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Seit ihrem Debüt 2020 hat sich die Band mit Mitgliedern aus Deutschland und der Schweiz eine stetig steigende Fanzahl erspielt und ihren Stil mit
jeder Veröffentlichung weiterentwickelt und verfeinert. Während AD INFINITUM zu Beginn ihrer Karriere mehr dem Symphonic Metal zugeschrieben
werden konnten, verfolgt Abyss konsequent den Weg weiter, der sich bereits auf Chapter III – Downfall (2023) angedeutet hat, und offenbart neue,
aufregende Facetten. Ganz ohne Frage ist Abyss das bisher modernste und progressivste Album der noch jungen Bandgeschichte. Die neue Platte
steckt voller schneller Riffs, rhythmischer Refrains und pointierter Breakdowns, die perfekt auf die unverkennbare und vielseitige Stimme von
Sängerin Melissa Bonny abgestimmt sind.
AD INFINITUM sind Melissa Bonny (Vocals), Adrian Thessenvitz (Guitars), Korbinian Benedict (Bass) und Niklas Müller (Drums).

It has now been four years since our return to earth in "2020 back to earth". There we had found a cold and inhospitable place, humanity was inexorably channeled on the path to extinction. We therefore decided to flee immediately in search of another planet where we could dwell.
We therefore came to New Babylon, a planet inhabited by humanoids but also by monstrous and ravenous creatures. There are "giants" that march about raising immense clouds of dust, stealing and plundering everything from people. Giants much like our corporations, they know no defeat and have no weaknesses, at least apparent ones.
There are old warriors like jarek who wait for war to feel like heroes, to feel alive. They find their dimension within the battle, where the line between hero and assassin magically blurs.
There are pyramids erected by men who think they are gods and turn the things life gives them into weapons and death, changing their use and meaning. Little men who think themselves omnipotent, burying knowledge of how life works under piles of lies.
We find a myriad of slaves, surrendered to live in huge troughs. They toil at nothing and find meaning in nothing. They prefer a convenient lie to an inconvenient truth.
In short, we realize that we have arrived in a world very much like earth. We are aliens but in a certain way we feel at home. We want to know, to understand, to evolve. We don't recognize ourselves in this deceived humanity, we don't give in, we believe. Nature, life is wonderful but when one thing loses its usefulness life gently explains to it that it is time to make room for something else. This existence has already explained to the dinosaurs.
Kayleth continue their journey, never stopping because who seeks will find itself.

"New Babylon ranks next to Space Muffin as Kayleth’s best album for me and one that contains some of their best grooves of their career to date." - Outlaws Of The Sun
"Sit down and really take in We Are Aliens as it’s a joy to listen to, but are the aliens we think exist, just like us? Let Kayleth take you on their journey of discovery." - The Sleeping Shaman
"On this album the Italian five manage to translate heroism into wild and wonderful sounds, often sounding even more like a grungier, metal version of Monster Magnet, mixed with mix a definitive love for Kyuss, Orange Goblin and a prog rock outfit like Riverside." - Stoner Hive
"It’s a call to arms for the dreamers and the rebels, a reminder that no matter how dark the journey, there is always light to be found. This album is a must-listen for anyone into psych stoner rock!" - Witching Buzz
"New Babylon is a triumph. It’s an album that demands to be listened to in full, each track a journey through heavy riffs and cosmic themes." - Iron Backstage
"Listening to a piece like 'New Babylon's Wall,' you can appreciate the richness and sonic fertility of the group, with beautiful melodies enriched by the right amount of electronics, starting from a psych conception of the stoner sound, and there is no lack of prog elements, all with beautiful melodies. As mentioned earlier, a sci-fi band in both approach and essence." - InYourEyesEzine
"KAYLETH doesn't reinvent anything, but they absolutely crush it by the rules!" - Rock'N Force
"Stoner rock has rarely sounded as original, diverse and intoxicating as it does here!

Zum 20-jährigen Jubiläum erscheint das Debüt-Album einer der erfolgreichsten Indie-Pop- Bands der 00er Jahre erstmals auch auf Vinyl. 2004 waren Schubladen noch wichtig. Popmusik war noch nicht dieses eklektizistische, sich aus universell verfügbaren, entkontextualisierten Quellen speisende Internet-Monster. Wer also beispielsweise deutschsprachigen Gitarrenpop spielte, musste sich positionieren: Bewegte man sich eher in der diskursverliebten, kopflastigen Tradition der Hamburger Schule und hoffte auf "Indie-Credibilität"? Oder wollte man Teil der immer größer werdenden Deutschpop-Industrie werden, vornehmlich repräsentiert von "female fronted" Bands wie Mia, Juli oder Silbermond (nicht zu vergessen die stets gut gelaunten Jungs von von Sportfreunde Stiller), die - mal mit eher studentisch-intellektueller Grundierung, mal mit eindeutig schlagerhafter Geste - das Gefühlige in den Focus rückten. Es gab aber auch Acts, die sich nicht entscheiden wollten. Auf der Insel hatten es die Bands der Britpop-Welle schließlich vorgemacht. Hier ging es mit cooler Haltung, jeder Menge Subversion, aber eben auch goldenen Melodien und echten "Hits" in höchste Popstar-Gefilde. Wieso nicht auch in Deutschland Anspruch, Originalität und Gefälligkeit miteinander in Einklang bringen? Hier kommen nun also Anajo ins Spiel, eine 1999 gegründete Band aus dem provinziellen Augsburg, die 2004 mit ihrem Debüt-Album "Nah bei mir" genau diesen Sprung zwischen die Stühle wagte - und dafür mit sehr viel Liebe bedacht wurde, auch wenn die Indiepolizei nicht immer einverstanden war. "Nah bei mir" ist eine durch und durch leichte Platte, die mit catchy Sounds und Melodien bisweilen gewichtige Themen verhandelt: Überwindung tiefer Trauer ("Der Vorhang geht auf"), Entfremdung ("Einmal noch schlafen"), bittere Enttäuschung ("Die Tränen sind immer noch meine") - immer aber präsentiert mit einem süffisanten Lächeln auf den Lippen. Als wahre Meister beweisen sich Anajo auf dem Album in der schwierigen Disziplin der unblöden Partysongs: Auch nach 20 Jahren überkommt einen beim Hören so skurril-absurder Feger wie "Monika Tanzband", "Honigmelone" oder "Ich hol dich hier raus" noch diese unbändige, mitreißende Freude.

2024 Reissue

After 16 years this album will be released the first time on vinyl at Gusstaff Records in limited edition of 500 copies.

It was the 9th album of Hugo Race & The True Spirit, one of the most important in his very long history of solo activity.

Hugo Race, formerly of The Wreckery and Nick Cave and the Bad Seeds and now an internationally based producer, composer, performer and author, delivers intense sonic soundscapes that merge folk, experimentalism, electronica and rock. Originally from the 1980's Melbourne post-punk music scene, Hugo's ever-expanding network of collaborations, bands and multimedia projects are spread over several continents.

Mit neuem Album „In These Dying Times“ meldet sich Suzan Köcher eindrucksvoll aus der Pause zurück.
Psychedelischer Pop trifft auf eingängige Melodien und Texte, die sich auch mit ernsteren Themen befassen (Schmerzhaftes Erwachsenwerden bei „Seventeen“ und Weltschmerz allgemein bei „Living In A Bad Place“).
Alles in allem hat sich das Warten gelohnt oder wie Klaus Fiehe bereits in seiner Sendung auf WDR 1Live schwärmte „Das Beste, was sie je geschrieben hat“.
Im Herbst außerdem auf Tour!

Hawksmoor’s new album ‘Oneironautic’ on Soul Jazz Records follows on from last year’s critically acclaimed ‘Telepathic Heights’, as well as a re-release of his album ‘Saturnalia’ on the Library of the Occult label earlier this year.
James McKeown, AKA Hawksmoor, continues his fascination with the sounds and sensibilities of 70s/80s German electronic groups – think early CLUSTER, HARMONIA, CAN, NEU!, HANS-JOACHIM ROEDELIUS and MICHAEL ROTHER.
On this new album ‘Oneironautic’, he successfully combines these pulsating ripples of Germanic electronica with a number of decidedly English references: the soaring, hypnotic and pastoral qualities of BRIAN ENO, circa ‘Another Green World’; the long, sustained lines of ROBERT FRIPP’S FRIPPERTONICS; and the poetic feel of early DURUTTI COLUMN.
McKeown combines all of these elements while also remaining with one foot firmly in the British melodic hauntological modular synth aesthetic of hauntology – Ghost Box, Mount Vernon Arts Lab, Focus Group et al.
Once again using strictly modular synths, electronic drum rhythms, and guitars, Hawksmoor has created an electronic landscaped music world that is both new and old, immediately identifiable and yet utterly unique.

Nach einer ersten Headlining-Tour der Band durch Mexiko im Oktober 2023 und einer weiteren Tour als Support der Warkings, wird im Jahr 2024 mit
den neuen Bandmitgliedern Matt an der Gitarre und Chris an den Drums nun das nächste Kapitel der DRAGONY Bandgeschichte gemeinsam mit dem
renommierten Metal-Label SPV Steamhammer geschrieben: Das fünfte Studioalbum „Hic Svnt Dracones“ steht in den Startlöchern, und einmal mehr
haben Dragony aus dem Vollen geschöpft und bringen ein von Genre-Gigant Jacob Hansen (u.a. AMARANTHE, EPICA uvm.) gemischtes und
gemastertes Album mit elf starken, eingängigen melodischen Metal-Songs an den Start, das sowohl Fans des modernen Power Metal als auch
Freunde traditioneller Genrekost gleichermaßen begeistern wird. Erneut laden Dragony auf eine epische Reise in vergessene Zeiten und Länder ein,
wenn die Konzeptstory hinter „Hic Svnt Dracones“ eine neue, phantasievolle Interpretation der Ereignisse rund um die „Lost Colony“ von Roanoke
und das Schicksal der dort verschwundenen britischen Kolonialisten, verpackt in ein druckvolles Power-Metal-Gewand, erzählt.

Erste offizielle Veröffentlichung auf Vinyl! Kim Wildes sechstes und letztes Studioalbum für MCA Records erscheint endlich auf Vinyl in Form dieses liebevollen 2LP-Sets auf weißem 140Gr. Vinyl. 'Now & Forever' wurde 1995 ursprünglich nur auf CD und Kassette veröffentlicht. Kim und ihr Bruder und Producer Ricki entfernten sich dabei vom Pop-orientierten Sound früherer Alben und gingen einem zeitgenössischeren elektronischen Soul-Vibe entgegen. Eine Zusammenarbeit mit dem in London ansässigen DJ-Produzenten und Remixer C.J. Mackintosh (M/A/R/R/S, Nasty RoxInc.) bei vier der Tracks half dabei, ein Album zu schaffen, das Einflüsse aus Gospel House, Dance und Loop-Beats enthielt. Zu den weiteren Autoren und Mitwirkenden gehörten Pam Sheyne, die später 'Genie In A Bottle' für Christina Aguilera mitschrieb, und Tony Swain, der als eine Hälfte von Swain & Jolley R&B-beeinflusste Klassiker für Imagination produzierte. Über diesem fesselnden neuen Klangbett lieferten die Wildes eine Reihe sofort eingängiger Melodien, nicht zuletzt auf den beiden Singles 'Breakin' Away', und 'This I Swear'.

Was haben Purcell und Mozart gemeinsam - die Ostinati, Melodien und Tänze des englischen Barockkomponisten einerseits und die Klavierwerke der Wiener Klassik andererseits? Eine ganze Menge, wenn sie von
Grigory Sokolov gespielt werden. Seine jährlichen Frühjahrstourneen sind zu Pilgerreisen für seine Fans
geworden. Die gesamte Saison 2022/23 widmete er Purcell und Mozart (ergänzt durch fünf Zugaben), und
dieses Live-Album offenbart ihre überraschenden Ähnlichkeiten in Charme und Melancholie. Die Presse war
begeistert: „Sokolov behandelt jede Note wie ein kostbares Juwel, entführt seine Zuhörer in eine andere
Zeit und bleibt dabei zeitlos“ (Der Standard). „Unendlich fesselnd“ (Süddeutsche Zeitung); „Sein Anschlag: exquisit, konzentriert, funkelnd, leuchtend“ (rbb online); „Dieser kolossale Künstler verblüfft immer
wieder.“ (Scherzo).

Never say never! Because it's time for TURMOIL - a surprising landmark album comeback for RICO PUESTEL defining a musical and personal turning point with a completely new and re-invented artistry. About time!

4U opens the Pandora's Box of TURMOIL with inimitable meditative beauty, descending into the metaphorical and tonal SLICES OF LIFE that unleashes a complex chain of energy while WHERETO even overcomes this high voltage setup with a deadly infective loop and the only reminiscences of something to call Techno on this album in its fading conclusion.
Before HEART OF GOLD defines the probably most immersive peak on TURMOIL with its vast soundscape and mantra-like piano shuffle, QUESTIONS floats in Dubstep'ish ways to actually raise two questions to the listener while this train keeps on going.
FIVE SIGNS speeds up the pace on the album's second half, culminating in the mesmerizingly driven groove and words of HIGH HOPE and the powerful Upbeat drenched into ambient soundscapes on NEWTON.
Nearing the end of TURMOIL, DUMB delivers the longest vocal verses on this album and proceeds with the most pervasive and powerful layers of beats, violins and synth stabs.
Closing and re-starting all of it, EVERENDING grooves into infinity with its yoga-like theme and spreads some true love.

Without a doubt, TURMOIL happens to be the most accomplished work by RICO PUESTEL melting so many of his artistic worlds into one unique piece of art!

Fighter V kehren mit ihrem neuen Album "Heart of The Young" zurück und liefern erstklassigen Melodic Rock, der Herzen höher schlagen lässt. Mit kraftvollen Riffs, eingängigen Melodien und markantem Gesang nehmen die fünf Vollblutmusiker ihre Fans auf eine unvergessliche musikalische Reise mit. Die Songs strotzen vor Energie, Emotionen und Leidenschaft, und spiegeln dabei die Entwicklung der Band wieder. "Heart of The Young" ist ein Muss für alle Fans von Bon Jovi, Nestor, Gotthard und Whitesnake.

Hugo Race (Dirtmusic, Fatalists, ex-Bad Seeds) and Michelangelo Russo (True Spirit), fuse rock, blues, ambient and electronic sounds on their raw, compelling new album "100 Years".
In 2017, the duo released John Lee Hooker's World Today (Glitterhouse/Gusstaff Records), a tribute to the blues legend's delta blues legacy reinvented in a swirling mix of analog grit and deep trance pulses.

100 Years showcases the duo's sonic chemistry against Race's stark songwriting. Inspired by the raw majesty of early blues recordings, the album was recorded in two days in a non-stop live Hugo Race & Michelangelo Russo - 100 Years session. Amplified harmonica, open-tuned guitars, smoky vocals and primal foot beat walk us through a landscape of dreamlike devastation, a hypnotic wall of sound suspended in time and space celebrating endurance and redemption, hand-made from ancient roots. "Tradition does not mean passing the ashes, but the fire."

100 Years. Recorded November 1 & 2, 2023.
Engineered by Andrew 'Idge' Hehir at Soundpark Studios, Melbourne.
Mastered by Giovanni Versari at La Maesta, Milano.
Published by Peermusic.

PRESS about former album:
Rock'n'Roll Monuments, Greece:
"Race and Russo's pioneering electronic atmospheres give the historical Blues something you never imagined possible."

Rolling Stone, Germany: 'Dark Eros and transcendental blues…'
Musikreviews.de, Germany: "A psychedelic ghost blues of a profound sort, a mature, sensitive interpretation of the music and lyrics of John Lee Hooker. (Race and Russo) have blown us away in slow motion, economically instrumented and with painfully beautiful intensity. "

Q, London: "A darkly singular experience then, and one of the best records (Race) has ever made..."

The Music, Australia: "A collection of bluesy, brooding songs from a talented singer-songwriter with three decades of musicianship under his belt."

Eclipsed, Germany: "Hypnotic rhythms and haunting guitars, this album tingles under your skin..."
Focus Kultur, Germany: "No one else makes music like this, and that in itself is an achievement..."

Rock and Folk, Paris: 'This traveler without borders advances through a menacing atmosphere of no-wave electro-acoustics. Here is the spirit, and he does not forget
the body and the soul ... '
Tom Tom Rock, Italy: "An almost epic attack, worthy of the soundtrack of an apocalyptic post-nuclear catastrophe film… a talking blues of the third millennium, filtered by years of psychedelia and industrial music - and the Berlin years of Hugo Race can certainly be felt - hypnotic and dark, but precisely for this reason enveloping and fascinating. A record in which the music of the legendary bluesman is completely transfigured, without, however, the fidelity to his "spirit" and his "message" being questioned in the slightest. In short, JLH is alive and fighting with us, if we find the strength to follow him."

Hugo Race (Dirtmusic, Fatalists, ex-Bad Seeds) and Michelangelo Russo (True Spirit), fuse rock, blues, ambient and electronic sounds on their raw, compelling new album "100 Years".
In 2017, the duo released John Lee Hooker's World Today (Glitterhouse/Gusstaff Records), a tribute to the blues legend's delta blues legacy reinvented in a swirling mix of analog grit and deep trance pulses.

100 Years showcases the duo's sonic chemistry against Race's stark songwriting. Inspired by the raw majesty of early blues recordings, the album was recorded in two days in a non-stop live Hugo Race & Michelangelo Russo - 100 Years session. Amplified harmonica, open-tuned guitars, smoky vocals and primal foot beat walk us through a landscape of dreamlike devastation, a hypnotic wall of sound suspended in time and space celebrating endurance and redemption, hand-made from ancient roots. "Tradition does not mean passing the ashes, but the fire."

100 Years. Recorded November 1 & 2, 2023.
Engineered by Andrew 'Idge' Hehir at Soundpark Studios, Melbourne.
Mastered by Giovanni Versari at La Maesta, Milano.
Published by Peermusic.

PRESS about former album:
Rock'n'Roll Monuments, Greece:
"Race and Russo's pioneering electronic atmospheres give the historical Blues something you never imagined possible."

Rolling Stone, Germany: 'Dark Eros and transcendental blues…'
Musikreviews.de, Germany: "A psychedelic ghost blues of a profound sort, a mature, sensitive interpretation of the music and lyrics of John Lee Hooker. (Race and Russo) have blown us away in slow motion, economically instrumented and with painfully beautiful intensity. "

Q, London: "A darkly singular experience then, and one of the best records (Race) has ever made..."

The Music, Australia: "A collection of bluesy, brooding songs from a talented singer-songwriter with three decades of musicianship under his belt."

Eclipsed, Germany: "Hypnotic rhythms and haunting guitars, this album tingles under your skin..."
Focus Kultur, Germany: "No one else makes music like this, and that in itself is an achievement..."

Rock and Folk, Paris: 'This traveler without borders advances through a menacing atmosphere of no-wave electro-acoustics. Here is the spirit, and he does not forget
the body and the soul ... '
Tom Tom Rock, Italy: "An almost epic attack, worthy of the soundtrack of an apocalyptic post-nuclear catastrophe film… a talking blues of the third millennium, filtered by years of psychedelia and industrial music - and the Berlin years of Hugo Race can certainly be felt - hypnotic and dark, but precisely for this reason enveloping and fascinating. A record in which the music of the legendary bluesman is completely transfigured, without, however, the fidelity to his "spirit" and his "message" being questioned in the slightest. In short, JLH is alive and fighting with us, if we find the strength to follow him."

"Immense Intense Suspense" war und ist immer noch ein Meilenstein des Death Metal, heute noch genauso relevant wie 1994!Was erhält man, wenn
man Demilich, das erste Album/EP von At The Gates und Nocturnus in einen Mixer gibt, um sie in ein gewaltiges, abscheuliches Monster zu
verwandeln, das die Majorsciences zum Weinen bringt und sie sich fragen lässt, warum man etwas erschaffen hat, das sie so herausfordert? Nun...
dies. In der Tat scheint dies das Einzige zu sein, was einer auditiven Form von Cthulhu nahe kommt... Das Full-Length-Debüt dieser
Doom/Avantgarde-Metal-Band bietet sowohl Originalität als auch Integrität und wird als klassisches Album angesehen.Phlebotomized begannen als
Grindcore-ähnliche DeathMetal-Band und veröffentlichten ihre frühen Demos, die so klangen. Irgendwann beschloss die Band, ihren Stil zu ändern,
denn "Immense, Intense, Suspense" legt Wert auf Melodien und symphonische Passagen. Das tat der bösen, bedrückenden Stimmung, die sich durch
die Musik zieht, keinen Abbruch. Das Album nimmt auf, was Demilich auf "Nespithe" geschrieben hat und baut darauf auf.

Having become one of the most instantly recognisable voices in UK Hip-Hop over the past few years, with a slew of heralded releases on Blah Records, London-based rapper CLBRKS (AKA Conrad Brooks) prepares to release his new LP "CLBELLIC" via Bradley Zero"s heralded imprint Rhythm Section.

Austrian electronic music producer Peter Kalcic, better known as B.Visible, is set to release his third studio album titled "Life is my Hobby" on October 10th through his own imprint, Data Snacks.
This new album sees B.Visible continuing to blend genres, drawing inspiration from the trip-hop sounds of the 90s, the R&B of the 80s, and mellow house music. True to his signature style, he maintains a balanced mix of acoustic drum sounds, electric pianos, and shimmering synths.
Unlike his previous works, the creation process for "Life is my Hobby" extended beyond the traditional studio setting. Much of the album was crafted in his newly moved apartment and various cafes in Vienna's 5th district. His collaboration partners were close to home, literally-Anda Reverie and Silvia Ponce Marti, his upstairs and downstairs neighbors, respectively, feature as vocalists on the album.
Silvia Ponce Marti's contribution for instance is featured on the track "Ella," which addresses the sensitive issue of the hyper-sexualization of the female body in today's society. She also created a stunning mixed media video for the song, which can be viewed here.
Anda Reverie appears on the track "Bad Karma," portraying an alien questioning the moral implications of humanity's destruction. The music video for this song brings the scenario to life with dreamy environments and unsettling projections.
B.Visible describes the album's creation as guided by causality, resulting in a less experimental and more accessible sound-his closest encounter with pop music to date. Asked about the title he keeps quite. The listener is encouraged to form their own opinion from the impressions.


BIO (EN)
Viennese producer B.Visible is always pushing his craft forward, with each concept being an evolution. His music is mutating organically as each project brings novelty, but always while blending sharp electronic components with dusty acoustic layers. That duality exists in every aspect of his creative journey, with DJ sets revolving around second-hand records and modern-day productions, but also his live project offering a whole new dimension and generosity to the audience. B.Visible melts the barrier between analog and digital in a such distinctive and elegant way that it feels natural.

In seiner über 50-jährigen Karriere hat sich der in Belgien lebende und in den USA geborene Folk-Singer-Songwriter Tucker Zimmerman einen gewissen Grad an Unbekanntheit bewahrt und sich einen Ruf als eines der am meisten unterschätzten Talente der amerikanischen Folkmusik erworben. Im Laufe der Jahre wurde Zimmerman von Musikerinnen wie Adrianne Lenker von Big Thief ("Tucker Zimmerman ist einer der größten Songwriter aller Zeiten") und Angel Olsen sowie von einigen der ganz Großen wiederentdeckt und hochgelobt - Tony Visconte sowie David Bowie (der Zimmerman als "überqualifiziert für Folk" bezeichnete) waren schon früh in Zimmerman unvollendeter Karriere Fans. Nun meldet sich Tucker Zimmerman mit "Dance Of Love" zurück, seinem 11. Studioalbum und gleichzeitig seinem 4AD-Debüt, bei dem Big Thief (und sowie Mat Davidson und Zach Burba) ihn als seine Begleitband und Kollaborateure unterstützen. Das Ergebnis dieser generationsübergreifenden Symbiose ist ein berührendes Manifest eines großen Songwriters, der eine Karriere im Schatten hatte. Nun tritt er mit 83 Jahren ins Licht und besingt große Freundschaften, harte, aber wertvollen Lektionen, weltlichen Erfahrungen und über die Liebe, mit er stets eng umschlugen durch ein langes und erfülltes Leben tänzelte.

In seiner über 50-jährigen Karriere hat sich der in Belgien lebende und in den USA geborene Folk-Singer-Songwriter Tucker Zimmerman einen gewissen Grad an Unbekanntheit bewahrt und sich einen Ruf als eines der am meisten unterschätzten Talente der amerikanischen Folkmusik erworben. Im Laufe der Jahre wurde Zimmerman von Musikerinnen wie Adrianne Lenker von Big Thief ("Tucker Zimmerman ist einer der größten Songwriter aller Zeiten") und Angel Olsen sowie von einigen der ganz Großen wiederentdeckt und hochgelobt - Tony Visconte sowie David Bowie (der Zimmerman als "überqualifiziert für Folk" bezeichnete) waren schon früh in Zimmerman unvollendeter Karriere Fans. Nun meldet sich Tucker Zimmerman mit "Dance Of Love" zurück, seinem 11. Studioalbum und gleichzeitig seinem 4AD-Debüt, bei dem Big Thief (und sowie Mat Davidson und Zach Burba) ihn als seine Begleitband und Kollaborateure unterstützen. Das Ergebnis dieser generationsübergreifenden Symbiose ist ein berührendes Manifest eines großen Songwriters, der eine Karriere im Schatten hatte. Nun tritt er mit 83 Jahren ins Licht und besingt große Freundschaften, harte, aber wertvollen Lektionen, weltlichen Erfahrungen und über die Liebe, mit er stets eng umschlugen durch ein langes und erfülltes Leben tänzelte.

DE MANNEN BROEDERS ist die erste Zusammenarbeit feat. Colin van Eeckhout und der flämischen Folk-Ikone Tonnie 'Broeder' Dieleman aus Zeeuws.
Ersterer ist der Frontmann der belgischen Post-Metaller AMENRA, einer Band, die für ihre überwältigende Härte in Sound und Gefühl bekannt ist.
Letzterer ist ein holländischer Folksänger, dessen Musik von der Kultur seiner seeländischen Heimat inspiriert ist und der bereits mit Baby Dee und
Bonnie Prince Billy zusammengearbeitet hat. Als die beiden sich trafen, spürten sie sofort eine Verbindung.
Das Ergebnis ist das 9-Track-Album Sober Maal (was übersetzt 'nüchternes Mahl' heißt und sich auf die Praxis bezieht, eine einfache Mahlzeit zu
essen, um Dankbarkeit zu üben), das unter dem Namen DE MANNEN BROEDERS veröffentlicht wird. Es wurde in weniger als fünf Tagen in der
Doopsgezinde Kerk aus dem 18. Jahrhundert in Middelburg in den Niederlanden geschrieben und aufgenommen.
Klanglich ist Sober Maal eine eindringliche, emotionsgeladene Reise, die sich in einer vergangenen Welt verwurzelt fühlt, aber dennoch völlig
eigenständig klingt und eine melancholische, aber dennoch hoffnungsvolle Note hat. Der Gesang von Colin und Tonnie verschmilzt mit dem Chor und
einer sparsamen Auswahl an Instrumenten, darunter ein Banjo, ein Klavier, eine Drehleier und die mächtige Zentralorgel - alles vermischt mit den
Klängen und dem Echo der Kirche.

Als vierköpfige Live-Band schmiedet Kosmodome riffige und doch intelligente Rockmusik. Ihr zweites Album ist ein weiterer Schritt in ihr eigenes progressives Universum. 'Ad Undas' ist der Nachfolger vom selbstbetiteltem Debütalbum aus dem Jahr 2021, das von Kritikern und Fans in ganz Europa positiv aufgenommen wurde. Auf der Suche nach einem dynamischeren und melodischeren Sound liefern die Songwriter Sturle und Severin Sandvik dennoch ein Album mit harten Riffs, Aggressivität und vielen Überraschungen. Die Brüder führen die Dynamik ihres Sounds auf eine Erziehung in einem Haushalt zurück, in dem alle Musik - von Weltmusik bis Metal - alltäglich und geschätzt war. Textlich befasst sich Ad Undas mit persönlichen Kämpfen mit Selbstzweifeln, dem Druck gesellschaftlicher Erwartungen und den existenziellen Kämpfen des modernen Lebens. Die Songs berühren verschiedene Aspekte der menschlichen Verfassung, von der Angst vor dem Scheitern und dem Bedürfnis nach Wachstum bis hin zu den Turbulenzen des modernen Lebens und der unerbittlichen Selbstanstrengung in einer chaotischen Welt. Kosmodome haben Konzerte auf verschiedenen Bühnen im In- und Ausland gespielt und sind nach einer Studiopause im Jahr 2023 bereit für weitere Live-Auftritte. Fans des umfangreichen Katalogs progressiver Heavy-Musik von Stickman Records - mit Künstlern wie Motorpsycho, Elder und Weedpecker - sollten auf jeden Fall die Augen nach dieser Band offenhalten! Ad Undas ist auf Crystal Clear 180Gr. Vinyl, CD und Digital erhältlich.

Erstmals auf Vinyl: Das On-U Sound-Album des legendären Trompeters Harry Beckett, einer Schlüsselfigur der britischen und europäischen Jazzszene, das 2008 nur als CD erschien. Kein geringerer als Charles Mingus nahm Beckett in seine Band auf, es kam zu Kollaborationen mit Zeitgenossen wie Dudu Pukwana, Graham Collier, Mike Westbrook und Ian Carr, Beckett inspirierte eine ganze Generation jüngerer Musiker (Courtney Pine) und Trendsetter (Gilles Peterson). Teilnehmende Musiker waren Junior Delgado (mit starker Vocalperformance), Carlton "Bubblers" Ogilvie (Veteran der UK-Reggae-Szene) und Alan Glen (Yardbirds!).

- "Becketts Genialität besteht darin, dass er sich selbst immer treu bleibt, egal mit wem er auftritt. Seine sprudelnden, sprudelnden, improvisierten Melodien heben immer die Stimmung. „The Modern Sound Of Harry Beckett“ ist ein großartiger Klanggenuss." - The Guardian

- "Sherwoods Produktionsstil schafft hier eine perfekte Balance zwischen klanglicher Kreativität und respektvoller Zurückhaltung, und Beckett selbst ist brillant und kreiert Bläserlinien, die sich durch die Rillen schlängeln und schlängeln, anstatt auf ihnen zu reiten. Etablierte On-U Sound-Fans werden dies als unterhaltsame Kuriosität empfinden; Harry Beckett-Fans werden es vielleicht aufschlussreich finden."

Corrosion of Conformity’s 1994 album, Deliverance, is a land- mark in the band’s evolution, blending heavy metal, stoner rock, and southern rock influences. Released on Columbia Re- cords, the album propelled the band to mainstream success, with standout tracks like “Clean My Wounds” and “Albatross” becoming iconic hits.

Deliverance showcases Corrosion of Conformity’s groove-driv- en sound, featuring heavy riffs, dynamic rhythms, and the powerful vocals of Pepper Keenan. It marks a shift from their earlier punk roots to a more melodic and structured style that appeals to both metal and rock fans alike. Praised for its gritty, Southern-influenced vibe, Deliverance remains one of COC’s most influential albums, solidifying their place in the metal scene.

Discover Corrosion of Conformity’s Deliverance for a raw, heavy-hitting experience that defined 90s metal. Deliverance is a limited edition of 1500 individually numbered copies on crystal clear vinyl.

Australian indie folk rock band The Paper Kites release Evergreen, a compilation featuring the band’s debut EP Woodland and follow-up EP Young North for the first time on vinyl. Notably the release includes standout single "Bloom" which has been certified platinum in the U.S.A, Canada, Australia, Italy & the Netherlands. It melds earthy instrumentals to create a perfect backdrop for the band’s trademark harmonies that have garnered them a dedicated audience and over 1 billion streams across their catalog.

SITW’s fourth studio album is a satirical celebration of mistakes. A joyous lambasting of everyone and everything that’s wrong in the world, against the real-time backdrop of global uncertainty, corruption and political unrest.

A London Charivari. Rough Music. A gleeful old-fashioned cancelling. A Chaunter’s delight. 14th Century recording demons collecting mistakes in a sack. Women mugging rich merchants. Nettles being pissed on. Shit food at Lent. A terrible plan. An undoing. The aftermath of a car crash. Catching people doing something they shouldn’t. Nursery rhymes reimagined as death threats. Behind the sarcastic acerbic delivery, Nicola Kearey and Ian Carter convey thoughtful, essential interpretations encouraging us all to check ourselves, through the multi-layered music of cities through time.

This is about as far away from pastoral folk music as you can get.

In their typical wry city-weary style, a beady eye is cast over those committing wrongs in plain sight, with Kearey narrating a series of tales of people fucking up, or being fucked up, with some brief respite in Lavender - one of London’s oldest street melodies - the album being named after the 14th Century story of Tittivilus, the recording demon, who collects scribes’ mistakes (pokes) and the idle chatter of the “liars with their hairy tongues” congregation.

Despite this seriousness, the album’s working-class dry gallows humour carries a stoic “if you don’t laugh you’ll cry” feeling amongst the corruption, scandals and barefaced lies we all observe on a daily basis, with a warning that “only you can fix your deficits” and “it’s your words and deeds that matter…and let me tell you, they speak volumes”.

The core of the record imagines a sound of traditional London music, where the musical continuum is unbroken by the population decimated by the world wars, or by gentrification and social cleansing that has forced communities apart, and yet absorbs all the influences of all the communities that call London their home.

Carter and Kearey attempted sessions at The George Tavern, Whitechapel, and in Spitalfields, at Denis Severs’ House, and a restored weaver’s townhouse, carrying the aesthetic of the record in their heads as they moved from location to location, before settling into an old factory building and their own workshop. The resulting sparse and economical sound is harsher, more present, more essentially them. It is a mighty haranguing that demands your attention.

Reissue on Limited "Deer Glisten" Blue Vinyl in Gatefold-Cover | Obi-Strip | 24x36 Insert incl. Download-Card!

Toe is composed of Kashikura Takashi on drums, Yamane Satoshi on bass, and Mino Takaaki and Yamazaki Hirokazu on guitar. Formed in 2000, they've spent the past decade building a huge online fan base around the world based on their mostly instrumental music, with the swift and acute drumming of Takashi and their melodic, clean guitar settings at the core. Toe is renowned back home in Japan for creating a thrilling, beautiful live sound incorporating acoustic guitars, Rhodes piano and vibraphones.

Multi-instrumentalist and synth wizard Paul White readies his third album for R&S Records, offering up a cinematic journey on ‘Peace In Chaos’ that captures the current mood with its shadowy electronic prowess. With an unabashed love of 80s synth music and film scores, the South London based producer presents an album of perhaps his most pop leaning tracks yet, following on from 2018’s ‘Rejuvenate’ and 2014’s ‘Shaker Notes’. Across eleven tracks, White delves into a world of esoteric electronic pop, as waves of melodic synths wash over towering drum patterns and majestic bass, with White adding his own enigmatic vocals to many of the productions.

There are cult bands and then there's Souled American. In 1988, the Illinois group arguably invented "alternative country" with the album Fe. While the alt-country sound is widely recognized as Southern roots rock with an indie-punk sensibility largely defined by Uncle Tupelo's No Depression released two years later — Souled American's early music feels as if it was formed in a vacuum, inspired by the timestretching space of reggae. But over the course of the following decade, Souled American's music grew increasingly slow, insular and esoteric. Although Fe, Flubber and Around the Horn are inarguably more accessible, upbeat and even sometimes fun, if you've never heard this music before, it actually makes sense to start at the end.

Their last two albums Frozen and Notes Campfire will now be re-issued in limited, 30th Anniversary Editions with a fresh abundance of stories, technical information, musician credits, and cartoons that detail the unexpected origins surrounding these two early classics of “ambient Americana.” These records sound at once both old and new with brilliant melodies and profound performances stacked in unusual patterns like soft-hued bricks.

There are cult bands and then there's Souled American. In 1988, the Illinois group arguably invented "alternative country" with the album Fe. While the alt-country sound is widely recognized as Southern roots rock with an indie-punk sensibility largely defined by Uncle Tupelo's No Depression released two years later — Souled American's early music feels as if it was formed in a vacuum, inspired by the timestretching space of reggae. But over the course of the following decade, Souled American's music grew increasingly slow, insular and esoteric. Although Fe, Flubber and Around the Horn are inarguably more accessible, upbeat and even sometimes fun, if you've never heard this music before, it actually makes sense to start at the end.

Their last two albums Frozen and Notes Campfire will now be re-issued in limited, 30th Anniversary Editions with a fresh abundance of stories, technical information, musician credits, and cartoons that detail the unexpected origins surrounding these two early classics of “ambient Americana.” These records sound at once both old and new with brilliant melodies and profound performances stacked in unusual patterns like soft-hued bricks.

Die Band, die ihre ursprünglichen Wurzeln im Thrash-Metal und Screamo immer noch stolz auf ihren Ärmeln trägt, hat ihren Sound stetig weiterentwickelt und euphorische Elemente aus Post-Rock und Shoegaze mit spektakulärem Effekt eingebaut. "Eunoia", ein Wort, das das gegenseitige Wohlwollen zwischen einem Redner und seinem Publikum beschreibt, nimmt diese Dichotomie von Ruhe und Chaos auf und destilliert sie noch weiter, indem es die Band wirklich in ihrem Element zeigt, sowohl auf der Bühne als auch im Studio. Das Album besteht nur aus Songs, die die Band auf der Bühne spielen kann und will. Es wurde um die Idee herum geschrieben, nach Hoffnung und Inspiration im täglichen Leben zu suchen, während man sich machtlos gegen das Gewicht der Welt fühlt. Die Leadsingle ,Beyond the Raindrops" war einer der ersten Songs, die für das Projekt geschrieben wurden, wurde aber erst in letzter Minute aufgenommen. Der epische Halftime-Groove und die schwebenden, klangvollen Gitarren sind ebenso melancholisch wie großartig, und Tetsus zu Herzen gehender Text wurde im Moment geschrieben, als ehrliche Antwort auf die eindringliche Melodie des Songs. In anderen Stücken wie Whiteout" werden die frenetischen Ursprünge von Envy mit einem pochenden Schlagzeugsolo, das eine stakkatoartige Post-Hardcore-Gitarrenarbeit einleitet, und einem Gesang, der wild zwischen gutturalem Gebrüll und einem Ansturm von gesprochenen Worten schwankt, kanalisiert. Der Eröffnungstrack 'Imagination and Creation' wird von ENVY als ,ein Schritt vorwärts in die Zukunft, der die Vergangenheit als Nahrung nutzt" beschrieben. Blastbeat-Drums und kreischende Gitarren treiben eine trotzige und ansteckend hoffnungsvolle Gesangsmelodie ins Ungewisse, während eine Band mit einer so geschichtsträchtigen Vergangenheit lernt, das Jetzt zu schätzen, um sich für das zu wappnen, was als nächstes passiert. "Eunoia", ENVYs achtes Album, ist wahrhaftig ein Meilenstein; die perfekte Balance zwischen Aggression und Begeisterung, in der das wiederbelebte Lineup der Band ein latentes Gefühl der Machtlosigkeit angesichts einer zerbrochenen und zunehmend gespaltenen Welt erforscht.

Die Band, die ihre ursprünglichen Wurzeln im Thrash-Metal und Screamo immer noch stolz auf ihren Ärmeln trägt, hat ihren Sound stetig weiterentwickelt und euphorische Elemente aus Post-Rock und Shoegaze mit spektakulärem Effekt eingebaut. "Eunoia", ein Wort, das das gegenseitige Wohlwollen zwischen einem Redner und seinem Publikum beschreibt, nimmt diese Dichotomie von Ruhe und Chaos auf und destilliert sie noch weiter, indem es die Band wirklich in ihrem Element zeigt, sowohl auf der Bühne als auch im Studio. Das Album besteht nur aus Songs, die die Band auf der Bühne spielen kann und will. Es wurde um die Idee herum geschrieben, nach Hoffnung und Inspiration im täglichen Leben zu suchen, während man sich machtlos gegen das Gewicht der Welt fühlt. Die Leadsingle ,Beyond the Raindrops" war einer der ersten Songs, die für das Projekt geschrieben wurden, wurde aber erst in letzter Minute aufgenommen. Der epische Halftime-Groove und die schwebenden, klangvollen Gitarren sind ebenso melancholisch wie großartig, und Tetsus zu Herzen gehender Text wurde im Moment geschrieben, als ehrliche Antwort auf die eindringliche Melodie des Songs. In anderen Stücken wie Whiteout" werden die frenetischen Ursprünge von Envy mit einem pochenden Schlagzeugsolo, das eine stakkatoartige Post-Hardcore-Gitarrenarbeit einleitet, und einem Gesang, der wild zwischen gutturalem Gebrüll und einem Ansturm von gesprochenen Worten schwankt, kanalisiert. Der Eröffnungstrack 'Imagination and Creation' wird von ENVY als ,ein Schritt vorwärts in die Zukunft, der die Vergangenheit als Nahrung nutzt" beschrieben. Blastbeat-Drums und kreischende Gitarren treiben eine trotzige und ansteckend hoffnungsvolle Gesangsmelodie ins Ungewisse, während eine Band mit einer so geschichtsträchtigen Vergangenheit lernt, das Jetzt zu schätzen, um sich für das zu wappnen, was als nächstes passiert. "Eunoia", ENVYs achtes Album, ist wahrhaftig ein Meilenstein; die perfekte Balance zwischen Aggression und Begeisterung, in der das wiederbelebte Lineup der Band ein latentes Gefühl der Machtlosigkeit angesichts einer zerbrochenen und zunehmend gespaltenen Welt erforscht.

Die griechische Progressive/Alternative Metal-Band Mother Of Millions meldet sich mit ihrem neuen Longplayer 'Magna Mater' zurück! Es ist das vierte Album der Band und hat einen deutlich härteren Ansatz als seine Vorgänger. 'Magna Mater' ist ein Album über Verlust, aber letztlich geht es um das Leben. Eine Empfehlung geht raus an alle Fans von Bands wie Riverside, Leprous, Crosses, Vola, Tesseract oder Monuments.

Die griechische Progressive/Alternative Metal-Band Mother Of Millions meldet sich mit ihrem neuen Longplayer 'Magna Mater' zurück! Es ist das vierte Album der Band und hat einen deutlich härteren Ansatz als seine Vorgänger. 'Magna Mater' ist ein Album über Verlust, aber letztlich geht es um das Leben. Eine Empfehlung geht raus an alle Fans von Bands wie Riverside, Leprous, Crosses, Vola, Tesseract oder Monuments.

Hardwarez, the third LP by Master Boot Record (aka MBR) on Metal Blade, sees multi-instrumentalist mastermind Vittorio D'Amore (aka Victor Love) aurally exploring the duality of technology and humanity in 9 intense and incandescent tracks. The LP, which follows 2022’s Personal Computer and 2020’s Floppy Disk Overdrive, comes from the expansive mind of Love, an Italian producer who emerged from the underground as an anonymous project in 2016 to create the soundtrack for the cyberpunk point-and-click adventure game VirtuaVerse. The project seamlessly evolved into a standalone entity, releasing over 14 albums in just a few years.
To create Hardwarez, the technologist worked by live streaming his desktop on YouTube while composing new music. Everything is programmed via MIDI. “The very first song I wrote is actually also the first single, “CPU,” he says. “Even though the other songs on the album have a quite different style, the type of riffing and the different melodic section of this track worked as a base to upgrade the sound before moving forward.” “CPU” is also where Love decided to test the real guitar overdubs and was inspired by the results.
“With every album I’ve upgraded bits of the sounds, adding new layers,” he says. “In Hardwarez the core sounds for synth guitars, leads and pads are still those that constitute the trademark MBR sound, but what makes this album very different is the addition of guitar overdubs that play along synth guitars for both the rhythmic and solo sections.”
Intensive touring augmented with live musicians helped Love to make the decision to include real guitars to achieve a massive sound and boost the enhanced frequency spectrum of the instrument. “On this record there are a lot of heavy riffs with palm muting and my lead guitarist Shreddy recorded most of those leads and solos as well playing in unison with synth leads and adding extra energy to them.”

Japan's long running masters of psych/kosmische jamming return to Important Records for a vinyl outing featuring beloved original member Cotton Casino.

Trust Masked Replicants finds AMT in fine form, creating experimental psych-rock improvised around skeletal compositions. The group's leader, Kawabata Makoto, holds the group together while they navigate chaos infused, drone based jamming at the outer edges of human consciousness.

Side B, featuring the 20 minute track Asoko Ananda, is a classic side-long fast paced AMT burner combining sped up kosmische rhythms, filter sweeps, free-jazz piano, tabla drumming and vocal experiments. Asoko Ananda utilizes many of the group's skills, ascending to the height of their collective, mountainous ability.

Channeling prog, krautrock, modern composition and noise, Kawabata Makoto formed the Acid Mothers Temple in the early 90's. The group has gone on to release countless albums while touring the globe.

Die Londoner Band Famous hat im Laufe von zwei sehr unterschiedlichen und hochgelobten EPs (2019 ,England" und 2021 ,The Valley") ihren eigenen, unnachahmlichen Sound geschmiedet. Himmlische Melodien, verzweifelte Elektronik, die auf wärmende Akustik trifft, und schillernde Songstrukturen - all das ist die einzigartige kreative Vision von Jack Merrett - Famous' Sänger, Texter, Haupt-Songwriter und einziges konstantes Mitglied -, die nun in ihrem bevorstehenden Debüt "Party Album" einen spektakulären Ausdruck findet. Als Teil der gefeierten South-Londoner Brixton Windmill-Szene neben Black Country, New Road und Black Midi wurde die Gruppe schnell für ihren grenzüberschreitenden Post-Punk-Sound bekannt. Jack Saunders von BBC Radio One bezeichnete Famous als ,die originellste Band im Vereinigten Königreich", Während Famous die Muster ihrer Musik herausarbeiteten, die mit jedem Song und jeder neuen Besetzung breiter und tiefer wurden, wuchs ihre Mystik - etwas, das Merrett mit den musikalischen Helden seiner Jugend identifiziert, wie er lachend, aber mit ungeheuchelter Aufrichtigkeit erklärt: ,Mein ganzes Leben lang hatte ich eine bestimmte Vorstellung von Rockmusik.". Mary-Anne Hobbs, BBC 6 Music: ,Wenn du auf Slint stehst, wenn du das magere Ende des Hardcore magst und vielleicht nur eine Prise Jim Morrison, dann wirst du das hier lieben. Recht alleinstehend, recht einzigartig.

Die Londoner Band Famous hat im Laufe von zwei sehr unterschiedlichen und hochgelobten EPs (2019 ,England" und 2021 ,The Valley") ihren eigenen, unnachahmlichen Sound geschmiedet. Himmlische Melodien, verzweifelte Elektronik, die auf wärmende Akustik trifft, und schillernde Songstrukturen - all das ist die einzigartige kreative Vision von Jack Merrett - Famous' Sänger, Texter, Haupt-Songwriter und einziges konstantes Mitglied -, die nun in ihrem bevorstehenden Debüt "Party Album" einen spektakulären Ausdruck findet. Als Teil der gefeierten South-Londoner Brixton Windmill-Szene neben Black Country, New Road und Black Midi wurde die Gruppe schnell für ihren grenzüberschreitenden Post-Punk-Sound bekannt. Jack Saunders von BBC Radio One bezeichnete Famous als ,die originellste Band im Vereinigten Königreich", Während Famous die Muster ihrer Musik herausarbeiteten, die mit jedem Song und jeder neuen Besetzung breiter und tiefer wurden, wuchs ihre Mystik - etwas, das Merrett mit den musikalischen Helden seiner Jugend identifiziert, wie er lachend, aber mit ungeheuchelter Aufrichtigkeit erklärt: ,Mein ganzes Leben lang hatte ich eine bestimmte Vorstellung von Rockmusik.". Mary-Anne Hobbs, BBC 6 Music: ,Wenn du auf Slint stehst, wenn du das magere Ende des Hardcore magst und vielleicht nur eine Prise Jim Morrison, dann wirst du das hier lieben. Recht alleinstehend, recht einzigartig.

Geteyes Einflüsse sind vielfältig und spiegeln seine Liebe zum melodischen Sampling wider. Zu seinen Hauptinspirationen gehören so berühmte Acts wie Madlib, J Dilla, Kankick, Hi-Tek, Mo Kolours, Afta1, KNLO und Iman Omari. In Frankreich haben Künstler wie Onra, Astronote und Barrio ebenfalls einen Einfluss auf Geteyes Schaffen gehabt. Das neue Album ,KID" ist der Höhepunkt eines lang erwarteten physischen Projekts mit dem Musiklabel Dooinit. Inspiriert von seiner kürzlichen Vaterschaft, erforscht Geteye eine eklektische Mischung aus Jazz, Soul, Funk und brasilianischer Musik, um einen einzigartigen Vibe zu schaffen. Das Projekt beinhaltet einige starke Kollaborationen mit Künstlern wie ETO und Guilty Simpson, aber es ist der Track ,Deep Fake" mit dem französischen Rapper Mr JL, der Geteye besonders gefällt. Diese Zusammenarbeit ist die Verwirklichung eines künstlerischen Traums und sein Gast wertet das Instrumental auf. Kurzum, ,KID" bietet eine persönliche und kreative musikalische Erfahrung, die die Authentizität und Unschuld der Kindheit einfängt.

Vehement reagiert der Trompeter aus Tel Aviv auf den turbulenten Geist einer unruhigen Zeit und führt seine
Band durch eine fünfteilige Suite, die eine ganze Bandbreite an Emotionen durchwandert – abwechselnd
hoffnungsvoll, verzweifelt, erzürnt und zutiefst melancholisch. Die melodische Direktheit des abschließenden
Stücks „The Seventh“, komponiert von Avishai Cohens Teenager-Tochter, bietet einen tröstlichen Kontrast
zur Intensität der Suite. Dazwischen wendet sich Cohen dem eindringlichen Adagio assai aus Ravels GDur-Klavierkonzert zu, das seit langem zu den Höhepunkten des Live-Sets der Gruppe gehört. Ashes to
Gold wurde im November 2023 in den Studios La Buissonne in Südfrankreich aufgenommen.

Isolation Berlin sind Max Bauer (Gitarre/Orgel), David Specht (Bass), Simeon Cöster (Schlagzeug) und
eben Tobias Bamborschke (Gesang und Gitarre).
Nach einer EP-Collection und drei Alben ist „ELECTRONIC BABIES“ nun ihr viertes Album und erscheint am 11.10.2024
Seit die Selbstinszenierung des Einzelnen zum Ultimum erklärt wurde, sind Bands aus der Mode gekommen.
Zeitgeistigen Aspekten steht die Band ISOLATION BERLIN jedoch mit Sicherheit gleichgültig gegenüber.
Stattdessen kreieren sie ihr eigenes Genre und nennen es treffend Protopop. Tobias Bamborschkes Gesang
ist eindringlich, melancholisch, mitunter nihilistisch. Das Spektrum der Band reicht von Pop über Rock
bis zum Chanson. Und es ist gewiss kein Zufall, dass Sven Regener von Element of Crime auf dem neuen
Album als Trompeter in Erscheinung tritt. Auch die Shoegazing-Anklänge des Plattencovers kommen nicht
von ungefähr.
Aber viel wichtiger sind das Leid, die Wut und der Humor in der Musik von ISOLATION BERLIN. So
etwas findet sich heutzutage nur noch selten.
Aufgenommen, arrangiert und produziert haben Isolation Berlin „Electronic Babies“ in ihrem eigenen ProtoPop-Studio.
Für zwei der elf Titel hat sich die Band allerdings Moses Schneider als Co-Produzenten hinzugeholt. Das
will was heißen, denn bisher haben ISOLATION BERLIN Produzenten strikt abgelehnt und stets alles komplett selbst gemacht. Dass sie dazu in der Lage sind, haben sie längst bewiesen und beweisen sie auch auf
diesem Album wieder.

Hardwarez, the third LP by Master Boot Record (aka MBR) on Metal Blade, sees multi-instrumentalist mastermind Vittorio D'Amore (aka Victor Love) aurally exploring the duality of technology and humanity in 9 intense and incandescent tracks. The LP, which follows 2022’s Personal Computer and 2020’s Floppy Disk Overdrive, comes from the expansive mind of Love, an Italian producer who emerged from the underground as an anonymous project in 2016 to create the soundtrack for the cyberpunk point-and-click adventure game VirtuaVerse. The project seamlessly evolved into a standalone entity, releasing over 14 albums in just a few years.
To create Hardwarez, the technologist worked by live streaming his desktop on YouTube while composing new music. Everything is programmed via MIDI. “The very first song I wrote is actually also the first single, “CPU,” he says. “Even though the other songs on the album have a quite different style, the type of riffing and the different melodic section of this track worked as a base to upgrade the sound before moving forward.” “CPU” is also where Love decided to test the real guitar overdubs and was inspired by the results.
“With every album I’ve upgraded bits of the sounds, adding new layers,” he says. “In Hardwarez the core sounds for synth guitars, leads and pads are still those that constitute the trademark MBR sound, but what makes this album very different is the addition of guitar overdubs that play along synth guitars for both the rhythmic and solo sections.”
Intensive touring augmented with live musicians helped Love to make the decision to include real guitars to achieve a massive sound and boost the enhanced frequency spectrum of the instrument. “On this record there are a lot of heavy riffs with palm muting and my lead guitarist Shreddy recorded most of those leads and solos as well playing in unison with synth leads and adding extra energy to them.”