Auf ihrem gegründeten Label "Rare Diamonds Productions" veröffentlichte Metal-Queen DORO Pesch weitere "Diamanten" ihrer so erfolgreichen Karriere. Dazu gehört ihr achtes Soloalbum "Fight", welches am 19. August 2002 erschien. Die zwölf Songs kommen nun als Re-Release in limitierter curacao transparenter Gatefold LP auf Vinyl.
DORO und Box-Fans erinnern sich: Das Titelstück "Fight" wurde zur Einlauf-Hymne von Doro's Freundin, der mehrfachen Weltmeisterin Regina Halmich.
Dazu gibt es mit "Descent" einen Song mit dem unvergessenen Peter Steele (Type O Negative) und die wunderschöne deutsche Ballade "Hoffnung". Nicht zu vergessen: "Always Live To Win" - ein Kracher, der nicht nur die Lebensphilosophie der Sängerin widerspiegelt, sondern bei DORO-Tourneen bis heute auf (fast) jeder Setlist steht.
Außer Peter Steele waren folgende Gastmusiker an "Fight" beteiligt: Russ Ballard, Jean Beauvoir, Andreas Bruhn, Chris Caffery und Jürgen Engler.
Die Bob Dylan World Tour 1978 markierte die ersten internationalen Konzertdaten des Künstlers seit 1966 und seine ersten Live-Shows seit der Rolling Thunder Revue, die 1975-76 durch Nordamerika führte. Die einjährige Tournee war ein internationales Musikereignis, bei dem Bob Dylan in großer Besetzung weltweit vor mehr als zwei Millionen Fans spielte. Die Tournee begann im Februar 1978 mit elf historischen Auftritten: Dylans allererste Konzerte in Japan, darunter acht Auftritte in der berühmten Nippon Budokan Hall in Tokio. Zwei der Budokan-Konzerte - der 28. Februar und der 1. März 1978 - wurden auf analogen 24-Kanal-Mehrspurbändern aufgezeichnet. "The Complete Budokan 1978" ist das erste Mal, dass Dylans komplette Konzerte von seiner Welttournee 1978 offiziell als 4CD-Box erhältlich sind. Die Doppel-LP "Another Budokan 1978" ist speziell für Vinyl-Fans zusammengestellt, sie enthält 16 bisher unveröffentlichte Highlight-Titel aus dieser Box.
Für die Entstehung des Albums stellte Vince zwei Regeln auf - erstens, dass die Klänge, die er selbst für das Album erzeugte, ausschließlich von Eurorack stammen sollten (ein modulares Synthesizerformat, das Mitte der 90er Jahre eingeführt wurde) und zweitens, dass jeder Track auf einer einzigen Note basieren und eine einzige Tonart beibehalten sollte. Die daraus resultierenden Stücke, bei denen der Eurorack-Sound mit Logic Pro bearbeitet wurde, sind wortlose Erzählungen, in denen ein Gefühl von synthieerzeugter, kosmischer Abgeschiedenheit oft durch starke Interventionen durchbrochen wird, die an die menschliche Hand inmitten dieser Maschinerie erinnern.
Auf diesem Album ruht sich Vince Clarke nicht auf seinem beachtlichen Pop-Erbe aus, sondern eröffnet sich selbst und uns anderen aufregende neue elektronische Möglichkeiten, deren Permutationen und Möglichkeiten grenzenlos sind.
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Das experimentelle elektronische Hiphop-Duo H31R (sprich: air) - bestehend aus der Produzentin/ Komponistin JWords aus New Jersey und der Rapperin/ Sängerin maassai aus Brooklyn - kündigt seine neueste Veröffentlichung, „HeadSpace“, auf dem Ninja Tune-Sublabel Big Dada an. Das Album folgt auf ihr außergewöhnliches Debütalbum, „ve-loc-i-ty“, aus dem Jahr 2020, das sofort die Aufmerksamkeit von Pitchfork, The Wire, Brooklyn Vegan, Okayplayer, Cabbages, Bandcamp und anderen auf sich zog.
„HeadSpace“ markiert eine neue Phase des Erwachsenwerdens für das Duo; es findet sich mit einem neuen Verständnis dessen ab, was es ist, und erkundet, wie es mit der Welt interagieren möchte. Wie sein Vorgänger manövriert auch „HeadSpace“ mit rasender Geschwindigkeit durch seine 14 Tracks. „Glitch In Time“ gibt den Ton für das Album an, mit düsteren Bässen, groovigen Drums und schrägen Melodien, die sich durch das ganze Album ziehen. Es enthält Momente der Introspektion und Selbstreflexion, in Songs wie „Static“ und „Reflection“, während das erbauliche Diptychon „Rotation“ - ein oszillierender Track, der die Essenz von Licht und Dunkelheit einfängt - und „All Over The Place“, das die Dualität transzendiert und sich zu einem multidimensionalen Selbst ausweitet. Auch „Backwards“, das trotz seines Namens ein treibendes Stück ist, in dem es darum geht, sich von Dingen zu lösen, die einen zurückhalten, und „Train Of Thought“, das die Mechanismen des Denkens untersucht und zunächst konkreter beginnt, bevor es gegen Ende des Songs allmählich abstrakter wird.
„HeadSpace“ enthält außerdem Beiträge des aufstrebenden Rappers und Produzenten Semiratruth aus Chicago zu dem motivierenden „Glass Ceiling“ und eine verspielte Strophe des für den GRAMMY nominierten Produzenten und Rappers Quelle Chris aus Detroit zu „Down Down BB“.
Nachdem The National den Soundcheck für ihren Auftritt in Vancouver am 5. Juni 2023 beendet hatten, spielte die Band einfach weiter. Etwas braute sich zusammen: Die prägnanten Gitarrenparts von Aaron und Bryce Dessner trafen auf den Signature-Drumbeat von Bryan Devendorf. Als der Bassist Scott Devendorf loslegte, fing Matt Berninger an, einige Zeilen zu singen, die schon seit ein paar Jahren in ihm reiften. " Smoke detector, smoke detector / All you need to do is protect her", intonierte er. Ihr Tontechniker ließ die Aufnahme laufen und plötzlich war es ein 12 Minuten-Jam. Sie wussten, dass sie etwas Besonderes hatten, und nahmen die Live-Aufnahme bald darauf in Aarons Studio mit. Sie haben ein paar Minuten gekürzt, aber ansonsten das beibehalten, was auf der Bühne in Vancouver passiert ist. Dieser Song, "Smoke Detector", ist der krönende Abschluss von "Laugh Track", die überraschende zweite Hälfte eines Doppelalbums, das im April mit "First Two Pages of Frankenstein" begann. Es erwies sich als das letzte Kapitel eines Werks, das ansonsten neben dem Schwesteralbum geschrieben wurde - der Schlussakt einer Katharsis, die zeigt, was The National in den letzten drei Jahren durchgemacht haben. Vor zwei Jahren war die "Smoke Detector"-Zeile einer der wenigen Fetzen, die Matt während einer lähmenden Depression schreiben konnte und das zu einer Zeit, in der sich die Band fragte, ob sie jemals wieder ein Album machen würde. Nach der Pandemie belebte ihr neuer Glaube aneinander die kreativen Fähigkeiten wieder. "Weird Goodbyes", das bereits im August 2022 erschien, war ihr erster Durchbruch und der erste Vorgeschmack auf diese neue Ära. "Wir haben es wirklich schnell veröffentlicht, weil es wie ein Baby war, das in der Dunkelheit geboren wurde, oder so", lacht Matt. "Wir mussten es den Menschen zeigen". Aber als sie schließlich mit diesem umfangreichen Werk vorankamen, entschieden sie sich, "Weird Goodbyes" nicht auf das Frankenstein-Album zu nehmen. "Es fühlte sich an, als ob die Geschichte bereits erzählt worden wäre. Es war eine eigene Sache", sagt Aaron. "Aber es fühlte sich auch so an, als hätte es einen Bezug zu dem, was wir taten. Das war ein Teil der Logik für die Aufnahme einer weiteren Platte - wir wollten "Weird Goodbyes" ein eigenes Zuhause geben." "Laugh Track" ist das vielleicht musikalisch bedingungsloseste Album, welches die Band seit Jahren gemacht hat. Es ist aufmüpfig und dennoch leichtfüßig, doch es enthält ebenso viel seltene, ungebremste Schönheit wie Trostlosigkeit. Thematisch gibt es keine absichtliche Trennung zwischen "Frankenstein" und "Laugh Track". Während Matt auf "Frankenstein" eher auf der Suche nach einem Zufluchtsort war, hat er hier eine neue, klare Sicht auf das, was zählt. Sein dringendes Bedürfnis nach Intimität wird durch eine immer größere Angst vor der Unwirklichkeit des modernen Lebens noch verstärkt. Die Charaktere auf diesem Album (keine Vornamen, abgesehen von einer Tourmanagerin namens Alice - nur "ich" und "du") decken einander, träumen füreinander und helfen, den Schein zu wahren - und lösen damit das Versprechen von der gegenseitigen Fürsorge ein, das Matt auf dem Frankenstein-Schlusslied "Send for Me" gegeben hat. Wenn "Frankenstein" ein Zeichen für die Wiederherstellung des Vertrauens zwischen den einzelnen Bandelementen war, so ist das lebendige und neugierige "Laugh Track" das selbstbewusste Produkt dieses Prozesses und eine Absichtserklärung für jetzt und die Zukunft.
Die Neuauflage des zweiten Albums für Prestige des John Wright Trios!
John Wright und sein Trio mit Wendell Marshall und J.C. Heard verkörpern den gefühlvollen Chicago-Sound der frühen 1960er Jahre. New Land fühlt sich geehrt, diese atemberaubende Platte zum ersten Mal seit ihrer Erstveröffentlichung weltweit präsentieren zu können. Direkt von den Originalbändern von Kevin Gray gemastert und in einer luxuriösen Reverse-Board-Verpackung mit einem Fotodruck mit einem bisher unbekannten Bild von Wright aus den South Side Story-Fotosessions von Esmond Edwards. Dies ist ein Muss für jede Sammlung. Wahrlich einer der am meisten unterschätzten Pianisten der frühen 1960er Jahre, dessen Alben im Laufe der Jahre bei Prestige an Bedeutung gewonnen haben. Diese Aufnahmen, die eine Mischung aus gefühlvollem Hard Bop mit einer swingenden Chicago-Kante vereinen, sind ein echter Schatz. Sein letztes Prestige-Album wurde 1965 veröffentlicht (die Aufnahmen stammen aus dem Jahr 61), bevor Wright in der Versenkung verschwand, in der Chicagoer Clubszene auftrat und von Mitte der 1980er Jahre bis 1999 als Bibliothekar im Cook County Jail in Chicago arbeitete. "Nice 'N' Tasty" war seine zweite Veröffentlichung für Prestige und eine großartige Sammlung von Songs. Das Set, das vier Originale enthält, wurde von dem großartigen Rudy Van Gelder produziert und von Esmond Edwards betreut.
Orbiting Human Circus' new album is called Quartet Plus Two. What is Orbiting Human Circus? It is the continuing evolution of Julian Koster (Neutral Milk Hotel, The Music Tapes), whose music and storytelling under this moniker have encompassed immersive theater and a Night Vale Presents podcast, as well as more traditional albums. Central to the album are the "two" referenced in the title: North and Romika, the singing saws, whom Koster doesn't "play" so much as encourage. "I think saws sing like angels," says Koster. "I always have. Since I was a little boy. When you encourage them to sing, they do so earnestly and beautifully. It's an honest and real sound." The origins of Quartet Plus Two are as magical and seemingly unlikely as everything else in Koster's career. While walking through New York's Central Park, he stumbled upon Gauvain Gamon and Kolja Gjoni_a standup bass player and drummer, respectively_playing Gershwin and Mingus, and a musical partnership was born. Pianist Benji Miller rounds out the titular quartet, with Koster's longtime collaborators Robbie Cucchiaro (horns) and Thomas Hughes (orchestral arranging and chimes) of The Music Tapes also contributing to the record. The music they make together is at once familiar and unrecognizable, as Koster and Orbiting Human Circus interpret jazz compositions by Irving Berlin, Duke Jordan, George and Ira Gershwin, and others, alongside Koster's three originals. The use of the term "composition" is intentional and speaks to Koster's relationship with the music of Quartet Plus Two in far more evocative terms than "cover" or "standard." "To me it was always magical that there were these people called `composers' who created symphonies and popular songs for other people to breathe into life and existence all over the world and throughout time," he explains. "They traveled into our homes as sheet music, endless recorded interpretations, or were passed from hand to hand, village to village, like folk tales, changed by every hand that touched them. That music was something that came to life in our own living rooms and lives, songs that our grandmothers might have sung in a choir that we might sing just as earnestly. I just think it's nice, and I would love to share that feeling in any way we can."
Orbiting Human Circus' new album is called Quartet Plus Two. What is Orbiting Human Circus? It is the continuing evolution of Julian Koster (Neutral Milk Hotel, The Music Tapes), whose music and storytelling under this moniker have encompassed immersive theater and a Night Vale Presents podcast, as well as more traditional albums. Central to the album are the "two" referenced in the title: North and Romika, the singing saws, whom Koster doesn't "play" so much as encourage. "I think saws sing like angels," says Koster. "I always have. Since I was a little boy. When you encourage them to sing, they do so earnestly and beautifully. It's an honest and real sound." The origins of Quartet Plus Two are as magical and seemingly unlikely as everything else in Koster's career. While walking through New York's Central Park, he stumbled upon Gauvain Gamon and Kolja Gjoni_a standup bass player and drummer, respectively_playing Gershwin and Mingus, and a musical partnership was born. Pianist Benji Miller rounds out the titular quartet, with Koster's longtime collaborators Robbie Cucchiaro (horns) and Thomas Hughes (orchestral arranging and chimes) of The Music Tapes also contributing to the record. The music they make together is at once familiar and unrecognizable, as Koster and Orbiting Human Circus interpret jazz compositions by Irving Berlin, Duke Jordan, George and Ira Gershwin, and others, alongside Koster's three originals. The use of the term "composition" is intentional and speaks to Koster's relationship with the music of Quartet Plus Two in far more evocative terms than "cover" or "standard." "To me it was always magical that there were these people called `composers' who created symphonies and popular songs for other people to breathe into life and existence all over the world and throughout time," he explains. "They traveled into our homes as sheet music, endless recorded interpretations, or were passed from hand to hand, village to village, like folk tales, changed by every hand that touched them. That music was something that came to life in our own living rooms and lives, songs that our grandmothers might have sung in a choir that we might sing just as earnestly. I just think it's nice, and I would love to share that feeling in any way we can."
"Omoiyari" means to have empathy and consideration for others, and act on it. This fall, the American indie-folk multi-instrumentalist and singer-songwriter Kishi Bashi is set to release the companion album to his forthcoming documentary song film, titled Music from the Song Film: Omoiyari. Consisting of two LPs_"The Songs" and "The Score"_the release showcases what is essentially the soundtrack to Omoiyari, the feature-length motion picture co-directed by Kishi Bashi, aka Kaoru Ishibashi or "K," which is being released via MTV Documentary Films in November. Focusing on K's own six-year journey of discovery surrounding his research of the incarceration of 120,000 Japanese Americans that followed the attack on Pearl Harbor in 1941, the film is part social justice documentary and part song-film experiment. The album includes K's live improvisations, which are featured in the documentary, many recorded on the sites where the concentration camps stood. Written during and about the artist's transformational dive into his personal identity and serving as a broad survey of the Japanese American experience as well as the incarceration_Music from the Song Film: Omoiyari serves as an evocative musical accompaniment to the lessons of empathy and compassion portrayed in the film and highlights the process and power of one of modern indie's most talented musicians.
Loser edition: initial vinyl copies pressed on lovely Transparent Yellow vinyl!
Ursprünglich als Live-Konzertfilm gedacht, entwickelte sich der Film zu einem visuellen Porträt, das Beam während eines kreativen Ausbruchs einfängt, der ihm vier Grammy-Nominierungen in vier Jahren einbrachte. Wie seine Musik berührt auch der Film universell persönliche Themen, da Beam sich mit der Bewältigung seines privaten und beruflichen Lebens als Künstler auseinandersetzt. Zusammengenommen sind Soundtrack und Film ein faszinierender erster Blick hinter die Kulissen von Iron And Wine. Der Dokumentar-Konzertfilm wird in diesem Herbst/Winter in ausgewählten US-amerikanischen Städten in die Kinos kommen, bevor er 2024 auf Streaming-Diensten abrufbar wird.
■ "Camera" ist ein Album, auf dem Frank Boeijen nach dem beeindruckenden Album "As" zurück zu
den Grundlagen geht. Es ist eine Bandplatte, die sich auf Pop-Songs konzentriert. Aufgenommen
wurde es im ICP-Studio in Brüssel, wo Boeijen zuvor "Vaderland" aufgenommen hat. Das Album dreht
sich um Freundschaft und Wärme und enthält Fan-Favoriten wie "De Streken Van De Meester," "Alles
Wat Ik Had" und "Op Een Dag." "Camera" ist First Time auf Vinyl erhältlich und enthält ein Beiblatt mit
den Songtexten.
■ Woody Shaw mit dem Tone Jansa Quartett ist das Album von 1985 des amerikanischen
Jazz-Trompeters, Komponisten, Arrangeurs und Bandleaders Woody Shaw. Während seines Lebens
wurde er als einer der einflussreichsten und innovativsten Jazzmusiker seiner Zeit angesehen. Das
Tone Jansa Quartett bestand aus Renato Chico am Klavier, Peter Herbert am Bass, Dragan Gajić am
Schlagzeug, Tone Janša am Tenorsaxophon und Woody Shaw an der Trompete und Flügelhorn. Alle
Kompositionen stammen von Tone Jansa, und das Hard Bop-Jazzalbum wurde im April 1985 im
Studio 44 in Monster, Niederlande, aufgenommen. Woody Shaw mit dem Tone Jansa Quartett wird
zum ersten Mal seit seiner ursprünglichen Veröffentlichung wiederaufgelegt und ist als limitierte
Edition von 500 einzeln nummerierten Copies auf White Vinyl erhältlich
Brueder Selke, a polyinstrumental composer duo originally from East Berlin, consistently enriches the repertoire of their two primary instruments: cello and piano. Their independent curator role shines through as they frequently host boutique concerts and happenings, featuring both established and emerging artists during their yearly Q3Ambientfest.
'Go East' marks a significant milestone in the long-term collaboration of Brueder Selke, two brothers who grew up on the socialist side of the Berlin Wall. The tracks are driven by the essential components of a restored Piano-Strings machine, along with two electronic organs named Sandy and the ET6-1, and a E-Piano, all manufactured by Vermona in the late 1970s and early 1980s.
Their innate sense of interplay, developed during their upbringing in GDR times, stems from a deep-rooted longing for connection and exchange with like-minded musicians and individuals. Through their music, they convey ideas that embrace a universal duality, showcasing how diverse elements harmoniously complement each other. The album encompasses a wide range of atmospheric moods, from intimate classical chamber music to expansive textural landscapes created by these now rarely intact socialist synthesizers, with their parameters mimicking strings and keyboard instruments. In this ironic and thoughtful manner, Sebastian and Daniel once again skilfully let their main instruments, cello and piano, merge into one another.
'Go East' aptly reflects the artist's profoundly experimental yet accessible approach, making it their 8th duo album. The 2x2 recordings were produced in their Klingenthal Studio in Potsdam in February 2022.
Zum ersten Mal auf "normalem" Vinyl (die Picture-LP ist seit Jahren aus) auf Black /White Colored Vinyl. Die Emscherkurve77 stellte 2011 die (rhetorische) Frage "Dat soll Punkrock sein?!" und die Antwort in Form von 15 neuen Gassenhauern ließ nicht lange auf sich warten: Das erste Album bei dem Gitarrist Daniel jetzt mit Szene-Urgestein "Secret Agent" Spiller zusammen das Mikro übernahm, läutete für die Ruhrpott-Punks eine neue Ära in ihrer langen Bandvita ein.Songs wie "Wir ham den Punk verstanden", ""Hier bei uns", "Nicht wie sie" bis hin zum Dritte Wahl Cover "Zeit bleib stehen" oder dem pogo-lastigen Titellied wurden bei den Konzerten schnell Höhepunkte der Setlist und gelten zurecht auch heute noch als deutsche Punk-Klassiker.Dabei kommt weder der bissige Humor oder kleinere Seitenhiebe zu kurz, noch braucht sich die Band irgendwelchem aufgesetztem Pathos zu bedienen: Man ist lieber "der "Einfachheit (verschrieben)", was zwar sympathisch untertrieben ist, aber Punkrock und sein Revier hat man halt im Herzen oder nicht...
Low Cut Connie’s neues Album "ART DEALERS" folgt auf das von der Kritik hochgelobte Album „Private Lives“ aus dem Jahr 2020 und „Tough Cookies: Best of the Quarantine Broadcasts“ aus dem Jahr 2021, das aus ihren zweimal wöchentlich live gestreamten Rock- und Soul-Varieté-Shows hervorging, die den New Yorker dazu veranlassten, Weiner zur „Pandemic Person of the Year“ zu küren. Es ist die zweite Kooperation nach „Private Lives“ zwischen Low Cut Connie's eigenem Label „Contender Records“ und „Haldern Pop Recordings“ dem Label des Haldern Pop Festivals.
- “Eine Prise Pub Rock, eine Prise Old-Time Rock’n’Roll und ein Spritzer Soul – mit diesem Rezept brilliert die Band aus Philadelphia um Sänger und Songschreiber Adam Weiner auch auf ihrem siebten Album, „Art Dealers“” - Rolling Stone, Germany
- "Die Platte ist ganz stark im zweiten Teil, mit leichter Ladehemmung zu Beginn. Wer sich auf Deer Tick, Elton John, Dawes oder das Debüt von John Grant verständigen kann, der liegt mit Low Cut Connie richtig" - Classic Rock
Unknown Mortal Orchestra came to life in basements and bedrooms, the musical vision of Portlander-via-New Zealand Ruban Nielson that fused guitar-god riffs, choppy percussion, soul and funk. II, the sophomore album from UMO, emerged in an era rampant hedonism and isolationism and became the blueprint for everything Nielson has become renowned for. It was, and is, the solidification of Unknown Mortal Orchestra as an endlessly intriguing, brave and addictive band. Ten years on, it's back with an expanded edition. Written during a punishing, debauched touring schedule during which Nielson feared for both his sanity and health, II illustrates the emotional turmoil of life on the road, painting surrealist, cartoonish portraits of loneliness, love and despair. These conflicting themes are evident immediately; on the album's sleeve is an unnerving image of Janet Farrar, the famous British witch, Wiccan, author and teacher of witchcraft. The chilling refrain of opener "Into The Sun" sees Nielson deliver the line "Isolation can put a gun in your hand," softly, his words starkly intelligible above a warm, slow-burning melody that quickly brands itself onto your brain. His playful imagery ("I'm so lonely I've gotta eat my popcorn all alone") mirrors the melody, before a solo that borders on psychotropic ends II`s introduction. UMO is unafraid to dig deeper than the rest, their intoxicating, opiate groove bringing rock'n'roll's exaggerated myths to life. And as it unfolds, II does find Nielson reenergized. "One At A Time" and "Faded In The Morning" boast dizzying choruses and instrumentals; these crusty hunks could have been excavated from a lost 1960s treasure trove. "Monki" unravels over seven minutes like the yarn from a stoner's cardigan with an eye-frying pattern. "Dawn" is a minute of disconcerting noise that stands out between the nooks and crannies of the choruses, guitar solos, groove-heavy bass and drums that were recorded live by newly-recruited drummer Greg Rogove and Kody Nielson in a move away from the electronic percussion employed on album one. II closes with "Secret Xtians," a tender observational puzzle that fizzes to a satisfied end. In celebration of the album's 10th anniversary Nielson's complete collection from the II era is finally available in one compilation, and features the five acoustic tracks from the Blue EP as well as two additional B-sides. Unknown Mortal Orchestra was once Nielson's closeted concern. With an album that uses his singular musical imagination and extraordinary talent to parade his emotions with unyielding honesty, it is now a fully realized band operating at the peak of its powers ten years on.
Erik Satie als Inspirationsquelle für John Cage - Pianist Bertrand Chamayou mit seinem Album Letter(s) to Erik Satie
"Erik Satie und John Cage sind UFOs in der Musikwelt, denn sie betrachteten Musik durch ein vollkommen anderes Prisma", beschreibt Pianist Bertrand Chamayou seinen Eindruck. Und so widmet der Pianist sein Solo-Album Letter(s) to Erik Satie diesen beiden außergewöhnlichen Komponisten: "Sie sind Vorreiter, sie änderten die Vorstellung vieler Menschen, was Musik sein soll". Der Mitte des 19. Jahrhunderts geborene Franzose Erik Satie war dabei eine Inspirationsquelle für den US-Amerikaner John Cage.
"Satie ist wirklich ein besonderer Fall, ein eigentümlicher Musiker - anders als irgendeiner sonst", betont Bertrand Chamayou. Und so präsentiert der Pianist auf seinem Album vor allem dessen berühmte Klavierwerke, darunter die drei Stücke der Serie Gymnopédie und die sieben Miniaturen der Serie Gnossienne. Die letztere der beiden meditativ dahinfließenden Kompositions-Serien verzaubert seinen Hörer durch orientalisch anmutende Tonskalen.
Von John Cage wählte Chamayou Klavierwerke wie In a landscape, Dream und Swinging.
Die Einspielung realisierte der Pianist tief im Herzen der Provence im Château Miraval. Das legendäre Tonstudio der 70er hatte Brad Pitt in den vergangenen Jahren als Co-Gründer wiedereröffnet - mit Technik, die auf höchstem Niveau Vergangenheit und Gegenwart vereint.
STEWART COPELAND'S KLARK KENT war das erste Soloprojekt eines Mitglieds von The Police. Die innovative Musik von KLARK KENT, die 1978 mit einer Reihe von Singles begann und 1980 in einem selbstbetitelten Debütalbum gipfelte (das kürzlich als limitierte Vinyl-Veröffentlichung zum Record Store Day neu aufgelegt wurde), war seit dem 1995 erschienenen Album Kollected Works nicht mehr erhältlich.
BMGs umfassende neue Sammlung KLARK KENT (erhältlich als Deluxe 2CD/2LP-Set) enthält neu remasterte Versionen aller ursprünglichen Singles, des kompletten selbstbetitelten Albums von 1980 sowie zwei unveröffentlichte Studioaufnahmen.
Erlebe die zeitlose Anziehungskraft von The Kinks mit der Best Of "The Journey - Part 2". Eine aufregende Odyssee durch die ikonischen Hits der Band, darunter das elektrisierende "Till The End of The Day", das überschwängliche "David Watts", die sonnengetränkten Vibes von "Sunny Afternoon" und die rebellische Hymne "20th Century Man", sowie viele, viele mehr.
Diese Veröffentlichung enthält drei unveröffentlichte, neu abgemischte Live-Tracks von den legendären "New Victoria Suite"-Aufführungen, die euch in die erste Reihe bringen, um die rohe Energie und musikalische Brillanz der Band zu hören.
Um die Magie von "The Journey Part 2" noch zu verstärken, enthält diese Veröffentlichung wunderschön gestaltete Linernotes von der Band selbst. Sie beleuchten die bemerkenswerte Reise der Band, den kreativen Prozess, denkwürdige Anekdoten und das bleibende Vermächtnis der Kinks und geben einen Einblick in die Welt der Band und die Geschichten, die hinter diesen zeitlosen Klassikern stehen.
Für die ultimativen Kinks-Fans gibt es auch eine 2CD-Version mit einer erweiterten Tracklist. So wird sichergestellt, dass jeder Fan in den Genuss dieser geschätzten Klassiker und seltenen Live-Perlen kommt.
Lass dich von der Nostalgie anstecken und genieße die unvergleichliche Klangwelt der Kinks.
- Die erste LP-Kollektion der 3 Atlantic-Studioalben von WINGER in einem LP-Set
- Enthält WINGER (1988), WINGER II: IN THE HEART OF THE YOUNG (1990), und PULL (1993)
- Beide LP & CD Sets enthalten als Bonus DEMO ANTHOLOGY - 10 seltene Demo-Versionen von WINGERs größten Hits!
- LP Box Set auf 180g schwarzem Vinyl
- Das LP-Set enthält außerdem ein 16-seitiges Buch im Stil eines Tourbuchs mit Erinnerungen der Bandmitglieder, seltenen Fotos aus WINGERs persönlicher Sammlung, frühen Albumskizzen und vielem mehr!
- Neu gemastert von Ted Jensen - Remastered unter der Aufsicht von Kip Winger
A Flor de Piel, the new album from singer-songwriter and composer Maria Monica Gutierrez (aka Montañera), is a meditative journey of self-discovery across oceans, time, and the traditional confines of genre. Originally from Bogota, Colombia, Gutierrez began the album as a way to explore her identity after a difficult move to London left her feeling untethered in a strange new place. The result is an examination of the immigrant's experience through a rich sonic lens of ambient pop textures, inspired by sources as disparate as Colombian traditional music, traditional Senegalese music, and whalesong from the depths of the Atlantic. The album begins with the title track "A Flor de Piel," Gutierrez's indelible vocals floating above a vast expanse before being joined by deep, silky bass and the plucks of a koto-like stringed instrument. "The song was inspired by traditional Japanese music," Gutierrez explains, "It's about making my heart a little lighter; I know that inside of me I can be as light as mist in heat, I can be fragile as the song of a sparrow." That sentiment perfectly encapsulates much of what makes A Flor de Piel so special. The album comes with a message of healing for all people, without forgetting the centuries of struggle and hurt that form the bedrock of modern society. The track "Santa Mar," for instance, is inspired by the musical traditions of afro-pacific women in Colombia, and the crucial role that they play as peacebuilders in the region. Backed by a hypnotic beat, the song features contributions from marimba player Cankita, alongside Las Cantadoras de Yerba Buena, an all-female vocal group that utilizes traditional Afro-Colombian music to preserve their history and promote peace. Standout track "Como Una Rama" is a futuristic take on bullerengue, a traditional style of music and dance originally developed by Maroon communities on Colombia's Caribbean coast. Deeply affecting, the song combines Gutierrez's indomitable voice with electronics that recall Steve Reich's rhythmic minimalism. "Cruzar," the final track on the album, feels almost like a lullaby, with a meditative harmonic style and trance-like vocal melody. "The lyrics," Gutierrez explains, "are a personal reminder of what is important to me: healing, letting go, breathing, evaporating, forgetting, changing, crystallizing." Across the 40-odd minutes of A Flor de Piel, Gutierrez triumphs at recontextualizing traditional sounds and sentiments into a modern form using synth-based and electronic textures. It's a fitting representation for the personal struggles that the artist endured during her move to London. Rather than dwelling solely on the past Guitierrez uses A Flor de Piel to summon the strength of past generations, and forge a new path forward. As she describes it, "The album has accompanied me through inner journeys of finding myself in a new territory _ of redefining myself, of remembering who I am _ in a strange place." As we drift towards an increasingly frightening and uncertain future, perhaps Montañera's A Flor de Piel is exactly what we need: something to give us strength, to bring us peace, and to accompany our journey into a strange new place.
Split mit zwei der aufregendsten neuen traditionellen Metal-Bands des pazifischen Nordwestens! Lords Of Quarmall und Power Castle schließen sich zu einer gemeinsamen LP zusammen, um ihre Art von Fantasy und Riff-geladenem klassischem Metal zu präsentieren!
Lords Of Quarmall bedienen intellektuellen, konzeptionellen Fantasy-Metal mit facettenreichen Riffs und einem Übergewicht an duellierenden Gitarrenmelodien, unterstützt durch schroffe Gesangsdarbietung.
'Racoons' ist das mittlerweile fünfte Soloalbum des außergewöhnlichen Schlagzeugers Erland Dahlen. Er hat auf mehr als 300 Alben mit einer Vielzahl von Künstlern unterschiedlicher Genres gespielt und tritt regelmäßig mit Bands und Künstlern wie der Nils Petter Molvær-Band, Stian Westerhus, Geir Sundstøl, Madrugada und Eivind Aarset auf, um nur einige zu nennen. Auf 'Racoons' spielt Dahlen diverse individuell angefertigte Instrumente - verschiedene Holztrommeln oder maßgeschneiderten Zitherbass. Dahlen verwendet auch chromatische Blütenglocken und verschiedene Metallgegenstände für seine spannenden Klang-Collagen. Erland Dahlens Soloprojekt entstand aus der Tatsache, dass er im Laufe der Jahre eine Vielzahl von Platten mit anderen Musikern gespielt hatte, und ein Projekt haben wollte, bei dem er eigenständig aufnehmen und live spielen konnte. Im Laufe der Zeit hatten sich zu viele musikalische Ideen angesammelt, die zu keinem anderen Projekt passten, sodass er beschloss, einige davon in einem Soloprojekt zu verwenden. Daraus wurden bislang fünf spannende, hochkreative Alben die zwischen Elektronik und Jazz pendeln.
Manuel Tur & Adrian Hoffmann return to their alter ego Class Compliance for the second time, having introduced it on last year's Future Sound of Jazz compilation on Compost. The "Plug & Play EP" features three quirky and slightly offbeat tracks that won't be everyone's cup of tea, but will find fans among those interested in unquantized synths and polymetric rhythm layers. Early support from Kornel Kovacz, Âme & Ingo Sänger.
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Niemals war der Entstehungsprozeß eines SONGS:OHIA Albums so wesentlich in seinem Gesamtgefühl wie bei "Didn't It Rain", dem mittlerweile sechsten Album der Band, das von Edan Cohen aufgenommen wurde. Das gesamte Album wurde live ohne Overdubs eingespielt, die gesamte Band spielte in einem Raum. Kaum eine Armlänge voneinander entfernt, teilten sich die Sänger Jason Molina, Jennie Benford und Jim Krewson ein einziges Mikrophon. Das Resultat ist ein Sound voller Wärme und Persönlichkeit, der an Aufnahmen aus den frühen und Mitte der 70er Jahre erinnert. Von einem gleichnamigen Song von Mahalia Jackson inspiriert, kommt der Titeltrack als wunderschöner Song über die Höhen und Tiefen des Lebens. Jason Molina hat eine Platte geschaffen, die noch persönlicher und heilender ist, als seine vorangegangenen Arbeiten; was für Neil Young "After The Goldrush" war, ist für Molina "Didn't It Rain".
FUMING MOUTH kehren triumphierend zurück, nachdem Leadsänger, Gitarrist und Gründer Mark Whelan erfolgreich gegen die akute myeloische Leukämie gekämpft hat. Was ursprünglich als fiktives Konzeptalbum begann, hat sich zu einem Konzept-Realitäts-Hybrid gewandelt, der weitgehend von Whelans erschütterndem Konflikt mit seiner Gesundheit und seinem nahen Tod beeinflusst wurde. Death Metal/Hardcore für den tiefgründigen Denker. Produziert von Kurt Ballou (Converge, Nails).
"I call the album Late Jazz not only in honour of 'that jazz time of night' but also because, unlike all my other ASC releases, these are not historic recordings from the 1970s but new ones, often based around my One Man Show, in which most of them featured. So they're late-period Runswick. The compositions too are recent (except of course the standards), all but one written since the Millennium.
Ein Jahr nach der Veröffentlichung seiner hochgelobten ”Inside Problems” LP, veröffentlicht Andrew Bird
”Outside Problems”.
Die Sammlung von neun flüchtigen, ausgedehnten Momenten instrumentaler Improvisation und melodischer
Erkundung, die am Freitag, den 17.11. über Loma Vista Recordings physisch veröffentlicht werden , bilden
ein neues Album, das den Klang von Musik im Alltag einfängt. Ähnlich wie beim Entstehungsprozess
seiner Echolocations-Serie hat Bird ”Outside Problems” hauptsächlich im Freien aufgenommen, inmitten
der Berge und Orangenhaine von Ojai, Kalifornien. ”Outside Problems” ist sowohl ein Vorläufer als auch
eine Erweiterung der Welt, die er im Laufe dieses jüngsten Kapitels seiner unermüdlich produktiven Karriere
aufgebaut und durchdacht hat, und legte den Grundstein für viele der Songs, Gedanken und komplexen
Fragen, die ”Inside Problems” von 2022 füllen. Die Arrangements und Motive von ”Outside Problems” in
Tracks wie ”Epilogue”, ”Mormon House Party”, ”Tik Tok” und anderen entwickelten sich zu Themen, die
Bird in ”Inside Problems” weiter verfeinern würde, wie er erklärt.
Kontrabass-Doyen Arild Andersen nimmt seit mehr als fünfzig Jahren bei ECM auf und stellt sich gerne
neuen Herausforderungen. Die erste Aufnahme mit diesem jüngst formierten Quartett – zu dem auch
die aufstrebenden Norweger Marius Neset und Helge Lien (jeweils selbst Bandleader) gehören – ist fast
vollständig improvisiert. Die Musiker gehen dieses Wagnis gemeinsam ein und entwickeln Formen im
Moment: ein Lehrstück in spontaner Gruppenkreativität. Affrmation wurde im November 2021 im Osloer
Rainbow Studio aufgenommen.
Fallen ist das Debüt-Studioalbum von Evanescence, aus dem vier Singles hervorgingen, darunter die
weltweiten Chart-Hits My Immortal” und Bring Me To Life”. Das Album wurde 2003 veröffentlicht, erreichte Platz 2 der deutschen Charts & konnte sich 2003 auf # Platz 9 der Endjahres Charts platzieren &
2004 auf Platz 10; das Album war insgesamt 73 Wochen in den deutschen Charts vertreten. und wurde
mit 7-fach Gold ausgezeichnet. Evanescence erhielt für dieses Album zwei GRAMMYs in den Kategorien
Best New Artist und Best Hard Rock Performance für ”Bring Me To Life”. Seit seiner Veröffentlichung
hat sich Fallen mit über 17 Millionen verkauften Exemplaren weltweit zu einem der meistverkauften Alben
aller Zeiten entwickelt.
Das komplette Album wurde remastered & enthält eine alternative Version von „My Immortal“ sowie
Demo Aufnahmen von „Bring Me To Live“ sowie Live-Versionen davon, die Singles „Breath No More“,
„Farther Away“ & „Missing“ die ebenfalls während der Aufnahme für „Fallen“ entstanden sind.
Verfügbar ab dem 17.11.2023 als 2LP, Ltd. 2LP White Purple und 2CD
Der absolute Frank Zappa Klassiker ”Over-Nite Sensation” wird 50. Für manche ist es der Einstieg in die
Zappa-Welt, zusammen mit dem folgenden Album Apostrophe von 1974. Es war auch das erste ZappaAlbum, das im Quadraphonic Surround Sound veröffentlicht wurde. Mit diesem Album änderte sich die
musikalische Ausrichtung von ”The Mothers”, denn Frank übernahm den Großteil des Gesangs und war
der einzige Gitarrist. Es war eine neue Band, ein neuer Sound und schließlich wurde das Album mit Gold
ausgezeichnet. Im Laufe der Jahre wurde fast jeder Song von ”Over-Nite Sensation” zu einem Live-Hit
und zu einem Fan-Favoriten. Auch 50 Jahre später ist das Album immer noch eines der Highlights im
Zappa-Katalog und ein Dauerbrenner.
Neben der 4CD+Blu-ray-Box gibt es auch eine Vinyl Edition: eine 2LP 180 Gramm schwarzes audiophiles Vinyl. Die Vinyl-Edition wurden von Chris Bellman bei Bernie Grundman Mastering im Jahr 2023
mit 45rpm vom analogen Originalband geschnitten. Die Vinyl-Edition enthält als Bonus ein 24”x12” Poster
mit dem kompletten Cover
Es ist 16 lange Jahre her, seit der monströse Sound von SADUS der Welt das letzte Mal ein neues Album bescherte!
Auf "The Shadow Inside" behalten SADUS ihre charakteristische Death/Thrash-Mischung bei und liefern 10 wütende Tracks, während sie ihren Old-School-Wurzeln treu bleiben und die Bedeutung der Übernahme von Verantwortung für die eigenen Handlungen vermitteln, um das Beste, was das Leben zu bieten hat, freizusetzen.
Das mit dem fesselnden Artwork von Travis Smith geschmückte Albumcover zeigt einen alles verzehrenden Dämon des Kosmos, der heftig eine gequälte Seele darunter umhüllt, und bringt so perfekt die Vision und Dualität der Songs auf dieser Platte auf den Punkt. Obwohl es sich nicht um ein Konzeptalbum handelt, handelt jeder Song von Lebensentscheidungen und davon, wie wichtig es ist, Verantwortung für das eigene Handeln zu übernehmen, um das Beste, was das Leben zu bieten hat, freizuschalten.
John Vincent III, ein 26-jähriger Americana-Künstler, intensivierte seine Liebe zur Musik 2014 in Houston,
TX. Inspiriert von einzigartigen Lyrikern wie Bon Iver, The Districts und The Doors, begann John Vincent
III mit der Kreation seiner eigenen Songs. John Vincent III verbindet mühelos folkige, rhythmische Gitarrenklänge mit gefühlvoller, verletzlicher Lyrik und schafft so die perfekte Mischung aus Indie-Folk-Pop.
John hat seine Singles, seine EP und sein von der Kritik gelobtes Album ”Songs from the Valley” selbst
geschrieben und produziert. Ein großer Teil von Johns musikalischem Erfolg kommt von der unbestreitbaren
Leidenschaft und den rohen persönlichen Erfahrungen, die in ihm leben.
Es ist an der Zeit, das zweite Album von John Vincent III, ”Songs For The Canyon”, der Welt zu präsentieren. Dieses Album wurde in Zusammenarbeit mit renommierten Produzenten wie Tom Elmhirst (Amy
Winehouse, James Bay, HAIM, Florence & The Machine, Mumford & Sons), Tony Berg (Phoebe Bridgers)
und Ryan Hadlock (Lumineers) geschaffen. Es ist Johns erste Veröffentlichung seit seinem 2019er Debütalbum ”Songs from the Valley” und zeigt seine Weiterentwicklung als Musiker und Songwriter im Indie-FolkGenre. Das Album verspricht eine fesselnde musikalische Reise, bei der John Vincent III seine künstlerische
Reife zum Ausdruck bringt.
Singer-Songwriter Kurt Vile - auch bekannt als ”Phillys Constant Hitmaker” - veröffentlicht seine neue
EP ”Back To Moon Beach”, die am 17.11. über Verve Records erscheint. Hierauf mitgewirkt haben
unter Anderem neben Le Bon sein langjähriger und leider kürzlich verstorbener Freund und Produzent Rob
Laakso, Stella Mozgawa (Warpaint, Courtney Barnett) und Chris Cohen. Mit stolzen neun Songs, die
innerhalb der letzten vier Jahre in verschiedenen Sessions entstanden sind, setzt der Slacker-Star seine ganz
eigenen EP-Maßstäbe. Das fast einstündige ”Back To Moon Beach” repräsentiert für ihn einen Querschnitt
durch die vielen inspirierenden Begegnungen und Kreationen innerhalb seiner Musik-Community. Es zeigt
aber auch wie groß Kurt Viles Repertoire tatsächlich ist, wenn man bedenkt, dass diese neun Songs genauso
gut ein komplettes Album hätten füllen könnten.
Singer-Songwriter Kurt Vile - auch bekannt als ”Phillys Constant Hitmaker” - veröffentlicht seine neue
EP ”Back To Moon Beach”, die am 17.11. über Verve Records erscheint. Hierauf mitgewirkt haben
unter Anderem neben Le Bon sein langjähriger und leider kürzlich verstorbener Freund und Produzent Rob
Laakso, Stella Mozgawa (Warpaint, Courtney Barnett) und Chris Cohen. Mit stolzen neun Songs, die
innerhalb der letzten vier Jahre in verschiedenen Sessions entstanden sind, setzt der Slacker-Star seine ganz
eigenen EP-Maßstäbe. Das fast einstündige ”Back To Moon Beach” repräsentiert für ihn einen Querschnitt
durch die vielen inspirierenden Begegnungen und Kreationen innerhalb seiner Musik-Community. Es zeigt
aber auch wie groß Kurt Viles Repertoire tatsächlich ist, wenn man bedenkt, dass diese neun Songs genauso
gut ein komplettes Album hätten füllen könnten.
„Worrisome Heart“ ist das Album, mit dem für Melody Gardot 2005 eine große Karriere begann. Jetzt
ist der moderne Klassiker in einer limitierten rosa Vinylversion erhältlich. „Worrisome Heart“ stellte die
damals 22 Jahre junge Singer-Songwriterin als kommenden Pop-Jazz-Star des 21. Jahrhunderts vor. Die
zehn Titel des Albums sind von Blues, Folk und Jazz durchdrungen und stellen Melodys betörend schöne
Stimme in den Vordergrund.
Der Geiger Nils Økland und der Tastenmusiker Sigbjørn Apeland, seit dreißig Jahren musikalische Partner,
erforschen seit langem die Schnittstellen von traditioneller norwegischer Musik und Improvisation. Glimmer,
ein außergewöhnlich schönes Album, nimmt die Volksmusik der westnorwegischen Region Haugalandet als
Ausgangspunkt. Apelands Sammlung von Stücken lokaler Sänger, die dazu beigetragen haben, die Traditionen am Leben zu erhalten, bildet hier die Grundlage des Repertoires, zusammen mit Eigenkompositionen.
Letztere reichen von Stücken, die für einen Film über Lars Hertevig, den großen norwegischen Landschaftsmaler des 19. Jahrhunderts, geschrieben wurden, bis hin zu vom modernistischen Komponisten Fartein
Valen inspirierter Musik. Die Kombination aus Øklands Hardangerfiedel und Apelands Harmonium ist von
subtilen Klangfarben und einzigartigem Fluss geprägt
VERVE ACOUSTIC SOUNDS SERIE: Stereo, komplett analog von Ryan K. Smith bei Sterling Sound von
den Originalbändern gemastert, QPR-Pressung (180 g), stabiles Tip-On-Gatefold (Stoughton Printing),
wattierte Innenhülle.
Als Oscar Peterson und Milt Jackson 1962 auf “Very Tall” das allererste Mal die “Klingen kreuzten”,
fragten sich viele Kritiker, weshalb die beiden Jazztitanen nicht schon viel früher zusammengearbeitet hatten. In DownBeat schrieb Leonard Feather damals: “Dies war eine Allianz, die ebenso erfolgreich wie
logisch war. Peterson und Jackson haben musikalisch weitaus mehr gemeinsam, als ihr ansonsten übliches
Umfeld vermuten lässt.”
Die jungen Wilden des Old School Death Metal!
Die Death Metaller PLAGUEMACE sind bereit, ihr Debütalbum Reptilian Warlords am 17. November
2023 via Napalm Records auf die Menschheit loszulassen! Die Old School Death Metal Band wurde 2019
in Dänemark gegründet und veröffentlichte im November 2020 ihre erste EP Primal Priest mit sechs markerschütternden Tracks. Die erbarmungslose Energie und die dreckigen Riffs der Newcomer entfesseln auf
der Bühne einem brutalen Wirbel aus Gitarren-Schreddern, Headbanging und dem puren Wahnsinn. Bereits
im ersten Jahr ihrer jungen Karriere haben PLAGUEMACE bereits 25 Konzerte absolviert, darunter mehrere
Headliner Shows sowie Support Slots für Bands wie Baest, Katla und Crocell. Bisheriges Highlight war die
UK-Tour im Frühjahr 2023 als Support für ihre Labelkolleginnen Nervosa.
Es besteht kein Zweifel daran, dass Fans von Bands wie Grave, High on Fire, Entombed und Obituary
das erste Studioalbum einer der vielversprechendsten Bands der neuen Generation des Old School Death
Metal ihre blanke Freude finden werden und mit einer frischen Brise an brutalem Sound versorgt werden!
