein
für Sangarés anhaltenden Ruf als eine der gefeiertsten Künstlerinnen des Kontinents und als starke Stimme
für Frauenrechte.
Anlässlich des 40-jährigen Jubiläums von World Circuit Records erscheint dieses kraftvolle und einflussreiche
Debüt nun neu auf transparentem, türkisfarbenem Vinyl. Die Veröffentlichung enthält zudem ein farbiges
Booklet mit den Liedtexten auf Englisch und Französisch.

Hailing from Athens, Georgia, Now It’s Overhead is the acclaimed indie rock band fronted by Andy LeMaster. Emerging in the early 2000s alongside the era-defining Saddle Creek scene, LeMaster collaborated with artists including Conor Oberst (Bright Eyes), Michael Stipe (R.E.M.), Orenda Fink (Azure Ray), and Maria Taylor (Azure Ray).

During this period, Now It’s Overhead released three acclaimed full-length albums: Now It’s Overhead (2001), Fall Back Open (2004), and Dark Light Daybreak (2006). Available on vinyl for the first time, these long-awaited editions are essential for listeners and collectors exploring the indie rock landscape of the early 2000s. All three albums have been newly remastered by Andy LeMaster—musician, songwriter, engineer, producer, and visual artist.

The Associated Press described Now It’s Overhead as “a unique brand of organic and synthetic dark pop—made possible by LeMaster’s studio prowess—that remains distinctive even when Conor Oberst and Michael Stipe briefly stop by.”

Accompanying these reissues, Now It’s Overhead is also releasing new music for the first time in nearly twenty years. The five-song EP, in the beginning, arrives digitally on September 18, 2026.

Miles Davis' quintet formed in 1955 is widely regarded as one of the greatest combos in jazz history. Each of its members was an individual creative force and each could easily have been the leader. Cookin' was the first in a series of four albums featuring this classic all-star combo: Miles Davis, John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones. Like its followers ' Steamin ', ' Workin' and Relaxin' , ' Cookin' is the product of two massively productive recording sessions during May and October of 1956, sessions required to fulfil Davis's contractually obligations to Presage Records before moving to Colombia Records. . A quartet version of the song 'When Lights Are Low' from a previous session has been added to this special edition as a bonus.



[c] When Lights Are Low [Quartet Version]

Das 1970 veröffentlichte, selbstbetitelte Debüt von Funkadelic war eine radikale Kollision von psychedelischem Rock, Gospel, Blues und Soul - ein chaotisches, genreübergreifendes Statement, das die Möglichkeiten der schwarzen Musik neu definierte. Wo Motown auf Hochglanz und Crossover-Appeal abzielte, stürzten sich Funkadelic kopfüber in Verzerrungen, Improvisationen und spirituelle Zweideutigkeiten, mit einem Sound, der so düster und unberechenbar war wie die Ära selbst. Unterstützt von einer wilden jungen Band, lehnte das Album Konventionen zugunsten von rohem Groove und existentiellem Lärm ab. Als Teil der Westbound Records Reissue Serie von Org Music stellt diese Ausgabe die volle Wirkung des Albums wieder her. Die Deluxe-Doppel-LP, die von Dave Gardner direkt vom analogen Band mit 45RPM neu gemastert wurde, bietet das bisher beeindruckendste Hörerlebnis dieses Klassikers. Gardner und die Restaurationsspezialistin Catherine Vericolli archivierten und restaurierten die Original-Masterbänder in den 54 Sound Studios in Ferndale, Michigan, mit Unterstützung des hauseigenen Ingenieurs Nick King. Neben CD, Kassette und digitalen Formaten ist auch eine einfache LP-Ausgabe erhältlich, die von hochauflösenden Bandüberspielungen geschnitten wurde. Funkadelic waren zu ihrer Zeit eine klangliche Revolution mit bleibendem Einfluss, ihr selbstbetiteltes Album ist ein bahnbrechendes Zeugnis für Musik ohne Regeln und Freiheit ohne Grenzen.

Blue Mist Vinyl. ,Free Your Mind And Your Ass Will Follow" ist das zweite Album der Funk-Pioniere Funkadelic, das 1970, nur wenige Monate nach ihrem bahnbrechenden Debüt, erschien. Das Album, das bekanntermaßen aus einer einzigen, von LSD begleiteten Marathon-Session hervorgegangen ist, zeigt die Band bei der Verfeinerung ihres Songwritings, lässt aber dennoch viel Raum für experimentelle Jamsessions. Es markierte den offiziellen Einstieg des legendären Keyboarders Bernie Worrell und erreichte Platz 92 der Billboard Pop-Charts.

Initially forming under the moniker of Black Death back in 1986, the star of Darkthrone has ascended with reverence & a degree of infamy over the course of four decades, to become one of the most notable metal bands to have emerged from Norway. Highly inspirational to a whole generation of bands, & also uncompromisingly steadfast throughout their now extensive catalogue, the long-standing duo of Fenriz & Nocturno Culto have remained dedicated to the art of the riff & forging their own path, relentlessly steering the band against the tide of trend. From the death/ doom technicality of 1991's debut masterpiece 'Soulside Journey', through the spearheading of the notorious "second wave of black metal" period of the earlier 1990s, & the integration of punk & heavy doom elements along with way, the Nordic titans have undoubtedly carved an exquisite & eclectic legacy. After a sequence of albums under the Moonfog label throughout the mid-latter 90's & into the new millennium, Darkthrone made the leap back to their original home at Peaceville, for a spectacular return in the shape of 'The Cult Is Alive', released in 2006. With the band's own newly-established Necrohell 2 studio in operation, this allowed the duo to make everything purely on their own terms & in their own time. Creative boundaries were also further removed in order to embrace some of the punk influences which had to date been more subdued, & in the process, created the beginnings of a new era for the band, first revealed in the form of lead track 'Too Old, Too Cold'.

POLYAMORE presents Magnetismo, a sun‑drenched blend of Mediterranean grooves, disco, funk and house from Budapest duo Pleasure Voyage. The EP includes the Original Mix, a deeper House Dub, a laid‑back Sunset Mix, and a dancefloor‑focused Disco Mix by Neapolitan producer Whodamanny, a key figure of the Neapolitan Periodica records and owner of the new imprint Biloba. Label founder Bruno Belissimo adds a groove‑driven remix infused with his signature Italo/space‑disco touch. The release closes with “Equator Funk”, a standalone cut that broadens the palette. A timeless, Mediterranean‑soaked record that moves effortlessly between dancefloor heat, sunset moods and late‑night flow.

Way Dynamic, das Soloprojekt von Dylan Young aus Melbourne, veröffentlicht international ,Massive Shoe" - sein drittes Album, das verspielt und zurückhaltend, strahlend und facettenreich ist. ,Massive Shoe" ist minimalistischer Folk-Pop, Art-Rock und Barock-Pop, produziert und größtenteils eingespielt von Young, der nebenbei bei Melbournes beliebten Bands Cool Sounds und Good Morning spielt und als Schlagzeuger bei Snowy Band und Kankawa Nagarra mitgewirkt hat. Es ist verlockend, diese Songs nur mit denen vergangener Zeiten zu vergleichen - Youngs Falsett, sein Gespür für Harmonien und die komplexen Arrangements wirken alle zeitlos. Aber es gibt eine Sensibilität, eine Wortwahl, die sich zutiefst zeitgemäß anfühlt: Es ist bezeichnend, dass Katie Crutchfield von Waxahatchee ,Miffed It" als ihren ,Lieblingssong seit SEHR langer Zeit" bezeichnete, und Katie, MJ Lenderman, This is Lorelei und Black Country New Road haben alle Way Dynamic auf Tour mitgenommen, während Sir Elton John sagte, er könne einfach nicht aufhören, ,Ibiza" zu hören. Youngs Songs scheuen weder Sentimentalität noch Albernheit: In jedem beliebigen Song könnte er einen Flug ins All vorschlagen oder ernsthaft eine Missverständigung beklagen. "Can we walk and talk as well?", fragt er in ,I Was the Dancer", und wir nehmen die Einladung sofort an.

Hailing from Athens, Georgia, Now It’s Overhead is the acclaimed indie rock band fronted by Andy LeMaster. Emerging in the early 2000s alongside the era-defining Saddle Creek scene, LeMaster collaborated with artists including Conor Oberst (Bright Eyes), Michael Stipe (R.E.M.), Orenda Fink (Azure Ray), and Maria Taylor (Azure Ray).

During this period, Now It’s Overhead released three acclaimed full-length albums: Now It’s Overhead (2001), Fall Back Open (2004), and Dark Light Daybreak (2006). Available on vinyl for the first time, these long-awaited editions are essential for listeners and collectors exploring the indie rock landscape of the early 2000s. All three albums have been newly remastered by Andy LeMaster—musician, songwriter, engineer, producer, and visual artist.

The Associated Press described Now It’s Overhead as “a unique brand of organic and synthetic dark pop—made possible by LeMaster’s studio prowess—that remains distinctive even when Conor Oberst and Michael Stipe briefly stop by.”

Accompanying these reissues, Now It’s Overhead is also releasing new music for the first time in nearly twenty years. The five-song EP, in the beginning, arrives digitally on September 18, 2026.

XKatedral ist stolz darauf, ein neues Album in voller Länge von Label-Mitbegründerin Maria W. Horn zu präsentieren. ,Melting Pillars of Snow" ist eine Sammlung neuer Kompositionen der renommierten schwedischen Komponistin, geschrieben für Kontrabassblockflöte, Sho, Percussion, E-Gitarre, Gesang und Elektronik, gespielt von Horn zusammen mit einem Kammerensemble bestehend aus Anna Petrini, Mattias Hallsten, Magdalena Meitzner und Mats Erlandsson. Das Album enthält außerdem eine Erzählung von Horn sowie einen Gastauftritt von Michael Gira auf der ersten Single ,Scythe of Saturn". Für ,Melting Pillars of Snow" ließ sich Maria von W. G. Sebalds Roman ,Die Ringe des Saturn" inspirieren, einer poetischen Reflexion, die einem namenlosen Erzähler folgt, der an der Küste von Suffolk in England umherwandert. Während sich die Landschaft allmählich verändert, thematisiert der Text auf vielfältige Weise den Lauf der Zeit und die Distanz zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft und spiegelt dabei sowohl weitreichende zeitliche Maßstäbe wie die Zyklen der Jahreszeiten und die tiefe historische Zeit als auch mikroskopisch kleine Momente und Fragmente wider. Mit den Kompositionen auf dieser Veröffentlichung beschwört Maria ein ähnliches Gefühl der Stille herauf - eine Umgebung, in der die Bewegung der Zeit selbst beleuchtet und beobachtet werden kann. Das Instrumentarium auf diesem Album ist Horns bislang ambitioniertestes: Sie ergänzt ihre gewohnte Palette aus maßgeschneiderter algorithmischer Synthese und elektronischer Bearbeitung um eine komplexe Auswahl an Perkussionsinstrumenten, Blasinstrumente, die an beiden Enden des musikalischen Spektrums spielen, sowie E-Gitarre, um so einen spiralförmigen, spektralen Klangteppich durch den gesamten Frequenzbereich zu weben. Die Perkussionistin Magdalena Meizner spielt spezielle Techniken auf dem Obertondreieck, dem Dubachi, den Pauken und dem Tam-Tam sowie auf gestimmten Weingläsern und gestrichenen Crotales. Die von Anna Petrini gespielte tieftönige Kontrabassblockflöte und das von Mattias Hallsten gespielte hochfrequente Sho fügen kontrastierende Akkordarrangements hinzu, die in strengen metrischen Strukturen eingebettet sind. Das Ensemble wird durch Mats Erlandsson vervollständigt, der auf E- und Akustikgitarren spielt und dabei von sanften Arpeggio-Figuren zu düsteren Drones und Feedback-Heulern wechselt.

Seit ihrer Gründung im Jahr 2014 haben sich These Wicked Rivers zu einer der fesselndsten Bands der aktuellen Rock-Revivals in Großbritannien entwickelt. Die aus Derby stammende Gruppe schöpft aus dem reichen Erbe von Rocklegenden und Blues-Größen und hat sich mit ihrem unverwechselbaren, vom Blues geprägten modernen Rock einen Namen gemacht. Dank ihrer Live-Auftritte, die oft eine fast spirituelle Tiefe erreichen, und ihres zeitlosen Songwritings hat die Band in den letzten Jahren enorm an Fahrt aufgenommen. Ausverkaufte Konzerte in Großbritannien, den Niederlanden, Frankreich und Deutschland sowie der große Kritikererfolg ihres zweiten Studioalbums "Force of Nature" (Platz 3 der UK-Rockcharts) haben ihren Ruf als Live-Act, den man unbedingt gesehen haben muss, gefestigt. Das Jahr 2026 verspricht ein Meilenstein für das Quintett zu werden: Im Herbst erscheint ihr mit Spannung erwartetes drittes Album "Fire and Folklore". Aufgenommen wurde das Werk in der Heimatstadt der Band, Belper in Derbyshire, im Heimstudio von Andy Sneap. Unter der Regie des Grammy-Preisträgers Sneap (Judas Priest, Saxon, Megadeth) und Colin Richardson (Slipknot, Massive Wagons, Those Damn Crows) ist das bisher ausgereifteste Album der Band entstanden. "Fire and Folklore" geht über den typischen ,Wizard-Blues-Rock"-Sound hinaus und erschließt neue klangliche Territorien; dabei werden Country-Einflüsse und Southern-Rock-Flair integriert, ohne den für die Band charakteristischen Groove und Soul zu verlieren. Zudem ist die aus Derby stammende Country-Hoffnung Kezia Gill als Gastmusikerin auf dem Album vertreten. Geliebt von einer rasant wachsenden Schaar von Fans und ausgestattet mit einem Album, das den Sprung auf die großen internationalen Bühnen anvisiert, stehen These Wicked Rivers bereit, neue Höhen zu erklimmen. Seid dabei, klingt klasse. CD mit zwei Bonustracks, LP als Purple oder Black Vinyl!

Das ursprünglich 2016 veröffentlichte Album „The Divine Feminine“ markierte einen der einschneidendsten Wendepunkte in einer Karriere, die von kreativer Neuerfindung geprägt war. Nachdem Mac Miller auf seinem 2015 erschienenen Album „GO:OD AM“ seine Rap-Fähigkeiten noch einmal unter Beweis gestellt hatte, überraschte er seine Fans mit einem kühnen Kurswechsel und schuf ein Konzeptalbum, das seine Ansichten über die Kraft der Liebe und die heilige Energie der Frauen thematisierte. Von Pitchfork als „mit Abstand sein bisher mitreißendstes Album“ gepriesen, deuteten der Einsatz seiner Gesangsstimme und der genreübergreifende Ansatz beim Songwriting bereits die Entwicklung an, die sich auf seinem 2018 erschienenen Album „Swimming“ weiter konkretisieren sollte. Die 10-Jahre-Jubiläumsausgabe von „The Divine Feminine“ enthält drei bisher unveröffentlichte Songs aus den Aufnahmesessions des Albums und wird ab dem 2. Oktober als 3LP mit bedruckten Innenhüllen in einer Single-Pocket-Hülle erhältlich sein.

Mothers of All is Mark Gomes' second album as Blue Chemise for Students of Decay, following 2018’s acclaimed Daughters of Time. Though built from very different materials, it shares its predecessor's economy, sense of proportion, and fascination with the ways domestic life can open onto larger and less easily defined realms. Where Daughters of Time evoked tender, if alien, nursery songs, Mothers of All takes the form of spectral salon music heard at a temporal and geographic remove.

These pieces feel fundamentally receptive, with Gomes allowing his chosen fragments to retain their own histories - both personal and aesthetic - while revealing unexpected tonal relationships through their idiosyncratic arrangement. The resulting music is at once deeply personal and strangely unmoored, a space where the intimate and the distant occupy the same plane.

What lingers about this project as a whole is the paradox that the most private experiences can also be the least singular: that family, memory, and devotion become most legible at the point where they cease belonging to any one life.

Neuaufgelegt! Hebt das Glas mit mir und gemeinsam trinken wir "Auf die Liebe und auf die Sehnsucht"! Das sechste Studioalbum aus dem Jahr 2013 gilt zurecht schlichtweg als Klassiker und hatte erheblichen Anteil am heutigen - nennen wir es ruhig - "Phänomenen OXO86". Mit ihrem einzigartigen Stil aus Gute-Laune Ohrwürmern gepaart mit subtilem Wortwitz, Punkrock, Bläsern und Sänger Willi's knochentrocken-verschmitztem Gesang, haben die Bernauer seitdem ein Alleinstellungsmerkmal weit über die üblichen Szenegrenzen hinaus. Millionen Streams der Album-Songs mit Hits wie "Bier und Reggae", "Samba Skinheads", "Saus und Braus" bis hin zum Titelsong zeigen dies deutlich. Die Vinyl-Auflagen von "Auf die Liebe und auf die Sehnsucht" sind allesamt in kurzer Zeit vergriffen gewesen und derzeit fast nur zu horrenden Sammlerpreisen erhältlich. Doppel-Vinyl mit dem Original-Album sowie der Kinderlieder-Bonus EP "If the Kids Are United" auf Seite C und wunderschönem Etching des beliebten Anker-Logos auf Seite D! Selbstredend auf 180g Vinyl, in schwarz oder trans-yellow/gold splatter, limitiert auf insgesamt 500 Exemplare!

Neuaufgelegt! Hebt das Glas mit mir und gemeinsam trinken wir "Auf die Liebe und auf die Sehnsucht"! Das sechste Studioalbum aus dem Jahr 2013 gilt zurecht schlichtweg als Klassiker und hatte erheblichen Anteil am heutigen - nennen wir es ruhig - "Phänomenen OXO86". Mit ihrem einzigartigen Stil aus Gute-Laune Ohrwürmern gepaart mit subtilem Wortwitz, Punkrock, Bläsern und Sänger Willi's knochentrocken-verschmitztem Gesang, haben die Bernauer seitdem ein Alleinstellungsmerkmal weit über die üblichen Szenegrenzen hinaus. Millionen Streams der Album-Songs mit Hits wie "Bier und Reggae", "Samba Skinheads", "Saus und Braus" bis hin zum Titelsong zeigen dies deutlich. Die Vinyl-Auflagen von "Auf die Liebe und auf die Sehnsucht" sind allesamt in kurzer Zeit vergriffen gewesen und derzeit fast nur zu horrenden Sammlerpreisen erhältlich. Doppel-Vinyl mit dem Original-Album sowie der Kinderlieder-Bonus EP "If the Kids Are United" auf Seite C und wunderschönem Etching des beliebten Anker-Logos auf Seite D! Selbstredend auf 180g Vinyl, in schwarz oder trans-yellow/gold splatter, limitiert auf insgesamt 500 Exemplare!

Die norwegische Punkband Aktiv Dödshjelp aus Oslo hat sich in den vergangenen Jahren in Ihrer Heimat
durch ihre explosiven Liveshows und nicht zuletzt durch ihre supermelodiösen Songs mit witzigen und
ironischen Texten einen hervorragenden Ruf erspielt. In den 17 Jahren seit ihrer Gründung im Jahre 2007
ist die Band pausenlos im Inland und Ausland getourt und präsentiert nun ihr zweites Album! Aktiv
Dödshjelp haben ihren Sound seit ihrem letzten Album ”Send Dudes” (das in 2025 für den norwegischen
Grammy als bestes Rockalbum nominiert war) perfektioniert und liefern auf dem neuen Album ”The Nasty
Piece” den perfekten Mix aus Punk und Rock. Wer auf norwegische Bands wie Turbonegro, The Good
The Bad and The Zugly und Kvelertak steht, wird Aktiv Dödshjelp lieben!
Für die neue Platte holte sich die Band diesmal Produzent Bendik Markovic Toming-Weston (brenn, TØFL,
Fred again.…) ins Boot, der laut der Band ”eine echte Pop-Hure” ist.
Natürlich haben es nur die stärksten Songs auf The Nasty Piece geschafft. Das Album enthält außerdem
die bereits veröffentlichten Singles „Jakter en Løve“, „Kjøttkverna“ und „Hun som sitter fast“ und mit
”Lazer Tag” den besten Turbonegro-Song, den Turbonegro nie geschrieben haben.

Unglaublich, aber es ist tatsächlich schon zwanzig Jahre her, dass Georg Danzers Album „Träumer“ veröffentlicht wurde. Damals allerdings ausschliesslich als CD, die heutzutage schon fast ein Wegwerfprodukt
wurde. Wer hätte sich gedacht, dass nach der langen Zeit seit der Erstveröffentlichung die grosse schwarze
Scheibe wieder in Mode gekommen ist.
Es lag daher nahe auch Georgs 33. und letztes Studioalbum erstmalig auf Vinyl zu veröffentlichen.
Somit erscheint rechtzeitig zu Danzers 80. Geburtstag „Träumer“ in einer ”20th Anniversary Edition”
als Doppelalbum auf blauem durscheinendem Vinyl mit zwei unveröffentlichten Liedern wie „Ollas hod
sein’ Preis“ das eigentlich für den Austria3-Film „Jackpot“ gedacht war und „Schwoazza Reg’n“, der ursprünglichen Version des Titelliedes „Träumer“.
Georg Tomandl hat alle Titel nach den Maßstäben der modernen Tontechnik neu gemastered.
Die von Gerhard Weber liebevoll gestaltete Klapphülle inklusive aller Texte auf den Innenhüllen verleiht
dieser Veröffentlichung noch zusätzlichen Charme und sollte daher in keinem Plattenschrank fehlen.
Das geschichtsträchtige österreichische Plattenlabel Label „Amadeo“ feiert dieses Jahr sein 70-jähriges
Bestehen. Mit Georg Danzers musikhistorisch bedeutsamen Werk wollen wir gemeinsam Österreichische
Musikidentität feiern.
Georg Danzer „Träumer“ nun erstmals auf translucent blue Vinyl und digital erhältlich.

[GER Seit ihrer Gründung im Jahr 2014 haben sich These Wicked Rivers zu einer der fesselndsten Bands der aktuellen Rock-Revivals in Großbritannien entwickelt. Die aus Derby stammende Gruppe schöpft aus dem reichen Erbe von Rocklegenden und Blues-Größen und hat sich mit ihrem unverwechselbaren, vom Blues geprägten modernen Rock einen Namen gemacht. Dank ihrer Live-Auftritte, die oft eine fast spirituelle Tiefe erreichen, und ihres zeitlosen Songwritings hat die Band in den letzten Jahren enorm an Fahrt aufgenommen. Ausverkaufte Konzerte in Großbritannien, den Niederlanden, Frankreich und Deutschland sowie der große Kritikererfolg ihres zweiten Studioalbums "Force of Nature" (Platz 3 der UK-Rockcharts) haben ihren Ruf als Live-Act, den man unbedingt gesehen haben muss, gefestigt. Das Jahr 2026 verspricht ein Meilenstein für das Quintett zu werden: Im Herbst erscheint ihr mit Spannung erwartetes drittes Album "Fire and Folklore". Aufgenommen wurde das Werk in der Heimatstadt der Band, Belper in Derbyshire, im Heimstudio von Andy Sneap. Unter der Regie des Grammy-Preisträgers Sneap (Judas Priest, Saxon, Megadeth) und Colin Richardson (Slipknot, Massive Wagons, Those Damn Crows) ist das bisher ausgereifteste Album der Band entstanden. "Fire and Folklore" geht über den typischen ,Wizard-Blues-Rock"-Sound hinaus und erschließt neue klangliche Territorien; dabei werden Country-Einflüsse und Southern-Rock-Flair integriert, ohne den für die Band charakteristischen Groove und Soul zu verlieren. Zudem ist die aus Derby stammende Country-Hoffnung Kezia Gill als Gastmusikerin auf dem Album vertreten. Geliebt von einer rasant wachsenden Schaar von Fans und ausgestattet mit einem Album, das den Sprung auf die großen internationalen Bühnen anvisiert, stehen These Wicked Rivers bereit, neue Höhen zu erklimmen. Seid dabei, klingt klasse. CD mit zwei Bonustracks, LP als Purple oder Black Vinyl! Established in 2014, These Wicked Rivers have emerged as one of the UK's most compelling forces in the recent rock resurgence. Hailing from Derby and drawing influence from the well of rock legends and blues greats, the band have made quite an impact since their inception with their unique brand of blues-infused modern rock. With a reputation for soulful-bordering-on-spiritual live performances and timeless songcraft the band have built unstoppable momentum in recent years. Sold-out shows across the UK, the Netherlands, France and Germany have cemented their reputation as a must-see act, bolstered by the critical acclaim of their second studio album 'Force of Nature' (#3 UK Rock Chart). 2026 is set to mark a landmark chapter for the quintet, with their hotly-anticipated third album 'Fire and Folklore' set for release in autumn 2026. The record was recorded in the band's hometown of Belper in Derbyshire, at Andy Sneap's home studio. With the Grammy-winning Sneap (Judas Priest, Saxon, Megadeth) and Colin Richardson (Slipknot, Massive Wagons, Those Damn Crows) at the helm, it's the band 's most accomplished record to date. Expanding beyond their signature wizard-blues rock sound, Fire and Folklore pushes into new sonic territory, blending in shades of country and Southern spirit while retaining the groove and soul that defines the band. The record also features a special guest appearance from fellow Derby artist, country starlet Kezia Gill. Loved dearly by a rapidly growing "Family" of fans, and armed with a homegrown record with its sights set firmly on the global stage, These Wicked Rivers are poised to reach new heights. Jump on in and enjoy! CD contains two bonustracks, LP comes in Purple or Black Vinyl!

Ltd Edition! Pat Todd & the Rankoutsiders — hervorgegangen aus der Asche der legendären Lazy Cowgirls und angeführt von einem Frontmann, dessen Name seit Jahrzehnten für das raue Herz der amerikanischen Underground-Musik steht — melden sich mit ihrem neunten Album „I’ll Dream Alone“ zurück. Zwölf Songs voller lauter Gitarren, schnörkelloser Storytelling-Tradition und der bekannten Mischung aus knurrendem 70er-Jahre-Punk, Country, Blues und klassischem Rock, die die Band seit den Lazy-Cowgirls-Tagen zum Maßstab für Authentizität in der amerikanischen Rock’n’Roll-Szene gemacht hat. Aufgenommen und produziert von Gavin Ross in den Steady Studios, Burbank, CA — demselben Studio wie die letzten beiden Alben. Pat Todd hat die Songs so geschrieben oder mitgeschrieben, wie es bei den Rankoutsiders Tradition ist — manche jahrelang live erprobt, bevor sie endlich aufgenommen wurden („Ambition Street“), andere direkt im Studio entstanden, mit Texten, die erst zum Schluss dazukamen („We’re Outta Time“, „The World It Don’t Need You“ und der Titeltrack „I’ll Dream Alone“ selbst). Das Album reicht von der an Velvet Undergrounds „Loaded“ erinnernden Ballade „Mediocre Heart“ über den treibenden Soul-Beat von „Beyond the County Line“ bis zum Update eines 60er-AM-Radio-Rockers in „The Last Of Me“. Gitarrist Nick Alexander übernimmt bei „It Ain’t All My Fault“ – nach wahren Begebenheiten – ausnahmsweise den Leadgesang, unterstützt von Stephen Vigh, Kevin Keller und Pat Todd. Den Auftakt macht die erste Single „Desire Has Left Town“, gefolgt von „We’re Outta Time“ als zweiter Single und „Blood & Gunpowder“ am Release-Tag. Die Band unterstützt die Veröffentlichung mit einer Europa-Tournee vom 9. Oktober bis 8. November 2026 und bringt „I’ll Dream Alone“ direkt ab Release quer über den Kontinent auf die Bühne.

If Izzy Hagerup’s new album, ‘System’, feels immediately uncompromising it’s because it was never really designed for public consumption. Released under her Prewn moniker, Hagerup describes the album as a “private journal made public”. Told across nine arresting new songs, the album chronicles a deeply personal journey through the darkness of depression, but one that’s always undercut by moments of humor, selfishness and self-reflection, a push-and-pull that feels wholly distinctive. Following on 2023’s ‘Through The Window’ LP - a collection of songs that Pitchfork hailed as a “striking example of Hagerup’s ability to sit with ugliness” - ‘System’ finds Hagerup crawling even deeper into the dense folds of the night. Written and recorded solely by Hagerup, mostly in long stretches of bedroom sessions that found her working through the small hours until she began to hear birdsong, the album reckons with a lot of the thoughts that tend to needle in at that time of night; guilt, shame, and self-absorption, as well as the societal pressures that sit at the root of such things. From a bedroom floor in the middle of the night, through a tangle of cables and complex emotions, System grew into a document of disassociation, but it comes undercut with a sense of lightness when compared to what’s come before. It doesn’t surrender to the darkness, it dives into it with a keen and exploring eye and through the gloom it finds constant realizations of the wonder and appreciation of life. That journey holds a special kind of power. There’s bravery in it, a struggle that never asks you to look away but instead to follow it down the rabbit hole. That it leads to a place of fascination is testament to the sheer force these songs hold; songs of hurt and heart, fear and fun.

Following one of 2025’s standout EPs, the CEO of the National Centre for Mark Fell Studies fires from the hip in brilliant, club-troubling motion. In step with 30 years of prism-pushing work — and particularly the »Nite Closures« EP, which signalled a concerted return to the dancefloor — Fell pulls aspects of hypermodern dance and electronic music from Chicago, Tanzania, and Japan into his own peculiar agenda.

The hugely distinctive results pull the body into thrillingly unusual, typically ascetic arrangements, activating every pointillist drum hit with attack and decay in a soberly ludic play of rhythmelodic tension and release, executed to delirious ends; 40 minutes of computer music.

As an artist who witnessed first-hand the explosion of electronic music in early ’80s Sheffield, and its interplay with house and rave as it refracted into wild new styles during the ’90s, Mark Fell is uniquely positioned to pursue his passion for the dynamics of electronic dance music to the nth degree. »Servitude In Context« continues to develop ideas around music for movement in the mid-2020s, placing decades of keen observation — from the macro and historical to the niche and hypermodern — at the service of flexing bodies in new directions.

Long-held notions of multistability manifest in what feels like two machines playing chess on the dancefloor, attempting to adapt to each other’s playing styles and patterns in real time, anticipating and zigzagging around the next move. The result is a plethora of options for limber dancers and those who only bust a move inside their heads.

The slow-fast play of accelerating and decelerating strikes, alongside monotonic chatter in »Actuations #1 (Extended)«, acclimatises the body to a uniquely sensual physics. This develops into the rudely screwed, asymmetric angularity of »Time-Slur« and the shatterproof elasticity of »Taut Manifold«, which feels like an LLM trained on Autechre.

»Low Energy Mantra« offers the EP’s closest resemblance to melodic structure, like gamelan and footwork refracted through lab-grown diamonds. Then »Anode« flashes its teeth with a rudeness recalling the latter stages of Fell’s Pat Thomas jams, before »3 Lost Contours (Pts 1–5)« tilts into 12 minutes of proper quicksilver madness, balancing the sexiness of his Sensate Focus work with an updated, clean-hoofed step and parry.

Belgian artist Jennifur announces MAZDA, an album inspired by long car rides, emotional transitions, and the strange beauty of existing between places, people, and versions of yourself.

Musically, MAZDA moves fluidly between genres and emotional textures, blending electronic love songs, indie rock structures, UK bass influences, cinematic electronica, and flashes of classical composition.

The project began when Jennifur's brother sent him a playlist called MAZDA, filled with songs their father used to play in the car. What started as a nostalgia gesture quickly became the emotional blueprint for the album.

While writing MAZDA, Jennifur realized he was unknowingly creating the soundtrack to a fictional romcom film that existed only in his imagination. Rather than avoiding clichés like love, heartbreak, growing older, or transition, he chose to embrace them wholeheartedly.

"In a car, you exist in a kind of in-between space," Jennifur explains. "You've left something behind, but you haven't arrived yet. That feeling became the entire record."

The album opener, From A to B, sets the emotional framework for the entire project. Its extended introduction mirrors the exact moment you pull out of your street and realisethat something new has begun.

Highlights include "I Need You To Hold On", written for Jennifur's brother as a message of encouragement. The song "I Once Had a Dream Where I Could Fly" originated from a conversation with his father about recurring dreams of flying. Meanwhile, "From The Sideline" confronts a quieter existential fear, becoming a coming-of-age anthem for anyone who suddenly realizes they have become more of a spectator than an active participant in their own life.

Tracks like "In The Sun" bring a softer, almost cinematic intimacy to the album. Written around the image of spending one final Sunday at the seaside with someone who is seriously ill, the song captures the beauty and fragility of fleeting moments. The closing track "The Dialogue Before We Left" serves as the emotional final scene of the album.

"For me, it's the moment after a long drive when you turn off the engine but stay seated for a minute," Jennifur explains. "You realise something happened. You listened to my story, and we travelled from A to B together."

Belfast’s Deeply Armed return with a monster of a new single, “Black Ice”, which marries the post-Kraut swagger of prime-era Mondays with an XTRMNTR sense of punked-up malevolence.

If their debut release “The Healing” presented the band at their most benevolent and euphorically optimistic, “Black Ice” is very much its flip; a bass-heavy soundtrack to truth, trust and resurgence led by a hypnotic thousand-yard-stare of a vocal.

As per their established operating strategy, the group have offered the track out to fellow travellers, this time around commissioning Andrew Fearn of Sleaford Mods under his solo guise of extnddntwrk and dub legend Mad Professor to reconstitute it across two thrilling remixes that between them plot the poles of their influences.

Fearn delivers a clatter of trance, walking the line between DIY hypnotics and Messthetics-scale crunk, while Mad Professor cuts an intense live mix that marries dub science with psychedelic alchemy, playing to the black heart of the group’s heavy dub leanings.

This new 12” somehow tracks the arc of the band’s vision perfectly. Positioned somewhere between dance, dub and destructo-punk, they remain infected by some of the most irrepressible covert strains of underground music while offering up their jams as raw material for new visions of now. Watch out though: “Black Ice” is treacherous.

Das wandlungsfähige Trio Vanishing Twin präsentiert sein neues Album ,Archives" - eine Collage aus postmoderner Songkunst, die im gemeinsamen Schaffensprozess Transzendenz findet. Der Albumtitel spielt auf den unverwechselbaren Ansatz von Vanishing Twin an, tägliche Aufnahmesessions anzuhören, zusammenzufügen und neu zu bearbeiten. Gründungsmitglied Cathy Lucas beschreibt den Prozess so: ,Material sammeln, damit herumspielen, es auf den Kopf stellen, versuchen, die Teile zusammenzufügen und daraus eine Geschichte zu erschaffen". Da Lucas mittlerweile ins ländliche Frankreich gezogen ist und Valentina Magaletti sowie Susumu Mukai in London leben, verbinden sich die drei, indem sie Songs und Instrumentalfragmente in einem virtuellen Studio austauschen. Die geografische Distanz wird durch ihre kollektive Kreativität überbrückt, wobei jedes Mitglied als Multi-Instrumentalist seinen Beitrag leistet. Jeder Musiker bringt umfangreiche Erfahrung in Zusammenarbeit und Improvisation mit, wobei das Anhören und Bearbeiten von Studio-Sessions ein wesentlicher Bestandteil des kreativen Prozesses ist. Konzepte von Urheberschaft und Eigentumsrechten lösen sich in der Musik von Vanishing Twin auf, während die Mitglieder Instrumente tauschen und sich ganz dem Moment der Zusammenarbeit hingeben. Die ,Archive", die dem Albumtitel seinen Namen geben, werden zu Dokumenten der kollektiven Intelligenz des Trios. Die chaotische Energie von ,Archives" treibt Vanishing Twin in ungewohnte Formen und Richtungen. Außerhalb ihrer Komfortzonen findet das Trio neue Momente der Erleuchtung und Freude. Tief im Mix hörst du vielleicht, wie Magaletti zum Bass greift, Mukai unerwartet am Schlagzeug einspringt oder Lucas chamäleonartig durch die Lücken gleitet. ,Archives" verfeinert Vanishing Twins Modell des kollektiven Musizierens, bei dem Egos in spielerischen Mix-and-Match-Spielen in den Hintergrund treten und die Kreativität zwischen den drei Multi-Instrumentalisten fließt. Sie bewegen sich zwischen und außerhalb konventioneller Genrekategorien und reihen sich neben Weggefährten wie dem Tara Clerkin Trio und Still House Plants ein, wodurch sie die Vorstellung vom zeitgenössischen Musikensemble erweitern. Nach einem Jahrzehnt ihres Bestehens sind Vanishing Twin wandelbarer denn je.

Twenty-five years after his debut album I’m Serious permanently altered the DNA of Southern hip-hop, Tip "T.I." Harris is officially closing this chapter with KILL THE KING, his twelfth and final studio album. For a man who has spent over two decades as the self proclaimed “King," the project’s title speaks volumes. This is not a surrender of the crown to a rival, but rather a symbolic death of the ego. T.I. is choosing to dismantle the moniker on his own terms, trading the battlefield for peace, legacy, and the freedom to step out of the booth and into the next phase of his life as an actor and family man.

Rather than leaning on pure nostalgia, KILL THE KING proves T.I. is walking away while his pen is still razor-sharp. The project is anchored by the certified gold lead single "LET 'EM KNOW," produced by long-time collaborator Pharrell Williams, which sets an immediate tone of veteran-level precision and polished bravado. Across the 18-track album, T.I. pulls together a masterclass of multi-generational talent that bridges the gap between his trap origins and modern dominance. The album boasts heavy-hitting Southern anthems like "DOPE BOYS ACADEMY” featuring 2 Chainz, Jeezy, and T-Pain, alongside soulful reflections from the Dr. Dre produced track "WHERE I’M FROM" with Anderson .Paak, Atlanta eloquence with Usher on "GORGEOUS," and moody, atmospheric cuts featuring Summer Walker and YoungBoy Never Broke Again.

Ultimately, KILL THE KING is designed to leave nothing unsaid, directly addressing the trials, tribulations, triumphs, and the undeniable imprint he’s left on global hip-hop culture. To mark the end of this historic era, T.I. isn't just letting the music speak for itself; he will be taking his final bow on the road with The King Succession Tour, bringing his sons Domani and King along to officially pass the musical torch. With this final statement, T.I. ensures that the trap music foundation he helped lay the framework for what will endure long after he sets down the mic. The King is dead; long live the legacy.

Garefowl is a project connected to the archipelago of St Kilda, Scotland. Ewan Macdonald and his father Murdo, relatives of one of the men who killed the last Great Auk (Garefowl), conceived the project to reflect on and mark this family history. Garefowl is an international collective of musicians combining strings and electronics: Nathan Bontrager (viola da gamba/harmonium/banjo), Stuart Graham (bouzouki/harmonica/harmonium), Chris Jones (concertina/mandolin), Ewan Macdonald (fiddle/smallpipe drone), Richard O’Flynn (island sounds/percussion/XRD drones), Jess Whelligan (cello).

Things That Vanish was recorded on Hirta, the main island of St Kilda, at night. The soundscapes of Hirta breathe across the record: a quiet rolling swell of winds, waves, birds, and the otherworldly thrum of the snipe. Taking influence from the traditional folk music of St Kilda, the tunes on the record are inspired by the threatened seabirds of the islands. The band were intrigued by the folk stories around these birds, and how they often are depicted to imbue a primal, dark and haunting nature. In such tales, the birds retain a quality akin to a sea monster: preying upon calves and sheep, and believed to be the pelagic souls of drowned sailors or the cursed spirits of cruel captains.

No synthesizers were used on the recording. Instead, the production draws entirely on sampled and processed field and hydrophone recordings collected on St Kilda. Additionally, drones were created through a process pioneered by Richard O’Flynn and Joe Gardner. Rock or bone samples are analysed using X-ray diffraction (XRD), which creates a spectrum with peaks corresponding to the sample’s chemical composition; this spectrum can then be mapped to sine waves, forming a drone.

Coming off his first two years as a solo artist, Nick Schilder paused for a moment of contemplation. How do you keep growing as an artist, and continue making music without falling into routine? Returning to his artistic foundation—guitar on his lap, hours behind the piano—the Dutch singer-songwriter let intuition guide him, leading to his brand-new EP, Reflections.

After a summer jam-packed with festivals, Reflections provides contrast—the tracks harness a more organic sound, hitting closer to the heart, drawing from folk and pop while leaving space for the echoes of his foray into electronic music to resonate. From ‘Made For You’ to focus track ‘Die For You’ and ‘A Little More Like Me’ marking the turning point, this EP offers a sonic snapshot that bridges two seasons, a creative reset born of reflection.

Reflections is available as a limited edition on transparent vinyl. The package contains an insert with lyrics.