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Collaborations have always been an aspect of music I enjoy a lot, it can bring out the best in both artists when done well. It's a privilege to return the favour for one of the most exciting producers around in my opinion and to put out some of our music on my label after I released 'Reflections' on his excellent Temple of Sound back in 2019.

Tom and I came up through similar circles of music, inevitably connecting. We started to chat online and send ideas back and forth, immediately finding a shared enthusiasm for production and music in general. With a similar ethos of DIY and letting the music speak for itself, this EP was formed from the track 20-25 aptly named due to the stems being bounced back in 2020 but it eventually came together in 2025. We exchanged a few ideas and quickly realized we had a pretty strong EP in the works combining the best of both our sounds.

The EP consists of 4 hypnotic & rolling bass music tracks around 130 BPM merging influences from broken & deep Techno styles, Breakbeat & House. Perfect for deep listening or wiggling air in the club.

20-25 is a crunchy broken beat roller with lush pad work, stabs and slinky grooves before dubbed out bongos crank the energy up a notch and solidify the groove. 5 years in the making, but definitely worth the wait!

Strings on the A2 leans heavier into repetition and hypnotic grooves with slinky synthetic percussion and cavernous atmospherics. The track gradually evolves with elements filtering in and out whilst the groove anchors the track before the breakbeat science and pitchy bass comes into play. It's low and slow, building the tension before weaving in the full power of the track with haunting dissonance and dark melodics.

The title track takes the EP in another direction with it's delicate melodies and vocal, ushering in thunderous kicks. Around 2 mins in, the full weight of the track is noticeable with the low sub bass and modulating percussion. The track slowly morphs into an insatiable groove with peaks and troughs before a full send on the 2nd drop with additional percussion, intensifying the energy and taking the track into more dancefloor territory.

Finally we have Depth Charge on the B2, eyes down, dubby with a wonkified groove. This one is a slow burner, coming in at over 8 mins long. The rhythmic prowess is on full display with counter balanced rhythms, an interesting bassline and dubby pads and stabs. The track has a noticeable energy shift around 3.30 with a key change, and the slow meshing of subtle elements culminate in an easeless hypnotism where 8 mins feels like a lot less, a perfect closer.

We hope you enjoy, keep it deep!

On the heels of their incredible Designer Manipulation EP on Northern Front, Response & Pliskin present Always Drifting, their third EP for Wilderness, featuring four very special tracks that further mine the depths previously encountered on their Fresh Memory and Seabeams EP’s. Not one to be missed.

Brownswood Editions unearths another treasure from the catalogue, revisiting the Havana Cultura project. Initiated by DJ, broadcaster and curator Gilles Peterson in the late 2000s, Havana Cultura connected contemporary Cuban musicians with global audiences at a time when international perceptions of Cuban music were still largely rooted in the Buena Vista Social Club era.

Instead, the project spotlighted a new generation of Havana-based artists whose sound drew from contemporary diasporic influences - neo-soul, hip-hop and reggaeton - seen through a distinctly Afro-Cuban lens.

One of the project’s most explosive moments came with this Cuban reimagining of Fela Kuti’s classic Roforofo Fight, a track that quickly became a DJ favourite thanks to its live energy and deep rhythmic drive. The band features both Mayra Caridad Valdés (daughter of Chucho) - one of Cuba’s leading contemporary jazz and soul singers and internationally acclaimed pianist Roberto Fonseca.

This new 12" edition pairs the original version with a highly sought-after remix from house music legend Louie Vega, who brings his unmistakable New York Latin house touch, extending the groove for contemporary dancefloors while respecting the Afro-Cuban roots of the recording. The original remix pressing has since become highly sought after on discogs, making this long-awaited return to vinyl essential for DJs and collectors alike.

A meeting point of Afrobeat heritage, Cuban musicianship and club culture, the release reflects Brownswood’s long-standing mission to join the dots between scenes, sounds and generations.

Das gefeierte Hip-Hop-Experimentalisten-Duo Infinity Knives & Brian Ennals aus Baltimore meldet sich mit dem neuen Album "A City Drowned In God's Black Tears" zurück - einer explosiven, unwiderstehlichen Rap-Platte, die unerschrockenen Diskurs mit mutiger und unvorhersehbarer Produktion verbindet. Ihr Vorgänger "King Cobra" wurde von Magazinen wie Spin und Loud & Quiet zu einem der besten Hip-Hop-Alben des Jahres 2022 gekürt.

Citizens anhaltende klangliche Weiterentwicklung und ihre konsequente Weigerung, jemals zweimal dasselbe Album zu machen, haben ihnen den Ruf eingebracht, eine der konstant fesselndsten Bands der modernen Rockmusik zu sein. Genau dieses kompromisslose Bekenntnis zu ihrem Handwerk führte zu ihrem neuen Album Halcyon Blues. Es ist eine dynamische und selbstbewusste Kulmination all dessen, was zuvor kam - und macht unmissverständlich klar: Bei aller klanglichen Rastlosigkeit wussten Citizen immer genau, wer sie sind.Von Beginn an war die Band - Sänger Mat Kerekes, Gitarrist Nick Hamm, Bassist Eric Hamm sowie die neueren Mitglieder Gitarrist Mason Mercer und Schlagzeuger Ben Russin - fest entschlossen, ihrer Kreativität kompromisslos zu folgen, wohin auch immer sie sie führen würde. Über die Jahre bewegten sie sich souverän durch rohen Emo, bedrohlichen Post-Hardcore, hymnischen Alternative Rock, garageartigen Indie-Pop und vieles mehr.Halcyon Blues vereint nun Elemente aus dem gesamten bisherigen Katalog der Band zu einem geschlossenen, unmittelbar befriedigenden Album, das einfach unverkennbar nach Citizen klingt. Während frühere Citizen-Alben oft wie direkte Reaktionen auf den jeweiligen Vorgänger wirkten, fühlt sich Halcyon Blues an, als würde die Band ihr gesamtes bisheriges Werk umarmen und geschlossen weitertragen.Aufgenommen von Kerekes in seinem Heimstudio in Toledo und anschließend von Tom Lorde-Alge (U2, Weezer, Blink-182) gemischt, greift das Album die Dringlichkeit und Wildheit der frühen Citizen-Veröffentlichungen auf und verbindet sie mit der epischen Weite und den unbestreitbaren Hooks ihres jüngeren Schaffens. Das Ergebnis sind große Rock-Songs mit entsprechend großen Emotionen. Doch auch die jugendliche Frustration der frühen Jahre ist gereift - ersetzt durch eine nuanciertere, wenn auch nicht weniger scharfzüngige erwachsene Perspektive.

Citizens anhaltende klangliche Weiterentwicklung und ihre konsequente Weigerung, jemals zweimal dasselbe Album zu machen, haben ihnen den Ruf eingebracht, eine der konstant fesselndsten Bands der modernen Rockmusik zu sein. Genau dieses kompromisslose Bekenntnis zu ihrem Handwerk führte zu ihrem neuen Album Halcyon Blues. Es ist eine dynamische und selbstbewusste Kulmination all dessen, was zuvor kam - und macht unmissverständlich klar: Bei aller klanglichen Rastlosigkeit wussten Citizen immer genau, wer sie sind.Von Beginn an war die Band - Sänger Mat Kerekes, Gitarrist Nick Hamm, Bassist Eric Hamm sowie die neueren Mitglieder Gitarrist Mason Mercer und Schlagzeuger Ben Russin - fest entschlossen, ihrer Kreativität kompromisslos zu folgen, wohin auch immer sie sie führen würde. Über die Jahre bewegten sie sich souverän durch rohen Emo, bedrohlichen Post-Hardcore, hymnischen Alternative Rock, garageartigen Indie-Pop und vieles mehr.Halcyon Blues vereint nun Elemente aus dem gesamten bisherigen Katalog der Band zu einem geschlossenen, unmittelbar befriedigenden Album, das einfach unverkennbar nach Citizen klingt. Während frühere Citizen-Alben oft wie direkte Reaktionen auf den jeweiligen Vorgänger wirkten, fühlt sich Halcyon Blues an, als würde die Band ihr gesamtes bisheriges Werk umarmen und geschlossen weitertragen.Aufgenommen von Kerekes in seinem Heimstudio in Toledo und anschließend von Tom Lorde-Alge (U2, Weezer, Blink-182) gemischt, greift das Album die Dringlichkeit und Wildheit der frühen Citizen-Veröffentlichungen auf und verbindet sie mit der epischen Weite und den unbestreitbaren Hooks ihres jüngeren Schaffens. Das Ergebnis sind große Rock-Songs mit entsprechend großen Emotionen. Doch auch die jugendliche Frustration der frühen Jahre ist gereift - ersetzt durch eine nuanciertere, wenn auch nicht weniger scharfzüngige erwachsene Perspektive.

Citizens anhaltende klangliche Weiterentwicklung und ihre konsequente Weigerung, jemals zweimal dasselbe Album zu machen, haben ihnen den Ruf eingebracht, eine der konstant fesselndsten Bands der modernen Rockmusik zu sein. Genau dieses kompromisslose Bekenntnis zu ihrem Handwerk führte zu ihrem neuen Album Halcyon Blues. Es ist eine dynamische und selbstbewusste Kulmination all dessen, was zuvor kam - und macht unmissverständlich klar: Bei aller klanglichen Rastlosigkeit wussten Citizen immer genau, wer sie sind.Von Beginn an war die Band - Sänger Mat Kerekes, Gitarrist Nick Hamm, Bassist Eric Hamm sowie die neueren Mitglieder Gitarrist Mason Mercer und Schlagzeuger Ben Russin - fest entschlossen, ihrer Kreativität kompromisslos zu folgen, wohin auch immer sie sie führen würde. Über die Jahre bewegten sie sich souverän durch rohen Emo, bedrohlichen Post-Hardcore, hymnischen Alternative Rock, garageartigen Indie-Pop und vieles mehr.Halcyon Blues vereint nun Elemente aus dem gesamten bisherigen Katalog der Band zu einem geschlossenen, unmittelbar befriedigenden Album, das einfach unverkennbar nach Citizen klingt. Während frühere Citizen-Alben oft wie direkte Reaktionen auf den jeweiligen Vorgänger wirkten, fühlt sich Halcyon Blues an, als würde die Band ihr gesamtes bisheriges Werk umarmen und geschlossen weitertragen.Aufgenommen von Kerekes in seinem Heimstudio in Toledo und anschließend von Tom Lorde-Alge (U2, Weezer, Blink-182) gemischt, greift das Album die Dringlichkeit und Wildheit der frühen Citizen-Veröffentlichungen auf und verbindet sie mit der epischen Weite und den unbestreitbaren Hooks ihres jüngeren Schaffens. Das Ergebnis sind große Rock-Songs mit entsprechend großen Emotionen. Doch auch die jugendliche Frustration der frühen Jahre ist gereift - ersetzt durch eine nuanciertere, wenn auch nicht weniger scharfzüngige erwachsene Perspektive.

Am 7. August 2026 veröffentlichen THE BOYS eine limitierte Doppel-A-Seite-Vinyl-Single bei Damaged Goods Records. ,Damn Those Eyes" und ,Never Mind the Botox" wurden letztes Jahr im The Planet Of Noise Studio in Limmared, Schweden, aufgenommen. Beide Songs stammen aus dem sechsten offiziellen Studioalbum von The Boys, das im Dezember 2026 erscheinen wird. Zusammen mit den Sex Pistols, The Clash und The Damned gehörten The Boys zur ersten Welle der britischen Punk-Explosion Mitte der 1970er Jahre. Ausgestattet mit einem Arsenal an Killer-Songs von Steel und Dangerfield wurden The Boys im Januar 1977 zur ersten britischen Punkband, die einen Plattenvertrag unterschrieb. Von der Musikpresse und ihren Zeitgenossen hoch geschätzt, führten ihre gut ausgearbeiteten Songs zusammen mit Steels und Dangerfields Liebe zu Harmonien dazu, dass sie als ,die Beatles des Punk" bezeichnet wurden, aber sie hätten genauso verdient mit den Ramones verglichen werden können (und sollen) - schnell, abwechselnd frech und augenzwinkernd, und herrlich hymnisch. Auf der neuen Single sind die ursprünglichen Gründungsmitglieder und das Songwriter-Team Matt Dangerfield und Casino Steel zu hören, zusammen mit den langjährigen Mitgliedern Chips Kiesbye & Kent Norberg (von der schwedischen Megaband Sator) sowie Martin H-Son (ex-Backstreet Girls). Der renommierte internationale Filmemacher und ehemalige Bassist von The Crybabys, Danny Garcia, hat einen Gastauftritt auf ,Never Mind the Botox" und hat außerdem Promo-Videos für beide Songs gedreht.

Auf ,Revelations of Divine Love", Jason Calhouns fünfter Veröffentlichung bei Dear Life Records, hat Calhoun ein besonders kraftvolles Album zusammengestellt, das surrt, summt und leuchtet. Im Gegensatz zu seinen jüngsten Werken, die sich um ausgedehnte, hypnotische Kompositionen drehen, wecken die vierzehn Tracks hier sofort deine Aufmerksamkeit und Neugier. Ihre Prägnanz unterstreicht nur eine seiner größten Stärken: die Fähigkeit, einen verfliegenden, flüchtigen Moment einzufangen und festzuhalten. Der Titel ist eine Anspielung auf die britische Anachoreta Julian von Norwich, deren gesammelte Schriften mit demselben Titel die frühesten sind, die jemals von einer Frau in englischer Sprache verfasst wurden. Hier dient er als verbindendes Thema für Calhouns ganz eigene Palette aus unruhigen Texturen und zaghaften Melodien. Das ist zweifellos persönliche Musik, aber sie fühlt sich auch greifbar an, fast wie Toffee in ihrer Präsentation - und bei einer so kraftvollen Kombination fällt es schwer, beim Hören ein Lächeln zu unterdrücken. Zum Beispiel, wenn der eindringliche Puls, der ,last one" trägt, plötzlich seine Farbe wechselt, während sich gähnende Töne offenbaren, oder wie ,eye dilation" auf Zehenspitzen in den Raum schleicht, wobei jede Note wie ein sorgfältig gewählter Schritt klingt. Obwohl das Album niemals gekünstelt oder überladen wirkt, bleibt es entschlossen intim.

Langsam, schnörkellos und größtenteils instrumental - auf ,Orphans" wendet sich Art Feynman nach innen. Das Album, das als ,Musik zum Nebenbei-Hören" konzipiert ist, soll den Alltag begleiten und die Atmosphäre untermalen, ohne konzentrierte Aufmerksamkeit zu erfordern. Es bewegt sich durch den Raum wie ein Windspiel - weniger etwas, dem man folgt, als etwas, das man spürt. Es sind intime, einsame Erkundungen, Skizzen, die sich weniger komponiert als vielmehr entdeckt anfühlen, und doch strahlen sie eine stille emotionale Klarheit aus. Während sich Feynmans frühere Arbeiten oft auf komplexe Grooves und dichtes Zusammenspiel stützten, ist ,Orphans" entwaffnend still, geduldig und beruhigend. Zu Beginn des Albums kann man sich fast vorstellen, wie Feynman über einem 4-Spur-Recorder sitzt, Melodien auf einem kleinen Casio nachspielt und seinem Instinkt folgt, wohin auch immer er ihn führt. Der Eröffnungstrack ,Soft Reminder" entfaltet sich mit einer sanften Orgelmelodie, die zu gleichen Teilen melancholisch und neugierig ist; ihre Töne verweilen in der Luft, anstatt voranzutreiben, und legen sich so mühelos im Raum nieder, wie sie zur stillen Reflexion einladen. An anderer Stelle vermittelt ,Soup Song" eine Art hausbackenen Minimalismus, wobei sein beharrliches Orgelmuster an den frühen, experimentierfreudigen Geist von Terry Rileys ,A Rainbow in Curved Air" erinnert. ,Always In Need of Something" verweist auf die verspielten, suchenden Qualitäten von Francis Bebey, wobei seine zyklische Phrasierung eine stille, menschliche Unruhe unter der Oberfläche andeutet. Durchgehend sammeln sich Klänge und Texturen sanft an und formen ebenso sehr eine Atmosphäre wie eine Reihe eigenständiger Kompositionen, wobei sie subtil die emotionale Temperatur des Raums verändern, den sie einnehmen. Das späte Herzstück des Albums, ,Ice Bath", einer der wenigen Momente mit Gesang, bietet eine subtile These: "It slowed me down / That's what I needed / For a new beginning." Der Song fühlt sich wie ein Wendepunkt an, eine Akzeptanz der Stille als notwendige Voraussetzung für Veränderung. Er geht nahtlos über in ,The Condition of New Things", ein wunderschön skizzenhaftes E-Gitarrenstück, das im offenen Raum nachhallt, wobei jede Note mit sorgfältiger Absicht platziert ist und an einige von Jeff Parkers Soloarbeiten erinnert. Der Abschluss-Track ,Plastic Flowers" schwebt herein, getragen von Vocoder-gefiltertem Gesang und einem zarten Bett aus Gitarre und Synthesizer. "To trick the eye but still touch the heart", singt Feynman - eine Zeile, die stillschweigend das Ethos des Albums umrahmt. Wie Licht, das im Laufe eines Tages über eine Wand wandert, mögen diese Aufnahmen bescheiden sein, in ihrer Einfachheit sogar illusionartig, doch ihre emotionale Resonanz ist unbestreitbar.

Ike Quebec’s Bossa Nova Soul Samba put the saxophonist’s unique spin on the bossa nova craze sweeping the jazz world in 1962. Ike’s sensual tone imbues the breezy Brazilian vibe with a soulful dose of the blues to create a masterpiece featuring Kenny Burrell, Wendell Marshall, Willie Bobo, and Garvin Masseaux.

This stereo Tone Poet Vinyl Edition was produced by Joe Harley, mastered by Kevin Gray from the original analog master tapes, pressed on 180g vinyl at RTI, and packaged in a deluxe tip-on gatefold jacket.

La Isla Borrego gathers fragments and echoes from the last few years. Based on an invented dream, this is not a composition, but a sediment; not a field recording, but an archive of mistreated memories.

There is no map for La Isla Borrego. Instead, there is the architecture of an invented dream: an accumulation of acoustic residue shipwrecked on the conscious island of the last six years. Sounds are not emitted, but reflected and bounced.

A catalogue of biographical errors; a series of echoes salvaged from a dissolving timeline. Assembled between the 2020 static air of Lisbon and the 2026 volcanic humidity of Tenerife, the album operates under the "bamboo sun": a light that does not illuminate, but instead casts shadows over what was once real.

Neue Farbvariante der 2021er EP von Hot Mulligan, "I Won't Reach Out To You", die auf das viel gelobte Album "you'll be fine" aus dem Jahr 2020 folgte. Die einseitig bespielte EP enthält 5 Songs, darunter den Fan-Favoriten "Featuring Mark Hoppus".

"A leading light of Baltimore’s experimental hip-hop scene. A brilliant, unpredictable work"
Spin

"Matches old school flow with meticulous productions"

Starting with the sleeve, reminiscent of comic book style album covers from the 70’s and 80’s like The Upsetters “Return of the Super Ape” and Scientist’s “Scientist Encounters Pac Man”, you know this album is straddling the decades of ska, rocksteady, dub and reggae. King Zepha recorded vocals, sax, woodwinds, keyboards, guitar and percussion at his home studio, with his fellow touring band members adding “the stuff I can’t do particularly well” backing vocals, brass, double bass and drums

Black Screen Records once again teams up with composer Chris Christodoulou and Hopoo Games for a vinyl repress of the classic original soundtrack to Risk of Rain 2. At the request of Christodoulou, the new edition of the triple vinyl comes on heavy 180g black wax, the way he enjoys the format the most. The set is housed in a beautiful trifold sleeve with the original artwork illustrated by Italian artist Daniele Giardini. All 20 songs have been carefully remastered by Christian Bethge (Risk of Rain, Deadbolt, Divinity: Original Sin II, A Plague Tale) for the vinyl format. With Risk of Rain 2 the classic multiplayer rogue-like returns with an extra dimension and more challenging action. No run will ever be the same with randomized stages, enemies, bosses, and items. Play solo, or team up with up to four friends to fight your way through hordes of monsters, unlock new loot, and find a way to escape the planet. In his third collaboration with Hopoo Games, Chris Christodoulou returns to the Risk of Rain franchise adding another dimension to the game's music-verse. This two-hour-long genre-bending release spans from foreboding electronica to pounding progressive metal and features all music from the game and then some.

The Dresden Dolls announce the re-recorded release of Yes, Virginia... (Tailor"s Version). Guest vocalists include Jinkx Monsoon and Veronica Swift. The pioneering punk cabaret duo of Amanda Palmer and Brian Viglione enter a new chapter with a full re-recording of their 2006 album Yes, Virginia..., tracked in Boston. The title nods to Taylor Swift"s reclamation of master recordings. After a 20-year contract with Roadrunner Records, the band regained the right to re-record their catalog. The announcement comes nearly 20 years after the original release. The track list remains unchanged (with a bonus track on vinyl and CD), while performances reflect two decades of artistic and personal evolution. Known for Viglione"s orchestral drumming and Palmer"s percussive piano and songwriting-exploring sexuality, identity, addiction, capitalism, and social isolation-this version brings new depth. Songs including "My Alcoholic Friends," "Sex Changes," and "Backstabber" return with renewed intensity. Recorded in late 2025 at Mad Oak Studios, the album was tracked mostly live with Benny Grotto and mixed by Paul Kolderie. It also features artwork by Niki McQueen.

Das Must-Have-Album des Jahres von R&B-Visionärin Ravyn Lenae! Nach ihrem weltweiten Durchbruch mit dem Mega-Hit „Love Me Not“ und Arena-Tourneen mit Sabrina Carpenter meldet sich die Ausnahmekünstlerin aus Chicago mit ihrem dritten Studioalbum „Blue Island“ zurück. Komplett exekutiv-produziert vom GRAMMY-Gewinner Dahi, sprengt das Werk mutig alle Genre-Grenzen. Ravyn fusioniert ihren klassischen R&B-Sound mit Einflüssen von Ikonen wie Blondie und The Sundays zu einem zutiefst persönlichen und mitreißenden Pop-Meisterwerk. Neben der verführerischen neuen Single „Handle“ glänzt das Album unter anderem mit der hochkarätigen Kollaboration „Reputation“ (feat. Dominic Fike).

The Dresden Dolls announce the re-recorded release of Yes, Virginia... (Tailor"s Version). Guest vocalists include Jinkx Monsoon and Veronica Swift. The pioneering punk cabaret duo of Amanda Palmer and Brian Viglione enter a new chapter with a full re-recording of their 2006 album Yes, Virginia..., tracked in Boston. The title nods to Taylor Swift"s reclamation of master recordings. After a 20-year contract with Roadrunner Records, the band regained the right to re-record their catalog. The announcement comes nearly 20 years after the original release. The track list remains unchanged (with a bonus track on vinyl and CD), while performances reflect two decades of artistic and personal evolution. Known for Viglione"s orchestral drumming and Palmer"s percussive piano and songwriting-exploring sexuality, identity, addiction, capitalism, and social isolation-this version brings new depth. Songs including "My Alcoholic Friends," "Sex Changes," and "Backstabber" return with renewed intensity. Recorded in late 2025 at Mad Oak Studios, the album was tracked mostly live with Benny Grotto and mixed by Paul Kolderie. It also features artwork by Niki McQueen.

Handpicked by MoBlack, here are eight tracks that lended the dynamic vision and artistic stimulation for what is now a bastion of Afro House. Collected from the label's artists, friends and inspirations of past and present, "House of Mo'" comprises musical snapshots from Mimmo Falcone's journey as a DJ, producer and label head. Reverberating rhythms and grooves attached to memories made on and off dancefloors, these sonic wonders are part and parcel of the House the label built, go-to jams that speak of the spirit that binds its growing family.

Tread lightly, listen hard, and feel at home.

In 1993 the French funk rock collective FFF (short for Fédération Française de Fonck) followed up their debut album with Free For Fever. The band went to the UK to record the album. This time there was significantly more rock and metal influenced compared to its predecessor, but the funk (or rather, the Fonck) is still ever present.

For production they got help from Mark Wallis who worked with Talking Heads, R.E.M. and The Smiths. Especially in France the album was a great success.

After being out of print for over a decade, Free For Fever is finally back on vinyl, as a limited edition of 1000 copies on white vinyl, Included in the package is a 4-page booklet.

In 1996, FFF (short for Fédération Française de Fonck) released their third studio album, the selftitled FFF.

After experimenting with English lyrics, singer and songwriter Marco Polo almost fully returned to writing in French for this album. The band also recorded the album in Paris instead of the UK. The album remains a firm favourite among fans and is highly sought after on vinyl.

FFF is available as a 30th anniversary edition of 1000 copies on blue vinyl and includes a 4-page booklet.

The sleepy calm of Klondyke, Louisiana, is shattered when an unknown man ruthlessly shoots his way out of a courtroom, abducting a girl hostage at gun-point and tearing out of town in a stolen car. Who is he? What is his concern with the girl, with a multi-millionaire’s secluded house, and with a great oil rig out in the Gulf of Mexico?

Fear Is The Key is a 1972 British action flick directed by Michael Tucher starring Barry Newman (Vanishing Point) and Suzy Kendall, based on Alistair MacLean's 1961 eponymous novel. The film is probably best remembered for its spectacular and lengthy car chase sequence, which necessitated a ten-minute plus action cue that demanded split-second timing so that each bar would blend perfectly with the chase sound effects. Realizing composer Roy Budd was just 25 years old when he recorded this score, makes it all the more impressive. Fun fact: this is the feature film debut of Sir Ben Kingsley so make sure to give it a whirl, especially if you're into hard-driving British jazz. In any case, this soundtrack too will surely satisfy fans of the jazz-funk and library music found on labels such as KPM and Music De Wolfe.

The soundtrack of Fear Is The Key is available as a limited edition of 500 individually numbered copies on pink marble vinyl and includes an insert with liner notes.

Nach dem "makellosen und zeitlosen Soul" (The Guardian) des 2019er-Vorgängers "American Love Call" öffnet "Private Space" von Durand Jones & The Indications die Tür zu einer breiteren Palette von Klängen und führt die Band kühn in eine synthielastigere Soul-Welt aus mit Streichern durchsetzten Disco-Beats. Das harmonische Zusammenspiel zwischen Aaron Frazers sanftem Falsett am Schlagzeug und Durand Jones' kräftigem Gesang sitzt noch immer tadellos und wird von Blake Rhein (Gitarre), Steve Okonski (Tasten) und Mike Montgomery (Bass) perfekt abgerundet. The Indications bleiben auch auf ihrem dritten Album wahre Meister darin, Revival-Sounds mit einer modernen Haltung zu verschmelzen. "Private Space" atmet den Geist der vergangenen Disco-Ära und die zehn Tracks liefern so eine dringend benötigte Dosis Eskapismus nach diesem turbulenten Jahr 2020. Das Album entstand nachdem die Band einen Großteil des Jahres getrennt voneinander verbracht hatte. Die Freude des Wiedersehens und am kreativen Miteinander ist auf "Private Space" jederzeit spürbar. Der hoffnungsvolle Sound setzt auf die Idee, dass Freude uns befreien kann. Die Kraft eines guten Songs, ein Licht in der Dunkelheit zu sein. Bandleader DURAND JONES fasst es treffend zusammen: "At the end of the day, I just want people to close their eyes and forget where they are. Just the way a Stevie Wonder album does for me."

No Use For A Name were one of the first bands on Fat Wreck Chords and remain a cornerstone of the label roster. Their unique take on California punk/skate punk emphasized equally innovative and catchy melody, paired with top-flight musicianship. Of course, a lot of what made this possible was the vocal range and imaginative song writing of Tony Sly. Despite his tragic passing in 2012, Tony's presence can still be felt today, as his influence is evident in the work of many other artists. Leche Con Carne is a blistering punk rock record, the band's third studio album, and a blend of Bad Religion-esque riffage and edgy vocals that hit between singing and yelling. The record features some of the bands' biggest hits, the love song "Soulmate", the story-telling cautionary tale "Justified Black Eye", and the popular Bob Marley cover of "Redemption Song." 30 years since its first release, Leche Con Carne feels as omnipotent as ever. An essential Fat Wreck Chords release, and a classic album in the No Use For A Name discography. Produced by Ryan Greene (NOFX) and Fat Mike, Features hit singles "Soulmate," "Justified Black Eye," and "Redemption Song", for fans of Bad Religion, The Offspring, Green Day, Grape coloured 2026 vinyl.

Ursprünglich im Jahr 2000 auf Fuzzbox veröffentlicht und 2003 vom Beggars-Imprint Too Pure erneut herausgebracht, stellte My Pain and Sadness Is More Sad and Painful Than Yours die Band mclusky aus Cardiff als eine drängende neue Stimme im britischen Rock vor. Das Album zeigt die Band in ihrer unmittelbarsten und rohesten Form und prägte mcluskys Mischung aus scharfkantigen Gitarren, schwarzem Humor und Andrew Falkous" pointierter, oft absurdistischer Lyrik. Noch bevor spätere Anerkennung für Alben wie Mclusky Do Dallas und The Difference Between Me and You Is That I"m Not on Firefolgte, fängt dieses Debüt die Band in einem ungefilterteren Zustand ein - volatil und direkt. Songs wie "Joy" und "Rice Is Nice" deuten bereits die Präzision und Bissigkeit an, die später voll zur Geltung kommen sollten, während ein Großteil des Albums auf Wiederholung, Spannung und Auflösung setzt - mit einem beinahe bedrohlichen Minimalismus. Nun, 26 Jahre später, wurde das Album von Sean Magee in den Abbey Road Studios neu gemastert und erscheint auf 180g schwerem schwarzem Vinyl, wobei das originale Artwork beibehalten wurde. My Pain and Sadness Is More Sad and Painful Than Yours bleibt ein zentrales Dokument der Anfänge von mclusky. Sein Einfluss lässt sich in späteren Wellen von Noise Rock und Post-Hardcore nachverfolgen, doch seine einzigartige Mischung aus Witz, Aggressivität und Ökonomie bleibt unerreicht.

Nothing have always been rule-breakers. Shoegaze renegades who've rebuilt the stereotypically lightweight genre in their own bloodyknuckled American image. Outlaw poets spilling existential dread on mile-wide canvasses of fuzz and reverb. Beginning as a Philly-born bedroom solo project in 2010, Nothing's music has always captured the full scale of the human condition, both the blaring anger and the whispering sadness. a short history of decay, Nothing's fifth solo album and first for Run For Cover Records, widens that aperture even further, providing the most hi-def rendering of Nothing to date. The band have never sounded this colossal, never felt this intimate, never been this honest. With the strongest arsenal in Nothing's ever-shifting lineup locked in -- guitarist Doyle Martin (Cloakroom), bassist Bobb Bruno (Best Coast), drummer Zachary Jones (MSC, Manslaughter 777), and third guitarist Cam Smith (Ladder To God, also of Cloakroom) -- singer-songwriter Domenic "Nicky" Palermo knew he had the manpower to make the band's most ambitious record yet. Co-written and produced with Whirr guitarist Nicholas Bassett, and with additional production and mixing work from Sonny Diperri (DIIV, Julie), a short history of decay, is the most evolved musical statement in Nothing's catalog. Songs like "Cannibal World" and "Toothless Coal" are cataclysmic lashings of mechanized industrial-gaze that sound like My Bloody Valentine -- except more extreme. On the other end of the spectrum, the ornately morose "Purple Strings" boasts a beautiful string arrangement that includes harpist -- and two-time Nothing contributor -- Mary Lattimore. That baroque delicacy permeates other a short history of decay, highlights, particularly "The Rain Don't Care," a lilting ballad that channels the worn-down elegance of Mojave 3, and also "Nerve Scales," a pattering bop that resembles Radiohead in its marriage of otherworldly atmosphere and mortal precision. Palermo calls the new record "a final chapter." Not the end of Nothing, but the conclusion of a story that began with Nothing's 2014 debut, Guilty of Everything -- another album about time, regret, and confronting uncomfortable truths -- and now resolves with a short history of decay,. As much a snapshot of Palermo's past as it is a leap into Nothing's future.

"26/70 - Die Songs von STOPPOK" ist weit mehr als ein klassisches Tribute-Album. Zum 70. Geburtstag der Ruhrpott-Ikone versammelt diese Compilation 18 Interpretationen, die den Kern von STOPPOKs Songwriting freilegen: Haltung, Humor, Menschlichkeit und eine unverwechselbare erzählerische Kraft. Statt ehrfürchtiger Nachahmung entstehen neue Lesarten - persönlich, mutig und stilistisch vielfältig. Künstler:innen aus mehreren Generationen geben den Songs ihre eigene Stimme und holen sie gleichzeitig ins Heute. Ob folkig reduziert, rockig aufgeladen, popaffin oder weltmusikalisch gefärbt - die Kompositionen erweisen sich als erstaunlich zeitlos. Produziert von Sebel entsteht ein Album, das STOPPOKs enorme Wirkung als Songautor sichtbar macht: Seine Lieder funktionieren unabhängig vom Original, bleiben im Ohr, im Kopf und im Herzen. "26/70" ist eine Würdigung ohne Verklärung - und ein Beweis dafür, dass große Songs kein Verfallsdatum kennen.

Wormwood ist eine 2014 gegründete Metal-Band aus Stockholm, die für ihre unverwechselbare Verschmelzung von Extreme Metal, atmosphärischer Tiefe und filmischem Storytelling bekannt ist. Durch die Verbindung von unheimlichen Klanglandschaften, skandinavischer Melancholie, Folk-Elementen und roher Rock-Intensität hat sich die Band eine einzigartige Identität geschaffen, die beim Publikum weltweit großen Anklang findet.

Mit vier Alben in voller Länge, einer EP und einer Live-Veröffentlichung – sowie der kommenden EP „Å“ – hat Wormwood ein beeindruckendes und sich stetig weiterentwickelndes Repertoire aufgebaut. Die Band wurde zweimal bei den schwedischen P3 Gold Awards als „Bester Rock-/Metal-Act“ nominiert, erreichte hohe Platzierungen in den offiziellen schwedischen Charts und erntete breite Anerkennung von internationalen Rock- und Metal-Medien, einschließlich häufiger Platzierungen auf weltweiten „Album des Jahres“-Listen.
Wormwoods Ruf reicht weit über das Studio hinaus. Die Band ist ausgiebig in ganz Europa aufgetreten, hat bei großen Festivals gespielt und Clubtourneen als Headliner bestritten, während sie sich stetig eine treue internationale Fangemeinde aufgebaut hat – insbesondere in Deutschland, Frankreich, den Niederlanden, Großbritannien und den USA. Ihre starke digitale Präsenz und ihre filmischen, hochwertigen Musikvideos verstärken ihre globale Reichweite und visuelle Identität zusätzlich.
Abgemischt und gemastert vom renommierten Produzenten Sverker Widgren (Wing Studios, Stockholm), verbindet der Sound von Wormwood ausgefeiltes Songwriting und musikalisches Können auf höchstem Niveau mit einer rauen, authentischen Note. Angetrieben von kraftvollen Melodien, atmosphärischer Fülle und emotionaler Intensität, erweitert die Band weiterhin kreative Grenzen und behält dabei eine klare künstlerische Vision bei.

Wormwood zählt heute zu den faszinierendsten und zukunftsweisendsten Acts der schwedischen Metal-Szene und vereint Kritikerlob, internationales Wachstum und einen Sound, der sie von anderen abhebt.

Wormwood ist eine 2014 gegründete Metal-Band aus Stockholm, die für ihre unverwechselbare Verschmelzung von Extreme Metal, atmosphärischer Tiefe und filmischem Storytelling bekannt ist. Durch die Verbindung von unheimlichen Klanglandschaften, skandinavischer Melancholie, Folk-Elementen und roher Rock-Intensität hat sich die Band eine einzigartige Identität geschaffen, die beim Publikum weltweit großen Anklang findet.

Mit vier Alben in voller Länge, einer EP und einer Live-Veröffentlichung – sowie der kommenden EP „Å“ – hat Wormwood ein beeindruckendes und sich stetig weiterentwickelndes Repertoire aufgebaut. Die Band wurde zweimal bei den schwedischen P3 Gold Awards als „Bester Rock-/Metal-Act“ nominiert, erreichte hohe Platzierungen in den offiziellen schwedischen Charts und erntete breite Anerkennung von internationalen Rock- und Metal-Medien, einschließlich häufiger Platzierungen auf weltweiten „Album des Jahres“-Listen.
Wormwoods Ruf reicht weit über das Studio hinaus. Die Band ist ausgiebig in ganz Europa aufgetreten, hat bei großen Festivals gespielt und Clubtourneen als Headliner bestritten, während sie sich stetig eine treue internationale Fangemeinde aufgebaut hat – insbesondere in Deutschland, Frankreich, den Niederlanden, Großbritannien und den USA. Ihre starke digitale Präsenz und ihre filmischen, hochwertigen Musikvideos verstärken ihre globale Reichweite und visuelle Identität zusätzlich.
Abgemischt und gemastert vom renommierten Produzenten Sverker Widgren (Wing Studios, Stockholm), verbindet der Sound von Wormwood ausgefeiltes Songwriting und musikalisches Können auf höchstem Niveau mit einer rauen, authentischen Note. Angetrieben von kraftvollen Melodien, atmosphärischer Fülle und emotionaler Intensität, erweitert die Band weiterhin kreative Grenzen und behält dabei eine klare künstlerische Vision bei.

Wormwood zählt heute zu den faszinierendsten und zukunftsweisendsten Acts der schwedischen Metal-Szene und vereint Kritikerlob, internationales Wachstum und einen Sound, der sie von anderen abhebt.

Jetzt mit Fettfleck Records (Loikaemie) unterwegz! SOKO LINX melden sich zurück! Mit einem Knall? Mit einem Konzept für Weltfrieden? Nicht ganz, aber immerhin mit Album #3! Dieses entstand in einer Zeit der masziven Veränderung und des Umbruchs. 2024 verstarb völlig unerwartet ein enger Freund und wichtiger Wegbegleiter der Band. Drummer und Gründungsmitglied NiXS KOOL verliesz nach einer Zeit der Ungewiszheit die Band. Die Aufnahmen fanden nicht wie zuvor innerhalb von zwei Wochen in Leipzig statt, sondern in unterschiedlichen Sessions in zwei Berliner Studios auf zwei Jahre verteilt. ACEY AVALON unterstützte bei den Gitarren- und Schlagzeugaufnahmen. Er spielte aus Ermangelung eines Schlagzeugers auch die Drums ein. Aus diesen Gründen bedeutet PUNK FÜR LEUTE, DIE PUNK HASZEN sowohl Abschlusz als auch Neuanfang. Abschlusz, auch weil dieses Album eine Trilogie vervollständigen wird. Neuanfang, auch weil mit dem nun gefundenen neuen Drummer ONLi KOXS frische Einflüsze und Impulse SOKO LiNX bereichern werden. Mit Features von THE DEAD END KIDS & WIZO! Nach den schon reichlich gefeierten Singelz "Jetzt bitte keine Neiddebatte!", "Kleiner Demokrat, was nun?" und "Gewaltenteilung" kommt vorab noch "Zeitmanagement" mit WIZO als Gast dabei. Und kurz danach kann mensch alle 15 neuen SOKO LINX-Trackz komplett haszen! Oder lieben! Schwarzes Vinyl im Gatefold-Sleeve mit 8seitigem 12"-Booklet und bedruckter Innenhülle oder farbiges Vinyl (Marbled Lilac-Violet-White) genauso plus als Deluxe Edition mit Patch, SOKO LINX-Poster & welterstes Analog-Meme inklusive persönlichen Grusz!

Jetzt mit Fettfleck Records (Loikaemie) unterwegz! SOKO LINX melden sich zurück! Mit einem Knall? Mit einem Konzept für Weltfrieden? Nicht ganz, aber immerhin mit Album #3! Dieses entstand in einer Zeit der masziven Veränderung und des Umbruchs. 2024 verstarb völlig unerwartet ein enger Freund und wichtiger Wegbegleiter der Band. Drummer und Gründungsmitglied NiXS KOOL verliesz nach einer Zeit der Ungewiszheit die Band. Die Aufnahmen fanden nicht wie zuvor innerhalb von zwei Wochen in Leipzig statt, sondern in unterschiedlichen Sessions in zwei Berliner Studios auf zwei Jahre verteilt. ACEY AVALON unterstützte bei den Gitarren- und Schlagzeugaufnahmen. Er spielte aus Ermangelung eines Schlagzeugers auch die Drums ein. Aus diesen Gründen bedeutet PUNK FÜR LEUTE, DIE PUNK HASZEN sowohl Abschlusz als auch Neuanfang. Abschlusz, auch weil dieses Album eine Trilogie vervollständigen wird. Neuanfang, auch weil mit dem nun gefundenen neuen Drummer ONLi KOXS frische Einflüsze und Impulse SOKO LiNX bereichern werden. Mit Features von THE DEAD END KIDS & WIZO! Nach den schon reichlich gefeierten Singelz "Jetzt bitte keine Neiddebatte!", "Kleiner Demokrat, was nun?" und "Gewaltenteilung" kommt vorab noch "Zeitmanagement" mit WIZO als Gast dabei. Und kurz danach kann mensch alle 15 neuen SOKO LINX-Trackz komplett haszen! Oder lieben! Schwarzes Vinyl im Gatefold-Sleeve mit 8seitigem 12"-Booklet und bedruckter Innenhülle oder farbiges Vinyl (Marbled Lilac-Violet-White) genauso plus als Deluxe Edition mit Patch, SOKO LINX-Poster & welterstes Analog-Meme inklusive persönlichen Grusz!

Rope is a collaborative improvisation between musician and producer Al Wootton and musician and percussionist Irene Bianco. Wootton’s hardware processing of various sampling methods, plus guitar, bass guitar and clarinet, provides a counterpoint for Bianco’s experimental treatments of drum kit, bells, vibraphone and other percussion instruments. The result is foggy, dubbed out, glacial, free form compositions that defy categorisation.

This limited vinyl edition of Brain Invaders offers another chance to experience the album in
its most iconic format. Faithful to the original release, it features high-quality pressing andpackaging, making it a must-have for collectors and fans alike. Part of Be the Change, a project conceived and developed by Rude Cares to raise awareness about climate change and environmental sustainability within the music
community, this exclusive eco-friendly variant is more than just a vinyl release. Created in collaboration with artists who share this vision, each edition supports a more sustainable future: a donation is made to Green Future Project for every release, and 100 new trees are planted to fully offset the project's residual environmental footprint. A timeless album with the same energy and impact that made it a fan favorite, Brain
Invaders remains an essential addition to any punk rock vinyl collection—now with a positive
impact beyond the music.

This exclusive vinyl edition of Call Your Friends brings the album back to fans and collectors in a carefully crafted format. Faithful to the original release, this pressing celebrates the record’s distinctive sound and energy while offering a premium physical edition made for vinyl enthusiasts. Part of Be the Change, a project conceived and developed by Rude Cares to raise awareness about climate change and environmental sustainability within the music community, this limited eco-friendly variant connects the power of music with a commitment to a more sustainable future. Created alongside artists who share this vision, each release supports environmental action through a donation to Green Future Project, while 100 new trees are planted to fully offset the residual environmental footprint of the project. A vibrant and memorable album that captures the band’s personality and evolution, Call Your Friends remains a must-have for fans—now available in a special edition that extends its impact beyond the music.

Mit "TANZNEID" kehren Electric Callboy zurück. Auf ihrem bislang ambitioniertesten Album verschmelzen sie Metalcore, EDM und Pop zu einem unverkennbaren, ganz eigenen Sound. Nach einem Nummer-1-Album, mehreren Gold-Auszeichnungen und Hunderten Millionen von Streams und Videoaufrufen entwickelt sich die Band konsequent weiter, bleibt dabei aber der Energie und der Haltung treu, die sie so erfolgreich gemacht haben. Mit massiven Hooks, kraftvollen Tracks, clubtauglichen Momenten, herausragenden Kollaborationen und ihrem typischen Sinn für Humor wirkt "TANZNEID" größer, lauter und dynamischer denn je.

Geprägt von jahrelangen Tourneen rund um die Welt und ihrer engen Verbindung zu den Fans, fängt das Album die Band in voller Kraft ein - sowohl auf Platte als auch auf der Bühne. "TANZNEID" ist mehr als nur ein neues Kapitel: Es ist eine Hommage an alles, wofür die Band steht - ein Album, das zum Tanzen, Genießen und Feiern gemacht ist!

Mit "TANZNEID" kehren Electric Callboy zurück. Auf ihrem bislang ambitioniertesten Album verschmelzen sie Metalcore, EDM und Pop zu einem unverkennbaren, ganz eigenen Sound. Nach einem Nummer-1-Album, mehreren Gold-Auszeichnungen und Hunderten Millionen von Streams und Videoaufrufen entwickelt sich die Band konsequent weiter, bleibt dabei aber der Energie und der Haltung treu, die sie so erfolgreich gemacht haben. Mit massiven Hooks, kraftvollen Tracks, clubtauglichen Momenten, herausragenden Kollaborationen und ihrem typischen Sinn für Humor wirkt "TANZNEID" größer, lauter und dynamischer denn je.

Geprägt von jahrelangen Tourneen rund um die Welt und ihrer engen Verbindung zu den Fans, fängt das Album die Band in voller Kraft ein - sowohl auf Platte als auch auf der Bühne. "TANZNEID" ist mehr als nur ein neues Kapitel: Es ist eine Hommage an alles, wofür die Band steht - ein Album, das zum Tanzen, Genießen und Feiern gemacht ist!

Reissue. This is MEPHISTOFELES at their druggiest best - you can practically hear the sizzle of something brown cooking on its grooves - and thankfully, they've kept their doom locked in the garage. Mephistofeles continue to maximize the ROCK aspect of their sound over the doom here, with their swagger truly something to behold as those solos just soar downward into the abyss and the rhythm section push and pull right behind. If anything, Violent Theatre is a sterling example of true ensemble playing. Mephistofeles are nothing if not dependable, but just check out the 14-minute epic "Communion of the Vile" for the band really going for it. No other words needed: MEPHISTOFELES are cult for a reason, and Violent Theatre simply proves it further.

Reissue. Violet vinyl, limited to 350 copies. This is MEPHISTOFELES at their druggiest best - you can practically hear the sizzle of something brown cooking on its grooves - and thankfully, they've kept their doom locked in the garage. Mephistofeles continue to maximize the ROCK aspect of their sound over the doom here, with their swagger truly something to behold as those solos just soar downward into the abyss and the rhythm section push and pull right behind. If anything, Violent Theatre is a sterling example of true ensemble playing. Mephistofeles are nothing if not dependable, but just check out the 14-minute epic "Communion of the Vile" for the band really going for it. No other words needed: MEPHISTOFELES are cult for a reason, and Violent Theatre simply proves it further.