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"Blood On Canvas" ist das bislang wütendste Album der Essener Thrasher DARKNESS. Die Songs sind aggressiver und härter als alles, was bisher in der DARKNESS Diskographie zu finden ist.

Obwohl es sich nicht um ein Konzeptalbum handelt, ist "Blood On Canvas" nicht eine bloße Kollektion von neun Songs, die in einer Epoche entstanden sind, sondern ein facettenreiches Klanggemälde, gemalt mit den Farben des Zorns.

Musikalisch liefern DARKNESS den kompromisslosen und schnellen Thrash Metal, für den sie seit ihrem Debutalbum "Death Squad" (1987) bekannt sind. Die Kompositionen auf diesem Album sind jedoch komplexer und detailreicher als bisher gewohnt, ohne dabei an Aggression, Härte und Authentizität zu verlieren.
Die Texte sind nicht mehr nur eine Beschreibung des Irrsinns, der den Lauf dieser Welt bestimmt, sondern bringen ohne Umschweife und kompromisslos die Dinge auf den Punkt.

"Blood On Canvas" ist das bislang wütendste Album der Essener Thrasher DARKNESS. Die Songs sind aggressiver und härter als alles, was bisher in der DARKNESS Diskographie zu finden ist.

Obwohl es sich nicht um ein Konzeptalbum handelt, ist "Blood On Canvas" nicht eine bloße Kollektion von neun Songs, die in einer Epoche entstanden sind, sondern ein facettenreiches Klanggemälde, gemalt mit den Farben des Zorns.

Musikalisch liefern DARKNESS den kompromisslosen und schnellen Thrash Metal, für den sie seit ihrem Debutalbum "Death Squad" (1987) bekannt sind. Die Kompositionen auf diesem Album sind jedoch komplexer und detailreicher als bisher gewohnt, ohne dabei an Aggression, Härte und Authentizität zu verlieren.
Die Texte sind nicht mehr nur eine Beschreibung des Irrsinns, der den Lauf dieser Welt bestimmt, sondern bringen ohne Umschweife und kompromisslos die Dinge auf den Punkt.

Dettinger’s Intershop and Oasis have long been held, by many fans of ambient and electronic music, to be some of the finest albums in their field. Produced by the mysterious Olaf Dettinger, about whom not much is publicly known, they were some of the earliest full-lengths released by the then-nascent Kompakt, and in many ways, they both articulated and defined the sound that would come to be known as Pop Ambient, while also existing, somehow, to the leftfield of any clearly recognisable genre.

Beautiful, sui generis works, it is a rare pleasure to see them being reissued on vinyl for a new generation of listeners to embrace. Originally released on CD only in 1999, Intershop was Kompakt’s first artist full-length. The music here simmers and broods, with opulent banks of tone marking out territory for rhythms that seem to be built from the clacking detritus of technology – hisses, thunks, knocks. Bass is deployed carefully, each drop a dubbed-out depth charge; drones spin and spiral, warping and weaving between the beats.

Oasis, released in 2000, refined the palette that Dettinger had explored on its predecessor. A blurred crusade of ambient texturology, its unassuming patterns, and subtle, incremental dynamics, admit to real beauty, and a kind of abstract sensuality that you don’t often experience with music that is, perhaps, similarly tooled, but not as poetic. Through seemingly simple gestures – whether lushly expansive repetitions, hyper-acute tremolo tones, or ear-tickling rhythms – it builds complex emotional resonance. It’s no surprise to discover Oasis is held in high esteem by artists like Panda Bear of Animal Collective, who once said of Dettinger, “For us, he was the dude.”

There is, of course, other music to know Dettinger by, too – his three excellent EPs for Kompakt, Blond (1998), Puma and Totentanz (1999), the latter of which, Michael Mayer once argued, “invented dubstep.” There is also a small, yet graceful run of compilation contributions, many of which can be found on Kompakt’s Total and Pop Ambient series. All this music has plenty to recommend it, sharing a clarity of purpose, and a rare, human warmth and depth. But Intershop and Oasis are the releases that distil Dettinger’s singular vision, and allow him, should he wish, to claim his place as a modern master of ambient and electronic music.

Dettingers Intershop und Oasis werden von vielen Fans von Ambient und elektronischer Musik seit langem als einige der besten Alben in diesem Bereich angesehen. Produziert von dem mysteriösen Olaf Dettinger, über den nicht viel bekannt ist, gehörten sie zu den ersten Alben, die von der damals aufstrebenden Plattenfirma Kompakt veröffentlicht wurden. In vielerlei Hinsicht formulierten und definierten sie den Sound, der später als Pop-Ambient bekannt werden sollte, während sie gleichzeitig irgendwie links von jedem klar erkennbaren Genre existierten.

Es ist eine seltene Freude zu sehen, dass diese wunderschönen Werke auf Vinyl wiederveröffentlicht werden, um sie einer neuen Generation von Hörern zugänglich zu machen. Ursprünglich wurde Intershop 1999 nur auf CD veröffentlicht und war Kompakts erstes komplettes Künstleralbum. Die Musik hier brodelt und brütet, mit opulenten Klangbänken, die das Territorium für Rhythmen abstecken, die aus dem klappernden Gerümpel der Technik gebaut zu sein scheinen – Zischen, Klopfen, Schaben. Der Bass wird sorgfältig eingesetzt, jeder Drop ist eine synchronisierte Tiefenladung; Drones drehen und winden sich spiralförmig und verflechten sich zwischen den Beats.

Oasis, das im Jahr 2000 erschien, verfeinerte die Palette, die Dettinger auf seinem Vorgänger erkundet hatte. Ein verschwommener Kreuzzug der Ambient-Texturologie, dessen unaufdringliche Muster und subtile, schrittweise Dynamik echte Schönheit und eine Art abstrakter Sinnlichkeit zulassen, die man nicht oft bei Musik erlebt, die vielleicht ähnlich ausgestattet, aber nicht so poetisch ist. Durch scheinbar einfache Gesten – seien es üppig ausladende Wiederholungen, hyperakute Tremolotöne oder ohrenbetäubende Rhythmen – baut sie eine komplexe emotionale Resonanz auf. Es ist keine Überraschung, dass Oasis von Künstlern wie Panda Bear von Animal Collective hoch geschätzt wird, der einmal über Dettinger sagte: “Für uns war er DER Typ”.

Es gibt natürlich auch noch andere Musik, die Dettinger bekannt macht – seine drei ausgezeichneten EPs für Kompakt, Blond (1998), Puma und Totentanz (1999), von denen letztere, wie Michael Mayer einmal kühn behauptete, “den Dubstep erfand”. Es gibt auch eine kleine, aber feine Reihe von Compilation-Beiträgen, von denen viele auf Kompakts Total- und Pop-Ambient-Serien zu finden sind. All diese Musik ist sehr empfehlenswert und zeichnet sich durch eine klare Zielsetzung und eine seltene, menschliche Wärme und Tiefe aus. Aber Intershop und Oasis sind die Veröffentlichungen, die Dettingers einzigartige Vision destillieren und es ihm ermöglichen, seinen Platz als moderner Meister der Ambient- und elektronischen Musik zu behaupten, sollte er dies wünschen.

Dettinger’s Intershop and Oasis have long been held, by many fans of ambient and electronic music, to be some of the finest albums in their field. Produced by the mysterious Olaf Dettinger, about whom not much is publicly known, they were some of the earliest full-lengths released by the then-nascent Kompakt, and in many ways, they both articulated and defined the sound that would come to be known as Pop Ambient, while also existing, somehow, to the leftfield of any clearly recognisable genre.

Beautiful, sui generis works, it is a rare pleasure to see them being reissued on vinyl for a new generation of listeners to embrace. Originally released on CD only in 1999, Intershop was Kompakt’s first artist full-length. The music here simmers and broods, with opulent banks of tone marking out territory for rhythms that seem to be built from the clacking detritus of technology – hisses, thunks, knocks. Bass is deployed carefully, each drop a dubbed-out depth charge; drones spin and spiral, warping and weaving between the beats.

Oasis, released in 2000, refined the palette that Dettinger had explored on its predecessor. A blurred crusade of ambient texturology, its unassuming patterns, and subtle, incremental dynamics, admit to real beauty, and a kind of abstract sensuality that you don’t often experience with music that is, perhaps, similarly tooled, but not as poetic. Through seemingly simple gestures – whether lushly expansive repetitions, hyper-acute tremolo tones, or ear-tickling rhythms – it builds complex emotional resonance. It’s no surprise to discover Oasis is held in high esteem by artists like Panda Bear of Animal Collective, who once said of Dettinger, “For us, he was the dude.”

There is, of course, other music to know Dettinger by, too – his three excellent EPs for Kompakt, Blond (1998), Puma and Totentanz (1999), the latter of which, Michael Mayer once argued, “invented dubstep.” There is also a small, yet graceful run of compilation contributions, many of which can be found on Kompakt’s Total and Pop Ambient series. All this music has plenty to recommend it, sharing a clarity of purpose, and a rare, human warmth and depth. But Intershop and Oasis are the releases that distil Dettinger’s singular vision, and allow him, should he wish, to claim his place as a modern master of ambient and electronic music.
Dettingers Intershop und Oasis werden von vielen Fans von Ambient und elektronischer Musik seit langem als einige der besten Alben in diesem Bereich angesehen. Produziert von dem mysteriösen Olaf Dettinger, über den nicht viel bekannt ist, gehörten sie zu den ersten Alben, die von der damals aufstrebenden Plattenfirma Kompakt veröffentlicht wurden. In vielerlei Hinsicht formulierten und definierten sie den Sound, der später als Pop-Ambient bekannt werden sollte, während sie gleichzeitig irgendwie links von jedem klar erkennbaren Genre existierten.

Es ist eine seltene Freude zu sehen, dass diese wunderschönen Werke auf Vinyl wiederveröffentlicht werden, um sie einer neuen Generation von Hörern zugänglich zu machen. Ursprünglich wurde Intershop 1999 nur auf CD veröffentlicht und war Kompakts erstes komplettes Künstleralbum. Die Musik hier brodelt und brütet, mit opulenten Klangbänken, die das Territorium für Rhythmen abstecken, die aus dem klappernden Gerümpel der Technik gebaut zu sein scheinen – Zischen, Klopfen, Schaben. Der Bass wird sorgfältig eingesetzt, jeder Drop ist eine synchronisierte Tiefenladung; Drones drehen und winden sich spiralförmig und verflechten sich zwischen den Beats.

Oasis, das im Jahr 2000 erschien, verfeinerte die Palette, die Dettinger auf seinem Vorgänger erkundet hatte. Ein verschwommener Kreuzzug der Ambient-Texturologie, dessen unaufdringliche Muster und subtile, schrittweise Dynamik echte Schönheit und eine Art abstrakter Sinnlichkeit zulassen, die man nicht oft bei Musik erlebt, die vielleicht ähnlich ausgestattet, aber nicht so poetisch ist. Durch scheinbar einfache Gesten – seien es üppig ausladende Wiederholungen, hyperakute Tremolotöne oder ohrenbetäubende Rhythmen – baut sie eine komplexe emotionale Resonanz auf. Es ist keine Überraschung, dass Oasis von Künstlern wie Panda Bear von Animal Collective hoch geschätzt wird, der einmal über Dettinger sagte: “Für uns war er DER Typ”.

Es gibt natürlich auch noch andere Musik, die Dettinger bekannt macht – seine drei ausgezeichneten EPs für Kompakt, Blond (1998), Puma und Totentanz (1999), von denen letztere, wie Michael Mayer einmal kühn behauptete, “den Dubstep erfand”. Es gibt auch eine kleine, aber feine Reihe von Compilation-Beiträgen, von denen viele auf Kompakts Total- und Pop-Ambient-Serien zu finden sind. All diese Musik ist sehr empfehlenswert und zeichnet sich durch eine klare Zielsetzung und eine seltene, menschliche Wärme und Tiefe aus. Aber Intershop und Oasis sind die Veröffentlichungen, die Dettingers einzigartige Vision destillieren und es ihm ermöglichen, seinen Platz als moderner Meister der Ambient- und elektronischen Musik zu behaupten, sollte er dies wünschen.

In many ways, the music of Writhing Squares could have only originated in Philadelphia; the city itself a microcosm of creatives, go-getters, freaks & weirdos that have coalesced into a supportive & boundary-pushing crew. Former Purling Hiss bassist Daniel Provenzano & Ecstatic Vision sax-player & vocalist Kevin Nickles' first musical missive was shot forth in 2013 (the self-released CDR "Live In Space") & various singles, split releases, albums (and a double-album) later we arrive at the duo's fourth full-length "Mythology", their third for Chicago-based Trouble In Mind Records. "Mythology" picks up the pieces left shattered by their previous double-album "Chart For The Solution" and reconnects the broken shards together like Kintsugi, the ancient Japanese technique for mending broken ceramics, infusing the breaks with powdered gold. The Squares themselves are like mad-scientists, taking the ruined detritus populating junk shops & surplus outlets & constructing their own sonic laboratories in their New Jersey basements to record, mix & tweak "Mythology"s eight tracks. Their new location allowed the band to regroup, reassess & reconstruct their sound from the ground up, shearing away the cosmic excess of 2021's "Chart For The Solution" to a sharper point. Tracks like `Barbarians' & `LEM' are classic Squares; brutal, aggressive, unwavering assault of Motorhead/Stooges-inflected sci-fi punk scree, while others like `Chromatophage's mutant funk & `Cerberus's techno-slink owe a serious debt to electric-era Miles Davis or Herbie Hancock & show that the group has more to offer than bludgeoning you with sonic force. Provenzano's bass & electronics are like a tank rolling across the terrain - a gnarly construct of Hawkwind-ian headiness & `Vincebus Eruptum's snarl - uncaring of what gets in the way. Nickles' brass vacillates between Stooges-influenced sleaze, jazzy no-wave stabs, & cacophonous sonic storms, strafing the listener into oblivion. The duo are joined on "Mythology" by drummer John Schoemaker - who contributed drums to "Chart For The Solution"s epic closing track `Epilogue' - whose percussive pulse adds an organic swing to The Square's sonics, particularly on album closer "The Damned Thing"s cosmic strut. "Mythology" tackles a multitude of themes, from fantastical tales of hellhound `Cerberus' or the comic-inspired "Eternity " to `Chromatophage's colorful/evil yarn about animals that eat colors (or a Magic: The Gathering card) to the true-life influenced `Acid Rain' that deals with the uncertainty of consuming drinking water after a chemical spill in the Delaware River. Elsewhere, `Ferrell' is an homage to the late, great Ferrell "Pharaoh" Sanders & `The Damned Thing' by a short horror story penned by Ambrose Bierce about an animal whose coloring is invisible to the naked eye. Writhing Squares are in a transitional phase, mapping out a new sonic mythology for themselves after crossing the event horizon into unknown space. "Mythology" is streaming on most DSPs & released on black vinyl & limited fluorescent green vinyl (while supplies last) on April 26th, 2024.

In many ways, the music of Writhing Squares could have only originated in Philadelphia; the city itself a microcosm of creatives, go-getters, freaks & weirdos that have coalesced into a supportive & boundary-pushing crew. Former Purling Hiss bassist Daniel Provenzano & Ecstatic Vision sax-player & vocalist Kevin Nickles' first musical missive was shot forth in 2013 (the self-released CDR "Live In Space") & various singles, split releases, albums (and a double-album) later we arrive at the duo's fourth full-length "Mythology", their third for Chicago-based Trouble In Mind Records. "Mythology" picks up the pieces left shattered by their previous double-album "Chart For The Solution" and reconnects the broken shards together like Kintsugi, the ancient Japanese technique for mending broken ceramics, infusing the breaks with powdered gold. The Squares themselves are like mad-scientists, taking the ruined detritus populating junk shops & surplus outlets & constructing their own sonic laboratories in their New Jersey basements to record, mix & tweak "Mythology"s eight tracks. Their new location allowed the band to regroup, reassess & reconstruct their sound from the ground up, shearing away the cosmic excess of 2021's "Chart For The Solution" to a sharper point. Tracks like `Barbarians' & `LEM' are classic Squares; brutal, aggressive, unwavering assault of Motorhead/Stooges-inflected sci-fi punk scree, while others like `Chromatophage's mutant funk & `Cerberus's techno-slink owe a serious debt to electric-era Miles Davis or Herbie Hancock & show that the group has more to offer than bludgeoning you with sonic force. Provenzano's bass & electronics are like a tank rolling across the terrain - a gnarly construct of Hawkwind-ian headiness & `Vincebus Eruptum's snarl - uncaring of what gets in the way. Nickles' brass vacillates between Stooges-influenced sleaze, jazzy no-wave stabs, & cacophonous sonic storms, strafing the listener into oblivion. The duo are joined on "Mythology" by drummer John Schoemaker - who contributed drums to "Chart For The Solution"s epic closing track `Epilogue' - whose percussive pulse adds an organic swing to The Square's sonics, particularly on album closer "The Damned Thing"s cosmic strut. "Mythology" tackles a multitude of themes, from fantastical tales of hellhound `Cerberus' or the comic-inspired "Eternity " to `Chromatophage's colorful/evil yarn about animals that eat colors (or a Magic: The Gathering card) to the true-life influenced `Acid Rain' that deals with the uncertainty of consuming drinking water after a chemical spill in the Delaware River. Elsewhere, `Ferrell' is an homage to the late, great Ferrell "Pharaoh" Sanders & `The Damned Thing' by a short horror story penned by Ambrose Bierce about an animal whose coloring is invisible to the naked eye. Writhing Squares are in a transitional phase, mapping out a new sonic mythology for themselves after crossing the event horizon into unknown space. "Mythology" is streaming on most DSPs & released on black vinyl & limited fluorescent green vinyl (while supplies last) on April 26th, 2024.

Schwerer, auf Blues basierender Rock, zu dem man sogar tanzen kann! Die Quebecer Rocker Tonnerre spielen kräftigen, von den 1970ern inspirierten Rock, der sich an AC/DC und Blue Öyster Cult orientiert - komplett mit französisch gesungenen Texten! Das Album wurde bemerkenswerte sechs Monate nach der ersten Jam-Session der Band aufgenommen und vermittelt die Art von unbestreitbarem, lockeren Hardrock, der erstmals in den 1970er Jahren aufkam. Und hinter Sängerin Annick französischem Gesang fängt das Album perfekt das Gefühl und den Geist von 'eine Nacht in der Wildnis' ein, denn das ist die Titel-Übersetzung. Es symbolisiert Nächte, wilde Geister, Tiere, die nachts jagen, die Nordlichter, die Sterne und die langen Schatten, die das Feuer wirft.

Rock Hard:
"Die Kanadier fingen erst richtig an, als Arnaud Geoffroy sich hinters Schlagzeug klemmte, ein Bierbrauer im Brotberuf. Die Einstellung stimmt also. Und ihre Musik passt dazu. Die Gitarristen spielen trockene AC/DC-Riffs, aber nicht mit der wilden Unbedingtheit der Australier, sondern eher mit der Contenance und harmonischen Akribie des Siebziger-AOR. Sie selbst zählen noch Blue Öyster Cult zu ihre Vorbildern, und tatsächlich besitzt die Melodieführung von Sängerin Annick mitunter einen leichten BÖC-Vibe (etwa bei ´Ceux Qui Sommeillent´). TONNERRE gehören zur französischsprachigen Minderheit Torontos, und so kommen auch noch ein paar Trust-Reminiszenzen hinzu. Ganz schöne Mischung. Etwas energischer könnten sie hin und wieder zur Sache gehen, aber sie wollen sich wohl ihren Pegel nicht wegschwitzen."

Vintage Hardrock der 1970er Jahre direkt aus Down Under! Das lang erwartete zweite Album der australischen Band Tarot besticht mit Hardrock inkl. Hammond-B3 für eine neue Generation von Fans! Als geschlossene Formation haben Tarot mit 'Glimpse Of The Dawn' ein lebendiges, weitläufiges Album zusammengestellt, das seinen Kerneinflüssen Uriah Heep, Rainbow und Deep Purple ernsthaft Tribut zollt und gleichzeitig eine eigene Identität hervorbringt. Dabei ließ die Band Freiräume, um Improvisation zu ermöglichen. Viele der Leadgitarren des Albums wurden spontan im Studio geschrieben und anschließend beibehalten, sodass Tarot "den Blitz in einer Flasche einfangen" konnte. Dieser Ansatz wird vielleicht am besten im Titeltrack veranschaulicht, der das Album mit ausgelassenen Hammond-Keyboards und Stimmengewalt auf großartige Weise eröffnet.
Artwork von Lena Richter, Mastering von Patrick Engel (Temple of Noise).

Rock Hard:
"Achtung: Bei "Glimpse Of The Dawn" handelt es sich mitnichten um einen weiteren Output der finnischen Hardrocker Tarot, bei denen sich Ex-Nightwish-Bassist Marco Hietala zurzeit (mal wieder) austobt, sondern um einen Eintrag in der noch vergleichsweise kurzen Diskografie der gleichnamigen australischen Band, die mit ihrem Full-length-Debüt von 2016 erstmals in weiteren Kreisen von sich hören machte. Diesem famosen Scheibchen stellt das Quintett aus dem tasmanischen Hobart nun nach schlappen acht Jahren einen Nachfolger zur Seite, der den Herrschaften nicht minder exzellent geraten ist. TAROT zocken entspannten, von Siebziger-Größen wie Deep Purple inspirierten Hardrock mit Metal-Schlagseite. Die Hammondorgel ist nicht von dieser Welt, und Frontmann Will Spectre verfügt über ein gefühlvolles, warmes, kräftiges Organ, das den Hörer im Zusammenspiel mit den verträumten Gitarrenmelodien in mystische Welten entführt. Wunderschön!"

Arð stammen aus Northumbrien. Die Erfinder des Monastic Doom Metal errichten mit ihrem sehnsüchtig erwarteten zweiten Album "Untouched by Fire" einen weiteren beeindruckenden Meilenstein auf dem Weg ihres rasanten Aufstiegs. Sowohl musikalisch als auch textlich erklimmt Bandkopf Mark Deeks neue Höhen. Arð setzen ihre Mission fort, die Kultur, das Erbe und die Identität der alten nordenglischen Region Northumbria zu erforschen. Das Debütalbum "Take Up My Bones" folgte den Legenden und dem Jahrhundert der Wanderung der Reliquien des Heiligen Cuthbert von Lindisfarne (634-687). Die Geschichte des neuen Albums, wirft ein Schlaglicht auf eine ganz andere Art von Heiligen. Arð erzählen vom Kriegerkönig Oswald (604-642), der Northumbria mit Feuer und Schwert schmiedete, indem er die Reiche von Bernicia und Deira vereinigte. Seine Zeitgenossen bis ins Frankenreich hinein, sahen Oswald als den mächtigsten angelsächsischen König auf der Insel an. Arð zeichnen mit "Untouched by Fire" seinen Aufstieg zur Macht nach. Die Reise beginnt mit seiner Jugend im Exil. Seine Mutter war aufgrund einer Familienfehde nach Norden in das irische Machtzentrum Dal Riada an der schottischen Westküste geflohen. Oswalds Weg führt weiter über siegreiche Schlachten, in denen Oswald jene Territorien zurückgewann, die bereits sein Vater Æthelfrith beansprucht hatte. Am Ende steht die Gründung des Königreichs Northumbrien. Musikalisch bleiben Arð ihrem ursprünglichen Doom-Kurs treu. Die charakteristischen, Stil prägenden "Mönchschöre" sind weiterhin stark präsent, wie man es von einem Musiker erwarten kann, der neben seiner Tätigkeit als Bestseller-Autor, Klavierlehrer und Keyboarder bei der führenden britischen Black-Metal-Band WINTERFYLLETH auch als Chor-Arrangeur und -Dirigent arbeitet. Doch Deeks bereichert seinen Doom Metal auch durch neue Elemente, wie zum Beispiel über das gesamte Album verstreute, wohlplatzierte Prog-Momente. Die Kompositionen auf "Untouched by Fire" spiegeln die auch auf der Bühne gewachsene Erfahrung und das gewonnene Selbstvertrauen des Bandkopfs in Form eines konzentrierten Songwriting und einer größeren Dynamik wider. Diese Entwicklung wird durch die kraftvolle und organische Produktion von Markus Stock (EMPYRIUM, THE VISION BLEAK) deutlich gemacht - da Arð das Album in der Klangschmiede Studio E aufgenommen haben. Als Deeks Arð im Jahr 2019 gründete, wagte der Komponist nicht einmal in seinen kühnsten Träumen darauf zu hoffen, was alles in den kommenden Jahren passieren würde. Seine Demos brachten ihm bald einen Plattenvertrag ein und die erste Auflage des Debütalbums "Take Up My Bones" (2022) war schon ausverkauft, bevor das Album in die Läden kam. Es folgten mehrere Auflagen und auch alle limitierten Editionen waren schnell vergriffen. Die ersten Auftritte der Band, z.B. beim Prophecy Fest in Balve, verbreiteten den Ruf von Arð als hervorragender Live-Act durch Mundpropaganda wie ein Lauffeuer. Die Band wurde nicht nur in der weltweiten Metal- und Musikpresse gefeiert, sondern landete sogar im deutschen Staatsfernsehen, wurde von der renommierten britischen Zeitung The Guardian interviewt und in der BBC sowie anderen britischen Medien mit ihrem speziellen "Organic Doom" Konzert erwähnt - für die Deeks Stücke von "Take Up My Bones" neu arrangiert hatte, um sie mit Band und einer echten Orgel in Huddersfield zu spielen. Dieses Konzert findet sich in voller Länge als CD und DVD in der limitierten Artbook Edition. Mit dem zweiten Album "Untouched by Fire" legen sich Arð die eigene Messlatte gleich um mehrere Stufen höher auf. Perfekt arrangierte Monastic Doom Songs mit hoher Dynamik und unverfälschtem Songwriting finden in einer opulenten Produktion ihre Entsprechung. Es ist Zeit, die Augen zu schließen und sich von Arð aus Northumbrien in eine Zeit entführen zu lassen, in der germanische Kriegerkönige mit Schwert und Feuer und einem neuen Gott als Sieghelfer an ihrer Seite neue Reiche erschufen. Ein blutiges Fest für die Raben, ein Goldschatz für die Ohren!

It’s Monk’s Time is probably the most appropriate title for a Thelonious Monk album. The fact that he was on the cover of Time Magazine in February of that year (1964) shows how important the jazz composer and pianist was. It is also an
essential part of his discography with the impressive jazz classic “Stuffy Turkey” and the amazing interpretation of “Nice Work
If You Can Get It”, originally composed by George Gershwin. Monk recorded the album together with Butch Warren, Ben Riley, Charlie Rouse, and Teo Macero.
It’s Monk’s Time is available as a limited edition of 1500 individually numbered copies on translucent red coloured vinyl.

Die vier-köpfige Band Porij aus Manchester gehört mit ihrem Alternative-Dance-Sound zu den aufregendsten und spannendsten Newcomern aus UK und durfte bereits Größen wie Coldplay, Metronomy, Friendly Fires und Jungle supporten. Nicht umsonst steht die Band auf „ones to watch“ Listen von u.a. The Guardian, NME und BBC 6. Nun erscheint das Debütalbum 'Teething'. Ein Coming-Of-Age Album, eine Kollision von Indie-Rock und Dance, das organische und elektronische Klänge einzigartig vermischt zu zärtlichen und zugleich transzendenten Songs.

Printed Sleeve-Artwork-LP Version (Nachpressung) auf schwarzem Vinyl, Inside-Out-Cover, Textblatt und Aufkleber! Nach 26 Jahren Warten endlich ein neues komplettes Hammerhead Album: 14 Songs die gleichsam Bestandsaufnahme und Abrechnung mit dem aktuellen Zeitgeist sind und dabei gekonnt die Faust in die Wunde legen. Und die Band bleibt ihrem Stil und Sound treu, auch wenn anstelle von Headbert jetzt David von KMPFSPRT eine Gitarre bedient. Die lang erwartete Rückkehr dieser Hardcore-Punk-Legenden begann mit ,Autofahrerhose", gefolgt von "Alle pissen an den Dom", welche beide beweisen, dass die Band die Energie und Intensität einfach so wieder aufnehmen kann, ganz so, als ob sie gerade erst anfangen. Dazu kommen Songs wie ,Kinderstrafe", ,Wozu sind Kriege da?" und ,Spaß und Politik", die zugleich Vintage-Hammerhead wie auch Hammerhead 2.0 sind. "Nachdenken über Deutschland" ist eine eindringliche Rückkehr, die das langjährige Warten wert war. Mit einer vielfältigen Trackliste, die von provokanten Statements bis hin zu nachdenklichen Momenten reicht, beweisen Hammerhead einmal mehr ihre Bedeutung für die Hardcore-Punk-Szene. Die Kombination aus unverkennbarem Sound und textlicher Schärfe macht dieses Album zu einer essentiellen Ergänzung in der Diskografie von Hammerhead und zeigt, dass sie auch nach all den Jahren nichts von ihrer Relevanz verloren haben." _blattturbo/Otte

You get older, you have a family, and you start to slow down-that's how things are supposed to go, right? Not for Montreal band Corridor, who have returned on their fourth album, Mimi, with a sound and style that's more widescreen and expansive than anything that's preceded it. The follow-up to 2019's Junior is a huge step forward for the band, as the members themselves have undergone the type of personal changes that accompany the passage of time; even as these eight songs reflect a newfound and contemplative maturity, however, Corridor are branching out more than ever with richly detailed music, resulting in a record that feels like a fresh break for a band that's already established themselves as forward-thinkers. Mimi immediately recalls the best of the best when it comes to indie rock-Deerhunter's silvery atmospherics immediately come to mind, as well as the spiky effervescence of classic post-punk-but despite these easy comparisons, Corridor remain impossible to pin down from song to song, which makes Mimi all the more thrilling as a listen. "The goal was to work differently, which is the goal we have every time we work on a new album-to build something in a new way," Robert explains. "This time, we took our time." And so in the summer of 2020, Corridor's members-Robert, vocalist/bassist Dominic Berthiaume, drummer Julien Bakvis, and multi-instrumentalist Samuel Gougoux-holed away in a cottage to engage in the sort of creative experimentation that would lead to Mimi's ultimate creation. Corridor tinkered with the songs' raw parts digitally and remotely over the next few years, with co-producer Joojoo Ashworth (Dummy, Automatic) lending their own specific talents in the theoretical booth. The process was a byproduct of not having access to their rehearsal space due to the COVID-19 pandemic, but also a result of the four-piece leaning harder into incorporating electronic textures than on previous records. "For a long time, we identified as a guitar-oriented band, and the goal of making this whole record was trying to get away from that," Berthiaume states. Berthiaume also describes Mimi as a record about "getting older" and "figuring out new parts of life"-but despite any claims of transitional growing pains from the band, Mimi is a record bursting with new energy and life, a vibrance that's owed in no small part to Gougoux joining the band full-time after pitching in on live performances in the past. "I come more from a background of electronic music, so it was nice to involve that with the band more," he explains, and Mimi contains a distinct rhythmic pulse reminiscent of classic era-post-punk's own melding of dance and rock textures. Over bright, chiming guitars and ascending synths, Robert addresses his looming mortality on "Mourir Demain": "I wrote it when my girlfriend and I were shopping for life insurance," he laughs. With our little daughter growing up, we also considered making our will. I said to myself, 'Oh shit, from now on I'm slowly starting to plan my death." Don't mistake this as music about dead ends, though, as Mimi embraces and champions unfettered creativity while paving a way for Corridor's own bright future. "We just focused on making a record that sounded the way we wanted," Gougoux exclaims while discussing the band's aims. "There were no limitations when it came to what was possible."

"Less Is More is the debut studio album by DJ and record producer Lost Frequencies. The Belgian youngster shook the world with debut single ""Are You With Me"" and soon found himself on top of the world, following up on his worldwide smash with global sensation ""Reality"" and ""Beautiful Life"". Now, he shows the full extent of his potential through his debut album. Harboring a plethora of ridiculously catchy singles alongside the before-mentioned hits, Less Is More shows exactly why Lost Frequencies' signature sound is so widely acclaimed. Easy on the ear, increasingly addictive, and filled with gorgeous, laid-back vibes, the songs on the album allow minds to drift and emotions to flow freely, all made possible through the delicate arrangements and a strong choice of sounds. Lost Frequencies describes the album himself as being ""all about the simplicity of good feelings blending together, bringing a chill, but still energetic vibe."" Less Is More is available as a limited edition of 1000 individually numbered copies on gold coloured vinyl. The vinyl package includes an insert with lyrics. "

Less Is More by Lost Frequencies, released 22 March 2024, includes the following tracks: "Beautiful Life", "Reality", "In Too Deep" and more.

This version of Less Is More comes as a 2xLP. This release comes with (a) Insert(s).

The vinyl is pressed as a gold disc. Another vinyl is pressed as a gold disc.

2x7"
Not so long ago Marlena Shaw was a forgotten figure. The talented vocalist had made several LPs for respected labels such as Cadet and Blue Note, and she'd performed regularly throughout the '60s and '70s. But she hardly had what you might call diva status. Falling into the unfortunate category that slips uneasily between soul and jazz, she was accepted - but not especially admired - by aficionados of either genre. Then came the '90s, and an open-minded enthusiasm for soul and jazz - and more importantly - everything in between - soon changed that. Marlena Shaw became an icon, and the diva status soon blossomed amongst her new-found soul-jazz fans.

Respect is a word that means much to any singer. The artist who stands up in the bright lights before an audience that has handed over their hard-earned cash has only their physical presence and naked voice to rely on. There is no hiding when you're on stage, you're the focus of attention and everybody is gawping at you. The singer yearns to communicate and entertain, and in return not only asks for appreciation and acceptance, but respect. To this end Marlena Shaw has endured decades of singing in the shadows, and she has only recently finally found her niche.

On Disc One we have 'California Soul', probably the most enduring and well-known of her many songs, but just a few seconds listening will tell you that it is much more than that. It's already a classic amongst those who have already seen the light and have danced and swayed to its timeless swing. Upon hearing it all lovers of soul, jazz – or any other kind of good music - will feel an aural glow as warm as the Californian sun. The song 'Liberation Conversation' on the flip was only ever available on her highly revered 1969 LP 'The Spice of Life'. This is where the 'Blues ain't nothing but a good woman gone bad' launches into an irresistible, relentless uptempo funk groove.

Disc Two showcases 'Wade in the Water', an ancient song rumoured to have been developed and popularised by slaves in the American south. The message is to pass on the notion that by fleeing in a bid for freedom through streams and rivers, the scent that bloodhounds use to follow their victims will be obscured. Marlena's version has long been a favourite dancefloor filler since its 45-only release back in 1966.

'Woman of the Ghetto' is one of her best-known songs and ends the set on the other side. The opening number from 'The Spice of Life', it's since been recognised for the classic it is, and as such has been afforded anthemic status. We release the original 45 version here, as used to promote the LP back in the day.

This special 2x7" product from Jazzman is dedicated to the memory of Marlena Shaw, b. 22 September 1939, d. 19 January 2024.

Chasing dopamine in free fall through a burning world. Looks that make you want to go swimming, even though you know you're going to drown. Where is my value? Who do I want to be? And who do I definitely not want to be?



Mental health, body positivity, queerness, sexualized violence and self-determination: Elena Rud sings about these things, loud and wild. With a voice that sometimes seems on the verge of breaking and then hangs deep in the ear canal again. As raspy as after a handful of cigarettes. So distinctive that you will recognize them again and again from a big bunch of newcomer bands.



Because the songs go through the marrow and bone. Under the skin or into the heart. Maybe left in and right out, but it's good in between. Because you feel that you're no longer quite so alone with yourself and this shitty world.

Mental Health, Body Positivity, Queerness, sexualisierte Gewalt und Selbstbestimmung: Elena Rud singt von diesen Dingen, laut und wild. Mit einer Stimme, die mal kurz vorm Wegbrechen scheint und dann wieder ganz tief im Gehörgang hängt. So kratzig wie nach einer Handvoll Selbstgedrehten. So markant, dass man sie aus einem großen Haufen Newcomer-Bands immer und immer wieder erkennen wird.
Mittlerweile hat Elena ein Rudel aus vier Jungs dazu gewonnen. Ein Rudel, das seiner Frontfrau nicht nur den Rücken stärkt, sondern sich auch gegen die toxischen Ideale wehrt, an denen sie selbst gemessen werden - für mehr Schwäche, Unsicherheit und GlitzerMakeup statt Dominanz, Unterdrückung und Aggression. Auch in Sachen Sound. Die fünf Münchner:innen klingen ehrlich, tanzbar und wild. Nach Indie-Rock und Punk. Oder nach NDW

Francis Lai is France's best-selling international film composer, with hits such as "Love Story", "Bilitis" and "Un Homme et une Femme".

International hits in the USA, Germany, the UK and South America, as well as in Korea and Japan, where the Francis Lai Orchestra recorded the tribute album "13 Jours au Japon" just a few months ago, during a tour that took them to Tokyo, Osaka, Nagoya and elsewhere.

A limited-edition Vinyl featuring the composer's cult tracks, including the 100 million-stream digital hit "La Leçon Particulière", "Concerto Pour la Fin d'Amour", five songs and, for the first time, his unpublished posthumous work "The Final Dot".


"13 Jours au Japon" (13 Days in Japan) is the ultimate vinyl tribute, featuring 25 musicians and singers covering the multi-award-winning works of the man nicknamed in the USA: "the artistocrat of melody"!

Roy Buchanan gilt bis heute als "der beste unbekannte Gitarrist der Welt". Die Rolling Stones wollten ihn als Nachfolger für Brian Jones, Eric Clapton als Gitarrist bei Derek & The Dominos - beides Angebote, die er ablehnte. Roy Buchanan war ein Meister auf der Fender Telecaster-Gitarre, sein Spiel beeinflusste Musiker wie z.B. Gary Moore, oder Jeff Beck maßgeblich. Roy Buchanan wuchs in Kalifornien auf, wo er auch Gitarre lernte. Als Teenager zog er nach Los Angeles und spielte mit Spencer Dryden (später der Drummer von Jefferson Airplane) in der Band Heartbeats. Danach tourte er mit Dale Hawkins und spielte mit Robbie Robertson (The Band), der Buchanan später als einen seiner Haupteinflüsse bezeichnete. In den 60er Jahren heiratete Roy Buchanan, zog nach Washington DC und arbeitete als Studiomusiker an mehr als 100 Produktionen, vornehmlich für Freddy Canon und Leiber/Stoller. Erst 1971 erschien sein erstes Solo-Album, was dazu führte, dass er und sein unnachahmliches Spiel auf der Fender Telecaster von Größen wie John Lennon, Eric Clapton oder den Rolling Stones als Geheimtipp gehandelt wurde. Die ab 1985 aufgenommenen Alben "When A Guitar Plays The Blues" (1985), "Dancing On The Edge" (1986) und "Hot Wires" (1987) gehören zu den Highlights seiner Karriere. Nur drei Jahre vor seinem tragischen Selbstmord wurde dieses Rockpalast-Konzert am 24. Februar 1985 in der Markthalle in Hamburg aufgenommen. Ein Auftritt, bei dem Roy Buchanans Genie als Gitarrist in einzigartiger Weise überzeugt - nicht zuletzt durch seine kongenialen Cover-Versionen u.a. von Jimi Hendrix oder Don Gibson. Es ist kein Geheimnis, dass Roy Buchanan seine Qualitäten vor allen Dingen bei seinen Auftritten ausleben konnte, von denen nur wenige aufgezeichnet wurden. Ein beeindruckendes Vermächtnis!

Endlich die Wiederveröffentlichung dieses High-Energy-Punkrock Klassikers, der internationalen Band, die aus Scott Morgan (Sonic's Rendezvous Band, Solution...), Nicke Royale (The Hellacopters, Imperial State Electric, Entombed...) und Tony Slug (Loveslug) besteht. Mit Scott Morgan von Sonic's Rendezvous Band (neben Fred "Sonic" Smith von den MC5) haben die Hydromatics eine echte Detroiter Legende in ihren Reihen. Morgan gründete die BAND 1998 zusammen mit Nicke Royale (The Hellacopters) und dem Gitarristen Tony Slug (Loveslug) und veröffentlichte '99 dieses großartiges Debütalbum mit dem Titel Parts Unknown, das den Motor City-Rock-Sound vergangener Tage in Form eines modernen Power-Punk-Rawk-Outfits wieder aufleben ließ und nun endlich wiederveröffentlicht wird. Das Album beginnt mit einem kräftigen Remake von "Earthy" von der Sonic's Rendezvous Band und rauscht die ganze Zeit über weiter, keine Balladen. Morgan singt sich den Arsch ab, und die Band unterstützt seine Stimmgewalt mit furiosen Sound, indem sie mühelos zwischen knallhartem Rock und rauchigem Soul hin und her schaltet. Eine Mischung, die sich Fans der Garage nicht entgehen lassen sollten. Für alle eingefleischte Punk- oder Hardrock-Fans, und alle, die gernn deftig rocken und ebenso auf den swingenden Sound der 60er Jahre stehen, wenn auch durch Wände aus Marshals und einen dicken Vorhang aus Bläsern und Lärm ergänzt. Ein absolutes Muss für Fans von Sonic's Rendezvous Band, MC5, Stooges, The Hellacopters, Bored!...

Ltd Edition!

Nach dem überwältigenden Erfolg der Debüt-EP "You're Welcome" melden sich die Lambrini Girls mit ihrer neuen 7Inch 'God's Country / Body Of Mine' via City Slang zurück!

Das aus Brighton stammende Duo besteht aus Phoebe Lunny (Gesang/Gitarre - sie) und Lilly Macieira (Bass - sie) sowie Schlagzeuger Banksy (nicht zu verwechseln mit gleichnamigen Street-Art Künstler). Sie haben sich durch unvergessliche Live-Auftritte einen Namen gemacht und wurden vom Variety Magazine, BBC Radio 1, NME, The Line Of Best Fit, KEXP, Consequence, Evening Standard, CLASH, So Young und kürzlich vom Kerrang! Magazine an der Seite von Sleater-Kinney, wurde für den Rolling Stone UK's Rising Stars Award nominiert, und sogar Iggy Pop ist ein Fan.

Auftritte bei Wide Awake, Reading & Leeds Festivals, Manchester Psych Fest, sowohl als auch deutschen Shows in in Hamburg und Berlin!

Mutant präsentiert den OST zur Roadmovie-Komödie DRIVE-AWAY DOLLS (2024), Ethan Coens erstem "Solo"-Film (ohne seinen Bruder). Mit einem exzellenten Score des EMMY-preisgekrönten Komponisten Carter Burwell und Songs von Le Tigre über Linda Ronstadt bis Lizzie Mercier Descloux passt er sehr gut in das beeindruckende Erbe der jahrzehntelangen Zusammenarbeit Burwells mit den Coen-Brüdern. Es ist das perfekte Mixtape für diesen Roadtrip, ein bisschen Country, ein bisschen Rock'n'Roll, ein bisschen Disco und ein bisschen Queer. Carter Burwell ergänzt: "Wenn Sie die übliche lesbische Roadtrip-Krimi-Sex-Comedy-Musik erwarten, werden Sie nicht enttäuscht sein."

Fievel Is Glauque ist eine von der Kritik gefeierte genreübergreifende Indie-Jazz-Rock-Band unter der Leitung von Zack Phillips (NYC) und Ma Clement (Brüssel), deren Sound von The Fader als "cosmic randomness" (kosmische Zufälligkeit) beschrieben wird. FIG unterschrieben 2023 bei Fat Possum Records und beeindrucken ihre wachsende Fangemeinde weiterhin mit seltsam-schönen Songs. Ihr 2021er Debütalbum "God’s Trashmen Sent To Right The Mess" verwebt Aufnahmen von rund 30 Musikern in fünf verschiedenen Bands zu über 20 Songs, die Jazz-Fusion, Pop, Lounge und Soul zu einer einzigen freudigen Vision vermischen.

"Black Sheep" bringt einige der bisher schärfsten Texte und elektrisierendsten Darbietungen von Cakes Da Killa, der vollends seine Vielseitigkeit nutzt: melodische Hooks, noch raffiniertere Pointen und die charakteristische Stimme, die mit durchsetzungsfähiger, roher Kraft alles durchdringt. Während sich in den globalen Verhältnissen Dunkelheit abzeichnet, bietet Cakes neue Fluchtwege - nicht aus Fahrlässigkeit, sondern aus Erholung, um weiter zu kämpfen. Ihm eilt sein kritischer und gesellschaftlicher Beifall voraus: Er hat bei Glastonbury, Governors Ball, Sonar und Whole Festival gespielt und mit allen - von Honey Dijon über Injury Reserve bis Rye Rye - zusammengearbeitet.

12. Mr Black Sheep (LPX Bonus Track)
13. Chain Gang Pimpin (LPX Bonus Track)
14. The Mix (LPX Bonus Track)
15. Not The One (LPX Bonus Track)
16. Standing Ovation (LPX Bonus Track)

"Black Sheep" bringt einige der bisher schärfsten Texte und elektrisierendsten Darbietungen von Cakes Da Killa, der vollends seine Vielseitigkeit nutzt: melodische Hooks, noch raffiniertere Pointen und die charakteristische Stimme, die mit durchsetzungsfähiger, roher Kraft alles durchdringt. Während sich in den globalen Verhältnissen Dunkelheit abzeichnet, bietet Cakes neue Fluchtwege - nicht aus Fahrlässigkeit, sondern aus Erholung, um weiter zu kämpfen. Ihm eilt sein kritischer und gesellschaftlicher Beifall voraus: Er hat bei Glastonbury, Governors Ball, Sonar und Whole Festival gespielt und mit allen - von Honey Dijon über Injury Reserve bis Rye Rye - zusammengearbeitet.

Dieses Album enthält ausführliche Anmerkungen von Gründungsmitglied Harry Howard und wird zusammen mit den 2024-Remaster-Editionen ihres Debütalbums 'Get Lost (Don't Lie!)' und ihres zweiten Albums 'I'm Never Gonna Die Again' veröffentlicht. Auf der Tracklist dieses Albums finden sich ihre mitreißende, treibende Neuinterpretation von Alice Coopers 'Luney Tune' aus dem Jahr 1972 sowie Coverversionen von 'Open Up and Bleed' von Iggy Pop & James Williamson, 'Some Velvet Morning' von Lee Hazlewood, das Leadsänger Rowland S. Howard vor allem mit Lydia Lynch coverte, und 'Hey! Little Child' von Alex Chilton.

Die Band bestand aus dem in Australien geborenen Rowland S. Howard, der als Nick Caves Mitstreiter bei der Birthday Party bekannt wurde, seinem Bass spielenden Bruder Harry Howard, dem Schlagzeuger Epic Soundtracks (früher bei Swell Maps und Jacobites) und der Keyboarderin Genevieve McGuckin. Sie schlossen sich 1987 zusammen, nachdem Soundtracks und die Howard-Brüder sich von Crime & the City Solution getrennt hatten, und gründeten zusammen mit McGuckin These Immortal Souls in London.

Sucht by Erik Leuthäuser, released 26 April 2024, includes the following tracks: "Optional", "Anfang", "Panik", "Zurück" and more.

This version of Sucht comes as a 1xLP.

The vinyl is pressed as a red disc.

Bach und Jazz - diese Verbindung besteht seit mehr als 60 Jahren und ist mittlerweile längst nicht mehr neu - aber wieder immer neu zu entdecken. Und mit "About Bach" ist die aktuelle LP-Veröffentlichung der Vinyl-Edition Black Forest Sounds ein weiterer musikalischer und klanglicher Leckerbissen für Musikfreunde, eingespielt von Johannes Mössinger im Ensemblehaus des Freiburger Barockorchesters auf einem Steinway D-Flügel. Johann Sebastian Bach (1685-1750) ist unstrittig einer der wichtigsten Komponisten überhaupt. Seine Musik übt auf viele Musiker einen Reiz aus, vor allem aber auf Jazzer. Spätestens seit der Franzose Jacques Loussier Ende der 50er Jahre mit "Play Bach" die Grenzüberschreitung zwischen zwei Musikwelten etablierte, haben sich viele Jazzmusiker vor allem eben mit J.S. Bach beschäftigt und diesen immer wieder neu aufgearbeitet... Hier ein weiteres Meisterwerk, eingespielt vom Freiburger Pianisten Johannes Mössinger, der sich seit vielen Jahren (auch) mit Bach beschäftigt. Der 1964 geborene Musiker ist seit fast 30 Jahren auf der Jazzszene aktiv, unternahm aber Ausflüge in die Klassik und hat seit vielen Jahren immer wieder Bach-Themen aufgenommen. Im Jazz arbeitete er mit zahlreichen US-Musikern, wie Joe Lovano, Joel Frahm, Don Bradon und Adam Nussbaum zusammen, um mit denen vor allem seine eigenen Kompositionen zu präsentieren. Mösssinger hat seine ganz eigene Sichtweise auf Bach und kombiniert Bach mit seiner eigenen Musik: "Wie Mössinger Bach verwandelt, so verwandelt die Musik auch den Zuhörenden: Ein Gang durch eine sorgfältig kuratierte Gegenüberstellung, die den Blick auf Bach schärft, herausfordert und verändert. Bach hat sich bewegt, wurde bewegt, hat seine Räumlichkeit verändert und die Position gewechselt. Am Ende scheint ein anderes Licht darauf", schreibt die Musikerin und Autorin Maria Reich in den Liner Notes zur LP.

Wenn du nach Jena willst, dann musst du erst einmal durch diese einschüchternde, massive Mauer von elfgeschossigen Plattenbauten in Jena-Lobeda. Und SNOW TRAIL aus eben jener Stadt liefern mit "Abandoned Capsule" den perfekten Soundtrack fürs nächtliche Schlafwandeln durch diese oder andere Betonwüsten. Auf ihrem Debütalbum für It's Eleven Records treibt der Rhythmus mit stoischer Gelassenheit die Schatten voran, während die verhallte Gitarre und der pulsierende Bass in Melodiebögen durch die Dunkelheit mäandern. Der Gesang transportiert eine unterschwellige Aggression, die sich in gelegentlichen Ausbrüchen manifestiert, doch eine spröde, fließende Anmut behält insgesamt die Oberhand. Das Trio agiert minimalistisch und konzentriert die Songs auf ihre Essenz. Behutsam eingesetzte Synths (z.B. bei "Fragments Repeated" oder "Constructions") oder überraschend Alt-Saxophon bei "Murky Acrylic Windows" verstärken die düstere Sogwirkung. Die Songs für "Abandoned Capsule" entstanden größtenteils in den Pandemie-geprägten Jahren 2021/22. Die Perspektivlosigkeit dieser Zeit wirkt als Hintergrundstrahlung auch in den Texten noch nach. Dennoch haben SNOW TRAIL nun mit ihrem Album und einer stärkeren Einbindung von elektronischen Klängen einen neuen Weg beschritten, der ihren ursprünglichen Sound trotzdem nicht verleugnet.

'Welcome to Hotel Heaven' is a fresh start for is George van den Broek, a young man with an old soul and the voice to match. His music as Yellow Days fittingly, feels both of his era and completely other: a woozy mixture of soul, blues, psych, and groove leaking through the walls of a jazz lounge that's come unstuck in time. A self-taught multi-instrumentalist, George has never fit into one style or space. Despite George being an old soul — he hates social media, loves vinyl, and collects old cameras — Yellow Days really is a project about youth and modernity: “Hotel Heaven represents fake comfort in all its forms, this whole bullshit idea of luxury where nothing is real,” explains George. “There are so many young people who are living that kind of life. Because of the cost of living crisis, people are spending all they’ve got on a bag of white powder just to make them feel nice. Their jaws are still swinging at four o’clock in the morning, but they’re not saying anything. I wanted to write about these people and everything that is happening right now. This TikTok age where everyone wants to be famous. It’s also a big 360 of my life and career to date. I wanted to get away from everything I’d done before, wash my face and start afresh.” - Yellow Days

Ever since their auspicious beginnings, more than a decade ago, Laughing Bastards have giddily delighted in impurity. Initially a reeds-guitar-bass trio modeled after the classic Jimmy Giuffre 3, the band has remained truthful to its original spirit. Saxophone player Michel Mast and guitarist Jan-Sebastiaan Degeyter have remained its core, but the band went through several permutations, first welcoming Eline Duerinck (cello) and Marcos Della Rocha (for Unanimal in 2019) and solidifying its present-day line-up with bassist Cyrille Obermüller.

Bastards. It's kind of a rude word to throw around carelessly, but there has always been that element of being irregular, being too stubborn to comply with what is expected, that has set them apart. This is nowhere more evident than in the material contributed by Degeyter, who wrote more than half of the album's compositions. A talented illustrator and designer (he created a few of their striking album covers) as well as a versatile guitarist, Degeyter always manages to add a strong visual component to his material. In combination with his knack for pulling exotic influences into the band's overall sound, it leads to a playful, cinematic eccentricity.

"Tigraman" and "Black Spoon" are examples of this. Both are infused with an Ethiopian-tinged sound, but while the first one develops the catchy throbbing of a trance-like soul/rock tune, the second exudes the lush cadence of Golden Age Ethio jazz, the kind that gets under your skin with those sensual, irrepressible rhythms. They are a nice match with the increasing drama of the Slavic-tinged "Red Lemon", the slow, dreamy flow of the Jamaican dance hall-inspired "Sand", a strong feature for Duerinck, and "Dosi", that shows Obermüller's knack for propulsive melody.

The synesthete in Degeyter gets free reign in "Calliope", chamber jazz in which sweeping sax and cello are kept grounded by guitar, bass and drums. Mast's odd meter-song "Fetish" is another showcase for the band's effortless dancing and some gorgeous tenor schmooze. Della Rocha's "Turquoise" starts off in brooding, contemplative way and keeps simmering on a low, glowing fire. To top it off, there are a few covers that remind you of the band's origins. A new take on Giuffre's rootsy "The Train and the River" stresses their loose flexibility with an Americana style somewhat reminiscent of Charlie Haden, while Carla Bley's evergreen "Vashkar" gets a carefully constructed makeover to close out the album with grace.

On their latest album, Laughing Bastards prove they are a quintessential Belgian band - soaking up sounds and influences from all over the place while maintaining a tight unity - with an international appeal. Combining jazz and chamber music with ideas from pop music and multi-colored strains does not only give their music an iridescent edge, but also keeps the interplay fresh and inspired, something to return to while waiting to see them live on stage.

2024 Repress

"Communication", das erste, wirkliche Soloalbum des Ex-Kraftwerkers Karl Bartos, kam 2003 in die Läden und damit 13 Jahre nach Bartos" Ausstieg bei den Düsseldorfer Elektronikern. 2016, und damit wiederum 13 Jahre später, erscheint das Album, komplett remastert und mit dem Bonustrack "Camera Obscura", erneut. "Communication" ist jedoch keine bloße Wiederveröffentlichung. Es ist der Reload eines Pop-Klassikers, der heute thematisch aktueller ist denn je. ""Communication" handelt davon, wie Bilder unsere Sicht auf die Welt bestimmen und wie sich durch elektronische Medien die Inhalte unserer Kultur verändern", so Bartos anlässlich der Veröffentlichung im Jahr 2003. 2016 hat dieses Thema an Dringlichkeit und Wahrhaftigkeit nichts eingebüßt. Ganz im Gegenteil. Heute ist die Medienwelt, die das Album beschreibt, so alltäglich geworden, dass ihre Wirkmächtigkeit gar nicht mehr wahrgenommen wird. Spannend: Obwohl zehn Jahre früher erschienen, kann "Communication" energetisch nahtlos an Bartos" gefeiertes letztes Album "Off The Record" (2013) anschließen.

Born of Austin's underground musical melting pot; Glassing's 2017 debut album `Light and Death' erupted out of the famously genre-resistant scene. 35 minutes of harrowing blast beats, searing angular feedback and frontman/bassist Dustin Coffman's sandpaper screams that set out to redefine the idea of heavy music to better reflect increasingly heavy times. Two subsequent full-length releases, 2019's `Spotted Horse' and 2021's `Twin Dream', plus especially the band's last release, the eponymous two-track EP, `Dire and Sulk' paved way for the new longplayer. More discordant, more distorted and somehow even angrier than before `From the Other Side of the Mirror', Glassing prove that uncertain times call for decisive measures. Recorded across two years of intense fits and starts, affectionately nicknamed `Hell Weeks' by the band, `From the Other Side of the Mirror' is a metaphysical foray into the fractured, warped impressions of ourselves that exist only in the minds of others. Working again with producer Andrew Hernandez, who the band liken to a fourth member at this point, Glassing pushed themselves harder, faster and more punishing than ever before. As their first full-length release with Osment and their first release on Pelagic Records, `From the Other Side of the Mirror' became an opportunity for a new beginning, free of any pre-existing limitations or thresholds. As Coffman tells us, "This allowed us to forgo a lot of the convention and structure we've relied on in the past, the substitution was for raw expression. Kindred to the emotions that birthed it, this record is spirited, painful and unmethodical." There's an indescribable, beautiful rawness to this album that comes from Glassing throwing everything on the table in plain sight, rather than polishing ideas for the benefit of others until they're unrecognisable, perfect and fake. FFO Portrayal of Guilt, Neurosis, Converge, Botch, Pelican, Unsane, This Will Destroy You, Chat Pile, Old Man Gloom, Départe

Born of Austin's underground musical melting pot; Glassing's 2017 debut album `Light and Death' erupted out of the famously genre-resistant scene. 35 minutes of harrowing blast beats, searing angular feedback and frontman/bassist Dustin Coffman's sandpaper screams that set out to redefine the idea of heavy music to better reflect increasingly heavy times. Two subsequent full-length releases, 2019's `Spotted Horse' and 2021's `Twin Dream', plus especially the band's last release, the eponymous two-track EP, `Dire and Sulk' paved way for the new longplayer. More discordant, more distorted and somehow even angrier than before `From the Other Side of the Mirror', Glassing prove that uncertain times call for decisive measures. Recorded across two years of intense fits and starts, affectionately nicknamed `Hell Weeks' by the band, `From the Other Side of the Mirror' is a metaphysical foray into the fractured, warped impressions of ourselves that exist only in the minds of others. Working again with producer Andrew Hernandez, who the band liken to a fourth member at this point, Glassing pushed themselves harder, faster and more punishing than ever before. As their first full-length release with Osment and their first release on Pelagic Records, `From the Other Side of the Mirror' became an opportunity for a new beginning, free of any pre-existing limitations or thresholds. As Coffman tells us, "This allowed us to forgo a lot of the convention and structure we've relied on in the past, the substitution was for raw expression. Kindred to the emotions that birthed it, this record is spirited, painful and unmethodical." There's an indescribable, beautiful rawness to this album that comes from Glassing throwing everything on the table in plain sight, rather than polishing ideas for the benefit of others until they're unrecognisable, perfect and fake. FFO Portrayal of Guilt, Neurosis, Converge, Botch, Pelican, Unsane, This Will Destroy You, Chat Pile, Old Man Gloom, Départe

UK mainstay Subb-An makes a welcome return with this fresh new EP on Aesthetic. It finds him in great form with opener 'Seeing Colours' heading off down a nice liquid minimal route with crisp tech drums and twinkling synths up top to bring the magic. On the flip side is 'Plants', a rather serene and sublime cut with more rolling drums and plenty of deft synth designs that bring a certain celestial charm to the fizzing leads. Snad's remix then shuts things down with a more driving sense of tech house rhythm to complete a tasteful EP of heady sounds.

Originally released on Nice & Ripe in 1994 produced by Grant Nelson, Si Firmin & David Thackeray. Re issued & Remastered for the first time on DTR. This is an essential piece of UK Garage & Classic House in the same style as their 24hr Experience / GOD releases. Limited Pressing so act fast!

Die offizielle Wiederveröffentlichung des Dub-Klassikers "Scientist Encounters Pac-Man" ist als 2LP-Edition mit Poster (60x60 cm) erhältlich! Die Aufnahmen des Originalalbums von 1982 finden sich auf der ersten LP, sie wurden mit den Musikern der Roots Radics in Bestbesetzung im Channel One Studio eingespielt und im King Tubby Studio abgemischt. Am Mischpult saß Hopeton Overton Brown, besser bekannt als Scientist, und für die Produktion zeichnete Linval Thompson verantwortlich. Auf der zweiten LP finden sich die dazugehörigen Versionen der Sänger u.a. von Eek-A-Mouse, Linval Thompson, Dennis Brown und den Viceroys und den Meditations. Für dieses herausragende Re-Issue Projekt wurde die Top-Adresse, was Audio-Mastering in Europa angeht, die Firma Soundmasters in London, engagiert. Das dazugehörige Artwork von Tony McDermott hat bis heute nichts an seiner Faszination verloren.

Sechs Jahre sind seit dem letzten Longplayer "Du bist so symmetrisch" (2018) des Schweizer Duos Klaus Johann Grobe vergangen und man hört, dass sie einen weiten Weg zurückgelegt haben. "io tu il loro", ihr viertes Album für das in Chicago ansässige Label Trouble In Mind Records, wurde innerhalb von zwei Wochen in einer Hütte ganz am Ende eines abgelegenen Schweizer Tals geschrieben, wo - ziemlich genau an der gleichen Stelle - Klaus Johann Grobe im Jahr 2014 ihr komplettes Debütalbum "Im Sinne der Zeit" erdachten. Was damit begann, einfach mal wieder Musik zu machen, wurde schnell zu einer ernsthaften Arbeit an einem neuen Album. Alles, was es brauchte, war eine echte Pause: Dani und Sevi arbeiteten nicht an irgendwelchen Grobe-bezogenen Sachen, bis sie sich 2022 in den Bergen trafen. Einmal beschlossen, wurde das Ganze recht schnell fertiggestellt und Ende 2022 noch einmal in David Langhards Dala Studio aufgenommen. "io tu il loro" ist eine Platte, die nicht durch endloses Herumspielen an hunderten von Ideen und Sounds zustande kam. Es ist ein Album mit einer verschwommenen Vision und weichen Grenzen. Irgendwie spürt man, dass die beiden nachsichtig auf ihre Arbeit zurückblicken und dann zu dem übergehen, was sich richtig anfühlt. Hier sind wir also mit neun Tracks voller umarmender Wärme, so melancholisch einladend, dass man nicht weiß, ob man lächeln oder weinen soll. Manche mögen es zeitlos nennen, manche mögen es Dad-Rock nennen... nun, es ist sicherlich keine Disco für die Massen, es ist mehr wie "Wenn ich mich nach vier Bieren nicht zum Tanzen bringen kann, kann ich genauso gut nach Hause gehen." Also, keine Disco? Keine synkopischen Synthies? Kein Deutsch? Kein Reverb? Wo ist Grobe? Nimm dir die Zeit und du wirst merken, dass Klaus Johann Grobe nicht weg sind, sie haben nur eine Biegung genommen_

Nick & Astro are reunited as Potatohead People on this sweaty teaser 7" for their latest album 'Eat Your Heart Out'. On "Paradise", the boys have hotly tipped Canadian artist Diamond Café on for vocals. Diamond delivers a stunning vocal performance on this early 80s influenced slice of digital sex funk that comes in somewhere between Sade, El Debarge and Prefab Sprout. The man describes his music as "bathing in a cloud of honey on a very foggy night", and we couldn't agree more.On the flipside, Nick Wisdom dubs out the original, flexing the bassline's muscles with additions of swirling synth work and little bites of keyboard funk. The 7" is out worldwide on April 19th and "Eat Your Heart Out" hit severywhere on May 10th.