Neon-grünes Vinyl, limitiert auf 300 Exemplare. Nach dem selbstbetitelten DEBÜT (2020) und dem Zweitwerk A SECOND (2022) folgt nun mit THE HEALING VOLUME der dritte Longplayer der Fuzzwave-Band GONG WAH. Vom Quintett auf ein Trio reduziert, begannen GONG WAH mit den Aufnahmen für das neue Album, die von Dezember 2023 bis Februar 2024 im Bandeigenen Studio stattfanden, wo THE HEALING VOLUME anschließend auch gemischt und gemastert wurde. Wie schon die Vorgänger LPs wurde auch THE HEALING VOLUME in kompletter Eigenregie produziert und enthält zehn neue Songs, die das Spektrum der Band erweitern, ohne ihre Wurzeln zu verleugnen. Abwechslungsreich aber trotzdem wie aus einem Guss und immer unverkennbar GONG WAH, demonstrieren Inga Nelke, Thorsten Dohle und Felix Will auf THE HEALING VOLUME nicht nur musikalische, sondern auch thematische Vielfalt: Liebe, Angst, Flucht, Zweifel, Suizid, Freundschaft und die Sehnsucht nach einer besseren Welt - THE HEALING VOLUME legt man auf wenn man verstanden werden will und eine Umarmung braucht. Oder wenn man einfach nur tanzen will.
Japanese bamboo flute maestro and goat (JP) cohort Rai Tateishi makes an impressive debut statement with his holistic attempts to transcend the limits of ancient instruments to reveal gently delirious insights.
‘Presence’ is a triumph of improvised, elemental musicality that distills aspects of myriad folk traditions in pursuit of the artist’s own truth. For 40 minutes of singularly weird, locked-in performance, Rai Tateishi diverges his formative training in the shinobue (a bamboo flute) to applications for its elder sibling, the shakuhachi, and its distant relatives in the khene mouth organ of Northeastern Thailand and Laos, and even the Irish flute, with remarkable results returned from each.
Piece to piece, Tateishi adapts a spectra of unusual and extended instrumental experiments to articulate uniquely animist sound arrangements, with judicious use of a ring modulator and delay effects only subtly altering his sound in real-time, gelling the harmonics and smoothing off its contours. Some 15 years of studies and accreted knowledge of histories, timelines, and spirits are deftly tattered in the air and rebound in precisely complex ribbons that become all the more impressive by virtue of its in-the-moment recording.
Presented with no overdubs, the six works were recorded by label head and KAKUHAN/goat lynchpin Koshiro Hino across three days of adventurous improvisation capturing the breadth of Tateishi’s vision in a mix of succinct flights of fancy and one durational wonder where he really cuts loose. An opening piece of rapid percussive fingering and rasping sets the tone for increasingly intricate explorations of the shinobue, and bluesy cadence of a reedy Thai khene - antecedent of the shō - whipped into headier harmonic overtones, whilst his 5th piece for Irish flute best recalls Ka Baird or Michael O’Shea’s lysergic impishness, and a 13 minute closing piece most boldly fucks with folk and jazz traditions, in-depth and with the genre short-circuiting audacity of Rahsaan Roland Kirk.
Landing in the wake of prism-shaking works by Will Guthrie & Mark Fell, goat (jp) and Kakuhan; Tateishi’s ‘Presence’ more than lives up to NAKID’s impressive levels, unflinchingly operating by its wits with a verve and dare-to-differ moxie that gets at it from the first hit to the last, harnessing the kind of skill and ingenuity that’s distinctive but still strikingly minimal and overwhelmingly physical. It's a remarkable achievement.
Chris Goss is one of the elusive geniuses of American music As the singer, guitarist and driving force behind Masters Of Reality, he's spent more than 40 years charting his own musical journey, travelling from mystical blues to desert rock to psychedelia-edged beauty via all points in between.
Now Goss has returned under the Masters Of Reality banner with The Archer, their frst new album in 16 years.
Since the start of the 21st century, Goss has balanced his work as a producer with his Masters Of Reality output. There have been three more studio albums under the Masters Of Reality name: 2001's Deep In The Hole, 2004's Give Us Barabbas and 2009's Pine/ Cross Dover. Each was a self- contained musical universe, reafrming Masters Of Reality as a band outside of the mainstream music industry.
Now, 15 years after his last release under the name, Chris Goss has fnally returned with Masters Of Reality. Like everything they've released since their inception over 40 years ago, it's another step on a journey that has continuously moved forward, never repeating itself or being swayed by external infuences.
First Masters Of Reality album in 16 years
Chris Goss is considered "The Godfather Of Desert Rock" having produced records for Kyuss and Queens Of The Stone Age among many others. Extensive touring in 2025
'Fly', Michael Mayo's highly anticipated follow-up to his critically-acclaimed debut album, delves deeply into the genre of jazz, allowing his prior collaborations with mentor Herbie Hancock, producer Eli Wolf and Scary Pockets (among others) to fourish on a mix of familiar takes of jazz classics and bold, adventurous originals Showcasing his remarkable versatility and exceptional talent while backed by an allstar band including pianist Shai Maestro, bassist Linda May Han Oh and drummer Nate Smith, 'Fly' solidifes his prowess within the jazz realm, allowing his unique artistry to truly shine. This second pressing is on classic black vinyl.
The fledgling Jackpot Recordings label is back with a second serving up club-ready goodness with Club of Jacks at the helm. There is a healthy dose of classic elements to these tunes - 90s vocals, deepness, soul - not least the opener 'Always' with its diva wails and balmy pads draped over nice silky drums with a majestic piano breakdown. 'Gorgon Dub' is a fat bottom house cut with mid-tempo drums and rigid percussion atop a dark bassline throb. 'Think Of You' is a warm and breezy one with loved-up pads and r&b vocal chops and 'Soundboy' gets more naughty with some garage-inspired drums and bass primed to pump the party.
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Night Keeper is a collaborative album by New York City-based artist Aaron Landsman and former Swans guitarist Norman Westberg that is based on the former's eponymous play. Westberg recorded it together with performer Jehan O. Young for the Swiss Hallow Ground label, with Landsman serving as the record’s producer. The original piece was first performed in the Spring of 2023 at The Chocolate Factory Theater in Queens and filled the stark industrial space with spoken text, choreography, projections, and music in dim light and, occasionally, complete darkness. Westberg and Young afterwards brought it to the studio to record it as a two-part
album in whose course his textural sounds, based on loops and samples, set the stage for her soothing, sonorous vocal performance. »Night Keeper« is a performance inspired by sleeplessness and the wanderings of the human mind at night—about time and memory.
Westberg and Young elegantly capture its essence in these roughly 44 minutes with a somnambulic album, letting sound and meaning flow into each other. The initial spark for Night Keeper was a run of almost sleepless nights in different neighbourhoods of a city that is perpetually insomniac. Instead of trying to force himself to go back to sleep by any means necessary, Landsman started writing down his thoughts. As he explains in the liner notes—accompanying the music along with drawings made by audience members during the performances—he started listening to the particular way in which the voice in his head navigates time and language. Accordingly, the texts that Young reads on the record form a diverse collection of specific moments, imagining different speakers and evoking different
situations. Westberg complements, accentuates, and juxtaposes these with different means. Ominous drones, soaring melodies, rhythmic bass sounds: the guitarist, whose latest release for Hallow Ground was 2021’s First Man In The Moon with Polish double bassist Jacek Mazurkiewicz, conjures up distinct sound worlds in which Young can let Landsman’s scenes unfold to gripping effect.
Landsman makes it clear that »Night Keeper« was intended as an invitation to »stay up, look out the window, let what’s happening outside spark reveries or predictions« or even take it on a stroll through the neighbourhood—at night, of course. Much like the original piece, this album is then one dedicated to wandering around, both mentally and physically.
Die in Naarm/Melbourne ansässige Rockband Floodlights kündigt ihr drittes Album 'Underneath' an, das am 21. März 2025 über PIAS Australia veröffentlicht wird.
'Underneath' entstand inmitten ausgedehnter Tourneen durch Großbritannien und Europa, Australien und den USA, und wurde von einer surrealen Phase im Leben der Bandmitglieder geprägt - voller Premieren, der Erkundung neuer Orte und den bisher größten Gigs und Festivals.
Trotz der Vergänglichkeit ihres neuen Lebens auf der Straße erwies sich der Schreibprozess als eine äußerst intime Zeit, die von ruhigen, gemeinsamen Momenten der Kontemplation geprägt war. Die Songs, die dabei entstanden sind, repräsentieren einen Prozess der Abrechnung, der Katharsis und des Wachstums innerhalb der Gruppe. Sie verschmelzen die prägnanten gesellschaftlichen Reflexionen, für die sie bekannt sind, mit persönlicheren Meditationen über Trauer, Erinnerungen und Orte und geben schließlich den unzähligen Emotionen und Erfahrungen, die unter der Oberfläche schlummern, Gestalt. Mit ihren einhüllenden Alt-Rock-Klanglandschaften malen Floodlights auf 'Underneath' eine Metamorphose in Bewegung, während sie im Kern erforschen, was es bedeutet, ein Mensch zu sein.
Diese Show dürfen Sie nicht verpassen! Steffi Irmen, der Star des Theaters des Westens (Romeo & Julia / Ku'damm 59), schlüpft in ihre wohl kultigste Rolle: "Die Amme". Und diesmal erfahren wir die wahre Geschichte von Romeo und Julia - und das mit einer gehörigen Portion Humor. Steffi Irmen deckt auf, was Shakespeare uns verschwiegen hat, und sorgt dafür, dass kein Auge trocken bleibt.
Musikalische Highlights inklusive! Mit den größten Hits aus 35 Jahren der Erfolgs-Komponisten Peter Plate und Ulf Leo Sommer - von "Ich bin ich" bis "Vincent". Und natürlich dürfen auch brandneue Songs aus der Feder der beiden nicht fehlen.
Ein Highlight jagt das Nächste, und schon nach wenigen Minuten wird klar: Hier werden die Lachmuskeln trainiert!
Die Premiere steigt am 10.04.2025 - und dann heißt es jeden Freitag im Theater des Westens: "Lachen, weinen und staunen."
Und wenn Sie letztes Frühjahr keine Karten ergattern konnten: Achtung! Die Shows waren in 8 Minuten restlos ausverkauft! Also schnell sein, bevor wieder alles weg ist!
Lustigster Abend des Jahres garantiert - Seien Sie dabei!
Kills Birds gehen mit einer Intensität an ihre Songs heran, die so greifbar ist wie keine andere junge amerikanische Rockband. Angeführt von Nina Ljeti, einer bosnisch-kanadischen Filmemacherin, die die Los Angeles Times als "L.A.s elektrisierendste neue Rocksängerin" bezeichnete, gehören zur Band noch Jacob Loeb (git), Fielder Thomas (bass) und Griffin Kisner (drums). Kills Birds' Gigs sind emotional und kathartisch. Fing das Debütalbum "Kills Birds" (2019) noch das Versprechen ihres Grunge-inspirierten Sounds und Ljetis unerschrockener Texte ein, trieb der Nachfolger "Married" (2021) ihre musikalische Chemie auf neue Höhen. Ihre unerbittlichen Songs führen zu elektrisierenden Liveshows, die ihnen jede Menge Lob einbringen. Kim Gordon nennt sie "hot as fuck".
Die Stimmung bei der ersten Fahrt der neuen U-Bahnlinie tief unter der Millionenstadt ist fröhlich ... bis einen dumpfen Knall durch den Tunnel hallt. Ein Stromausfall bringt die U-Bahn zum Stehen, Stille. Tim, Karl, Gaby und Klößchen verlassen den Wagen über den Notausstieg und laufen mit Taschenlampen zum gespenstisch dunklen Geisterbahnhof. Dort trauen sie ihren Augen nicht: Auf dem Bahnsteig klafft ein riesiges Loch, das direkt in den Keller des Stadtarchivs führt - und ein wertvolles Gemälde wurde gestohlen. TKKG nehmen die Spur auf und sind bald einem geheimnisvollen Bewohner der Unterwelt auf den Fersen. Aber niemand kennt die Schächte und Stollen, die die Erde unter der Stadt durchlöchern, besser als er und was nach oben ans Tageslicht dringt, ist immer nur sein Schatten ...
Mit 'Ekko' legt die in Berlin lebende irisch-norwegische Künstlerin Tara Nome Doyle ihr drittes Album vor - eine Reise ins Unbekannte und in die Tiefen des eigenen Ichs. Auf dem Weg dorthin geht es um Schmerz, Abschied, Neuanfang und schließlich um Akzeptanz.
In nur 30 Minuten strahlt das Album eine bemerkenswerte Klarheit aus - nicht nur in seiner Kürze, sondern auch in seiner emotionalen Tiefe.
Tara hat 'Ekko' größtenteils selbst produziert und die musikalische Palette bewusst einfach gehalten. Sie arbeitete mit dem Grammy-prämierten Produzenten und Toningenieur Simon Goff (The Joker, Chernobyl) zusammen, um eine präzise, zurückgenommene Klanglandschaft aus Stimme, Klavier, Gitarre, Streichern, Mellotron und gelegentlichen analogen Synthesizern zu schaffen.
Elori Saxl's soundtrack for the VR film Texada is an exploration of the smallness of human existence within the grand scope of geologic time, mirroring the film's exploration of Texada Island's limestone-rich landscape. Saxl, inspired by her own experiences of island life on Madeline Island, assembled a soundscape that captures both the vastness of Earth's ancient processes and the intimate moments of human existence. Using analog synthesizers, baritone saxophone (performed by Henry Solomon), and processed field recordings of water and rocks, she created ambient layers that evoke cycles, waves, and the transformative forces of nature. The score begins with an exploration of Earth's origins and the emptiness of a rocky planet before life emerged. This foundation grows into pieces like "The Quarry," where the central geological feature, limestone, takes on a dynamic presence. As loops and rumbling textures evoke the rise and movement of stone over millennia, as abstracted creatures spiral upwards, full of life. The album concludes with "The Most Special Place," which serves as a final bridge between the cosmic and the intimate, leaving a lasting impression of how deeply human lives are intertwined with the ancient geology beneath our feet. Saxl's compositional process itself mirrors the themes of transformation and cycles. Working with limited time and resources, she recorded Solomon's saxophone parts early in the project, later repurposing fragments through re-pitching, stretching, and digital effects. As she explains, "I experimented with bringing out the human character of the saxophone by highlighting breath and imperfections while also pushing it into an alien/unrecognizable/bigger world through digital processing and effects." The result is a soundtrack that feels both organic and otherworldly, capturing the grand scope of Earth's timeline while remaining grounded in human emotion and connection.
35 Years of Evil Existence ist ein Live-Album, das die Essenz von ROTTING CHRIST einfängt. Von Klassikern wie "The Raven", "Demonon Vrosis" und "666" bis hin zu älteren Stücken wie "Among Two Storms" (1997) oder sogar "The Sign of Evil Existence" (1993) ist diese außergewöhnliche Performance, die in der Großartigkeit des Lycabettus Theaters in ihrer Heimat aufgenommen wurde, eine monumentale Hommage an ihre unermüdliche Reise über die Jahre.
Stell dir fast zwei Stunden heftige und unnachgiebige Hingabe vor, eine musikalische Pilgerreise durch ihre geschichtsträchtige Karriere - von den rauen, ursprünglichen Hymnen ihrer frühen Tage bis zur symphonischen und gotischen Grandiosität ihrer jüngsten Kreationen.
Erhältlich auf Vinyl, verewigt diese Veröffentlichung eine Nacht, in der rohe Emotionen und rituelle Intensität in einer Symphonie aus schwarzer Harmonie zusammenfielen. Brüder und Schwestern des Metals, erlebt den wahren Geist des Metals, wie ihn die legendären ROTTING CHRIST verkörpern.
35 Years of Evil Existence ist ein Live-Album, das die Essenz von ROTTING CHRIST einfängt. Von Klassikern wie "The Raven", "Demonon Vrosis" und "666" bis hin zu älteren Stücken wie "Among Two Storms" (1997) oder sogar "The Sign of Evil Existence" (1993) ist diese außergewöhnliche Performance, die in der Großartigkeit des Lycabettus Theaters in ihrer Heimat aufgenommen wurde, eine monumentale Hommage an ihre unermüdliche Reise über die Jahre.
Stell dir fast zwei Stunden heftige und unnachgiebige Hingabe vor, eine musikalische Pilgerreise durch ihre geschichtsträchtige Karriere - von den rauen, ursprünglichen Hymnen ihrer frühen Tage bis zur symphonischen und gotischen Grandiosität ihrer jüngsten Kreationen.
Erhältlich auf Vinyl, verewigt diese Veröffentlichung eine Nacht, in der rohe Emotionen und rituelle Intensität in einer Symphonie aus schwarzer Harmonie zusammenfielen. Brüder und Schwestern des Metals, erlebt den wahren Geist des Metals, wie ihn die legendären ROTTING CHRIST verkörpern.
Cold Specks kehrt mit ihrem vierten Album 'Light for the Midnight' zurück.
Nach den Erfolgen ihrer ersten drei Alben 'I Predict a Graceful Expulsion' (2012), 'Neuroplasticity' (2014) und 'Fool's Paradise' (2017) hat Cold Specks (Al Spx) ihren Ruf als einzigartige Stimme der modernen Musik gefestigt. Von ihrer fesselnden Acapella-Performance bei Later... with Jools Holland bis hin zu Kollaborationen mit Moby, Massive Attack und Michael Gira von Swans hat Cold Specks immer wieder Kunstwerke geschaffen, die nachhallen.
Mit 'Light for the Midnight' begibt sie sich auf ihre bisher persönlichste Reise. In seinem Kern ist das Album eine rohe und zutiefst emotionale Reflexion über Ausdauer, Überleben und Transformation. Es ist eine Sammlung von inbrünstigen Balladen und atmosphärischen Popsongs, die Spx' gefühlvolle Stimme in weitläufige Klangwelten kanalisiert.
Das Album entstand in einer herausfordernden Phase in Spx' Leben. Die Arbeit begann 2019 inmitten von Kämpfen mit der psychischen Gesundheit, Erfahrungen, die tief in die Musik eingebettet sind. Doch trotz seiner persönlichen Ursprünge betont Spx seine Universalität: „Ich wollte auf jeden Fall über die letzten Jahre reflektieren, weil sie mich so sehr beeinflusst haben, aber ich wollte auch, dass das Publikum mit diesem Album weggeht. Die Songs gehören ihnen, sobald ich sie veröffentlicht habe.“
Das Album wurde in Toronto und Bristol aufgenommen, wobei Spx zusammen mit Adrian Utley von Portishead und Ali Chant (bekannt für seine Arbeit mit Perfume Genius, Dry Cleaning und Aldous Harding) als Co-Produzent fungierte. Es enthält Streicherarrangements von Owen Pallett (Taylor Swift, Lana Del Rey, Sampha) und zusätzliche Beiträge von Graham Walsh von Holy Fuck. Spx arbeitete auch mit einer Reihe von hervorragenden Kollaborateuren zusammen, darunter Chantal Kreviazuk (Drake, Kendrick Lamar), Malcolm Middleton von Arab Strap, Ben Christophers, Ed Harcourt und Jonathan Quarmby.
'Light for the Midnight' zeigt Cold Specks von ihrer verletzlichsten und kraftvollsten Seite, indem sie die Geschichten ihres Kampfes in atemberaubende Kompositionen verwebt, die einen tiefen Eindruck hinterlassen. Es ist ein Album der Hoffnung und der Transformation.
Nach fünfundzwanzig Jahren Musikkarriere mit fünf Grammy-Nominierungen, zwei RIAA-zertifizierten Goldenen Schallplatten und der jüngsten Veröffentlichung von 'Desolation: A Heavy Metal Memoir', einer ehrlichen Reflexion über sein Leben in der Musik und darüber hinaus, befindet sich Mark Mortons kreative Energie auf einem Allzeithoch.
'Without The Pain', sein zweites Soloalbum, ist eine Hommage an seine langjährige Liebe zum Südstaaten-Rock und wurde von seinem langjährigen Weggefährten Josh Wilbur produziert. Auf dem Album als Features vertreten sind einige der größten Namen aus Americana, Rock und Country:
Der Outlaw-Country-Star Cody Jinks liefert zwei kraftvolle Songs, darunter das eindringliche 'Brother'; Blackberry Smoke-Frontmann Charlie Starr tut sich bei 'Come December' mit Americana-Superstar Jason Isbell zusammen, während Jaren Johnston (The Cadillac Three) beim Eröffnungstrack 'Hell & Back' eine Performance voller Hingabe liefert.
Der Country-Hitmacher Travis Denning - ein aus Georgia stammender Künstler mit einer früheren Nummer 1 in den US-Country-Airplay-Charts - arbeitet an zwei bewegenden Stücken mit, die beide subtile und zarte Gitarrentexturen aufweisen und eine andere Dimension von Mortons Songwriting zeigen.
Troy Sanders (Mastodon) singt bei 'Nocturnal Sun', einer donnernden Doom-Klage und dem schwersten Stück des Albums, während Blues-Gitarren-Phänomen Tyler Bryant sich mit Morton bei dem psychedelischen Blues-Rummel 'Forever In The Light' ein Gitarrenduell mit Feuerwerk liefert.
Für Fans von: Lamb of God, The Cadillac Three, Whiskey Myers, Travis Denning, Clutch, Brothers Osbourne, Blackberry Smoke, Black Stone Cherry, Lynyrd Skynyrd
Far Out Recordings proudly presents a landmark discovery in Brazilian jazz: the long lost album by drumming pioneer Edison Machado. Recorded in New York City in early 1978 but never released, Edison Machado & Boa Nova captures a pivotal figure in Brazilian music history at the height of his artistic powers.
Combining North and South American jazz traditions with Machado's revolutionary samba innovations, Edison Machado & Boa Nova represents a triumph against the odds. After facing persecution under Brazil's military dictatorship and being forced to sell his drum kit in 1976, Machado found renewed creative purpose in New York with the Boa Nova ensemble. The resulting album captures the essence of his genius - sophisticated yet wild, controlled yet daring, leading an ensemble of some of the best jazz, samba and bossa nova players of the day.
At just fifteen years old, Machado revolutionized Brazilian music through an accident that would change everything - when his snare drum broke during a performance, he began playing samba rhythms on the cymbal. This innovation, known as "samba no prato" (samba on the cymbals), brought new layers of dynamism to samba and proved instrumental in the development of bossa nova alongside contemporaries like Antonio Carlos Jobim and João Gilberto.
A complex and passionate figure, Machado was notorious for his militant perfectionism and "attacking" style of drumming. Having spent some years of his youth in the Brazilian army, musicians often remarked that he played as if he were at war. But his innovative style, while exhibiting complete control and sophistication, somehow so often danced right on the edge of chaos and wild abandon.
After making his name in Rio's legendary Beco das Garrafas (Bottles Alley) in the 1950s and early '60s, Machado went on to form Bossa Três - the world's first instrumental bossa nova group. His influence spread internationally through collaborations with Stan Getz, Sergio Mendes, Antônio Carlos Jobim, Milton Nascimento, and Chet Baker, while his 1964 album Edison Machado É Samba Novo stands as a masterpiece of Brazilian jazz.
At 80 minutes in length, Edison Machado & Boa Nova, the lost 1978 New York sessions, is a singular achievement in Brazilian jazz. The format itself is a rarity in the canon. It’s packed full of exceptional technical precision and creative vitality, with sophisticated arrangements and masterful improvisation from its exceptional sextet of Brazilian and US musicians: Paulinho Trompete (flugelhorn/trumpet), Ion Muniz (tenor saxophone), Steve Sacks (baritone saxophone), Mozar Terra (piano), and Ricardo dos Santos (double bass).
The album features unheard compositions by Brazilian masters Dom Salvador (Salvador Trio, Harry Belafonte, Edu Lobo), Guilherme Vergueiro (Raul De Souza, Leon Ware, Joyce), Aloisio Aguiar (Arthur Verocai, Airto) amidst the plethora of captivating original material by the members of the Boa Nova ensemble.
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Across eight tracks, Tilliander and Kajfes masterfully balance slow, lumbering machine pulses, delicate synth textures, and impeccable trumpet lines. Tilliander's use of both analog and digital synths carve out the structure of these sonic sculptures, while Kajfes's elegant trumpet playing pushes against them, infusing the dreamy soundscapes with both acoustic tension and melodic detail. Individually, Andreas Tilliander and Goran Kajfes have long been recognized as leading names in Swedish electronic music and jazz, respectively. Both have consistently pushed and transcended the boundaries of their genres. Tilliander has explored everything from techno, drones, and dub to clicks'n'cuts under monikers like TM404 and Mokira. Kajfes has been a relentless innovator in jazz, playing a central role in bands such as Oddjob, Subtropic Arkestra, Tropiques, Nacka Forum, and Fire! Orchestra. Now, they join forces, forging a new path for both ambient and jazz music.
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Die Technical-Death-Metal-Band Allegaeon aus Fort Collins, CO, setzt auf ständige Weiterentwicklung. Ihr siebtes Album The Ossuary Lens markiert die Rückkehr von Original-Sänger Ezra Haynes, der 2015 nach Elements of the Infinite ausgestiegen war. Während die letzten Alben mit cleanem Gesang experimentierten, bringt Haynes' Rückkehr den harschen, brutalen Sound zurück. Technisch anspruchsvoll und lyrisch wissenschaftlich geprägt, bleibt Allegaeon ihrem Stil treu - eine Mischung, die Haynes als "melotech" (melodic, technical death metal) beschreibt.
MESSA, die 2024 ihr zehnjähriges Bestehen feiern, machen mit ihrem majestätischen vierten Album The Spin einen weiteren Schritt in Richtung Legendenstatus. Das Album nimmt seine Hörer mit auf eine atemberaubende Reise über den weiten Himmel ihrer kreativen Vorstellungskraft und über eine fesselnde Landschaft aus Stimmungen, Wendungen und Stilen. Basierend auf dem eklektischen, von der Band selbst definierten "Scarlet Doom"-Sound, erhebt sich The Spin, fällt, grübelt, beißt, tröstet und zerstört, während es sowohl mit instinktiver Magie als auch mit obsessiver, konzertierter harter Arbeit erklingt. Nachdem MESSA den Underground mit einem Triptychon von zunehmend unverwechselbaren und wundersamen Alben - Belfry (2016), Feast For Water (2018) und Close (2022) - zum Glühen gebracht haben, sind sie hörbar für die sprichwörtlich große Liga gerüstet.Die Vielseitigkeit von Messa war schon immer ein Faktor ihres Erfolgs; ihr charakteristischer "Scarlet Doom"-Sound absorbiert Einflüsse aus Jazz und Blues, Punk und Prog, Black Metal und Dark Ambient, aber ihre rastlose Experimentierfreudigkeit hat außerordentlich glatte und sichere Ergebnisse. The Spin" enthält ein weiteres neues Element, das in typischer Weise einen 80er-Jahre-Gothic-Rock-Vibe einfließen lässt. "Wir wiederholen uns nicht gerne und versuchen ständig, eine neue Sprache zu finden, um uns auszudrücken - ohne unsere Identität zu verlieren", betont die Band. "Diesmal haben wir uns auf ein Gebiet begeben, das wir noch nie zuvor erkundet haben, nämlich das Jahrzehnt der 1980er Jahre. Wir sind uns bewusst, dass viele Bands vor uns sich von dieser Ära inspirieren ließen, aber wir haben uns entschieden, unvorsichtig zu sein und uns davon zu lösen. Vor allem, weil wir uns darauf einlassen und hinterfragen, was wir tun. Wir sind sowieso kein Teil der 'dunklen Szene'. Der Einfluss für diese Platte geht eher auf den frühen Goth Rock/Dark Wave zurück als auf die späteren Ausläufer des Genres." Neben Sisters Of Mercy und Virgin Prunes nennt die Band Platten von Killing Joke, Mercyful Fate, Jimmy Page, Journey, The Sound, Boy Harsher und Vangelis als wichtige Einflussfaktoren für die Entstehung von The Spin.Verkaufsargumente/Treiber (Karriere-Highlights/Fakten/Marketing-Infos):- Massive Underground-Fangemeinde in Europa und Nordamerika - Ausgiebige Tourneen in Europa und Nordamerika- Auftritte auf allen wichtigen Festivals wie Hellfest, Roadburn, DesertFest, Northwest Terror Fest, Motorcultor, Brutal Assault u.v.m. - Release Show von "The Spin" auf dem Roadburn Festival (NL), wo das Album in voller Länge gespielt wurde. - Das letzte Album "Close" hat ca. 2,3 Millionen Streams auf Spotify erreicht.
MESSA, die 2024 ihr zehnjähriges Bestehen feiern, machen mit ihrem majestätischen vierten Album The Spin einen weiteren Schritt in Richtung Legendenstatus. Das Album nimmt seine Hörer mit auf eine atemberaubende Reise über den weiten Himmel ihrer kreativen Vorstellungskraft und über eine fesselnde Landschaft aus Stimmungen, Wendungen und Stilen. Basierend auf dem eklektischen, von der Band selbst definierten "Scarlet Doom"-Sound, erhebt sich The Spin, fällt, grübelt, beißt, tröstet und zerstört, während es sowohl mit instinktiver Magie als auch mit obsessiver, konzertierter harter Arbeit erklingt. Nachdem MESSA den Underground mit einem Triptychon von zunehmend unverwechselbaren und wundersamen Alben - Belfry (2016), Feast For Water (2018) und Close (2022) - zum Glühen gebracht haben, sind sie hörbar für die sprichwörtlich große Liga gerüstet.Die Vielseitigkeit von Messa war schon immer ein Faktor ihres Erfolgs; ihr charakteristischer "Scarlet Doom"-Sound absorbiert Einflüsse aus Jazz und Blues, Punk und Prog, Black Metal und Dark Ambient, aber ihre rastlose Experimentierfreudigkeit hat außerordentlich glatte und sichere Ergebnisse. The Spin" enthält ein weiteres neues Element, das in typischer Weise einen 80er-Jahre-Gothic-Rock-Vibe einfließen lässt. "Wir wiederholen uns nicht gerne und versuchen ständig, eine neue Sprache zu finden, um uns auszudrücken - ohne unsere Identität zu verlieren", betont die Band. "Diesmal haben wir uns auf ein Gebiet begeben, das wir noch nie zuvor erkundet haben, nämlich das Jahrzehnt der 1980er Jahre. Wir sind uns bewusst, dass viele Bands vor uns sich von dieser Ära inspirieren ließen, aber wir haben uns entschieden, unvorsichtig zu sein und uns davon zu lösen. Vor allem, weil wir uns darauf einlassen und hinterfragen, was wir tun. Wir sind sowieso kein Teil der 'dunklen Szene'. Der Einfluss für diese Platte geht eher auf den frühen Goth Rock/Dark Wave zurück als auf die späteren Ausläufer des Genres." Neben Sisters Of Mercy und Virgin Prunes nennt die Band Platten von Killing Joke, Mercyful Fate, Jimmy Page, Journey, The Sound, Boy Harsher und Vangelis als wichtige Einflussfaktoren für die Entstehung von The Spin.Verkaufsargumente/Treiber (Karriere-Highlights/Fakten/Marketing-Infos):- Massive Underground-Fangemeinde in Europa und Nordamerika - Ausgiebige Tourneen in Europa und Nordamerika- Auftritte auf allen wichtigen Festivals wie Hellfest, Roadburn, DesertFest, Northwest Terror Fest, Motorcultor, Brutal Assault u.v.m. - Release Show von "The Spin" auf dem Roadburn Festival (NL), wo das Album in voller Länge gespielt wurde. - Das letzte Album "Close" hat ca. 2,3 Millionen Streams auf Spotify erreicht.
Vier Jahre nach "Hab keine Angst, hab keine Angst, ich bin deine Angst" geht die grandiose Kooperation zwischen Jonathan Meese und DJ Hell in ihre zweite Runde. Der bayerische Weltklasseproduzent und das Berliner Kunstwunderkind ergeben erneut eine zündende Mischung, denn die manisch kreisenden Sprachperformances von Meese erweisen sich unverändert als geniale Ergänzung zu den hypnotischen Elektro-Klanggebilden, die Hell aus seinen Musikmaschinen zaubert. "Gesamtklärwerk Deutschland" fokussiert sich in bemerkenswerter Weise auf den Techno Pop von Kraftwerk in ihrer "Electric Cafe"-Ära. Die Covergestaltung ist von Daniel Richter.
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Originally released on CD only – those were the days – “Triola im Fünftonraum“ counts as one of the most iconic albums of the early Kompakt era. Experience this timeless masterpiece of lush electronica lovingly restored and remastered for the first time on vinyl – 21 years after its inception.
We found this review from back in the days that perfectly sums up what “Triola im Fünftonraum” is all about:
The press material for “Triola im Fünftonraum” made allusions to home listening, when the album is mostly about movement… in a car …preferably a fast one … on a muggy spring day.
This might catch followers of producer Jörg Burger off guard. Up until this point, the producer’s Triola tracks – limited to three consecutive appearances on Kompakt’s yearly Pop Ambient series and a spot on “Leichtes Hören Teil 1” – were free-floating ambient washouts (albeit wondrous free-floating ambient washouts) with no pulse. The album, on the other hand, is beat-driven. Though still resolutely ambient – more an update of Burger’s lushest Bionaut tracks, only fully engaging instead of mildly diverting.
The soft, synthetic hand drums and tranquil vapors of “Leuchtturm” from Pop Ambient 2003, remain untouched and begin the album. Two other tracks that might sound familiar receive dynamic overhauls, now supported with quick dance rhythms and additional layers of synth gauze; the whispy flute trills and lightly flickering keys of “AG Penthouse”, for instance, are melted into a churning rhythm and some singing keyboard vamps that resemble a relaxed take on Tangerine Dream’s suspenseful soundtrack work for “Thief” (minus the crazy guitars).
What really makes the whole thing glow is the manner in which the tracks are attached, flowing in and out of another, rising and cresting and receding, with supreme poise – even if its title provides no indication, the album is as much a travelogue as Carl Craig’s “Landcruising”, Morgan Geist’s “Driving Memoirs” and Model 500’s “Deep Space”.
These are some of Burger’s most inventive productions, a remarkable feat since he’s been doing this so long. Catch yourself in the right frame of mind and you’ll wonder if everything he has released has been one extended ramp-up to this. In this age, it’s also refreshing to have a purely ambient techno album with absolutely no connection to “Boards of Canada”.
In other words, it’s a landmark for both its label and its genre.
Andy Kellman
Copyright 2025 TiVo Corporation
Ursprünglich nur auf CD veröffentlicht – das waren noch Zeiten – zählt „Triola im Fünftonraum“ zu den ikonischsten Alben der frühen Kompakt-Ära. Dieses zeitlose Meisterwerk schwelgerischer Electronica erscheint nun 21 Jahre nach seiner Entstehung erstmals liebevoll restauriert und remastered auf Vinyl.
Wir haben diese zeitgenössische Rezension gefunden, die perfekt zusammenfasst, worum es bei „Triola im Fünftonraum“ geht:
Das Pressematerial für „Triola im Fünftonraum“ spielt auf das Zuhören zu Hause an, obwohl es in dem Album hauptsächlich um Bewegung geht … in einem Auto … vorzugsweise einem schnellen … an einem schwülen Frühlingstag.
Das könnte die Fans des Produzenten Jörg Burger überraschen. Bis zu diesem Zeitpunkt waren die Triola-Tracks des Produzenten – beschränkt auf drei aufeinanderfolgende Auftritte in der jährlichen Pop-Ambient-Reihe von Kompakt und einen Platz auf „Leichtes Hören Teil 1“ – frei schwebende Ambient-Auswaschungen (wenn auch wundersame frei schwebende Ambient-Auswaschungen) ohne Puls. Das Album hingegen ist beatgetrieben, obwohl es immer noch entschieden Ambient ist – eher eine Aktualisierung von Burgers üppigsten Bionaut-Tracks, nur dass es voll und ganz fesselt, statt nur leicht abzulenken.
Die sanften, synthetischen Handtrommeln und die ruhigen Dämpfe von „Leuchtturm“ aus Pop Ambient 2003 bleiben unangetastet und bilden den Auftakt des Albums. Zwei weitere Stücke, die einem bekannt vorkommen könnten, erhalten eine dynamische Überarbeitung, die nun von schnellen Tanzrhythmen und zusätzlichen Schichten von Synthesizer-Gaze unterstützt wird; die flüsternden Flötentöne und leicht flackernden Tasten von „AG Penthouse“ zum Beispiel verschmelzen zu einem aufgewühlten Rhythmus und einigen singenden Keyboard-Vamps, die an eine entspannte Version des spannenden Soundtracks von Tangerine Dream erinnern, der für „Thief“ (ohne die verrückten Gitarren) verwendet wird.
Was das Ganze wirklich zum Leuchten bringt, ist die Art und Weise, wie die Tracks miteinander verbunden sind, wie sie ineinander fließen, ansteigen und ihren Höhepunkt erreichen und wieder abklingen, und das mit höchster Gelassenheit – auch wenn der Titel nichts darauf hindeutet, ist das Album ebenso ein Reisebericht wie Carl Craigs „Landcruising“, Morgan Geists „Driving Memoirs“ und Model 500s „Deep Space“.
Dies sind einige von Burgers einfallsreichsten Produktionen, eine bemerkenswerte Leistung, wenn man bedenkt, wie lange er schon dabei ist. Wenn man sich in die richtige Stimmung versetzt, fragt man sich, ob alles, was er bisher veröffentlicht hat, eine einzige Vorbereitung auf dieses Album war. In der heutigen Zeit ist es auch erfrischend, ein reines Ambient-Techno-Album zu hören, das absolut nichts mit „Boards of Canada“ zu tun hat.
Mit anderen Worten: Es ist ein Meilenstein für das Label und das Genre.
Andy Kellman
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Das vierte Album des Frank Popp Ensemble auf Unique Records. Geschrieben. aufgenommen und produziert 2024 in Spanien. Wie beim Vorgänger sind diverse Gastsänger auf den il brandneuen Stücken zu hören.
Gerry Love, einst Leadsänger der legendären Teenage Fanclub, der laut Popp fast alle Lieblingsstücke der Glasgower Kult-Band geschrieben und gesungen hat. verleiht hier seine hinreißende Stimme einer orchestralisch-souligen Version von „Save", ein eher unbekanntes aber geniales Stück, welches Love 2004 für die Schotten schrieb. Gerard Love trug bereits mit einem Cover von Frank Popp's "The World Is Waiting" zur Under Covers' Compilation bei und hat nun auf Waves ein weiteres Mal wundervolle Arbeit geleistet.
Ein weiterer Held aus Popp's Plattensammlung ist Nicke Andersson. Früher Schlagzeuger bei den Death&Rollern Entombed, dann bis heute Sänger der unvergleichlichen Hellacopters und Mastermind hinter weiteren top Bands wie The Solution, Imperial State Electric, Lucifer, etc., ist auf „Caught In AWeb" zu hören. Ein Northern Soul Stomper in klassischer Magic Touch* Manie.
Emma Noble, eine aufstrebende Soul-Sängerin aus London singt auf dem girl-groupigen Soul-Anthem Unstoppable*. Die zweite Single-Auskopplung vom Album hat das Zeug zum nächsten UK-Floorfiller und wurde bereits Ende 2024 in Craig Charles Soul Show auf BBC gespielt und angepriesen.
Ein absoluter Ausnahme-Künstler ist J Mahon, der auf 5 Stücken des Albums zu hören ist und erheblich zum Album beigetragen hat. Seine zuckersüße Stimme funktioniert sowohl auf seinen Stücken, als auch bei _Going Going Gone". welches die erste Single-Auskopplung ist und durch die eingängigen Bläser-Hooks und J's androgyne Soul-Vocals an gewisse junge Motown-Künstler in den frühen 70s erinnern.
Audrey Ollesen aus Köln, eine alte Bekannte aus der rheinischen Mod-Szene. kam durch Zufall hinzu. nachdem Popp durch private Aufnahmen auf ihre Gesangs-Skills aufmerksam wurde. Auf .Co|mm|on Stranger* ist Audrey zum ersten Mal auf einem Tonträger zu hören.
Auf "Waves" vereint Frank Popp Northern Soul. Psychedelia, 90s Indierock und orchestralischen Soundtrack-Feel zu einem homogenen, überzeugenden Werk, was vielversprechend wirkt und sich verdammt gut anfühlt in einer nicht so rosigen Zeit. Wir sind alle gespannt...
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High Roller Records, 180g black vinyl, ltd 250, 425gsm heavy cardboard cover, insert, poster, A5 photo card, black vinyl bonus 7" in p/s
Auf "The Principle of Doubt" stellten Mekong Delta Uwe Baltrusch als neuen Gitarristen vor, der Reiner Kelch ersetzte, und ließen die 1980er mit einem Highlight ausklingen. Das 1989er Studioalbum der deutschen Tech-Thrash-Pioniere stand seinen beiden Vorgängern in nichts nach, zeichnete sich aber durch die bisher dynamischste Produktion der Band aus - gut so in Hinblick auf jene Orchesterparts, die man Band in Zukunft regelmäßig von der Band zu hören bekommen sollte.
High Roller Records, 180g black vinyl, ltd 250, 425gsm heavy cardboard cover, insert, poster, A5 photo card, black vinyl bonus 7" in p/s
Auf "The Principle of Doubt" stellten Mekong Delta Uwe Baltrusch als neuen Gitarristen vor, der Reiner Kelch ersetzte, und ließen die 1980er mit einem Highlight ausklingen. Das 1989er Studioalbum der deutschen Tech-Thrash-Pioniere stand seinen beiden Vorgängern in nichts nach, zeichnete sich aber durch die bisher dynamischste Produktion der Band aus - gut so in Hinblick auf jene Orchesterparts, die man Band in Zukunft regelmäßig von der Band zu hören bekommen sollte.
Mittlerweile im Melodic Death Metal verankert, war diese VÖ im Sommer 2000 noch eine weitesgehend brutal Thrash Metal Antwort für alle hungrigen Slayer & Co. Fans. Eine zugegebenermaßen diskussionswürdige These, obwohl stilistische Ähnlichkeiten durchaus vorhanden sind. Jedenfalls ist das zweite Album von THE HAUNTED der genialste Thrash-Vorschlaghammer seit Ewigkeiten. Mit feinmechanischer Präzision zerlegen die Nordmänner deine heimische Stereoanlage, lassen deine in den letzten Zügen liegenden Lautsprecher ein unbarmherziges Stakkatogewitter nach dem anderen ausspucken. Jetzt endlich als 25th Anniversary Edition wieder auf 'pech-schwarzem' Vinyl erhältlich.
In 1996, Dakar-based group Pee Froiss released Wala Wala Bok?, a groundbreaking album that helped define Senegalese hip hop. Alongside groups like Positive Black Soul and Daara J, Pee Froiss became champions of Senegalese hip hop. This remastered reissue of Wala Wala Bok? restores the album"s legacy nearly 30 years after its original release.
Karma beginnt mit dem Verweis auf Schatten - den Opener von Licht. Eine Welt, die von ökonomischer Rationalität infiziert ist. Konsum, Ablenkung, Nebelkerzen, äußere Formen - die Menschen haben den Bezug zu sich selbst und zu ihrer Umwelt verloren. "Fühlst du nicht den einen Nerv, der richtig schmerzt, oder lässt der Schatten dich nur sehen, was er will?" Auf dem dritten Konzeptalbum dreht sich um das Prinzip Ursache und Wirkung. Wir werden sähen, was wir ernten. Im persönlichen Kontext, in unseren Beziehungen zu anderen Menschen und dem Planeten genauso wie auf der Metaebene in politischen und globalen Kontexten. Hass hört nie durch Hass auf. Nur Mitgefühl, Respekt und Vertrauen können uns einander näherbringen. Nur Demut, Rechtschaffenheit und Bescheidenheit können uns helfen, die Erde als lebenswerten Planeten zu erhalten. Wenn wir nicht mehr wissen, wer wir selbst sind, können wir keine bewussten Entscheidungen treffen. Wenn wir nicht mehr wissen, wofür wir stehen, können wir keine eigene Position mehr einnehmen. Wenn alles wichtig ist, ist nichts mehr wichtig. "Wer, wenn nicht wir? Wann, wenn nicht jetzt? Wo, wenn nicht hier? Ich nehme mein Leben in die Hand und fange neu an." KARMA ist deutlich. KARMA ist direkt. KARMA ist unumgänglich. TLUF halten der Gesellschaft den Spiegel vor und jedem Einzelnen. Musikalisch ohne Kompromisse. TLUF bringen auf KARMA ihren unvergleichlichen Sound erneut auf den Punkt.
Disco Gioconda is more than just an edit; it’s a story unfolding on the dance floor. A journey to rediscover guitar riffs that defy the currents of time. A record meant to be experienced from start to finish, immersing the listener in a captivating narrative—full of gripping tones and unexpected twists that build to a thrilling crescendo.
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Karma beginnt mit dem Verweis auf Schatten - den Opener von Licht. Eine Welt, die von ökonomischer Rationalität infiziert ist. Konsum, Ablenkung, Nebelkerzen, äußere Formen - die Menschen haben den Bezug zu sich selbst und zu ihrer Umwelt verloren. "Fühlst du nicht den einen Nerv, der richtig schmerzt, oder lässt der Schatten dich nur sehen, was er will?" Auf dem dritten Konzeptalbum dreht sich um das Prinzip Ursache und Wirkung. Wir werden sähen, was wir ernten. Im persönlichen Kontext, in unseren Beziehungen zu anderen Menschen und dem Planeten genauso wie auf der Metaebene in politischen und globalen Kontexten. Hass hört nie durch Hass auf. Nur Mitgefühl, Respekt und Vertrauen können uns einander näherbringen. Nur Demut, Rechtschaffenheit und Bescheidenheit können uns helfen, die Erde als lebenswerten Planeten zu erhalten. Wenn wir nicht mehr wissen, wer wir selbst sind, können wir keine bewussten Entscheidungen treffen. Wenn wir nicht mehr wissen, wofür wir stehen, können wir keine eigene Position mehr einnehmen. Wenn alles wichtig ist, ist nichts mehr wichtig. "Wer, wenn nicht wir? Wann, wenn nicht jetzt? Wo, wenn nicht hier? Ich nehme mein Leben in die Hand und fange neu an." KARMA ist deutlich. KARMA ist direkt. KARMA ist unumgänglich. TLUF halten der Gesellschaft den Spiegel vor und jedem Einzelnen. Musikalisch ohne Kompromisse. TLUF bringen auf KARMA ihren unvergleichlichen Sound erneut auf den Punkt.
Under the moniker of Night Beats, Texas native Danny Lee Blackwell has spent the last fifteen years exploring a nexus of vintage rhythm & blues,
after-midnight soul, and sunscorched psychedelia. On Night Beats’ latest offering, Blackwell presents two markedly different renditions of his song
“Behind the Green Door.” Side A delivers a down-tempo, minor key track —perhaps a meeting between Ray Charles, Skip Pence, and Link Wray. Side
B features the Rah John version of “Behind the Green Door,” an interpretation from an enigmatic artist Blackwell discovered.
Die Runen sind geworfen - unser Schicksal ist besiegelt: Mit einem triumphalen Schlag beenden Elvenking ihre 'Reader of the Runes'-Trilogie auf einem schwindelerregenden, gekonnt auf dem Grat zwischen Hoffnung und Dunkelheit balancierenden Weg! Nur wenige Bands sind heutzutage in der Lage, eine so fesselnde Atmosphäre zu schaffen und einen direkten Zugang zu einer anderen Welt zu bieten, voller Geschichten, Wunder und erhebender Melodien. Dies ist nur möglich, weil Elvenking meisterhafte Spielleute und geschickte Geschichtenerzähler sind, die ihre Erzählungen von Leid und Trauer, von Hoffnung und mächtigen Zaubersprüchen wie die Nornen aus der nordischen Mythologie in unsere Welt tragen. Es gibt nicht viele Bands, die Heavy Metal so verstehen wie Elvenking: Sie liefern nicht nur bewegende Musik, sondern erschaffen auch ein ganzes Universum.
Reminiszenzen an Maiden, die frühen Blind Guardian, Skyclad oder In Flames sind in ihrer Musik nicht zu überhören, ohne der schieren Originalität dieser gewaltigen Songs etwas wegzunehmen. dieser gewaltigen Songs. Elvenking verstehen es immer besser, eingängige Melodien und gewaltige Refrains mit einer komplexen Fantasy-Atmosphäre und ausladenden Instrumentalparts zu kombinieren und erweisen sich langsam aber sicher als die natürlichen Erben auf dem Thron von Metal-Hochpriestern wie Helloween, Avantasia oder ihrem größten Einfluss Skyclad.
In ihren Legenden beschwören Elvenking das Gefühl einer anderen Welt herauf und entführen uns in ein Fantasy-Reich, in dem der Mond zu uns singt, seltsame Kreaturen im Sternenlicht baden und Magie allgegenwärtig ist. Nicht viele Bands sind noch in der Lage, das zu tun. wir vermissen die Art und Weise, wie Musik, und insbesondere Metal, einst konzipiert wurde", stimmt Aydan zu. die Zeiten, in denen das Entdecken und Teilen eine große Rolle spielte, ohne all die digitalen und Social-Media-Aspekte Elvenking schaffen hier Abhilfe - indem sie im Alleingang Magie und Wunder zurück in die Welt des Heavy Metal bringen.
Die Runen sind geworfen - unser Schicksal ist besiegelt: Mit einem triumphalen Schlag beenden Elvenking ihre 'Reader of the Runes'-Trilogie auf einem schwindelerregenden, gekonnt auf dem Grat zwischen Hoffnung und Dunkelheit balancierenden Weg! Nur wenige Bands sind heutzutage in der Lage, eine so fesselnde Atmosphäre zu schaffen und einen direkten Zugang zu einer anderen Welt zu bieten, voller Geschichten, Wunder und erhebender Melodien. Dies ist nur möglich, weil Elvenking meisterhafte Spielleute und geschickte Geschichtenerzähler sind, die ihre Erzählungen von Leid und Trauer, von Hoffnung und mächtigen Zaubersprüchen wie die Nornen aus der nordischen Mythologie in unsere Welt tragen. Es gibt nicht viele Bands, die Heavy Metal so verstehen wie Elvenking: Sie liefern nicht nur bewegende Musik, sondern erschaffen auch ein ganzes Universum.
Reminiszenzen an Maiden, die frühen Blind Guardian, Skyclad oder In Flames sind in ihrer Musik nicht zu überhören, ohne der schieren Originalität dieser gewaltigen Songs etwas wegzunehmen. dieser gewaltigen Songs. Elvenking verstehen es immer besser, eingängige Melodien und gewaltige Refrains mit einer komplexen Fantasy-Atmosphäre und ausladenden Instrumentalparts zu kombinieren und erweisen sich langsam aber sicher als die natürlichen Erben auf dem Thron von Metal-Hochpriestern wie Helloween, Avantasia oder ihrem größten Einfluss Skyclad.
In ihren Legenden beschwören Elvenking das Gefühl einer anderen Welt herauf und entführen uns in ein Fantasy-Reich, in dem der Mond zu uns singt, seltsame Kreaturen im Sternenlicht baden und Magie allgegenwärtig ist. Nicht viele Bands sind noch in der Lage, das zu tun. wir vermissen die Art und Weise, wie Musik, und insbesondere Metal, einst konzipiert wurde", stimmt Aydan zu. die Zeiten, in denen das Entdecken und Teilen eine große Rolle spielte, ohne all die digitalen und Social-Media-Aspekte Elvenking schaffen hier Abhilfe - indem sie im Alleingang Magie und Wunder zurück in die Welt des Heavy Metal bringen.
Marathon is an Amsterdam-based band rooted in the intensity of the underground scene and the post-punk revival. With a blend of punk, shoegaze, and indie, they create a sound where emotion and raw energy converge. Founded ten years ago, the band found its unique identity after finding its way through the vibrant Amsterdam music scene. Marathon’s music captures the anxieties of the 21st century with powerful drum lines by Lennart, gritty vocals by Kay, and deep basslines from Nina, enhanced by guitar and keyboard from Sofie and Victor. The result is an explosive “wall of sound” filled with post-punk, grunge, and noise, where the beauty and chaos of modern existence resonate. Despite a dark tone, they transform postmodern frustrations into moments of hope and reflection. Known for their intense live shows, Marathon has performed at festivals such as Best Kept Secret and Reeperbahn Festival. They have caught the attention of both national and international media, including 3voor12 and de Volkskrant. Their debut album, Fading Image, will be released in spring 2025, exploring themes of transience and resilience and unveiling a world where hope and despair meet. Recognized as an “artist to watch” by 3voor12, KINK, and de Volkskrant, Marathon is ready to continue their exploration of sound—a mysterious adventure calling to those willing to listen closely.
Marathon is an Amsterdam-based band rooted in the intensity of the underground scene and the post-punk revival. With a blend of punk, shoegaze, and indie, they create a sound where emotion and raw energy converge. Founded ten years ago, the band found its unique identity after finding its way through the vibrant Amsterdam music scene. Marathon’s music captures the anxieties of the 21st century with powerful drum lines by Lennart, gritty vocals by Kay, and deep basslines from Nina, enhanced by guitar and keyboard from Sofie and Victor. The result is an explosive “wall of sound” filled with post-punk, grunge, and noise, where the beauty and chaos of modern existence resonate. Despite a dark tone, they transform postmodern frustrations into moments of hope and reflection. Known for their intense live shows, Marathon has performed at festivals such as Best Kept Secret and Reeperbahn Festival. They have caught the attention of both national and international media, including 3voor12 and de Volkskrant. Their debut album, Fading Image, will be released in spring 2025, exploring themes of transience and resilience and unveiling a world where hope and despair meet. Recognized as an “artist to watch” by 3voor12, KINK, and de Volkskrant, Marathon is ready to continue their exploration of sound—a mysterious adventure calling to those willing to listen closely.
Limitierte Neuauflage auf goldfarbenem Vinyl samt Bonus-7" zur Feier des 10. Jubiläums dieses grossartigen Albums von Deutschlands bestem Funk-Ensemble. Elf filmreife Deep-Funk-Instrumentals, gefeierte B-Boy-Breaks und Dancefloor-Killer-Vocals von The Mighty Mocambos und ihren Featuregästen. Mit von der Partie sind Filmkomponist Peter Thomas, HipHop-Pate Afrika Bambaataa, die Rap-Legenden Charlie Funk aka Afrika Islam (Rocksteady Crew) und Donald D (von Ice-Ts Rhyme Syndicate), desweiteren Nichola Richards, Shawn Lee, DeRobert (vom Nashville-Label GED Soul), die Zulu Nation MCs Deejay Snoop und DJ Hektek sowie Orgel-Genie Guillaume Metenier.
