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The extroverted blend of attitude, energy, and ostentatiousness that spills from the New York Dolls’ self-titled debut can be seen in full view on the album cover. Depicting the quintet in its hallmark flash-and-trash apparel and in drag appearance, the 1973 album scared away a considerable amount of potential listeners while capturing the attention of a sizable audience that recognized the band for what it was: zeitgeist pioneers who helped develop the punk and glam rock movements.

Named by Rolling Stone the 301st Greatest Album of All Time and by Mojo the 49th greatest album of all time, New York Dolls receives long-overdue audiophile treatment on Mobile Fidelity’s numbered-edition 180g 45RPM 2LP set. Sourced from the original master tapes, pressed at Fidelity Record Pressing in California, and housed in a Stoughton gatefold jacket, this collectible version marks the first time the group’s career-making statement is available to be experienced in audiophile quality.

Far from harboring the crude elements that became associated with the punk scene, New York Dolls benefits from keen production overseen by none other than Todd Rundgren. Though more accustomed to working far higher-caliber musicians, Rundgren — taken by the New York Dolls’ charisma and cool, if not their instrumental approach — fully understood the ensemble’s aesthetic. He captured what went down at New York City’s Record Plant with an astute blend of live-on-the-floor feel, raw authenticity, and professional acumen.

On Mobile Fidelity’s definitive-sounding reissue, you can hear those facets as well as key details, dynamics, and textures with previously unimaginable insight. Rundgren preserved generous degrees of grit, grime, and grease while bestowing the raucous music with elevated levels of separation, solidity, and impact every landmark recording deserves. His vision extends to introducing choice accents — barroom piano notes, Moog synthesizer passages, Buddy Bowser’s honking saxophones — that add to the songs’ appeal without interfering with the primary architecture.

Afforded extra groove space on this pressing, the tenor, presentation, and attack of both vocalist David Johansen and now-iconic guitarists Johnny Thunders and Sylvain Sylvain come across with stunning vibrancy and vitality. The New York Dolls often seem headed off the rails and into the red, but somehow, the strut, swagger, and sloppiness — and the associated sleaze and scruff, scrape and snarl, frenzy and feverishness those characteristics entail — remain together as a whole that shakes its collective fist at the frustrations, isolation, disarray, and disillusionment of youth chaos and urban decay.

Kicking off its debut with “Personality Crisis,” cited by Rolling Stone as one of the 500 Greatest Songs of All Time, the band makes obvious its grasp of alienation, deviance, displacement, and suburban disaffection — as well as its capacity to play hanging-by-a-thread boogie, noisy rock ‘n’ roll, and Brill Building-inspired pop. The lipstick-kissed New York Dolls possesses traits many of its harsher predecessors would overlook: joyfulness and melody, topped with a knack for knowing how and where to take a song inside of three-and-a-half minutes.

Dive and dash with the belligerent “Looking for a Kiss”; stomp your feet and clap your hands to the big choruses of “Jet Boy”; surrender to the demands and provocations of the coded “Vietnamese Baby”; decide whether “Bad Girl” yearns to explode or implode. It’s one of several tunes here that allude to the world coming to end. Of course, that doesn’t mean there isn’t time for a fling before everything burns. “There’s no place I gotta go,” yowls Johansen. And he means it.

Adorned with tonal crunch, glitter, and gristle, New York Dolls takes pride in its brashness and brattiness. The rambunctious effort, which earned the band the distinction of being voted both “Best New Group of the Year” and “Worst New Group of the Year” in the pages of Creem, displays knowing reverence for the blues without calling attention to the style. The folk-laden “Lonely Planet Boy” is nothing if not a collision of heart-on-the-sleeve emotions and the desire in the face of challenges to maintain a tough-skinned exterior. An interpretation of Bo Diddley’s “Pills,” complete with shivering harmonica and clattering rhythms, announces there’s no cure for what infects this band. It’s that contagious. And how.

His deliveries gushing with campy fun, playful irreverence, and sheer decadence, Johansen doubles as the equivalent of an open fire hydrant that spouts at will. He’s at once tender and vicious, serious and tongue-in-cheek. On arguably his finest hour on the album, Johansen’s phrasing, passion, and lyrical ambiguity alone turn “Trash” into an insistent glam-rock gem whose echoing harmonies and girl-group references stamp it a pop classic.

Too much, too soon? Only for those averse to some of the finest rock ‘n’ roll ever put on tape.

Alanis Morissette Delivers the Equivalent of a Spiritual Awakening on Supposed Former Infatuation Junkie:
Introspective Themes and Compassionate Emotions on Eastern-Tinged Album Have Grown More Relevant
1998 Smash Plays with Enhanced Detail, Rich Textures, and Sharp Focus on Mobile Fidelity’s 180g 33RPM 2LP Set:
First-Ever Audiophile Edition Strictly Limited to 3,000 Numbered Copies
1/2" / 30 IPS analogue master to DSD 256 to analogue console to lathe

Alanis Morissette refuses to adhere to convention on Supposed Former Infatuation Junkie. While most artists follow-up their breakthrough with an album that closely parallels the approaches that helped make them famous, the maverick singer-songwriter stayed true to herself and drew inspiration from travel to India before she began the recording sessions. As much as the preceding Jagged Little Pill put her on the global radar, Supposed Former Infatuation Junkie confirmed her role as a vital generational voice — and proved her blockbuster success was no fluke. Having set a mark for most sales of an LP in its debut week by a female artist, the 1998 smash remains a pop-rock staple.

Sourced from the original master tapes, strictly limited to 3,000 numbered copies, housed in a Stoughton jacket, and pressed at Fidelity Record Pressing, Mobile Fidelity’s 180g 33RPM 2LP set of Supposed Former Infatuation Junkie presents the triple-platinum LP in audiophile sound for the first time. Benefitting from defined grooves that befit the album’s nearly 72-minute length, this pressing plays with enhanced detail, refined clarity, sharper focus, and broader dynamics than prior versions.

Those traits are key given Morissette’s use of more textured and atmospheric soundscapes, not to mention her evolution into a more nuanced and controlled singer. Similarly, the scale and reach of David Campbell’s string arrangements come across as orchestrations should. Ditto the synth-based architecture shaped by producer and principal Morissette collaborator Glen Ballard. All in all, Mobile Fidelity’s collectible edition simply delivers more information via transparent means.

Notable for its balance, sophistication, and richness, Supposed Former Infatuation Junkie at heart finds Morissette pausing, taking a breath, and learning how to navigate life in a healthy manner after enduring one of the most exhausting and rocket-to-fame stretches any musician ever experienced. It’s the sonic equivalent of a spiritual awakening, a call to betterment, a brave assessment of the self and humanity as a whole. As such, the tunes on her second international (and fourth Canadian) release teem with gratitude, compassion, love, empathy — emotions that lend themselves to the largely mellow, contoured scope and Eastern-tinged melodies of the songs themselves.

“How ‘bout how good it feels to finally forgive you,” Morissette sings on the lead single “Thank U.” “How ‘bout grieving it all one at a time.” Those sentiments, and the vocalist’s embrace of concepts such as divinity and acceptance, not only provide a foundation on which Supposed Former Infatuation Junkie rests. They also reflect the personal maturation she gained from her embrace of Buddhist culture in India and a mindset bent toward notions of reconciliation, peace, and sensuality that were nearly absent in popular music in the late ‘90s.

Those themes continue on “That I Would Be Good,” a confident reflection that takes stock of one’s mental, physical, and emotional state in the face of both changing and unpleasant circumstances — and concludes with Morissette performing a flute solo, further exposing the raw intimacy of the introspective tune. She channels relatable simplicity and joy on “So Pure,” with her invocations of “dance” and “freestyle” speaking to the freedom of expression that courses throughout Supposed Former Infatuation Junkie. And perhaps no song finds Morissette showcasing her refreshed attitude toward life and opening up more than the relationship-themed “Unsent,” whose unconventional structures and lack of a chorus only add to its directness.

Akin to many albums that were ahead of their time, and despite the critical and commercial accolades afforded it upon release, Supposed Former Infatuation Junkie attracted new appreciation and perspective as it got older. Issued during an era where its ideas of serenity, absolution, tranquility, and contentment seemed largely alien, the record — akin to the ways its predecessor foreshadowed a movement — now functions as a visionary beacon that foretells of way to maintain sanity, dignity, and goodness amid a contemporary landscape filled with constant distractions, polarizing views, and incessant calls to purchase, promote, and produce without questioning the what-for purpose.

Supposed Former Infatuation Junkie dares to ask the questions and, at its best, supplies meaningful answers and alternatives that lead to longed-for enlightenment, healing, and laughter. For these reasons alone, it’s a record that never goes out of style.

Ora Cogans ,Formless", veröffentlicht am 25. August 2023, ist ein Album, das Schönheit, Absurdität, Humor und unerwartete Freude in den düstersten Zeiten findet. ,Formless" entstand inmitten von Trauer und pandemiebedingter Isolation. ,Ich habe viel Zeit damit verbracht, mit meinem Hund ziellos durch den Wald zu streifen", sagte Cogan. Das Ergebnis ist eine Flut von Gedanken über ungeschickte Liebe, Schmerz, innere Kämpfe und den Kampf, Wege zu finden, sich gut zu fühlen, wenn alles schlecht läuft. Das Album wurde größtenteils in Live-Takes mit der Rhythmusgruppe David Proctor und Finn Smith auf Analogband im Risque Disque Studio auf Vancouver Island aufgenommen und von Cogan und David Parry von Loving co-produziert. Mit dabei sind internationale Gaststars wie Cormac Mac Diarmada von Lankum, der ,Feel Life" auf der Saitengitarre spielt, und Y La Bamba, die ,Ways of Losing" im Duett singt. Das Album ist thematisch sehr vielfältig: ,Katie Cruel" mit seinem ätherischen Gesang, einer schlurfenden Snare und einer sitarähnlichen Gitarre ist eine tragische Ballade über eine Sexarbeiterin, die mit Soldaten der leichten Infanterie unterwegs ist. ,Cowgirl" ist ein psychedelischer, langsamer Country-Jam, der sich mit sozialer Isolation in Trauer auseinandersetzt; und ,Feel Life" ist ein Track, der durch den Wahnsinn des alltäglichen Tumults und epische, lebensverändernde Verluste tanzt. Mit einer einzigartigen Stimme, die ebenso sensationell wie klangvoll ist, sucht Ora Cogan nach neuen Realitäten im Labyrinth aus Rauch und Spiegeln unserer grausamen Gesellschaft.

Berlin-based Colombian DJ, producer, and curator Edna Martinez presents a sonic journey into the electrifying world of Picó—the vibrant and dynamic sound system culture that has defined the streets of Cartagena and Barranquilla for decades. More than just a musical movement, Picó is a way of life, a bold expression of identity, community, and resistance. From its roots in the working-class neighbourhoods of Colombia’s Caribbean coast to its deep connections with Africa and the Caribbean, this compilation captures the pulse of a culture where music is played at full volume, rhythms travel across oceans, and dance is both a form of celebration and storytelling. For those unfamiliar, Picós are hand-painted sound systems, often adorned with dazzling colours and striking imagery, each with its own name and sonic identity. These mobile discos became the heart of neighbourhood bailes, where the sounds of champeta, highlife, soukous, mbaqanga, zouk, soca, and cumbia would turn every street corner, market, and terrace into a dancefloor. Initially built by local craftsmen using modified speaker components, Picós became legendary for their powerful bass and exclusivity, with DJs sourcing rare vinyl from African and Caribbean ports and rebranding them with unique piconemas—new names adapted to local slang, making the tracks instantly recognisable within the community.

This compilation brings together a carefully curated selection of these rare and sought-after tracks, tracing the deep-rooted musical exchanges between Colombia, West and Central Africa, and the Caribbean. Featuring artists like Los Corraleros De Majagual, Peacocks International Highlife Band, Pedro Lima, Zaïko Langa Langa, and more, the album also includes edits by Edna Martinez, reimagining these timeless rhythms for contemporary audiences while staying true to their original spirit.

Strut presents ‘Picó! Sound System Culture From The Colombian Carribbean’ across 2LP Vinyl, 1CD & Digital focusing on a celebration of the raw, undiluted energy of Picó culture. Through Edna Martinez’s curation, and extensive liner notes, this compilation offers a powerful and authentic glimpse into one of the most vibrant musical traditions of the Colombian Caribbean

Swiss percussionist Julian Sartorius and UK electronic artist Dan Nicholls team up as Clay Kin, presenting their debut record on Squama.
They had never planned to make an album yet through pure improvisation and spontaneity, Clay Kin have crafted Vevey. An album of seven tracks, distilled from over seven hours of improvised percussion and electronics. Recorded mostly outdoors––on pedalo boats, up mountains and deep in forests near the namesake Swiss town of Vevey, it is imbued with the soft fascination of birdsong, rushing water and chattering children.
Vevey resists genre. As musicians, Sartorius and Nicholls bridge the divide between acoustic and electronic soundscapes. Sartorius’ raw, organic percussion interweaves with Nicholls’ keyboard-triggered samples and harmonic landscapes, creating a dialogue where the lines between rhythm, melody and noise dissolve. Clay Kin identify their outfit as an audio-visual collective, with visual artist Lou Zon (Louise Boer) rounding out the group, creating videos to accompany both the recorded music and the live experience.

Compiled by Philip King
“And then came the rise of synth pop : blokes with dodgy haircuts hunched over keyboard-operated
machines stuffed with wires and do-it-yourself tone oscillators making sounds like a brood of geese
passing gas in a wind tunnel. Whoopee! This is the way the ‘70s ended : not with a blood-curdling bang
bang but with a cheap, synthesized, emasculating whimper.”
NICK KENT, NME.

All The Young Droids: Junkshop Synth Pop 1978-1985 is a new compilation that charts the
underbelly of the epoch-defining sound of the synthesiser in 80s popular music. Compiled by Philip
King (previously seen compiling All The Young Droogs, Glitterbest and Boobs - The Junkshop
Glam Discotheque), the music here connects the dots between DIY synth enthusiasts grappling with
new, cheap synthesisers at the tail-end of punk and wannabe, jobbing songwriters enthral to the new
music pioneered by Gary Numan, Depeche Mode and Daniel Miller’s Mute Records. Featuring rare
tracks of auto-didactic progressive pop music, proto-techno punk, shoot-for-the-stars-land-in-the-gutter
chart flops and heralded, underground synth classics, School Daze paints a picture of beautiful failure.
Complete with extensive sleeve notes written by King and never before seen imagery, all 24 tracks
were remastered by RPM in-house engineer Simon Murphy, many from vinyl copies due to lost master
tapes. The story told on All The Young Droids is one of the dawning opportunity presented by both the
emergence to the market of cheaper analog synthesisers and the distribution networks plus indie labels
that exploded with the advent of punk music in 1976. While the music that sprouted out all over the
globe in the wake of these factors was decried as fake, plastic, a refutation of punk’s guitar-led
revolution, it’s telling that much of the music on All The Young Droids.. was created in bedrooms,
ramshackle studios and home-made set ups with often borrowed equipment. In the era of record labels
jumping to capitalise on the success of The Sex Pistols, The Clash (both on major labels, of course)
these artists struggled to stand out from a new gold-rush with next to no budget or PR team. With radio
and labels desperate for the new Yazoo, what resulted was a testament to necessity being the mother
of invention.

At the time, the synthesiser was the music of the future, a shiny new machine that could paint like an
orchestra with a single finger and a 4-track. In the hands of Manchester avant-pranksters Gerry & The
Holograms it’s a pulsing, sardonic weapon.. the only instrument on the Messthetics classic lampooning
of New Wave fashion. In Hamburg, a 16 year old Andreas Dorau used it to write and record (with his
female classmates on vocals) a global smash in Fred Vom Jupiter (later licensed to Mute Records).
The hard-to-find English version (Fred From Jupiter, natch) is included here. Many artists with alreadystoried careers caught the bug and recorded synthesiser-fuelled peons to space, computers, the future
and, of course, love-interests. Harry Kakoulli, late of Squeeze, recorded a solo album in 1979 that
included the incredible power-synth-pop smash-that-never-smashed I’m On A Rocket. Similarly, Ian
North of Neo and American Power Pop stalwarts Milk ’n’ Cookies bought a Korg MS20 and used a
tape machine to record We’re Not Lonely, an absolute lost-classic of minimal synth pop. We’re Not
Lonely also features on the Junkshop Synth Pop sampler 7” twinned with John Howard unreleased
track You Will See, released April 12th 2025.

There are plenty of compilation debuts in evidence. Sole Sister were a mysterious trio who were
featured on the Scaling Triangles compilation of female-fronted, queer-adjacent post-punk /
underground music that also featured The Petticoats. Selwin Image were from San Francisco and
featured members of the recently defunct power pop/punk group The Pushups. Their stupidly catchy
The Unknown fizzes with New Wave energy - think XTC to Sparks but remains unreleased until now.
Dream Unit’s A Drop In The Ocean is an early synth wave cut, positively teaming with Joy Division
instrumentation, previously only released on a long-forgotten and super rare, self-released EP.
Incandescent Luminaire’s Famous Names belies an archetypal struggle of a small-town trying to
make it in a cruel industry but is a thrilling New Romantic-Synth Wave cross over with a OMD
gloominess that’s a joy to hear. Feminist Minimal Wave track I Am A Time Bomb by performance artist
Peta Lilly and Michael Chance is a revelation destined for new found cult status. It was released on 7”
and lost until now.

The flipside to the subterranean, never-made-it synth pop mentioned above are the ambitious, even
fruity attempts at success that have a perennial elegance to their confidence. New Jersey-ite Billy
London (real name Ed Barth) tried to cash in on the synth boom with Woman, released by a major
label, a lurching new wave track built on the Louie Louie rhythm and a wonderfully camp Lou Reedstyle sleazy vocal before exploding in the synthesised chorus. The song bombed but with a chorus like
this, you have to wonder why? Ex-Glitter Band member John Springate’s My Life is truly epic, with
doomed chord progressions and massive sounding drums turning into at least 3 different songs in the
course of the track. Before you wonder what’s going on the song resolves with a glorious return to the
main refrain.

The dry-ice-dressed dance floor is well catered for too. Design’s Premonition and Vision’s Lucifer’s
Friend are stone-cold minimal synth bangers, well loved but given a new lease of life here. The
Warlord’s The Ultimate Warlord was released in 1978, a homespun proto Hi NRG banger that was
later re-recorded by The Immortals in Canada who had a club hit with it. One-man- band Disco
Volante’s No Motion was re-issued by Synth wave label Medical in 2012 but makes its first vinyl
compilation appearance here. Close your eyes and you can imagine what Lawrence of Felt would have
sounded like with some cheap Korgs a little earlier in his career. Gibraltar-based trio The Microbes
imagined a computer programming people to dance - how prescient - and ended up with a propulsive,
robo-funk track with splendid rubbery bass playing over a tectonic drum machine. Previously picked up
by Belgian label Stroom TV, Dee Jay Bert & Eagle’s heavily Euro-accented I Am Your Master
demands the listener to “come to paradise!” In a frankly terrifying manner.
All The Young Droids is the first compilation to peel away from the narrative that dour, Minimal Synth
and Cold Wave were the only musical children of the first rush of synth pop. Philip King and School
Daze Records describe a much more complicated world: along with the austere, Brutalist children of
Daniel Miller (who produced Alan Burnham’s Bowie-Low-influenced Science Fiction here) was a
plethora of desperate cash-ins, accidental mainstream hits, ambitious pop dramas and major label
punts that went nowhere. Crucially, the compilation blurs the line between junk and treasure. What if the
two things are interchangeable. What if it’s all science fiction?

Die dreiköpfige Band Golomb - bestehend aus Mickey Shuman (Gesang/Gitarre), Xenia Shuman (Bass/Gitarre) und Hawken Holm (Schlagzeug) - wurde im fruchtbaren Rockgebiet von Columbus, Ohio, gegründet und kanalisieren die Reibung des Mittleren Westens in ein Album, das nach einer echten Verbindung sucht. Sie klingen in der einen Minute wie Loop und in der nächsten wie die Pixies, die in Fort Apache auf die weichen Stellen des Pop einhämmern. Das unterschwellige Summen auf ,Real Power" erinnert an klarsichtige Klänge aus dem dem Guided By Voices-Spielbuch. Bei ,Dog" entblößt sich die Band mit einem langsamen Schleichen, in Richtung der gesungenen Eleganz von Spiritualized und mit einem lyrischen Labyrinth, einer Burroughs-mäßigen Verwischung von Rock-Motiven. Der Song gipfelt in einem reinen Mahlstrom mit einer glorreichen Rückkopplungsschwemme, die aus den Lautsprechern schäumt. Das vertraute Gespenst von The Velvet Underground taucht im shambolischen Beat des Titeltracks auf, und ,Other Side Of The Earth" wird mit Dub veredelt, verliert aber nie die Fähigkeit der Band, sich in den Vordergrund zu spielen. Dann wickeln sie auf ,Be Here Now" die Gitarre um ihre Rhythmen mit der Anmut der frühen Built To Spill und die Saxophonwirbel von Henry Ross schicken den Song in den Äther.

Explosiv, emotional, kompromisslos und zu laut. In einer Rocklandschaft, die zunehmend zwischen Retro-Glanz und digitalem Kalkül pendelt, übernehmen THE EXTRAS eine Rolle, die längst verwaist scheint: Die einer Band, die Emotionalität nicht mit Pathos verwechselt, die Punk-Wurzeln mit Songwriting-Können paart - und die Haltung hat, ohne Parolen zu schreien. Gegründet 2023 in Köln, aber mit internationaler DNA, zwei der vier Mitglieder stammen aus den USA, verbindet sie den rohen Geist des amerikanischen Undergrounds mit europäischer Gegenwartskultur. Die Gründer Elmar Freels (Köln) und Jon Manierre (New York) werden komplettiert durch Transgitarristin Killer Krissy, Drummer extraordinaire Leroy Kaldenbach und Bassist Pat Bewick. Mit ihrem eigenständigen Breitwandsound, ausgefeilten Lyrics und Rollkragenpullovern nach Lou-Reed-Vorbild (nur in weiß) sind THE EXTRAS eine stilvolle Ausnahmeerscheinung. Sie vereinen rohe Energie mit Zugänglichkeit, Melancholie mit Wut, Punk mit Pop - und zeigen, dass Empowerment auch laut, chaotisch und kollektiv sein kann.

Nihilistic Easyrider ist das geistige Kind von Narrow Head-Frontmann Jacob Duarte - aber täuschen Sie sich nicht, er geht nicht solo. DELUXE EDITION ist eine Art Mixtape, eine Sammlung von Songs, die zu verschiedenen Zeitpunkten in Duartes Karriere geschrieben wurden. Diese Songs umfassen ein breites Spektrum an stilistischen Referenzen, von zuckersüßem Y2K-Emo und jungem, dummen und poplastigem Punk Punk bis hin zu sowjetischem Fuzz-getriebenem Alt und reinem Evan Dando-Core Vers-Refrain-Vers-Refrain-fertig Pop-Rock. Zum Leben erweckt von einer Reihe von Charakteren, darunter Narrow Head-Schlagzeuger Carson Wilcox, Produzent (und ehemaliger Tourkollege) Graham Hunt und Features von Momma's Allegra Weingarten und Ella Friedman, bietet dieses Debütalbum dennoch meisterhaft ausgefeilten und mit Hooks gespickten Interpretationen von Duartes charakteristischer Songwriting-Ästhetik. Diese Songs waten in derselben Unordnung aus romantischen Fehlschlägen und verbrannten Gehirnsynapsen, die langjährige Narrow Head-Hörer kennen und lieben gelernt haben, nur aus einer anderen, neuen Perspektive. Duartes Geschichten über Einsamkeit, Vorfreude und die verworrenen Komplexitäten des Lebens in Songs wie ,Getaway Plan" und ,Well Kept Secret" werden von einer lebendigen Begleitband aus dröhnenden Synthesizer-Klängen, Bar-Piano-Stichen, rasselnden Akustikgitarren und tribal-tat-codierter Record-Scratch-Ästhetik umrahmt, die subtil sowohl an die härtesten Momente von Incubus als auch an die sanftesten von Deftones anknüpft. Mit DELUXE EDITION liefert Duarte uns tagebuchartige Vignetten eines Lebens in ständiger Bewegung und bietet einen eher introspektiven Einblick in die Gedankenwelt eines Songwriters, dessen Leben sich um die Bühne dreht, aber letztlich anderswo stattfindet. Für Jacob sind "die Songs von Nihilistic Easyrider näher an der Musik, die ich schon immer machen wollte, als ich aufwuchs, sagt er, "ein persönliches Tagebuch des Erwachsenwerdens durch Musik."

Was ein fieses Brett kommt da aus dem Münsterland! Ein Biest von einer Platte, aggressiv, maximal bissig, nah am Overdrive-Exzess! Aber der Reihe nach - No Shelter waren scheinbar nur mir noch Unbekannte, so kam es mir auf jeden Fall vor, nachdem ich Professor Hagemann nach seiner Meinung zu den 5 Emsdettenern gefragt hab. Ungläubig wurde ich gefragt, ob ich die tatsächlich noch nicht mal live gesehen hätte. Es schien, als hätte der Biermetalgott sein Prüfzeichen schon vor Jahren an No Shelter vergeben. Und so steht also fest: hier kann nix schiefgehen. Und so überzeugt auch "Remission/Resolve" nach "Rest In Death" (2020) und "Erasing Life" (2022) in allen Belangen - wenn man ein Faible für Bands wie Trap Them, Nails oder Entombed hat, wird man hier sicherlich ein diebisches Grinsen ins Gesicht bekommen. Aufgenommen in der Tonmeisterei hämmern No Shelter in 12 Akten mit dem ganz großen Holzhammer auf unseren Nervenenden rum - es finden tatsächlich ziemlich viele Spielarten modernerer Extremmusik ihr Plätzchen im Oevre der Jungs - langsam, zerstörerisch kaputt, Malmend, rasend, im D-Beat-Galopp fräsen sie sich in den Gehörgang. Es ist eine tiefe Verbeugung vor den End 80er/Anfang 90er Schwedenmetal-Freunden, ein Hohenlied auf den HM2-Zerrer, der eine ganze Generation junger Deathmetaler in Schwingung gebracht hat.

When you’re immersed into something you never actually realize if the essence will project as bright as the efforts, as deep as the process and as loud as the intentions. WOW, the Roma Est duo of China and Leo Non, have never had to create magic or delve into mystique along their meandering path, it’s just been a long solemn wait for what life throws at them and actually sticks. Cause and reaction, because the essence is quietly there when the clamour fades away. Their new album ‘Rosa di Luce’ is as pure as they come, a crystalline documentation of a new family, new meanings and new languages where the only rule is to gently adapt and just let things flow.

Welcoming Mina Wow, a tiny creature, into the fold was never going to be easy for a life lead on the road and for a band as radical as WOW where nothing is sugar-coated or constructed behind the scene, a different approach was desperately wanted, needed and searched. Almost total disarm, doing the small things, undress, get rid of the unnecessary feedback. That’s why ‘Rosa di Luce’ more than ever showcases WOW’s other-worldy spectral capability of creating songs that contain immense and minimal emotions, raw but welcoming, sincere but cutting and could play out to be a career defining album. Loosely recorded between their house in Rome and a campsite in Southern Puglia (where WOW organizes their yearly Shawala Festival) these songs are masqued my a minimalist entendre that leaves space for China’s stellar vocal delivery, a haunted range with frequencies to tickle a soul and pierce hearts, with Leo’s resolute guitar playing leading a timeless revolution.

The center-piece ‘Le Montagne E Noi’ is a perfect example of their stripped-back nakedness hiding complex arrangements (the beautiful sax played by Ryan Spring Dooley and celestial flutes by Alessandra Lazzarini) that sound effortless and imperative. Spiritual orchestrations that match our times and most importantly their new family and definition of space. Peaks that can always be reached, forests that need crossing (La Radura) in order to find a sound. There is no pretension or conceit to WOW’s style, it is entrancingly vibrant yet melancholy, taking notes from the most visceral strand of Italian traditional music, yet, still, walking down a trail that is very much their own. A planet where Branko Mataja and Alice Coltrane are backed by Emahoy Tsege Mariam Gebru and Mina on a perennial quest for the ethereal. Music to remember the essence, this is what we are, like the ocean. “

Teddy Abrams, the Grammy Award winning conductor, composer, and multi-instrumentalist deemed by the New York Times as a “Maestro of the People,” and named Musical America’s 2022 Conductor of the Year, announces Preludes, an album of solo piano works composed and performed by Abrams and produced by Gabriel Kahane and Casey Foubert, via New Amsterdam Records.

Preludes is a contemplative, personal, and playful set of simple solo piano pieces whose recorded sonic identities were developed in collaboration with Gabriel Kahane and Casey Foubert. Kahane and Foubert “identified the personality of each Prelude and found a sound world for every track to match the intrinsic characteristics of the individual works.” The 16 pieces that make up Preludes take inspiration from the canon of classical piano works such as Bach’s Inventions and Bartok’s Mikrokosmos, yet they are imbued with Abrams’ immaculate compositional language and a depth in production uncommon to “classical” works.

Coming on the tail end of Abram’s Grammy Award Winning Piano Concerto (2023), Abrams explains: “After the crazy, frenetic, joyful energy of my Piano Concerto, I wanted to create a piano work that explored a completely different energy and soundscape. While the Piano Concerto is overtly populist, referencing American genres like jazz, funk, and Gospel music, the Preludes are meant to be introspective, intimate, and simple enough for pianists of many skill levels to play in both performance and home settings.

Erlebe Joe Bonamassas Erfolgsalbum 'Redemption' aus dem Jahr 2018 wie nie zuvor mit dieser brandneuen Limited Edition Orange Vinyl. Das 13. Studioalbum von Joe Bonamassa, der für seine einzigartige Gitarrenarbeit und seinen gefühlvollen Gesang bekannt ist, verbindet Blues und Rock zu einer kraftvollen musikalischen Reise.
Diese Sammleredition, die jetzt auf orangefarbenem 180g-Vinyl gepresst wurde, verleiht einem modernen Blues-Klassiker einen neuen Look. Mit herausragenden Tracks wie „King Bee Shakedown“, „Molly O'“ und dem emotionalen Titeltrack „Redemption“ ist diese Veröffentlichung ein Muss für audiophile und langjährige Fans gleichermaßen.

"Unsent Letters" - ungeschriebene Briefe: liegengeblieben im Schreibtischwirrwarr oder der "Wenn, dann da-"Schublade bezeugen sie vergangene Lebensphasen, regnerische Nachmittage, Zweifel, Experiment und unfertige Gedankengänge. An den Rändern gekräuselt und angeraut, lange vergessen, kommt irgendwann der Zeitpunkt, an dem wir sie doch wieder wie einen Schatz heben und entdecken: hier gibt es Geschichten zu erzählen. So oder so ähnlich erging es Pete Astor. Der ist Musiker, Autor und Dozent. Er war Frontmann der Bands The Loft und The Weather Prophets auf dem Label Creation Records und schrieb Songs, die den Sound des Labels und das aufkommende Indie-Genre maßgeblich prägten. Seitdem hat er eine langjährige Solokarriere verfolgt und Musik auf verschiedenen Labels wie Matador, Heavenly, Warp, EMI und Fortuna Pop veröffentlicht. Er ist Senior Lecturer in Music an der University of Westminster. Neben umfangreichen Tourneen produziert er auch gemeinsam mit David Sheppard als Ellis Island Sound Platten und veröffentlicht sein Spoken-Word-Elektro-Pop-Projekt The Attendant zusammen mit Ian Button (Go Kart Mozart, Death in Vegas) auf dessen Label Faux Lux. Seit 2017 ist Astor beim angesehenen Label Tapete Records unter Vertrag, das auch Künstler wie Robert Forster, Lloyd Cole und Comet Gain beherbergt - neben vielen anderen großartigen Acts. 2025 ist ein Jahr, in dem Pete Astor seine erste Band The Loft wieder aufleben ließ. Die Band hatte sich 1985 getrennt und nun gerade ihr Debütalbum "Everything Changes Everything Stays the Same" fertiggestellt. Wie der Titel andeutet, ist die Band einerseits in der Vergangenheit verwurzelt, blickt aber unbestreitbar nach vorn in die Zukunft. "Unsent Letters" stammt aus einem ähnlichen Kontext: Es enthält Songs, die Astor bereits während seiner Zeit bei The Loft schrieb, die die Band aber nie spielte - zusammen mit Liedern aus seiner vierzigjährigen Karriere, die nun endlich das Licht der Welt erblicken.

Vinyl reissue of the legendary soundtrack to Forbidden Planet by Bebe and Louis Barron, an absolute milestone for Electronic Music. Recorded in 1956 by Bebe and Louis Barron, the soundtrack to the cult film Forbidden Planet is without a doubt one of the most suggestive and astounding examples of early Electronica, bringing the extraterrestrial experience of the movie to new levels with the help of the stunning sounds created by the couple through of a myriad of vintage artifacts, including loop FX and amazing modular synths. An absolute masterpiece of the genre, bringing proto electronica, sci-fi and abstract music together for an unforgettable aural experience. Includes a foldout insert with a Bebe Barron interview.

Limtierte Anzahl in creme-farbenen Vinyl erhältlich! Mit "Moonlight Concessions" kehren Throwing Muses zu ihren Wurzeln und abgedrehten Stärken zurück - dank Kristins gestochen scharfen Skizzen und ihren passend rauen musikalischen Arrangements. Das Album folgt auf ihr gefeiertes ,Sun Racket" aus dem Jahr 2020, ein berauschendes Werk voller harter und zarter Geschichten, gespickt mit surrealen Bildern. Das neue Album wurde von Kristin Hersh im Stable Sound Studio von Steve Rizzo in Portsmouth, Rhode Island, produziert und ist eine Sammlung von Schnipseln aus dem täglichen Leben - man denke an die Short Cuts von Raymond Carver, belauschte Gespräche, erzählte Begebenheiten und treffende Einzeiler, die alle zusammengefügt wurden, um die Zeit zu illustrieren, in dieser sie langsam heranreiften, gespickt mit dem Elan und der Kraft der Original Muses. "Drugstore Drastic" ist ein Selbstgespräch am Straßenrand auf dem Weg zu einem verlockenden Rendezvous. Aufgebaut auf einem flotten akustischen Strum mit einer Gitarren-Submelodie, die das Geschehen untermauert, ist es eine sich entfaltende Geschichte über soziales Bewusstsein aus einem verschwommenen Unterbewusstsein. Summer Of Love" begann als Wette mit einem Typen um einen Dollar, die sich um die Idee drehte, dass die Jahreszeiten uns nicht verändern. Der Opener des Albums ist eine eindringliche barocke Ouvertüre, gestrichen und grüblerisch. Die Streicher von 'Libretto' kompensieren das akustische Ambiente, das heiße und kalte Gefühl der Sehnsucht im Herzen des Stücks, ein thematischer Treiber, der mit Wärme in einem sicheren, von Tequila geschmierten Hafen abgelegt ist. "Moonlight Concessions" wurde in den unterschiedlichen Umgebungen der Südküste des Golfs von Mexiko und Südkaliforniens geschrieben und schöpft aus den Sternenhaufen, die beide beleuchten, und erzeugt Optimismus und Hoffnung in unterschiedlichem Ausmaß. Hersh erklärt: ,In New Orleans sehen die Sterne grünlich-blau aus, weil sie unter dem Meeresspiegel liegen und den Sumpf beleuchten. Aber am Moonlight Beach leuchten sie eisig weiß. All diese Songs wurden an diesen beiden leuchtenden Orten geschrieben, was unserem Sounddesign half, sich selbst zu finden."

Between The Seed And The Timber is a cycle of six songs exploring ritual and mystical aspects of the modern era. At times both noir and psychedelic, they evoke a strong sense of nostalgia for a disappearing age. In contrast to industrial music’s dystopian semiotics, Jas Shaw challenges us to hear sounds inspired by machinery, electricity and mechanisation in a new light.

“I made the synth parts for a Swans gig,” says Shaw. “As SMD we’d supported Swans. James was away doing some production but I didn’t want to pass it up, so I offered to open solo. It turned out the gig was sooner than expected so I made all these synth things to do live.”

Shaw put the tracks to one side and forgot about them, only returning to them years later. “You know when you’ve changed as a person and you listen back to something from a different angle? I suddenly could hear what I had been after. It reminded me of experiences I’d had at Swans gigs. I wanted to achieve that energy and charge.”

Dubbing techniques are crucial to the sound of the record. “I set up a few synths on a table and had my mixer running loads of auxes back into the desk so it was all on the edge of feeding back. Then I realised that if I put a mic into the desk I’d have an extra feedback route. I found a setting where I could get it to build when I pointed the mic at the monitors but then turning it away you could put the brakes on the regen.”

Between The Seed And The Timber is Jas Shaw’s inaugural release for the London based, Kindred-affiliated TEETH label. TEETH is rooted in a reverence for texture, space, and sonic decay - amplifying experimental sounds that blend dreamlike melodies with weathered landscapes. Each release informs the next, with every track as vital as the last to complete the whole set.

Orchestrated by Jojo Mathiszig-Lee, founder of London’s Kindred, the label celebrates like-minded talent from the community, providing a platform for transgressing music.

Artworks are made by Scarlet Griffiths.

Peter Cunnah and Al Mackenzie, a.k.a D:Ream land with their brand new, fifth studio album Do It Anyway, a well crafted, feel good blend of pop-electronic songs. Do It Anyway's songs draw on a combination of the duos current & past life experiences, a 30 year journey through pop music and UK club culture plus some wry geo-political commentary. When added to some finely honed song-writing skills that delivered ten Top 40 hit singles Do It Anyway proves to be an accomplished album. Do It Anyway is preceded by the release of the self-titled lead single, D:Ream's homage to the not-so-innocent golden days of 90s clubbing adventures and will be priority promoted to radio & press alongside the album, aiming at mainstream national radio, BBC Radio 2, 6 Music, Capital plus red top and broadsheet press. A further single, The Geek Who Rules The World, is slated for release post-album to continue the campaign through the summer and will similarly be promoted as a priority single. D:Ream are probably best known for their hits Things Can Only Get Better and UR The Best Thing. However, there is so much more than that to discover. They scored two UK Top 10 albums: 1993's D:ream On Vo1 and 1995's World, plus ten Top 40 singles! Things Can Only Get Better was no.1 for four weeks in 1994 then was famously co-opted as the anthem in 1997 by Tony Blair's Labour Party, writing D:Ream into English history; pop, political and otherwise!

Zum 100. Geburtstag von Peter Thomas - der Kult-Soundtrack neu aufgelegt! Zum Jubiläum des 1925 geborenen Komponisten Peter Thomas erscheint einer seiner größten internationalen Erfolge erneut auf Vinyl: Bruce Lee: The Big Boss (Revised) - die alternative Filmmusik zum gleichnamigen Martial-Arts-Klassiker von 1971. Die ursprünglich 2020 veröffentlichte und längst vergriffene LP wird nun als 180g-Vinyl in schwarzer Pressung neu aufgelegt und ist ab sofort wieder im Handel erhältlich. Die Musik - ein mitreißender Mix aus Big-Band-Sound, Funk, Space-Age und psychedelischer Elektronik - wurde vom deutschen Verleih als westliche Alternative zur Originalmusik in Auftrag gegeben und entwickelte sich zur offiziellen internationalen Filmmusik des Films (außerhalb Chinas). Das aufklappbare Gatefold-Cover wurde vom renommierten Künstler Adrian Keindorf gestaltet und verbindet Retro-Ästhetik mit modernem Design. Diese Veröffentlichung ist der Auftakt einer Reihe, die dem Werk von Peter Thomas (1925-2020) gewidmet ist. Bereits erschienen sind:

Winnetou und sein Freund Old Firehand
Steiner - Das eiserne Kreuz 2
Edgar Wallace
Derrick & Der Alte
Ein Muss für Soundtrack-Sammler, Bruce-Lee-Fans und Liebhaber außergewöhnlicher Filmmusik.

Swimming Paul's first album is available again as a new edition.



In the vibrant city of London, a talented French producer named Swimming Paul made his mark. While he had already spent several years producing music for others, Swimming Paul felt a strong calling to embark on his own creative project—one that would redefine the concept of dance music and infuse it with meaning.
Paul drew inspiration from the early days of house music, recognizing it as more than just a genre. It represented a cultural movement that united people from diverse backgrounds. Motivated by this spirit, Swimming Paul sought to create music that not only made people dance but also brought them together and conveyed powerful messages.
With each composition, Paul approached his work as an artist would approach a blank canvas. He poured his heart and soul into every beat, melody, and rhythm, meticulously crafting a sound that blended elements from various genres while bearing his own unique touch. His music pulsated with the infectious energy of a crowded dance floor, yet it also possessed the ability to evoke deep emotions and provoke introspection.
Swimming Paul’s vision extended far beyond mere entertainment. He aspired to establish a space where people could connect, express themselves, and find solace in the universal language of music. Every track he produced served as an invitation to embrace the present moment, to let go of inhibitions, and to discover the transformative power of music.

Grinderman entstand 2005, als Nick Cave Material für das Album „Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus“
von Nick Cave & The Bad Seeds schrieb. Gemeinsam mit Martyn Casey am Bass, Warren Ellis an Violine
und Gitarre und Jim Sclavunos am Schlagzeug erarbeitete die Band gemeinsam Songs. 2006 ging sie in
ein Londoner Studio und begann eine Marathon-Session mit Songwriting und Demoaufnahmen. Mit dem
Ziel, den raueren, ursprünglicheren Sound von Caves gefeiertem Post-Punk-Projekt „The Birthday Party“ nachzubilden, wichen die Texte und die Musik von Grinderman deutlich von Nick Caves früheren Arbeiten
mit The Bad Seeds ab.
Im darauffolgenden April nahmen sie die besten dieser neuen Songs auf und nahmen mit Hilfe ihres langjährigen Freundes und Produzenten Nick Launay ein Album auf. Ihr am 5. März 2007 veröffentlichtes Debü-
talbum „Grinderman“ mit elf Songs wurde von der Kritik hoch gelobt und enthält die Singles „No Pussy
Blues“ und „Get It On“. Das Quartett kam 2009 wieder zusammen, um „Grinderman 2“ aufzunehmen, das
2010 erschien. Im Dezember 2011 gab Cave die Auflösung der Band auf einem Musikfestival in Australien
bekannt.
Das „unglaublich aufregende Debütalbum“ (Observer Music Monthly) ist auf schwarzem Öko-Vinyl und im
CD-Digisleeve-Format erhältlich

Grinderman entstand 2005, als Nick Cave Material für das Album „Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus“
von Nick Cave & The Bad Seeds schrieb. Gemeinsam mit Martyn Casey am Bass, Warren Ellis an Violine
und Gitarre und Jim Sclavunos am Schlagzeug erarbeitete die Band gemeinsam Songs. 2006 ging sie in
ein Londoner Studio und begann eine Marathon-Session mit Songwriting und Demoaufnahmen. Mit dem
Ziel, den raueren, ursprünglicheren Sound von Caves gefeiertem Post-Punk-Projekt „The Birthday Party“ nachzubilden, wichen die Texte und die Musik von Grinderman deutlich von Nick Caves früheren Arbeiten
mit The Bad Seeds ab.
Im darauffolgenden April nahmen sie die besten dieser neuen Songs auf und nahmen mit Hilfe ihres langjährigen Freundes und Produzenten Nick Launay ein Album auf. Ihr am 5. März 2007 veröffentlichtes Debü-
talbum „Grinderman“ mit elf Songs wurde von der Kritik hoch gelobt und enthält die Singles „No Pussy
Blues“ und „Get It On“. Das Quartett kam 2009 wieder zusammen, um „Grinderman 2“ aufzunehmen, das
2010 erschien. Im Dezember 2011 gab Cave die Auflösung der Band auf einem Musikfestival in Australien
bekannt.
Das „unglaublich aufregende Debütalbum“ (Observer Music Monthly) ist auf schwarzem Öko-Vinyl und im
CD-Digisleeve-Format erhältlich

Balmat 17 marks both a return and a new frontier. It is the second album on the label from Patricia Wolf, whose 2022 album See-Through is one of the most beloved in Balmat’s catalog; it also marks the first time that Wolf has turned her hand to a film soundtrack. The results are every bit as magical as fans of the Portland, Oregon, composer’s music might expect.

Hrafnamynd—Icelandic for “raven film”—is a new feature-length documentary by experimental filmmaker Edward Pack Davee. Shot on a mix of film and digital formats, and incorporating his father’s Ektachrome slides from the 1970s, the autobiographical film works on multiple levels at once: a reminiscence of his childhood in Iceland, an exploration of landscape and folklore, and a documentary study of the island nation’s ravens—including a talking raven named Krummi.

Wolf is the perfect artist to score such an unusual film. Mixing ambient music and field recording—including extensive experience documenting bird song—Wolf brings an unusually empathic perspective to her music. In the context of Hrafnamynd, her airy melodies, pensive atmospheres, and vivid textures intuitively complement the film’s grainy film stock and blown-out colors. Friends for years, the two artists further bonded when Wolf asked Pack to film music videos for her songs “Woodland Encounter” (from See-Through) and “The Culmination Of” (from I'll Look For You In Others). Pack used Wolf’s previously recorded music as placeholders as he began assembling a rough cut of the film, which made her a natural choice to help him complete his idiosyncratic vision with an all-new, bespoke score.

But Wolf’s soundtrack also indisputably stands alone as a full-length album. Largely created using the UDO Super 6 synthesizer, it features a carefully distilled palette of warm, string-like pads and darkly glistening mallets, rounded out with the very occasional introduction of nylon string guitar. Musically and stylistically, the album’s 11 tracks represent both a continuation of the ruminative sound of See-Through and also an extension into new expressive modes. Few musicians, ambient or otherwise, are as skilled at balancing melody with atmosphere, or at finding ways to eke fresh at finding ways to eke fresh, surprising sounds out of an intentionally reduced toolkit. Meditative, immersive, and emotionally generous Wolf’s Hrafnamynd soundtrack evokes a range of ambient classics from decades past while confidently marking out its own verdant patch of ground.


Artist’s Statement:
Edward and I have been friends for years, but we really started to get to know one another better after I hired him to make music videos for my songs “Woodland Encounter” and “The Culmination Of.” For those projects we got to spend a lot of time hiking in various locations around the Pacific Northwest with his camera, very nice lenses, and tripod. Keeping quiet, hidden, and vigilant we searched for wildlife, good light on the trees, meadows, lakes, rivers, and skies. Edward was already an appreciator of my music and I was already in awe of his filmmaking talents so it felt like a great fit. Although we work in different areas of art our styles compliment one another. We both tend toward slow and careful pacing, with a focus on emotion and introspective reflections on life and the landscapes around us. For this reason, Iknew that I could trust Edward to create videos for my music. We saw so many beautiful and unexpected things on our filming days, but I was moved to tears once I saw how magnificent and poetic it all was. His video work from the cinematography, to the editing, and color correction helped bring my inner vision to life.

A few months after that, Edward surprised me with an invitation to work on the soundtrack for his new film, Hrafnamynd. I enthusiastically said yes. I had always wanted to work on a film, and I knew that his filmmaking style would be inspiring to write music for. I had recently acquired an UDO Super 6 synthesizer but hadn't used it much. I decided that this would be the synth that I'd use for the film. It has the ability to sound very modern, but can also sound so warm and fuzzy, like a synth from the 1970s. It turned out to be the perfect instrument for this project as the film itself straddles time from the ’70s to today.

When Edward sent me the rough cut of the film, he used placeholder music to help give me an idea of the emotion and energy that he was hoping to achieve for each scene. For many of the scenes, Edward used music from my albums as temporary tracks. This told me that he trusted my work and style and therefore I should just trust my intuition with how to proceed. I wanted to make sure that everything that I made was a direct reflection of what was happening on screen, a mirror of its emotion and energy so people could really lock into the film psychologically. This process took my composing to unexpected places—like being led by a strange cat or a raven that seemed to have something to show me. I found that the approach made the music so much more dynamic than my usual style. I really enjoyed being influenced by the action and dialog on the screen. Thankfully, Edward was very happy with the work. I made sure to handle this project with the utmost care because this is about his life and his family, and an exploration of the experiences that made him an artist and filmmaker. While watching the film many times over, I found myself thinking about my own family and my early memories with them and how the place where I grew up has influenced who I have become. I found that his film invites the viewer to reflect on their own lives in a similar way. I hope that this music and film can guide others to contemplate on the history of their beingness and the people and places that shaped them.

Another aspect to this project is the splendor and wonder of Iceland itself. I had the opportunity to visit Iceland for the first time in 2023. I got to play a show there for the Extreme Chill Festival and met many friendly and brilliant Icelanders. I also got to collect field recordings that I used in the film. It's a fascinating place and culture that easily captures the hearts and imaginations of anyone who visits. Whether you spend your time in the city immersed in its impressive arts scene, or venture out into the wilderness to behold its wondrous landscape, it will leave a lasting impression. The soundtrack is also a love letter to Iceland itself.

Strut proudly presents a new edition of one of Sun Ra's most celebrated albums, Sleeping Beauty, reissued in its original artwork for the first time.

Originally released in 1979 on his independent Saturn label, Sleeping Beauty captures Sun Ra and his Arkestra at their most soulful and serene. A masterclass in cosmic jazz, the album blends lush grooves, celestial soul, and meditative funk with Ra’s singular spiritual vision — a sound both grounded and otherworldly.

The album emerged during an extraordinarily fertile period for Sun Ra in late-‘70s New York. Between 1978 and 1982, Ra “occupied” Variety Recording Studios on West 42nd Street, often staging marathon sessions following late-night Arkestra gigs around the city — from the Village Vanguard to Sweet Basil and even a wedding in Central Park. These were not just recordings; they were rituals. Ra and his core players — John Gilmore, Marshall Allen, June Tyson, Michael Ray, and others — would begin sessions mid-morning, often continuing past midnight, much to the dismay of the studio owner. Out of this creative whirlwind came some of his most enduring work, including A Fireside Chat With Lucifer, On Jupiter, and Sleeping Beauty.

Across its three tracks, Sleeping Beauty showcases the Arkestra’s gentler side. From the dreamy sway of “Springtime Again” to the funk-deep uplift of “Door Of The Cosmos” and the title track’s meditative drift, this is music that floats, beckons, and unfolds. It’s a record of hypnotic beauty and quiet power — cosmic jazz for dreamers and seekers alike.

This new edition features a selected version of the hand-drawn original cover, embossed with the Sun Ra logo and housed in a heavyweight card sleeve. Liner notes come courtesy of Arkestra member Knoel Scott and Sun Ra authority Paul Griffiths. Remastered by Technology Works.

“Music is a language. You see, it’s not notes — it’s a language of the spirit. That’s why it’s so important.” – Sun Ra

Demdike Stare & Cherrystones unveil a long-in-the-making darkside fantasy weaving atmospheric and loose-limbed cuts recorded at labs in London and Manchester, brilliantly shaking a bush of ghostly trig points ranging from the Mars rehearsal tapes to Minimal Man, Randy Greif’s cut-ups, Conrad Schnitzler’s industrial prototypes and ‘70s ECM sides – with vocal contributions from Ssabae’s mesmerising Laura Lippie.

In dazed pursuit of styles heard on Cherrystones’ DDS tape ‘Peregrinations in SHQ (Super High Quality)’, the renowned London digger properly hexes sonic leylines with his label bosses on 10 wickedly grubby and hazed sound experiments. They tumble down the rabbit hole like some sixth sense-guided call-and-response, resulting in an exquisite unfolding of psychoacoustic spaces familiar to their mutually spirited sounds.

Honestly it's some of the dirtiest and most esoteric gear we've heard from Demdike; you can sense a lifetime of incessant digging drip through every loop and crack; grotty no-wave, industrial noise, DIY psych, proto-techno and gnarled concrète, further bolstered by Cherrystones’ perpendicular, equally insatiable and fathoms-deep areas of interest. With a focus on scrappy, feral cuts and hastily recorded edits, the trio roughly re-draw wordless chants and hyper-compressed knocks over a vortex of found sounds that curdle in rhythmic heat. Never staying sill for long, the trio get drowned by watery ambience, then shredded loops, Technoid shrapnel and electric bass prangs dancing into the aether.

The crankiest spirit perfuses the whole thing, evoking states of unravel and psychic distress as they pit a near-peerless collective knowledge into the void. Laura Lippie acts as human ligature to sanity, a fleeting constant found smudged into the hip hop chops of ‘Familiar Unfamiliarity’, spectral incantations of ‘Prophet in View’, or a channelling of Ozzy in ‘Thee Oath’, among more deranged tongues on ‘Observing the Crux’.

It’s the missing link between ECM, Earth and Dilloway we didn’t know we needed - up there with some of the most satisfyingly deep and frazzled gear this century.

Am 14. Juni 2023 ist DJ Patex nach langer Krankheit gegangen. Wohin, das wissen wir nicht genau. Darüber werden wir uns heute auch nicht einig. Der Autor dieses Textes will jedoch ahnen, dass sie dort – frisch angekommen – erstmal von ihren vorausgegangenen Lieblingshundis überrannt und abgeschleckt wurde. Der Autor mag dieses Bild. Auch weil Patex sich zeitlebens mit Hundis leichter getan hat als mit Menschen. Hunde durften bei ihr alles, was sie vom Menschen getrennt hat: Parolen kläffen, Eigentum heranzerren, egoistisch und unterkomplex sein. Nie hat sie auch nur einem Hund jemals etwas krumm genommen. Der Menschheit begegnete Patex eher mit pessimistischen Sätzen: „An Allem ist zu zweifeln“ ist so eine Feststellung. Oder: „Nur Weil Du Mir Deine Wunden Zeigst Bist Du Noch Lange Nicht Mein Heiland“.
Damit wären wir auch bei der A-Seite der vorliegenden Single. Sie berührt. Ihr Text zeigt in viele Richtungen. Die Coverversion von Mitpudeln enstammt ihrem finalen School-Of-Zuversicht-Album und dokumentiert eine Patex, die an ihrer schweren Krankheit gewachsen ist, statt zu brechen. Auch weil sie sich erlaubt hat, ihre typische Skepsis mit einer Art Camu’schen Akzeptanz zu tauschen. Denn Ablehnung hat in ihrer Situation nicht gegriffen, sie hätte alles viel schlimmer gemacht. Nicht das Nicht-leiden oder gar das Nicht-leiden-wollen besiegt das Leid, sondern dessen voll umfängliche Akzeptanz. Das hat sie einfach genial hingekriegt. Und damit vielleicht das Leben und den Tod gleichzeitig besiegt. Noch besser: Für diese Erkenntnis musste sie nicht einmal ihren Pessimismus über Bord werfen. Denn auf einer Ebene, viel weiter im Vordergrund, handelt das Lied natürlich vom Mitleid, oder besser Mitleiden. Mitleid gerät in Schieflage, wenn wir vergessen, worum es wirklich geht. Empathie verbindet uns mit der Welt, sie erfüllt uns. Sie eignet uns aber allzu schnell das Leid anderer an, ohne dass wir selbst wirklich leiden müssen. Und wenn wir nicht aufpassen, dann macht sie uns selbstgewiss.
An Allem ist zu zweifeln, merkt Euch das. Außer daran, dass uns Patex fehlt. Uns fehlt was sie umtreibt und die Fragen, die sie uns schenkt. Und dass die umwerfende B-Seite, die uns über Hans Nieswandt aus Südkorea erreichte, nur ekstatisch tanzend erklärt werden will — und daran, dass Ihr Euch jetzt diese Single kauft. Text: Sebastian Reier

Rachika Nayar und Nina Keith veröffentlichen am 18. Juli unter ihrem neuen Projekt Disiniblud ein selbstbetiteltes Album!

Rachika Nayar und Nina Keith, aka Disiniblud, treffen sich in Brooklyn, in einem Park, der so klein ist, dass man nicht aneinander vorbeigehen kann, ohne sich zu bemerken. Sie reden. Erst über Musik, dann über alles. Über das, was war, über das, was nicht mehr sein wird. Post-Lockdown-Liebe auf Distanz, als würde man sich an jemandem festhalten, den es nie ganz gab. Buddhismus, Hinduismus, ein Soundtrack, den sie beide als Teenager geliebt haben. Ein Gespräch ohne Worte. Eine Verbindung, die sich anfühlt wie eine längst vergessene Kindheitserinnerung. "Disiniblud", das selbstbetitetelte Album, das am 18.07.2025 via Smugglers Way erscheint, ist das Echo davon. Rachika Nayar und Nina Keith verfolgen unterschiedliche musikalische Ansätze, die sie im gemeinsamen Projekt Disiniblud zusammenführen. Rachika veränderte mit ihrer 2022er LP "Heaven Come Crashing" ihr Repertoire: Statt Ambient-Gitarren setzt sie nun auf maximalistische Synthesizer, tiefe Sub-Bässe und Amen Breaks. Diese Fusion aus Post-Rock und Elektronika wurde von Pitchfork als Best New Music ausgezeichnet und fand Anerkennung in Medien wie The New York Times, Stereogum, Fader und GQ - zudem eröffnete sie Tourneen mit M83. Nina Keith ist bekannt für ihren autodidaktischen Kompositionsstil. Ihr Debüt "MARANASATI 19111" präsentierte sie mit Instrumenten wie Cello, Klavier, Klarinette und Flöte, um persönliche Erfahrungen und Erlebnisse im Zusammenhang mit Gemeinschaftstraumata und paranormalen Ereignissen musikalisch zu verarbeiten. Mit neuen Veröffentlichungen wie "Come Back Different" featuring Julie Byrne erweitert sie ihr Spektrum durch den Einsatz modularer Synthesizer und komplexer Vokalarrangements.





e a5. [it could happen]




[j] b5. [as is most (bimbo it out)]





[e] a5. [it could happen]




[j] b5. [as is most (bimbo it out)]

Coral Grief, das Rocktrio aus Seattle, und Air Between Us, sein Debütalbum, sind treffend betitelt. Die ersten Töne von Sam Fasons Gitarre im Opener ,Starboard" treffen wie ein Windstoß Seeluft ins Gesicht. In nur wenigen Sekunden schwebt man, zu gleichen Teilen unter dem Himmel und über dem Meer. Es ist ein ähnliches Dazwischen, in dem Coral Grief gedeihen, denn sie konstruieren ein kunstvolles Geflecht aus doppelten Bedeutungen in dieser Hommage und Lobrede auf ihre Stadt und Community. Die Sängerin und Bassistin Lena Farr-Morrissey und Fason sind durch die psychische Chemie verbunden, die man nur durch jahrelanges gemeinsames Spielen in Bands entwickeln kann. Die Gitarre von Fason ist das Segel zu Farr-Morrisseys Anker, und hier schafft er Texturen, die so dicht sind wie der Wind. Das Bindeglied - der Motor in dieser nautischen Metapher - ist Schlagzeuger Cam Hancock, der von gemeinsamen Freunden wärmstens empfohlen wurde. Sein treibendes Spiel dient als Brücke der Ideen, als letztes Puzzlestück, als Meister der Dynamik und Übergängen, der ihre Songs in neue Gefilde treibt, ohne dabei aufzufallen. Gemeinsam lassen sie sich von Stereolab, Broadcast, Th' Faith Healers und Seefeel inspirieren, und umrahmen diese sehr spezifische Sorte von britischer Coolness auf eine einzigartige Weise wie es sie nur im pazifischen Nordwesten gibt. Um die Songs zum Leben zu erwecken, begab sich das Trio ins The Unknown - eine eine stillgelegte Kirche, die als Segelmanufaktur und Aufnahmestudio in Anacortes, WA dient. In Zusammenarbeit mit dem Toningenieur Nich Wilbur, der sich von fünf Matchas pro Tag ernährte, wurde der Arbeitsraum zu ihrem Workshop. ,Wir wollten die Dinge zu dritt angehen, aber auch, dass es so üppig und voll wie möglich klingt", erklärt Fason.

A true royal rebel without a cause joins the Step Ball Chain chosen family. Berlin psy-con Yazzus presents a sexy sweatfest; a four track original EP featuring DJ Fuckoff of tech-trodden club stompers that will shake and break you. Operating in a lane of her own, she draws on her UK roots with bass laden bounce and never forgets to add that sapphic touch crucial to SBC. “Rebel Royale” is keeping techno freaky, cheeky and ahead of the curve.

Quintessentially out of control, elements of tension and release are toyed with throughout all the tracks, the building and driving addictive synth work in Venom & Vision; Serpent’s Rising sending even the most sane into a spiral. Basslines come thick and heavy, chunky by nature and particularly prevalent in Delicately Mad and My Lipgloss My Rules, they are the backbone of the record. Don’t get it twisted, this isn’t some run of the mill techno; the modular bleeps and freakouts, FX and vocals are wired and inspired; the glue showcasing Yazzus’s fully sick technical abilities. Last but not least, she entails the help of friend DJ Fuckoff; haunted slippery vocals are a match made in heaven for the percussive psy workout Erotica.

Eines wollen die Forth Wanderers vor der Veröffentlichung ihres dritten Albums "The Longer This Goes On" klarstellen: "Wir sind nicht zurück", sagt Gitarrist Ben Guterl mit Nachdruck. Das ist vielleicht eine unerwartete Aussage für das erste Album der Band seit ihrer Trennung vor sieben Jahren, aber die Band besteht darauf, dass es eine ehrliche Antwort ist - sie haben sich zusammengefunden, um die zehn kompliziert konstruierten Perlen aufzunehmen, die dieses neue Album ausmachen, und sie sind immer noch dabei herauszufinden, was es für sie bedeutet, in Forth Wanderers zu sein. Wenn man sich diese Songs anhört, von denen jeder einzelne ein glitzerndes Fest der eindringlichen und intuitiven Texte von Sängerin Ava Trilling und der natürlichen musikalischen Chemie der Band ist, hat man allerdings kaum das Gefühl, dass irgendetwas ungesagt bleibt. Das Album ist voller glänzender Melodien, klingender Gesangsharmonien und schlüpfriger, schräger Rhythmen und ist mehr als nur eine Rückkehr zur alten Form. Die Band scheut sich nicht, den Umweg über eine Hook zu gehen, indem sie instrumentale Schnörkel übereinander legt, um die leeren Stellen zu füllen, Raum für Trillings eindringliche Stimme zu schaffen oder ein Riff oder einen Text zu wiederholen, bis er zu einem Zen-Koan wird. Auf "The Longer This Goes On" klingen Forth Wanderers selbstbewusster und selbstsicherer als je zuvor. Man sollte es nur nicht als Comeback bezeichnen. Der Weg zu "The Longer This Goes On" begann im Sommer 2021 in einem Café in Brooklyn. Dort trafen sich Guterl und Trilling zum ersten Mal seit der Auflösung der Forth Wanderers im Jahr 2018. Die drei Jahre, die sie voneinander getrennt waren, hatten den Druck, den die Band während der Tourneen mit ihrer früheren Musik verspürte, teilweise abgebaut: "Wir fühlten uns alle frei, herumzualbern und Spaß zu haben", sagt Guterl. Die Wiedervereinigung mit dem Bassisten Noah Schifrin, dem Gitarristen Duke Greene und dem Schlagzeuger Zach Lorelli führte dazu, dass sich das Spielen so gut anfühlte, wie seit der Gründung der Band nicht mehr. "Es fühlte sich an, als wären wir wieder in der High School". Die Band hat die Art und Weise, wie sie bisher gearbeitet hat, neu definiert. "Dies ist das erste Mal, dass ein Großteil der Musik organisch entstanden ist", erklärt Schifrin. "Alle fünf von uns haben wirklich auf eine Art und Weise zum Schreibprozess beigetragen, wie wir es in der Vergangenheit nicht getan haben", fügte Guterl hinzu. Das daraus resultierende Album, das unter dem wachsamen Auge von Dan Howard produziert wurde, zeigt die Band so präsent und unbelastet, wie sie ihren Sound zum ersten Mal in Echtzeit geschaffen hat. Die Texte sind vollgepackt mit Bekenntnissen, die so breit gefächert sind, dass sich jeder, der sich in den Wirren einer unsicheren romantischen Vorhölle verirrt hat, verstanden fühlt, und doch so präzise geschrieben, dass sie eindeutig aus eigener Erfahrung stammen müssen. Das ist genau das, was Forth Wanderers sowohl so universell nachvollziehbar als auch so speziell macht. Auf "The Longer This Goes On" haben sie diese Fähigkeit, mit minimalistischen Texten und üppiger Instrumentierung an den starken Fäden der romantischen Langeweile zu ziehen, noch vertieft. Forth Wanderers sind sich nicht sicher, was als Nächstes kommt - sie wissen nicht, ob sie weiterhin neue Musik aufnehmen werden oder ob sie diese Songs jemals live aufführen werden. Diese Aufnahmen sind also zehn flüchtige, aber unschätzbare Eindrücke aus der Zeit, die sie als Band verbracht haben; das Wiederaufleben von Freundschaften zwischen Highschool-Kumpels, deren Träume sie ins Rampenlicht katapultiert haben, bevor sie alt genug waren, um Auto zu fahren; Songs, die die Ungewissheit der Zukunft ebenso einfangen wie ihre Musik ihr eigenes Selbstvertrauen in der Gegenwart zementiert. Auf "The Longer This Goes On" machen die Forth Wanderers Musik zu ihren eigenen Bedingungen.

"HARTE WORTE" melden sich zurück! Nach dem ungewollten Chart-Erfolg 2018 ihres letzten Albums "So wie ihr uns kennt" wurde es 7 Jahre sehr still um die Band. Genauer gesagt hatte die Band sich eigentlich aufgelöst ohne dies mit den üblichen Tränendrüsen-Pathos groß zu kommunizieren. Der Proberaum gekündigt, alle Social Media und Bandseiten wurden einfach abgeschaltet und gelöscht. Aber nicht nur Stephen King wusste schon: "Manchmal kommen Sie wieder"_ Was Du im Herzen trägst und wofür Du brennst, kannst Du zwar eine Zeit lang ignorieren, aber unmöglich abschalten. Jedenfalls nicht, wenn jede verdammte Textzeile und Note authentisch und ein Teil Deines Leben ist! Und so hat Sänger Marco mit seinen Mitstreitern vor ein paar Wochen die Band reaktiviert und arbeitet an einem neuen Album und den ersten Live-Auftritten. So lange wollten wir aber nicht warten. Deshalb gibt es mit "Extrem Unangenehm" ein ziemlich gesuchtes Album der Band aus dem Jahr 2012 in limitierter Auflage. Erstmals auf Vinyl und erstmals offiziell überhaupt! Die Lieder gehören seit Jahren zu den beliebtesten Pogo-Highlights bei jedem Harte-Worte Konzert. Wir wissen echt nicht wie oft wir gefragt wurden, wann Songs wie "Helden unserer Jugend", "A.O.G." oder "Sisierra" endlich veröffentlicht werden. Jetzt ist die Zeit reif oder um es mit dem Opener des Albums zu sagen: "Der Ruhrpott meldet sich zurück!" Punk, Oi!, Streetpunk, Pott Core

"HARTE WORTE" melden sich zurück! Nach dem ungewollten Chart-Erfolg 2018 ihres letzten Albums "So wie ihr uns kennt" wurde es 7 Jahre sehr still um die Band. Genauer gesagt hatte die Band sich eigentlich aufgelöst ohne dies mit den üblichen Tränendrüsen-Pathos groß zu kommunizieren. Der Proberaum gekündigt, alle Social Media und Bandseiten wurden einfach abgeschaltet und gelöscht. Aber nicht nur Stephen King wusste schon: "Manchmal kommen Sie wieder"_ Was Du im Herzen trägst und wofür Du brennst, kannst Du zwar eine Zeit lang ignorieren, aber unmöglich abschalten. Jedenfalls nicht, wenn jede verdammte Textzeile und Note authentisch und ein Teil Deines Leben ist! Und so hat Sänger Marco mit seinen Mitstreitern vor ein paar Wochen die Band reaktiviert und arbeitet an einem neuen Album und den ersten Live-Auftritten. So lange wollten wir aber nicht warten. Deshalb gibt es mit "Extrem Unangenehm" ein ziemlich gesuchtes Album der Band aus dem Jahr 2012 in limitierter Auflage. Erstmals auf Vinyl und erstmals offiziell überhaupt! Die Lieder gehören seit Jahren zu den beliebtesten Pogo-Highlights bei jedem Harte-Worte Konzert. Wir wissen echt nicht wie oft wir gefragt wurden, wann Songs wie "Helden unserer Jugend", "A.O.G." oder "Sisierra" endlich veröffentlicht werden. Jetzt ist die Zeit reif oder um es mit dem Opener des Albums zu sagen: "Der Ruhrpott meldet sich zurück!" Punk, Oi!, Streetpunk, Pott Core

Held on the Tips of Fingers (2005) was the album that launched Polar Bear into the spotlight, earning a Mercury Prize nomination and cementing their status as one of the most influential British jazz groups of the 21st century. Now, for the first time, this landmark album will be available on vinyl, bringing new life to a recording that helped redefine jazz for a new generation. Expanding on the ideas introduced in Dim Lit, Held on the Tips of Fingers saw the band refine their sound while pushing their compositions further into uncharted territory. The interplay between Rochford, Pete Wareham, Mark Lockheart, Tom Herbert, and Leafcutter John was sharper, the structures looser, and the music more expressive. It was a rare feat: an album that felt both urgent and timeless, raw yet meticulously crafted. Held on the Tips of Fingers was widely acclaimed, securing a 5-star review in The Observer and a place in Jazzwise’s 100 Jazz Albums That Shook the World and The Guardian’s 1000 Albums to Hear BeforeYou Die. This long-awaited vinyl edition revisits an album that shaped modern British jazz and inspired a wave of experimental music that followed. Held on the Tips of Fingers remains as vital and forward-thinking today as it was in 2005, standing as a testament to the groundbreaking vision of Seb Rochford and Polar Bear.

Ursprünglich für den RSD in UK exklusiv, Restmenge jetzt überall erhältlich.

Als Künstler und Performer hat Jamie Lidell ein höllisches Leben geführt, das ihn von der Avantgarde über Clubland-Hedonismus bis hin zum Mega-Mainstream und allen Punkten dazwischen katapultierte. Er hat verschiedene Persona angenommen - vom gesichtslosen, namenlosen Techno-Produzenten bis zum extravaganten Showman. Er hat monströsen Lärm und süße Musik gemacht. Er hat in Kunsträumen, Rave-Dungeons und auf einigen der größten Bühnen der Welt in einem Wirbelwind der Kreativität performt. Doch seit seinem Umzug nach Nashville und der Gründung einer Familie erlebte Jamie Lidell Isolation und Introversion. Indem er mit seiner eigenen Neurodivergenz konfrontiert wurde, musste er seine Beziehung zu sich selbst, seine Geschichte, seine Musik und seinen kreativen Prozess komplett neu bewerten. Und all das drückt sich nun in 'Places of Unknowing' aus, seinem ersten Album seit fast einem Jahrzehnt - eine karge und schöne Abkehr von allem, was er je zuvor gemacht hat.

Auf weltweit 1.000 Boxen limitiert, remastert sowie mit bearbeitetem Artwork ausgestattet - diese Boxset-Edition beinhaltet 5 farbige 180g-Doppel-Vinyle (inklusive D-Seiten Etching)!

Masterpeace (1999): Dieses Album markiert die triumphale Rückkehr von David Wayne am Gesang und verbindet den kultigen Metal Church-Sound mit einer modernen Produktion. Tracks wie "Sleeps With Thunder" und "Into Dust" strahlen rohe Kraft aus und machen dieses Album zu einem Meilenstein für Fans des traditionellen Heavy Metal.

The Weight Of The World (2004): Nach einer langen Pause meldete sich Metal Church mit Ronny Munroe am Ruder zurück. Songs wie "Leave Them Behind" und "Madman's Overture" unterstreichen die Unverwüstlichkeit der Band und zeigen eine neu belebte Energie, die ihren Platz im Pantheon des Metal bestätigt.

A Light In The Dark (2006): Dieses Album ist eine Hommage an die Vergangenheit und ein Schritt in die Zukunft. Es enthält Hymnen wie "Mirror Of Lies" und eine gefühlvolle Neuaufnahme von "Watch The Children Pray" Es fängt die Essenz von Metal Churchs Fähigkeit ein, ihre Wurzeln zu ehren und gleichzeitig neues klangliches Terrain zu erkunden.

This Present Wasteland (2008): Ein sehr nachdenkliches und intensives Album mit Tracks wie "Deeds Of A Dead Soul" und "Breathe Again", das persönliche und gesellschaftliche Themen mit eindringlichen Melodien und treibenden Rhythmen verbindet. Es ist ein herausragendes Kapitel in ihrer Karriere.

Generation Nothing (2013): Dieses Album ist eine Rückkehr zu den Heavy-Metal-Ursprüngen der Band und liefert modernisierte epische Hymnen. Songs wie "Scream" und der kraftvolle Titeltrack "Generation Nothing" spiegeln eine Band wider, die tief mit ihrer Vergangenheit verbunden ist, sich aber gleichzeitig entschlossen nach vorne bewegt.

Masterpeace (1999): Dieses Album markiert die triumphale Rückkehr von David Wayne am Gesang und verbindet den kultigen Metal Church-Sound mit einer modernen Produktion. Tracks wie "Sleeps With Thunder" und "Into Dust" strahlen rohe Kraft aus und machen dieses Album zu einem Meilenstein für Fans des traditionellen Heavy Metal.

The Weight Of The World (2004): Nach einer langen Pause meldete sich Metal Church mit Ronny Munroe am Ruder zurück. Songs wie "Leave Them Behind" und "Madman's Overture" unterstreichen die Unverwüstlichkeit der Band und zeigen eine neu belebte Energie, die ihren Platz im Pantheon des Metal bestätigt.

A Light In The Dark (2006): Dieses Album ist eine Hommage an die Vergangenheit und ein Schritt in die Zukunft. Es enthält Hymnen wie "Mirror Of Lies" und eine gefühlvolle Neuaufnahme von "Watch The Children Pray" Es fängt die Essenz von Metal Churchs Fähigkeit ein, ihre Wurzeln zu ehren und gleichzeitig neues klangliches Terrain zu erkunden.

This Present Wasteland (2008): Ein sehr nachdenkliches und intensives Album mit Tracks wie "Deeds Of A Dead Soul" und "Breathe Again", das persönliche und gesellschaftliche Themen mit eindringlichen Melodien und treibenden Rhythmen verbindet. Es ist ein herausragendes Kapitel in ihrer Karriere.

Generation Nothing (2013): Dieses Album ist eine Rückkehr zu den Heavy-Metal-Ursprüngen der Band und liefert modernisierte epische Hymnen. Songs wie "Scream" und der kraftvolle Titeltrack "Generation Nothing" spiegeln eine Band wider, die tief mit ihrer Vergangenheit verbunden ist, sich aber gleichzeitig entschlossen nach vorne bewegt.

DJ support - Alix Perez, Fracture, Lenzman, Kyle Hall, Doc Scott.

Introducing a new remix EP series from Rosebay Music aiming to connect the dots between soulful D&B and more disparate styles, tempos and scenes - with remixes coming in from a carefully selected group of artists reinterpreting tunes from the catalogue in fresh and unexpected ways.

Detroit’s Kyle Hall has been 1 of the cities main ambassadors of soulful, gritty house & techno over the last 15 years. Here he’s joined by instrumentalist Ian Fink to deliver a classic slice of deep and raw Detroit house music in his remix of Submorphics - Blastoff. This unforeseen linkup between Kyle Hall and Submorphics represents a rare joining of forces between 2 Detroit-born artists who have both repped their hometown’s aesthetic quite heavily in their respective scenes.

Noodles142 is the new alias of D&B star Satl - making fresh bangers fusing UKG, techno, dubstep and bass music in a classic-yet-futuristic way. Here he flips Submorphics - Hey Baby into deep, dark and dubby 140 territory paying homage to middle-of-the-night Detroit grittyness.

Primitive Instinct has quickly become one of the hottest upcoming names in D&B, repping Bristol with ultra-modern production, swinging drums, gorgeous synth work and amazing vocal sample manipulation. His stellar EP on The North Quarter convinced Rosebay to get him to remix Submorphics - Cinerama; and the result is a truly infectious dancefloor weapon.

The final remix comes from one of the current stars of 1985 Music: Trail. Repping the Toulouse D&B scene over the last few years, Trail has a unique knack for melody, harmony and groove that sets him apart from other modern liquid artists. Here he flips Submorphics, Zar & aya dia’s modern classic “Another Level Of Love” into a trippy and experimental heater. A diverse and eclectic selection of remixes from some very intriguing artists each existing in their own lane. Enjoy the ride!

Grinderman entstand 2005, als Nick Cave Material für das Album „Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus“
von Nick Cave & The Bad Seeds schrieb. Gemeinsam mit Martyn Casey am Bass, Warren Ellis an Violine
und Gitarre und Jim Sclavunos am Schlagzeug erarbeitete die Band gemeinsam Songs. 2006 ging sie in
ein Londoner Studio und begann eine Marathon-Session mit Songwriting und Demoaufnahmen. Mit dem
Ziel, den raueren, ursprünglicheren Sound von Caves gefeiertem Post-Punk-Projekt „The Birthday Party“ nachzubilden, wichen die Texte und die Musik von Grinderman deutlich von Nick Caves früheren Arbeiten
mit The Bad Seeds ab.
Im darauffolgenden April nahmen sie die besten dieser neuen Songs auf und nahmen mit Hilfe ihres langjährigen Freundes und Produzenten Nick Launay ein Album auf. Ihr am 5. März 2007 veröffentlichtes Debü-
talbum „Grinderman“ mit elf Songs wurde von der Kritik hoch gelobt und enthält die Singles „No Pussy
Blues“ und „Get It On“. Das Quartett kam 2009 wieder zusammen, um „Grinderman 2“ aufzunehmen, das
2010 erschien. Im Dezember 2011 gab Cave die Auflösung der Band auf einem Musikfestival in Australien
bekannt.
Das „unglaublich aufregende Debütalbum“ (Observer Music Monthly) ist auf schwarzem Öko-Vinyl und im
CD-Digisleeve-Format erhältlich

Das weltweit gefeierte Musikphänomen Africa Express ist zurück mit einem brandneuen Studioalbum mit
dem Titel „Africa Express presents... Bahidorá“, das in Mexiko aufgenommen wurde und Künstler und
Musiker aus vier Kontinenten zusammenbringt. Das bahnbrechende Musikkollektiv vereint seit über zwei
Jahrzehnten Künstler aus verschiedenen Ländern und Genres in radikal kreativen Kollaborationen, in denen
alles passieren kann und auch passiert.
Mit der Idee, Künstler aus verschiedenen Kulturen, Genres und Generationen zusammenzubringen, um
aufzutreten und Musik zu machen, wurde Africa Express 2006 mit einer Reise nach Mali gegründet, die die
lokalen Stars Toumani Diabaté, Bassekou Kouyaté und Amadou & Mariam mit Künstlern wie Mitbegründer
Damon Albarn, Martha Wainwright und Fatboy Slim zusammenbrachte.
Jeder Auftritt von Africa Express ist einzigartig, voller spontaner Momente der Magie, Zusammenarbeit
und Entdeckung. Im Jahr 2024 war Africa Express Headliner des Bahidorá-Festivals in Mexiko, einer Reise,
bei der eine außergewöhnliche Gruppe von Musikern, Sängern und DJs aus der ganzen Welt zusammenkam,
um an den Ufern der alten Quellen von Bahidorá zu proben, aufzutreten und neue Musik zu schreiben.
Das Ergebnis ist „Africa Express präsentiert ... Bahidorá“, eine völlig originelle, einmalige Sammlung von
21 Songs, die ein außergewöhnliches Line-up von Talenten aus Mexiko, Südamerika, Afrika, den USA und
Großbritannien präsentiert, darunter:Abou Diarra – Baba Sissoko – Bonobo u.a.