quête:mi musik

Die grandiose Early-Works-Kollektion ART DEVO belegt, warum Devo eine der wichtigsten Bands der US-Musikgeschichte waren und immer noch sind. Die streng limitierte 3LP+7" Anthologie enthält meist unveröffentlichtes Archivschätze, Raritäten und Obskuritäten aus ihrer Frühzeit 1973-77, als sich Devo zu einem Kunstprojekt entwickelte, das David Bowie zur 'Band der Zukunft' erklärte. Die von Devo kuratierte Tracklist erscheint auf pink-schwarz-marmorstrukturiertem Triple-Vinyl im Deluxe-Boxset in Goldfolie, mit doppelseitigen Art Prints, darunter ein Scratch'n'Sniff-Bild, sowie Liner Notes der Gründungsmitglieder Mark Mothersbaugh und Gerald V Casal. Es gibt nur 1.000 Stück weltweit.

New Orleans Voodoo Psych Fuzz Boogie Blues aus einer finnischen Irrenanstalt in Helsinki, drei Jungs flogen über das Kuckucksnest und machten dieses erstaunlich schräge Album... früher spielten sie in Black Magic Six und Cosmo Jones Beat Machine, für Fans von Captain Beefheart und Chuck E. Weiss oder Dr. John GOBLIN SHARK ist ein Hybrid aus einem finnischen Irrenhaus, einer transsexuellen Göttin und einer verkommenen, dunklen After-Hour-Blues-Rock'n'Roll-Fuzz-Psych-Voodoo-bar in New Orleans. Sie alle treffen sich in Helsinki, Finnland, um ihre Musik zu machen, Taskinen spielt in Bands wie Black Magic Six, Heavy Breathers oder Disgrace, der zweite, noch verrücktere Gitarrist und Meister selbstgebauter Mini-Gefängnisgitarren Pharaoh Pirttikangas veröffentlichte zahlreiche Soloalben und war mit Cosmo Jones Beat Machine unterwegs, Nubialaiset und Astro Can Caravan unterwegs, dann kommt Neuvonen, er ist ein Black-Metal-Schlagzeuger aus Tempere, Jeder liebt den Blues und die verwirrende Seite des Lebens aus finnischer Sicht, wenn Sie wissen, was ich meine. Kann man ihre Musik in Richtung Captain Beefheart und Chuck E. Weiss mit der rohen Kraft der Stooges oder Dr. John einordnen. Ich weiß es nicht. Aber ich habe sie 2023 auf meiner Tour in Helsinki getroffen und war von ihrer Performance, ihrer Musik und dem anschließenden Bier in einem Helsinkier Bierclub so begeistert, dass wir beschlossen, GOBLIN SHARK auf Voodoo Rhythm zu veröffentlichen. Taskinen hatte bereits einen Trip in die Schweiz von Black Magic Six gemacht und Robert Butler (der von den Miracle Workers) getroffen und sind seitdem befreundet, so dass es Sinn machte, dass Robert 'Mr. Butler' das Artwork des Covers für die Band entwarf und es wurde so, wie es sein musste... ein komplette Hirnschmelze , und so sind auch die 10 Songs, die dich wegblasen werden wie nichts anderes - dies ist verwirrter dreckiger Blues Rock'n'Roll der außerirdischten dritten Art. Tiefschwarzes Vinyl, bedruckte Innenhülle, gratis Download Code oder Digisleeve-CD mit Booklet.

BLUE NOTE TONE POET EDITION: Stereo, produziert von Joe Harley, komplett analog von Kevin Gray von den Originalbändern remastert, RTI-Pressung (180g), stabiles Tip-on-Single Sleeve, wattierte Innenhülle.

Als Lee Morgan 1968 “Taru” einspielte, befand sich der Trompeter musikalisch gerade an einem Scheideweg. Reflektiert wird das in der Vielzahl von Stilen, mit denen er sich auf dem Album auseinandersetzt: das Spektrum reicht von modalem Jazz und Post-Bop bis hin zu wunderschönen Balladen und funkigen
Boogaloos. Zusätzliche Inspiration erhielt Morgan von einem progressiv ausgerichteten Sextett mit u.a. George Benson an der Gitarre. (Gatefold Sleeve)

Auf dem Album “Medina” setzte Vibraphonist Bobby Hutcherson 1969 die ungemein inspirierende Zusammenarbeit mit Tenorsaxofonist Harold Land fort, die er ein Jahr zuvor auf “Total Eclipse” begonnen hatte. Hutcherson und den exzellenten Musikern seines Quintetts gelingt es hier, die im modalen Post-Bop verwurzelten und recht anspruchsvollen Originalkompositionen erstaunlich beseelt klingen zu lassen. (Single
Sleeve)

Geschmiedet aus demselben Sheffield-Stahl wie Def Leppard, entstiegen auch Crimes Of Passion dieser Stadt mit der Leidenschaft und dem Ziel, unseren Vorbildern auf dem Weg an die Musikspitze folgen. Eine Band, die das Glück hatte, die einflussreiche Ära von Dio, Ratt, Queensryche und Journey miterlebt zu haben, aber keineswegs zu sehr in der Vergangenheit zu stecken, um das Songwriting vom
damaligen Emo/Metalcore-Sound beeinflussen zu lassen.

Es war offensichtlich, dass Crimes Of Passion das gewisse „etwas" hatten, denn innerhalb eines Monats nach der Gründung und dem
Schreiben der Songs für das erste Album ging die Band auf Tour mit Bands wie Tyketto, White Lion, Great White, Gotthard und durfte auch
bereits auf mehreren Festivals auf dem ganzen Kontinent spielen - die Stahlkugel aus Sheffield kam tatsächlich ins Rollen!

Joe Ely präsentiert sein erstes Road-Album Driven to Drive, dreiundzwanzig Alben und mehrere Millionen Meilen nachdem er zum ersten Mal auf die
Reise ging. Die Sammlung von Songs über und inspiriert von motorisierten Reisen wurde von Ely zusammengestellt, der Mitte der 1970er Jahre wie
ein wirbelnder Tornado über die flachen Ebenen des Llano Estacado in Westtexas fegte und eine legendäre Band anführte, die zu sehr Rock für
Country und zu sehr Country für Rock war. Der wilde, offene Honky-Tonk-Roadhouse-Sound der Joe Ely Band bescherte ihrer Heimatstadt Lubbock
den ersten Musikhelden seit Buddy Holly.
Das Projekt setzt sich aus Aufnahmen zusammen, die über mehrere Jahrzehnte hinweg in den Spur Studios, seinem Heimstudio außerhalb von Austin,
gemacht wurden. Unterstützt wird er dabei von den Musikern/Nachbarn Joel Guzman am Akkordeon, dem Keyboarder Bill Guinn, dem Sänger Eddie
Beethoven und dem Geiger Richard Bowden. Letztes Jahr im The Zone in Dripping Springs, Texas, fügte Jeff Plankenhorn seine Gitarre zu drei Stücken
hinzu und der Tontechniker Pat Manske, der Driven to Drive gemastert hat, steuerte das Schlagzeug bei.
Die Bewegung in diesen Liedern wird auf viele Arten erfasst: Autos, sechzehnrädrige Lastwagen, Motorräder, Greyhound-Busse. Es gibt
Pedal-to-the-Metal-Hymnen, die auf einem geraden, zweispurigen schwarzen Asphaltstreifen dahingleiten; ein träges Mäandern auf dem Gulf Blues
Highway; eine Geschichte über die Flucht auf der Interstate; Geschichten darüber, wie man von hier nach dort kommt, und Lieder darüber, wie man
überhaupt nirgendwo hingeht. The Lord of the Highway is calling. Joe Ely möchte Sie auf eine Reise mitnehmen.

Nach der Veröffentlichung des bewegenden Konzeptalbums "Gates of Europe" (2023) über den russischen Überfall auf die Ukraine und einer anschließenden intensiven Europatour, ging Jerome Reuter - kreativer Kopf und Frontman von ROME - in Klausur und meldet sich nun mit einem brandheißen wie brandaktuellen, musikalischen Faustschlag zurück.

Die offensichtliche thematische Quellenlage dieses Kleinods vermindert nicht deren Wirkkraft beim Hörer. "World in Flames" ist ein drastisches, auf das Wesentliche verdichtete Werk. Im Gegensatz zu so manchem Vorgängeralbum ist "World in Flames" kein intimes Drama, sondern eine rücksichts- und schonungslose Sezierung der Großwetterlage.

Wie die Welt an sich, ist auch dieses schlagkräftige Mini-Album zweigeteilt. Wuchtige Industrial-Brachialkunst trifft auf ROME-typisches und hervorragendes Singer-Songwriting. Textlich wird eine zutiefst verstörende Einsicht von Reuter behutsam und genau nachgezeichnet: Der Zivilisationsbruch als neue Signatur dieser Epoche. Was die Lyrik dabei auszeichnet ist eine ganz eigene Art der apodiktischen Darstellung, eine hauseigene Poetik der Zäsur.

Prophetisch? Ein Weckruf!

In Nordafrika ist eine Ziara eine spirituelle Zeremonie, zu der die Menschen kommen, um Dämonen zu exorzieren, ihren Körper zu reinigen und lautstark ihre Verbundenheit mit Gott, dem Propheten und den Gottheiten, die ihn zu verkörpern behaupten, zu bekräftigen. Eine berauschende Ekstase, die an ein Voodoo-Ritual erinnert. Die besten Meister dieser Art von Zeremonie sind die Gnawa. Sie stammen ursprünglich aus Schwarzafrika, vor allem aus dem Sudan und dem Senegal, und wurden von Tuareg-Räubern in den südlichen Maghreb verschleppt, um sie als Sklaven zu benutzen. Nach mehreren Jahrzehnten der Sklaverei gelang es ihnen, sich aus dieser schmerzhaften Situation zu befreien, die sie in einigen ihrer Lieder zum Ausdruck bringen. Vor allem aber zeichnen sich die Gnawa durch ihre bezaubernde Musik, ihren Tanz und ihre Rhythmen aus, denen therapeutische Wirkungen zugeschrieben werden. Vor allem in den letzten Jahren hat die musikalische und rhythmische Tradition der Gnawa, die sich sowohl an die Arabesken des Nahen Ostens als auch an die afrikanische Perkussion anlehnt, unter den marokkanischen Künstlern der neuen Generation eine deutliche Wiederbelebung erfahren. Doch bisher ist es nur der sehr populären Gruppe Nass El Ghiwane gelungen, mit Talent, Treue und Authentizität den Geist der Gnawa wiederzubeleben, wie dieses Album beweist. Also schließen Sie sich ihnen an und lassen Sie sich in Trance versetzen.

“I personally feel this is a great record and recommend it to everyone. It’s positive and hot and simply
excellent.” – Gary Burton, in the liner notes.
Pat Metheny hatte sein Debüt bei ECM als Mitglied von Gary Burtons Band auf dem Album Ring im
Jahr 1974 gegeben, aber Bright Size Life, seine erste Studioaufnahme als Leader überhaupt, war das
Album, das ihn schlussendlich als neue kreative Kraft mit einem frischen Ansatz im Kontext des zeitgenössischen Jazz profilierte. Das im Dezember 1975 in Ludwigsburg aufgenommene und von Manfred Eicher
produzierte Album wurde von Methenys damaliger Stammband mit Bob Moses am Schlagzeug und dem
virtuosen, aber damals weitgehend unbekannten Jaco Pastorius am Bass eingespielt.
”Ich könnte die gesamte Musik von Bright Size Life auch jetzt noch spielen”, sagte Pat Metheny in
einem Interview für die Library of Congress im Jahr 2021. ”Es fühlt sich immer noch relevant an; die
Argumente darin erscheinen mir immer noch gültig und sie sind es wert, darüber zu reflektieren.... Damals
hatte ich das Gefühl, dass ich eine Platte machen wollte, die vielleicht die einzige sein würde, die ich je
machen würde. Ich hoffte, ein Statement zu Dingen abzugeben, die mir in Bezug auf Melodie, Harmonie,
Triospiel und sogar das Leben im Allgemeinen wichtig waren.”
Diese Luminessence Vinyl Edition des Albums erscheint in einem Tip-on Klappcover und enthält Fotos
aus dem Archiv.

Sonne
Das Album besticht durch eine Klarheit, die das Licht auf so wundervolle Weise einfängt. Auf Schillers Sonnenreise lassen sich wieder besondere Klang-Horizonte entdecken. Überraschende Gastkünstler, bewegende Kompositionen. „Jedes Album ist wie eine neue Reise. Ich lasse mich gerne überraschen – von der Anmut
dieser Welt und von den Menschen, die ich unterwegs treffe“, sagt der Musiker und Komponist Christopher von Deylen, der sich hinter dem Künstler Pseudonym Schiller verbirgt. Fast 12 Jahre später erscheint dieses große Album endlich als auf 1000 Stück limitierte Vinyl-Neuauflage im farbigen 2LP Format, welche nicht nur Musikfans, sondern auch Plattenliebhaber begeistert, die mehr wollen als eine rein digitale Version. So kommt das Album auf zwei transparent-roten Vinylscheiben und rundet somit das Gesamtkunstwerk auf ansehnliche Weise ab!


Sonne (Chill Out Edition) Schon das Vorgänger-Album Sonne galt als absoluter Fan-Liebling, nach Erscheinen der Sonne (Chillout
Edition) lässt sich feststellen, dass diese Variante dem Original Sonne Album in eigentlich nichts nachsteht. Schiller ist wie immer für eine Überraschung gut und hat mit dieser Sonderedition seine ruhige
und träumerische Seite gezeigt. Nun erscheint diese einzigartige Zusammenstellung als Vinyl Neuauflage!
Die Sonne (Chillout Edition) 2LP Version ist auf 1000 Stück limitiert und ist nicht nur klanglich etwas
Besonderes, sondern macht als transparent-türkisfarbene Doppelvinyl auch optisch so einiges her!

I Don’t Know Who I Should Belong To:
“I Don’t Know Who I Should Belong To” erschien erstmals 1987 auf Vinyl als englisches Pendant zum Longplayer “Phönix” aus dem Jahr 1986. Lindenberg lebte damals im Berliner Hotel Intercontinental. Das
Leben an und mit der Mauer hat ihn beschäftigt und das veranlasst ihn, sich auf dem Album weiterhin mit politischen Themen auseinander zu setzen. Sie waren für die Gesellschaft zu dieser Zeit einfach von großer Bedeutung. Nicht allein für sein mutiges politisches Engagement in der damals noch geteilten Republik
gilt er bis heute als einer der wichtigsten deutschen Musiker. Die Re-Edition des Albums erscheint am 02.08.2024 in Form einer stark aufgewerteten, roten LP mit einem doppelseitigen Poster, welche streng limitiert und von Hand nummeriert in einer Auflage von nur 1.000 Stück erhältlich sein wird. Zusätzlich erscheint das Album erstmals als Standalone CD im Mintpack.

In Craig Charles' eigenen Worten enthält "The Craig Charles Trunk Of Funk Volume 3" "19 der feinsten Stücke von super-slinky Soul, boot shaking Blues und Boogie, schillernde Discosongs und feine funky rump shakers!"

Als Dichter, Schauspieler, Radio- und Fernsehstar (u. a. in der Science-Fiction-Comedy "Red Dwarf" und der Seifenoper "Coronation Street") ist er seit seiner Jugend berühmt, und seit über 22 Jahren predigt er in seinen weltberühmten BBC 6 Music-Wochenend- und Tagesshows für den guten Groove, legt in Clubs und auf Festivals rund um den Globus auf - sein Ruf als einer der profiliertesten Botschafter für alles, was Soul und Funky ist, ist unbestritten.

Craigs neueste Kollektion mischt Up-Tempo-Club-Klassiker mit frischer Musik von der Creme de la Creme der zeitgenössischen Soul- und Funk-Szene mit einer Prise Oldschool-Klassikern. Das Ergebnis ist so, als ob Craig persönlich als DJ auflegen würde - eine Mischung aus modernem und klassischem Soul, Disco, Deep Funk und beatlastigem Rhythm and Blues.

Limitiertes farbiges Vinyl, 2024 Pressung! Valley of Rain ist das Debütalbum von Giant Sand, das 1983 von Howe Gelb (Gesang, Gitarre) und Winston Watson (Schlagzeug), Tommy Larkins (Schlagzeug) und Scott Garber (Bass) aufgenommen und schließlich 1985 veröffentlicht wurde. Zum Zeitpunkt der Aufnahme war Howe Gelb mit den Möglichkeiten von Röhrenverstärkern nicht vertraut und hatte den Großteil des Albums mit einem Roland JC120 in den wunderbaren 8-Spur-Studio The Control Center in Korea Town, Los Angeles zusammen mit Ricky "Mix" Novak produziert. Gesamtkosten der eineinhalbtägigen Aufnahme betrugen $400. Als Enigma Records anbot, das Album zu veröffentlichen, baten sie um weitere 15 Minuten Musik, um es zu einer vollständigen LP zu machen. Ron Goudie wurde dann hinzugezogen, um die zusätzlichen Aufnahmen in einem Studio in Venedig, CA namens Mad Dog mit Eric Westfall Engineering zu überwachen. Es war dort, als Howe sich einen Verstärker auslieh, der im Studio gelagert worden war, dass er das Polster eines Röhrenverstärkers entdeckte und seine Welt sich veränderte. Der Verstärker war ein leicht modifizierter Fender Twin Reverb von Robbie Krieger von The Doors. 30 Jahre später, nachdem die Band auf unbestimmte Zeit eingeschläfert worden war, begannen sich die ersten Songs in die letzten Giant Sand Tourneen einzuschleichen. Irgendwie schien es angebracht, ihnen einen weiteren Versuch mit dem richtigen Verstärker zu geben, nur um zu sehen, was sie hätten sein können. Was die Idee zugänglicher machte, war die Verfügbarkeit der beiden ursprünglichen Schlagzeuger, die in Tucson lebten. Der erste Versuch kam letzten Sommer mit Winston & Tommy und Thoger Lund am Bass, sowie den beiden neuesten Mitgliedern, dem 29-jährigen Gabriel Sullivan und der 23-jährigen Annie Dolan an Doppelhalsgitarren. Das Geräusch war wahnsinnig. Der lustige Teil war Gabriel, der die Session entwickelt und gemischt hat und ihr einen absichtlichen 80er Jahre Produktionssound gab. Howe erklärte ihm später, dass er sich seit den ersten Originalaufnahmen im Krieg mit diesem Produktionstrend befand. So versuchten sie es alle noch einmal zur Weihnachtszeit, diesmal mit einem neu entdeckten Fender 30 Amp, der von 1980 - 1983 in Produktion war. Diese neue Neuaufnahme des ersten Albums klingt jetzt so, wie es hätte klingen sollen. Es wurde für $400 und am selben Tag und in der halben Sessionzeit wie das Original neu gemacht. Scott Garber kam sogar von Austin TX mit seinem Fretless Bass, so dass das Album buchstäblich die ursprüngliche Besetzung für mindestens die Hälfte der Songs zusammen hat. Giant Sand sind an den Anfang zurückgekehrt.

Kitty Liv hat schon in jungen Jahren Musikliebhaber auf der ganzen Welt begeistert. Als Co-Frontfrau der Familienband "Kitty, Daisy & Lewis"
verkaufte sie über eine Viertelmillion Platten. Die Band tourte mehrmals um die Welt und gewann Fans wie Amy Winehouse, Mark Ronson und
Coldplay.
Jetzt schickt sie sich an, eine noch breitere Fangemeinde mit einem Solo-Albumprojekt zu erobern, das eine völlig neue Richtung für sie markiert. Als
Songwriterin, Produzentin und Multi-Instrumentalistin greift Kitty auf eine Vielzahl von Einflüssen zurück, von Erykah Badu und D'Angelo bis hin zu Al
Green und der Blues-Legende Howlin' Wolf, um eine Reihe persönlicher Songs zu produzieren, die die ursprünglichen Tiefen von Soul, Gospel, Blues
und Rock and Roll heraufbeschwören. Die Songs sind von einer tiefen Stimme durchdrungen, die fast ihre Dämonen kanalisiert. Kitty hat ihre Ideen
über mehrere Jahre hinweg entwickelt und nimmt derzeit einige atemberaubende Performances im Studio auf.
Die in Camden Town geborene und aufgewachsene Kitty lebt und atmet Musik, gründete die Durham Sound Studios und arbeitet mit anderen
Musikern und Künstlern zusammen, um magische Momente auf funkelndem analogem Aufnahmeequipment einzufangen. Wenn jemand seit seinem
siebten Lebensjahr Musik spielt, aufnimmt und schreibt, ist es nur eine Frage der Zeit, bis er einen Quantensprung in ein neues Paradigma macht.

High Roller Records, 12 Seiten Booklet, Schuber, Seit den Achtzigern ist Cleveland ein Hotspot für großartige Heavy Metal Musik. Der aus Ohio stammende Andrew D'Caga setzt diese Tradition stilecht fort. In den vergangenen Jahren war der Multiinstrumentalist in mehr als einem halben Dutzend Bands aktiv, darunter Brimstone Coven und Icarus Witch. Sein Hauptaugenmerk liegt jedoch auf seinem eigenen Projekt Ironflame, für das er die Musik und Texte schreibt, alle Instrumente bedient und singt. Ironflame wurde 2016 gegründet und hat seitdem vier Alben veröffentlicht, die von Kritikern gelobt und von den Fans begeistert aufgenommen wurden. Auf das 2017 erschienene „Lightning Strikes The Crown“ folgten „Tales Of Splendor And Sorrow“ (2018), „Blood Red Victory“ (2020) und das High Roller-Debüt „Where Madness Dwells“ (2022). Und nun ist es Zeit für das brandneue Studioalbum, das den Namen „Kingdom Torn Asunder“ trägt.

High Roller Records, 12 Seiten Booklet, Schuber, Seit den Achtzigern ist Cleveland ein Hotspot für großartige Heavy Metal Musik. Der aus Ohio stammende Andrew D'Caga setzt diese Tradition stilecht fort. In den vergangenen Jahren war der Multiinstrumentalist in mehr als einem halben Dutzend Bands aktiv, darunter Brimstone Coven und Icarus Witch. Sein Hauptaugenmerk liegt jedoch auf seinem eigenen Projekt Ironflame, für das er die Musik und Texte schreibt, alle Instrumente bedient und singt. Ironflame wurde 2016 gegründet und hat seitdem vier Alben veröffentlicht, die von Kritikern gelobt und von den Fans begeistert aufgenommen wurden. Auf das 2017 erschienene „Lightning Strikes The Crown“ folgten „Tales Of Splendor And Sorrow“ (2018), „Blood Red Victory“ (2020) und das High Roller-Debüt „Where Madness Dwells“ (2022). Und nun ist es Zeit für das brandneue Studioalbum, das den Namen „Kingdom Torn Asunder“ trägt.

"Dark Paradise" von IMPERIA ist eine ist die Fortsetzung des musikalischen Stils, den sie mit ihrem letzten Album "The Last Horizon" eingeführt haben.
Trotz seiner kompakten Länge ist "Dark Paradise" ein in sich geschlossenes Werk, das symphonische und rockige Elemente nahtlos zu einem einheitlichen musikalischen Erlebnis verschmelzen lässt.
Die Zusammenarbeit zwischen IMPERIA und Jacob Hansen für den Mix des Albums, garantiert einen qualitativ hochwertigen Sound, da Hansen einen hervorragenden Ruf genießt.
Der Gitarrist der Band, Jan Yrlund, stellt seine künstlerische Vision in den Vordergrund und sorgt dafür, dass der visuelle Aspekt des Albums der Tiefe und Komplexität der Musik entspricht.
Durch dieses Zusammenspiel überzeugt "Dark Paradise" sowohl klanglich als auch visuell und ist ein fesselndes Werk für die Fans von IMPERIAs Musik

Nein, man kann wahrlich nicht behaupten, dass GIMP FIST eine "Pechtsträhne" - so der Titel ihres 11. Albums "Losing Streak" übersetzt - seit ihrer Gründung 2005 haben, jedenfalls was ihre Musik und den Banderfolg betrifft. Die Welt da draußen allerdings scheint in diesen Tagen von Krieg, Hass, Rassismus, sozialem Elend oder dem profitgeilen Raubbau unseres Lebensraums nicht gerade rosige Zukunftsaussichten zu haben. Die 15 neuen Songs auf "Losing Streak" widmen sich dieser traurigen Entwicklung in all ihren Facetten aus der Sicht der englischen Arbeiterklasse. "Who's gonna help to get this country right on track?" (Born and raised) "Losing Streak" strotzt nur so vor Leidenschaft, Emotionen und purer Energie und ist noch einen Tick temporeicher als die beiden Vorgänger. Keine Verschnauffspause, kein um den heißen Brei herumreden, sondern direkt mit dem Finger in die Wunde der verlogenen Politik und ihrer gesplitteten Gesellschaft: "Whatever happened to our community in todays society?" (Community) Resignation ist dabei nicht das Rezept. Die Zeit ist reif die Dinge beim Namen zu nennen, den Blendern an der Macht die Stirn zu bieten und sich auf die Stärken zu besinnen: "Hey politicians you devils in disguise, we want stop until we see the "Whites in your eyes" Auch vor der eigenen Szene macht die Band dabei nicht halt mit einer aggressiven Kampfansage anr die right wing-community: This is our scene and we're taking it back. The sound of the streets for white and for black" ("Less English") Der mitreißende, oldschool UK Skinhead-RocknRoll & Streetpunk Sound verbunden mit treffsicheren Lyrics von Gimp Fist ist authentisch und überzeugt dabei mit jedem Akkord und jeder Note! Die Wut ist spürbar! Wie auch bei den vorherigen Alben liefert Gimp Fist mit ihrem einzigartigen Gespür für Ausnahme-Songs verlässlich wie der Zeiger von Big Ben ein Album, das von Anfang bis Ende überzeugt! Es ist nur "more pissed and angry" geworden! Zurecht und genau zur richtigen Zeit!

Nein, man kann wahrlich nicht behaupten, dass GIMP FIST eine "Pechtsträhne" - so der Titel ihres 11. Albums "Losing Streak" übersetzt - seit ihrer Gründung 2005 haben, jedenfalls was ihre Musik und den Banderfolg betrifft. Die Welt da draußen allerdings scheint in diesen Tagen von Krieg, Hass, Rassismus, sozialem Elend oder dem profitgeilen Raubbau unseres Lebensraums nicht gerade rosige Zukunftsaussichten zu haben. Die 15 neuen Songs auf "Losing Streak" widmen sich dieser traurigen Entwicklung in all ihren Facetten aus der Sicht der englischen Arbeiterklasse. "Who's gonna help to get this country right on track?" (Born and raised) "Losing Streak" strotzt nur so vor Leidenschaft, Emotionen und purer Energie und ist noch einen Tick temporeicher als die beiden Vorgänger. Keine Verschnauffspause, kein um den heißen Brei herumreden, sondern direkt mit dem Finger in die Wunde der verlogenen Politik und ihrer gesplitteten Gesellschaft: "Whatever happened to our community in todays society?" (Community) Resignation ist dabei nicht das Rezept. Die Zeit ist reif die Dinge beim Namen zu nennen, den Blendern an der Macht die Stirn zu bieten und sich auf die Stärken zu besinnen: "Hey politicians you devils in disguise, we want stop until we see the "Whites in your eyes" Auch vor der eigenen Szene macht die Band dabei nicht halt mit einer aggressiven Kampfansage anr die right wing-community: This is our scene and we're taking it back. The sound of the streets for white and for black" ("Less English") Der mitreißende, oldschool UK Skinhead-RocknRoll & Streetpunk Sound verbunden mit treffsicheren Lyrics von Gimp Fist ist authentisch und überzeugt dabei mit jedem Akkord und jeder Note! Die Wut ist spürbar! Wie auch bei den vorherigen Alben liefert Gimp Fist mit ihrem einzigartigen Gespür für Ausnahme-Songs verlässlich wie der Zeiger von Big Ben ein Album, das von Anfang bis Ende überzeugt! Es ist nur "more pissed and angry" geworden! Zurecht und genau zur richtigen Zeit!

Nein, man kann wahrlich nicht behaupten, dass GIMP FIST eine "Pechtsträhne" - so der Titel ihres 11. Albums "Losing Streak" übersetzt - seit ihrer Gründung 2005 haben, jedenfalls was ihre Musik und den Banderfolg betrifft. Die Welt da draußen allerdings scheint in diesen Tagen von Krieg, Hass, Rassismus, sozialem Elend oder dem profitgeilen Raubbau unseres Lebensraums nicht gerade rosige Zukunftsaussichten zu haben. Die 15 neuen Songs auf "Losing Streak" widmen sich dieser traurigen Entwicklung in all ihren Facetten aus der Sicht der englischen Arbeiterklasse. "Who's gonna help to get this country right on track?" (Born and raised) "Losing Streak" strotzt nur so vor Leidenschaft, Emotionen und purer Energie und ist noch einen Tick temporeicher als die beiden Vorgänger. Keine Verschnauffspause, kein um den heißen Brei herumreden, sondern direkt mit dem Finger in die Wunde der verlogenen Politik und ihrer gesplitteten Gesellschaft: "Whatever happened to our community in todays society?" (Community) Resignation ist dabei nicht das Rezept. Die Zeit ist reif die Dinge beim Namen zu nennen, den Blendern an der Macht die Stirn zu bieten und sich auf die Stärken zu besinnen: "Hey politicians you devils in disguise, we want stop until we see the "Whites in your eyes" Auch vor der eigenen Szene macht die Band dabei nicht halt mit einer aggressiven Kampfansage anr die right wing-community: This is our scene and we're taking it back. The sound of the streets for white and for black" ("Less English") Der mitreißende, oldschool UK Skinhead-RocknRoll & Streetpunk Sound verbunden mit treffsicheren Lyrics von Gimp Fist ist authentisch und überzeugt dabei mit jedem Akkord und jeder Note! Die Wut ist spürbar! Wie auch bei den vorherigen Alben liefert Gimp Fist mit ihrem einzigartigen Gespür für Ausnahme-Songs verlässlich wie der Zeiger von Big Ben ein Album, das von Anfang bis Ende überzeugt! Es ist nur "more pissed and angry" geworden! Zurecht und genau zur richtigen Zeit!

Endlich ist es soweit: Schwedens Electro/ Synth-Pop-Sternchen Ashbury Heights melden sich zurück mit ihrem neuen Album “Ghost House Sessions - Vol. 1”. Bekannt für Anders Hagström’s einzigartige Stimme, einen unverkennbaren Musikstil und ihre mitreißenden Live Shows, liefern Ashbury Heights nun einen brandneuen Longplayer mit 23 neuen, wunderbar eingängigen und tanzbaren Songs mit Ohrwurmgarantie. “Ghost House Sessions - Vol. 1” ist ein außergewöhnliches Produkt aus langer, intensiver Arbeit und einer aufregenden sowie anstrengenden Zeit der Band: “Das vergangene Jahr war unglaublich inspirierend. Es gab großartige Höhen, aber auch unschöne Tiefen. Diese Achterbahn der Gefühle nimmt nun Gestalt in Form neuer Musik an”. In ihren nun schon fast 20 Jahren, haben Ashbury Heights nie aufgehört, ihren Sound aus New Wave, Electro, Synth Pop und Industrial weiterzuentwickeln und zu perfektionieren und beschenken uns wieder einmal mit einzigartigen Meisterwerken, die wirklich alle Füße und Hüften schwingen werden lassen.

WE DON'T TRUST YOU feierte die historische Partnerschaft zweier kulturverändernder Legenden auf dem Höhepunkt ihrer Kräfte und brachte das Internet fast zum Beben. Die neueste Zusammenarbeit von Future und Metro Boomin ist die Fortsetzung eines musikalischen Vermächtnisses, das bis zu "Karate Chop" zurückreicht, einer elektrischen Single aus dem Jahr 2013, die das dynastischste Hip-Hop-Duo der 2010er Jahre hervorbrachte. Mit Tracks wie "Jumpman" (mit Drake) aus dem Jahr 2015 und "Mask Off" aus dem Jahr 2017, Singles, die zusammen von der RIAA mit 14-fachem Platin ausgezeichnet wurden, haben sie ihre Verbindung weiter gefestigt. WE DON'T TRUST YOU enthält den Track "Like That" feat. Kendrick Lamar sowie weitere "A-List"-Gastbeiträge.

Alles endet. Selbst in den legendären Gefilden des Heavy Metal, wo Mythen und Legenden tagtäglich in die
alltägliche Realität eindringen. Mitglieder und Fans der amerikanischen Metal-Giganten Metal Church wurden
sich dessen schmerzlich bewusst, als sie im Juli 2021 ihren legendären Sänger und Frontmann Mike Howe
verloren. Von 1988 bis 1994 und noch einmal ab 2015 war Howe der Frontmann einer der meistgeliebten und
geschätzten Metal-Institutionen Amerikas und nahm bahnbrechende und essentielle Werke wie "Blessing in
Disguise" und "The Human Factor" auf.
Mike Howe war ein herausragender Sänger, ein charismatischer Frontmann und für viele die Stimme des
amerikanischen Heavy Metal. Am 26. Juli 2021 starb Howe im Alter von 55 Jahren in seinem Haus in Eureka,
Kalifornien. Die Welt hat an diesem Tag eine einzigartige Stimme und ein einzigartiges Talent verloren. Sein
Vermächtnis wird natürlich weiterleben, in seinen vielen Freunden, Anhängern und Fans, in seinen klassischen
Alben und in den Erinnerungen seiner Bandkollegen. Zum dritten Jahrestag seines tragischen Todes wird
Reaper Entertainment seinen eigenen Beitrag zum Gedenkaltar einer wahren Ikone leisten: ein Live-Album mit
dem Titel "The Final Sermon", aufgenommen bei seinen letzten Auftritten - am 24. und 25. August 2019 im Club
Citta in Kawasaki, Japan. "The Final Sermon" zeigt nicht nur Howe auf seinem stimmlichen Höhepunkt, der
singt, schreit und schmettert, als gäbe es buchstäblich kein Morgen, sondern auch eine Band in bestechender
Form. Thrash-Gitarren-Pionier und -Gründer Kurdt Vanderhoof, Gitarrist Rick Van Zandt, Bassist Steve Unger,
Schlagzeuger Stet Howland und Live-Bassist Bobby Ferkovich waren in diesen zwei langen Nächten in Japan in
Hochform, eine eingespielte Metal-Maschine, die zu allem bereit war. 14 Songs unterstreichen ihren Status als
Quintessenz amerikanischer Metal-Overlords, eine Band, die musikalisch alle Register zieht und gleichzeitig eine
politische, sozial bewusste, philosophische Denkweise verkörpert. Aktuelle Knaller wie das furiose
"Damned if you do", Klassiker wie die bedrohliche Riffwand von "Fake Healer" und frühe Klassiker wie "Beyond
the Black" zeigen eine Band, die sich ihrer Vergangenheit bewusst und stolz darauf ist, sich aber in der
Gegenwart wohl fühlt. Dies ist keine Veteranengruppe, die mit vergangenem Ruhm prahlt, sondern eine Band,
die auch vier Jahrzehnte nach ihrer Karriere noch ein hungriges und gefährliches Wolfsrudel ist.
Das ist das Schöne an Metal Church. Die Band wurde 1980 in der aufkeimenden Metalszene der Bay Area
gegründet und ließ sogar Lars Ulrich für den Posten des Schlagzeugers vorspielen, bevor er die Band verließ, um
eine andere Bay Area-Band zu gründen. Ihr Debütalbum "Metal Church" (1984) ist einer der großen Klassiker
des amerikanischen Heavy Metal und begründete eine internationale Karriere. Die Band spielte mit allen
großen Vier des Thrash (Metallica, Slayer, Megadeth, Anthrax), trat bei MTVs "Headbanger's Ball" auf und
prägte die amerikanische Metal-Landschaft wie keine andere. Die Band ist auch heute noch quicklebendig, aber
die legendäre Ära der achtziger und frühen neunziger Jahre wird durch die Spuren, die Sänger Mike Howe in
der Band hinterlassen hat, nie übertroffen werden: "The Final Sermon" ist der lebende Beweis dafür, dass, auch
wenn alle Idole irgendwann fallen, ihr Vermächtnis weiterlebt. Durch uns alle.

Alles endet. Selbst in den legendären Gefilden des Heavy Metal, wo Mythen und Legenden tagtäglich in die
alltägliche Realität eindringen. Mitglieder und Fans der amerikanischen Metal-Giganten Metal Church wurden
sich dessen schmerzlich bewusst, als sie im Juli 2021 ihren legendären Sänger und Frontmann Mike Howe
verloren. Von 1988 bis 1994 und noch einmal ab 2015 war Howe der Frontmann einer der meistgeliebten und
geschätzten Metal-Institutionen Amerikas und nahm bahnbrechende und essentielle Werke wie "Blessing in
Disguise" und "The Human Factor" auf.
Mike Howe war ein herausragender Sänger, ein charismatischer Frontmann und für viele die Stimme des
amerikanischen Heavy Metal. Am 26. Juli 2021 starb Howe im Alter von 55 Jahren in seinem Haus in Eureka,
Kalifornien. Die Welt hat an diesem Tag eine einzigartige Stimme und ein einzigartiges Talent verloren. Sein
Vermächtnis wird natürlich weiterleben, in seinen vielen Freunden, Anhängern und Fans, in seinen klassischen
Alben und in den Erinnerungen seiner Bandkollegen. Zum dritten Jahrestag seines tragischen Todes wird
Reaper Entertainment seinen eigenen Beitrag zum Gedenkaltar einer wahren Ikone leisten: ein Live-Album mit
dem Titel "The Final Sermon", aufgenommen bei seinen letzten Auftritten - am 24. und 25. August 2019 im Club
Citta in Kawasaki, Japan. "The Final Sermon" zeigt nicht nur Howe auf seinem stimmlichen Höhepunkt, der
singt, schreit und schmettert, als gäbe es buchstäblich kein Morgen, sondern auch eine Band in bestechender
Form. Thrash-Gitarren-Pionier und -Gründer Kurdt Vanderhoof, Gitarrist Rick Van Zandt, Bassist Steve Unger,
Schlagzeuger Stet Howland und Live-Bassist Bobby Ferkovich waren in diesen zwei langen Nächten in Japan in
Hochform, eine eingespielte Metal-Maschine, die zu allem bereit war. 14 Songs unterstreichen ihren Status als
Quintessenz amerikanischer Metal-Overlords, eine Band, die musikalisch alle Register zieht und gleichzeitig eine
politische, sozial bewusste, philosophische Denkweise verkörpert. Aktuelle Knaller wie das furiose
"Damned if you do", Klassiker wie die bedrohliche Riffwand von "Fake Healer" und frühe Klassiker wie "Beyond
the Black" zeigen eine Band, die sich ihrer Vergangenheit bewusst und stolz darauf ist, sich aber in der
Gegenwart wohl fühlt. Dies ist keine Veteranengruppe, die mit vergangenem Ruhm prahlt, sondern eine Band,
die auch vier Jahrzehnte nach ihrer Karriere noch ein hungriges und gefährliches Wolfsrudel ist.
Das ist das Schöne an Metal Church. Die Band wurde 1980 in der aufkeimenden Metalszene der Bay Area
gegründet und ließ sogar Lars Ulrich für den Posten des Schlagzeugers vorspielen, bevor er die Band verließ, um
eine andere Bay Area-Band zu gründen. Ihr Debütalbum "Metal Church" (1984) ist einer der großen Klassiker
des amerikanischen Heavy Metal und begründete eine internationale Karriere. Die Band spielte mit allen
großen Vier des Thrash (Metallica, Slayer, Megadeth, Anthrax), trat bei MTVs "Headbanger's Ball" auf und
prägte die amerikanische Metal-Landschaft wie keine andere. Die Band ist auch heute noch quicklebendig, aber
die legendäre Ära der achtziger und frühen neunziger Jahre wird durch die Spuren, die Sänger Mike Howe in
der Band hinterlassen hat, nie übertroffen werden: "The Final Sermon" ist der lebende Beweis dafür, dass, auch
wenn alle Idole irgendwann fallen, ihr Vermächtnis weiterlebt. Durch uns alle.

Jetzt folgt endlich Liana Flores‘ Debüt-Album auf dem berühmten Verve-Label. Musikalisch beeinflusst ist die Songschreiberin mit den hypnotischen Songs und der einschmeichelnden Stimme von britischem Folk der 60er Jahre, Künstlern wie Nick Drake und brasilianischer Bossa Nova. Ihre eigene Melange aus diesen Zutaten erinnert an erfolgreiche aktuelle Zeitgenossen wie Laufey und Faye Webster. Auf ihren Social-Media-Kanälen beschäftigt sich Liana Flores, die nicht nur eine beeindruckend reife Songschreiberin, Sängerin und Gitarristin ist, auch mit Themen wie Literatur und der Natur und ihrer Schutzwürdigkeit, Themen die sie auch in ihren Liedern behandelt.

Sepulchral Voice, black vinyl, 4 page insert. Als ob die glorreichsten Tage des Thrash Metal nie aufgehört hätten zu existieren, kommen die chilenischen Aggressoren Mayhemic mit einem Debüt, das äußerste Kraft und Geschwindigkeit mit unglaublicher Musikalität und einem Songwriting von schierer Brillanz verbindet. Wenn du deine weißen, dreckigen High Tops, Skinny Jeans und Lederjacken so scharf wie in den 80ern aufträgst, ist dies der perfekte Soundtrack, um sich den Kopf direkt in die Hölle zu bangen!

Omega, die erfolgreichste ungarische ProgRock Band, veröffentlichte sein bestes Material in den 70er Jahren, und "Time Robber" gilt als der musikalische Höhepunkt in der Omega-Diskographie. Kernstück der LP ist der Titelsong, flankiert von "House Of Cards Part I & II". Das fast 13-minütige Werk bündelte exakt, was Omega 1976 ausmachte: Progressiver Space Rock versetzt mit Hard-Rock-Elementen. Nach vier Studio-Alben und einer Compilation waren die ungarischen Top-Stars Omega im Westen immer noch nur ein Geheimtipp. Eine steigende Tendenz bei den Absatzzahlen war aber zu erkennen, selbst wenn die Verkäufe längst nicht durch die Decke gingen. Darüber hinaus hatte sich die Band entwickelt, war live und in ihrem Erscheinungsbild professioneller geworden. Die Bacillus/Bellaphon-Verantwortlichen wollten Omega demnach auf jeden Fall behalten und verlängerten 1976 den Vertrag mit dem Quintett bis 1980. Und dieses zog mit Peter Hauke in die Offenbacher Europasound-Studios und spielte dort "Time Robber" ein. Die LP wurde im Westen Omegas Durchbruch. Bis heute soll sich das Album an die zwei Millionen Mal verkauft haben. Und dieser Erfolg kam nicht von ungefähr, lieferten die Ungarn doch erstmals ein komplexes, in sich geschlossenes Werk ab.

Es steht das fünfte Studioalbum des Alt-Pop-Duos Cults, ”To The Ghosts” an. Das in New York ansässige Duo, bestehend aus den Multiinstrumentalisten Madeline Follin und Brian Oblivion, perfektioniert mit
diesem cineastischen Album selbstbewusst und klar seine Vision. ”To the Ghosts” wurde akribisch ausgearbeitet; die frühesten Ideen stammen aus der Zeit der Pandemie, als sie wochentags von 10 bis 17 Uhr ohne
Deadlines oder Ablenkungen, Musik schrieben. Das Album wurde in Brians Wohnung geschrieben und
aufgenommen; 2022 reisten sie nach Los Angeles, um mit dem langjährigen Produzenten und kreativen
Vertrauten Shane Stoneback zusammenzuarbeiten, denn ”niemand kann unsere Gedanken so gut lesen wie
er”, scherzt Madeline. ”To the Ghosts” wurde von Cults und Shane Stoneback co-produziert, von John
Congleton gemischt und von Heba Kadry NYC gemastert.
Gepresst auf Green Onion Vinyl enthält die exklusive EU-Version eine limitierte, signierte Zoetrope-PlattenspielerSlipmat.

Wiederveröffentlichung des Albums von 1998, mit dem für dälek alles begann, diesmal mit sechs Bonustracks. Enthält ein 12-seitiges Booklet mit Liner Notes von John Morrison und neuen Grafiken von Mikel Elam & Paul Romano.

Als Däleks Debüt 'Negro Necro Nekros' im Herbst 1998 erschien, befanden sich die ästhetischen und kommerziellen Konventionen des Hip-Hop im Umbruch. Während der Mainstream-Rap den Prozess der vollständigen Integration in die Mainstream-Popkultur mehr oder weniger abgeschlossen hatte, war im Underground-Hip-Hop eine aggressive Gegenbewegung entstanden.

Die Experimental-Hip-Hop-Pioniere Dälek haben Jahrzehnte damit verbracht, sich eine einzigartige Nische zu schaffen, in der sie Hardcore-Hip-Hop und Noise mit einer klanglichen Radikalität verschmelzen. Von Anfang an traten Dälek in die Fußstapfen ihrer Vorgänger Public Enemy und schöpften aus so unterschiedlichen Einflüssen wie My Bloody Valentine und den deutschen Experimentalisten Faust. Dälek ist es gelungen, der Rap-Musik völlig neue strukturelle Dimensionen zu verleihen. Seit 1998 haben sie sieben Studioalben und unzählige EPs, Singles und Kollaborationen veröffentlicht.

Nach Paramores Coverversion von "Burning Down The House", Teezo Touchdowns "Making Flippy Flop" und Lordes "Take Me To The River" hat A24 Music nun das vollständige Tracklisting und das Veröffentlichungsdatum für “Everyone's Getting Involved: A Tribute to Talking Heads' Stop Making Sense” bekannt gegeben. Das Projekt wird am 17. Mai digital erscheinen, die physischen Formate folgen am 26. Juli und können ab sofort vorbestellt werden. Die 16 frischen, aufregenden und überraschenden Neuinterpretationen umfassen die gesamte Tracklist des Originalalbums und schaffen neue Inhalte für langjährige Talking Heads-Fans, während sie eine neue Generation mit der Magie dieser Songs bekannt machen. Die brillante Auswahl der Künstler kontextualisiert Stop Making Sense in der populären Musik und Kultur neu, wobei der Schwerpunkt auf der generations- und stilübergreifenden Bandbreite liegt.

Das neue Album von Alex Izenberg - ein Sound von King Crimson bis zu Fleet Foxes!

Alex Izenberg veröffentlicht sein viertes Album "Alex Izenberg & The Exiles" am 26. Juli über Weird World / Domino. Der in Los Angeles lebende Izenberg arbeitet auf dem Album erstmals mit fester Band zusamme und hat sich auf ein einfaches Ziel konzentriert: etwas zu schaffen, das Bestand hat. Die Melodien sind romantisch und warm, die Arrangements sind einladend und ausladend, wobei das neues Ensemble, das sich um die stärksten Songs seiner Karriere formiert hat, gekonnt eingesetzt wird. Passend zu einem Album erweiterte Izenberg seinen Prozess weiter, indem er den erfahrenen Produzenten Phil Ek (Fleet Foxes, Father John Misty, Built to Spill) für den Mix des Albums verpflichtete. Der daraus resultierende Sound ist genauso intim wie Izenbergs eher hermetisches Material und strahlt gleichzeitig ein mystisches, gemeinschaftliches Leuchten aus, das sich in seinem Gesamtwerk ganz neu anfühlt. Das Herzstück von Alex Izenberg & The Exiles sind kühne Ideen, die von den kopflastigen Gedanken des Philosophen Alan Watts, den vielschichtigen Erzählungen von King Crimson und den imaginären Visionen von Fleet Foxes inspiriert sind. Auch wenn die Thematik esoterisch anmutet, lassen Izenberg und seine Band die Musik auf angenehme Art und Weise auf die Erde driften. Zum ersten Mal in Izenbergs Karriere passt der umwerfende Sound zur Größe seiner Vision.The

King Buzzo alias Buzz Osborne ist Sänger, Gitarrist und Gründer der einflussreichen Band The Melvins. Seine innovative Herangehensweise an Songwriting und Gitarrenspiel hat zahllose Musiker beeinflusst und unzählige Musikliebhaber zu begeisterten Fans gemacht. Buzzo, der für seine bahnbrechende Verwendung von heruntergestimmten Saiten bekannt ist, vermischte meisterhaft seine Punk- und Metal-Einflüsse und schuf so einen neuen, bahnbrechenden Sound in der Heavy Music. Im Laufe seiner langen Karriere, die 1983 in dem kleinen Örtchen Montesano im US-Bundesstaat Washington begann, hat Osborne mehr als 30 Alben unter dem Namen Melvins sowie zwei Soloalben 'Gift of Sacrifice' (2020) und 'This Machine Kills Artists' (2014) veröffentlicht. Desweiteren war er an einer Reihe von Kollaborationen beteiligt, darunter auch Fantômas und Crystal Fairy.

Für 'Gift of Sacrifice' hat sich Buzz mit Trevor Dunn zusammengetan, der vor allem für seine Arbeit mit Mr. Bungle bekannt sein dürfte, der eklektischen und unberechenbaren Band aus Nordkalifornien, die er 1985 mitbegründete. Doch ist seine Karriere auch außerhalb von Mr. Bungle nicht minder beeindruckend. So ist er zudem Mitglied von Fantômas, Trevor Dunn's Trio-Convulsant, Tomahawk und Melvins Lite.

Wiederveröffentlichung beider King Buzzo Alben zusammen in einem Paket mit 12-Seitigem Booklet + Bonus 'Sick As A Goat' Flexi Disk!

King Buzzo alias Buzz Osborne ist Sänger, Gitarrist und Gründer der einflussreichen Band The Melvins. Seine innovative Herangehensweise an Songwriting und Gitarrenspiel hat zahllose Musiker beeinflusst und unzählige Musikliebhaber zu begeisterten Fans gemacht. Buzzo, der für seine bahnbrechende Verwendung von heruntergestimmten Saiten bekannt ist, vermischte meisterhaft seine Punk- und Metal-Einflüsse und schuf so einen neuen, bahnbrechenden Sound in der Heavy Music. Im Laufe seiner langen Karriere, die 1983 in dem kleinen Örtchen Montesano im US-Bundesstaat Washington begann, hat Osborne mehr als 30 Alben unter dem Namen Melvins sowie zwei Soloalben 'Gift of Sacrifice' (2020) und 'This Machine Kills Artists' (2014) veröffentlicht. Desweiteren war er an einer Reihe von Kollaborationen beteiligt, darunter auch Fantômas und Crystal Fairy.

Für 'Gift of Sacrifice' hat sich Buzz mit Trevor Dunn zusammengetan, der vor allem für seine Arbeit mit Mr. Bungle bekannt sein dürfte, der eklektischen und unberechenbaren Band aus Nordkalifornien, die er 1985 mitbegründete. Doch ist seine Karriere auch außerhalb von Mr. Bungle nicht minder beeindruckend. So ist er zudem Mitglied von Fantômas, Trevor Dunn's Trio-Convulsant, Tomahawk und Melvins Lite.

Wiederveröffentlichung beider King Buzzo Alben zusammen in einem Paket mit 12-Seitigem Booklet + Bonus 'Sick As A Goat' Flexi Disk!

FOR FANS OF: FLEETWOOD MAC, THE DOOBIE BROTHERS.
1971 in Los Angeles gegründet, gehören The Eagles zu den bekanntesten Country-Rock-Acts weltweit. Einen wesentlichen Anteil am Erfolg der Band
hatten ihre musikalischen Köpfe Glenn Frey und Don Henley. Die Gruppe verkaufte weltweit bislang über 150 Millionen Tonträger. Diese limitierte
Vinyl Schallplatte enthält legendäre F.M. Recordings von 1994 inklusive den Mega-Hits "Hotel California" und "Peaceful Easy Feeling".

Mit ihrem neuen Album Megafauna in Sichtweite und seit fast 20 Jahren dabei, haben die irischen Experimentierfreaks And So I Watch You From immer wieder neue Ideen aufgenommen und die Grenzen ihrer komplizierten und ekstatischen gitarrenbasierten Posteverything-Kompositionen erweitert. Aber nichts in ihrem Repertoire kommt an den Ehrgeiz und das Ausmaß ihres 2022 entstandenen multimedialen Langform-Ensembleprojekts Jettison heran. Jettison wurde von Rory Friers, dem Gitarristen von And So I Watch You From Afar, konzipiert und von der Band, dem Orchestrator Connor O'Boyle, dem Arco String Quartet und dem bildenden Künstler Sam Wiehl zum Leben erweckt. Jettison ist eine Verschmelzung von ASIWYFAs lebensbejahender musikalischer Akrobatik, der mitreißenden Größe von Filmmusik und den surrealen und erhabenen Möglichkeiten von bewegten Bildern. Die Bühne für Jettison wird mit den friedlichen Klavierakkorden und den orchestralen Klängen von ,Dive Pt1" eröffnet, bevor es mit ,Dive Pt2" richtig losgeht, wo Friers und Kennedy von ihren Landsleuten Chris Wee am Schlagzeug und Johnny Adger am Bass unterstützt werden. Von da an durchläuft die 40-minütige, neunteilige Reise von Jettison die verschiedenen Schattierungen der euphorischen Instrumentalstücke von ASIWYFA, die von der ätherischen Eleganz des Arco String Quartet durchdrungen sind. Kurze Schnipsel kryptischer Dialoge von Emma Ruth Rundle und Neil Fallon sind über das ganze Album verstreut und weisen dem Hörer den Weg wie Wegweiser, die eine größere Geschichte andeuten und das Erlebnis weiter färben, während sie der Komposition insgesamt ein Gefühl des Geheimnisses verleihen. Ob es die Stakkato-Gitarren und Pedalboard-Manipulationen von ,Lung", der dubbige Bass und die spärlichen Folk-Melodien von ,In Air", der hymnische Geist von ,Emerge" oder die perfekte Symbiose aus klassischem ASIWYFA-Elektrojubel und der zarten Anmut des Arco String Quartetts sind, die verschiedenen Kapitel von Jettison bewahren den Geist und die Klangfarbe von ASIWYFA, während sie die Möglichkeiten ihres Sounds erweitern und die Sinne durch zusätzliche Instrumentierung übersättigen.Jettison ist auf keinen Fall ein gewöhnliches ASIWYFA-Album. Vielmehr handelt es sich um eine sehr bewusste Abkehr und nicht um einen evolutionären Schritt hin zu einem immer komplexeren und konzeptionelleren Werk. Die ehemals nur begrenzt verfügbare Veröffentlichung wird nun neu aufgelegt!

Mit ihrem neuen Album Megafauna in Sichtweite und seit fast 20 Jahren dabei, haben die irischen Experimentierfreaks And So I Watch You From immer wieder neue Ideen aufgenommen und die Grenzen ihrer komplizierten und ekstatischen gitarrenbasierten Posteverything-Kompositionen erweitert. Aber nichts in ihrem Repertoire kommt an den Ehrgeiz und das Ausmaß ihres 2022 entstandenen multimedialen Langform-Ensembleprojekts Jettison heran. Jettison wurde von Rory Friers, dem Gitarristen von And So I Watch You From Afar, konzipiert und von der Band, dem Orchestrator Connor O'Boyle, dem Arco String Quartet und dem bildenden Künstler Sam Wiehl zum Leben erweckt. Jettison ist eine Verschmelzung von ASIWYFAs lebensbejahender musikalischer Akrobatik, der mitreißenden Größe von Filmmusik und den surrealen und erhabenen Möglichkeiten von bewegten Bildern. Die Bühne für Jettison wird mit den friedlichen Klavierakkorden und den orchestralen Klängen von ,Dive Pt1" eröffnet, bevor es mit ,Dive Pt2" richtig losgeht, wo Friers und Kennedy von ihren Landsleuten Chris Wee am Schlagzeug und Johnny Adger am Bass unterstützt werden. Von da an durchläuft die 40-minütige, neunteilige Reise von Jettison die verschiedenen Schattierungen der euphorischen Instrumentalstücke von ASIWYFA, die von der ätherischen Eleganz des Arco String Quartet durchdrungen sind. Kurze Schnipsel kryptischer Dialoge von Emma Ruth Rundle und Neil Fallon sind über das ganze Album verstreut und weisen dem Hörer den Weg wie Wegweiser, die eine größere Geschichte andeuten und das Erlebnis weiter färben, während sie der Komposition insgesamt ein Gefühl des Geheimnisses verleihen. Ob es die Stakkato-Gitarren und Pedalboard-Manipulationen von ,Lung", der dubbige Bass und die spärlichen Folk-Melodien von ,In Air", der hymnische Geist von ,Emerge" oder die perfekte Symbiose aus klassischem ASIWYFA-Elektrojubel und der zarten Anmut des Arco String Quartetts sind, die verschiedenen Kapitel von Jettison bewahren den Geist und die Klangfarbe von ASIWYFA, während sie die Möglichkeiten ihres Sounds erweitern und die Sinne durch zusätzliche Instrumentierung übersättigen.Jettison ist auf keinen Fall ein gewöhnliches ASIWYFA-Album. Vielmehr handelt es sich um eine sehr bewusste Abkehr und nicht um einen evolutionären Schritt hin zu einem immer komplexeren und konzeptionelleren Werk. Die ehemals nur begrenzt verfügbare Veröffentlichung wird nun neu aufgelegt!

Repress auf purple & red splatter Vinyl. Das zweite, alles auf seinem Weg liegende vernichtende Album der Hardcore Thrasher aus Texas: POWER TRIP. Möglicherweise das beste Thrash Album des letzten Jahrzehnts! Massiv, riesig, über alle Dimensionen. Aufgenommen von Arthur Rizik (INQUISITION), gemastert von Joel Grind (POISON IDEA, TOXIC HOLOCAUST) mit Coverartwork von Paolo Girard. POWER TRIP sind eine echte Band, unvergleichlich. Ihre rohe Intensität, ihr musikalisches Können, die perfekte Songstruktur, fetter Sound, wilde Riffs, ihre Entschlossenheit und ihre bloße Einstellung machen sie zu einer der Speerspitzen im Metal, Punk und Hardcore Underground der USA. In den letzten Jahren haben POWER TRIP beinahe non-stop getourt und dabei Bands wie ANTHRAX, LAMB OF GOD, CRO-MAGS, NEGATIVE APPROACH, TURNSTILE, BACKTRACK, EYEHATEGOD, BANE, OFF! Und weitere supportet und Festivals in den USA, Europa und darüber hinaus beehrt.

Kevin Richard Martin (The Bug, KRM) und Joseph Kamaru (KMRU) schliessen sich für "Disconnect" zusammen, einer kraftvollen Studie aus Angst, Hoffnung und profunden Sounds, die tiefgründigen Dub mit Kamarus Stimme, Ambient-Sensibilitäten und Negativraum verbindet. Martin wurde durch die Musik zur Kurzdoku "Under The Bridge" (2020) auf den kenianischen Ambient-Musiker KMRU aufmerksam. Das Ergebnis ist ein kreativer Dialog, bei dem die fesselnden Vocals - irgendwo zwischen Intonation und Spoken Word - beschwörende Geschichten erzählen und ihre Poesie sich in die grandiose Graustufen-Musikarchitektur der beiden Produzenten einwebt.

"The Glass Frog" ist das Ergebnis einer grossen Gruppensession des profilierten, britischen Jazzpianisten Greg Foat mit befreundeten Musikern, wenn tief-spiritueller Modal-Jazz auf New-Age/Ambient-Synthesizer-Pads trifft.

Weniger als ein Jahr nach ihrem Album „Through and Through“ kehrt Baby Rose mit „Slow Burn“ zurück, einer Sammlung von Songs, die ihre Klangpalette von progressivem R&B zu einer raueren, reichhaltigeren und weitläufigeren Linse amerikanischer Musik erweitern. Hier behauptet sich Rose nicht nur als einmalige Sängerin, sondern auch als formidable Songwriterin, die die Punkte verbindet, an denen Muscle Shoals auf Psych trifft, Psych auf Jazz, Jazz auf Americana, und die richtigen Musiker bringen alles zusammen. Produziert von BADBADNOTGOOD, fanden Rose und die Band eine sofortige und scheinbar endlose Quelle der Inspiration; was als Einleitung begann, wurde zu einem Tag, zu einem Song, zu einer Nacht, zu „Slow Burn“. Baby Rose war bereits eine kraftvolle Performerin - sie kann die Bühne mit Robert Glasper teilen, ohne in Schweiß auszubrechen, oder einen epischen Film wie Creed III, für den sie den Abschlusssong sang, mit stählerner Zuversicht beenden. Als Rose sich das erste Mal mit BADBADNOTGOOD traf, war sofort eine Verbindung da, und gemeinsam nahmen sie die Leadsingle "One Last Dance" gleich bei diesem ersten Treffen auf. Es war Roses erster Freestyle-Song, und er brachte entscheidende Teile ihrer Vision auf den Punkt. "Ich wusste schon immer, dass es neue Räume und Sounds gibt, in die ich vordringen kann", erklärt Rose. "Ich war schon immer an verschiedenen Sounds interessiert, die diese raueren Texturen einbringen." Während die Geschwindigkeit ihrer Zusammenarbeit Rose begeisterte und überraschte, waren das Potenzial und die Endergebnisse es nicht. "Wir haben uns schnell bewegt", sagt sie, "und es war wirklich wie ein Wasserhahn. Sobald wir “One Last Dance“ hatten, wurde klar, dass alles fließen würde." Die Songs auf „Slow Burn“ wurden zum Teil von Roses Erfahrungen inspiriert, die sie auf den Fahrten zwischen den Wohnorten ihrer Familie machte: dem Lärm und Chaos von DC und der ruhigen Landschaft von Carolina. Rose drehte die Musik auf und ließ ihre Gedanken schweifen, um Raum für innere Monologe und imaginäre Dialoge zu schaffen, die man sonst vielleicht nicht zu hören wagt. Diese Momente haben etwas Verträumtes, und sie schwelen auf Slow Burn: Erinnerungen verlieren ihre Realität, Gefühle ersetzen Geschehnisse. Der Titeltrack zum Beispiel setzt sanfte, schlendernde Drums gegen Roses lyrische Wiederholungen, während sie diesen Erinnerungen - manche leben, manche fühlen - mit geduldigem, beharrlichem Verlangen nachspürt. Das herausragende "One Last Dance" kommt als Liebeslied getarnt daher, ist aber eigentlich eine Ode an eine verlorene Freundschaft und ein imaginärer Traum von einem weiteren Tag wie in alten Zeiten. Die Realität verschwimmt wieder mit dem Gefühl, der Gesang geht in ein Wiegenlied über, und BADBADNOTGOODs Bassist Chester Hansen bringt diese traumhafte Qualität in einen schleichenden, vorsichtigen, aber liebevollen Unterton. Tatsächlich haben die meisten Songs auf „Slow Burn“ dieses schleichende, schattenhafte Gefühl, als würden sie auf Zehenspitzen daherkommen: intim, aber ein wenig gefährlich, zärtlich, aber ein wenig geheimnisvoll. So vollständig und überzeugend dieses Werk auch ist, Slow Burn weist auf einen größeren, höheren Aufstieg in Baby Roses Zukunft hin.

Cassandra Jenkins ist ganz einfach eine der besten Songwriter-Geschichtenerzählerinnen, die derzeit Musik machen. Sie gehört zu den großen amerikanischen Songwritern, zu Künstlern wie David Berman, Adrianne Lenker, Jeff Tweedy und Sufjan Stevens. Es sind Künstler, die durch ein Gefühl der Unmittelbarkeit verbunden sind, nicht nur durch ihre Texte - die präzise, aufrüttelnd, manchmal brutal und im richtigen Moment witzig sind -, sondern auch durch die Art und Weise, wie sie singen, mit einer tiefgehenden, totalen Überzeugung, die einen durch ihre Lieder trägt. Das sind die Künstler und Lieder, die sich anschleichen und wirklich für immer mit uns leben, und auf „My Light, My Destroyer“ reiht sich Jenkins in diese Reihe ein. Das Bemerkenswerteste an „My Light, My Destroyer“ ist, dass es eine Künstlerin an einem aufregenden Sprung in ihrer Entwicklung zeigt. Vieles an diesem Album unterscheidet sich von seinen Vorgängern; Field Recordings und Found Sound durchdringen es, erzählerisches Songwriting kracht in berauschende, wirbelnde Kompositionen. Jenkins singt mit einer Stimme, die man nur als Powerwhisper bezeichnen kann (man denke an Sufjan Stevens, Annie Lennox, Margo Timmins oder Tweedy aus der YHF-Ära), ihr Gesang ist nah und intim, aber subtil konfrontativ. Aber hier fühlt sich alles größer an, ausgefeilter, kühner und reichhaltiger als bei ihren früheren Arbeiten. Geboren und aufgewachsen in New York City, ist Jenkins seit ihrer Kindheit auf Tournee und tritt auf. Ihre ersten Aufnahmen veröffentlichte sie im Eigenverlag, bevor sie 2021 ihr bahnbrechendes Album „An Overview auf Phenomenal Nature“ veröffentlichte. Auf „My Light, My Destroyer“ sind viele der Songs bestimmten Gefühlen gewidmet, und es geht darum, sich in diese Gefühle hineinzuversetzen, im Gegensatz zu einem erzählerischen Bogen. Die Leadsingle "Only One" ist ein Beispiel dafür, dass ein Moment oder ein Song völlig kurzsichtig sein kann; er kann ein einzelnes Gefühl verkörpern und bietet keine Antworten. Songs wie "Devotion", "Delphinium Blue", "Clams Casino", "Echo" und "Only One" sprechen von der befreienden Qualität einer fokussierten Beobachtung, selbst bis zum Punkt der Desillusionierung. "Es gibt diese Idee der Desillusionierung, an der ich festgehalten habe", sagt sie. "Ich schätze Desillusionierung als einen Prozess, bei dem man neue, unerwartete Ergebnisse entdeckt. Wir lassen auf diese Weise Erwartungen los. Erwartungen halten uns zurück. Es ist leicht, sich auf Abstumpfung oder Enttäuschung zu konzentrieren, aber ich sehe es eher als Freiheit".

Cassandra Jenkins ist ganz einfach eine der besten Songwriter-Geschichtenerzählerinnen, die derzeit Musik machen. Sie gehört zu den großen amerikanischen Songwritern, zu Künstlern wie David Berman, Adrianne Lenker, Jeff Tweedy und Sufjan Stevens. Es sind Künstler, die durch ein Gefühl der Unmittelbarkeit verbunden sind, nicht nur durch ihre Texte - die präzise, aufrüttelnd, manchmal brutal und im richtigen Moment witzig sind -, sondern auch durch die Art und Weise, wie sie singen, mit einer tiefgehenden, totalen Überzeugung, die einen durch ihre Lieder trägt. Das sind die Künstler und Lieder, die sich anschleichen und wirklich für immer mit uns leben, und auf „My Light, My Destroyer“ reiht sich Jenkins in diese Reihe ein. Das Bemerkenswerteste an „My Light, My Destroyer“ ist, dass es eine Künstlerin an einem aufregenden Sprung in ihrer Entwicklung zeigt. Vieles an diesem Album unterscheidet sich von seinen Vorgängern; Field Recordings und Found Sound durchdringen es, erzählerisches Songwriting kracht in berauschende, wirbelnde Kompositionen. Jenkins singt mit einer Stimme, die man nur als Powerwhisper bezeichnen kann (man denke an Sufjan Stevens, Annie Lennox, Margo Timmins oder Tweedy aus der YHF-Ära), ihr Gesang ist nah und intim, aber subtil konfrontativ. Aber hier fühlt sich alles größer an, ausgefeilter, kühner und reichhaltiger als bei ihren früheren Arbeiten. Geboren und aufgewachsen in New York City, ist Jenkins seit ihrer Kindheit auf Tournee und tritt auf. Ihre ersten Aufnahmen veröffentlichte sie im Eigenverlag, bevor sie 2021 ihr bahnbrechendes Album „An Overview auf Phenomenal Nature“ veröffentlichte. Auf „My Light, My Destroyer“ sind viele der Songs bestimmten Gefühlen gewidmet, und es geht darum, sich in diese Gefühle hineinzuversetzen, im Gegensatz zu einem erzählerischen Bogen. Die Leadsingle "Only One" ist ein Beispiel dafür, dass ein Moment oder ein Song völlig kurzsichtig sein kann; er kann ein einzelnes Gefühl verkörpern und bietet keine Antworten. Songs wie "Devotion", "Delphinium Blue", "Clams Casino", "Echo" und "Only One" sprechen von der befreienden Qualität einer fokussierten Beobachtung, selbst bis zum Punkt der Desillusionierung. "Es gibt diese Idee der Desillusionierung, an der ich festgehalten habe", sagt sie. "Ich schätze Desillusionierung als einen Prozess, bei dem man neue, unerwartete Ergebnisse entdeckt. Wir lassen auf diese Weise Erwartungen los. Erwartungen halten uns zurück. Es ist leicht, sich auf Abstumpfung oder Enttäuschung zu konzentrieren, aber ich sehe es eher als Freiheit".

Mit "Tarantino Sound" startet man eine Reise in das unnachahmliche musikalische Universum des Kult-Regisseurs.

Fuenf Typen, zu viele Instrumente und ehrliche Geschichten im bayrischen Slang. Geschichten wie Bilder von Kindheit, Frauen, Bier und Gemüsebrühe, von Emanzipation und vom Aufbruch ins Unbekannte. Da sind Lieder, die der ganzen scheiss Welt den Mittelfinger zeigen andere, die sie mit einem schulterzuckenden "Jamei!" umarmen. Und über alldem der Klang der sanften Brise des stillzirpenden, rauschenden, endlosen Oberpfaelzer Hinterlands. Im Versuch die Welt in Musik zu fassen entziehen sich die "Widersacher aller Liedermacher" lieber einer kategorischen Einordnung und manövrieren zwischen Folk, Rock und Jazz, zwischen Hip-Hop und Klassik in einer zügellosen Freiheit, die irgendwie 60er-Jahre-Woodstock-Vibes durch den Hypophysenlappen wabern laesst.

Borned In Ya zeigt Carpers langjährige musikalische Einflüsse ebenso wie ihre künstlerische Entwicklung und ihren Sinn für Abenteuer.

Neben ihrer bekannten Mischung aus Country mit Jazz, Blues, Soul und R&B setzt Carper auf dem neuen Album ihre subtile Mischung dieser Elemente fort und kreiert Songs, die die Genres kreuzen und an die "populären" Sounds einer anderen Ära erinnern. Von Refrains im Gospel-Stil über funkige Grooves, die an den klassischen R&B der 50er und 60er Jahre erinnern, bis hin zu Hillbilly-Jazz, Honky-Tonk und Country-Soul - Carper hat ein weiteres Meisterwerk geschaffen.
Melissa Carper wollte dem Old-School-Sound der 1940er- und 1950er-Jahre treu bleiben, den die Fans von ihren von der Kritik gefeierten Alben Daddy's Country Gold (2021) und Ramblin' Soul (2022) kennen und lieben, und gleichzeitig ihre einzigartige Mischung aus Blues, Soul, frühem Rock'n'Roll, Jazz, Western Swing und Country-Sounds einbringen.

BLUE NOTE CLASSIC VINYL EDITION: Mono (Thad Jones) bzw. Stereo (Clifford Jordan), von Kevin Gray gemastert, bei Optimal auf 180g-Vinyl gepresst, im Single-Sleeve.

Der 1986 gestorbene Trompeter Thad Jones ist Jazzfans vor allem durch seine großartigen Arbeiten mit dem Count Basie Orchestra (dem er als Solist, Arrangeur und Komponist von 1954 bis 1963 angehörte) und seinem eigenen Thad Jones/Mel Lewis Orchestra in Erinnerung. Doch er konnte sich auch als Leader kleinerer Ensembles immer wieder glänzend in Szene setzen. Und nirgends besser als auf dem 1956 mit einem All-Star-Quintett aufgenommenen Album “The Magnificent Thad Jones”, mit dem sich der Trompeter endgültig als einer der führenden Musiker und Komponisten des modernen Jazz etablierte.

Als Clifford Jordan 1957 nach New York zog, um im Quintett von Max Roach Sonny Rollins zu ersetzen, eilte ihm der Ruf voraus, eines der größten Chicagoer Talente auf dem Tenorsaxofon zu sein. Noch
im Jahr seiner Ankunft erhielt der 25-Jährige die Chance, drei Alben für Blue Note einzuspielen, auf denen er sein Können unter Beweis stellte. Auf “Cliff Craft”, einer wunderbar entspannten Quintett-Aufnahme, präsentierte Jordan neben drei eigenen Kompositionen auch exzellent interpretierte Klassiker von Charlie Parker, Dizzy Gillespie und Duke Ellington.

BLUE NOTE CLASSIC VINYL EDITION: Mono (Thad Jones) bzw. Stereo (Clifford Jordan), von Kevin Gray gemastert, bei Optimal auf 180g-Vinyl gepresst, im Single-Sleeve.

Der 1986 gestorbene Trompeter Thad Jones ist Jazzfans vor allem durch seine großartigen Arbeiten mit dem Count Basie Orchestra (dem er als Solist, Arrangeur und Komponist von 1954 bis 1963 angehörte) und seinem eigenen Thad Jones/Mel Lewis Orchestra in Erinnerung. Doch er konnte sich auch als Leader kleinerer Ensembles immer wieder glänzend in Szene setzen. Und nirgends besser als auf dem 1956 mit einem All-Star-Quintett aufgenommenen Album “The Magnificent Thad Jones”, mit dem sich der Trompeter endgültig als einer der führenden Musiker und Komponisten des modernen Jazz etablierte.

Als Clifford Jordan 1957 nach New York zog, um im Quintett von Max Roach Sonny Rollins zu ersetzen, eilte ihm der Ruf voraus, eines der größten Chicagoer Talente auf dem Tenorsaxofon zu sein. Noch
im Jahr seiner Ankunft erhielt der 25-Jährige die Chance, drei Alben für Blue Note einzuspielen, auf denen er sein Können unter Beweis stellte. Auf “Cliff Craft”, einer wunderbar entspannten Quintett-Aufnahme, präsentierte Jordan neben drei eigenen Kompositionen auch exzellent interpretierte Klassiker von Charlie Parker, Dizzy Gillespie und Duke Ellington.

Ein Zwischenspiel & eine Liebeserklärung Geübt, geordnet, wahrscheinlich inszeniert gingen die Beatles im Sommer 1969 über den Zebra Streifen der Abbey Road - 55 Jahre später sind es Brezn und Semmeln, die die vier Oberammergauer Bergschafe über die Kreuzung locken. Die Beatles gingen nach rechts, die Schafe gehen nach links. Wo sie sich treffen? Natürlich auf dem neuen Album von Maxi Pongratz. "I mecht an Landla hean" schiebt sich zwischen Solo-Album zwei und drei wie ein Zwischenspiel. Es ist ein Innehalten und Besinnen auf die Ursprünge, eine Liebeserklärung an die Volksmusik. Schon viel zulange versucht der Heimatsound, Volksmusik wieder 'cooler" zu machen. Sie muss aber nicht 'cool" gemacht werden. Sie ist das, was sie ist: Folk. Was sie nicht braucht - Heimat. Sie kann überall zu Hause sein. In den Melodien von David Bowie und Tom Waits, zwischen den Zeilen von Wir sind Helden, selbst im Dance-Schlager eines Gigi d"Agostino (bei Maxi Pongratz mit Hackbrett-Intro). Maxi Pongratz hat in seinem Repertoire gekramt und erste Kompositionen ("Eiseckla"), übermitteltes Liedgut ("Ich und der Mond", "Landlerrunde") und seine All-Time-Favorit-Coversongs zusammengetragen. So haben sich auf "I mecht an Landla hean" zwölf vorwiegend instrumentale Songs versammelt und es passiert das, was meistens passiert, wenn sich Musikanten spontan an einem (Wirtshaus-)Tisch zusammenfinden - jede*r bringt etwas mit und am Ende wird getanzt.

Für Fans von QOTSA, Red Fang, Elder, Black Sabbath'

"Es gibt Dinge, die passen einfach zusammen. Und manchmal ist auf den ersten Blick gar nicht so klar, warum die eigentlich so gut zusammen passen. Eines dieser Phänomene ist Stoner und Desert Rock aus Skandinavien. Es braucht keinen akademischen Abschluss in Geographie um zu erkennen, dass die Heimatstadt von Slomosa Bergen recht weit von der Wüste entfernt ist. Und dennoch kommen gerade aus den skandinavischen Ländern einige der besten Wüstenrock Bands unserer Zeit. Dozer, Greenleaf, Brutus und Spiritual Beggars sind nur einige Beispiele dafür. In dieser Reihe darf sich nun auch Bergen's Quartett Slomosa wähnen. Die vier Musiker aus der zweitgrößten Stadt Norwegens platzten in diesem Sommer mit ihrem selbstproduzierten und selbstbetitelten Debut auf den Musikmarkt (…) Dabei reichen die Einflüsse von den schwerfälligen Desert Rock Giganten Thin White Rope über den krachigen Desert Fuzz à la Sloburn bis zum zackigen und melodischen Skandivavien Blues, wie Brutus ihn spielen..." (Silence)

ACT OF CREATIONs intensives, komplexes und kompromissloses Melodic-Death-Metal-Album "Moments To Remain" fängt die Energie der Band perfekt ein und wartet mit einer massiven Soundwand auf, die stets genügend Raum für die feinen Nuancen des ureigenen Bandsounds lässt.

"Moments To Remain" kann man als die Fortsetzung der letzten drei ACT OF CREATION Alben verstehen, dennoch sollte man es als eigenständigen Release betrachten.
Das ganze Album beruht auf dem Konzept, einen kompletten Tag Revue passieren zu lassen und über bestimmte Themen nachzudenken, während man am Wasser sitzt.
Das Ergebnis ist ein Album, welches trotz aller Komplexität keinerlei Kompromisse bei der Durchschlagskraft eingeht und somit den Hörer auf eine hochemotionale Reise durch die musikalische Welt von ACT OF CREATION einlädt.

Seit mehr als zwei Jahrzehnten verfolgen Dr. Dog ihre Hingabe an die Alchemie des Musikmachens. Als es an der Zeit war, ihr elftes Studioalbum aufzunehmen, wählte die aus Philadelphia stammende Band einen vielschichtigen Prozess aus, der eine tiefere Synergie zwischen den fünf Mitgliedern (Bassist Toby Leaman, Lead-Gitarrist Scott McMicken, Rhythmusgitarrist Frank McElroy, Keyboarder Zach Miller und Schlagzeuger Eric Slick) erforderte. Diese Reise begann mit einer gemeinsamen Session in einer Hütte in den Wäldern von Pennsylvania, von wo aus Dr. Dog sich nach und nach ihren Weg zu dem fröhlich-unbefangenen Psych-Rock ihrer neuen, selbstbetitelten LP bahnten. McMicken übernahm bei "Dr. Dog" zum ersten Mal in der Geschichte der ausgesprochen egalitären Band das Ruder als Produzent, abgemischt wurde das Album vom mehrfachen Grammy-Gewinner Matt Ross-Spang (Jason Isbell, Drive-By Truckers). Getreu dem eklektischen Geist, der die Band schon immer beseelt hat, wechseln die 11 Tracks auf "Dr. Dog" von Soul über Surf-Rock bis hin zu symphonischem Pop mit einer Ausgelassenheit, die durch die wiederbelebte kreative Energie beflügelt wurde. Ihr erstes komplettes Album seit "Critical Equation" von 2018 zeigt Dr. Dog als eine Band, die noch immer, nach über zwanzig Jahren ihrer Karriere, zusammenwächst und sich weiterentwickelt.

Der ehemalige Type O Negative/Danzig-Schlagzeuger Johnny Kelly und der Gitarrist und Riffschreiber Dan Lorenzo (Hades/Non-Fiction) gründeten Patriarchs In Black Ende des Jahres 2021. Die Songs auf dem neuen Album "Visioning" vereinen Elemente des klassischen Doom Metals mit modernen Sounds sowie Ausflüge in den Hardcore/Crossover.
Gemischt und gemastert wurde das Album bei JROD Productions von Jon Cioicari.

Ihre Debütsingle "Demon of Regret" erschien im Januar 2022 und das komplette Album "Reach For The Scars" wurde am 1. Juli 2022 veröffentlicht. Ihr zweites Album "My Veneration" erschien am 6. Oktober 2023 mit mehreren Gastsängern und Bassisten.
Für das kommende 3. Studioalbum "Visioning" hat Dan Lorenzo zwölf neue Songs geschrieben. Neben Schlagzeuger Johnny Kelly sind wieder eine Reihe großartiger Sänger und Bassisten dabei, wie Dave Neabore (Dog Eat Dog), Karl Agell (Corrosion Of Confirmity), Eric Morgan (A Pale Horse Named Death), Mark Sunshine (Riotgod), Jason McMaster (Watchtower), Kyle Thomas (Exhorder) und viele mehr.

Die Songs auf "Visioning" vereinen Elemente des klassischen Doom Metals mit modernen Sounds sowie Ausflüge in den Hardcore/Crossover.
Gemischt und gemastert wurde das Album bei JROD Productions von Jon Cioicari.

"Es macht so viel Spaß und setzt die Sänger nicht zu sehr unter Druck, mit ein oder zwei tollen Texten und Melodien pro Jahr aufzuwarten. Ich schreibe eine Menge Riffs/Musik. Unser drittes Album kam sehr einfach zusammen. FUN FUN FUN" sagt Dan.

Jerome Thomas kehrt zurück mit seinem neuen Album “Submerge”, das in Zusammenarbeit mit dem Produzenten Pitch 92 entstanden ist und nimmt uns mit auf eine zutiefst menschlichen Entdeckungsreise. Textlich setzt sich Jerome mit den Themen Schwarzsein, der Suche nach Sicherheit sowie der Komplexität von Liebe und Lust auseinander. Klanglich verbindet das Projekt musikalische Einflüsse der Vergangenheit mit einer zeitgenössischen Produktion und lässt uns eintauchen in eine Mischung aus Jazz, R&B und 70’s Soul.

Der in Hackeney, London, geborene und aufgewachsene Jerome Thomas ist bekannt für sein umfangreiches stimmliches Können und die Fähigkeit, Soul auf seine eigene Art und Weise einen zeitgemäßen Kontext zu verleihen. Er hat bereits mit Künstlern und Produzenten wie FloFilz, Talos, Blue Lab Beats, Joe Armon-Jones, Serious Klein, Maxwell Owin und Bluestaeb zusammengearbeitet.

Das ist schon ein historischer Moment: Exile On Mainstream bringt erstmalig eine Wiederveröffentlichung einer Platte, die seit Jahren restlos ausverkauft ist und am 25. April 2008 nur auf CD erschien. Erstmalig auf Vinyl, remastered: Heavy Zooo von BEEHOOVER. Die Band schreibt dazu: "Endlich! Oft gewünscht, drüber nachgedacht und wieder verworfen. Aber jetzt, endlich, kann mit Hilfe unseres Lieblingslabels Heavy Zooo so kommen, wie wir uns das die letzten 15 Jahre gewünscht haben: auf Vinyl!" Ist es Metal? Ist es Stoner Rock? Ist es Jazz oder gar Avantgarde? Weißt du was? Vergiss doch einfach mal die ganzen Schubladen in deinem Kopf und beantworte folgende Frage: Wann hat das letzte Mal jemand versucht, die Melvins zu klassifizieren? Oder Primus? Siehst du! Ladies & Gentlemen - der Heavy Zooo öffnet seine Tore! Treten sie ein und bestaunen sie eine Sammlung der unglaublichsten Geschöpfe dieses Planeten. Schimären aus Groove und Intelligenz. Sounds, so vertraut und doch so neu. Nichts hier ist eindimensional. Nur mit Bass und Drums schaffen Beehoover die Quadratur des Kreises - verrückte Arrangements mit Arsch, die dir das Tanzbein zucken lassen, dich aber trotzdem große Augen machen lassen. Damit sind die Eckpfeiler gemauert, zwischen denen sich die Sounds einer der wohl außergewöhnlichsten deutschen Bands dieser Tage spannen. Eine Kategorisierung erscheint unmöglich, wenn auch Beehoover Einflüsse aus traditionellen Stilen miteinander verweben. Im wahrsten Sinne des Wortes - das Ergebnis ist ein Teppich aus Bass und Drums, aus emotionalen Ausbrüchen und psychotischer Melancholie. Claus-Peter Hamisch (Drums) und Ingmar Peterson (Bass) versuchen dabei konsequent herkömmliche Strukturen zu vermeiden und neue Wege zu gehen, ohne jedoch den Song aus dem Auge zu verlieren. Ihre Herangehensweise ist avantgardistisch, das Ergebnis aber trotzdem melodisch. Ihre Auseinandersetzung mit Sounds ist intelligent und Kopf-betont. Das Resultat hingegen geht direkt in den Bauch - eine Wirkung, die heute nicht viele Bands erzielen können. Die Presse schrieb im April 2008: Dieses Duo ist ein echter Geheimtipp! ... ein echtes Original! ... Einfach nur großartig! (Eclipsed) Ein erneut bärenstarkes Album! (Rock Hard) Amtlicher Irrendoom, nur mit Ballerbass und Drums fabriziert. Ein herrlicher, fachmännisch fröhlicher Krach. Funktioniert eins a, absolut nicht zu klassifizieren.(Intro) ... die schwäbische Antwort auf die Melvins ... brachial-tighte Riffmaschine unter Dampf ... fette Prog-Schwarte, nie affektiert oder klugscheißend, sondern immer mitreißend komplex. (VISIONS) _ eine Mischung aus der Verrücktheit und technischen Brillianz von Primus, dem feinsinnigen Humor und der Vielseitigkeit der Melvins, der Heaviness und Brachialität von Neurosis und der Rhythmik von Kyuss (METAL HAMMER) Beehoover sind sie der lebende Beweis dafür, dass ein Bass, ein Schlagzeug und ein gepflegter Testosteronüberhang ausreichen, um die Musikgeschichte auf Lightning Bolt, Led Zeppelin, Melvins und Unsane einzudampfen und dein Trommelfell inklusive allem was dahinter liegt in die ewigen Jagdgründe zu schicken. (VICE) _ Es grenzt an ein Wunder ... Heavy Zooo steht als untrüglicher Beweis dafür, dass musikalischer Minimalismus tatsächlich maximale Brachialität und Wirkung erzielen kann (Legacy)

Der gefeierte Pianist Joep Beving veröffentlicht sein erstes gemeinsames Album mit dem in Berlin arbeitenden niederländischen Cellisten und Produzenten Maarten Vos. Ihr Album vision of contentmenterscheint auf Nils Frahms Label LEITER und folgt auf die Zusammenarbeit an Henosis, Bevings drittem Album aus dem Jahr 2019. Die LP, die von Frahm im LEITER Studio im Funkhaus Berlin abgemischt wurde, enthält acht neue Kompositionen und ist sowohl auf Vinyl als auch über alle digitalen Plattformen erhältlich. Während Beving noch nie ein komplettes Album mit anderen Musiker*innen aufgenommen hat, kollaboriert Vos regelmäßig mit Künstler*innen wie Julianna Barwick, Nicolas Godin (AIR) und Alex Smoke. "Endlich ergab sich die Gelegenheit, mit ihm Musik zu machen." sagt Beving. "Ich versuche immer, kleine Welten zu schaffen, in die die Hörer*innen kurzzeitig eintauchen können. Die Arbeit mit Maarten und Nils hat mir ungemein dabei geholfen, dies zu erreichen. Maarten ist ein wahrer Klangkünstler und Nils ist, nun ja... der Meister des Klangs!" Aus ihrer mitunter düsteren Arbeit, entstand eine universelle Lobrede auf das, was der Pianist "Trost finden in der Akzeptanz des Unvermeidlichen" nennt. Aber das Album ist weit mehr als das. Es ist auch eine erstaunlich persönliche Hommage an Mark Brounen, ihren Freund und - in Bevings Fall - Manager, der nach einem mehrjährigen Kampf gegen den Krebs während der Aufnahmen zu diesem Album verstarb. Der Großteil von vision of contentment wurde im Juli 2023 in "de Berenpan", einem Wald außerhalb eines kleinen Dorfes in der niederländischen Provinz Utrecht, geschrieben und mit verschiedenen Synthesizern, einem Cello und einem Klavier aufgenommen. Das Album vermittelt gewiss auf mehreren Wegen eine Idee von Ruhe und Gelassenheit, sei es in unserer Welt oder im Jenseits. Es beginnt mit den blechernen Klängen von "on what must be", und endet mit ruhigen, fast aufmunternden "The boat". Zwischen diesen sensiblen 'Buchenden" liegt ein halbes Dutzend Tracks: Das geisterhafte "Penumbra", das dumpfe, nostalgische "A night in Reno" und das amorphe, beunruhigende "Hades". Vos" schwermütige Cello-Klänge auf "The heron" werden dagegen schnell von einer zauberhaften Klaviermelodie erhellt, die nur durch Geräusche gestört wird, die von einer übernatürlichen Präsenz im Raum zeugen könnten. vision of contentment ist eine wunderbare Hommage an das Leben und alles, was danach kommen mag - kathartisch, spirituell erweckend und letztlich voller Liebe.

Das erste Album des legendären amerikanischen Rockduos, "Tenacious D", erscheint im Doppel-LP-Format. Die unzertrennlichen Kumpels Jack Black und Kyles Gass haben sich bei der Aufnahme dieses Albums mit bekannten Musikern umgeben (Dave Grohl, Page McConnell oder Steven Shane McDonald). Dieses neue Vinyl ist die perfekte Gelegenheit, um in die Anfangszeit des Duos einzutauchen, zwischen Liedern.

Sony Music feiert das 25-jährige Jubiläum des legendären Soundtracks "Bodyguard" mit der Veröffentlichung von Whitney Houston - I Wish You Love: More From The Bodyguard am 17. November 2017. Die brandneue Whitney Houston Sammlung enthält eine großartige Auswahl von Live- und Studioaufnahmen - viele davon bisher unveröffentlicht oder bisher nicht erhältlich, welche die größten Erfolge der Künstlerin dokumentieren. Auf dem neuen Album I Wish You Love: More From The Bodyguard finden sich noch nie veröffentlichte Live-Aufnahmen von Whitneys berühmter "Bodyguard"-Tour (1993-1995), dazu noch nie gehörte Versionen der Musikstücke aus " Bodyguard", ein Remix von "I'm Every Woman", zusätzliche Grafiken und vieles mehr. Das Album wird als CD und digital veröffentlicht.Einige der Höhepunkte des Albums sind ein Alternative Mix von "I Will Always Love You" mit einem gesprochenen Intro von Whitney alias Rachel Marron, eine noch nie veröffentlichte Acapella-Version von "Jesus Loves Me" und eine Live-Aufnahme des nur selten gespielten "Run To You". Außerdem enthalten sind Film- und Live-Versionen von "I Will Always Love You", "I Have Nothing", "Queen of The Night".

Forever Friends' ist viel mehr als ein Album; es ist ein Manifest. Durch die Verschmelzung von elektronischer Musik und Klavierkunst weben die beiden Künstler eine Klangkreation, die die Komplexität und Schönheit menschlicher Beziehungen widerspiegelt. Die Klaviernoten von Sofiane Pamart, Stammgast auf renommierten Bühnen in Frankreich und im Ausland, vermischen sich hier mit dem melodischen Techno des Produzenten NTO, der auch in Frankreich und darüber hinaus ein großes Publikum anzieht. 2021, nach der Veröffentlichung der ersten gemeinsamen Single 'Invisible' (mehr als 25 Millionen Streams bislang) tat sich NTO mit Sofiane Pamart zusammen, um eine musikalisch zarte, poetische Version zu kreieren. Jetzt kommen die beiden Künstler auf einem ersten gemeinsamen Album mit 11 Titeln wieder zusammen. Über NTO: der französische DJ ist Teil der neuen Welle elektronischer Musikkünstler. Er kreiert gefilterte, helle Melodien und sein letztes Album 'APNÉA' aus 2021 ist eine fesselnde musikalische Reise durch melodischen Minimal-Techno. Der Pianist Sofiane Pamart wird als "Pianist des französischen Rap" bezeichnet. Nach zahlreichen Kollaborationen mit Rappern wie SCH, VALD und MAES erlangte er 2022 erstmalig öffentliche Aufmerksamkeit. Sein Talent ermöglicht es ihm, klassische Musik mit Pop und Hip-Hop und nun erstmals in Kollaboration mit NTO auch elektronischer Musik zu verbinden.

Spätestens jetzt mit der Veröffentlichung ihres dritten Albums 'X's' stehen Cigarettes After Sex im Zentrum der Aufmerksamkeit nicht nur als eine der herausragenden Indie-Bands der Gegenwart, sondern überhaupt als eine der weltweit erfolgreichsten Bands egal welchen Genres, deren oft unkonventioneller Weg zum Superstartum dazu beigetragen hat, die Definition von Erfolg für Künstler in der heutigen Zeit neu zu definieren.

In rohen, fantasievollen, manchmal schmutzigen Vignetten, die von hinreißenden, langsam vor sich hinschreitenden Popsongs untermalt werden, fängt Bandleader Greg Gonzalez alle Emotionen ein, die eine romantische Beziehung hervorruft. Doch während frühere Alben aus einem Sammelsurium von Beziehungen schöpften, konzentriert sich das dritte Album 'X's' auf eine einzige Beziehung, die sich über vier Jahre erstreckte. "Die Platte fühlt sich brutal an", gibt Gonzalez zu. "Ich könnte mich hinsetzen und mit jemandem über diesen Verlust reden, aber das würde nicht mal an der Oberfläche kratzen. Ich muss wirklich darüber schreiben, darüber singen, die Musik dazu haben, erst dann kann ich anfangen, es zu analysieren und daraus zu lernen. Oder ich erlebe es einfach noch einmal - auf eine gute Art und Weise.“

Gonzalez hält sich nach wie vor an die klassischen Strukturen des Popsongs, hat sich aber von den klanglichen Eckpfeilern der 50er und 60er Jahre entfernt und fühlt sich nun vom Slow Dance der 70er/80er Jahre angezogen. Auch wenn diese Veränderungen (in typischer Cigarettes-Manier) subtil sein mögen, so ist das Resultat doch eine andere Energie, eher vergleichbar mit Tränen, die sich in der Discokugel brechen, um ein starkes Bild zu bemühen.

Ein sehr persönliches soziopathisches Juwel, das als futuristische Interpretation der Funktionsweise von Musik geliefert wird, eine melodiöse Brise mit einem Hauch von giftigem Lärm. Ein Album mit zehn Songs, dazu ihr zehntes Studiowerk. Die Gegenüberstellung des Konzepts des `dunklen Sonnenscheins', eine brütende Solo-Platte, auf der Kristin Hersh zusammen mit Freunden ihre klangliche Vision erweitert; ein quietschender Mix aus disharmonischer Schönheit, Rückkopplung und Phasenkreisel von einfach klirrender Normalität. Man stelle sich Dinosaurier Jr. und My Bloody Valentine vor, die Dylan Verse vertonen. Mit beiden Extremen des Klangspektrums: atonal und arrhythmisch, ein einzigartiger Sound und eine glorreiche Rückkehr zur Form für eine der wahren Innovatorinnen des Alternative Rock. "Imagine truly buying your own sunshine and charm, but also your darkness and violence; the two sides of your psychology showing each other off in relief. Songs can do that...we can't, really. Darkness we've seen." - Kristin Hersh, July 2018 "She's still as powerful a presence as she ever was." - Pitchfork "The prodigious output and commitment to quality is pretty staggering, but then Kristin Hersh is a very, very special musician." - The Quietus

Nichts wirkte in den 70er und 80er Jahren so neu, modern oder futuristisch wie ein Synthesizer. Wenn ein Werbespot das Produkt oder sein Unternehmen zukunftsorientiert und der Zeit voraus erscheinen lassen sollte, wollte man etwas Elektronisches, etwas Außergewöhnliches. Als Fernsehproduzenten und Werbedirektoren nach Musik suchten, die wie 'Tubular Bells' und später nach Jean-Michel Jarre klang, mussten Musikbibliotheken wie De Wolfe, Bruton, Parry und Chappell die Titel sofort verfügbar haben. - 'Tomorrow's Fashions', zusammengestellt von Bob Stanley, reicht von Werbe-Jingles und TV-Themen bis hin zu herrlicher, beatloser Atmosphäre. Die Electronica-Marke 'Tomorrow's Fashions' nahm New Age- und Ambient-Musik vorweg. Sie hatte auch einen direkten und indirekten Einfluss auf Pop - die frühen Human League und die dann folgenden Sounds von Warp Records sind überall in dieser Compilation zu finden. Electronic Library-Tracks wurden von vielen Artists gesampelt, von MF Doom bis Kendrick Lamar. Was für den einen primitiv und experimentell ist, ist für den anderen ein Schlaflied aus dem Weltraumzeitalter. Dies war Musik, die im Verborgenen gemacht wurde, in Sohos geheimen Musikbibliothek-Studios, und die jetzt begehrt bei Sammlern und nicht zuletzt einflussreich geworden ist.

Das Debütalbum von VUUR & ZIJDE ("Feuer & Seide") dreht sich auf bemerkenswerte Weise um Themen wie bedingte und bedingungslose Liebe - und den Unterschied zwischen diesen, die Befreiung von Intimität und Mutterschaft. Mit "Boezem" ("Schoß", wörtlich: "Busen") lehnt es das niederländische Quintetts höflich ab, die ewigen Heavy Metal-Klischees zu bedienen. Obwohl die Niederländer im Black Metal verwurzelt sind und deren Mitglieder in so etablierten Bands wie LASTER, NUSQUAMA, SILVER KNIFE, GREY AURA, WITTE WIEVEN und TERZIJ DE HORDE gespielt haben oder weiterhin dabei sind, haben sie ihren stilistischen Kurs seit dem Split-Album mit IMPAVIDA (2020) korrigiert. Die Entwicklung von einem Trio zu einem 5-köpfigen Ensemble hatte eine größere Bandbreite an Einflüssen und Ideen zur Folge. Die subtilen Veränderungen auch der Produktion reichen aus, um einen Teil des neuen Sounds in der spannenden aktuellen Evolution des Post-Black Metal zu verorten. Die schwarze Seite der Musik drückt sich hauptsächlich in wirbelnden Schlagzeugattacken und surrenden Gitarrenriffs aus. Doch "Boezem" baut noch auf einer weiteren starken Säule auf, denn die Band nennt auch Acts wie COCTEAU TWINS und sogar DEAD CAN DANCE als wichtige Einflüsse, die beide im Post-Punk begannen und sich dann zu verträumteren, meditativen Klängen weiterentwickelten. Synthesizer-Sounds sowie die schöne, warme Stimme von Sängerin Famke tragen offensichtlich zu dieser anderen Seite von VUUR & ZIJDE bei. Die Sängerin zeichnet auch für einige Texte verantwortlich, die in Frysk (Friesisch) verfasst sind. Diese alte germanische Sprache wird noch immer in einigen niederländischen und deutschen Nordseeküstengebieten gesprochen, die sich bis zur dänischen Grenze erstrecken. Alle anderen Texte sind auf Niederländisch verfasst. Mit "Boezem" gelingt VUUR & ZIJDE ein perfekter Balanceakt zwischen ihren gegensätzlichen Polen. Die aggressive Seite mit schwarzen, zum Post-Black Metal verwandelten Elementen kontrastiert mit der lichten Seite von Shoegaze, Post-Punk und Wave. Beide Seiten kreisen in einem endlosen Tanz umeinander, der faszinierende neue Musik hervorbringt. "Boezem" erstrahlt voller Schönheit und ist doch wie eine schwarze Rose zugleich von Dornen übersät.

SYLVAN Konzerte waren und sind stets etwas Besonderes. Auf unzähligen Festivals und Konzerten weltweit präsentierte die Hamburger "New Artrock"-Band schon seit dem Jahr 2000 ihre atemberaubende Musik. Wie bei vielen Künstlern waren aufgrund der Corona-Pandemie ihre Konzerte zuletzt etwas rar, doch sie ließen sich davon nicht verunsichern und setzten mit ihrem erfolgreichen Studio-Album "One To Zero" ein deutliches Ausrufe- und Lebenszeichen. Auf ihrer Tour im Jahr 2024 zeigten SYLVAN nun, warum ihre Fans sie so lieben: eine perfekte Show mit einer spielfreudigen, eingespielten Band, eine perfekte Show mit bis ins Details abgestimmten Lichteffekten und Visuals und eine Setlist, die nun wirklich aber auch gar keine Wünsche übrig ließ. Die fünf Hamburger verstehen es dabei wie kaum eine andere Band, ihr Publikum auf eine emotionale Reise mitzunehmen. Eine Reise voller Extreme: mal laut, mal leise - mal zerbrechlich, mal vor Energie strotzend - mal scheinbar einfach, mal komplex. Aber immer melodiös und fokussiert auf den momentanen Hauptdarsteller: sei es Ausnahmesänger Marco Glühmann, Tasten-Zauberer Volker Söhl oder Gitarren-Virtuose Johnny Beck, welcher seinem grandiosen und unverwechselbaren Gitarrenspiel das Publikum bezaubert und eine wahre Bereicherung für SYLVAN auf der Bühne ist. Das Fundament bildet die äußerst solide und eingespielte Rhythmus-Sektion mit Bassist Sebastian Harnack und Drummer Matthias Harder. Die Song-Auswahl ist eine Mischung aus dem Besten der langjährigen Band-Historie, garniert mit Songs des letzten Albums, welches sie ja vorher aus genannten Gründen noch nicht auf einer Tour präsentieren konnten - diese Mixtur entfaltet einen wahrhaftigen Live-Spirit und bringt nochmal einen ganz besonderen Touch und Power in die Musik.
Sylvan treten hier den unwiderlegbaren Beweis an, dass sie nun mit voller Kraft zurück auf der Bühne sind.

VOICE sind zurück und werden das Herz eines jeden Metalfans mit ihrem neuen Album "Holy Or Damned", das mit eingängigen Hooklines und einer beeindruckenden Produktion besticht, schneller schlagen lassen.
Nach ihrem erfolgreichen 2017er Comeback-Album "The Storm", besinnen sie sich nun zurück auf ihre Wurzeln und präsentieren mit "Holy Or Damned" ein abwechslungsreiches, neues Album, auf dem jeder Song nahtlos in den nächsten Song übergeht, ohne dass der Spannungsbogen unterbrochen wird.
Dieses Album gehört zweifelsohne in die Musiksammlung aller Metalfans, die eingängige Hooklines, ein wohldurchdachtes musikalisches Konzept und eine beeindruckende Produktion zu schätzen wissen.
In den Texten geht es um das Auf und Ab im Leben. Es geht darum, geliebt und gehasst zu werden und die Texte zeigen, dass sich der Blick auf die Welt binnen Sekunden ändern kann.
Mit "Holy Or Damned" fängt die Band die Essenz von über 30 Jahren musikalischer Kreativität ein.
Besonders hervorzuheben sind die Gastmusiker, die VOICE auf diesem Album begrüßen dürfen: Gitarrist Ragnar Zolberg (Sign, ex-Pain Of Salvation) bereichert den Song "Dream On" mit seinem Solo. Ebenso beeindruckend ist der Beitrag am Bass von Hans-Jürgen "Jäcki" Reznicek (Silly) beim Song "Tears In The Dust".

Die Multi-Platin-Rockband MR. BIG veröffentlicht ihr zehntes Studioalbum mit dem treffenden Titel "Ten"! Inmitten ihrer letzten Tournee - THE BIG FINISH - wollten sich MR. BIG, inspiriert von den unzähligen Fans, die im vergangenen Jahr ihren Abschied mit ihnen teilten, mit einem brandneuen Studioalbum verabschieden. Nach mehr als drei Jahrzehnten musikalischer Partnerschaft zünden Martin,
Gilbert und Sheehan mit Hilfe des Newcomers Nick D'Virgilio noch einmal den Funken und nehmen mit dem kommenden "Ten" eine neue Form an.

Das gesamte Album wurde sowohl live im Studio als auch im Tourbus aufgenommen. Die erste Single und das dazugehörige Video aus "Ten", "Good Luck Trying", ist ein lauter, rauer 70er-Jahre-Blues-"Rock"-Song, der Einflüsse von MR. BIGs frühesten musikalischen Inspirationen, gefolgt von dem aus der Feder von Paul Gilbert stammenden Up On You" - ein geradliniger Stomp-Rocker!

Im Januar wurde bekannt, dass Thom Yorke den Soundtrack für Daniele Luchettis Film "Confidenza“ komponiert hat, eine Adaption des italienischen Dramas, das auf dem gleichnamigen Roman von Domenico Starnone basiert. Der Film feierte seine Premiere auf dem Internationalen Filmfestival in Rotterdam und wird am 24. April in die italienischen Kinos kommen. Produziert wurde der Film von Indiana Production und Vision Distribution, der Vertrieb erfolgt durch Vision Distribution. Erscheinen wird der Soundtrack am 26. April zuerst digital. Am 12. Juli folgt die Veröffentlichung auf Vinyl und CD. Schon heute erscheint das Musikvideo zur Single "Knife Edge" mit Elio Germano und Federica Rosellini in den Hauptrollen, das eine neu geschnittene Sequenz aus dem Film sowie einen B-Seiten-Track mit dem Titel "Prize Giving" enthält. Der Intro-Track "The Big City" wurde von Yorke im Februar in seiner Playlist für BBC 6 angeteasert.

"Confidenza“ folgt auf Yorkes vorherigen Score zum "Suspiria“-Remake. Dafür erhielt Yorke eine GRAMMY-Nominierung für den besten Song für visuelle Medien erhielt. Produziert von Sam Petts-Davies (Suspiria, The Smile Wall Of Eyes), arbeiten Petts-Davies und Yorke bei "Confidenza“ erneut mit dem London Contemporary Orchestra und einem Jazz-Ensemble zusammen, zu dem auch Robert Stillman und sein Bandkollege von The Smile, Tom Skinner, gehören. 2019 steuerte Yorke Musik zu Edward Nortons "Motherless Brooklyn“ bei und 2022 schrieb er zwei Songs für das Serienfinale von "Peaky Blinders“.

Zuletzt war Yorke mit The Smile (Tom Skinner, Jonny Greenwood, Thom Yorke) auf Tour, die im Januar ihr zweites Studioalbum "Wall Of Eyes“ veröffentlichten,
das auf das 2022 erschienene Debütalbum "A Light For Attracting Attention“ folgt.

Die dänische Band Efterklang meldet sich mit ihrem siebten Studioalbum „Things We Have In Common“ zurück, das am 27. September über City Slang veröffentlicht werden soll.

Ein Album über Freundschaft, Zugehörigkeit, Glauben und Verständnis, Themen, die in der Musik spürbar sind, die sanft und erhebend, heilend und mitreißend ist. Efterklang ist zu einer offenen Gemeinschaft mit drei festen Mitgliedern geworden: Mads Brauer, Casper Clausen und Rasmus Stolberg. Für dieses Album hat sich das Kerntrio wieder mit ihrem alten Freund und Efterklang-Gründungsmitglied Rune Mølgaard zusammengetan, der die Band 2007 verließ, um sich der mormonischen Kirche anzuschließen, und schließlich 2022 aus der Kirche austrat. Seine tiefgreifende spirituelle Reise beeinflusst maßgeblich den Inhalt und den Ton des Albums, auf dem er sieben der neun Songs mitgeschrieben hat. Things We Have In Common“ fällt mit dem 20-jährigen Jubiläum des Debütalbums der Band zusammen und präsentiert zwei Jahrzehnte der Zusammenarbeit, Erforschung, Entwicklung und Wiedervereinigung. Das Album enthält Beiträge von einer Vielzahl internationaler Musiker. Zach Condon von Beirut, der finnische Schlagzeuger Tatu Rönkkö, der venezolanische Gitarrist Hector Tosta und die guatemaltekische Cellistin und Sängerin Mabe Fratti wurden zu wichtigen Mitwirkenden. Der preisgekrönte italienische Mixer Francesco Donadello und der Süddänische Mädchenchor haben dem Album ihren Stempel aufgedrückt, wie schon beim 2012er Album „Piramida“ der Band.

NOTHING MORE, das dreifach für den Grammy nominierte Quartett aus San Antonio, Texas, meldet sich mit ihrem spannungsgeladenen 8. Studioalbum CARNAL zurück, das am 28. Juni über Better Noise Music erscheint. Das Album enthält 15 Songs mit selbstreflektierten, philosophischen Texten und ungeschminkten, massiven Hymnen. Seit ihrem Debüt im Jahr 2003 haben NOTHING MORE zwei #1 Singles "This is the Time (Ballast)" und "Go To War" im US Active Rock-Radio platziert und waren insgesamt sieben mal in den Top-10 vertreten. "CARNAL" demontiert eindrucksvoll ihre musikalische Kompetenz innerhalb des Rock-Genres und weit darüber hinaus.

Eintauchen in ein musikalisches Phänomen, das
seinesgleichen sucht: Das 30-jährige Jubiläum des
ikonischen Albums "Tales From The Thousand Lakes"
von AMORPHIS wird mit einer Live-Aufnahme zelebriert,
die in Sachen Brillanz und Intensität neue Maßstäbe
setzt. Diese einzigartige Veröffentlichung, erhältlich auf
BluRay, CD und Vinyl, wurde im geschichtsträchtigen
Tavastia-Club in Helsinki, Finnland, aufgenommen in
chronologischer Abfolge. Erhältlich ab dem 12. Juli 2024,
manifestiert diese Veröffentlichung die unvergleichliche
Dynamik und künstlerische Einzigartigkeit von
AMORPHIS. Selten wurde die rohe Kraft und emotionale
Tiefe eines Live-Auftritts so authentisch eingefangen wie
in diesem klanglichen Erinnerungsstück und
außergewöhnlichen Konzertfilm.
"Tales From The Thousand Lakes" entfaltet sich weit
mehr als ein gewöhnlicher Live-Mitschnitt; es ist eine Ode
an die finnische Mythologie, eine Verbeugung vor der
unberührten Natur Finnlands. Mit bildgewaltigen
Aufnahmen entzündet dieser Live-Mitschnitt ein Feuerwerk
intensiver Emotionen und belebt die einzigartigen
Kompositionen von AMORPHIS neu. Jeder Song ist ein
kunstvoll inszeniertes Meisterwerk, das die Zuhörer auf
eine emotionale Zeitreise entführt und tief im Herzen
berührt. Vom dramatischen Auftakt "Into Hiding" über das
unvergessliche "Black Winter Day" bis zum zauberhaften
"Magic & Mayhem" - jede Melodie eine Perle, die in der
fesselnden Live-Atmosphäre zusätzlichen Glanz erhält.

Es ist 6 Jahre her, dass wir das letzte Mal von Adrienne Pauly gehört haben. 6 Jahre sind lang und kurz zugleich, die Zeit, die ihre Lieder brauchten, um zu reifen und zu reifen, um veröffentlicht zu werden, um uns angeboten zu werden. Dieses dritte Album ist ein persönliches Werk, in dem Adrienne sich uns mit Poesie anvertraut und uns in ihr Universum hineinzieht, das sofort identifizierbar und doch so ganz anders ist. Es ist ein Album, an dem die langjährigen Weggefährten Gaby Concato (Melissa Mars, Jacques Dutronc, Vanessa Paradis) und Axel Concato (PY JA MA) sowie die Seele der Stranglers, Jean-Jacques Burnel, mitwirken. Die Schauspielerin und Sängerin feierte ihren ersten musikalischen Erfolg 2006 mit ihrem Debütalbum, das von den Singles "La fille du prisunic" und vor allem "J'veux un mec" getragen wurde. Diese brachten ihr im selben Jahr eine Nominierung bei den Victoires de la Musique in den Kategorien "Album Revelation of the Year" und "Artist of the Year" ein. 2024 freut sich Kuroneko nun Neues der Künstlerin veröffentlichen zu können.

Die vier Musiker aus Rosenheim sammelten schon viele Jahre Erfahrung in verschiedenen Bands, bevor sie 2013 gemeinsam ein neues Projekt starteten. Zum ersten Live-Auftritt musste zwangsläufig ein Bandname her: die Wahl fiel auf Koriander. Warum und wieso weiß keiner mehr so genau. Den Stil kann man grob mit Rock, 80er-Sound, Pop und deutschsprachigen Texten umschreiben. Insgesamt recht breit gefächert, manche Songs klingen kompromisslos, grob & laut, andere dann eher wieder ruhig und einfühlsam. Eine eigene, außergewöhnliche Mischung die fesselt und mitreißt. Nach gut 10 Jahren gemeinsamen Musizierens erscheint 2024 nun das langersehnte Debüt-Album auf Trikont, dem wahrscheinlich ältesten Indielabel der Welt. mal rockig, mal bluesig, mal punkig - echt - Out of Rosenheim Koriander aus Rosenheim, das ist die musikalische Symbiose von vier gereiften Musikern, die seit nunmehr 10 Jahren ihr Publikum mit einer heißen Mischung aus progressiven "80s Trash Pop" ehrlichen Rock"n"Roll und gradlinig philosophischen Liedern begeistern. Eine Rhythmusabteilung wie ein Brett, eine umtriebige Gitarre und eine ordentliche Portion Seele in der Stimme machen den Sound very unique. Die kompromisslose Liveshow schließt den Kreis. Neue innovative Musik aus der Provinz mit außergewöhnlichen Texten die man nicht so schnell vergessen wird.

Remastered Re-Release des 2006er Albums des belgischen Synth-Pop-Trios, auf dem Telex bewiesen, dass sie nicht nur mit der Zeit Schritt halten konnten, sondern sogar an den technischen Entwicklungen der Musikwelt wachsen konnten.

pätestens jetzt mit der Veröffentlichung ihres dritten Albums 'X's' stehen Cigarettes After Sex im Zentrum der Aufmerksamkeit nicht nur als eine der herausragenden Indie-Bands der Gegenwart, sondern überhaupt als eine der weltweit erfolgreichsten Bands egal welchen Genres, deren oft unkonventioneller Weg zum Superstartum dazu beigetragen hat, die Definition von Erfolg für Künstler in der heutigen Zeit neu zu definieren.

In rohen, fantasievollen, manchmal schmutzigen Vignetten, die von hinreißenden, langsam vor sich hinschreitenden Popsongs untermalt werden, fängt Bandleader Greg Gonzalez alle Emotionen ein, die eine romantische Beziehung hervorruft. Doch während frühere Alben aus einem Sammelsurium von Beziehungen schöpften, konzentriert sich das dritte Album 'X's' auf eine einzige Beziehung, die sich über vier Jahre erstreckte. "Die Platte fühlt sich brutal an", gibt Gonzalez zu. "Ich könnte mich hinsetzen und mit jemandem über diesen Verlust reden, aber das würde nicht mal an der Oberfläche kratzen. Ich muss wirklich darüber schreiben, darüber singen, die Musik dazu haben, erst dann kann ich anfangen, es zu analysieren und daraus zu lernen. Oder ich erlebe es einfach noch einmal - auf eine gute Art und Weise.“

Gonzalez hält sich nach wie vor an die klassischen Strukturen des Popsongs, hat sich aber von den klanglichen Eckpfeilern der 50er und 60er Jahre entfernt und fühlt sich nun vom Slow Dance der 70er/80er Jahre angezogen. Auch wenn diese Veränderungen (in typischer Cigarettes-Manier) subtil sein mögen, so ist das Resultat doch eine andere Energie, eher vergleichbar mit Tränen, die sich in der Discokugel brechen, um ein starkes Bild zu bemühen.

pätestens jetzt mit der Veröffentlichung ihres dritten Albums 'X's' stehen Cigarettes After Sex im Zentrum der Aufmerksamkeit nicht nur als eine der herausragenden Indie-Bands der Gegenwart, sondern überhaupt als eine der weltweit erfolgreichsten Bands egal welchen Genres, deren oft unkonventioneller Weg zum Superstartum dazu beigetragen hat, die Definition von Erfolg für Künstler in der heutigen Zeit neu zu definieren.

In rohen, fantasievollen, manchmal schmutzigen Vignetten, die von hinreißenden, langsam vor sich hinschreitenden Popsongs untermalt werden, fängt Bandleader Greg Gonzalez alle Emotionen ein, die eine romantische Beziehung hervorruft. Doch während frühere Alben aus einem Sammelsurium von Beziehungen schöpften, konzentriert sich das dritte Album 'X's' auf eine einzige Beziehung, die sich über vier Jahre erstreckte. "Die Platte fühlt sich brutal an", gibt Gonzalez zu. "Ich könnte mich hinsetzen und mit jemandem über diesen Verlust reden, aber das würde nicht mal an der Oberfläche kratzen. Ich muss wirklich darüber schreiben, darüber singen, die Musik dazu haben, erst dann kann ich anfangen, es zu analysieren und daraus zu lernen. Oder ich erlebe es einfach noch einmal - auf eine gute Art und Weise.“

Gonzalez hält sich nach wie vor an die klassischen Strukturen des Popsongs, hat sich aber von den klanglichen Eckpfeilern der 50er und 60er Jahre entfernt und fühlt sich nun vom Slow Dance der 70er/80er Jahre angezogen. Auch wenn diese Veränderungen (in typischer Cigarettes-Manier) subtil sein mögen, so ist das Resultat doch eine andere Energie, eher vergleichbar mit Tränen, die sich in der Discokugel brechen, um ein starkes Bild zu bemühen.

Zum ersten Mal in ihrer Karriere werden ODESZA Live-Versionen ihrer Songs als ein zusammenhängendes Album veröffentlichen, das die fast unbeschreibliche Magie ihrer ausgedehnten und eindringlichen Konzerterfahrung zum Leben erweckt. Das Album wird auf 3LP Ghostly Clear Vinyl in einem maßgeschneiderten Trifold-Sleeve mit einer Ausstanzung in der Mitte erscheinen. Das Paket enthält drei austauschbare, matt lackierte Innenhüllen, die es den Fans ermöglichen, ihr eigenes Cover zu wählen. Vorbestellungen sind ab sofort im ODESZA-Store möglich. Produziert von ODESZA (bestehend aus Harrison Mills und Clayton Knight), wurde „The Last Goodbye Tour Live“ während ihrer monumentalen „The Last Goodbye Tour“ 2022 und '23 aufgenommen, der ersten Amphitheater-Tournee, die jemals von einer elektronischen Band unternommen wurde. Fast jeder Song wurde für die Live-Show überarbeitet und neu arrangiert, und die Kreativität und der Einfallsreichtum von ODESZA sind auf dem Album deutlich zu hören. „The Last Goodbye Tour Live“ ist komplett mit der bekannten ODESZA-Drumline, zwei Bläser:innen und einer wechselnden Besetzung von Sänger:innen wie Naomi Wild, Sudan Archives, Izzy Bizu, MARO, Mansionair und Charlie Houston. Das kommende Live-Album wird zeigen, warum ODESZA zu einem Live-Musik-Muss geworden sind, da sie in den letzten Jahren als Headliner bei fast jedem großen US-Musikfestival aufgetreten sind (einschließlich Lollapalooza, Bonnaroo, Outside Lands, Austin City Limits, Electric Forest, Governors Ball Music Festival und anderen). Das Live-Album wird vor der großen „The Last Goodbye Tour“-Finale von ODESZA erscheinen, das diesen Sommer stattfindet und das unglaubliche aktuelle Kapitel ihrer Karriere mit einem großen Höhepunkt beenden, mit zahlreichen Terminen, von denen viele ausverkauft sind, in kultigen Venues wie Madison Square Garden, The Greek Theatre Berkeley, BMO Stadium, The Gorge und Folsom Field.

Inhaltsangabe:Lautes Gekrächze und Hilfeschreie schallen durch den Park. Peter eilt zu Hilfe, als ein Mann von einem wild gewordenen Schwarm Krähen attackiert wird.Mit ihren spitzen Schnäbeln hacken die Vögel wütend auf den Mann ein und lassen nur schwerlich von ihm ab. Was hat die Krähen so in Aufregung versetzt? Justus, Peter und Bob folgen dem Ruf der Krähen und stoßen auf ein geheimes Projekt, das die Zukunft der Menschheit auf den Kopf stellt. Sprecher:innen & MitwirkendeErzähler: Axel MilbergJustus Jonas, Erster Detektiv: Oliver RohrbeckPeter Shaw, Zweiter Detektiv: Jens WawrczeckBob Andrews, Recherchen und Archiv: Andreas FröhlichGoldie June: Uli HeissigGordon Dust: Till HagenRoy Hancock: Nicolas KönigKimberly Cryder: Viktoria FleerBuch und Effekte: André Minninger - Regie und Produktion: Heikedine KörtingRedaktion: Maike Müller - Titelmusik: Simon Bertling & Christian Hagitte (STIL)Musik: Jan-Friedrich Conrad, Jens-Peter Morgenstern, Constantin Stahlberg Cover-Illustration: Silvia Christoph - Design: Atelier SchoedsackBasierend auf dem gleichnamigen Buch von André Minninger, erschienen im Kosmos Verlag, Stuttgart. © 2023Based on characters created by Robert Arthur. Mit freundlicher Genehmigung der Universität Michigan. Die drei ??? © 2024 Franckh-Kosmos Verlags-GmbH & Co. KG. (P) & © 2024 EUROPA a division of Sony Music Entertainment GmbH

Inhaltsangabe:Lautes Gekrächze und Hilfeschreie schallen durch den Park. Peter eilt zu Hilfe, als ein Mann von einem wild gewordenen Schwarm Krähen attackiert wird.Mit ihren spitzen Schnäbeln hacken die Vögel wütend auf den Mann ein und lassen nur schwerlich von ihm ab. Was hat die Krähen so in Aufregung versetzt? Justus, Peter und Bob folgen dem Ruf der Krähen und stoßen auf ein geheimes Projekt, das die Zukunft der Menschheit auf den Kopf stellt. Sprecher:innen & MitwirkendeErzähler: Axel MilbergJustus Jonas, Erster Detektiv: Oliver RohrbeckPeter Shaw, Zweiter Detektiv: Jens WawrczeckBob Andrews, Recherchen und Archiv: Andreas FröhlichGoldie June: Uli HeissigGordon Dust: Till HagenRoy Hancock: Nicolas KönigKimberly Cryder: Viktoria FleerBuch und Effekte: André Minninger - Regie und Produktion: Heikedine KörtingRedaktion: Maike Müller - Titelmusik: Simon Bertling & Christian Hagitte (STIL)Musik: Jan-Friedrich Conrad, Jens-Peter Morgenstern, Constantin Stahlberg Cover-Illustration: Silvia Christoph - Design: Atelier SchoedsackBasierend auf dem gleichnamigen Buch von André Minninger, erschienen im Kosmos Verlag, Stuttgart. © 2023Based on characters created by Robert Arthur. Mit freundlicher Genehmigung der Universität Michigan. Die drei ??? © 2024 Franckh-Kosmos Verlags-GmbH & Co. KG. (P) & © 2024 EUROPA a division of Sony Music Entertainment GmbH

Die US-Progressive-Metal-Pioniere und Innovatoren PSYCHOTIC WALTZ machen endlich ihren gesamten fesselnden und zeitlosen Backkatalog weltweit über InsideOutMusic wieder verfügbar. In zwei Wiederveröffentlichungs-Schritten (Mai & Juli 2024) werden die klassischen ersten vier Alben der Band - "A Social Grace" (1990), "Into The Everflow" (1992), "Mosquito" (1994) und "Bleeding" (1996) - neu gemastert von Patrick W. Engel / Temple Of Disharmony als 2CD Digipaks mit viel seltenem oder bisher unveröffentlichtem Bonusmaterial sowie erweiterten Layouts erhältlich sein, und die Hauptalben werden zusätzlich als Ltd. Gatefold-LP-Editionen auf 180g-Vinyl neu aufgelegt. Eine zusätzliche Demo-Raritäten-Zusammenstellung (mit einem Teil des Bonusmaterials) mit dem Titel "To Chase The Stars (Demos 1987 - 1989)" wird ebenfalls als Ltd. Gatefold 2LP Edition erhältlich sein, was diese Re-Issue-Kampagne zu einem aufregenden und unverzichtbaren Projekt sowohl für langjährige Kenner der Band als auch für neuere Mitglieder der ständig wachsenden progressiven Musikgemeinde macht.