quête:muti

Das Neujahrskonzert 2025 der Wiener Philharmoniker unter der Leitung von Riccardo Muti beschert einen schwungvollen Start ins neue Jahr. Im festlich geschmückten Goldenen Saal des Wiener Musikvereins erklingt ein glanzvolles Programm mit den schönsten Walzern, Polkas und Märschen der Strauß-Dynastie sowie einem besonderen Highlight: dem "Ferdinandus-Walzer" von Constanze Geiger, arrangiert von Wolfgang Dörner. Damit ist erstmals die Komposition einer Frau Teil des Neujahrskonzertprogramms.Riccardo Muti, der bereits zum siebten Mal das Neujahrskonzert dirigiert, bringt seinen über 50 Jahre gewachsenen, außergewöhnlichen Erfahrungsschatz mit den Wiener Philharmonikern in dieses Konzert ein und garantiert eine Darbietung voller Präzision, Eleganz und musikalischer Tiefe.Das Konzert, das weltweit Millionen Menschen begeistert, wird in über 90 Länder übertragen und besticht mit einem abwechslungsreichen Programm aus Walzern, Polkas und Märschen der Strauß-Familie und ihrer Zeitgenossen, sowie traditionellen Highlights, darunter der auch auf Social Media jedes Jahr gefeierte "Radetzky-Marsch" von Johann Strauß (Vater).Die Aufnahme des Neujahrskonzerts 2025 erscheint wie gewohnt bei Sony Classical

Es ist das größte klassische Musikereignis der Welt, wird in mehr als 90 Länder übertragen und in Deutschland von mehr als 4 Millionen Menschen im Fernsehen und im Rundfunk verfolgt.Die Wiener Philharmoniker, für dieses Repertoire unstrittig das beste Orchester der Welt, präsentieren zum Jahreswechsel wieder ein heiteres und zugleich besinnliches Programm mit Walzern, Tänzen und Polkas aus dem reichen Repertoire der Johann Strauss-Dynastie und deren Zeitgenossen. Das Orchester möchte mit diesem Konzert allen Menschen einen Gruß im Geiste von Hoffnung, Freundschaft und Frieden übermitteln.Im Herzen von Wien, in einem der klangbesten und schönsten Klassik-Säle der Welt interpretiert, werden die Wiener Philharmoniker das Klassik-Jahr eröffnen, dieses Mal unter der Leitung des berühmten und exzellenten italienischen Dirigenten Riccardo Muti, dessen enge musikalische Zusammenarbeit mit dem Orchester bereits Jahrzehnte umspannt. Muti hat im Verlaufe seiner außerordentlichen Karriere die prominentesten Orchester der Welt, wie die Berliner Philharmoniker, das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, die New Yorker Philharmoniker und das Orchestre National de France dirigiert, hat aber zu den Wiener Philharmonikern ein besonders inniges Verhältnis. Er wird das interessante Programm des Neujahrskonzertes 2021 sicherlich mit italienischer "Grandezza" bereichern. Neben unsterblichen Hits wie dem "Frühlingsstimmen-Walzer" von Johann Strauss, dem "Kaiserwalzer", "An der schönen blauen Donau" und dem "Radetzky-Marsch", gibt es 2021 auch wieder zahlreiche Premieren beim Neujahrskonzert von entdeckenswerten Walzern und Polkas u.a. von Franz von Suppé, Carl Zeller, Carl Millöcker, Karl Komzák, Josef Strauss und Johann Strauss Vater.Ein eleganter, beschwingter Gute-Laune-Auftakt 2021 mit Klassik der Extraklasse!

Diese Veröffentlichung ist Teil der farbigen Vinyl-Serie zum 40-jährigen Jubiläum von World Circuit. „Moussolou“ ist das Debütalbum der malischen Sängerin Oumou Sangaré; es wurde 1989 aufgenommen und 1991
veröffentlicht. Der Titel bedeutet auf Bambara „Frauen“ und verweist von Anfang an auf das zentrale
Thema des Albums. Viele der Lieder basieren auf Sangarés eigenen Erfahrungen als Frau in einer männerdominierten Gesellschaft, in der Polygamie nach wie vor praktiziert wird. Ihre Texte behandeln Themen wie
Liebe, Ehe, Unabhängigkeit und Frauenrechte mit einer Direktheit, die sowohl mutig als auch bahnbrechend
war.
Auch die Musik war ebenso revolutionär wie die Thematik. Verwurzelt in den kraftvollen, pulsierenden
Rhythmen des traditionellen Wassoulou-Sounds und geprägt durch das brillante Kamalengoni-Spiel von
Bénogo Diakité, modernisierte „Moussolou“ diese Traditionen mit zeitgenössischen Arrangements und einer
Instrumentierung, die bei einer neuen Generation von Hörern in Mali und ganz Westafrika Anklang fand.
Das Album, das sowohl tiefen Respekt vor der Tradition als auch einen unverkennbar modernen Geist zeigte,
entwickelte sich rasch zu einem großen Erfolg und begründete Sangarés Karriere, als sie noch sehr jung
war.
Die Mischung aus kultureller Authentizität und furchtlosem Eintreten für ihre Überzeugungen machte
„Moussolou“ zu einem Meilenstein der afrikanischen Musik und der Weltmusik; es legte den Grundstein
für Sangarés anhaltenden Ruf als eine der gefeiertsten Künstlerinnen des Kontinents und als starke Stimme
für Frauenrechte.
Anlässlich des 40-jährigen Jubiläums von World Circuit Records erscheint dieses kraftvolle und einflussreiche
Debüt nun neu auf transparentem, türkisfarbenem Vinyl. Die Veröffentlichung enthält zudem ein farbiges
Booklet mit den Liedtexten auf Englisch und Französisch.

Coke Bottle Clear Vinyl. Babe Haven ist eine queere Punkband, bekannt für ihre Riot-Grrrl-Attitüde und ihren Nu-Metal-Einschlag. Gegründet in Boone, North Carolina, von Lillie Della Penna und Naomi Poesel, kreiert die Band Hymnen über Selbstermächtigung und Widerstand, die vor roher Aggression nur so strotzen.Die Band hat sich schnell zu einem ikonischen Bestandteil der modernen Punkszene entwickelt, bringt Bühnen zum Brennen, spielt ausverkaufte Shows in den gesamten USA und stand bereits mit Acts wie Die Spitz, Mannequin Pussy, Soft Play und Pup auf der Bühne.Ihr zweites Album ,Nuisance" zeigt eine mutige Weiterentwicklung ihres Sounds - eine Mischung aus Nu Metal, Thrash und Punk, die sich zu einem intensiven, genreübergreifenden Statement verbindet und ihren Platz als eine der wichtigsten aufstrebenden Stimmen des Punk festigt.,Nuisance" erschien ursprünglich im Juni 2024 und wird nun im Oktober 2026 erstmals physisch über Hassle Records veröffentlicht.

Mit Gamgumsupon legt Kuhn Fu sein bislang direktestes und energiegeladenstes Album vor. Das international besetzte Ensemble um Gitarrist und Komponist Christian Kühn verbindet Jazz, Punk, Metal, Psychedelia und Big-Band-Sound zu einer explosiven Klangsprache, die sich jeder Genre-Schublade entzieht. Kraftvolle Riffs treffen auf ausgefeilte Arrangements, improvisatorische Freiheit auf ungebremste Spielfreude und feinen Humor. Trotz ihrer kompositorischen Komplexität wirkt die Musik unmittelbar, eingängig und voller überraschender Wendungen. Zwischen brachialer Energie und verspielter Leichtigkeit entfaltet Gamgumsupon eine eigene musikalische Welt, in der Virtuosität stets im Dienst des Songs steht. Ein mutiges, kompromissloses Album, das Rock und Jazz auf ebenso originelle wie mitreißende Weise neu zusammenführt.

Für die Feier des Miteinanders! Mit ihrem zweiten Album "Wenn man das Licht zurückverfolgt, weiß man, wie alt die Sterne sind" gelingt WIM ein eindrucksvoller Schritt nach vorn. Die Hamburger Künstlerin verbindet erstmals ihre poetische Tiefe mit einem neuen, synth-poppigen Sound, der Raum für Leichtigkeit und Bewegung schafft. In zehn Songs erzählt sie von prägenden Momenten, Verlust, Erinnerung und dem, was Menschen im Verborgenen formt. Dabei entsteht ein Album, das Empathie einfordert, ohne zu beschweren - und das zeigt, dass selbst schwere Themen tanzbar sein können. Produziert von Tobias Siebert (Kettcar, Enno Bunger), klingt die Platte organisch und frisch - unverkennbar WIM, aber mutiger und offener als je zuvor, fast schon moderner, urbaner XL-Pop: Die Songs werden rhythmusgetriebener, luftiger und teils konsequent vom Beat getragen. Und wenn es inhaltlich doch zu schwer wird, tanzt WIM im Studio zu Paula Hartmann, hört Chappell Roan und lässt sich von Wir Sind Helden inspirieren. LP farbiges Coke Bottle Green Vinyl (140g), CD Digipak mit Posterbooklet.

10th Anniversary Edition. Forest Shadow Vinyl. Spricht man MITSKI MIYAWAKI auf Glück an, warnt sie nur: ,Glück fickt dich." Diese Lektion findet sich seit Jahren im düsteren Outsiderindiesound der New Yorkerin, doch wurde noch nie so kraftvoll umgesetzt wie auf ihrem neuesten Album ,Puberty 2". ,Glück ist oben, Traurigkeit ist unten, aber das eine ist fast noch destruktiver als das andere", sagt sie. ,Wenn du feststellst, dass du das eine nicht ohne das andere haben kannst, ist es möglich, Glücksphasen damit zu verbringen, auf die Gegenwelle zu warten." Auf ,Puberty 2" ist diese Spannung spürbar: ein sowohl schönes als auch brutal romantisches Hinterland, in dem eine der neuen Stimmen Amerikas einen mutigen neuen Weg begeht.

Mehr als zwanzig Jahre nachdem Nouvelle Vague mit ihrem inzwischen kultigen Debütalbum den Post-Punk neu erfunden haben, schlagen sie mit A Date with Depeche Mode ein mutiges neues Kapitel auf – einer abendfüllenden Neuinterpretation eines der einflussreichsten und beliebtesten Songkataloge der modernen Musik.
Nur wenige Bands haben die Popkultur so geprägt wie Depeche Mode. Nur wenige Künstler beherrschen die Kunst der musikalischen Neuinterpretation so meisterhaft wie Nouvelle Vague. Diese beiden Welten zusammenzubringen wirkt zugleich völlig unerwartet und doch unvermeidlich.
Aufgenommen zwischen Rio de Janeiro und Paris, verwandelt das Album dreizehn Depeche-Mode-Klassiker in intime, filmische und tief emotionale Songs. Was einst von Maschinen und elektronischen Klängen geprägt war, wird hier warm, organisch und zeitlos – und legt das Songwriting offen, das den Kern dieser ikonischen Kompositionen bildet.
Gesungen von einer außergewöhnlichen internationalen Besetzung von Gastvokalistinnen und -vokalisten – darunter Skye Edwards (Morcheeba), Beth Hirsch, Flavia Coelho, Mélanie Pain, Phoebe Killdeer, Fredrika Stahl und weitere – bietet jeder Titel eine einzigartige Begegnung zwischen einer Stimme und einem Song und bleibt dabei dem charakteristischen Stil von Nouvelle Vague treu

Nach der Veröffentlichung von „idea 1“, kündigt Kelela ihr neues, drittes Album an, das am 10. Juli bei Warp Records erscheint – und veröffentlicht die zweite Single „linknb“, produziert von Oscar Scheller.

Der Track entstand in einer Phase der Schreibblockade und begann als Mantra, das Kelela schrieb, um sich wieder an die Arbeit zu bringen. Angeführt von einem labyrinthischen Gitarrenriff über treibenden Metal-Drums ist „linknb“ ein Song über Selbstvertrauen, das man sich durch Schwierigkeiten erarbeitet hat, darüber, sich nicht klein machen zu lassen. „Es ist nicht schwer, mutig zu sein / Es ist leichter, zu viel preiszugeben / Ich weiß nur, dass ich den Weg geebnet habe, unterbezahlt.“

Das von Mischa Notcutt inszenierte Video versetzt Kelela in die Mitte einer urbanen Traumlandschaft. Als enger Freund und Kelelas ehemaliger Kreativdirektor war Notcutt die naheliegende Wahl. Das Video lässt Realismus und Abstraktion ineinanderfließen und verwandelt eine einsame Reise in eine Meditation über Selbstfindung und Erneuerung.

Mit „new avatar“ rückt alles, worauf Kelela hingearbeitet hat, in den Fokus. Sie begann ihre ersten Songs in der Indie-Szene von Washington, D.C. zu schreiben, bevor die Clubmusik und die elektronische Produktion, die ihre frühe Karriere prägten, die Oberhand gewannen. Mit „new avatar“ schließt sie den Kreis: R&B, unterlegt mit verzerrten Gitarrenklängen, trifft auf neue Schnittstellen in der Tanzmusik und gipfelt in einem Sound, der aus all den musikalischen Einflüssen schöpft, die sie je geprägt haben. Das Album enthält zudem Kollaborationen mit PinkPantheress, A. K. Paul und Fousheé.

„Dieses Album findet Trost in der Konfrontation“, sagt Kelela. „Ich möchte nicht, dass die Musik von dem ablenkt, was wirklich in der Welt vor sich geht; ich möchte, dass sie in dieser verrückten Zeit Sinn ergibt und den Menschen gleichzeitig hilft, mit der Schönheit und Freude in Kontakt zu kommen, die sie ebenfalls erleben.“

Das Album setzt sich mit einer Welt auseinander, die aus allen Nähten auseinanderfällt, und mit der Klarheit, die das Überleben erfordert.

„Die Leute sollten auch wissen, dass meine Freunde und ich ständig lachen und dass Humor kein Abwehrmechanismus ist; er ist Ausdruck dafür, wie scharfsinnig wir die Dinge einschätzen und wie klar wir die Welt sehen.“

Im Kern schildert „new avatar“ eine vielschichtige Erfahrung, und obwohl die Außenwelt präsent ist, schwächt sie Kelelas Entschlossenheit zu keinem Zeitpunkt.

About Kelela: Throughout her globally revered, boundary-pushing career, Kelela has established a lane of her own in R&B and electronic music. On her long-awaited third album, new avatar, the singer/songwriter (through the versatility of the guitar) challenges perceptions of these genres, while weaving together fragments of lived experiences to shape a world of connection and resilience during times of unrest.

The songs journey through Black femme rage, joy as resistance, Gotham City-esque dystopia, misogynoir, romantic tension, and more. It’s anchored by production that demands a broader rethink about alternative, rock and indie music.

Kelela’s defiant nature has propelled her so far already — from her hometown of Washington, D.C to world stages. In 2013, she released her debut mixtape, Cut 4 Me. She continued solidifying her revolutionary R&B sound with 2015’s Hallucinogen EP, with The New York Times naming its single, “Rewind,” one of the “25 Songs That Tell Us Where Music Is Going”. By 2017, she released her electric debut album Take Me Apart (which was followed by 2018’s TAKE ME A_PART, THE REMIXES), building upon her intimate storytelling.

After a nearly five-year hiatus, she returned in 2023 with her groundbreaking second album, Raven, and its critically-acclaimed counterpart, RAVE:N, The Remixes in 2024. Raven has been hailed as one of the ‘Best Albums of 2023’ by Pitchfork, Billboard, Vulture, Variety, and more, while the remixes solidified her as a leader in the dance music space.

In 2025, Kelela showcased yet another innovative side of her artistry with her live album In The Blue Light, which hit #5 on the Contemporary Jazz chart and #20 on the Jazz Albums chart. Now, with new avatar, Kelela displays the masterful intention she puts into forming new sonic cityscapes. But don’t confuse it with escapism: “I don't want the music to be a distraction from what's really going on in the world; I want it to help you get into it.”

Vier Jahre nach ihrem gefeierten Debüt ,International Love Affair" kehrt Tigerbalm (Rose Robinson) mit dem aufregend kaleidoskopischen Album ,Bubblegum Discos" zu Ubiquity Records zurück. Als mutige Weiterentwicklung ihres global geprägten Nu-Disco-Sounds spiegelt das Album ein neu gewonnenes Selbstbewusstsein wider sowie den Wunsch, mit handverlesenen Musikern und Sängern aus aller Welt zusammenzuarbeiten. In lebhaften Klangfarben gehalten, präsentiert ,Bubblegum Discos" Tigerbalms zwei große musikalische Leidenschaften: die brasilianische Musikkultur und Vintage-Dancefloor-Hits vom afrikanischen Kontinent, angereichert mit Anspielungen auf Italo-Disco, Proto-House und Soca. Die erste Hälfte des Albums ist stark von südamerikanischen Einflüssen geprägt. ,Nayar", entstanden in Zusammenarbeit mit Giorgio Lopez aus Neapel, macht den Anfang mit leicht vom Reggaeton inspiriertem Nu-Disco, gefolgt vom brasilianischen Disco-Rausch von ,Diga Me" und dem luftigen Samba-Disco von ,Vera En Paraty". Robinson liefert ihren allerersten Leadgesang auf dem teilweise improvisierten Neo-Boogie-Track ,Coco Makoko". Das Album wendet sich dann Afrika zu, mit herausragenden Beiträgen von Andre Espeut, der in Montreal lebenden haitianischen Sängerin Waahli auf dem hornlastigen ,Do Da Soca" und dem Afrobeats-Sänger Idd Aziz auf dem körperbetonten ,Afro-Disco". Der Abschluss ,Conga" rundet das Ganze mit schweren, afrozentrischen Disco-Rhythmen und tiefem Dub-Bass ab. Actiongeladen und makellos produziert: ,Bubblegum Discos" ist der Sound einer Künstlerin, die ihr frühes Versprechen mehr als nur einhält.

Dewa Alit, master of radical Balinese gamelan, returns to Black Truffle with Baur Bentur. Genetic (2020, BT063) introduced international listeners to the magical sound-world of Alit’s Gamelan Salukat, who perform on instruments tuned to a unique scale derived from modified versions of two traditional Balinese scales. The two pieces heard on Chasing the Phantom (2022, BT093) further demonstrated his radical fusion of tradition and experimentation, with passages where unorthodox techniques make the acoustic ensemble resemble glitching electronics. Baur Bentur now highlights another aspect of Alit’s work, presenting pieces composed in 2024 and 2025 where Gamelan Salukat performs alongside virtuoso pianist Sri Hanuraga. Alit’s music is grounded in deep reflection on the tradition of Balinese gamelan and its place in the contemporary world. His title, ‘Baur Bentur’, which translates as ‘mixing and smashing’, points to his embrace of the intercultural mixture of Eastern and Western elements in the search for innovation. Against the calcification of Balinese music into tourist entertainment, Alit poses his searching, experimental work, which celebrates the communal values and performance practices of traditional gamelan while pushing into startling new directions.

‘Sukat Tacara’ is a study in layered tempos, meters, and polyrhythms, a constantly shifting dialogue between piano and the instruments of Gamelan Salukat. It begins close to a traditional concerto, pairing a brisk sequence of melodic variations from the piano with a spare but propulsive accompaniment of drums and hanging metallophone tones, punctuated by low gong strikes. The piano builds in volume and density across a rapid succession of fragments, at points recalling George Antheil’s ticking wind-up machinery, though Hanuraga’s jazz background shines through in the fluidity with which he navigates the complexities of the score, where chromatic movement co-exists with bluesy phrases. An abrupt change in the piano to patterns of dense clusters introduces a new episode, during which the metallic instruments of the gamelan enter the foreground. The piece dazzles with its inventive rhythms and dynamics, building to a stunning passage featuring the signature heavy muting technique of the Gamelan Salukat metallophones in kinetic patterns that would be at home on a Príncipe release.

The title piece begins at high intensity and rarely lets up, working through bracing unison ensemble melodies and punctuation points where piano and gamelan together seem to become a single, thudding drum. For much of the piece the piano is tightly integrated into the ensemble, the harmonic extensions of the melodic line subsumed into a moving cloud of complex overtones generated by the gamelan instruments. Wildly kinetic on the rhythmic level, the piece swarms with microscopic movements of beating patterns generated by the ‘blend and crush’ of three simultaneous tuning systems: the equal temperament of the piano and the saih cenik (small scale) and saih gede (big scale) used by the gamelan instruments. Accompanied by the composer’s thoughtful liner notes and images of the musicians, Baur Bentur is a stunning next step in Alit’s radical combination of tradition and innovation.

"Wired" ist ein harter Neustart für Basement. Es markiert das erste Album der britischen Band seit acht Jahren, eine Wiedervereinigung mit ihrem ursprünglichen Label Run For Cover Records und eine Rückkehr zu jener ungebändigten Leidenschaft und kreativen Intuition, die schon immer ihr bestes Material ausgezeichnet hat. Seit ihrer Gründung im Jahr 2009 besteht Basement aus denselben fünf Freunden - Sänger Andrew Fisher, den Gitarristen Alex Henery und Ronan Crix, Bassist Duncan Stewart und Schlagzeuger James Fisher - und derselben alchemischen Verbundenheit. Das Einzige, was sich in den letzten Jahren verändert hat, ist ihr erneuertes Gefühl von Zielstrebigkeit. Und das macht ihr neues Album deutlich hörbar. "Wired" ist das dynamischste, mutigste und inspirierteste Werk, das Basement je geschaffen haben, und bewahrt zugleich die zeitlosen Grundlagen ihres einzigartigen Sounds: grollende Gitarren, mitreißende Refrains und eindringliche emotionale Sprache. Basement sind zurück und laufen auf allen Zylindern, aber sie haben kein Interesse daran, alte Erfolge zu wiederholen. Die gesamte Band war entschlossen, dass "Wired" ihr bisher klarstes künstlerisches Statement werden musste. Der Titelsong ist das drängendste Stück ihrer Karriere - ein sicherer Live-Favorit, getragen von stechenden Gitarren, einem wuchtigen Schlagzeug und einem himmelhohen Hook, bei dem Fishers Stimme in Bestform ist. "Broken By Design" zeigt den gegenteiligen Charakter: düster, zart, bassgeführt, aber dennoch typisch Basement in seiner sofortigen Eingängigkeit und stimmungsvollen Atmosphäre. Nichts auf Wired klingt stagnierend, kein Teil wirkt unausgereift. Die Band ließ sich von einer Vielzahl abenteuerlustiger Vorbilder inspirieren (R.E.M., Interpol, Smashing Pumpkins, um nur einige zu nennen), ohne jemals wie eine dieser Bands zu klingen - und auch nicht wie eine Kopie ihrer selbst. Der Albumtitel fasst all das in einem einzigen Wort zusammen. Die texturalen Konnotationen von "Wired" - metallisch, scharf, zackig - spiegeln die stählernen Klangwelten des Albums wider. Auf konzeptioneller Ebene spricht der Titel für die unerschütterliche Zähigkeit der Band: eine analoge Band, die in einer immer digitaleren Welt erfolgreich bleibt, ohne sich auf nostalgische Bequemlichkeit zu verlassen. Fünf Freunde, die mehrere Trennungen und Neuanfänge überstanden haben und dabei als Menschen und musikalische Einheit gewachsen sind. Basement müssen ihr Schicksal akzeptieren: Sie sind einfach dafür gemacht.

it „Symphonica“ schlägt Dark Tenor alias Billy Andrews ein neues Kapitel auf. Das 13 Tracks umfassende Rock-meets-Klassik-Album erscheint am 16. April 2027 und verbindet die monumentale Kraft großer klassischer Kompositionen aus unterschiedlichen Epochen mit der unmittelbaren Energie zeitgenössischer Rockmusik.
Dabei entwickelt Dark Tenor sein musikalisches und visuelles Konzept konsequent weiter: Während er klassische Werke erneut aufgreift und zu eigenständigen Songs formt, erhält jede Single
auch filmisch ihre ganz eigene Epoche. Die dazugehörigen Musikvideos entführen das Publikum in unterschiedliche Zeiten und Stilwelten.

Das persönlichste Album von Dark Tenor
„Symphonica“ entstand in enger Zusammenarbeit mit Billys Produzenten Eric in Helsinki. Für jeweils zwei intensive Wochen trafen sich die beiden in einem Studio der finnischen Hauptstadt, um gemeinsam neue Songs zu schreiben, Ideen weiterzuentwickeln und den besonderen Klang des Albums zu formen.
Fernab des Alltags entstand ein Raum für Offenheit und musikalische Freiheit. In den neuen Songs verarbeitet Billy viele Höhen und Tiefen seines Lebens: persönliche Erfahrungen, prägende Begegnungen, schmerzhafte Momente und entscheidende Wendepunkte.
Dabei richtet sich der Blick immer nach vorn. Trotz aller Nachdenklichkeit ist „Symphonica“ ein Album voller Zuversicht, innerer Stärke und Hoffnung.

Was ist Klassik heute?
„Symphonica“ ist mehr als Musik. Das Album eröffnet einen mutigen Dialog mit der Frage: Was ist Klassik eigentlich heute?
Billy Andrews verbindet die Werke ikonischer Komponisten wie Mozart, Wagner und Beethoven mit modernen Sounds. Rockgitarren, epische Drums und das 3D-gedruckte Cello „Cellini“ treffen auf fein gearbeitete Orchesterpassagen und eindrucksvolle Chöre.
Seine klassischen Wurzeln als ehemaliger Sänger des Dresdner Kreuzchors und später an der Semperoper Dresden verleihen jedem Ton Tiefe und Authentizität.

Aufgewachsen in der Soundsystem-Kultur des englischen Leeds, kaufte sich George für einen Fünfer - mit freundlicher Genehmigung seiner Mutter - eine alte, ramponierte Lautsprecherbox, die er "Echo45" nannte. Über diese Box lernte er Kevin Harper kennen, ein Gründungsmitglied von Nightmares on Wax – eine zufällige Begegnung, die sein Leben verändern sollte. Mit dem neuesten Nightmares On Wax-Release "Echo45 Sound System" führt er diese Tradition nun einen Schritt weiter und liefert ein Mixtape ab, das sich wie eine Feier und ein Bekenntnis zugleich anfühlt. Ein lebendiger Soundsystem-Trip, inspiriert von der originalen Echo45-Lautsprecherbox, der mit furchtlosem Spirit Soul, Roots, Hip-Hop, Dub und elektronische Texturen verbindet. Mit einem sorgfältig zusammengestellten Ensemble von Kooperatoren – darunter Yasiin Bey, Greentea Peng, Sadie Walker, Oscar Jerome und Liam Bailey – spiegelt die LP nicht nur die Vergangenheit von Nightmares On Wax wider. Obwohl es tief in seinen Ursprüngen, der Soundsystem-Kultur und dem Piraten Radio verwurzelt ist, verkündet es mutig, wohin George geht. Limitierte Auflage auf goldfarbigem Doppelvinyl.

MIKE & Tony Seltzer präsentieren das Doppelvinyl ihres zweiteiligen Albums "Pinball". Das Original aus 2024 wurde von Fans und Kritik begeistert aufgenommen, war es doch etwas Neues, MIKE in dieser Direktheit rappen zu hören. Dieses Neue ersetzt MIKE auf "Pinball II" mit verfeinertem Songwriting und einigen der besten und energiegeladensten Raps seiner Karriere. Tonys Produktion klingt dabei kraftvoller und mutiger als je zuvor. Nach zwei Kollaborationen haben die beiden Künstler eine gemeinsame Chemie gefunden und schaffen ein Projekt, das vielleicht MIKEs zugänglichstes ist, das gleichzeitig aber die Essenz bewahrt, die ihn bis hierher gebracht hat. Zu den Gastfeatures und Kollabos beider Teile gehören Earl Sweatshirt, Clams Casino, Jay Critch, Akachi (Chief Keef-Produzent), Lunchbox, Sideshow, Niontay und viele mehr.

Jüngstes Lob für Pinball II:
* "Der Rapper und der Produzent aus Brooklyn haben sich für eine energiegeladene Fortsetzung des letztjährigen Pinball wiedervereint. Es ist eine leichter verdauliche Version von MIKE, die sich dennoch authentisch anfühlt." – Pitchfork 8.1
* "Der immer produktivere Rapper aus Brooklyn liefert eine Reihe Trap-beeinflusster Tracks, die es schaffen, alle Genre-Schubladen zu sprengen, in die man ihn stecken könnte." – Rolling Stone****
* "Rap-Fans auf der ganzen Welt sollten dankbar sein, dass MIKE sich entschieden hat, mit Tony Seltzer zusammenzuarbeiten." – The FADER

Here we go with the first release of Hardcore Never Dies

Northern California psychedelic sorcerers Carlton Melton are brain surfers, mind trippers, … “psychlists,” if you prefer. The band will take your head for a ride, occasionally rushing at superluminal speeds through a wormhole or gliding softly on a gentle breeze in a leafy glade. Sometimes your brain needs to rage, and sometimes it needs to repose. For a decade and a half, the band has yo-yo’ed, almost schizophrenically, between these two modes: walloping space jams with furious guitar solos in one hemisphere of the brain and ethereal, feather-light splashdowns in the other. Not to mention a track here and there that builds from the latter into the former. But with two new releases in 2023, the band has evolved. Whether psych rock or ambient trance, their sound remains driving, organic, and flowing. With the addition of Anthony Taibi (White Manna, DDT), however, the group’s metal freak-outs are Hawkwindier and their droning kraut trances are Spacemen 3-er. In January, the quartet released the playfully spacey Resemble Ensemble, recorded in Taibi’s home studio 3D Light. October now sees the band Turn To Earth, a work with scents of Autumn, a season of death and transition. The cover art evokes a vine-covered, electric crucifix. The sound is, well, earthy but also gritty and striving towards change. The album was recorded in Fall 2022 and now harvested in Fall 2023. Phil Becker (Terry Gross, Pins Of Light) contributed drums and percussion to a few tracks on Turn To Earth, recording the album at El Studio in San Francisco.

With Becker at the helm, the synths have become more prominent (“Cosmicity,” “Roboflow,” “Migration”) and the tone heavier on the doom (“Cloudstorming,” “Unlock The Land,” title track): several moments could even serve as background music for epic dark fantasy films like Conan the Barbarian, Fire and Ice, or Heavy Metal. As exquisite as Turn To Earth is, Melton are best appreciated as a live act: their recordings as well as their gigs are largely improvised – not so much composed as birthed. And yet their most recent tour ended abruptly and perilously. The group had to cancel its final three shows once members were admitted to Arnhem hospital in the Netherlands. Five years later, reinforcements have strengthened the band and restocked its arsenal of great tracks. After the rockus interruptus of that 2018 tour and the tantric tease of the intervening Covid lockdown, Melton have some unfinished business. An October 2023 tour is poised to set the freshly minted quartet back onto the stages of Europe and within the cerebral folds of its fans. Turn To Earth, sure … but keep your head in outer space. Carlton Melton is: andy duvall – drums/gtr; clint golden – bass; rich millman – gtr/synth; and anthony taibi – synth/gtr.

Finger Prince recordings debut with the ‘Make U Feel Project’

A four tracker with the same assignment handed to four artists including some of the original Music For Freaks and Classic Music Company recording artists.

The first release is a close-knit affair with Lil’Mark handing out the project to who he regards as three close family members. No brief was given with the material so that all versions were unique. No spoilers either.

First up on side A, Mark provides a true groove with the swing he’s renowned for. Chords, catchy muting, stabs of vocal and a heavy rolling bassline sets the scene. Straight up house.

Track 2 is from Pale People who takes a great dub approach looping the bass and keys beneath the Vox adding tight percussion reminiscent of his Phonic Crunch collab’s with Mark. After a long hiatus it's great to have him back.

Side B Track 1 comes from Rob Mello doing his ’No Ears’ spectacular. It’s the Classic No Ears sound making great use of original elements and sounding fantastic as always.

Belgium’s export to Ibiza Bart Ricardo gets the final say on track 2. Taking it deeper Bart brings stretched chords into focus over a HEAVY kick and big bottom end. This track has a relentless groove with some well executed breaks.

Teaming up with Muting The Noise, Belters is very pleased to present Dominik's finest record to date. Four solid pieces of music for future dancefloor moments. Early DJ support from Dixon, Ame, Gerd Janson & Mano le Tough.

Mit ihrem Debütalbum Inventio überschreitet die schwedische Musikerin und Künstlerin Murex die Grenzen konventioneller Popmusik und erschafft ein ebenso persönliches wie vielschichtiges Werk. Über zehn schimmernde, von elektronischen Glitches durchzogene Stücke entfaltet sich eine Klangwelt, die avantgardistische Pop-Elemente mit orchestralen Arrangements, komplexen Harmonien und Einflüssen nordischer Folklore verbindet. Thematisch beschäftigt sich Inventio mit Fragen von Identität, Körperwahrnehmung, Kontrolle und Selbstbestimmung. Die Songs zeichnen die Landschaft eines fragmentierten Inneren nach und entwickeln daraus eine Suche nach kreativer und emotionaler Freiheit. Murex verbindet dabei fragile, ätherische Klangflächen mit dynamischen elektronischen Strukturen und erschafft ein Album, das gleichermaßen experimentell wie zugänglich wirkt. Der Titel verweist auf Johann Sebastian Bachs Inventionen, die Murex bereits als Kind auf dem Klavier spielte. Diese musikalische Prägung spiegelt sich in den polyphonen Texturen, den kunstvoll geschichteten Vokalharmonien und der barock anmutenden Komplexität vieler Kompositionen wider. Als weitere Inspirationen nennt sie Künstlerinnen wie Björk und Elizabeth Fraser sowie die traditionelle schwedische Kulning-Gesangstechnik. Ein zentrales Konzept des Albums besteht darin, den Fokus von der äußeren Erscheinung der Künstlerin auf das Werk selbst zu verlagern. Für Murex ist dies sowohl ein künstlerisches Statement als auch eine Würdigung der vielen Facetten, die einen Menschen ausmachen. Inventio entstand über einen Zeitraum von drei Jahren in Schweden und entwickelte sich erst nach und nach zu einem geschlossenen Album. Unterstützt wurde Murex von den Musiker:innen Pelle Westlin, Isak Hedtjärn und Elvira Anderfjärd. Sämtliche Musikvideos entstanden unter ihrer eigenen Regie. Das Ergebnis ist ein mutiges, atmosphärisch dichtes Debüt, das die persönliche Emanzipation seiner Schöpferin hörbar macht und die Grenzen zeitgenössischer Popmusik neu auslotet.

"Radikaler Genre-Meilenstein auf Vinyl: Erstmals wieder als 140g Black Vinyl erhältlich – das mutige 2011er-Kultalbum, das Nu-Metal unverwechselbar mit modernem Dubstep fusionierte.


Ikonische Producer-Kollaborationen: Enthält weltweite Hits wie Get Up! und Narcissistic Cannibal, produziert von Dubstep-Pionieren wie Skrillex, Noisia, Kill The Noise und Excision.


Edles Vinyl-Packaging: Hochwertiges Gatefold-Jacket (mit verklebter erster Tasche), pflegender weißer Poly-Lined-Innenhülle, 4/4-farbigen Label-Prints und exklusivem Marketing-Sticker."

Die zweifache BRIT Award Gewinnerin Becky Hill wird am 25. September ihr mit Spannung erwartetes
drittes Album „REBECCA“ veröffentlichen.
„REBECCA“ wurde während einer Phase intensiver persönlicher und künstlerischer Reflexion geschrieben
und zeigt Becky dabei, wie sie sich mit Ehrgeiz, Identität, Sichtbarkeit und den Widersprüchen ihres Lebens
auseinandersetzt. Dies geschieht aus einer Haltung größerer Offenheit und kreativer Freiheit heraus. Im
Verlauf des Albums untersucht sie mit Klarheit, Humor und schonungsloser Ehrlichkeit die Spannung zwischen Verlangen und Selbstschutz. Das Ergebnis ist ihr bislang mutigstes und emotional aufgeladenstes
Werk.
Von Becky als „kuratiertes Chaos“ beschrieben, markiert „REBECCA“ außerdem eine bedeutende Weiterentwicklung ihres Sounds. Das Album zeigt, wie sie sich wieder mit den vielfältigen Einflüssen verbindet, die
ihre frühe musikalische Identität geprägt haben, und dabei Inspiration aus Gitarrenmusik ebenso aufgreift
wie aus den Dance und Drum & Bass Grundlagen, die ihre Karriere definiert haben. „REBECCA“ verbindet
diesen Zusammenprall unterschiedlicher musikalischer Welten mit kraftvoller Electro Produktion, alternativen Einflüssen und euphorischen elektronischen Sounds zu einem Album, das sich zugleich weitläufig und
unvorhersehbar anfühlt.

Jim Legxacys Mixtape homeless ngga pop music* erscheint erstmals als LP und CD uber XL Recordings. Der dreifach fur die BRIT Awards nominierte und mit einem MOBO Award ausgezeichnete Kunstler schaffte mit diesem Projekt aus dem Jahr 2023 den Durchbruch und erntete große Anerkennung der Kritiker. Darin setzt sich der aus Sudlondon stammende Musiker mit seinen Beziehungen, seiner Identitat und seiner Erfahrung von Obdachlosigkeit auseinander. Das Mixtape ist eine beeindruckende Verschmelzung von Midwest-Emo-Gitarrensamples, UK-Drill, Afrobeats und Jersey Club. Es definiert nicht nur neu, wie Musik aus Großbritannien klingen kann, sondern auch, wofur sie stehen kann: ein mutiges, vollstandig ausgereiftes Werk, das nur aus dem kreativen Geist dieses einzigartigen Kunstlers hervorgehen konnte.

Rocco Universal presents four cuts of cosmic machine funk on Cosmic Tiger.

Lovingly recorded using analogue synthesis, the floor-focused music favours feeling over control, with saturated drums, thick bass notes and slow-burning melodies loosely entwined over intuitive arrangements. Shaped patiently amid Rocco’s long-running residency at Potato Head Bali, the tracks meander through cosmic disco, proto-house, electro-funk and psychedelic chug, each finding its place beneath evolving twilight skies.

Rocco Universal is the alter-ego of Patrizio Cavaliere — DJ, producer and journalist serving the roots of music from the space in between. His cultured turntable curation alongside years in conversation with some of the scene’s architects and ambassadors inform freeform productions that have previously arrived on labels including Leng, Soul Clap and Adeen Detroit.

Originally launched as a blog, Cosmic Tiger now surfaces only occasionally through interviews and original releases, operating as a slow-moving but trusted archive of influences, conversations and dancefloor oddities.

„Apples For Isaac“ markiert eine monumentale Rückkehr von Echo & The Bunnymen – ihr erstes Album
mit neuen Songs seit über einem Jahrzehnt. Nachdem sie jahrelang ihren riesigen Katalog an Klassikern
vor Publikum auf der ganzen Welt präsentiert haben, haben die Bunnymen ein Album aufgenommen, das
ebenso mutig wie verletzlich ist und die Essenz dessen, was die Band so großartig macht, perfekt einfängt.
Auf ihrer vorangegangenen Veröffentlichung bei BMG, „The Stars, The Oceans & The Moon“ (2018),
widmeten sie sich erneut Material aus ihren prägenden Jahren – und schon beim Opener „Take Me By The
Hand“ wird deutlich, dass die Band nichts von der Dringlichkeit ihrer frühen Werke eingebüßt hat.
Passend zu einem Song über die Geister der Vergangenheit steht die Lead-Single „Brussels Is Haunted“
exemplarisch für das stolze Vermächtnis der Band; der lebensbejahende Refrain ist eines der Gründerväter
des Post-Punk absolut würdig.
Auf allen bis auf einen der Songs von „Apples for Isaac“ ist zudem der verstorbene Schlagzeuger Clem
Burke zu hören. Er verstarb tragischerweise während der Entstehung des Albums und erhielt von der Band
folgende Widmung:
„Der großartige, legendäre Clem Burke – ein langjähriger Freund von Mac – war maßgeblich an der Entstehung des Albums beteiligt und verstarb auf herzzerreißende Weise während dessen Fertigstellung ... wir
lieben dich, Clem X“

„Dragonflies“, das gleichnamige Debütalbum von Dhani Harrison und Nigel Godrich.
Dhani Harrison ist ein zweifacher Grammy-Preisträger, Musiker, Komponist und Produzent. Nachdem er
mit seiner Band „thenewno2“ erstmals auf der internationalen Bühne in Erscheinung getreten war, hat sich
Harrison inzwischen als eigenständiger Solokünstler etabliert. Sein Solo-Debütalbum „IN///PARALLEL“
(2017) markierte eine mutige kreative Weiterentwicklung, gefolgt von dem von der Kritik gefeierten Werk
„INNERSTANDING“. Neben seiner Solokarriere hat Harrison mit einer vielfältigen Auswahl an Künstlern
zusammengearbeitet, darunter Wu-Tang Clan, UNKLE, John McLaughlin, Annie Lennox, Pearl Jam, Nitin
Sawhney, Perry Farrell, Prince, Regina Spektor und Fistful of Mercy (gemeinsam mit Ben Harper und
Joseph Arthur).
Nigel Godrich ist einer der renommiertesten Produzenten und Toningenieure, der vor allem für seine
jahrzehntelange kreative Zusammenarbeit mit Radiohead bekannt ist. Er begann seine Arbeit mit der
Band im Jahr 1994 und hat seit „OK Computer“ (1997) jedes Radiohead-Studioalbum produziert; damit
war er maßgeblich an der Gestaltung eines der einflussreichsten Musikkataloge der Moderne beteiligt. Godrich, der ebenfalls zweifacher Grammy-Preisträger ist, gehört zudem zu den Gründungsmitgliedern der
gefeierten Band Atoms for Peace – gemeinsam mit Thom Yorke, Flea, Joey Waronker und Mauro Refosco.
Im Laufe seiner Karriere hat Godrich mit einer außergewöhnlichen Bandbreite an Künstlern zusammengearbeitet, darunter Paul McCartney, Beck, Red Hot Chili Peppers, U2, IDLES, Roger Waters, Air, Pavement,
Travis und R.E.M.
Mit *Dragonflies* führen Harrison und Godrich ihre jahrzehntelange Erfahrung in Songwriting, Produktion
und Filmkomposition in einem einzigartigen neuen Gemeinschaftsprojekt zusammen.

Fünfundfünfzig Jahre nach der Veröffentlichung ihrer ersten Aufnahme feiern Katia und Marielle Labèque
eine außergewöhnliche künstlerische Laufbahn mit „55“, einer wegweisenden 2LP, die neue Aufnahmen und
sorgfältig ausgewählte Archivschätze aus mehr als einem halben Jahrhundert vereint. Das Debütalbum der
Labèque-Schwestern, das 1970 unter der künstlerischen Leitung von Olivier Messiaen erschien, markierte
den Beginn einer der einzigartigsten Karrieren in der zeitgenössischen Musik.
Dieses Album bietet ein intimes Porträt zweier Künstlerinnen, die über Jahrzehnte hinweg konsequent die
Grenzen zwischen Klassik, zeitgenössischer Musik, Jazz, Minimalismus und populären Traditionen überschritten haben.
„55“ legt dabei einen besonderen Schwerpunkt auf Komponistinnen, deren Werke einen wichtigen Platz im
Repertoire von Katia und Marielle Labèque einnehmen. Über diese Komponistinnen sagen die Schwestern:
„Ihr scheinbares Schweigen war nur ein Schleier, den die Geschichte ihnen auferlegt hatte. Ihre Geschichten
– außergewöhnliche Lebenswege und mutige Schicksale – hallen heute mit beeindruckender Kraft nach.“

With "Jamaican (Bam Bam)," HUGEL and SOLTO breathe new life into Sister Nancy's iconic anthem - a bold, rhythm-charged reinterpretation built for the modern dancefloor. It grips from the first beat: dynamic drumming, crisp claps, and a bassline that rolls deep with sway and sensuality. Layers tighten and unfold, teasing the body as electronic tinctures flicker beneath, building lift and slow, simmering tension. Through it all, Sister Nancy's voice cuts steady and alive, grounding the track in its roots while driving it forward. The energy keeps rising vibrant, climactic, and free. "Jamaican (Bam Bam)" smolders from within, a kinetic force that turns motion into release.

Artwork by Rachael D’Alessandro. Words by Marie Floro. Executive Producer Mimmo Falcone. Distribution by Muting The Noise.

"There Near" ist das sechste Studio-Album, das DINOSAUR JR. seit ihrer gefeierten Wiedervereinigung vor 20 Jahren aufgenommen haben. Zwar gab es seit "Sweep It Into Space" vor fünf Jahren einige Live Veröffentlichungen und Archivsammlungen, doch nichts kommt an ein komplett neues Album voller frischer DINO Songs heran. Und auf "There Near" stehen sämtliche Regler auf Anschlag. Das Album entstand in kurzen, intensiven Arbeitsphasen über den Zeitraum eines Jahres hinweg in den Bisquiteen Studios in Amherst. Aufgenommen wurde es nahezu vollständig vom Kerntrio der Band: Schlagzeuger Murph, Bassist und Sänger Lou Barlow sowie Gitarrist und Sänger J Mascis. Unterstützung kam lediglich durch einige Piano- und Orgelparts von Ken Mauri. Das Ergebnis entfaltet von Anfang bis Ende eine enorme Wucht. Der Gitarrensound von Mascis klingt auf "There Near" noch ursprünglicher und animalischer als gewohnt, was möglicherweise auch an einem kürzlich erworbenen Mesa Boogie MK 1 Verstärker aus den 1970er Jahren liegt. "Ich habe denselben Verstärker gekauft, den Chris Dixon hatte, als wir unser erstes Album aufgenommen haben", erklärt Mascis. "Chris hat uns damals bei sich zu Hause mit genau diesem Amp aufgenommen. Er hat einen wirklich interessanten Klang, den ich schon lange nicht mehr hinbekommen habe. Genau zu diesem Sound wollte ich auf diesem Album zurück. Die ROLLING STONES begannen in den 70ern Mesa Boogies zu benutzen, nachdem sie SANTANA damit gehört hatten. Danach machten es THE CLASH nach und so weiter. Mit den späteren Modellen wurde der Sound zunehmend Metal-lastiger. Aber der MK 1 klingt wie ein aufgemotzter Fender. Man hört immer wieder, dass Rick Rubin Bands dazu bringt, ihr erstes Album zu hören und zu sagen: Lasst uns wieder zu diesem Sound zurückkehren. Also habe ich mir seinen Rat einfach selbst gegeben." Auf die Frage nach der oft schwer greifbaren Bedeutung seiner Texte antwortet Mascis: "Wenn ich einen Song schreibe, weiß ich oft selbst nicht genau, worum es darin geht. Ich schätze, die Bedeutung zeigt sich irgendwann von allein. Ich verwende einfach die Worte, die funktionieren. Vieles wird auch von irgendeinem esoterischen Kram beeinflusst, den ich gerade lese. Ich versuche, nicht zu viel darüber nachzudenken. Mich nervt es, dass Spotify inzwischen alle Songtexte anzeigt. Wo bleibt da der Spaß?" Mit "There Near" setzen DINOSAUR JR. ihre Reihe von mittlerweile zu Klassikern mutierten Alben fort. Die neuen Songs dürften mit ihren gewaltigen Riffs live ebenso eindrucksvoll funktionieren wie die Klassiker des Bandschaffens. Bis die Band wieder auf der Bühne zu erleben ist, wird "There Near" ein treuer Begleiter sein. Je näher, desto besser.

Splatter Vinyl, exklusiv via 375 Media. "There Near" ist das sechste Studio-Album, das DINOSAUR JR. seit ihrer gefeierten Wiedervereinigung vor 20 Jahren aufgenommen haben. Zwar gab es seit "Sweep It Into Space" vor fünf Jahren einige Live Veröffentlichungen und Archivsammlungen, doch nichts kommt an ein komplett neues Album voller frischer DINO Songs heran. Und auf "There Near" stehen sämtliche Regler auf Anschlag. Das Album entstand in kurzen, intensiven Arbeitsphasen über den Zeitraum eines Jahres hinweg in den Bisquiteen Studios in Amherst. Aufgenommen wurde es nahezu vollständig vom Kerntrio der Band: Schlagzeuger Murph, Bassist und Sänger Lou Barlow sowie Gitarrist und Sänger J Mascis. Unterstützung kam lediglich durch einige Piano- und Orgelparts von Ken Mauri. Das Ergebnis entfaltet von Anfang bis Ende eine enorme Wucht. Der Gitarrensound von Mascis klingt auf "There Near" noch ursprünglicher und animalischer als gewohnt, was möglicherweise auch an einem kürzlich erworbenen Mesa Boogie MK 1 Verstärker aus den 1970er Jahren liegt. "Ich habe denselben Verstärker gekauft, den Chris Dixon hatte, als wir unser erstes Album aufgenommen haben", erklärt Mascis. "Chris hat uns damals bei sich zu Hause mit genau diesem Amp aufgenommen. Er hat einen wirklich interessanten Klang, den ich schon lange nicht mehr hinbekommen habe. Genau zu diesem Sound wollte ich auf diesem Album zurück. Die ROLLING STONES begannen in den 70ern Mesa Boogies zu benutzen, nachdem sie SANTANA damit gehört hatten. Danach machten es THE CLASH nach und so weiter. Mit den späteren Modellen wurde der Sound zunehmend Metal-lastiger. Aber der MK 1 klingt wie ein aufgemotzter Fender. Man hört immer wieder, dass Rick Rubin Bands dazu bringt, ihr erstes Album zu hören und zu sagen: Lasst uns wieder zu diesem Sound zurückkehren. Also habe ich mir seinen Rat einfach selbst gegeben." Auf die Frage nach der oft schwer greifbaren Bedeutung seiner Texte antwortet Mascis: "Wenn ich einen Song schreibe, weiß ich oft selbst nicht genau, worum es darin geht. Ich schätze, die Bedeutung zeigt sich irgendwann von allein. Ich verwende einfach die Worte, die funktionieren. Vieles wird auch von irgendeinem esoterischen Kram beeinflusst, den ich gerade lese. Ich versuche, nicht zu viel darüber nachzudenken. Mich nervt es, dass Spotify inzwischen alle Songtexte anzeigt. Wo bleibt da der Spaß?" Mit "There Near" setzen DINOSAUR JR. ihre Reihe von mittlerweile zu Klassikern mutierten Alben fort. Die neuen Songs dürften mit ihren gewaltigen Riffs live ebenso eindrucksvoll funktionieren wie die Klassiker des Bandschaffens. Bis die Band wieder auf der Bühne zu erleben ist, wird "There Near" ein treuer Begleiter sein. Je näher, desto besser.

Black Marble erwachte im Herbst 2012 zum Leben, inspiriert vom Synthwave-Revival der frühen 2000er Jahre in New York City. Heute, vierzehn Jahre später und sieben Veröffentlichungen weiter, macht Chris Stewart weiterhin Platten, während er über Maschinen gebeugt sitzt, die sich beim Einschalten warm anfühlen und die man überreden muss, um in der Stimmung zu bleiben. Seine Alben, die ausschließlich von Stewart geschrieben, aufgenommen und veröffentlicht werden, bleiben einzigartige Visionen, mit Songs, die versuchen, ein diffuses Pastiche zu vermitteln, das nun von dem Wunsch geprägt ist, das Ganze in eine Botschaft zu hüllen, die davon erzählt, wo er gewesen ist und wohin er gehen will. In seiner neuesten Vision, ,Life in Small Spaces", kommentiert Stewart die Musikindustrie und seine Rolle darin und reflektiert darüber, wie sich Underground-Musik im Laufe der Zeit verändert hat und wie ein Leitbild, die Dinge einfach zu halten und sich selbst treu zu bleiben, das einzige Ideal für das Leben in dieser komplizierten Landschaft ist. Stewarts Wunsch, die Zeit mit intakten Idealen zu überbrücken, zeigt sich im Songwriting, das die Pop-Sensibilität des Projekts beibehält und gleichzeitig neue Tricks in den Hut zaubert. ,Life in Small Spaces" tauscht Synth-Wände gegen mehr Gitarre ein und greift dabei auf frühe amerikanische College-Radio-Staccato-Gitarrenlinien zurück, die an Pylon, The Necessaries und R Stevie Moore erinnern, sowie auf Live-Drum-Samples - eine Anspielung auf den einfachen, metronomartigen Stil von Wire. Stewart erklärt den Grund für die Veränderung als einen Weg, ,diese glockige, hypnotische Qualität zu erzeugen. Wie ein Radio-Drehknopf, der zwischen zwei Sendern steht." Visuell zeigt ,Life in Small Spaces" Stewart allein auf dem Cover in einem kargen Raum, umgeben von einer Explosion aus Konfetti - ein Bild, das eine in sich geschlossene Welt widerspiegelt, die zwar klein, trostlos und überladen wirken mag, aber ganz und gar seine eigene ist. Ein passender Rahmen für ein Album, das Begrenzung als eine Form der Klarheit begreift und die Geschichte davon erzählt, sich für ein einfaches Leben zu entscheiden, Stabilität und Komfort aufzugeben zugunsten einer Existenz voller mutiger und fesselnder Verbindungen. Dies spiegelt zudem Black Marbles Vertrauen nicht nur in seine Kunst wider, sondern auch in die Gemeinschaft, die sich im Laufe der Jahre um das Projekt herum entwickelt hat. ,Life in Small Spaces ist das, worüber ich als Künstler sprechen möchte. Es ist genau dort, wo ich mich in diesem Moment befinde, und ich weiß, dass ich mit meinen Gefühlen nicht allein bin." Dieses Gefühl ist kein Vorbehalt. Es ist der springende Punkt. ,Life in Small Spaces", mit seiner introspektiven Lyrik, die geschickt in Black Marbles strahlender Musikalität verborgen ist, ist eine ernsthafte Analyse der Belastungen, die Künstler prägen. Es ist eine Einladung, einen minimalistischeren Lebensstil zugunsten kreativen Ausdrucks und Freiheit zu akzeptieren und bewusst zu wählen - und niemals deine Werte für die verlockende Illusion von Erfolg opfern zu müssen.

Black Marble erwachte im Herbst 2012 zum Leben, inspiriert vom Synthwave-Revival der frühen 2000er Jahre in New York City. Heute, vierzehn Jahre später und sieben Veröffentlichungen weiter, macht Chris Stewart weiterhin Platten, während er über Maschinen gebeugt sitzt, die sich beim Einschalten warm anfühlen und die man überreden muss, um in der Stimmung zu bleiben. Seine Alben, die ausschließlich von Stewart geschrieben, aufgenommen und veröffentlicht werden, bleiben einzigartige Visionen, mit Songs, die versuchen, ein diffuses Pastiche zu vermitteln, das nun von dem Wunsch geprägt ist, das Ganze in eine Botschaft zu hüllen, die davon erzählt, wo er gewesen ist und wohin er gehen will. In seiner neuesten Vision, ,Life in Small Spaces", kommentiert Stewart die Musikindustrie und seine Rolle darin und reflektiert darüber, wie sich Underground-Musik im Laufe der Zeit verändert hat und wie ein Leitbild, die Dinge einfach zu halten und sich selbst treu zu bleiben, das einzige Ideal für das Leben in dieser komplizierten Landschaft ist. Stewarts Wunsch, die Zeit mit intakten Idealen zu überbrücken, zeigt sich im Songwriting, das die Pop-Sensibilität des Projekts beibehält und gleichzeitig neue Tricks in den Hut zaubert. ,Life in Small Spaces" tauscht Synth-Wände gegen mehr Gitarre ein und greift dabei auf frühe amerikanische College-Radio-Staccato-Gitarrenlinien zurück, die an Pylon, The Necessaries und R Stevie Moore erinnern, sowie auf Live-Drum-Samples - eine Anspielung auf den einfachen, metronomartigen Stil von Wire. Stewart erklärt den Grund für die Veränderung als einen Weg, ,diese glockige, hypnotische Qualität zu erzeugen. Wie ein Radio-Drehknopf, der zwischen zwei Sendern steht." Visuell zeigt ,Life in Small Spaces" Stewart allein auf dem Cover in einem kargen Raum, umgeben von einer Explosion aus Konfetti - ein Bild, das eine in sich geschlossene Welt widerspiegelt, die zwar klein, trostlos und überladen wirken mag, aber ganz und gar seine eigene ist. Ein passender Rahmen für ein Album, das Begrenzung als eine Form der Klarheit begreift und die Geschichte davon erzählt, sich für ein einfaches Leben zu entscheiden, Stabilität und Komfort aufzugeben zugunsten einer Existenz voller mutiger und fesselnder Verbindungen. Dies spiegelt zudem Black Marbles Vertrauen nicht nur in seine Kunst wider, sondern auch in die Gemeinschaft, die sich im Laufe der Jahre um das Projekt herum entwickelt hat. ,Life in Small Spaces ist das, worüber ich als Künstler sprechen möchte. Es ist genau dort, wo ich mich in diesem Moment befinde, und ich weiß, dass ich mit meinen Gefühlen nicht allein bin." Dieses Gefühl ist kein Vorbehalt. Es ist der springende Punkt. ,Life in Small Spaces", mit seiner introspektiven Lyrik, die geschickt in Black Marbles strahlender Musikalität verborgen ist, ist eine ernsthafte Analyse der Belastungen, die Künstler prägen. Es ist eine Einladung, einen minimalistischeren Lebensstil zugunsten kreativen Ausdrucks und Freiheit zu akzeptieren und bewusst zu wählen - und niemals deine Werte für die verlockende Illusion von Erfolg opfern zu müssen.

"aethermead", das neue und 20. Studioalbum von Of Montreal, lässt die Sounds der frühen Jahre wieder aufleben, während es gleichzeitig die künstlerischen Grenzen ihres unverkennbaren Indie-Pop/Rock-Stils erweitert. Frontmann & Songwriter Kevin Barnes, bekannt für seinen einzigartig-produktiven Output und großartigen Kollaborationen mit Künstlern wie Solange, Janelle Monáe und Jon Brion, nahm die LP mit Toningenieur Drew Vandenberg (Faye Webster, Toro y Moi) in seinem neuen Heimatort Brooklyn auf. Die Grundspuren wurden live mit Barnes’ langjähriger Live-Band auf einer 16-Spur-Bandmaschine eingespielt. Das Ergebnis schimmert mit Indie-Pop-Elementen ihres 2004er Albums "Satanic Panic In The Attic" sowie der rohen, energiegeladenen Live-Atmosphäre von "Lousy With Sylvianbriar" (2013). Wunderschön-melodische Akkordfolgen wechseln sich mit Rock'n'Roll-Krachern ab, auf eingängige Hymnen folgen surreal-experimentelle Klangwelten. Mit einer neuen Tour am Horizont (erstmal durch Nordamerika) feiern Of Montreal weiterhin ihr Vermächtnis und gehen gleichzeitig mutig in die Zukunft.

Bei HIGHSIGH - dem Trio aus Ro(b)//ert Lundberg (JOBS), John Dieterich (Deerhoof) und Matt Mehlan (Skeletons) - geht es genauso sehr um den Entstehungsprozess wie um das Endergebnis. Auch wenn der Bandname neu ist, wächst HIGHSIGH aus jahrelanger Freundschaft und Zusammenarbeit des Trios in anderen Konstellationen heraus - dem Zusammentreffen von Deerhoof und Skeletons in der Supergroup Congotronics International, Ro, der bei den Tour- und Aufnahmebands von Skeletons am Bass spielte, John und Matt, die beide auf verschiedenen JOBS-Alben mitwirkten und diese als Toningenieure begleiteten, sowie vielen gemeinsamen Kaffeepausen, Mahlzeiten und Wanderungen. Ihr Debütalbum ,Once Bend" präsentiert sich sowohl als entwaffnend vertraut als auch als seltsam undurchsichtiges Patchwork aus mutiertem Pop und abstrakten polyrhythmischen Klanglandschaften. In einer collageartigen Weise entstanden, brachte jedes Mitglied täuschend reichhaltige musikalische Fragmente ein, die aus anderen Projekten beiseitegelegt worden waren - fast wie kleine Fragezeichen, die die anderen Mitglieder entschlüsseln und interpretieren sollten. Diese Fragmente wurden frei und ohne konkretes Ziel unter den Mitgliedern ausgetauscht; jeder spielte damit herum und bastelte an dem, was er bekommen hatte, fügte Phrasen, Klänge und Texturen hinzu. Die musikalischen Schichten, die dabei entstanden, waren durchweg unerwartet und mitreißend. HIGHSIGH hatte nicht mit einem festen Schema begonnen, doch innerhalb jedes Songs entwickelte sich ein zusammenhängendes Patchwork - geschichtete Gitarren und gestrichener Bass stehen neben träge treibenden Synth-Klängen und knackigen, treibenden Akustik-Drums. Die Band erweiterte ihren Austauschkreis und schickte Tracks an Tim Barnes, Ben LaMar Gay, Max Jaffe, Lia Kohl, Booker Stardrum und Jon Starks, um Schlagzeug-, Cello- und Kornett-Parts einzufügen. Diese rohen Klangteppiche fanden ihre endgültige Struktur und Ordnung durch Texte, von denen einige von der Band selbst geschrieben wurden, andere von Macie Stewart (Finom) und Paige Alice Naylor. ,Textlich interessieren mich einfache Momente der Erkenntnis", sagt Matt Mehlan. ,Wie ist die Umgebung, wie ist das Gefühl?" Dieses Thema zieht sich durch das gesamte Album und verbindet die unterschiedlichen Stimmen, die mitgewirkt haben. Auf ,Once Bend" präsentiert HIGHSIGH ihre selbstgemachten musikalischen Patchwork-Decken - zusammengenäht aus Saiten, Schaltkreisen und Servern auf ganz Turtle Island.

Das gefeierte Hip-Hop-Experimentalisten-Duo Infinity Knives & Brian Ennals aus Baltimore meldet sich mit dem neuen Album "A City Drowned In God's Black Tears" zurück - einer explosiven, unwiderstehlichen Rap-Platte, die unerschrockenen Diskurs mit mutiger und unvorhersehbarer Produktion verbindet. Ihr Vorgänger "King Cobra" wurde von Magazinen wie Spin und Loud & Quiet zu einem der besten Hip-Hop-Alben des Jahres 2022 gekürt.

Das Must-Have-Album des Jahres von R&B-Visionärin Ravyn Lenae! Nach ihrem weltweiten Durchbruch mit dem Mega-Hit „Love Me Not“ und Arena-Tourneen mit Sabrina Carpenter meldet sich die Ausnahmekünstlerin aus Chicago mit ihrem dritten Studioalbum „Blue Island“ zurück. Komplett exekutiv-produziert vom GRAMMY-Gewinner Dahi, sprengt das Werk mutig alle Genre-Grenzen. Ravyn fusioniert ihren klassischen R&B-Sound mit Einflüssen von Ikonen wie Blondie und The Sundays zu einem zutiefst persönlichen und mitreißenden Pop-Meisterwerk. Neben der verführerischen neuen Single „Handle“ glänzt das Album unter anderem mit der hochkarätigen Kollaboration „Reputation“ (feat. Dominic Fike).

"26/70 - Die Songs von STOPPOK" ist weit mehr als ein klassisches Tribute-Album. Zum 70. Geburtstag der Ruhrpott-Ikone versammelt diese Compilation 18 Interpretationen, die den Kern von STOPPOKs Songwriting freilegen: Haltung, Humor, Menschlichkeit und eine unverwechselbare erzählerische Kraft. Statt ehrfürchtiger Nachahmung entstehen neue Lesarten - persönlich, mutig und stilistisch vielfältig. Künstler:innen aus mehreren Generationen geben den Songs ihre eigene Stimme und holen sie gleichzeitig ins Heute. Ob folkig reduziert, rockig aufgeladen, popaffin oder weltmusikalisch gefärbt - die Kompositionen erweisen sich als erstaunlich zeitlos. Produziert von Sebel entsteht ein Album, das STOPPOKs enorme Wirkung als Songautor sichtbar macht: Seine Lieder funktionieren unabhängig vom Original, bleiben im Ohr, im Kopf und im Herzen. "26/70" ist eine Würdigung ohne Verklärung - und ein Beweis dafür, dass große Songs kein Verfallsdatum kennen.

Die vielleicht größte Herausforderung für jeden Musiker ist es, zu lernen, als Künstler zu wachsen und sein Repertoire zu erweitern und gleichzeitig eine kohärente, übergreifende Vision für die eigene Arbeit beizubehalten. Seit ihren Anfängen und über die Spanne von drei Alben hinweg haben Blackwater Holylight stets eine Aura, als ob die Mitglieder der Band sowohl den Raum als auch das Vehikel gefunden hätten, ihre emotionale Abwehr zu senken, indem sie ihre Position mit purer klanglicher Kraft verstärken. Diese anhaltend eindringliche und bezaubernde Qualität hat sich in einer Vielzahl von Ansätzen manifestiert. Gleichermaßen versiert in Doom-Riffs, narkotischen Neo-Folk-Melodien, lysergischen psychedelischen Streifzügen und zerklüftetem Art-Rock-Abrieb, decken Blackwater Holylight mit ihrem Arsenal an Gitarre, Bass, Schlagzeug, Synthesizer und Stimme ein breites Spektrum an Klangfarben ab. Auf ihrer neuesten EP If You Only Knew gehen Blackwater Holylight den eingeschlagenen Weg konsequent weiter. Letztlich ist "If You Only Knew" ein mutiger Schritt, der die Ungewissheit im Privatleben der Bandmitglieder widerspiegelt. der Bandmitglieder widerspiegelt.