Поиск:n gin

After the first EP released in 2019 with Mother Tongue label, the French band never stopped reinventing itself. Oscillating between future jazz, house, the alchemy found within the band proves to be quite unstoppable. Whether it’s live or in the studio, the Gin Tonic Orchestra reinvents, innovates and experiments constantly. The idea is to create a live experience that resembles a DJ set, strongly influenced by club culture and jazz. For the first album « Shyance », the collective starts with a cataclysmic intro that introduce « No I Can’t Be Free » which connects Stefania EP to the new album. The other tracks cross Fusion (Shyance), Hisaishi harmonies (Yubaba), DnB (Rage Jaune), Deep House (La Couenne Rance), Cosmic Disco (Crush) and Thrash R&B (Can U Plug My SM58 Tonight).

Swampmeat is the project of Dan Finnemore, former co-frontman of cult US rock & roll act Low Cut Connie (as recommended by the likes of Rolling Stone, KEXP, and - yes - Barack Obama), not to mention his role as behind the drums of PNKSLM's own The Castillians, as well as being a former member of the notorious Black Mekon. A long-time homeown secret in his native Birmingham, Swampmeat is now ready to step out of the shadows - over ten years after the project took its first steps. "Gin & Tonic" is a collection of country-fied rock and roll, straddling the edge between country, punk and rock and roll, with great songs and melodies.

After a year-long creative process fueled by collective composition and live jam sessions, Gin Tonic Orchestra returns with "Let The Children House" on Floors Records. The EP is a testament to their ever-evolving sound, deeply rooted in live improvisation and the spirit of club music.

Recorded in the heart of the Alps at "Maison des Artistes" in Chamonix, the band surrounded themselves with legendary analog synthesizers—ARP 2600, ARP Odyssey, Clavinet D6, Fender Rhodes MKII, Jupiter 4, Jupiter 8, JX-8P, Korg M1, Moog Subsequent 37, OB-X, Oberheim SEM, Roland MV8000, Wurlitzer—to sculpt a sound pulsating with the hypnotic grooves, euphoric synths, and raw underground spirit of '90s house music. Each track was shaped with care, influenced by the group's diverse influences and their shared vision of an immersive dancefloor experience, embracing the hypnotic trance of repetitive music that blurs the line between consciousness and surrender.

Much like children lost in play, Gin Tonic Orchestra embraced chaos, letting their creativity flow freely, drawing inspiration from their mentors, and the stories passed down through club culture. The result is an EP that not only embodies their musical identity but also carries a bold statement: "Let The Children House" is a call to let artists create without constraints, a message of artistic freedom in an industry often driven by formulas.

With a background that includes a debut EP on Mother Tongue, a standout performance at Nuits Sonores ranked in Resident Advisor's Top 5, and collaborations with UK jazz-funk legend Kaidi Tatham, deep house master Ron Trent, and the H2H project led by Chez Damier & Ben Vedren, Gin Tonic Orchestra continues to push boundaries between live music and electronic culture. Their new release is both a tribute to the past and a step into the future—a journey where house music is not just played, but lived

Swedish veterans Gin Lady are back with another brilliant 70's infused classic rock/progressive album. It's their first for Ripple Music who are stoked beyond words in welcoming the band to the family!

Here it is, the first masterpiece by the exceptional Italian artist Gigi D‘Agostino. Before Gigi became an international electronic music icon with hits like „Bla Bla Bla“, „The Riddle“, „L‘Amour Toujours“ and conquered the international charts, he released his legendary „Gin Lemon E.P.“. Already back then, his typical style, characterized by catchy, danceable rhythms and superb melodies, was impressive. Now, „Gin Lemon E.P.“ is finally available again on 3 colored vinyl records.

Sloe Gin is the seventh studio album by Joe Bonamassa and originally releasedon August 20, 2007. The album re- teams Joe Bonamassa with producer Kevin Shirley (Joe Satriani, Black Crowes, Aerosmith, Led Zeppelin), who produced 2006's You & Me, which debuted at #1 on the US Billboard's Blues chart in June of 2006.

With 27 #1 albums, yearly sold-out tours worldwide and custom annual cruises, he's a hard act to beat. These albums are a testament to his credentials and a toast to his longtime fans who remember them originally and new fans who can experience them for the first time.

It's Joe Bonamassa at his finest, ready to rock

Clear Vinyl

Both tracks were first released on the third & fourth volumes on Perfect Toy's Down In The Valley series. As lovers of the 7inch single format we thought it is a must to have these two songs available on a good old 45. Here you have it, complete with a sweet picture sleeve and limited to 300 copies.

After months in the making we would finally like to welcome Kiko Navarro into the Rocksteady Disco family with E-MA GIN (b/w Sex & Love Affair). Kiko is a man who really needs no introduction, so we're pretty excited to be bringing you two of his biggest previously unreleased dance floor bombs on a shiny sheet of black plastic.

The A-side holds "E-MA GIN", an uplifting jazz-fusion tinged afro-house joint with live drums and Kiko's notorious dancefloor drive and pulse. On the flip is "Sex & Love Affair", a peak hour disco/house bomb with even some hints of Moroder nestled in there. Both tracks have been tearing up dance floors until the pandemic hit, and they've been delighting chat rooms for our radio shows. It's the life-affirming and sensual music you've come to expect from Rocksteady Disco, now from our hermano Kiko Navarro.

180g, clear vinyl

This LP walks among beat outbursts, orchestral tracks and some references to the rock sound of the time. "Psichedelica" contains the first version of Umiliani's most famous composition: "Mah-Nà Mah-Nà", a track that will be a mixed blessing of his artistic life, here appearing as an outtake from the "Svezia Inferno e Paradiso" OST, under the title "Viva la sauna svedese".

Special Remarks: 10'' vinyl in a cardboard sleeve with 3mm spine. CD included.
Les Fils du Calvaire is a Parisian trio (Jo, Damien & Clément. Nowadays they spend their time between the French capital and Berlin. They are also the creators of the hybrid electronic music project, dOP, signed on Circus Company, the label who released the first album of Nicolas Jaar. Les Fils du Calvaire is hybrid, transversal between elegant French Pop, decadent club music and outgoing cabaret. They compose for people who are singing in the shower, those who drive by night, for the charming ones while dancing upside down. Especially for those who understood that present may be our last freedom. And all this without any nostalgia. They also know how to pick their cast: they called Ash Workman for his production skills (Metronomy, Christine and the Queens...) to do the mixing of their first album. Rester avec Toi' is a perfect flavour extract from the forthcoming album ' Fils de ,

Rocksteady Disco comes through with more tasteful and timeless edits on this fourth volume of its series which focuses on sounds from Detroit. Gino steps up on the A-side with the leggy grooves and funky bassline soft 'Funk Beyond' then 'Sunshine Ramp' pairs a classic vocal sample with a bubbly, percolating groove full of fun. On the flip, things get more textured and expressive with the busy jazz horns of DJ Righteous's '6 Minutes Of NRG' then 'Never Forget' brings heavyweight drum-first funk with warm organ chords and a busy mix of bass and melodies under the soaring vocals. Scorching stuff.

"Burning Down Paradise", das sechste Studioalbum der NWOBHM-Legende Tokyo Blade, erblickte ursprünglich im Jahre 1995 über Fresh Fruit das Licht der Welt. Fresh Fruit war ein Sublabel von SPV in Hannover. High Roller Records legt »Burning Down Paradise« jetzt zum allerersten Mal als Vinyl auf.
Die Platte markierte die Wiedervereinigung von Gitarrist Andy Boulton und Sänger Alan Marsh, die das erste Mal seit dem Debütalbum von Tokyo Blade im Jahre 1983 wieder gemeinsame Sache machten. Die damalige Besetzung wurde komplettiert von John Wiggins an der zweiten Gitarre, Colin Riggs am Bass und Marc Angel hinterm Schlagzeug.
„Ich denke, alle zwölf Songs haben den Test der Zeit gut überstanden“, kommentiert Gitarrist und Gründungsmitglied Andy Boulton heute. „Allerdings war es eine schwierige Zeit für Hardrock und Heavy Metal. Der musikalische Geschmack hatte sich drastisch verändert. Das Album wurde in einem kleinen Studio direkt außerhalb von Marlborough in Wiltshire aufgenommen. Zusammen mit einem Tontechniker namens Nick Beer. Ich nehme an, man könnte sagen, dass die ganze Band »Burning Down Paradise« produziert hat. Als Hauptsongwriter hatten Alan und ich am Ende aber wohl den größten Einfluss auf den Sound der Platte.“
Laut Aussage des Gitarristen erntete das Album zum Erscheinungszeitpunkt unterschiedliche Reaktionen: „Die Meinungen gingen auseinander, einige alte Fans mochten unsere neue Richtung nicht, während andere positiver eingestellt waren. Und was die Kritiker an sich betrifft, auf die höre ich eh nicht. Meine Einstellung ist: Wenn dir die Musik nicht gefällt, hör sie dir einfach nicht an.“
Nach der Veröffentlichung von "Burning Down Paradise" gingen Andy Boulton und Alan Marsh abermals getrennte Wege. Tokyo Blade lösten sich (zwischenzeitlich) auf: „Wir hatten die Schnauze voll, ohne Unterstützung von irgendwoher weiterzumachen. Es war eine schlechte Zeit für unsere Art von Musik, und wir sahen keinen Sinn darin, die Band weiterhin am Leben zu halten und unsere Kraft zu vergeuden.“
Remastered von Patrick W. Engel at TEMPLE OF DISHARMONY im März 2026.

'You & Me', 'The Ballad of John Henry' and 'Live from the Royal Albert Hall'.
It is in a live setting where Joe Bonamassa the performer really thrives and in May
2009, he played the historic Royal Albert Hall in London. It was an incredible
memory for everyone present and one of his greatest live performances has been
remastered on high- quality 180g heavyweight triple vinyl for the first time. The
majestic evening saw him glide through his back catalogue of original hits as well
as inspired covers and featured guest performances from Eric Clapton and Paul
Jones – truly a special night to savour.
With 25 #1 albums, yearly sold-out tours worldwide and custom annual cruises,
he's a hard act to beat. These albums are a testament to his credentials and a
toast to his longtime fans who remember them originally and new fans who can
experience them for the first time. It's Joe Bonamassa at his finest, ready to rock.

1986 veröffentlichten Bassist Ron Royce (Ron Broder), Gitarrist Tommy T. Baron (Tommy Vetterli) und Schlagzeuger Marquis Marky (Markus Edelmann) ihr erstes Demotape »Death Cult« mit Hilfe von Celtic Frosts Tom Gabriel Fischer am Gesang (Fischer war auch für die Texte verantwortlich).
Kurz darauf, Anfang 1987, unterschrieben Zürichs Avantgarde-Metal-Pioniere einen Vertrag mit Noise Records aus Berlin. Zu diesem Zeitpunkt hatte sich Bassist Ron Royce entschieden, selbst die Rolle des Leadsängers von Coroner zu übernehmen.
Schließlich buchte Karl-Ulrich Walterbach von Noise Records für Coroner Studiozeit im Berliner Music Lab Studio, damit sie ihr Debütalbum unter den wachsamen Augen von Harris Johns aufnehmen konnten. »R.I.P.« wurde im Juni 1987 veröffentlicht und erhielt ausgesprochen positives Feedback in der Presse.

1988 folgte auf Coroners Debütalbum »Punishment For Decadence« (diesmal produziert im Sky Trak Studio in Berlin, produziert von Guy Bidmead). Laut Gitarrist Tommy Vetterli war das eine natürliche Weiterentwicklung für die Band: „Wir haben uns mehr auf die Tiefe der Musik konzentriert, es war nicht mehr nur eine Demonstration unserer technischen Fähigkeiten. Die Band war ziemlich tight, definitiv tighter als auf unserem ersten Album. Insgesamt denke ich, dass die Platte etwas reifer ist. Es ging weniger darum zu zeigen: ‚Schaut her, wie gut wir spielen können‘, sondern der Fokus lag auf den Songs.“
Der herausragende Track auf dem Album ist „Masked Jackal“, ein Fanliebling bis zum heutigen Tage. Außerdem wurde ein Musikvideo zu dem Song gedreht, wie der Gitarrist erklärt: „Es ist das Stück, das auf dem Album heraussticht. MTV war damals für jede Band extrem wichtig. Deshalb ist ‚Masked Jackal‘ bis heute ein Favorit der Fans.“

»Punishment For Decadence« kam mit einem auffälligen Cover-Artwork daher (ein Gemälde mit dem Titel „Porte de L'enfer“), eine Idee von Schlagzeuger Marky: „Er kletterte mitten in der Nacht eine Leiter hinauf und fotografierte hier in Zürich das Artwork von Rodin. Das Plattenlabel fand jedoch, dass dieses Cover nicht ‚Heavy Metal‘ genug sei, also veröffentlichten sie für die zweite Pressung ein anderes Cover mit diesem Skelett, das Geige spielt. Jenes Motiv war eigentlich nur als T-Shirt-Design gedacht.“

Laut Tommy lief das Album in Sachen Verkaufszahlen ordentlich: „Anscheinend müssen die Verkaufszahlen befriedigend gewesen sein; sonst hätten wir wahrscheinlich nicht weitermachen können. Wir haben nicht viel Geld mit Coroner verdient, aber das Ganze hat viel Spaß gemacht. Wir konnten überleben und das tun, was wir lieben. Die Presse und andere Musiker mochten uns, aber wir erreichten niemals die breite Masse.“
Im Februar 2026 von Patrick W. Engel bei TEMPLE OF DISHARMONY remastert und restauriert. Die Schneidearbeiten wurden von SST Germany auf Neumann-Geräten durchgeführt, um in jeder Hinsicht optimale Qualität zu gewährleisten. Die ultimative audiophile Ausgabe dieses zeitlosen Klassikers!

Die Wurzeln der NWOBHM-Legende Tokyo Blade gehen zurück bis in die frühen achtziger Jahre, als die Schulfreunde Andy Boulton (Gitarre), Andy Robbins (Bass) und Steve Pierce (Schlagzeug) in Wiltshire unter dem ursprünglichen Namen White Diamond starteten. Irgendwann tat man sich mit Sänger Alan Marsh zusammen und machte zuerst als Killer und dann als Genghis Khan weiter. Die Doppel-Single »Double Dealin’« erschien 1982 und sicherte Tokyo Blade einen Plattenvertrag beim neu gegründeten Label Powerstation Records. Im November 1983 stand schließlich das Debütalbum in den Läden.
Gründungsmitglied und Gitarrist Andy Boulton erläutert: “Die Platte wurde im Wickham Studio in Ost-London aufgenommen. Wir hatten lediglich vier Tage zur Verfügung und es war ein Albtraum. Immer wenn wir fertig waren, fielen wir todmüde um und schliefen sofort auf dem Studioboden ein. Und am nächsten Tag ging alles wieder von vorne los.“
Es wundert demnach kaum, dass Andy die Atmosphäre im Studio als angespannt bezeichnet: “Wir dachten, uns würden wenigstens zwei Wochen zur Verfügung stehen, aber am Ende mussten wir alles mehr oder weniger live aufnehmen. Im Grunde genommen haben wir die Songs für das Album ausgewählt, die uns am besten gefallen haben zu diesem Zeitpunkt.”
Während die Pressereaktionen im Vereinigten Königreich, speziell beim Kerrang!, nicht überwältigend waren, wurden Tokyo Blade in Kontinentaleuropa von Magazinen wie dem Aardschok (Niederlande) und Rock Hard (Deutschland) bereits als die neuen Iron Maiden gefeiert.
Diese erweiterte Re-Issue des ersten Albums von Tokyo Blade kommt mit einer Fülle von Bonus-Material: als da wären die vier Songs der »Midnight Rendezvous«-EP, nämlich “If Heaven Is Hell”, “Highway Passion”, “Midnight Rendezvous” und “Mean Streak”, sowie “Powergame” und ”Death On Main Street” von der »Powergame« 7”, plus ein Stück namens “Machine Run”, das 1982 auf der Ebony-Compilation »Metal Maniaxe« unter dem Bandnamen Madame Guillotine erschienen ist und in Hull aufgenommen wurde.
Transfer, Audio-Restaurierung und Mastering durch Patrick W. Engel bei TEMPLE OF DISHARMONY im Februar 2021 / Januar 2026. Cutting durch SST Germany auf Neumann-Geräten für optimale Qualität auf allen Ebenen. Die ultimative audiophile Ausgabe dieses zeitlosen NWOBHM-Klassikers!

The third release on Sapore Italiano dives into the hypnotic and untamable power of fire.

At the heart of the release is Fuoco, a contemporary reinterpretation of Lino Rufo’s composition, reworked by Devozioni into a warm and emotionally driven club anthem.

On remix duties, a carefully selected cast pushes the record into deeper club territory, blending Italo disco, tech house and cosmic grooves with modern production aesthetics. The result is a versatile EP that moves effortlessly between peak-time moments, sunrise sets and leftfield dancefloors.

Essential for fans of: Italo, Cosmic, Indie Dance, Modern Disco and underground house music.

The Return of The Vagabond – Revisited! On The New Way
There are figures that do not belong to any single era. They traverse .me, watch the world evolve, and
con.nue their journey guided by a singular compass: music.
Born from a concept by Use Vinyl Records, The Return of The Vagabond – Revisited! On The New Way is a
compila.on that sets the "Vagabond" back in mo.on—an iconic symbol for those who live music as a
journey without boundaries of .me, genre, or genera.on.
His return takes shape through a curated selec.on of .meless interna.onal disco, funk, and rock classics,
reinterpreted with fresh soundscapes while remaining deeply faithful to the spirit of the originals. This
musical odyssey is helmed by Daniele Baldelli & Marco Dionigi, Marco Fra=y, (Ino)2, DJ Mauri, and
Corrado Pres@, proving that great music can transcend .me, reinvent itself, and con.nue to inspire.
More than just a compila.on, The Return of The Vagabond – Revisited! On The New Way is a sonic voyage
that rediscovers legendary tracks through a modern lens. It is a project that demonstrates how authen.c
music never belongs to the past: it evolves, changes its skin, and con.nues to resonate deeply with the
present.

DJ Support: Dj Harvey, Bicep, TEED, Sarah Story, Joe Goddard, Make A Dance, Dj Subaru, Demi Requismo, Horsemeat Disco, Greg Wilson, Crazy P, Justin Strauss, Sean Johnston (ALFOS), Masilmiliano Pagliara, Red Rack’em Jordan Nocturne , Gina Breeze, Heidi Lawden, Eugene Whang, Neil Diablo, Gina Breeze, Marcel Vogel.

After a mysterious hiatus, one of The essential edit labels of the 2010’s has returned just as inexplicably as it disappeared..

The previous 4 volumes now change hands with private collectors for $$ .. These limited run edits will no doubt sell out in similar fashion..

The A side see’s the most dance floor oriented but often over looked track from Bjork’s album Debut receive the DJ edit it always needed . A2 a unique rework of a very rare nrg record that started out like as Aerobics accompaniment album..

On the Flip B1 take Turn toward the Funk , PBR giving the heavy dub treatment to one of The Whispers most criminally ignored tracks. Rounding things off the B2 drifts into the work of wonky, sleazy Italo.. Magari uses the little understood “wrong speed” technique to sublime effect, combined with some extra synth work it delivers a an entirely different track…one for the heads..

After a savage summer of performing over 35 festival shows, COLLIGNON continue their journey with the release of Bicicleta.

Bicicleta was written and recorded right in the midst of the band's summer tour. Gino, Yves and Jori seized the moment, the album captures exactly where they currently stand as a band: thriving on the energy of their live performances, with the desire to dive deeper into their music.

The result is Bicicleta—a diverse and authentic album that stays true to COLLIGNON’s distinctive blend of wildly grooving beats, psychedelic guitars, and sharp keyboard riffs. The music transports listeners across many borders, all while maintaining their signature COLLIGNON sound.

This album was made with vinyl in mind, designed to be experienced as a complete journey. From the first Maloya rhythms of "Fonkér la Mér" (Kreol for 'fond du cœur de la mer', meaning ‘from the bottom of the heart of the sea’) to the Brazilian groove and cosmic crescendo of "Vai Vai Vai (Into the Stars)", Bicicleta is a trip that flows from track to track.

The album, recorded while Jori left his Portuguese studio for a year-long stay in the Netherlands, pays homage to what -without engine, exhaust or pollution- might be considered the finest emblem of Dutch culture: the bicycle.

The words of adventurer Nellie Bly, written in 1896, still ring true today: ‘In a frenetic era of expanding possibilities, cycling offers a journey into a landscape of dreams. The bicycle has always signified independence and freedom in steering one’s daily course and the byways of its occasional adventures.’

To truly experience this album, nothing compares to holding the vinyl sleeve in your hands and spinning the record on your turntable.

Die Musik auf Horse Lords' "Demand to Be Taken to Heaven Alive!" wirkt zugleich unglaublich detailliert und zutiefst menschlich. Die zwölf versammelten Stücke sind vielschichtig, verflochten, tonal und rhythmisch komplex - moiré-artige Muster aus Interaktion und Verzahnung, die sich sowohl körperlich als auch geistig entfalten, voller klanglicher Gänge mit einem unausweichlichen Groove. Künstler sind nicht notwendigerweise Wissenschaftler, Logiker oder spirituelle Führer, doch durch ihr persönliches Verständnis von Ordnung und Erfahrung eröffnen sie einen unmittelbaren Zugang zu gesteigerten Zuständen von Materialität und Immaterialität. Horse Lords wurden 2010 in Baltimore gegründet; sie gingen aus einer anderen Gruppe namens Teeth Mountain hervor und starteten als Trio mit Gitarrist Owen Gardner, Bassist Max Eilbacher und Schlagzeuger Sam Haberman, bevor der Altsaxofonist Andrew Bernstein zum Kernensemble hinzustieß. Obwohl das Quartett aus einer fruchtbaren Noise- und Experimental-Rock-Szene hervorgegangen ist - einem legendären Umfeld für Künstler und Außenseiter, das viele einflussreiche Bands hervorgebracht hat (Lungfish, Matmos) - war ihr Ansatz über sechs Alben, zahlreiche Kollaborationen und als gefeierte Liveband weit vielseitiger, als es die punktierten Rhythmen instrumentaler elektrischer Rockmusik vermuten lassen. Für dieses Projekt wird die Band durch Bassklarinettistin Madison Greenstone, Posaunist Weston Olencki und - erstmals bei Horse Lords - durch Gesang von Nina Guo und Evelyn Saylor ergänzt. Das Eröffnungsstück ,Eureka 378-B" ist ein Arrangement von sakraler Harfenmusik aus dem 19. Jahrhundert, getragen vom Gesang von Guo und Saylor; seine Melodie entfaltet sich weit und setzt einen tonalen Startpunkt für vieles, was folgt. Dazu kommen die kurzen "Rotations", die Fragmente aus anderen Stücken isolieren. "D2BT2HA!" enthält unzählige klangliche und konzeptuelle Schichten, doch angesichts der unverkennbaren Kraft und Menschlichkeit der Musik ist der Prozess, sie zu entschlüsseln, begeisternd und zutiefst lohnend. Selten ist eine Platte, die einen so unmittelbar packt und zugleich bei jedem Hören vollkommen neu erscheint.

Plush shag carpeting, jazz flutes, analogue synths, funk grooves, exotica, and sultry, Italian-style vocalising: Erotica 70 is the new album from Larry Manteca, known for their inventive, tongue-in-cheek reimaginings of classic Italian soundtrack aesthetics.

This time around, the Milanese collective sets its sights on the distinct sonic landscape of 1970s commedia sexy—a film genre that, for better or worse, defined an era and fed richly into the cinematic education of Larry Manteca’s members.

Through this lens, Erotica 70 also becomes a way of celebrating Piero Umiliani in his centenary year—a composer whose name is closely linked to the erotic comedies of the time.

The nod to Umiliani is baked right into the details, starting with the choice of vintage gear like the Eminent synth and the Wurlitzer electric piano. These instruments deliver that particular blend of jazz, groove, electronics, and sensual charm that made the golden age of Italian film music so unique.

Standout track “Lando” is a joyful, playful homage to actor Lando Buzzanca, who starred in numerous films scored by Umiliani, including the iconic 1973 comedy La schiava io ce l’ho e tu no (My Darling Slave).

Larry Manteca is spearheaded by multi-instrumentalists Alessandro Paiola and Riccardo Danieli, flanked by the cinematic flute of Carlo Pelsa, the swinging drums of Andrea Quattrini, and the magnetic vocals of Valentina Castelli and Alessandra Maria Manzoni.

Recorded across various studios in Northern Italy, Erotica 70 is the imaginary soundtrack to an Italy that no longer exists, recreating its atmosphere while rendering it in full, vivid colour. It’s a record whose music seems to come straight out of a provincial cinema, a smoky late-night club, or a long-lost 70s film. But while it looks back to a bygone era, it does so only to bring it straight into the present, making the past sound surprisingly fresh and contemporary.

Unsighted is a remarkable New Yorker mentored by legendary New Yorker, ALONZO. Unsighted’s understanding of rhythm, funk, and texture is world class and welcomed into the Kraftjerkz family of USA electro. Kid Ginseng’s Punk Funk Remix rounds out the 12” EP nicely. Some would say that Kraftjerkz is USA’s answer to Bunker Den Haag. Let the DJ’s decide. Salute!

An Elephant Eye; A Frozen Girl; and an Umbrella Man walk into an Icebox. All have been shoveled out of a Jungle-den and are covered in Mud Fleas. The Umbrella Man has been Dolt-ing around on the Machinery for Years. . .knowing it Hasn’t-Really-Rained since he threw his last Bacchanal. He thinks he owns birds; he just listens to them really. The Frozen Girl keeps away from him but moves Incredibly slow given the Circumstances. . .she’s been trying to tie her shoes for 700 years. The floating Eyeball, defying all Man Physics, Miraculously Phases himself All the way to the outside of the Icebox; Barreling through the Crisp air. He then comes to a Grinding halt before a Ginormous Totem pole of Speckled flesh, Grey and exceptionally thick, Wrinkling like telephone Wire. He quickly realizes that’s where the rest of his Body went. The only thing that’s missing is his Trunk. But he’s learned to communicate Decently Well without it. . .Using Semiotic chains of Eyelid-signifiers. . .An Eyeball shaped hole has been Burnt into the Icebox but the Frozen Girl won’t know for another 53 years and by then Big-Pants won’t even be in. The Umbrella Man doesn’t particularly so much as Notice and think its smells a lot like Burnt toast. He says he’s off to the Cemetery.


What do Them Three have in common anyway? Well they all Dig Pins; they also all Exist because of Him. And, Starting today, are Perpetually Entrapped in 10 millimeters divisions of Black resin upon a Circular Plain. I want to hear them cry and shout, You might say, because we are all Up-standers. But all crying and shouting Ourselves into the Icebox. . .

Info Deutsch:

Nach „EBM“ aus dem Jahr 2022, einer Zusammenarbeit mit dem Elektronik-Produzenten Benjamin John Power alias Blanck Mass, haben Editors auf „Surface, Echo & Sound“ völlig neue Wege eingeschlagen. Als sich die Band im Sommer 2025 wieder zusammenfand, um an einem Nachfolger zu arbeiten – nachdem die drei vorangegangenen Alben weitgehend als Studio-Projekte geschrieben und aufgenommen worden waren –, hatten die Editors das Bedürfnis, zu einem natürlicheren Ansatz zurückzukehren, der an ihre Anfänge erinnerte: als sie in einem Proberaum in Stafford saßen und sich gegenseitig gegenüberstanden, während sie gemeinsam an den Songs arbeiteten.



Ähnlich wie bei seinem letztjährigen Soloalbum „There is Nothing In The Dark That Isn’t There In The Light“ verfolgte Frontmann Tom Smith auch bei dem neuen Material der Editors einen ähnlich reduzierten, akustikbasierten Ansatz: Er brachte eine Auswahl an Songs zur Band, damit sie diese gemeinsam spielen konnten, probierte verschiedene Dinge aus und schaute, wohin die Reise ging. Was die Entstehung des Albums angeht, „war es ein sehr produktiver Sommer“, sagt Smith. „Die Sonne schien die meiste Zeit, wir waren im grünen Gloucestershire, nicht weit von meinem Wohnort entfernt, in diesem unscheinbaren kleinen Gewerbegebiet – es war so ziemlich das Gegenteil von Berghain!“

„Surface, Echo & Sound“ ist als LP, Ltd. Col.LP CD und digital über Play It Again Sam erhältlich.



Info Englisch:

Following on from 2022’s EBM, a collaboration with electronic producer Benjamin John Power, aka Blanck Mass, on Surface, Echo & Sound, Editors have found themselves somewhere new entirely. When the band regrouped in summer 2025 to work on a follow-up, after three albums written and recorded very much as in-the-studio projects, Editors felt they wanted to go back to a more natural approach, something that harked back to their earliest days, sat in a practice room in Stafford, facing each other as they worked through songs together.



Like on last year’s solo record There is Nothing In The Dark That Isn’t There In The Light, frontman Tom Smith took a similar stripped back, acoustic-based approach to the new Editors material, bringing a selection of songs to the band for them to play together, trying different things out, and seeing where they went. In terms of creating the record, “It was a very productive summer,” says Smith. “The sun was out for the most part, we were in greenest Gloucestershire, not far from where I live, on this innocuous little industrial estate – it was pretty much the opposite of being in Berghain!”



Surface, Echo & Sound is available on LP, Ltd. Col. LP and CD & Digital via Play It Again Sam.

Info Deutsch:

Nach „EBM“ aus dem Jahr 2022, einer Zusammenarbeit mit dem Elektronik-Produzenten Benjamin John Power alias Blanck Mass, haben Editors auf „Surface, Echo & Sound“ völlig neue Wege eingeschlagen. Als sich die Band im Sommer 2025 wieder zusammenfand, um an einem Nachfolger zu arbeiten – nachdem die drei vorangegangenen Alben weitgehend als Studio-Projekte geschrieben und aufgenommen worden waren –, hatten die Editors das Bedürfnis, zu einem natürlicheren Ansatz zurückzukehren, der an ihre Anfänge erinnerte: als sie in einem Proberaum in Stafford saßen und sich gegenseitig gegenüberstanden, während sie gemeinsam an den Songs arbeiteten.



Ähnlich wie bei seinem letztjährigen Soloalbum „There is Nothing In The Dark That Isn’t There In The Light“ verfolgte Frontmann Tom Smith auch bei dem neuen Material der Editors einen ähnlich reduzierten, akustikbasierten Ansatz: Er brachte eine Auswahl an Songs zur Band, damit sie diese gemeinsam spielen konnten, probierte verschiedene Dinge aus und schaute, wohin die Reise ging. Was die Entstehung des Albums angeht, „war es ein sehr produktiver Sommer“, sagt Smith. „Die Sonne schien die meiste Zeit, wir waren im grünen Gloucestershire, nicht weit von meinem Wohnort entfernt, in diesem unscheinbaren kleinen Gewerbegebiet – es war so ziemlich das Gegenteil von Berghain!“

„Surface, Echo & Sound“ ist als LP, Ltd. Col.LP CD und digital über Play It Again Sam erhältlich.



Info Englisch:

Following on from 2022’s EBM, a collaboration with electronic producer Benjamin John Power, aka Blanck Mass, on Surface, Echo & Sound, Editors have found themselves somewhere new entirely. When the band regrouped in summer 2025 to work on a follow-up, after three albums written and recorded very much as in-the-studio projects, Editors felt they wanted to go back to a more natural approach, something that harked back to their earliest days, sat in a practice room in Stafford, facing each other as they worked through songs together.



Like on last year’s solo record There is Nothing In The Dark That Isn’t There In The Light, frontman Tom Smith took a similar stripped back, acoustic-based approach to the new Editors material, bringing a selection of songs to the band for them to play together, trying different things out, and seeing where they went. In terms of creating the record, “It was a very productive summer,” says Smith. “The sun was out for the most part, we were in greenest Gloucestershire, not far from where I live, on this innocuous little industrial estate – it was pretty much the opposite of being in Berghain!”



Surface, Echo & Sound is available on LP, Ltd. Col. LP and CD & Digital via Play It Again Sam.

You are Spring!" beginnt mit einer gewundenen Klangwand, A-cappella-Stimmen, die sich in üppiger Harmonie überlagern und den halb-titelsgebenden Frühling besingen. Sofort entführt uns Tasha aus dem tristen, grauen Winter in eine Welt voller Bilder und Empfindungen von neuem Leben. Stell dir vor: ein Feuerwerk aus glockenförmigen Blüten; Rosa, Citrin und Buttergelb; der Himmel klar, eine Lunge voll Blau; Wärme, überall, die die über den Winter geheilte Haut küsst und sich nach Berührung sehnt; Leichtigkeit nach dem Leiden; ein tiefer Atemzug nach dem Ersticken. "Don't die now / There's life to be found now,", beginnt sie. In Texten, die von Gwendolyn Brooks' Gedicht "To The Young Who Want To Die" inspiriert sind, formuliert Tasha die These dieses Albums mit exquisiter Präzision. Es gibt Jahreszeiten der Härte, Jahreszeiten der Schwierigkeit, ja. Aber hier, in diesem Album, meditieren wir über den Frühling über eine Zeit des Feierns, die umso süßer ist, weil wir wissen, was man ertragen muss, um dorthin zu gelangen. "Alive now / It's spring now / Alive now / You're spring now" schließt sie, getragen von den samtigen Stimmen von Jamila Woods und Taja Cheek von L'Rain, die auf diesem Track zu hören sind, und lädt uns in die paradiesische Schatzkiste ein, die sie hier geschaffen hat. Für Tasha ist der Frühling ein Ort, an dem wir ankommen, aber auch ein Zustand, in dem wir uns befinden, eine Art, wie wir geworden sind. Wenn sie darüber spricht, was das Album ihrer Hoffnung nach vermitteln soll, erläutert sie die Bedeutung von "You Are Spring!" weiter und sagt: Es ist eine Art zu sagen, dass du das bist, worauf sich andere Menschen freuen; du bist das, worauf wir warten; du bist das Schöne." Wenn es im vorherigen Album um Sehnsucht ging, darum, sich nach einer Fülle zu strecken, von der du weißt, dass sie kommt, dann ist "You are Spring!" eine Gelegenheit, innezuhalten und alles in dich aufzunehmen, sobald du in deine Fülle eingetreten bist. Das heißt, You Are Spring!" ist in seiner Aufmerksamkeit für die Glückseligkeit so eindringlich wie sein Ausrufezeichen, aber es hat auch einen klaren Blick auf die Welt um sich herum. Die zweite Hälfte des Albums bewegt sich auf diesem schmalen Grat zwischen Wonne und Untergang. Sieh dir zum Beispiel "Actor" an und seine Auseinandersetzung mit den Gesten, die wir in einer Liebe machen, die hohl geworden ist, gefolgt von Special" und seinem aufwendig arrangierten Klangteppich, komplett mit Tashas Klarinetten-Debüt. Im letzten Titel, Quick!", steigt Tashas Stimme in einer fast Stephen-Sondheim-artigen Tonfolge empor und drängt uns singend: "Quick! See how this beauty rushes by?" Es gibt Dissonanzen im Klimpern der Akkorde, das Keuchen ihrer Finger, die über den Gitarrenhals gleiten, eine raue, fast wie von einer Kassette klingende Qualität der Produktion, wieder von Gregory Uhlmann. Aber wir werden noch nicht aus dem Garten vertrieben; der Song klingt langsam aus, zurück in den Glockenblumenhain von Tashas sanftester Stimmlage. "You Are Spring!" fordert uns heraus, uns an unserer Gegenwart zu erfreuen, uns selbst als die lang ersehnte Jahreszeit des neuen Lebens und Wachstums zu sehen. Und wenn der Winter wiederkommt, wie er es immer tun muss, die Trauer sich einschleicht, Herzschmerz vor der Tür steht, gibt Tasha uns etwas, an dem wir uns festhalten können. Die Gewissheit, dass der Frühling wiederkommen wird, selbst dann. Dass die Schönheit und Fülle, die uns jetzt umgibt, uns wieder umgeben wird, noch einmal.

Pure loveliness. Proper music-making,
DIY Classical, but nothing slapdash or posey. Intimate and tentative, seamed with risk, occasional mis-steps, dodgy tuning, minor technical fuck-ups; but driven by gripping, stilled dedication and deep musical understanding.
Double bass, electric guitar, flute, melodica, singing; recorded at home in NYC, on dodgy gear, with snug, woody, shhshh-ing, analogue-style ambience.
The trio hovers between cheerful relish - who’s that giggling at the back - and hushed, humble reverence, basking in the processes of musical communion and learning. They play like they are gingerly passing on a precious, fragile gift; but without prissy conceit.
Luminous selections from the last six hundred years - John of Dunstable meets Friedrich Nietzsche - are lovingly arranged by the group, with a bent for stripped-to-the-bone, emotionally restrained sublimity, steady as she blows.
Very warmly recommended. Soul food.

- 2026 Edition, gepresst auf apricotfarbenem Vinyl - Erweitertes Gatefold-Cover - Enthält ein 20-seitiges Booklet mit seltenen Fotos und Liner Notes von Lenny Kaye sowie Beiträgen von Nick Cave und Devendra Banhart. Karen Daltons Album ,In My Own Time" aus dem Jahr 1971 gilt als wahres Meisterwerk einer der geheimnisvollsten, rätselhaftesten und nachhaltig einflussreichsten Künstlerinnen der Musikgeschichte. Das neu erweiterte, 20-seitige LP-Booklet mit selten gezeigten Fotos, Liner Notes des Musikers und Autors Lenny Kaye sowie Beiträgen von Nick Cave und Devendra Banhart rundet das Paket ab. Die in Oklahoma aufgewachsene Karen Dalton (1937-1993) brachte eine Vielzahl von Einflüssen in ihr Werk ein. Wie Lenny Kaye in den Liner Notes schreibt, hört man den Jazz von Ella Fitzgerald und Billie Holiday, die Intensität von Nina Simone, den Appalachen-Gesang von Jean Ritchie sowie den R&B und Country, die auf ihrem Weg nach New York unweigerlich in ihre Musik einflossen. Ausgestattet mit einem Langhalsbanjo und einer 12-saitigen Gitarre hob sich Dalton durch ihren unverwechselbaren, lebensmüden Gesang von ihren Kollegen ab. In den frühen 60er Jahren wurde sie zu einer festen Größe in der Folk-Szene von Greenwich Village, wo sie traditionelles Material, Blues-Standards und die Songs ihrer Zeitgenossen interpretierte, darunter Tim Hardin, Fred Neil und Richard Tucker, den sie später heiratete. Bob Dylan war unterdessen sofort von ihrer Kunst begeistert. ,Meine Lieblingssängerin dort war Karen Dalton", erinnerte er sich in *Chronicles: Volume One* (Simon & Schuster, 2004). ,Karen hatte eine Stimme wie Billie Holiday und spielte Gitarre wie Jimmy Reed." Wer Dalton kannte, wusste, dass sie kein Interesse daran hatte, sich den Launen der Plattenindustrie zu beugen. Auf der Bühne interagierte sie kaum mit dem Publikum. Im Studio fühlte sie sich beim Aufnahmeprozess ebenso unwohl. Ihr Debütalbum von 1969, *It's So Hard to Tell Who's Going To Love You The Best*, das 2009 von Light in the Attic neu aufgelegt wurde, entstand heimlich, als Dalton dachte, sie würde nur Songs proben. Als Michael Lang, Mitveranstalter von Woodstock, Dalton ansprach, ob sie ein Folgealbum für sein neues Label ,Just Sunshine" aufnehmen wolle, war sie, gelinde gesagt, skeptisch. Das Album musste nach ihren eigenen Bedingungen und in ihrem eigenen Tempo entstehen. Daraus wurde ein sechsmonatiger Aufenthalt in den Bearsville Studios in Woodstock, New York. Produziert wurde das Album von dem Bassisten Harvey Brooks, der bereits auf ,It's So Hard to Tell Who's Going To Love You The Best" an Daltons Seite gespielt hatte. Brooks, der stolz darauf war, unkompliziert, zuverlässig und unterstützend zu sein, verstand Daltons Arbeitsweise, war aber auch bereit, sie sanft zu ermutigen und die Künstlerin dazu herauszufordern, ihre kreativen Grenzen zu erweitern. ,Ich habe versucht, ihr einen flexiblen Rahmen zu bieten", erzählte er Kaye. ,Ich habe die Entscheidungen ihr überlassen - das Tempo, das Feeling festzulegen." Sie war sehr zurückhaltend, und ich habe ihr alles vorgelegt; wenn sie mehr brauchte, habe ich ihr Optionen angeboten. Alle gingen einfühlsam auf sie ein. Sie war die Anführerin. Dalton, die selten ihre eigenen Kompositionen aufführte, wählte eine Reihe von Stücken zur Interpretation aus - von traditionellen Liedern wie ,Katie Cruel" und ,Same Old Man" bis hin zu Paul Butterfields ,In My Own Dream" und Richard Tuckers ,Are You Leaving For The Country". Außerdem erweiterte sie ihr übliches Repertoire und fügte R&B-Hits wie ,When a Man Loves a Woman" und ,How Sweet It Is" hinzu. Im Gegensatz zu ihrer vorherigen LP bot Daltons neue Aufnahme vollere, poporientiertere Arrangements, an denen eine ganze Reihe talentierter Studiomusiker mitwirkte. Auch wenn das Publikum der 70er Jahre vielleicht noch nicht bereit für Daltons Musik war, stand eine neue Generation kurz davor, ihr Werk zu entdecken. In den Jahrzehnten nach ihrem Tod nannten viele Künstler Karen Dalton als Einfluss, darunter Lucinda Williams, Joanna Newsom, Nick Cave, Angel Olsen, Devendra Banhart, Sharon Van Etten, Courtney Barnett und Adele. In dem kürzlich gefeierten Dokumentarfilm ,Karen Dalton: In My Own Time" sinniert Cave über Daltons einzigartige Anziehungskraft: ,Es wird eine Art Anspruch an den Zuhörer gestellt", erklärt er. Ob man es mag oder nicht, man muss in ihre Welt eintauchen. Und es ist eine Welt voller Verzweiflung. Peter Walker, der ebenfalls im Film zu sehen ist, führt diesen Gedanken weiter aus: ,Wenn sie in ihrer Musik ein bestimmtes Gefühl empfinden und es so rüberbringen kann, dass man dieses Gefühl auch spürt, dann ist das wirklich das Magischste, was man tun kann." Er fügt hinzu: ,Sie hatte eine tiefe, tiefgründige und liebevolle Seele - das hört man in ihrer Musik."

“I am not sure which of us it is that's writing this page” - Jorge Luis Borges. There are places where a river runs through the story even when you cannot see it. Austin Cash grew up in the Arkansas Delta, and Nathan Smerage in the Chicago suburbs, their paths crossing years later in Fayetteville, Arkansas, where both became members of the Ozark Free Music Society, a loose congregation of musicians who made free and experimental music in non-traditional venues across the city. ‘River Season’ began as an impulsive text sent to Smerage in the summer of 2024, Cash suggesting they should make an album of guitar duets. Calling his bluff, Smerage returned a folder of recordings within a week. Cash had a handful of pieces of his own, originally written for an unreleased film about an Ozarks ceramicist. The songs began traveling back and forth between them by email, however, after opening for the Magic Tuber String Band and playing the compositions live for the first time together, realised the decision to record them live was the only true option. For four days, in the basement apartment where Cash lived, they recorded River Season live. The result is a meticulously composed collection of steel-string guitar music: part folk record, part road map.

Fahey and Ackerman are somewhere in the distance, alongside Bert Jansch, Nick Drake, Marisa Anderson, Nathan Salsburg, Loren Connors, and others. But River Season belongs to neither Arkansas nor Chicago entirely. Cash grew up in Arkansas before moving to Chicago, whereas Smerage grew up in Illinois before moving to Arkansas. River Season catches the two musicians at an intersection in their paths; it belongs to the stretches of road and rivers between them, real and imagined. "This new collaboration between Austin and Nathan is intimate and tonally diverse. Many of the tracks see Austin playing acoustic and Nathan on electric. The statements are succinct (all but two clock in under four minutes) and idiosyncratic. "Bell Harp" and "Painting Friend" are two stand out examples for me in which the textures of the electric/acoustic pairing play off each other in a way that I can't say I have encountered before." -Evan Morgan (Magic Tuber Stringband)

In their countless years of deep digging, Dark Entries has uncovered many curiosities, oddball Italo and synth-wave creatures too rare to live, too funky to die. Dark Entries’s conservationist efforts began with 2020’s Endangered Species Vol 1. Six years later, we are finally treated Endangered Species Vol 2, an even more ambitious effort which features eleven specimens previously deemed extinct, now safely preserved on vinyl. Things kick off with an extended mix of Palazzo di Danza’s “Play That Song For Me,” a lavishly produced German-Italo number propelled by a slinky bassline. Russian Olga Vosconyan’s “Cars” delivers what might be the moodiest song ever produced for a car commercial.

Fuzz Dance maestro Alexander Robotnick appears with a previously unreleased male vocal demo version of “I Wanna Believe,” a legendary track that would later appear under the name Gina & the Flexix. Canadian industrial royalty Dwayne R. Goettel (Psyche) and cEvin Key (Skinny Puppy) team up on the horror-sampling hit-heavy blaster “Bastards.” Belgian EBM progenitors à;GRUMH... report for duty with a slab of machine funk on “The Army.” UK DIY stalwarts Khmer Rouge bring Krautrock-inflected minimalism with “Take Me (Across the Floor Tonight) In Dub.” Endangered Species Vol 2 comes housed in a sleeve designed by Eloise Shir-Juen Leigh, and includes a 16 page booklet featuring liner notes, lyrics, and photographs of each featured project. Please assist Dark Entries in their efforts to preserve the rarest of beasts (and beats).