Search:mit uns

Willkommen im Motel Reno, gelegen an einem fegefeuerartigen Abschnitt des Highway to Hell, wo zu den Annehmlichkeiten Kabelfernsehen, eine Türmatte zum Abstauben der Cowboystiefel, fließendes Wasser, das meistens funktioniert, ein Bett mit einem Kissen und ein paar Decken mit mysteriösen Flecken gehören - na ja, okay, nicht viel, aber genug, um eine Reihe von guten und schlechten Träumen zu starten... Oska Wald, Frontmann der Berliner Garagenband Chuckamuck, hier nun zu hören auf seinem Solodebut. "Motel Reno" bietet altmodisches Lo-Fi-Neo-Folk-Handwerk und erinnert uns daran, dass die Kunst des Songwritings vielleicht noch einen weiteren Tag zu leben hat. Und vielleicht ist das alles, was wir uns in diesen unruhigen Zeiten wirklich wünschen können. Wald geht den Dingen auf den Grund, um dann mit der Hoffnung und Ironie, die wir zum Atmen brauchen, wieder an die Oberfläche zu kommen. Die Eagles mögen ihr Hotel California haben, Leonard Cohen sein Chelsea Hotel, aber Motel Reno wird immer Oska Walds zweites Zuhause sein.

Nachdem das Alternative Rock Trio LOST ZONE aus Norditalien mit ihrem Debütalbum „Reslilience“ & der Deluxe Version „Resilience – Full Circle“ schon einen ersten kleinen Achtungserfolg landen konnte, kommt mit "Ordinary Misery" ein ein neuer Longplayer, dass sich mit seinen Elementen aus Moder-Metal & Alternative-Rock, nahtlos an die Vorgänger anschließt.
"Ordinary Misery" ist mehr als nur Musik; LOST ZONE fassen die „alltäglichen Bad News“ mit denen sich jeder von uns leider oft kommentarlos auseinandersetzt und einfach hinnimmt, zusammen und nehmen den Zuhörer mit in diese Stimmungen und Gedanken. Von aggressiven Shouts und Moshparts, bis hin zu ruhigeren Klängen zeigen LOST ZONE, wie moderne Rockmusik klingen kann!
Darüber hinaus verleihen die einzigartigen Gastfeatures dem Album eine zusätzliche Dimension, die es von anderen abhebt. Ob mit dem Berliner Crossover Act BLUTHUND oder Philip Wilhelm von Post-Hardcore Act FROM FALL TO SPRING.
"Ordinary Misery" ist erhältlich als CD, limitierte Vinyl für Sammler und natürlich als digitales Erlebnis für unterwegs.

Für LORNA SHORE war 2020 nichts weniger als eine Abrechnung - in einer Karriere, die auf Herausforderungen, Veränderungen und einer zielstrebigen Vision aufgebaut war. Für das Quintett aus New Jersey bedeutete 2020 die Pandemie und abgesagte Tourneen. Das darauffolgende Jahr stellte die Band vor eine große kreative Herausforderung in Form des Songs 'To the Hellfire' von ihrer vielbeachteten '...And I Return to Nothingness'-EP. Und doch haben sie mit 'Pain Remains' ihr klangliches Niveau gesteigert, ein Album, das nicht nur alles zusammenfügt, was LORNA SHORE angedeutet haben, sondern es auch übertrifft - brutal und großartig. 'Es fühlt sich an wie eine Wiedergeburt von allem für uns - von der Energie, der Band, der Moral', sagt Schlagzeuger Austin Archey. 'Pain Remains' ist der Sound einer Band, die ihren Klang und ihre Identität verfeinert hat. Von den eröffnenden Chorgesängen und der Orchestrierung (komponiert von Gitarrist Andrew O'Connor) von 'Welcome Back, O' Sleeping Dreamer' direkt in das Labyrinth aus musikalischen Wendungen, technischen Details und rohen Emotionen im Kern von Tracks wie 'Sun Eater' oder 'Soulless Existence' und gipfelnd in der 'Pain Remains'-Trilogie, haben LORNA SHORE ein ausuferndes Dokument aus Ehrgeiz, Seele und Können gewoben, das nur Wenige erreichen können. Es ist auch der Sound von LORNA SHORE, der aus jeder Art von Kategorisierung ausbricht und sich selbst als eine großartige Extrem-Metal-Band etabliert. Mit 'Pain Remains' sind LORNA SHORE wirklich angekommen. 'Das war schon seit Jahren die Idee und die Vision für die Band', sagt Adam. 'Wir wollten uns nie einschränken lassen oder die Erwartungen von irgendjemandem erfüllen, was wir zu sein haben.

serpentwithfeet, der in Baltimore geborene Sänger und Songwriter, geht als vielseitiges Talent mit natürlichen Schritten von Kapitel zu Kapitel in seiner Karriere. Sein drittes Album GRIP ist auf der Tanzfläche schwarzer Schwulenclubs beheimatet und handelt von den intimen Momenten, die sich dort und danach ereignen, ganz gleich, an welchem Ort. Es erforscht die kleinen Momente der körperlichen Berührung und wie sie entstehen. Ob es ein Griff um die Taille oder das Gesicht ist, serpentwithfeet schafft es, alle Blickwinkel zu erkunden. GRIP und der Black-Gay-Club stehen in einem interessanten Verhältnis zueinander: Der Club ist öffentlich; die Tanzfläche ist offensichtlich ein Ort, an dem sich die Menschen gegenseitig anschauen und beobachten. Gleichzeitig ist der Black Gay Club ein sicherer Gemeinschaftsraum, er ist "für uns" und in dieser Hinsicht sehr privat, sehr intim. Diese Clubs boten ihm eine andere Atmosphäre, einen anderen Komfort und ein anderes Gefühl des Willkommenseins, das ihn auf eine neue Weise förderte. Von Anfang bis Ende durchlebt GRIP klanglich die Höhen und Tiefen nicht nur einer Clubnacht, sondern auch einer Romanze. "Damn Gloves (ft. Ty Dolla $ign and Yanga YaYa)" fängt den Adrenalinrausch eines nächtlichen Höhepunkts mit einem wummernden Bass ein, der in eine Dance-Produktion eingebettet ist, die die Geschwindigkeit des Herzschlags nachahmt, wenn die Intimität zwischen zwei Liebenden hoch kocht. "Spades" nutzt eine süße, gitarrenbetonte Melodie, um einen zärtlichen Moment zu schaffen, wie es ein Slow-Dance tun würde. "Lucky Me" ist süß und ehrlich, ohne irgendetwas, das vom eigentlichen Moment ablenkt. Seine Stimme, eine glitzernde Gitarrenmelodie und bezaubernde Synthies dienen als treibende Kraft, um eine neue Romanze zu fördern. Es ist ein Werk, das die Momente hervorhebt, die dem Herzen am nächsten sind. Im Laufe seiner siebenjährigen Karriere hat er seine Vielseitigkeit durch R&B-Musik bewiesen, die sowohl düster als auch spirituell und fröhlich ist. serpentwithfeet geht immer wieder an die Grenzen seiner Kunst.

serpentwithfeet, der in Baltimore geborene Sänger und Songwriter, geht als vielseitiges Talent mit natürlichen Schritten von Kapitel zu Kapitel in seiner Karriere. Sein drittes Album GRIP ist auf der Tanzfläche schwarzer Schwulenclubs beheimatet und handelt von den intimen Momenten, die sich dort und danach ereignen, ganz gleich, an welchem Ort. Es erforscht die kleinen Momente der körperlichen Berührung und wie sie entstehen. Ob es ein Griff um die Taille oder das Gesicht ist, serpentwithfeet schafft es, alle Blickwinkel zu erkunden. GRIP und der Black-Gay-Club stehen in einem interessanten Verhältnis zueinander: Der Club ist öffentlich; die Tanzfläche ist offensichtlich ein Ort, an dem sich die Menschen gegenseitig anschauen und beobachten. Gleichzeitig ist der Black Gay Club ein sicherer Gemeinschaftsraum, er ist "für uns" und in dieser Hinsicht sehr privat, sehr intim. Diese Clubs boten ihm eine andere Atmosphäre, einen anderen Komfort und ein anderes Gefühl des Willkommenseins, das ihn auf eine neue Weise förderte. Von Anfang bis Ende durchlebt GRIP klanglich die Höhen und Tiefen nicht nur einer Clubnacht, sondern auch einer Romanze. "Damn Gloves (ft. Ty Dolla $ign and Yanga YaYa)" fängt den Adrenalinrausch eines nächtlichen Höhepunkts mit einem wummernden Bass ein, der in eine Dance-Produktion eingebettet ist, die die Geschwindigkeit des Herzschlags nachahmt, wenn die Intimität zwischen zwei Liebenden hoch kocht. "Spades" nutzt eine süße, gitarrenbetonte Melodie, um einen zärtlichen Moment zu schaffen, wie es ein Slow-Dance tun würde. "Lucky Me" ist süß und ehrlich, ohne irgendetwas, das vom eigentlichen Moment ablenkt. Seine Stimme, eine glitzernde Gitarrenmelodie und bezaubernde Synthies dienen als treibende Kraft, um eine neue Romanze zu fördern. Es ist ein Werk, das die Momente hervorhebt, die dem Herzen am nächsten sind. Im Laufe seiner siebenjährigen Karriere hat er seine Vielseitigkeit durch R&B-Musik bewiesen, die sowohl düster als auch spirituell und fröhlich ist. serpentwithfeet geht immer wieder an die Grenzen seiner Kunst.

"Ich nehme alles zurück, von wegen SALAMIRECORDER AND THE HI-FI PHONOS sind die Rettung des Garagepunk usw, weil eine Band alleine kann den Karren ja nicht aus dem Dreck ziehen. Obwohl man wohl bei den 13 Tracks der TELEBRAINS den Terminus ,Garagepunk" als Überbegriff geltend machen kann, bekommt man hier doch einen ganzen Blumenstrauß des Genres auf einer einzigen Platte präsentiert. Klingt jetzt genauso bíllig wie der Pressetext eines Labelsamplers, aber isso! Titel is scheinbar Programm, "their thoughts changed directions", mal Headcoat-ig (,Bleeding Out"), dann sehr trippy (,In my Head" und ,Golden Silver Surfer"), ab und an ist es schon recht lärmig und den geradlinigen Punkrock Hit vergraben sie auch ganz weit hinten auf Seite B (,The Bullshit"). Nach einigen Durchgängen findet man auch den Faden, der das ganze Album zusammenhält: die Drums! Wer hätte das gedacht! Die Drums treiben den Rest an, schieben ihn vor sich vor und zwingen Gitarre, Bass und Gesang dazu auch verdammt mal auf sich aufmerksam zu machen, und das machen die dann auch, gut und gerne!!! So langsam verschlägts mir die Sprache weil von da (Österreich) soviel MEHR Gutes kommt wie von dort (Woanders)." (Elmar, Bachelor Records) "Wir haben unsere Songs in den SUPPORT NOTHING STUDIOS mit Hannes von der Band Johnny & the Rotten aufgenommen. Ich glaube, wir haben dort einen Zeitrekord aufgestellt. Wir haben 14 Songs in 17 Stunden oder so etwas in der Art gemacht. Das war der Wahnsinn. Am Ende haben wir uns entschieden, nur 13 Tracks auf Platte zunehmen. Diese Songs sind eine Hommage an den Geist des Rock'n'Roll, würde ich sagen. Sie enthalten fast alles, was damit zusammenhängt. Garage, Psych, Kraut, Punk... und vieles mehr. Die Texte sind wahnsinnig witzig, einige davon todernst. Es fängt unseren Humor und unsere Energie beim gemeinsamen Spielen ein. Es fühlt sich wirklich wie ein Entstehungsalbum an, etwas Größeres als das, was ursprünglich gedacht war." - Xavi Sosa, TELEBRAINS Ach ja, LP kommt mit gratis Download Code dabei, crazy shit!

Voodoo Mambosis And Other Tropical Diseases ist der 2. Teil einer neuen Serie auf Stag-O-Lee. Vier Volumen sind geplant. Die Original Schallplatten stammen aus dem Fundus von unserem geschätzten Duke Jens-O-Matic, seit Jahrzehnten als Grafiker, international gefeierter DJ, Sammler und Jäger unterwegs. Schon damals, als wir Stag-O-Lee das erste Leben einhauchten, war Jens-O-Matic dabei und lieferte vier Volumen der wundervollen Jim Jam Gems 10" Serie ab. Jeweils stilistisch in sich geschlossen. Aktuell arbeitet er an weiteren Jim Jam Gems Volumen, tut sich aber mit den Linernotes schwer, weil, "man hat ja einen pädagogischen Auftrag!". Nun zu dem vorliegenden Tonträger: Was macht ein Freund der obskuren 7", wenn er schon alles im Bereich Rhythm & Blues usw. hat? Er sucht sich weitere Betätigungsfelder. Andere Länder, andere Musik, andere Einflüße. So auch unser Jens-O-Matic. Eine kleine Weltreise hat er für Voodoo Mambosis unternommen, seine neue Liebe den Cumbia einfließen lassen, eine Prise Voodoo drunter gemischt, einige alte Bluesheroen reaktiviert, dazu etwas Exotica - die schadet nie. Die große Kunst ist nun, diese auf Papier disparaten Elemente so zu verbinden, dass etwas einzigartiges, durchweg spannendes entsteht. Voodoo Mambosis And Other Tropical Diseases ist das beste Beispiel dafür! Das Cover, ebenfalls designt von Jens-O-Matic, ist eine Hommage an die wegweisende 84er Compilation Rockabilly Psychosis and the Garage Disease!

Der Dark-Ambient-Pionier, die stygische Drone-Legende und das fast schon mythische Wesen LUSTMORD durchstößt mit "Much Unseen Is Also Here" einmal mehr den Schleier - die neueste Solo-Veröffentlichung des Künstlers in einer beeindruckenden, 40-jährigen kreativen Karriere an der Spitze der Industrial-Musik. Auf Drängen von Cosey Fanni Tutti und Chris Carter von Throbbing Gristle, Musik zu machen, die seine unverwechselbare Aura einfängt, übernahm Brian Williams 1980 Lustmord und begann mit Sounds zu arbeiten, weil die Musik, die er hören wollte, einfach nicht existierte. Lustmord veröffentlichte 1989 sein drittes Album "Heresy", das zu einem Meilenstein in der Industrial-Szene wurde und heute allgemein als Ursprung des Dark-Ambient-Genres gilt. 35 Jahre später führt Much Unseen Is Also Here" das Vermächtnis von Heresy" fort und knüpft an dessen fesselnden Erzählbogen an. "Much Unseen Is Also Here" besteht aus drei verschiedenen Teilen und ist dazu gedacht, in einer einzigen, ununterbrochenen Durchgang angehört zu werden; es entführt den Hörer in eine kompromisslose Parallelwelt, die nur in der Musik existiert, bevor es ihn am Ende für immer verändert wieder hinauswirft. Lustmord, der seit 1994 in L.A. lebt, hat auch als Komponist und Sounddesigner an der Musik für ikonische Film- und Fernsehproduktionen mitgewirkt, darunter "The Crow", "Strange Days", "From Dusk Till Dawn", "Underworld" und in jüngerer Zeit die FX-Serien "Fear The Walking Dead" und "First Reformed"von "Taxi Driver"-Autor Paul Schrader aus dem Jahr 2017. Immer noch entschlossen, die Grenzen von Sound, Genre und Medien zu erweitern, hat Lustmord auch zu den Soundlandschaften von Videospielen wie Assassin's Creed, League of Legends und, passenderweise, dem von H.R. Geiger inspirierten Survival-Horror-Spiel Scorn von 2022 beigetragen.

Wenn du "Casper" oder Alligatoah" magst, dann kommst um diese Band herum. "allesgut."? Diese Band ist ein atemberaubender mix der modernen Rock mit Hip Hop mixt und sich textlich stark von den bekannten Szenegößen abhebt. Intelligent und tiefsinnige Hintergründe die jeden mit nehmen und ansprechen. allesgut.? Eine Antwort, mit der wir einfach abwinken, alles gut sein lassen - für unseren Gegenüber & uns selbst. Was ist denn "alles", was ist "gut"? Können & wollen wir uns selbst zu jeder Zeit allen Gefühlen, allen Umständen, allem "alles" denn wirklich ehrlich stellen? Uns konkret fragen "wie geht es mir wirklich?" Auch wenn wir uns der Antwort bewusst wären, können & wollen wir so ehrlich & mutig mit unserem Gegenüber sein? Sind wir uns überhaupt bewusst, wie tief diese Frage wirklich geht? Scheinbar egal, denn letztendlich ist doch irgendwie augenscheinlich allesgut.

2024 krempelt Sarah Lesch ihr Liedermacher-Image komplett um und läutet mit dem neuem Album "Gute Nachrichten" und neuem Sound den Anfang einer neuen Ära ein.
Lauter, leichtfüßiger und kantiger als je zuvor dreht sie 2024 so richtig auf! Ihre ansteckende Energie paart sich mit der wunderbaren, neuen und doch vertrauten Mischung aus rockigen Sounds und nachhaltigen Worten.
GUTE NACHRICHTEN ist ein Befreiungsschlag - und was für einer! Sarah lebt genau das, wo für Rockmusik steht: Befreiung, Liebe, Respekt und Diversität. Musikalisch wird es episch, punkig und bluesig. Neuer Sound mit gewohnter Haltung!
Sarah Lesch singt über sich und erzählt damit gleichzeitig viel über uns: Wie wir uns gerade selbst zerfleischen, zweifeln, trauern, lachen, sinnlose Diskussionen fuhren, verzweifeln an der Welt, Liebe machen und wie man überhaupt mit dem ganzen Gefu?hlschaos umgehen kann. Das, was wir alle kennen, worüber wir aber nur ungern mit jemandem sprechen
In pointierte Texten erzählt die Leipzigerin Geschichten, voller Kraft, Botschaft und Lebensfreude. Es ist, als hatten sich endlich die richtigen gefunden: Sarah, Rock und Punk. Definitiv GUTE NACHRICHTEN für 2024!

Nachpressung in tief rotem Vinyl! Ein zentrales Album für die heutige Zeit: hell, frei, unnachgiebig, optimistisch. Brain Worms ist das bisher vollste und makelloseste Album von RVG. Auf "Brain Worms" wird deutlich, dass die Band in bester Form ist. Der Album-Opener 'Common Ground' gibt den Ton an für das, was kommen wird; ein glänzendes, mitreißendes, schlagkräftiges Album mit allen geliebten RVG-Merkmalen. Vagers Stimme ist ungefiltert und souverän wie immer, wenn sie ihre cleveren, nicht ganz ironischen Texte vorträgt. Hier fühlen sich diese Texte jedoch viel weniger resigniert und sehnsüchtig an, sondern viel mehr trotzig und fröhlich. Tambourine" ist der einzige Covid-Song, den Vager schrieb, als sie "versuchte, keine Covid-Songs zu schreiben", und es ist ein schmerzhaft ehrliches Porträt der Trauer inmitten der Isolation. Brain Worms" erzählt die nur allzu bekannte Geschichte eines Menschen, der in den Kaninchenbau des Internets fällt und Trost in Verschwörungen findet. Nothing Really Changes" ist ein Keyboarder-lastiges New-Wave-Ding, während das abschließende "Tropic of Cancer" mit Vagers selbstbewusstem neuen Manifest glänzt: Ich weiß, wie ich bin, und ich weiß, wie ich werde. Wenn du denkst, ich bin seltsam, hast du noch nichts gesehen. Bloxham, Nolte und Wallace erwecken Vagers Songwriting mit Bravour zum Leben. Aufgenommen in den Londoner Snap Studios mit James Trevascus (Nick Cave & Warren Ellis, PJ Harvey), strotzen alle zehn Tracks vor üppigen Klängen, klaren Absichten und der Magie einer Akustikgitarre, die einst Kate Bush gehörte und die ihr von Tears for Fears geschenkt wurde (die, so die Legende, "Everybody Wants to Rule the World" darauf geschrieben hat). Die vier Bandmitglieder - Leadsänger und Gitarrist Vager, Gitarrist Reuben Bloxham, Schlagzeuger Marc Nolte und Bassist Isabele Wallace - sind so selbstbewusst wie noch nie bei RVG. Sie haben ihre Einflüsse hinter sich gelassen, sich selbst vorangetrieben und neue Dinge ausprobiert. Und sie haben ein Album gemacht, das sie nach allem, was sie sagen, als ihr bestes bezeichnen können. Brain Worms" fühlt sich an wie die Antithese zu dem, was eine Post-Pandemic-Platte leicht sein könnte. Für eine Band, die bereits Musik über das Zurückgezogensein schrieb, "wir waren deprimiert und gingen auf unseren ersten beiden Alben nicht nach draußen", gab die erzwungene Isolation und die Zeit zum Nachdenken Vager Raum, über alles zu schreiben, was sie wollte. Und es stellte sich heraus, dass sie bereit war, über Akzeptanz zu schreiben. "Wenn wir nur ein weiteres Album machen könnten, wäre es dieses", sagt Vager. Rolling Stone: "Eine Visitenkarte für Außenseiter... dynamischer und vitaler Post-Punk" The Guardian: "Eine der vitalsten Bands der australischen Szene von heute.

Das neueste Album von Hideous Divinity ist eine tiefgründige Erkundung existenzieller Paradoxien und kosmischer Ängste. Die Stücke weben einen erzählerischen Teppich aus technischem Death Metal, in dem sich der göttliche Schrecken des numinosen Lebens mit der vergeblichen Souveränität der Menschheit überschneidet. Die technischen Fähigkeiten der Band verstärken ein beängstigendes Thema: das Erwachen zu einer Realität, in der die Existenz ein Zyklus ist, in dem man geboren wird, um zu sterben und inmitten der Ruinen gefallener Ideologien neu aufzuerstehen. Jeder Song ist eine Lobeshymne, eine Reflexion über den Verrat unseres Lebenswillens, die den Hörer dazu auffordert, den Mut aufzubringen, sich den unnennbaren, unvorstellbaren Kräften zu stellen, die unsere vergängliche Existenz diktieren. Dies ist nicht einfach nur Musik; es ist eine philosophische Untersuchung, unterlegt mit der unerbittlichen Kadenz des Death Metal, die uns einlädt, über das "Mysterium Tremendum" des Lebens nachzudenken. Umarme das göttliche Grauen mit "Unextinct"!

Die Zukunft des Folk Metal
Nach der erfolgreichen Kampagne zum Album "Dusk of the Ages", bei der das "Canto d'Inverno"-Video 4,6 Millionen Aufrufe auf YouTube erreichte,
sind Furor Gallico mit voller Wucht zurück und vereinen einmal mehr auf brillante Weise extreme Metal-Musik mit traditionellen keltischen, irischen
und bretonischen Melodien. “Future to Come" kann zwar nicht als Konzeptalbum bezeichnet werden, aber die meisten Songs basieren auf der Idee
der körperlichen und geistigen Erlösung. Der Hörer taucht ein in eine facettenreiche Welt, in der jeder Song eines von vielen Szenarien darstellt - von
epischen und apokalyptischen Landschaften bis hin zur inneren Versöhnung mit uns selbst und der Erde - jedes einzigartig in seinem Stil und doch gut
ausbalanciert, um den Hörer auf eine Reise durch die Sorgen des Lebens und die Erlösung daraus mitzunehmen.

Epischer, gewaltiger Doom mit Anspielungen auf Candlemass, Bolt Thrower, My Dying Bride und Iron Maiden! Die US-Doom-Crew Stygian Crown aus Los Angeles kehrt mit ihrem lang erwarteten zweiten Album 'Funeral For A King' auf dem etablierten Label Cruz Del Sur zurück, einer beeindruckenden LP, die auf der Grundlage von epischem Doom- und Death Metal basiert. Der Nachfolger ihres vielbeachteten Debüts aus dem Jahr 2020 bleibt dabei der weitläufigen Doom-Vorlage der Band treu, die auch Elemente des klassischen Metal und Death Metal enthält, aber driftet gelegentlich auch in traditionelles Metal-Territorium ab. Das Album wurde in fünf verschiedenen Studios von Los Angeles bis Melbourne, Australien, aufgenommen. Neben dem CD-Jewelcase gibt es auch eine schwarze Vinyl inkl. Download uns Poster.

Rock Hard:
"...Für den Zweitling hat der Fünfer seine selbst proklamierten, allerdings bereits auf dem Vorgänger höchstens marginal heraushörbaren Death-Metal-Einflüsse noch weiter zurückgestellt. Hier regieren Doom- und Epic Metal in Reinstform. Einen charmanten Farbtupfer setzen die im kurzen Intro ´Let Thy Snares Be Planted´ sowie dem anschließenden Longtrack ´The Bargain´ zum Zuge kommenden Streichinstrumente, die dezent und nicht selbstzweckhaft eingesetzt werden, während der Fokus auf den schweren Gitarren und der fantastischen Arbeit von Sängerin Melissa Pinion verweilt. Was für ein Auftakt ins Doom-Jahr 2024!"

Curacao-blaues Vinyl, bedruckte Innenhülle. Farbe ltd auf 500 Exemplare

Hi! Spencer, plötzlich leicht wie eine Wolke? Cover und Titel des neuen Albums lassen das vermuten. Aber keine Sorge! „Wir machen immer noch furchtbar melancholische Songs“, sagt die Band, die sich traditionell in keine Schublade stecken lässt, sondern sich irgendwo zwischen Indie, Pop, Rock und Punk befindet. Und doch gibt es in „oben“ einen Twist, der neu ist für die Osnabrücker: Die Songs bleiben inhaltlich nicht da stehen, wo sie beginnen, bohren sich nicht immer tiefer rein in das Gefühl – sondern zeigen Lösungen und Ausblicke auf. Und so schließt „oben“ nahtlos an das letzte Album „memori“ an, denn wie hieß es dort so schön? „Doch das geht, fängt man an, die Perspektive zu drehen.“ Eine andere Sicht einnehmen, eine Situation so annehmen, wie sie ist – das ist ein wesentliches Thema in den neuen Hi! Spencer-Songs.

Das Wechselspiel aus oben sein, oben bleiben und immer mal wieder abzufallen bringt Frontsänger Sven Bensmann gewohnt stimmgewaltig zum Ausdruck. Und das Wissen darum: Es gibt keine pauschal gute Zeit, es gibt nur ein Akzeptieren der Tatsache, dass man irgendwann einen Umgang mit seinen Themen findet. Und sich dadurch oben hält. Nicht die Umstände sind es, die sich ändern – sondern der Blick darauf: „Es tut anders weh, weil ich jetzt versteh …“ („Vermissen“). In „oben“ geht es auch um den Erhalt des Guten und die Gewissheit, dass man immer mal wieder abdriften kann und wird. Und, etwa in Songs wie „Nebel“ oder „Juno“, dass auch andere einen aus einem Tief holen können – und es sich daher immer lohnt, Gutes hochleben zu lassen!

Passend dazu zeigt das Artwork der Platte erstmalig ein gemeinsames Foto der Fünf. Zentrales Element auf dem Cover ebenso wie bei Merch und Co ist die Wolke – denn kaum etwas ist weiter „oben“. Wolken sind leicht. Sie schweben. Sind hell, oft durchsichtig. Und doch können sie uns die Sicht vernebeln und regenschwer am Himmel hängen. Sie verschwinden, bilden sich neu. Driften ab. Lösen sich auf. Sie können alles sein.

Forest Green Vinyl. Als uneheliches Kind von Elvis und Lux Interior hat der israelische Gitarrist Charlie Megira während seiner viel zu kurzen 44 Reisen um die Sonne ein berauschendes Amalgam aus 50er-Jahre-Trash-Rock, Surf-Tremolo und hallgetränktem Goth gebraut. In 15 Jahren nahm er sieben Alben auf, die hauptsächlich auf CD-R veröffentlicht wurden, die meisten davon sind heute unlesbar oder liegen auf einer Mülldeponie. Nur mit einer Eko-Gitarre, einem schwarzen Smoking und seiner charakteristischen Sonnenbrille bewaffnet, war Charlie Megira ein Künstler, der sich in Luft auflöste, während wir alle auf unsere Telefone starrten. Auf seinem Debütalbum "Da Abtomatic Meisterzinger Mambo Chic" aus dem Jahr 2000 kanalisiert Megira den Optimismus der amerikanischen Nachkriegszeit, narkoleptischen Surf und den Soundtrack von Twin Peaks zu einem ganz eigenen Lo-Fi-Meisterwerk. "Mambo Chic", das sowohl auf Hebräisch als auch auf Englisch gesungen wird, bewegt sich in einem bedächtigen Tempo, unbekümmert um den Verkehr der modernen Welt und eingehüllt in eine Decke aus Tascam-4-Spur-Rauschen. Auf "Tomorrow's Gone" gelingt Megira das Kunststück, so weit in der Vergangenheit zu sein, dass er irgendwie in der Zukunft lebt und darauf wartet, dass der Rest von uns ankommt.

Deer Jade – Jukurpa

Tired of grey skies and long faces? We’ve got a serious dose of musical vitamin D for you! Deer Jade is hailing from the picturesque Lake of Geneva, an area about which the late Jean Paul Belmondo had to say a thing or two. Her infectious smile and uplifting energy behind the decks already made her a household name in clubs and festivals around the globe. This solo debut is an expression of her strong self confidence and in-syncness with the world surrounding her. “Jukurpa” might be just one of the most flamboyant house tunes you’ll come across this year, readymade for swaying to on an early summer morning dancefloor. “Cosmic Dream” is of a more introspective nature, putting gentle psychedelic synth movements to good use. There’s a lot of heart in Deer Jade’s music. We’re happy to give it a home.

David Hasert & Niconé – Wasting My Time With You

Tired of grey skies and long faces? We’ve got a serious dose of musical vitamin D for you! ?This Cologne – Berlin joint venture is shedding rays of sun galore with this lost in reverie deep house jam. Built around a catchy as hell soul vocal and occasional piano outbursts “Wasting My Time With You” will certainly be one of our favorite tunes to waste our time to in 2024.

Deer Jade – Jukurpa

Hast Du genug von grauem Himmel und langen Gesichtern? Wir haben eine ordentliche Dosis musikalisches Vitamin D für Dich! Deer Jade stammt vom pittoresken Genfer See, einer Gegend, über die der unvergessliche Jean Paul Belmondo so einiges zu sagen hatte. Ihr ansteckendes Lächeln und ihre mitreissende Energie hinter den Decks haben sie bereits zum gerne gesehenen Gast in Clubs und auf Festivals rund um den Globus gemacht. Dieses Solo-Debüt ist Ausdruck ihres starken Selbstbewusstseins und ihrer Verbundenheit mit der Welt, die sie umgibt. “Jukurpa” ist vielleicht einer der extravagantesten House-Tunes, die man in diesem Jahr zu hören bekommt, wie geschaffen zum Mitschunkeln an einem frühen Sommermorgen. “Cosmic Dream” ist von eher introspektiver Natur und holt uns mit sanften psychedelischen Synthesizer-Bewegungen ab. In der Musik von Deer Jade steckt eine Menge Herzblut. Wir freuen uns, dass sie es bei uns verschüttet.

David Hasert & Niconé – Wasting My Time With You

Hast Du genug von grauem Himmel und langen Gesichtern? Wir haben eine ordentliche Dosis musikalisches Vitamin D für Dich! Das Köln-Berliner Joint Venture versprüht mit diesem verträumten Deep-House-Jam jede Menge Sonnenstrahlen. ?”Wasting My Time With You” ist mit seinen ?catchy Soul-? Vocals und gelegentlichen Klavier?-?Kaskaden sicherlich einer unserer Lieblingssongs, mit dem wir im Jahr 2024 unsere Zeit verschwenden werden.

Hinter dem Bandnamen Potato Beach versteckt sich ein Wiener Indie-Surf Kollektiv rund um Mastermind Jannik Rieß. Bislang gab es eine EP, die als Tape erschienen ist. Der Strand ist für alle da! "Back on the road, driving slowly, sipping coke" - Mit den ersten Zeilen auf "DIP IN" legt Jannik Rieß direkt ein Geständnis ab. Der deutsche Wahlwiener und Multiinstrumentalist hinter dem Musikprojekt Potato Beach, bekennt sich mit seinem Debüt zum Softdrink bei Einhalten des Tempolimits - und damit zur eigenen Kartoffeligkeit. Sympathisch! Potato Beach's durchaus nostalgischer Garage-Rock versucht gar nicht erst, dem Bravado und Machismo alter (The Kinks) oder neuer (Foxygen) Inspirationen nachzueifern. Rieß erzählt lieber seine eigenen Geschichten in der lähmenden Sommerhitze Wiens, irgendwo zwischen zu lang jung bleiben und zu früh alt werden. Die Platte braucht keine waghalsigen Salti vom Zehner schlagen, um in die Tiefe zu gehen. Vielmehr lädt sie uns dazu ein, mit baumelnden Füßen am Beckenrand tief ins Rot-Weiß der Freibadpommes zu tauchen. Schmeckt vertraut - und ziemlich lecker. So wabern simple, aber sorgfältig arrangierte Vintage-Riffs und schrullige Orgeln wie Hitzeschlieren am Horizont, wenn Rieß "Why are we feeling guilty for not doing anything?" oder "How can anyone go to work?" die blöden Fragen stellt, über die wir alle rätseln. Potato Beach's Selbstreflexionen sind am Puls der Zeit getaktet und sprechen dabei ganz ungezwungen 0,5 bis 2,5 Kartoffelgenerationen von der Pelle. So handeln sie nicht etwa von Heroin und Manic Pixie Dream Girls, sondern von Ghosting, Fernbeziehungen oder dem Gefühl der Einsamkeit unter Vielen. Potato Beach befreit den Küstenrock der 60er vom alten Rost und verleiht ihm mit ehrlichen, nachdenklichen und bodenständigen Anekdoten einen zeitgenössischen Anstrich. Dass Potato Beach mit "DIP IN" nicht dem Mackertum seiner Blaupausen folgt, ist kein Zufall. Nachdem Rieß' musikalische Vorbilder durch ihren Sexismus unhörbar wurden, sah er sich gezwungen, seine Lieblingsmusik selbst neu zu schreiben. Dass er das komplette Instrumentarium und den Gesang der 11 Tracks im Alleingang aufgenommen hat, zeigt: Dem ist das wirklich wichtig. Hingabe, Leidenschaft und Weltschmerz hallen jedenfalls deutlich hörbar aus dem Röhrenverstärker. Nur vereinzelt tauchen Vertraute Musiker:innen der Schwesterbands Peter the Human Boy oder Gardens auf, um ein Cello hier oder ein Keyboard dort einzuspielen. Die sind auch dabei, wenn die Freibäder Wiens warm genug werden, um die Platte live zu performen. Bis dahin sorgt "DIP IN" mit seiner warmen Melancholie für süße Tagträume vom Sehnsuchtsort Strand. "DIP IN" erinnert uns: Ob Potaetoe oder Potahtoh, every Body is a Beach Body!

Der Dark-Ambient-Pionier, die stygische Drone-Legende und das fast schon mythische Wesen LUSTMORD durchstößt mit "Much Unseen Is Also Here" einmal mehr den Schleier - die neueste Solo-Veröffentlichung des Künstlers in einer beeindruckenden, 40-jährigen kreativen Karriere an der Spitze der Industrial-Musik. Auf Drängen von Cosey Fanni Tutti und Chris Carter von Throbbing Gristle, Musik zu machen, die seine unverwechselbare Aura einfängt, übernahm Brian Williams 1980 Lustmord und begann mit Sounds zu arbeiten, weil die Musik, die er hören wollte, einfach nicht existierte. Lustmord veröffentlichte 1989 sein drittes Album "Heresy", das zu einem Meilenstein in der Industrial-Szene wurde und heute allgemein als Ursprung des Dark-Ambient-Genres gilt. 35 Jahre später führt Much Unseen Is Also Here" das Vermächtnis von Heresy" fort und knüpft an dessen fesselnden Erzählbogen an. "Much Unseen Is Also Here" besteht aus drei verschiedenen Teilen und ist dazu gedacht, in einer einzigen, ununterbrochenen Durchgang angehört zu werden; es entführt den Hörer in eine kompromisslose Parallelwelt, die nur in der Musik existiert, bevor es ihn am Ende für immer verändert wieder hinauswirft. Lustmord, der seit 1994 in L.A. lebt, hat auch als Komponist und Sounddesigner an der Musik für ikonische Film- und Fernsehproduktionen mitgewirkt, darunter "The Crow", "Strange Days", "From Dusk Till Dawn", "Underworld" und in jüngerer Zeit die FX-Serien "Fear The Walking Dead" und "First Reformed"von "Taxi Driver"-Autor Paul Schrader aus dem Jahr 2017. Immer noch entschlossen, die Grenzen von Sound, Genre und Medien zu erweitern, hat Lustmord auch zu den Soundlandschaften von Videospielen wie Assassin's Creed, League of Legends und, passenderweise, dem von H.R. Geiger inspirierten Survival-Horror-Spiel Scorn von 2022 beigetragen. Other Woes Are Yet To Come Edition (single colored (pink) vinyl, ltd to 220 copies ww)

Die verdammt allergrößte Band des Universums ist zurück mit ihrem zweiten Album, offenbar direkt aus der Andromeda-Galaxie reingeschlittert! Intergalaktischer Lo-Fi-Garagenpunk! Bone (The Anomalys, Gitarre) & Jackie (The Jackets, Gesang & Schlagzeug) aka Plush Stuffed Huge Penis & Hungry Oversized Vagina veranstalten dieses Super Lo-Fi Trash Rock'n'Roll Bad Taste B-Movie Horros-SciFi-Sex-Märchen! Seit zehn Jahren verbreiten THE SEX ORGANS mit Hilfe ihrer menschlichen Sklavenfirma VOODOO RHYTHM RECORDS gnadenlos ihre Weltraum-Botschaft! Diesmal sind sie zu dem Schluss gekommen, dass die ganze Erde am Abgrund steht und es keine Hoffnung mehr gibt ... außer sich den Machenschaften der 'Sex Organs' überhaupt zu unterwerfen. In den 12 Manifesten dieser einzigartigen Platte zeigen sie uns, wie es richtig geht: "The ultimate soundtrack to the downfall" - Sex ist unvermeidbar... Als tiefschwarze Vinyl-LP mit bedrucktem Insert und DLC oder Gatefold-Sleeve CD mit 12seitigem Booklet erhältlich! Geschichte: The Sex Organs wurden 2014 von Bone (NL/The Anomalys) und Jackie (CH/The Jackets) gegründet und wurden sofort zu einem Kult-Act, der in ganz Europa auf den besten Garagenfestivals und Clubs spielte und eine Welle von Rock'n'Roll "Sexcitement" auslöste - genau dann, wenn es nötig war! Sie spielten auch in etablierten Museen, auf Film- und Comicfestivals, gingen auf Tournee in Kanada und wurden (stolz) aus dem Schloss Dracula in Transsylvanien verbannt (wahre Geschichte)! Die Sex Organs zu sein, mag eine Herausforderung sein, aber niemals langweilig!Die Sex Organs spielen wilden, schweißtreibenden Trash and Roll, der den Zuhörer Song für Song zu einem explosiven Höhepunkt treibt! Das ist so primitiv wie es nur geht - ein Stehschlagzeug, eine Gitarre und Texte über den sexuellen Zustand der modernen Zeit, in der wir leben!

"Ausgezeichneter Gruselrock! Allein die Songtitel: ,The Dead Won't Sleep", ,Forbidden Forest", ,At The Mountains of Madness" oder ,Stone Age Funeral"! Da krieg ich gleich gute Laune von, das sind die wichtigen Dinge im Leben. Musikalisch befinden wir uns ungefähr in 1970, und die Rockmusik wird irgendwie heavy & treibend und vor allem düster und unheimlich. Mountain Witch verschreiben sich auf ihrer zweiten Platte erneut diesem Sound, den Black Sabbath und andere in die Welt gerufen haben, und mit ihrem Vintage Equipment Wahn kommen sie so dicht dran, dass man es nicht für möglich hält, dass das eine neue Platte sein soll. Erfreulich finde ich, dass hier mehr gesungen wird als auf dem Debut ,Cold River", das steht den Songs ausgezeichnet und unterstreicht eben das eingangs erwähnte Gruselfeeling. Wer auch nur am Rande was hält auf alten Hardrock oder konsequenten Stoner, muss unbedingt reinhören. Absolutes Meisterwerk ist der gut sieben Minuten lange ,At The Mountains of Madness", der sich langsam aufbaut und eine recht eigene Note mitbringt, außerdem gruselt es mich hier am meisten, wenn kurz vor Schluss dieser Psychedelik-Part verhältnismässig weit raus rudert für Berghexen-Verhältnisse. Gut gemacht! Wer also auf alten Kram wie Witchfinder General, Legend, Manilla Road, epic 70ies Protometal oder neueren Kram wie Demon Head, Kadavar oder natürlich die erste Mountain Witch Platte steht, sollte unbedingt zugreifen, es hat eine Entwicklung im Songwriting stattgefunden, die ich so nicht vorhergesehen habe. An den Songs ist kein Gramm Fett zuviel, die sehnigen Songs hauchen einem wie ein Knochenmann in den Nacken, wenn der getragene Titelsong losgeht, verbreitet sich Nebel aus einem anderen Jahrhundert in meinem Zimmer und wenn ich Glück habe, nimmt er mich nicht mit oder löst mir das Fleisch vom Skelett. Das meine ich ernst! Der Chor! Top! ,Isle of Bones" wird dann so melancholisch, fast eisig, dass es ein perfekter, hypnotischer Rausschmeißer ist, der einen die Platte einfach nochmal umdrehen lässt!" Tobi Neumann

"My favorite singer in the place was Karen Dalton. She had a voice like Billie Holiday's and played the guitar like Jimmy Reed." - Bob Dylan // Karen Daltons Capitol-Debüt aus dem Jahr 1969 ist endlich wieder erhältlich! Light in the Attic freut sich, eine brandneue Ausgabe dieser herzzerreißenden und bluesigen Einführung in die berauschende Welt von Dalton und ihrem tiefen Brunnen voller musikalischer Geheimnisse zu präsentieren. Weltmüde und vom Blues erfüllt, war Daltons unübertroffene interpretatorische Tiefe und emotionale Bandbreite wie keine andere. "It's So Hard To Tell Who's Going To Love You The Best" wurde 1969 für Capitol aufgenommen und reihte sich ein bei klassischen amerikanischen Songwritern wie Lead Belly, Fred Neil und Tim Hardin. Diese Neuveröffentlichung ist die endgültige, rein analoge Version von Daltons umwerfendem Debüt, mit neu gemastertem Audiomaterial von den Original-Capitol-Mastern, dem Original-Artwork von 1969 in einem erweiterten Klappcover, ungesehenen Fotos des Albumfotografen Joel Brodsky und einem Essay, in dem Karens Freunde und musikalische Mitstreiter zu Wort kommen, vom Albumproduzenten und Bassisten Harvey Brooks bis zum Musiker Peter Stampfel von den Holy Modal Rounders. - Features new all-analog mastering by Kevin Gray at Cohearent Audio, direct from the original analog tapes - Pressed at RTI - Includes liner notes by Brian Barr - Featuring unseen photos by legendary photographer Joel Brodsky - LP housed in an expanded gatefold jacket

Die schöne Chrysantheme in ihrer Form mit schlichter, weißer Blütenfarbe wird auch Friedhofsblume genannt. Aufgrund ihrer Langlebigkeit wird sie gerne zur Dekoration von Gräbern verwendet. Für BLACK NAIL CABARET ebnet die Blüte der Chrysantheme den Weg für unser eigenes Porträt am Sterbebett. Der Sensenmann kommt zu uns allen. Die Aussicht auf das Ende verwandelt uns in angsterfüllte Gefäße. Wir könnten diese besser mit so vielen anderen Dingen füllen, aber die Furcht vor dem Tod durchdringt alles. Der Titel des sechsten Albums des ungarischen Pop Noire Duos, "Chrysanthemum", symbolisiert ein Aufbegehren gegen die Angst, aber auch Akzeptanz. BLACK NAIL CABARET bleiben durchaus auch ihrem Hang zur sexuell expliziten Provokation treu, doch die unterbewusste Angst vor dem Tod mit ihrer großen emotionalen Kraft, zieht sich metaphorisch als roter Faden durch "Chrysanthemum". Die Erotik der Ungarn bildet statt billiger Klischees ihre gelebte BDSM-Realität künstlerisch ab, die von hohen ästhetischen Ansprüchen geleitet wird. Musikalisch haben BLACK NAIL CABARET ihr herausragendes Songwriting auf "Chrysanthemum" weiter perfektioniert. Es gelingt dem Duo scheinbar mühelos, dunkle elektronische Klänge mit Elementen des Pop Noire zu vereinigen. Ihre Kompositionen stehen auf eigenen Beinen und benötigen keine elektronischen Spielereien, wodurch sich BLACK NAIL CABARET wohltuend abheben. Spätestens mit ihrem selbst veröffentlichten vierten Langspieler "Pseudopop" (2018) verschmolzen die Ungarn erfolgreich Kunst, Pop, dunkle Harmonien und kraftvolle Elektronik miteinander. Mit dem folgenden fünften Album "Gods Verging on Sanity" (2020) setzten BLACK NAIL CABARET ihren Siegeszug auch international fort. Der exzellente Ruf des Duos verbreitete sich rasch auch durch Mundpropaganda, und das trotz aller Einschränkungen durch die globale Pandemie. Endlich stehen die Sterne günstig, dass BLACK NAIL CABARET die Welt mit diesem dunklen Soundtrack über die Schönheit des Lebens erobern, was diese strahlend weiße Blume von scheinbarer Unschuld letztlich auch symbolisiert, deren Duft aber auch die ewige Macht des Todes verbreitet: "Chrysanthemum".

Die amerikanische Band SKELETAL REMAINS bereitet mit "Fragments of the Ageless" für Century Media einen weiteren Death Metal-Angriff vor. Die Besetzung mit Chris Monroy (Gitarre/Gesang), Mike De La O (Gitarre), Pierce Williams (Schlagzeug) und Brian Rush (Bass) verkörpert das Genre und geht dabei tiefer, dunkler und bis an die Grenzen der Brutalität. "Fragments of the Ageless' ist eine stampfende Platte aus purem Death Metal", sagt die Band. "Ein tyrannisches, blastlastlastiges Sperrfeuer aus schnörkellosen Riffs und Kompositionen. Alles an diesem Album ist verdammt brutal und direkt ins Gesicht." SKELETAL REMAINS schrieben 'Fragments of the Ageless' zwischen Europa- und US-Tourneen/Festivals u.a. mit Emperor, Morbid Angel, Mortician, Left to Die und Defeated Sanity. Die Songwriting-Sessions waren von einer No-Limit-Mentalität geprägt, bei der Kreativität und bekannte Genre-Rituale gleichberechtigt nebeneinander standen. Das Ergebnis war nicht nur ein definitives Death-Metal-Showpiece, sondern eine Evolution. "Wir haben einen Gang höher geschaltet und die technische Seite und die zunehmende Intensität verbessert, ohne die Eingängigkeit zu vernachlässigen", sagt die Gruppe. "Mit jeder neuen Platte streben wir danach, uns in unserer Musikalität und unseren Songwriting-Fähigkeiten zu verbessern. Auf der einen Seite haben wir an Dichte und Brutalität zugelegt, auf der anderen Seite haben wir ein paar Songs mit längeren und 'epischeren' Strukturen geschrieben." Die lyrischen Themen von "Fragments of the Ageless" umfassen Folklore, Science-Fiction, Geschichte und persönliche Kämpfe. Inspiriert wurden sie von dem eindrucksvollen Cover von Dan Seagrave (Entombed, Memoriam). Das Album wurde von der Band und dem Studioexperten Dan Swanö (Opeth, Incantation) koproduziert, der auch den Mix und das Mastering übernahm. Der Death Metal ist mit "Fragments of the Ageless" nicht tot. Er war noch nie tödlicher!

Das lauteste Rock/Fusion-Instrumental-Power-Trio der Welt beschert uns ihr erstes Konzeptalbum: In DUCK flieht der Protagonist, eine Ente, vor einem Pinguinpolizisten nach New York, wo Aufreger und Gefahren auf ihn warten. Die Aristocrats - Guthrie Govan/Gitarre, Bryan Beller/Bass, Marco Minnemann/Schlagzeug - haben ein kaleidoskopisches musikalisches Universum erschaffen, in dem sie sowohl typische Genre-Pastiches als auch einfallsreiche neue Arrangements erforschen - einige davon überraschend gefühlvoll und sensibel -, um die Geschichte zu ihrem rasanten Ende zu führen. Und während ihre offensichtliche Virtuosität und die ihr innewohnende Absurdität wie immer vorhanden sind, wird sie nun in der bisher ambitioniertesten kompositorischen und klanglichen Produktion der Band eingesetzt. Die abwechslungsreiche Musik begleitet den Protagonisten von der Ente in einem Großstadt-Tanzclub ("Aristoclub") über den gewaltsamen Rauswurf aus einer Spelunke ("Hey, Where's MY Drink Package") bis hin zum düsteren Thema für seinen Pinguin-Verfolger ("Sgt. Rockhopper") und endet schließlich mit dem actiongeladenen Balkan-Fusion-Finale "This Is Not Scrotum", bei dem der Geiger Rusanda Panfili (Hans Zimmer Live) als seltener Aristocrats-Album-Spezialgast auftritt. Duck ist das erste neue Studioalbum der Aristocrats seit fünf Jahren und wurde und mit einem Original-Artwork von Lance Myers (Space Jam) versehen. Und es ist klar, dass die ARISTOCRATS ihre kollektive Kunstfertigkeit auf ein völlig neues, wenn auch absurdes, Niveau gebracht haben. Als Standard CD, CD Deluxe Package in Box mit USB-Stick mit Stunden an Bonus-Material, Schlüsselanhänger und mehr sowie Dopple-Vinyl-LP erhältlich!

Noch vor Klez.e und And The Golden Choir gab es bereits Delbo mit Tobias Siebert. Das dritte Album aus dem Jahr 2006 des damaligen Trios jetzt wieder erhältlich. Havarien sind Unfälle mit großen Folgeschäden. Bei Delbo davon betroffen: das Leben, die Liebe, das Finden der eigenen Identität. Mit dem dritten Album hat das Trio neue Wege gefunden, um dem Daseinsschmerz zu begegnen. Jetzt gibt es kein Verstecken mehr hinter Lärm und Wut, "Havarien" destilliert, was vom Noiserock bleibt, wenn dem Zusammenspiel von Gitarre-Bass-Schlagzeug der Krach genommen wird. Unglaublich, wieviel Schönheit sie freiräumen, ohne die Strukturen zu verändern. Deutscher Gitarrenpop funktioniert also auch ohne große Gesten und egomane Nabelschau. Ihre poetisch-abstrakten Texte haben Delbo dabei aus der Vergangenheit herübergerettet. Wann immer Bassist Daniel Spindler mit Sprechgesang seine Alltagsdämonen bannt, betreibt er auch bei uns Schadensbegrenzung.

Die preisgekrönte Progressive-Rock-Band BIG BIG TRAIN veröffentlicht ihr 15. Studioalbum über InsideOut Music und damit das erste vollständige Album mit dem neuen Frontmann Alberto Bravin (ex-PFM). Die mit Spannung erwartete Veröffentlichung von "The Likes Of Us" folgt auf die äußerst erfolgreiche Europatournee von BIG BIG TRAIN, auf der sie 17 Konzerte in neun Ländern gaben und die mit zwei triumphalen Auftritten in der Londoner Cadogan Hall endete. Das Album ist ein atemberaubendes Werk, das alle Elemente enthält, die die Band so besonders machen, darunter fesselnde und einprägsame Arrangements und erstklassige Musik. Abgesehen von den Definitionen sind BIG BIG TRAIN ein großer Fisch im Teich ihrer Wahl. Mit ihrem Album "Common Ground" gelang der Gruppe 2021 die Rückkehr des Prog-Rock in die UK Top-40-Charts. "Big Big Train sind in erster Linie eine Rockband, aber wir sind auch eine Prog-Band", erklärt Bassist und Mitbegründer Gregory Spawton. "Wir sind uns der Traditionen, denen wir folgen, sehr bewusst; wir haben sie nie verleugnet und werden es auch nie tun. Die Tatsache, dass wir klassisch klingenden Prog zurück in die Charts bringen, ist absolut fantastisch." Auf der jüngsten Tournee der Gruppe wurden zwei Stücke aus "The Likes Of Us" - "Oblivion" und "Love Is The Light" - vorgestellt und vom Publikum begeistert aufgenommen. Während einer Flutwelle der Wiedergeburt und des Feierns wurde Bravin als Teil der Familie akzeptiert. In der Tat hat die sich ständig weiterentwickelnde Chemie der Band zu fantastischen Ergebnissen geführt. "Wir haben eine großartige Mischung von Leuten, die hier sein wollen und die Extrameile gehen, um etwas ganz Besonderes zu machen", sagt Schlagzeuger Nick D'Virgilio. "Es gibt eine große Welt an talentierten Musikern da draußen, und glücklicherweise wollen einige von ihnen mit uns abhängen."

Peace Okezie, das Genie hinter Master Peace, nimmt kein Blatt vor den Mund. Er muss die Dinge aussprechen und verkörpert den Satz: "Wenn du es sagen willst, dann sag es einfach." Obwohl er nie unvorsichtig oder unsympathisch mit seinen Worten umgeht, ist dieser Satz eine Bestätigung, die ihn antreibt.

Seine Energie ist auf Augenhöhe mit der eigenwilligen, überschäumenden und vor allem extrem guten Musik, die er macht. Bei Master Peace geht es darum, die Menschen in seine verrückte, wunderbare und kakophonische Welt einzuladen. Er zieht Hörer an, die sich nach Rebellion und Abweichung von der Norm sehnen. Mit seinem Debütalbum "How To Make A Master Peace" verschiebt Master Peace die Parameter des Genres mehr denn je. Peace lässt seine Inspirationen spielen, indem er die Generationen der britischen Musik, die ihn groß gemacht haben, in seinen Sound integriert. "I Might Be Fake" hat die Dringlichkeit von "Giddy Stratospheres" von den Long Blondes aus dem Jahr 2005, gemischt mit der Spacigkeit des Klaxons-Katalogs der späten Nullerjahre. "Shangaladang" ist eine Ode an Peace' Black-Music-Inspirationen, mit einer Anspielung auf Skepta; hier passt er den Text "I've got my hood mates and white niggas" aus dem 2016er Song "Man" des Rappers an seine rauere, The Clash-artige Melodie an.



Der raue Künstler wird bereits als neue Stimme des britischen Indie gefeiert und war bei den AIM Awards 2023 als "One To Watch" nominiert. Das 11-Track-Album ist eine Mischung aus der alternativen Musik, mit der der Brite aufgewachsen ist, von Arctic Monkeys & Friendly Fires bis hin zu Gorillaz.

Focus On Nature ist das neue Studioalbum des gefeierten Post-Psych/Independent Singer-Songwriters Nick Saloman und seiner Band The Bevis Frond. Fünfundsiebzig Minuten herrlicher Melodien, die sich zwischen 60er-Jahre-Psych, englischem Folk, den Seattle Art-Punks The Wipers, dem Buzzsaw-Pop von Dinosaur Jr. und Hendrix-esken Erkundungen bewegen. Ihre Musik hat immer etwas spielerisch Englisches an sich. Die Kult-Ikonen, die sicherlich The Lemonheads, Teenage Fanclub, Elliot Smith, Pavement und Dinosaur Jr. beeinflussten, haben eine weitere schräge Mischung aus melodischer, klaviergeführter Melancholie, akustischen Grübeleien, kratzigem Garagen-Rock mit punkigem Einschlag und voller Gitarren-Histrionik produziert. Wie der viel gelobte und äußerst erfolgreiche Vorgänger "Little Eden" befasst sich die neue Platte mit dem Überdruss der Welt, füllt aber eine größere Leinwand aus: Fast Food und globale Erwärmung, gebrochene Herzen und lange Nächte, alltägliche Unsterblichkeit und Gottes Geschenk - all das findet seinen Platz. Es ist wie Townshend in seiner thematischsten Phase; Big Star in all ihrer akustischen Pracht, perfekt ausbalanciert mit der punkigen Garage-Rock-Combo, die auf "Empty" mit Gilmour-Breaks endet, die das Ganze zur Größe erheben. "Sie mischen immer noch Pop, Punk und Psych mit schwindelerregender Wirkung. The Guardian "Selbstreflexion gepaart mit einer reumütigen Bestandsaufnahme des aktuellen Zustands der Nation." Uncut zu Little Eden - Erhältlich auf Ltd Double Purple Vinyl, DL-Karte und/oder als CD im Digisleeve -

Kernig, handgemacht und ehrlich – Attribute die den Folk Rock Sound von Rauhbein am besten beschreiben. Mit dem Debutalbum „STEH WIEDER AUF“ weckt Rauhbein die Lust am Leben, denn diese Lieder hat das Leben geschrieben. Songs, die Mut und Lebensfreude vermitteln, gerade da, wo man es nicht erwartet. Egal worum es in den Songs geht, um den Knüppel, den uns das Leben zwischen die Beine wirft, um das Umschiffen von Klippen, um Höhen und Tiefen, um Freud oder Leid: Am Ende erzählen sie doch alle von der Liebe zum Leben und der alles tragenden Kraft, der positiven Energie.

Kernig, handgemacht und ehrlich – Attribute die den Folk Rock Sound von Rauhbein am besten beschreiben. Mit dem Debutalbum „STEH WIEDER AUF“ weckt Rauhbein die Lust am Leben, denn diese Lieder hat das Leben geschrieben. Songs, die Mut und Lebensfreude vermitteln, gerade da, wo man es nicht erwartet. Egal worum es in den Songs geht, um den Knüppel, den uns das Leben zwischen die Beine wirft, um das Umschiffen von Klippen, um Höhen und Tiefen, um Freud oder Leid: Am Ende erzählen sie doch alle von der Liebe zum Leben und der alles tragenden Kraft, der positiven Energie.

LIMITED RED VINYL

Sheherazaad ist eine US-amerikanische Komponistin und Sängerin, derenzeitgenössische Folk-Pop-Synthese, produziertvon Arooj Aftab, einer neuen Welle der klanglichen Innovation aus der Diaspora Teil wird. In der modernen Welt ist Migration omnipräsent. Sie durchzieht sämtliche Lebens- und Alltagsbereiche, steckt oftmals verschlüsselt in unseren Gewohnheiten. Während unzählige Menschen sowohl mental als auch körperlich mit nie da gewesener Aggressivität die Globalisierung vorantreiben, werden einst stabile "Genres" und Identitäten jeder Art zerlegt - aufgespalten und abgeschafft, überflüssig gemacht und wieder neu geboren. Alles migriert, alles ist in Bewegung. In genau diesem fluktuierenden Feld findet Sheherazaad Inspirationen für ihre Songs. Ihr Minialbum Qasr entstand während einer Phase der familiären Entfremdung. Auch die Trauer über einen Todesfall in der Familie und die rassistische Polarisierung ihres Landes, das plötzlich kaum wieder zu erkennen war, prägten die Aufnahmen. Der Titel des Albums bedeutet auf Urdu (der Nationalsprache in Pakistan und einigen indischen Bundesstaaten) so viel wie "Burg" oder "Festung". Und tatsächlich ist Qasr ein Monument: Es verkörpert die Last der Vertreibung, die widersprüchlichen Sog- und Anziehungskräfte der Diaspora - und das schreckliche Problem der Auslöschung, des Vergessens der eigenen Wurzeln. Um genau diese Art der Erfahrung geht es, um die Gewalt, die Hysterie, auch um die Romantisierungen, die damit einhergehen, wenn Sheherazaad klanglich eintaucht in jenes In-Between - ins Reich des Dazwischen. Die Aufnahmen fanden im Herzen von Brooklyn im Glass Wall Studio statt. Die unbeschreibliche Energie der nächtlichen Sessions speiste sich dabei vor allem aus der einzigartigen (und einzigartig internationalen) Konstellation der Mitwirkenden: u.a. mit dabei waren auch Basma Edrees (Ägypten), Gilbert Mansour (Libanon) und Firas Zreik (Palästina); gemastert von Heba Kadry (Björk, Ryuichi Sakamoto). Auf Qasr lädt uns Sheherazaad in eine betörende und vollkommen neue Klangwelt ein: in ein Reich der Musik, das genau genommen noch gar nicht von dieser Welt zu sein scheint. Zugleich lässt sie die Fackel der nomadischen Erfahrung auflodern, gibt auch diesem Feuer einen sehr viel prominenteren Platz. Insgesamt entwirft die Künstlerin mit diesem betörenden Album ihre eigene Festung. Denn sie will auch uns dazu ermutigen, unsere eigenen Festungen, unsere eigenen klanglichen König:innen-Reiche und unmöglichen Traumwelten zu entwerfen

Als Mark Shelton am 27. Juli 2018 im Alter von nur 60 Jahren nach einem Auftritt von Manilla Road beim Headbangers Open Air in Brande-Hörnerkirchen starb, war der Schock in der Heavy-Metal-Underground-Gemeinde groß. Die Band löste sich auf, während 2019 auf dem Keep It True Festival eine Manilla Road-Tribute-Show zu Ehren von Mark gefeiert wurde. Fünf lange Jahre hat es gedauert, bis sich die Ex-Manilla-Road-Mitglieder Bryan Patrick (Gesang), Phil Ross (Bass) und Andreas "Neudi" Neuderth (Schlagzeug) entschlossen haben, eine neue Band zu gründen und das Erbe der Epic-Metal-Meister fortzuführen. Sie werden von Kalli Coldsmith an der Gitarre unterstützt. Der Name der Band ist Sentry und sie unterschrieben direkt nach einem ersten Lebenszeichen - einer Zwei-Track-Promo-EP (mit "Heavensent" und "Black Candles") - bei High Roller Records. Das Ergebnis ist ihr selbstbetiteltes Debütalbum, das aus sechs brandneuen Kompositionen sowie den beiden Songs der Promo-EP besteht (die CD-Ausgabe enthält einen zusätzlichen Bonustrack, "Incarnation Of Evil" von den mächtigen Candlemass). Das Material auf dem Album wurde in Kalli Coldsmiths Studio in der Nähe von Darmstadt sowie in Phils eigenem Studio in Wichita, Kansas, USA, aufgenommen.

Eines ist Sentry sehr wichtig - sie wollen nicht als Kopie von Manilla Road gesehen werden, wie Gitarrist Kalli Coldsmith unmissverständlich klarstellt: "Wir sind einfach eine andere Band mit eigenen, originellen Songs und ohne einen großen Backkatalog. Wir versuchen, für uns selbst zu stehen und unseren eigenen Stil zu finden, an dem man erkennt 'Das ist Sentry!'" Er fährt fort: "Da ich das meiste Material geschrieben habe und nie bei Manilla Road war, gehen die Songs nicht auf die Zeiten von Mark zurück. 'Heavensent' ist ein Song, der unter den Eindrücken der Mark Shelton Tribute Show im Keep It True geschrieben wurde, die für alle beteiligten Musiker und Freunde eine emotionale Achterbahnfahrt war. Dieser Song wurde also sozusagen vom Himmel geschickt. Die meisten anderen Songs waren brandneu, zusammen mit einigen alten Ideen aus meinen Riff-Kellern." Bassist Phil Ross fügt hinzu: "Diese Band würde ohne Mark nicht existieren, also kann man es natürlich in gewisser Weise als Tribut an ihn bezeichnen. Textlich gibt es viele Hommagen, die man als 'für oder an' Mark bezeichnen könnte. Wir glauben, dass ihm diese LP gefallen würde, aber wir versuchen absolut nicht, Musik 'für Mark' oder 'für Manilla-Fans' zu schreiben. Wir machen das, weil wir denken, dass wir innerhalb der Struktur dieser Band etwas Neues schaffen können, das Metal-Fans interessiert, und das schließt Manilla-Fans ein! Ich denke, jedes Mitglied hat auf eine Art und Weise zum neuen Album beigetragen, wie wir es bei anderen Aufnahmen nicht getan haben. Wir sind darauf bedacht, zu respektieren, woher wir kommen und wie wir hierher gekommen sind, aber es ist natürlich und organisch passiert. Wir haben die Band nie gegründet, um Mark 'Tribut' zu zollen."

Als Mark Shelton am 27. Juli 2018 im Alter von nur 60 Jahren nach einem Auftritt von Manilla Road beim Headbangers Open Air in Brande-Hörnerkirchen starb, war der Schock in der Heavy-Metal-Underground-Gemeinde groß. Die Band löste sich auf, während 2019 auf dem Keep It True Festival eine Manilla Road-Tribute-Show zu Ehren von Mark gefeiert wurde. Fünf lange Jahre hat es gedauert, bis sich die Ex-Manilla-Road-Mitglieder Bryan Patrick (Gesang), Phil Ross (Bass) und Andreas "Neudi" Neuderth (Schlagzeug) entschlossen haben, eine neue Band zu gründen und das Erbe der Epic-Metal-Meister fortzuführen. Sie werden von Kalli Coldsmith an der Gitarre unterstützt. Der Name der Band ist Sentry und sie unterschrieben direkt nach einem ersten Lebenszeichen - einer Zwei-Track-Promo-EP (mit "Heavensent" und "Black Candles") - bei High Roller Records. Das Ergebnis ist ihr selbstbetiteltes Debütalbum, das aus sechs brandneuen Kompositionen sowie den beiden Songs der Promo-EP besteht (die CD-Ausgabe enthält einen zusätzlichen Bonustrack, "Incarnation Of Evil" von den mächtigen Candlemass). Das Material auf dem Album wurde in Kalli Coldsmiths Studio in der Nähe von Darmstadt sowie in Phils eigenem Studio in Wichita, Kansas, USA, aufgenommen.

Eines ist Sentry sehr wichtig - sie wollen nicht als Kopie von Manilla Road gesehen werden, wie Gitarrist Kalli Coldsmith unmissverständlich klarstellt: "Wir sind einfach eine andere Band mit eigenen, originellen Songs und ohne einen großen Backkatalog. Wir versuchen, für uns selbst zu stehen und unseren eigenen Stil zu finden, an dem man erkennt 'Das ist Sentry!'" Er fährt fort: "Da ich das meiste Material geschrieben habe und nie bei Manilla Road war, gehen die Songs nicht auf die Zeiten von Mark zurück. 'Heavensent' ist ein Song, der unter den Eindrücken der Mark Shelton Tribute Show im Keep It True geschrieben wurde, die für alle beteiligten Musiker und Freunde eine emotionale Achterbahnfahrt war. Dieser Song wurde also sozusagen vom Himmel geschickt. Die meisten anderen Songs waren brandneu, zusammen mit einigen alten Ideen aus meinen Riff-Kellern." Bassist Phil Ross fügt hinzu: "Diese Band würde ohne Mark nicht existieren, also kann man es natürlich in gewisser Weise als Tribut an ihn bezeichnen. Textlich gibt es viele Hommagen, die man als 'für oder an' Mark bezeichnen könnte. Wir glauben, dass ihm diese LP gefallen würde, aber wir versuchen absolut nicht, Musik 'für Mark' oder 'für Manilla-Fans' zu schreiben. Wir machen das, weil wir denken, dass wir innerhalb der Struktur dieser Band etwas Neues schaffen können, das Metal-Fans interessiert, und das schließt Manilla-Fans ein! Ich denke, jedes Mitglied hat auf eine Art und Weise zum neuen Album beigetragen, wie wir es bei anderen Aufnahmen nicht getan haben. Wir sind darauf bedacht, zu respektieren, woher wir kommen und wie wir hierher gekommen sind, aber es ist natürlich und organisch passiert. Wir haben die Band nie gegründet, um Mark 'Tribut' zu zollen."

Die Schweiz war schon immer ein fruchtbarer Nährboden für Extreme Metal. Messiah wurden 1984 gegründet und veröffentlichten zwei bahnbrechende Alben auf Chainsaw Murder Records, "Hymn To Abramelin" im Jahr 1986 und "Extreme Cold Weather" ein Jahr später. In den frühen 1990er Jahren unterschrieben Messiah bei Karl Walterbachs Label Noise Records und veröffentlichten drei weitere Alben in voller Länge: "Choir Of Horrors" (1991), "Rotten Perish" (1992) und "Underground" (1994), bevor sie getrennte Wege gingen.

Im Jahr 2018 beschlossen Messiah, sich in der Originalbesetzung ihrer Noise Records-Alben mit Andy Kaina am Gesang, Steve Karrer am Schlagzeug, Patrick Hersche am Bass und Bandgründer R.B. Brögi an der Gitarre zu reformieren. Aufwendige Re-Issues von "Hymn To Abramelin" und "Extreme Cold Weather" erschienen auf High Roller Records, bevor 2020 ein neues Studioalbum mit dem Titel "Fracmont" veröffentlicht wurde. 2024 folgt nun endlich "Christus Hypercubus", das Opus Magnus von Messiah.

Am 4. November 2022 ereilte das Schicksal den ehemaligen Messiah-Sänger Andy Kaina, der im Alter von nur 53 Jahren an einem Herzinfarkt starb. Es war ein großer Schock für alle Beteiligten. Andys letzter Live-Auftritt mit Messiah fand am 20. November 2021 im Alten Capitol in Langenthal, Schweiz, statt. Gegen Ende des Jahres verließ Andy Messiah, weil er nach eigenen Worten "die Motivation verloren hatte, in der Band zu sein und sich auf andere Dinge im Leben konzentrieren wollte". Messiah und Andy Kaina blieben jedoch Freunde.

Messiah hatte sich aber bereits nach Andys Ausstiegsankündigung entschieden, die Band weiterzuführen. Marcus Seebach aus Chur wurde Ende 2021 der neue Messiah-Sänger. Kurze Zeit später begannen die Arbeiten an einem neuen Studioalbum. "V.O. Pulver renommierter Schweizer Plattenproduzent und derzeit auch zweiter Gitarrist bei Messiah und ich haben im Januar 2022 die Grundlagen für neue Songs geschaffen", erklärt Gitarrist und Gründungsmitglied Brögi. "Innerhalb von drei Wochen hatten V.O. und ich das gesamte neue Album geschrieben. Ich habe in dieser Zeit auch das ganze Konzept und die Texte entwickelt (bis auf einen Songtext, der von Marcus Seebach stammt). Es war wirklich eine sehr kreative Zeit."

"Wir haben es so gemacht, wie wir es immer machen", lacht Brögi, "wir haben die Songs für "Christus Hypercubus" einfach geschrieben und aufgenommen, ohne viel darüber nachzudenken, ganz spontan. Die Umstände waren dieses Mal allerdings etwas komplizierter, weil wir nicht alle zusammen im Proberaum waren, um das Material zu arrangieren. Das Schicksal schlug zu, da Steve Karrer aufgrund eines Skiunfalls sechs Monate lang nicht Schlagzeug spielen konnte. Insgesamt ist das neue Material härter und schneller als "Fracmont". Es gibt auch einen neuen Touch, der durch Marcus' Gesang entsteht, denn er ist in der Lage, diese hohen Schreie zu machen. Ich denke "Christus Hypercubus" repräsentiert unsere neue Situation sehr gut - es weht ein neuer Wind, aber wir haben nichts von den bewährten Messiah-Trademarks von früher verloren."

Hier und da tragen Songs wie das langsamere "Speedsucker Romance" oder "Christus Hypercubus" auch "progressive" Züge, was das Album interessant und frisch klingen lässt. "Das liegt wahrscheinlich daran, dass wir alle Regeln für das Arrangieren von Beats ignorieren", schmunzelt Brögi. "Wir fügen einfach verschiedene Ideen zueinander, meist angeführt von den Gitarren. Deshalb werden wir wohl auch nie einen Rockhit schreiben. Früher war es reines Chaos, heute ist es strukturierter und professioneller."

Die Schweiz war schon immer ein fruchtbarer Nährboden für Extreme Metal. Messiah wurden 1984 gegründet und veröffentlichten zwei bahnbrechende Alben auf Chainsaw Murder Records, "Hymn To Abramelin" im Jahr 1986 und "Extreme Cold Weather" ein Jahr später. In den frühen 1990er Jahren unterschrieben Messiah bei Karl Walterbachs Label Noise Records und veröffentlichten drei weitere Alben in voller Länge: "Choir Of Horrors" (1991), "Rotten Perish" (1992) und "Underground" (1994), bevor sie getrennte Wege gingen.

Im Jahr 2018 beschlossen Messiah, sich in der Originalbesetzung ihrer Noise Records-Alben mit Andy Kaina am Gesang, Steve Karrer am Schlagzeug, Patrick Hersche am Bass und Bandgründer R.B. Brögi an der Gitarre zu reformieren. Aufwendige Re-Issues von "Hymn To Abramelin" und "Extreme Cold Weather" erschienen auf High Roller Records, bevor 2020 ein neues Studioalbum mit dem Titel "Fracmont" veröffentlicht wurde. 2024 folgt nun endlich "Christus Hypercubus", das Opus Magnus von Messiah.

Am 4. November 2022 ereilte das Schicksal den ehemaligen Messiah-Sänger Andy Kaina, der im Alter von nur 53 Jahren an einem Herzinfarkt starb. Es war ein großer Schock für alle Beteiligten. Andys letzter Live-Auftritt mit Messiah fand am 20. November 2021 im Alten Capitol in Langenthal, Schweiz, statt. Gegen Ende des Jahres verließ Andy Messiah, weil er nach eigenen Worten "die Motivation verloren hatte, in der Band zu sein und sich auf andere Dinge im Leben konzentrieren wollte". Messiah und Andy Kaina blieben jedoch Freunde.

Messiah hatte sich aber bereits nach Andys Ausstiegsankündigung entschieden, die Band weiterzuführen. Marcus Seebach aus Chur wurde Ende 2021 der neue Messiah-Sänger. Kurze Zeit später begannen die Arbeiten an einem neuen Studioalbum. "V.O. Pulver renommierter Schweizer Plattenproduzent und derzeit auch zweiter Gitarrist bei Messiah und ich haben im Januar 2022 die Grundlagen für neue Songs geschaffen", erklärt Gitarrist und Gründungsmitglied Brögi. "Innerhalb von drei Wochen hatten V.O. und ich das gesamte neue Album geschrieben. Ich habe in dieser Zeit auch das ganze Konzept und die Texte entwickelt (bis auf einen Songtext, der von Marcus Seebach stammt). Es war wirklich eine sehr kreative Zeit."

"Wir haben es so gemacht, wie wir es immer machen", lacht Brögi, "wir haben die Songs für "Christus Hypercubus" einfach geschrieben und aufgenommen, ohne viel darüber nachzudenken, ganz spontan. Die Umstände waren dieses Mal allerdings etwas komplizierter, weil wir nicht alle zusammen im Proberaum waren, um das Material zu arrangieren. Das Schicksal schlug zu, da Steve Karrer aufgrund eines Skiunfalls sechs Monate lang nicht Schlagzeug spielen konnte. Insgesamt ist das neue Material härter und schneller als "Fracmont". Es gibt auch einen neuen Touch, der durch Marcus' Gesang entsteht, denn er ist in der Lage, diese hohen Schreie zu machen. Ich denke "Christus Hypercubus" repräsentiert unsere neue Situation sehr gut - es weht ein neuer Wind, aber wir haben nichts von den bewährten Messiah-Trademarks von früher verloren."

Hier und da tragen Songs wie das langsamere "Speedsucker Romance" oder "Christus Hypercubus" auch "progressive" Züge, was das Album interessant und frisch klingen lässt. "Das liegt wahrscheinlich daran, dass wir alle Regeln für das Arrangieren von Beats ignorieren", schmunzelt Brögi. "Wir fügen einfach verschiedene Ideen zueinander, meist angeführt von den Gitarren. Deshalb werden wir wohl auch nie einen Rockhit schreiben. Früher war es reines Chaos, heute ist es strukturierter und professioneller."

In dieser turbulenten Zeit ist es wichtiger denn je, als Menschheit eng zusammenzustehen, anstatt sich gegenseitig zu bekämpfen. Und genau darum geht es im neuen FIREWIND-Album ‚Stand United‘! Neben top aktuellen Themen, die in Zehn neuen Tracks besungen werden, erwartet uns textlich wie auch musikalisch das wohl stärkste Werk ihrer bisherigen Bandgeschichte. Passend zum neuen Release verbreitet die Band rund um ex Ozzy Osbourne-Gitarrist Gus G. und Sänger Herbie Langhans (ehemals Avantasia) im Frühjahr 2024 ihre Botschaft von ‚Stand United‘ in Europa. Gemeinsam mit MASTERPLAN geht die Band auf große Co-Headliner Tour, u.a. in Deutschland, Frankreich, Spanien, Schweden und vielen weiteren Ländern. So erblickt ab dem 01.03.2024 ‚Stand United‘ das Licht dieser Welt - verfügbar als limitierte Splatter- und Marbled-Vinyl-Versionen, CD-Digipak und Digital!

In dieser turbulenten Zeit ist es wichtiger denn je, als Menschheit eng zusammenzustehen, anstatt sich gegenseitig zu bekämpfen. Und genau darum geht es im neuen FIREWIND-Album ‚Stand United‘! Neben top aktuellen Themen, die in Zehn neuen Tracks besungen werden, erwartet uns textlich wie auch musikalisch das wohl stärkste Werk ihrer bisherigen Bandgeschichte. Passend zum neuen Release verbreitet die Band rund um ex Ozzy Osbourne-Gitarrist Gus G. und Sänger Herbie Langhans (ehemals Avantasia) im Frühjahr 2024 ihre Botschaft von ‚Stand United‘ in Europa. Gemeinsam mit MASTERPLAN geht die Band auf große Co-Headliner Tour, u.a. in Deutschland, Frankreich, Spanien, Schweden und vielen weiteren Ländern. So erblickt ab dem 01.03.2024 ‚Stand United‘ das Licht dieser Welt - verfügbar als limitierte Splatter- und Marbled-Vinyl-Versionen, CD-Digipak und Digital!

wieder lieferbar Zwei Jahre nach dem Release "Ten Stones" (2008), das von Fans und Kritikern gefeiert wurde, haben Wovenhand und das Label Glitterhouse beschlossen, ihre Kräfte wieder zu vereinen. Das erste Ergebnis ist das Album "The Threshingfloor". Auf ihrem sechsten Album stoßen Wovenhand zu neuen Territorien vor, während David Eugene Edwards einen leidenschaftlichen Wirbel entfacht, der mitreißt und zutiefst spirituell ist. Seine unverwechselbare Stimme, sein kraftvolles Banjospiel und die beherzte Unterstützung von Pascal Humbert (Bass) und Ordy Garrison (Schlagzeug) machen "The Threshingfloor" zu einem atemberaubenden Erlebnis. Wie schon zu Zeiten seiner ehemaligen Band 16 Horsepower überrascht uns Edwards wieder mit mal einer Coverversion: "Trust" aus New Orders Debütalbum "Movement" wird auf "The Threshingfloor" zu einem manischen, intensiven Song- und Soundgewitter, dass den Hörer atemlos zurücklässt.

Paice Ashton Lord hatten einen kurzen, aber dafür spektakulären Moment in der Geschichte des Rock'n'Roll.

Es gab großes Getöse in der Musikpresse als Drummer Ian Paice und Organist Jon Lord nach der unschönen Auflösung von Deep Purple eine neue Band zusammen mit Tony Ashton (Vocals, Keyboards) aufmachte.

Ein Album, einen verpatzten TV Auftritt, eine Tour und ein nie vollendetes zweites Album später endete die Geschichte von PAL im Jahre 1978 auch schon wieder. Eine Geschichte, die es wert ist, noch einmal zelebriert zu werden.

Mit einer Fusion aus Rock mit Big Band Swing, Blues und Funk bietet »Malice In Wonderland« treibenden Feel Good Rock vom Feinsten.