Suche:nu

Five years after the release of their last studio album, legendary UK musical institution, Soft Machine, return with a brand new CD/LP,

Other Doors. Boasting new material and two numbers drawn from their extensive historical repertoire, Other Doors finds the band on their usual fiery form.

Featuring John Etheridge (guitars), Theo Travis, (saxes, flutes, Fender Rhodes piano, electronics), Fred Thelonious Baker (Fretless bass),

John Marshall (drums), Other Doors also features two guest appearances from long-serving bassist Roy Babbington, who retired from the band in 2021.

Other Doors was recorded at Temple Music Studios, a facility owned by the late Jon Hiseman during July and August 2022.

It’s a location of which the band is particularly fond, explains John Etheridge. “Working at Jon Hiseman’s studio was special,

especially with Ru Lemer who is a brilliant engineer. He’s fantastically quick and that’s very good as we record mainly live in the studio. It’s come out really well and I think it sounds great.”

On Other Doors they’ve revisited the very first album, originally released in 1968, to include Kevin Ayers ‘Joy Of A Toy. Fred Baker, makes his studio debut with Soft Machine.

A well-known figure on the Canterbury Scene not only is he the perfect choice for the group but he’s also is a long-term fan of the repertoire.

“The way I look at it is that this is all great music which we’re continuing to preserve and keep alive as we play it but also we’re adding to it all the time,” he explains.

The idea for revisiting the number was Theo Travis’ he says and has been part of the band’s live setlist for a while.

The album also contains Penny Hitch, a track originally heard on 1973’s Soft Machine Seven.



If the album ushers in a new member in the shape of Fred Baker, it also acts as a fond farewell to drummer John Marshall, who joined Soft Machine midway through the recording of 1972’s Fifth.

At the age of 81 Marshall has decided to retire making Other Doors his final studio album with the group. “I’ve known John since 1975 when I first joined Soft Machine and of course,

we’ve worked through the years together intermittently ever since. His drumming always meant a lot to me,” says Etheridge.

“We worked over three days in the studio and John played great. It sounds terrific.”

Indeed, Marshall is on whip-cracking form throughout the album bringing his trademark musicality and decisive presence.

With Other Doors, he brings his distinguished career to a rousing conclusion.

Intense, celebratory, and consistently impressive. Other Doors is the sound of a group determined to press forwards with an

integrity and sense of purpose that’s quintessentially and definitively Soft Machine.

One of Japan’s most riveting artists follows that KAKUHAN mindmelt from last year (our number 5 album, 2022) with an engrossing suite of wild field recordings and polymetric percussion featuring a whole raft of additional players weaving drums, wind and brass instruments, cello and electronics into a bewildering Acousmatic matrix. Highly recommended listening if you’re into Marginal Consort, Beatrice Dillon, Will Guthrie, Mark Fell, François Bayle.

Having made his mark on these pages over the last few years with appearances as part of Japan’s cult entities Goat and YPY, Koshiro Hino’s turn last year as KAKUHAN took things to a whole other level with an album that felt like some alchemical mix of elements borrowed from Autechre, Photek, Arthur Russell and Mica Levi - a complete stylistic futureshock that worked as well in the club as it did fuelling extended flights of the imagination.

For 2023, Hino takes us into a completely different headspace, assembling a cast of 11 players - the mighty Joe Talia and KAKUHAN’s other half Yuki Nakagawa among them - for a suite of untamed field recordings, clanging percussion, brass and synthesis that are about as far removed from the diaristic ambient de jour as you could possibly imagine. Instead, the ensemble conjure vibrant sound ecologies teeming with detail, mirroring the natural world and communal traditions to form shapeshifting, organismic soundworlds.

‘Geist II’ was written for 20 speakers, referencing François Bayle’s acousmatic music and David Tudor’s electro-acoustic environments. It paints a richly detailed scene of a nocturnal rainforest, replete with avian hoots and a skin-crawling patina of insectoid chatter that moves around the soundfield, stealthily growing in density with a more “musical” presence of super low end drone and drums converging form the peripheries to a ritualistic climax. In the second part, focus shifts to remarkably pure percussion-like tropical rain, invaded by swarms of scuttling and winged invertebrates that give way to a water music-like polymetric slosh, resolving to ringing tones and more mellifluous gestures that hark back to GRM’s most poetic, romantic urges.

It's a deeply psychedelic experience that harmonises tiny electronic fluctuations with bird calls and scraped, resonant drones that phase in-and-out of the mix. It's sound you can practically chew, and another crucial despatch from the contemporary Japanese avant-garde.

'Live at Radio City Music Hall' features performances by Nubya Garcia and Khruangbin.

Ein einzigartiges Album, das 1999 seiner Zeit weit voraus war und ein absoluter Klassiker ist! Dieses Album ist eine Mischung aus Folk, Death Metal und Pagan Metal. Zum ersten Mal auf Vinyl!Ich lernte Hollenthon 1999 kennen, als "Domus Mundi" veröffentlicht wurde. "Domus Mundi" ist seitdem ein Lieblingsalbum, das ich mir immer wieder gerne anhöre, weil es einen unendlichen Wiederspielwert hat und eineneinzigartigen Stils, den keine andere Metal-Band nachahmen kann. Umso erstaunlicher, dass alles von einem Mann geschaffen und arrangiert wurde, nämlich von Martin Schirenc, der vor allem durch seine Arbeit bei Pungent Stench bekannt ist.Dieses Album lässt sich am besten als orchestraler Extrem-Metal beschreiben, aber auch episch, volkstümlich und mittelalterlich sind angemessene Adjektive für dieses Werk. Schirenc beweist, dass er nicht nur ein
großartigerSchirenc beweist, dass er nicht nur ein großartiger Gitarrist ist, sondern auch ein brillanter Arrangeur, der gregorianische Gesänge, Spoken Word, ethnische Musik aus dem Nahen Osten, neuseeländische Kriegsgesänge und jede Menge klassische Musik in seine Musik integriert.

Die Samples reichen von Rimsky-Korsakoffs "Sheherezade" bis zu einem Dudelsackfilm aus dem Film Braveheart, zu gesprochenen Samples aus Ridley Scotts Legend und vielem mehr. Diese Samples verleihen dem Album eine einzigartige Note und machen es extrem abwechslungsreich, etwas, das man so noch nie gehört hat. Schirenc verwendet einfache Songstrukturen und setzt Hooks in seiner Gitarrenarbeit ein, um lange Songs und sich wiederholende Strukturen interessant zu halten.

Wenn Afrob ein neues Album produziert, darf man zurecht alles erwarten. Er lässt sich nicht beschränken und geht jeden Weg. Das gilt auch für „König ohne Land“. Die neue Platte erscheint im Juni ’23 und stellt die Vielfalt des Godfather of Deutschem Rap erneut unter Beweis. Seit 25 Jahren dabei, ist er der letzte seiner Art und der erste, der voran in eine neue Richtung geht. Er repräsentiert HipHop immer
noch wie am ersten Tag. Er ist so real wie man es nur sein kann. Er kennt die Geschichte des Games und ist immer offen für neue Sounds. Und genau so ist auch die neue Platte. Von der Ansage im Intro bis zum letzten Gospel im Schlussstück rundet sie sich musikalisch wie textlich.

Reissued on vinyl for the very first time. Originally released in 1983, this reggae lovers album was recorded by Scientist, produced by Bunny Lee, with the best of Jamaican musicians like Sly & Robbie, Jackie Mittoo, Winston Wright, Earl Chinna Smith ans more...

Edwards was born in Jamaica in 1938 where he was raised with fourteen siblings. Strongly influenced by Nat King Cole, he began performing at the age of 14. He came to the attention of Chris Blackwell in 1959. Edwards had four number one singles in Jamaica between 1960 and 1961, all self-written ballads with Latin-influenced music.

When Blackwell set up Island Records in London in 1962, Edwards travelled with him. Edwards worked as a singer and songwriter for Island, recording as a solo artist and also duets with Millie Small, as well as performing duties such as delivering records. He wrote both "Keep On Running" and "Somebody Help Me", that became number one singles in the United Kingdom for The Spencer Davis Group. He continued to work as a recording artist himself, with regular album releases through to the mid-1980s. Much of his later work was produced by Bunny Lee, and he also worked with The Aggrovators.

Wenn Afrob ein neues Album produziert, darf man zurecht alles erwarten. Er lässt sich nicht beschränken und geht jeden Weg. Das gilt auch für „König ohne Land“. Die neue Platte erscheint im Juni ’23 und stellt die Vielfalt des Godfather of Deutschem Rap erneut unter Beweis. Seit 25 Jahren dabei, ist er der letzte seiner Art und der erste, der voran in eine neue Richtung geht. Er repräsentiert HipHop immer
noch wie am ersten Tag. Er ist so real wie man es nur sein kann. Er kennt die Geschichte des Games und ist immer offen für neue Sounds. Und genau so ist auch die neue Platte. Von der Ansage im Intro bis zum letzten Gospel im Schlussstück rundet sie sich musikalisch wie textlich.

Repress coming!

High Focus Records is proud to present 'Put That Soul On Me' a brand new 3 track offering from arguably one of the best voices to emerge from these shores in recent years : Rag N Bone Man.
Since having been introduced to the world via High Focus Records in early 2013, Rag N Bone Man's career has flourished in an incredible way and it has become a widely known fact that, as cliche as it may sound, he is the next big thing. From gathering attention from the likes of tastemakers Zane Lowe, Rob Da Bank, Mistajam & getting daytime radio play on BBC Radio 1 among others to working with Hip Hop legend DJ Premier and touring all over the country with chart toppers Bastille, it is a proven fact that Rag N Bone Man's voice has the power to touch the hearts of millions no matter what genre of music you are into. With such a universally recognised talent, its going to be hard for nay sayers to deny the infectious flute grooves of 'Put That Soul On Me' or the slow pounding bass of 'Across The Sky'.
Dirty Dike, normally known for his outlandish lyrics and larger than life provocative character takes the back seat on this release, allowing his signature crunchy production to do the talking. Dirty Dike's instrumentals provide the perfect back drop for the smooth rumblings of Rag N Bone Man, the pair complement each other perfectly as the beat and the voice are just as heavy as one another, both putting on a fantastic display of skill and raw talent which has been synonymous with all High Focus Releases.
The title track, 'Put That Soul On Me' is a catchy celebration song, a festive underground tune praising 'that neat sweet soul' whilst denigrating those 'wack ass drums and played out synths' over swirling flutes. Following the festivities we have 'Across The Sky', a bass heavy downtempo number which explores the side effects of different drugs, upon which our protagonist asks for a helping hand before the heart wrenching saxophone kicks in. High Focus Records fans will be pleased to see that the infamous Rag N Bone Man 'exclusive Bars' from the HFTV channel is finally seeing an official release. 'My Business', which set the internet on fire upon its release on the channel, getting retweeted by the likes of super producers DJ Premier and 9th Wonder, is the third track on this project and features a guest verse from Contact Play legend Ronnie Bosh. With these three unmissable tracks on one piece of wax, The 'Put That Soul On Me' 12'' is going to be the soundtrack to your summer.

Jam Baxter returns with two new tracks 'The Stump' produced by Chemo X Last Japan & 'Red Hawaiian', produced by Zygote, the Strange U producer. These limited edition white double A side 7" vinyls are being released in conjunction with his newly released book 'Off Piste' - which sold out in under 12 hours. All records are hand numbered and come in a printed sleeve with 3mm spine & black paper inners. Limited to 500 copies (only 200 left), never to be repressed, get yours while stocks last.

This was the sole release of ghostly electro wizards Zed, released in1983 by the mysterious couple of J.K. Eller and J.P. Enten. Universal love meets artificial intelligence in this feverish number.

Mit ihrem 2020 erschienenen Debütalbum hinterließ das aus Hull in Nordengland stammende Post-Shoegaze- und Dream-Pop-Quartett bdrmm deutliche Spuren und machte einen Aufschlag, von der jede junge Band nur träumen kann. So wurde Bedroom vom Clash-Magazin als “a heady, forward-thinking shoe gaze distillation” gefeiert, der Guardian rief einen Song der Band zu “one of the underground hits of lockdown” aus, während der NME dem Album fünf Sterne verlieh und es zu nicht weniger als “a modern day shoe gaze classic” erhob.

Jetzt bei Mogwai's Rock Action Records unter Vertrag, kehrt die Band mit 'I Don't Know' zurück, ihrem beeindruckenden zweiten Album, das mit den charakteristisch effektgeladenen Gitarren und Neu! Grooves aufwartet, für den Hörer aber auch einige Neuerungen bereithält wie den Einsatz von Piano, Streichern, Electronica, Sampling und dem gelegentlichen Dance-Beat. Bdrmm-Fans werden nicht enttäuscht sein und die Fans von Radiohead, Ride, Mogwai, The Cure, die bdrmm noch entdecken müssen, würden gut daran tun, das spätestens jetzt mit 'I Don't Know' nachzuholen.

Mit ihrem 2020 erschienenen Debütalbum hinterließ das aus Hull in Nordengland stammende Post-Shoegaze- und Dream-Pop-Quartett bdrmm deutliche Spuren und machte einen Aufschlag, von der jede junge Band nur träumen kann. So wurde Bedroom vom Clash-Magazin als “a heady, forward-thinking shoe gaze distillation” gefeiert, der Guardian rief einen Song der Band zu “one of the underground hits of lockdown” aus, während der NME dem Album fünf Sterne verlieh und es zu nicht weniger als “a modern day shoe gaze classic” erhob.

Jetzt bei Mogwai's Rock Action Records unter Vertrag, kehrt die Band mit 'I Don't Know' zurück, ihrem beeindruckenden zweiten Album, das mit den charakteristisch effektgeladenen Gitarren und Neu! Grooves aufwartet, für den Hörer aber auch einige Neuerungen bereithält wie den Einsatz von Piano, Streichern, Electronica, Sampling und dem gelegentlichen Dance-Beat. Bdrmm-Fans werden nicht enttäuscht sein und die Fans von Radiohead, Ride, Mogwai, The Cure, die bdrmm noch entdecken müssen, würden gut daran tun, das spätestens jetzt mit 'I Don't Know' nachzuholen.

Anna Of The North veröffentlicht ihr 2022er Album 'Crazy Life' nun endlich auch auf Vinyl. Die limitierte coloured LP enthält darüber hinaus drei bisher unveröffentlichte Bonus-Tracks! Mit ihrem träumerischen und leichtfüßigen Indie-Pop besingt sie auf ihrem Album die Höhen und Tiefen des Lebens – inkl. 'Meteorite' feat. Gus Dapperton!

- Ltd. Col. LP: (White Vinyl)

2011 kam das schwedische Hard Rock Quintett Bullet zu Nuklear Blast. 2012 dann mit "Full Pull" der ersehnte Nachfolger zum gefeierten "Highway Pirates" Album. "Full Pull" schickt uns mit Vollgas in die Hölle und macht seinem Namen alle Ehre. Bullet packen einfach noch mal mehr von allem in ihre Songs, und rüsten mit mehr Riffs, mehr Energie, mehr Diesel, mehr AC/DC, mehr Accept und mehr Heavy Metal auf.. Mit 'Midnight Oil', dem superlässigen Titel-Track, 'Running Away' inklusive sexy Handclaps, 'All Fired Up' aus der alten Young/Young-Schule, 'Freeriding' mit dem ultimativen Mitmach-Basslauf sowie dem finalen, cool auf der Judas Priest-Welle surfenden Riff von 'Warriors', macht das album einfach tierisch Spaß. Ein Fest für jeden Liebhaber des rauen AC/DC-meets-Accept-Stils der Schweden. ROAR veröffentlicht 2 super limitierte, auf 150 Stück weltweit,
Black & Gold Vinyl Versionen.

2011 kam das schwedische Hard Rock Quintett Bullet zu Nuklear Blast. 2012 dann mit "Full Pull" der ersehnte Nachfolger zum gefeierten "Highway Pirates" Album. "Full Pull" schickt uns mit Vollgas in die Hölle und macht seinem Namen alle Ehre. Bullet packen einfach noch mal mehr von allem in ihre Songs, und rüsten mit mehr Riffs, mehr Energie, mehr Diesel, mehr AC/DC, mehr Accept und mehr Heavy Metal auf.. Mit 'Midnight Oil', dem superlässigen Titel-Track, 'Running Away' inklusive sexy Handclaps, 'All Fired Up' aus der alten Young/Young-Schule, 'Freeriding' mit dem ultimativen Mitmach-Basslauf sowie dem finalen, cool auf der Judas Priest-Welle surfenden Riff von 'Warriors', macht das album einfach tierisch Spaß. Ein Fest für jeden Liebhaber des rauen AC/DC-meets-Accept-Stils der Schweden. ROAR veröffentlicht 2 super limitierte, auf 150 Stück weltweit,
Black & Gold Vinyl Versionen.

"Ob man sie nun Darkwave, Synth-Pop, Post-Punk, EBM oder anders nennen sollte, was Body of Light machen, ist Tanzmusik. Und was die Tanzmusik angeht, so trifft sie jede Genusszone genau ins Schwarze." - Treble Bitter Reflection, das vierte Album der Wüstenbrüder Alex und Andrew Jarson alias Body Of Light, verfeinert ihren schwelenden, stürmischen Synth-Pop zu einer transformativen Suite von Hymnen, Träumereien und Abrechnungen. Nach dem Neo-EBM-Klassiker "Time To Kill" (2019) suchten sie nach Inspirationen aus versteckten Momenten in ihren eigenen Arkanen - Kassetten aus der Kindheit, Heimvideos, verworfene Demos - und stellten sich die Frage: "Wie können wir das wachsen lassen?" Gesampelte Schnipsel von Stimmen, Geräuschen, Synthesizern und Feldaufnahmen flackern in der Peripherie der 11 Tracks von Bitter Reflection auf und murmeln wie halb vergessene Nostalgien oder verdrängte Erinnerungen. Zusammen mit Josh Eustis von Telefon Tel Aviv, haben Body Of Light in Los Angeles eine erweiterte Palette von Live-Instrumenten - Klavier, Bass, Saxophon, Akustikgitarre - zusätzlich zu alten Akai-Samplern, Moogs und archaischer Hardware in Bitter Reflection integriert, was dem Album eine eklektische, unvorhersehbare Sound-Palette verleiht. Dies ist Musik zwischen den Zwillingsflammen von Wahrheit und Sehnsucht, Romantik und Realität, Katharsis und Kontrolle, geboren aus einem Band, das durch Jahre, Träume und Blut besiegelt wurde. Bitter Reflection führt durch eine Galerie der anhaltenden Faszinationen von Body Of Light: Depeche-eske Deklarationen des Schreckens und des Exzesses, grüblerische Dancefloor-Epiphanien, liebeskranke Spiegel-Balladen mit orchestralen Stabs von Art Of Noise und sanfte Thomas-Dolby-Melancholien der Stadtsilhouette.

"Ob man sie nun Darkwave, Synth-Pop, Post-Punk, EBM oder anders nennen sollte, was Body of Light machen, ist Tanzmusik. Und was die Tanzmusik angeht, so trifft sie jede Genusszone genau ins Schwarze." - Treble Bitter Reflection, das vierte Album der Wüstenbrüder Alex und Andrew Jarson alias Body Of Light, verfeinert ihren schwelenden, stürmischen Synth-Pop zu einer transformativen Suite von Hymnen, Träumereien und Abrechnungen. Nach dem Neo-EBM-Klassiker "Time To Kill" (2019) suchten sie nach Inspirationen aus versteckten Momenten in ihren eigenen Arkanen - Kassetten aus der Kindheit, Heimvideos, verworfene Demos - und stellten sich die Frage: "Wie können wir das wachsen lassen?" Gesampelte Schnipsel von Stimmen, Geräuschen, Synthesizern und Feldaufnahmen flackern in der Peripherie der 11 Tracks von Bitter Reflection auf und murmeln wie halb vergessene Nostalgien oder verdrängte Erinnerungen. Zusammen mit Josh Eustis von Telefon Tel Aviv, haben Body Of Light in Los Angeles eine erweiterte Palette von Live-Instrumenten - Klavier, Bass, Saxophon, Akustikgitarre - zusätzlich zu alten Akai-Samplern, Moogs und archaischer Hardware in Bitter Reflection integriert, was dem Album eine eklektische, unvorhersehbare Sound-Palette verleiht. Dies ist Musik zwischen den Zwillingsflammen von Wahrheit und Sehnsucht, Romantik und Realität, Katharsis und Kontrolle, geboren aus einem Band, das durch Jahre, Träume und Blut besiegelt wurde. Bitter Reflection führt durch eine Galerie der anhaltenden Faszinationen von Body Of Light: Depeche-eske Deklarationen des Schreckens und des Exzesses, grüblerische Dancefloor-Epiphanien, liebeskranke Spiegel-Balladen mit orchestralen Stabs von Art Of Noise und sanfte Thomas-Dolby-Melancholien der Stadtsilhouette.

Lisa Bassenge ist zurück, und sie hat Blumen mitgebracht. Mit "Wildflowers" vollendet sie ihre Trio-Trilogie, wieder mit Jacob Karlzon am Klavier und Andreas Lang am Bass - wie schon bei "Borrowed and Blue" (2018) und "Mothers" (2020).

Elf Songs sind es diesmal, scheinbar querbeet und doch aus einem Guss. Von Dolly Parton bis Depeche Mode reicht die Bandbreite auf "Wildflowers", von Bob Dylan bis Death Cab for Cutie. Dazu Lisa Bassenges hintergründig-melancholische Eigenkomposition "Morning Song". Ein bunter Strauß, aber so wie die drei ihn arrangieren und darbieten, wirken die einzelnen Stücke nicht zusammengewürfelt, sondern wie Kapitel einer Erzählung. Jedes schillert für sich, doch das Ganze ist mehr als die Summe seiner Teile.

Das gilt auch für das Trio selbst. Die beiden Musiker - Jacob Karlzon aus Schweden und Andreas Lang aus Dänemark - betten Lisa Bassenges unverwechselbare Stimme in einen warmen, im besten Sinn skandinavischen Sound: entspannt, aber stets verbindlich; sehr spielfreudig, aber nie aufdringlich. "Dieser Sound hat uns gefunden", sagt Lisa Bassenge. Und auf "Wildflowers" haben die drei ihn zur Vollendung gebracht. Jeder Takt des Albums bezeugt die unglaubliche Chemie zwischen der Sängerin und den Musikern.

Was die Songs außerdem verbindet, ist die Qualität der Lyrics. Es sind poetische Texte von existentieller Tiefe, und in Lisa Bassenges eindringlicher Interpretation und glasklarer Phrasierung werden sie zum berauschenden Kopfkino.

Ist das nun Jazz, Pop oder Chanson? Mit "Wildflowers" zeigt das Lisa Bassenge Trio einmal mehr souverän, wie fließend die Grenzen zwischen vermeintlich ganz unterschiedlichen Genres sind. Diese Musik braucht keine Schublade. Es geht ihr um die Schönheit und Wahrheit der Songs.

Niemand hätte im Jahr 2023 damit gerechnet, dass beim Keep It True Festival die ganze Halle den Refrain von „Somewhere Up In The Mountains“, die heute sehr rare Single aus dem Jahr 1981, mitsingt und dann auch noch ein neues, quasi erstes Album erscheint! Gute Zeiten für NWOBHM Fans!

MARQUIS DE SADE aus London wurden 1979 gegründet neben der heute unbezahlbaren 7“ Single „Somewhere Up In The Mountains/Black Angel“ gab es 1981 auch noch ein Tape mit vier Songs. Bassist Pete Gordelier ging in Folge zu Angel Witch und ist auf diversen Alben zu hören. Keyboarder San Remo startete 1982 mit Sanctus, deren gesammelte Werke (zwei Tapes) 2015 bei High Roller veröffentlicht wurden.

2005 wurden die Aufnahmen von MARQUIS DE SADE (Single und Tape) als Bootleg veröffentlicht. High Roller Records folgten schließlich 2012 mit einer offiziellen Version auf CD und LP. 2015 coverten Roxxcalibur den Song „Somewhere Up In The Mountains“ auf ihrem dritten, erfolgreichen Album „Gems Of The NWOBHM“ und verhalfen dem Titel zu zusätzlicher Popularität. Diese Umstände führten schließlich 2019 zur Reunion von MARQUIS DE SADE, nach einem Todesfall nun zu fünft mit drei Originalmitgliedern. Alte und
neue Ideen wurden ausgearbeitet und man nahm nach all den Jahren endlich das erste Album „Chapter II“ auf. Zeitgleich konnte man nach Corona die ersten erfolgreichen Clubshows spielen und schließlich, im April 2023, der Ritterschlag auf dem renommierten Szenefestival Keep It True bei Tauberbischofsheim.

„Chapter II“ ist nicht nur ein Fest für NWOBHM Fans und Liebhabern von britischem Heavyrock im Allgemeinen, sondern weist auch epische und pompöse Elemente der Marke Magnum auf. Die natürlich gehaltene Produktion, getrennt für CD und Vinyl gemastert, sorgt für ein authentisches und dennoch druckvolles Hörerlebnis.

Nobody would have expected in 2023 that at the „Keep It True Festival“ the whole hall sings along the chorus of „Somewhere Up In The Mountains“, the now very rare single from 1981, and then also a new, practically first album is released! Good times for NWOBHM fans!

MARQUIS DE SADE from London were founded in 1979 and besides the today priceless 7“ single „Somewhere Up In The Mountains/Black Angel“ there was also a tape with four songs in 1981. Bassist Pete Gordelier subsequently joined Angel Witch and can be heard on several albums. Keyboardist San Remo started Sanctus in 1982, whose collected works (two tapes) were released by High Roller in 2015.
In 2005, the recordings of MARQUIS DE SADE (single and tape) were released as a bootleg. High Roller Records finally followed up in 2012 with an official version on CD and LP. In 2015, Roxxcalibur covered the song „Somewhere Up In The Mountains“ on their third successful album „Gems Of The NWOBHM“ and helped the track gain additional popularity.

These circumstances finally led to the reunion of MARQUIS DE SADE in 2019, now with five original members after a death. Old and new ideas were worked out and they finally recorded the first album „Chapter II“ after all these years. At the same time they were able to play the first successful club shows after Corona and finally, in April 2023, the accolade at the renowned scene festival Keep It True near Tauberbischofsheim.

„Chapter II“ is not only a feast for NWOBHM fans and lovers of British heavy rock in general, but also features epic and pompous elements of the Magnum brand. The naturally kept production, mastered separately for CD and vinyl, makes for an authentic yet powerful listening experience.

Lewis II was the follow up to Lewis Taylor's epochal, self-titled debut album. It was initially released in 2000 and this double LP release, its first ever vinyl edition, has been heavily anticipated for nearly a quarter of a century. It's often years before most listeners catch up with an album's breathtaking vision and devastating execution, and so it has proved with Lewis II; it stands up exceptionally well today.

After Island rejected Lewis Taylor's second release (later released as The Lost Album), he returned to the studio to record Lewis II. Less esoteric than Lewis Taylor, Lewis II is a more polished, sophisticated funk and mature uptempo soul than the dark psych-soul of his debut. The production, whilst slicker, is a bit tougher, with more crisp, R&B-flavoured grooves and head-nod beats and more bass pumping up his voice. The vocal intensity present on album number one doesn't abate. Indeed, as Lewis himself noted, "my voice is better on Lewis II and the vocals are high in the mix."

The moody funk of "Party" sounds like a mad blend of Riot-era Sly Stone and Brian Wilson. It rides a stuttering drum machine groove with acapella harmony vocals arriving halfway through to stay for the duration. "My Aching Heart", with its clean, slick, late 90s R&B drums, could surely have been a single. Perhaps Lewis's idiosyncratic melodies would've been too challenging for the charts. Lewis *had hoped* "You Make Me Wanna" would be a single but the dank, organ-drenched groove, coupled with the growling eroticism of Lewis's vocals would've, again, made this beyond the pale for most mainstream music fans. Somewhat incongruous acidic synths and bleeps give way to a laconic summertime groove on breezy highlight "The Way You Done Me", all funky acoustic guitars and stunning, good-time vocals. Sumptuous ballad "Satisfied", a real fan favourite, marries unusual instrumentation with classic soul-ballad structure and closes with a monster guitar solo which almost out-Princes Prince in its gritty melodicism, set against sweeping strings of real majesty. Prog-Funk-Rock!

The dubbed-out, spaced-out "Never Gonna Be My Woman" is the closest the album comes to classic D’Angeloesque neo-soul, with echoes of the esoteric funk featured across Maxwell's contemporaneous Embrya. But what follows is on some next level business. As Lewis's biggest fan, Geoffrey Scull, noted, "the "I'm On The Floor" / "Lewis II" / "Into You" song cycle stacks up against any other consecutive 15 minutes of recorded music, ever!" And who are we to argue with that? These could've been hits for Justin Timberlake during his fascinating Timbaland-collaborating days, such is the sonic and textural pop experimentation at play here. The extraordinary title track sounds like an outtake from Marvin Gaye’s Trouble Man and spends its last third as a searingly dark piano-led psychedelic-guitar-crunching soul instrumental. Just astounding. And then. AND THEN! The way it segues into, er, "Into You" is just straight up genius. Goosebumps galore on this one, no words can describe its celestial brilliance. Just kick back and be beguiled by the "Let me come on over again" refrain that ornately adorns its sensational coda. Phew.

The swoonsome, lovelorn ballad "Blue Eyes", apparently written in the spirit of Marvin’s "Vulnerable", is a lush, slow swinger with some gorgeous noir touches. To close, Lewis completely retools Jeff Buckley’s beloved, beautiful "Everybody Here Wants You" and, while talking some liberties, even manages to surpass the original. Yes, really! With soaring, fiery vocals set against icy piano and psychedelic guitars, Lewis recasts Buckley's effort as dramatic, ethereal soul.

When it came to translating the original CD booklet into a 12 inch LP sleeve, thanks to some suggestions from Cally Callomon (head of Island’s art department, who designed all the sleeves for Lewis’s two Island albums and their singles) and his trusting us with his “Lewis Taylor” folder full of various negatives, test prints and whatever else he was able to salvage from the old Island art department, we’ve gotten pretty close to what the original LP sleeve would’ve looked like if it existed. Simon Francis’s vinyl mastering, presents the eleven tracks over a double LP so, as ever, the record sounds outstandingly good. The records have been cut by Cicely Balston at Air Studios and pressed at Record Industry.

Das Tingvall Trio feiert 2023 sein zwanzigjähriges Bandjubiläum. Besonders bemerkenswert ist, dass das Trio seit der Gründung bis zum vorliegenden neunten Album, BIRDS, immer in der gleichen Besetzung agiert. Neben dem Pianisten und Namensgeber Martin Tingvall am Piano sind dies Omar Rodriguez Calvo am Kontrabass und Jürgen Spiegel, der für Drums und Percussion verantwortlich zeichnet. Und die Drei in Hamburg ansässigen Musiker haben es geschafft, in diesen vielen Jahren eine Erfolgsgeschichte zu schreiben, die ihresgleichen sucht: mehrere ECHO JAZZ Preise als Ensemble und Live-Act des Jahres, insgesamt sechs JAZZ Awards in Gold, zwei Impala Awards für internationale Verkäufe, eine ganze Serie von No.1 Jazz Chart Alben und viermalige hohe Platzierungen in den Deutschen Top 100 Album Charts - im deutschen Jazz durchaus als herausragend zu bezeichnen. Mit BIRDS erreicht diese Entwicklung nun ihren vorläufigen Höhepunkt.
Wie immer ist Martin Tingvall für alle Kompositionen verantwortlich, die Stücke wurden aber vom Trio gemeinsam in Proben und Konzerten zur Aufnahmereife in Arrangement und Spiel erarbeitet. Und natürlich findet man auf dem Album wieder Titel mit Ohrwurmcharakter, wie etwa 'Woodpecker', 'Hummingbird' oder 'Air Guitar'. Wunderbare Balladen wie 'The Day After' mit einem gestrichenen Kontrabass von Omar Rodriguez Calvo, wechseln sich ab mit Stücken wie 'Africa', das sich in seiner Leichtigkeit sofort in die Gehörgänge schraubt. 'SOS', der Hilferuf, unserer Erde endlich eine Überlebensperspektive zu geben, bietet virtuosen Tingvall Trio Sound und eine berührende Komposition. Mit seinem Solo - Stück 'Call For Peace' steuert Martin Tingvall abschließend einen besonders introvertierten Moment bei.

First Ever Vinyl Reissue (released in collaboration with the Numero Group)

180g BLACK vinyl limited to 500 copies (w/obi strip). Non-Returnable.

Little is known about the mythical band ‘Heart-Soul & Inspiration’ and their band leader, L.A. drummer and producer Vince Howard…The crooning Howard got his start in 1957 on Herb Newman’s Era label where he released a bunch of excellent Doo Wop, Funk & Soul singles. Over the ensuing decade Howard slowly began piecing together his “Orchestra” consisting of bassist Jimmy Soul, guitarist Ron Carr, and pianist John True.

Howard’s Heart-Soul & Inspiration Orchestra cut their self-titled (and only) album in 1974 for John Spriggs’ Los Angeles-based Viscojon concern under the watchful eye of R&B godfather Johnny Otis.

The result was the birth of an astonishing piece of art filled with playful sexy moans, climaxing grooves and soulful hooks. One of the many highlights on the album (and clocking in at an epic eleven minutes), Vince Howard’s “I’m Gonna Love You More” is a tantric reimagining of Barry White’s 1973 sexually charged classic. Where White was content delivering a subtle and syrupy innuendo, Howard transformed the break-heavy track into a meandering funk workout.

Sadly, after their Barry White/Isaac Hayes facsimile LP failed to gain traction, the group released their final recordings—“Funk on Down” b/w “Fallen Angel”—for Viscojon in 1975 which became a hit among prominent DJ’s in the nightclub circuit. This ushered in the end for Howard’s Heart-Soul & Inspiration project.

Heart-Soul & Inspiration was a true example of a bright light burning out way too quickly. Thankfully we are left with the unique (and very rare) document that is their self-titled album. Almost impossible to get ahold of…a well-deserved reissue has been long overdue. This is an album that deserves a prominent place in every serious Funk & Soul enthusiast’s record collection!

FÜR FANS VON: Manowar, Queensryche, Kamelot, Savatage, Running Wild, Vicious Rumors.

In einer Zeit, in der kulturelle Innovationen so stark wie nie zuvor in den Hintergrund gedrängt werden und viele außergewöhnliche Musikformen der Versuchung des kommerziell lukrativeren Mainstreams erliegen, sind Virgin Steele der hell scheinende Silberstreif am Himmel. Seit mehr als 40 Jahren hält Mastermind David DeFeis mit seinem exzellenten Songwriting und seiner charismatischen Stimme eine der ideenreichsten Bands des
Power Metal-Genres auf Kurs. Gleichzeitig hat DeFeis nie aufgehört, sich als Komponist, Musiker und Produzent weiterzuentwickeln und seinen symphonisch gefärbten Sound mit spannenden neuen Einflüssen zu aktualisieren. Dies ist ihm mit Klassikern wie ‚Invictus‘ (1998), ‚The House Of Atreus I & II‘ (1999/2000) oder ‚Visions Of Eden‘ (2006) bereits mehrfach gelungen. Auf dem aktuellen Album ‚The Passion Of Dionysus‘ setzt DeFeis seiner unbändigen Kreativität nun die Krone auf. Mit brillanter Handschrift manövriert er das Werk durch ein packendes Gleichnis über Kontrolle und Freiheit und sorgt acht Jahre nach dem umjubelten Studio-Opus ‚Nocturnes Of Hellfire & Damnation‘ (2015) für einen weiteren Höhepunkt der Virgin
Steele-Karriere. Veröffentlicht wird ‚The Passion Of Dionysus‘ am 30. Juni 2023 über Steamhammer/SPV als Digi-CD (inklusive Poster), als
Gatefold-Doppel-LP und in digitaler Form. Bereits vorab werden Virgin Steele drei Singles auskoppeln.

The tenth volume of Numero's elaborately packaged Cabinet of Curiosities series, L80s finds the group exploring the far-flung corners of the global downtempo underground. This 12-song mix tape weaves icy hot coldwave, Sausalito seafood jazz, Glaswegian goth, makeshift Madonna, Sade spoofs, and Brat Pack balearic into a high-waisted, party-ready pair of danceable denim.

Applaus für GRAVEYARD, die mit „Lights Out“ nicht nur die Erwartungen erfüllt, sondern diese sogar noch übertroffen haben, denn auch wenn man sich für „Goliath“ als Single-Auskoppelung entschieden hat, auch jede andere Nummer hätte sich diesen Status verdient. Kurzum: Mit „Lights Out“ machen die Burschen klar, dass alle Spots auf sie gerichtet werden müssen! Zweifarbige Neuauflage!

From Elvis in Memphis retains the distinction of being the most cohesive, passionate, mature, and emotionally invested record Elvis Presley ever made. Named one of the 500 Greatest Albums of All Time by Rolling Stone, the white-soul landmark features backing by "The "Memphis Boys" and teems with rhythm-heavy country, gospel, R&B, and blues. Lauded for its natural, open sonics, the 1969 set now comes across with remarkable clarity, presence, and warmth courtesy of a premium restoration befitting a king.

Mastered from the original master tapes, pressed on MoFi SuperVinyl at RTI, and strictly limited to 10,000 numbered copies, Mobile Fidelity's UltraDisc One-Step 180g 45RPM 2LP box set of From Elvis in Memphis unearths the ravishing inner detail, sticky rhythms, and brilliant arrangements of Chips Moman's inspired production. In short, this unparalleled reissue unlocks the spirit and gestalt of the recording and takes you inside American Sound Studio. It also brings you up close and personal with Presley's singing – widely considered by many to represent the finest of his career – located dead-centre amidst the instrumental hurricane. Equally impressive are the contributions of the aforementioned Boys, and how their Southern-brewed playing – a balance of leisure with swiftness, grandiosity with concision, freedom with control – dovetails with Presley's vernacular.

The lavish packaging and gorgeous presentation of the UD1S From Elvis in Memphis pressing befit its extremely select status. Housed in a deluxe box, it features special foil-stamped jackets and faithful-to-the-original graphics that illuminate the splendor of the recording. No expense has been spared. Aurally and visually, this UD1S reissue exists as a curatorial artifact meant to be preserved, pored over, touched, and examined. It is made for discerning listeners that prize sound quality and production, and who desire to fully immerse themselves in the art – and everything involved with the album, from the images to the finishes.

Sharing much in common with the full, rich, orchestrated Stax Records sound, From Elvis in Memphis oozes with choice nuances and distinctive flourishes that on this ultra-hi-fi edition not only arise with previously unheard transparency and sharpness, but complement and serve the whole. Take the specific tonalities and blending of violas, cellos, and horns that communicate mood and serve as counterpoints. Or lively performances of the backing quintet, and how the piano and Hammond organ trace the lines of the melodies and Presley's lead. Listen to the uplifting support provided by the cadre of backing vocalists (more than a dozen credited), unrivalled in Presley's canon and a precursor to the approach he'd soon adopt in Las Vegas.

Of course, From Elvis in Memphis precedes the icon's transition into his glitzy jumpsuit phase – and follows his merciful move away from the hoary soundtrack work that consumed nearly a decade of his creative life and prompted a rebirth that began in 1968. As the bridge between eras, the record seizes on Presley's rejuvenated attitude and commitment to quality, facets that drip from the fervency with which he delivers every word. For the same reasons, and for the fact it traces back to Presley's original roots and hip-shaking guise, the album further remains a cornerstone of American music history.

Writing about the work's 40th anniversary for Rolling Stone, James Hunter correctly observed: "From Elvis in Memphis represented the full-on immersion in the Memphis idea of Elvis Presley, the American singer second only to Frank Sinatra for the ability to conjure a particular sonic universe with his merest vocal utterance. And from the album's first song, in which a bluesy Elvis espies a woman 'Wearin' That Loved On Look,' to its last, in which a more straight-up-pop Elvis regrets the injustices of life 'In the Ghetto,' his fully engaged, newly energized voice finds its most logical album setting in years."

Incredibly, Presley and company completed more than two dozen cuts for From Elvis in Memphis. One, "Suspicious Minds," turned into the vocalist's final chart-topping single and lingers as one of his most beloved rock n' roll numbers. Even though it never formally appeared on the record, the non-album song is included here as a bonus track and attains newfound depth, energy, and swagger. Coupled with the other dozen tracks – including the sultry "Power of My Love," balladic take of Dallas Frazier's "True Love Travels on a Gravel Road," and driving cover of Hank Snow's I'm Moving On" – it makes for the finest Elvis listening experience available.

A kind of hush pervades throughout Standards Vol VI, the latest release by The National Jazz Trio of Scotland, the ironically named project helmed by Falkirk’s musical polymath, Bill Wells, that is neither a trio, nor a jazz band. If this collection of ten covers probably comes closest to the latter in its late night renditions of actual standards, the presence of long-term NJToS member and collaborator Aby Vulliamy as the record’s lone vocalist adds to its solitary air. This follows Standards Vol IV (2018), which featured fellow NJToS co-founder Kate Sugden as primary vocalist, while Gerard Black, a member of the group since 2016, took centre stage in similar fashion on Standards Vol V (2019). Wells has long been a fan of Vulliamy, both of her work as a viola player with numerous collaborators, and as a singer.

Vulliamy played viola on Everything’s Getting Older, Wells’ 2011 collaboration with Arab Strap vocalist Aidan Moffat. Wells went on to play melodica on Vulliamy’s solo record, Spin Cycle, released on Karaoke Kalk in 2018. With the intent of producing the saddest heartbreak record ever made, Wells sourced a back catalogue of miniature epics, reinterpreting each tale of everyday yearning to make a canon of melancholy loungecore designed for nights in alone, if not always lonely. Beyond the concept of isolation behind Standards Vol VI, practical concerns added to the affair, with Wells recording backing tracks at home in Glasgow, while Vulliamy added her voice from her home in Yorkshire. The result on Standards Vol VI is a thing of quiet beauty that sees Wells and Vulliamy reimagine a panoply of pop classics in their own aloof sounding image.

Shades of Margo Guryan and Claudine Longet abound in Vulliamy’s delivery over Wells’ woozy, low-slung guitar and piano, with samples culled from a session with Teenage Fanclub’s Norman Blake. Little electronic percussive clicks and hisses lend things an even more otherworldly air on a record bookended by opener, Donovan’s proto hippy classic, Catch the Wind, and Dixieland miniature, Careless Love. The eight points in between take in a first half led by The Beatles’ normally jaunty We Can Work it Out, flipping the loveable mop-tops’ perky optimism for something more soul searching. This is followed by I Wish You Love, Albert Beach’s English language version of French songwriter Charles Trenet’s evergreen, Que reste-t-il de nos amours. The Bee Gees lost classic, To Love Somebody, is up next, with more impossible to answer questions coming in Why Can’t I?

The latter is a Rodgers and Hart composition that first appeared in the duo’s 1930 Broadway musical, Spring is Here, in which the show’s two heroines commiserate each other over their shared loneliness. Wells stumbled on the song in a tatty Rodgers and Hart songbook, which, like its subjects, had been left on the shelf before he and Vulliamy brought it in from the cold. The second half of Standards Vol VI leads with Matchmaker, Matchmaker, Jerry Bock and Sheldon Harnick’s much covered evocation of a pre dating app era from their 1964 hit musical, Fiddler on the Roof. This is followed by Billy Rose and Dave Dreyer’s showbiz staple (with Al Jolson also taking a credit), Me and My Shadow. While made famous by showbiz double acts ranging from Frank and Sammy to Robbie and Jonathan, here it flies decidedly solo. Johnny Mercer and Hoagy Carmichael’s Skylark comes next, a song inspired by Mercer’s yearning for Judy Garland. We hear ya, bub. The most downbeat take on Bacharach and David’s The Look of Love you’re ever likely to hear comes next, ushering in the short farewell of Careless Love, before the lights are turned out forever. Yeah, well. Whatever gets you through the night…

Das Amsterdamer Indie-Rock-Quartett Loupe erkundet auf seinem Debütalbum 'Do You Ever Wonder What Comes Next?' Themen des jungen Erwachsenwerdens, des Lebens in der Großstadt und menschlicher Beziehungen in einem Geflecht aus mitreißenden Harmonien, frei fließenden Rhythmen und ausdrucksstarkem Gesang. Dabei gelingt es der Band, einen zugleich aufregenden wie hypnotisierenden Sound zu entwickeln.

Loupe sind Julia Korthouwer (Gesang, Keybord - sie/ihre), Jasmine van der Waals (Gitarre - they/them), Lana Kooper (Bass - sie/ihre) und Annemarie van der Born (Schlagzeug - sie/ihre). Fu?r die Band fällt mit ihrer viel beachteten, ersten Single 'Leave Me There' plötzlich alles an seinen richtigen Platz. Loupe veröffentlichen zwei fantastische EPs - 'Older' (2021) und 'Spring '19' (2022) - und erspielen sich den Ruf einer beeindruckenden Live-Band. So werden sie gleich zweimal hintereinander zum Eurosonic Festival eingeladen und begleiten Bands wie Porridge Radio, Moss oder Lovejoy.

Nun veröffentlichen Loupe ihr Debütalbum 'Do You Ever Wonder What Comes Next?'. Darauf betrachten sie das Erwachsenwerden aus unterschiedlichen Perspektiven. Die Stücke erzählen von Selbstermächtigung, von der Suche nach dem eigenen Weg und einem eigenen Platz. Was die Band antreibt, ist das "Was kommt als Nächstes?" in der großen Frage, die der Albumtitel aufmacht; die ständige Bewegung, um diesen Silberstreifen über den Horizont hinaus zu jagen: unablässig auf der Suche nach Mut, Trost und Abenteuer im ruhelosen Jetzt.

Miles Davis is regarded to be one of the most influential and acclaimed figures in the history of jazz and 20th-century music. At the request of Columbia Records executive George Avakian, he formed his first regular quintet in 1955. After all members of the first quintet left Davis a few years later, he hired the core of the second quintet in 1963 and the final member in late 1964. The second quintet would record and play together until the end of the 60s.

Sorcerer is the third album by the Second Great Miles Davis Quintet. The quintet consisted of Miles Davis on trumpet, Wayne Shorter on tenor saxophone, Herbie Hancock on piano, Ron Carter on bass and Tony Williams on drums. It was recorded in May 1967 and contains a darker sound. The last song on the album, "Nothing Like You", features vocals by Bob Dorough.

Sorcerer is available as a limited edition of 2500 individually numbered copies on translucent green coloured vinyl.

After the recently released cooperation album "Nathan Johnston & The Angels Of Libra", the Angels are now releasing their first own work. Warm analogue sounds and a lot of groove. Guest musicians include Milo Milone (Rhonda) and also Nathan Johnston on Revelations. The project came about in a Danish holiday home, where producer & guitarist Dennis Rux, keyboardist Chris Hartel, bassist David Nesselhauf and drummer Lucas Kochbeck spent two weeks together writing instrumental songs and recording them on a 1980s TASCAM 388 8-track tape recorder . A large number of songs were created, some of which the band released on an independent album with singer Nathan Johnston. Other songs, some with other guest musicians, are now finding their way onto this album. "Revelations" sounds so varied that it would simply not be enough to classify it as a soul album; soundtrack-like film noir passages can be found here as well as progressive space rock elements.

A wild and funky collection of Afro grooves that was ahead of its time in 1977 and has become a collector’s item in recent years, especially due to the growing international interest in Colombian picó sound system culture. Fruko and his studio bands Wganda Kenya and Kammpala Grupo treat us to a diverse set of African and Caribbean styles, laced with crazy synths, psychedelic guitar and infectious pan-African polyrhythms. By the time Discos Fuentes released the album “Wganda Kenya Kammpala Grupo” in 1977, Wganda Kenya’s discography was expanding with many 45 singles and appearances in various artists collections. The group’s 1975 debut record “África 5.000” was a full length LP in the U.S. and a various artists compilation in Colombia, which was followed by the self-titled long player the following year. However, Kammpala Grupo, which shared the album’s title and was credited to three songs on the record, had never appeared before, yet was basically the same studio group as Wganda Kenya. Most likely the creation of this short-lived studio band was just a ploy by the label to make it seem like there were more groups playing the type of exotic afro tracks favored by the picotero DJs of Colombia’s Caribbean coast (especially in Barranquilla and Cartagena). 1974 Discos Fuentes’ management had sent musician, band leader and producer Julio Ernesto “Fruko” Estrada to the coast on an A&R mission to discover what people were dancing to in the verbenas (communal open air neighborhood parties) run by the owners of picó sound systems (decorated mobile DJ rigs). Always game for an adventure, Fruko was tasked with bringing some popular examples of these esoteric, hard-to-find African, French and Dutch Antillean records back to Medellín to serve as inspiration (or to outright copy) so that the label could enter into the growing regional market and spread its popularity to the interior of Colombia and other Latin American countries via its own studio creation, Wganda Kenya. Fuentes was always returning to exploit the rich African-rooted culture of the coast as it had with the cumbia and other regional genres before, so in a way it was not surprising that they were attuned to this particular niche phenomenon from a marginalized sector of the population. The most popular genres with the champeta dancers in the 70’s and 80’s were styles like Congolese rumba, highlife, afrobeat, juju, mbaqanga and soukous as well as the music of Haiti, Guadeloupe, Martinique, Curaçao and Dominica, all of which were fiercely guarded by the DJs who had managed to acquire them often through extreme means of travel, barter and intense digging. The record kicks off with the joyful ‘El Gallo Africano’ which features exquisite interplay between Sepúlveda’s highlife style guitar and an authentic-sounding African style saxophone, perhaps played by Carlos Piña. In reality it was ‘Go Call Police Chief’ by prolific Nigerian highlife guitarist Chief Oliver Sunday Akanite, aka Oliver De Coque. Next up is Kammpala Grupo’s ‘La Yuca Rayá’ (‘Grated Yuca’), written by Isaac Villanueva in a style he termed son haitiano which sounds much more like Zimbabwe Shona mbira music. Wganda Kenya’s ‘Caimito’ (star apple, a type of tropical fruit), on the other hand, is actually a cover of a relatively well-known Haitian merengue song. Kammpala Grupo then takes us from the French Antilles to the multi-cultural discotheques of Paris, where a cover version of Black Soul’s Afro-boogie anthem ‘Black Soul Music’ is retooled and renamed ‘King Kong’, perhaps in a nod to the 1976 remake of the monster flick of the same name. Side two introduces us to the infectious merengue rebita of Angola via ‘La riphyta’ with “Paparí”, aka Mariano Sepúlveda, doing the vocals and faithfully replicating the Angolan guitar style. ‘La Trompeta Loca’ (‘The Crazy Trumpet’), probably the nuttiest track on the album, is an ingenious cover of ‘Ye Gbawa Oo Baba (Tribute To Nigeria)’ by Joe Mensah of Ghana. As with all their covers of African tunes, this rendition tightens up the original with some pop sheen, more consistent drumming and higher production values, remaking it into a powerful slow-burning dance floor filler. This is followed by one of the most powerfully original songs to come out of the entire Wganda Kenya project, Mike Char’s reggae anthem ‘El Nativo’ with Joe Arroyo on vocals. The record ends on a more authentically Caribbean sounding note with the instrumental ‘El testamento’, a cheerful islands banger with bright brass, syncopated calypso beats and chunky cuatro guitar (or ukulele). The original was in the mento genre and titled ‘Sweet meat’, written and recorded by Jamaican trumpeter Bobby Ellis. First time reissue. 180g vinyl.

Selected by Jim O’Rourke for his Tone Glow list of 25 albums that “never got their due”, Org was founded in the early 90’s by Espen Jensen and Kjetil D Brandsdal who would later go on to variously record as Elektrodiesel, Noxagt and Ultralyd in the swirl of the highly active Norwegian underground. “Org" was the only album the pair recorded as a duo, pressed in a meagre edition of just over 100 copies which disappeared almost as soon as they were made, lodged in the memory of the select few who have managed to hear it in the years since.

Made up of three long tracks, the near 20-minute ‘001’ opens the album with an extended organ zone-out matched with scraping factory machinery saturated into a dense cloud of harmonic fuzz. There's something transcendental about the sound that intersects with microtonal Alice Coltrane (particularly the unfairly maligned organ-only edition of "Turiya Sings"), as well as Pauline Oliveros and Ramleh. It’s music that pulls you in subconsciously; before you know it, you're fixating on the uncomfortable grind of metal on metal, buried mechanical rhythms and liturgical organ vamps that wind between industrial cacophony and sacred ritual music. For its last few seconds, we go into a full death metal tearout that fades out before it takes full flight, a glorious wtf.

‘002’ connects between minimalist drone styles and shoegaze, distorting fuzzed organ into pliable, dreamlike warbles that end up sounding like Kevin Shields' ‘Loveless’-era glides, or even Sunn O))) at their most devotional. Never losing the numbing overdriven mettle, its a piece that sounds spiritually entwined with Matthew Bower's Skullflower - a minimalist re-reading of high-contrast guitar music that takes all the psychoacoustic power and none of the annoying posturing.

For ‘003’, subaqueous organ is joined by synth and drum machine, sounding like the inspirational spark for Religious Knives' screwed 'n chopped cosmic psychedelia. The choice of sounds links it to Antena's foundational electro samba recordings too, but the overwhelming drone - a constant on all three compositions - connects the music to minimalist spirituals that have simmered beneath the DIY/avant garde for decades.

‘Org’ sits heavy on the nerves with overproof levels of mulched amp worship and ungodly, palms-down organ chords and wheezing, bezonked lines of melodic thought. 25 years out of sight and marinading in the archives, with the benefit of hindsight we can better understand the role these sounds played in the development of music in the contemporary sphere. It’s an important piece of the puzzle, one that makes valuable connections that, over time, have looked progressively more faint.

Little Beat More, Do It Youssef, Not a Pub & Un Rêve Nu labels are glad to introduce ÈCH's latest work, a stunning display of musical mastery that will capture your heart and soul.
Led by Heddy Boubaker, the Toulouse-based band has created a sound that defies categorization, blending elements of free jazz and psychedelic afro-latin rhythm, and more to create a truly unique musical experience which they self described as "post-pfunk-afro-voodoo-weird-free-rock".

With 'Au nombre de joie' and 'Le bonheur des uns fait le malheur des autres', the ÈCH make up two little gems of music that take us back to a time when every note, every instrument was carefully thought out, down to the last detail, a time when music was made simply right.
The EP's artwork, created by painter, trumpeter and percussionist Walkind Rodriguez, represents with colors and shapes blending together to create oneiric flames, archetypal symbol of the band's soul, whose name is derived from a Hebrew word meaning 'fire'.

If you love music done with care, of musicians who pour their hearts and souls into every note, then you won't want to miss out on ÈCH's latest release. So sit back, close your eyes, and let the sound wash over you.

Bobby's 2019 tour ended in New York City and he had two days off before flying home to Finland. Leon invited him to the Diamond Mine to record some music. Bobby had been talking about wanting to stretch out lyrically and write about more esoteric subject matter, Leon was game. They recorded "Reasons" in one session which put the chemistry between the two on the world stage and sparked the idea of doing a full length album together. More than halfway through the recording process, they have decided to treat us to another two-sider of the new material. On the A side, "Whatcha Know" Bobby explores death and the human experience, putting his philosophical ponderings into his music. Michels' production and overall ethos is the perfect complement to Bobby's desire to stretch out his sound. EMA provides a gorgeous backing track that compliments Bobby's style and simultaneously broadens its scope. The B side "Losing It" is a dramatic and moving number that Bobby sings in Spanish and English. A gorgeous guitar riff is countered with eerie sound effects that crescendo when the drums come in. Bobby professes he's "Losing It" over a love too strong and El Michels Affair's production turns the whole affair into a saga that thunders through speakers.

International super group Bokanté, led by Grammy-winning Snarky Puppy founder Michael League, are set to release a brand-new studio album, History, via Real World Records consisting of nine tracks celebrating black history, global unity and the futility of war. The first single “Adjoni” is out today and you can watch the song’s official video below.

Consisting of members from five countries and four continents, different genders, races and generations working in harmony and celebrating individuality, Bokanté are united in the belief that music should be a voice for the voiceless. Recalling rhythms from West Africa as well as those of Guadeloupe’s drum-centric Gwo ka, lead single “Adjoni” is a story of a life on the spectrum and of brilliance in the margins; the lyrics of “Iliminé” speak to the protective properties of love, offer a mantra to keep us joyful regardless.

History finds them exploring further, dressing folkloric instruments including the Arabic oud, West African ngoni and North African guembri, the bass lute favored by Morocco’s Gnawa maalems, in western clothes. Interweaving layers of percussion with all the nuanced skill expected of four percussion maestros: André Ferrari of Swedish folk renegades Väsen. Ex-Berklee music professor Jamey Haddad (Sting, Paul Simon). Nagasaki-raised, New York-based Keita Ogawa (Cecile McLorin Salvant). Ghanaian-New Orleanian drum king Weedie Braimah (Christian Scott), a special guest on What Heat, a vital band member now.

100 Jahre Ligeti: Duo-Improvisationen inspiriert von György Ligetis Streichquartett Nr. 1 „Métamorphoses nocturnes“Am 28. Mai 2023 wäre der Komponist György Ligeti 100 Jahre alt geworden. Auch wenn ihn Filmregisseur Stanley Kubrick durch die Verwendung seiner Musik in dem Soundtrack für „2001: Odyssee im Weltraum“ bekannt gemacht hat, ist der Kosmopolit der Neuen Musik kein Publikumsfavorit geworden. Umso mehr Eindruck hat Ligeti bei den Musikern selbst hinterlassen. Mit seiner lebenslangen Suche nach neuen Wegen, von der Klangflächen-Musik über Mikropolyphonie bis zur Mikrotonalität hat er auch Jazzmusiker beeinflusst. Wenn sich ihm nun der herausragende französische Sopransaxofonist Emile Parisien und der Italiener Roberto Negro, den viele wegen seiner eigenen Projekte wie der Zusammenarbeit mit den Ceccaldi-Brüdern für einen der akt...

New album from Loma Prieta Loma Prieta are a Punk band from San Francisco, CA. For nearly two decades Loma Prieta have evolved in front of our eyes. With each release, they have elevated the post-punk sub-genre to high art without abandoning the heart at its core. All serving as an artistic reflection for their personal growth amid the complex world that surrounds us all. "Last" was recorded by engineer Jack Shirley at Atomic Garden Studios (Deafheaven, Gouge Away). It is comprised of eleven songs which took shape amid the turbulence the world has collectively faced over the last number of years. The emotional tension within each is palatable. At times, unfurling contemplatively with delicate melody while at others, exploding with sonic violence. All giving voice to the manic nature of the modern human experience.

Greet Death is a three piece post-rock band from Flint, Michigan. They initially made waves with their infectious debut album "Dixieland" (Flesh and Bone, 2017). The album was well received, with Pitchfork giving it a "7.7" rating and stating "...This is a remarkably tuneful, forthright pop-rock band that just so happens to play six-minute songs at bradycardic tempos". "New Hell" is the latest album from Greet Death. It was recorded by Nick Diener (The Swellers) at Oneder Studios. Additional recording was done by Jake Morse. It was all mastered by Jay Maas at Getaway Recording, and artwork for the release was created by illustrator Liam Rush. The album as a whole is a creative intermingling of lush melodic atmosphere with melancholic lyrical content. Within that haze their personal subject matter is cleverly cloaked amid beautiful vocal deliveries and dreamy guitar work. This is the case in songs "Circles of Hell", "Do You Feel Nothing", "Let It Die", and "You're Gonna Hate What You've Done". This not-so-subtle vitriol continues to spread through self reflection in unforgettable songs like "Entertainment", "Strange Days", as well as the tone-soaked "Strain". While "Crush" plays as a complex outpouring disguised as a hook-laden pop number. All of this leads to "New Hell", a nearly ten minute epic of towering proportions. Lovingly constructed before ominously swaying in the wind and collapsing under its own emotional weight.

„Blind Rage“ erinnert an die erste Blütezeit von Accept. Die Riffs und Refrains erinnern an legendären Titel wie „Restless and Wild“ und „Metal Heart“.

American Football (LP3) is the third album from the scene giants - American Football. American Football’s original triumph, on their 1999 self-titled debut, was to reunite two shy siblings: emo and post-rock. It was a pioneering album where lyrical clarity was obscured and complicated by the stealth musical textures surrounding it. Like Slint’s Spiderland, or Codeine’s The White Birch, even Talk Talk’s Laughing Stock, American Football asked far more questions than it cared to answer. But there wasn’t a band around anymore to explain it, anyway. The three young men who made the album – Mike Kinsella, Steve Holmes, and Steve Lamos – split up pretty much on its release. Fifteen years later, American Football reunited (now as a four-piece, with the addition of Nate Kinsella). They played far larger shows than in their original incarnation and recorded their long-anticipated second album, 2016’s American Football (LP2). The release was widely praised, but the band members still felt like their best work was yet to come. ‘I feel like the second album was us figuring it out,’ says Nate. ‘For me, it wasn’t quite done. I knew there was still more.’ Enter American Football (LP3). ‘We put a lot of time and a lot of energy into it,’ says Mike. ‘We were all thoughtful about what we wanted to put out there. Last time, it was figuring out how to use all of our different arms. This time, we were like – Ok we have these arms, let’s use them.’ The band used the same producer, Jason Cupp, and recorded the album at the same studio (Arc Studios in Omaha, Nebraska) as its predecessor – yet they approached it in a markedly different way. There was a determination to let the songs breathe, to trust in ideas finding their own pace. The final result is a definite, and deliberate, stretching of the band.

First time on vinyl! Formed from the ashes of the psych/sludge band Cruevo, and preceding guitar player Paul Kott’s work in Matt Pike-fronted Bay Area metal "supergroup" Kalas, High Tone Son Of A Bitch is an innovative, psychedellic stoner/doom band that pulls together a number of influential musicians from bands like Noothgrush, Kalas, Hammers of Misfortune, Men of Porn, Melvins, Hawkwind, Neurosis, High on Fire, Sleep, Witch Mountain, Saviours, Necrot, The Skull, Worshipper and more. This limited release is a vinyl version of the compilation that collects the group’s four EPs from 2003-2020 together.

Mike Viola is a producer, musician, songwriter and singer. Viola may be best known for his work with Panic! at the Disco, Andrew Bird, Ryan Adams, Jenny Lewis and Mandy Moore, but his solo career stands on its own starting with a number of acclaimed records as the leader of New York based cult favourite Candy Butchers and 7 critically adored Mike Viola records. His original music has been featured on soundtracks for movies such as That Thing You Do!, Walk Hard: The Dewey Cox Story and Get Him to the Greek. Decades into his career his music continues to resonate with and inspire new generations of musicians and music lovers. Viola is cranking out more music than ever including the fan favorites; “The American Egypt” from 2019 and “Godmuffin” from 2021. Paul McCarthy was recorded over the summer of 2022 on 1/2” tape at “Barebones”, Viola’s home studio in Los Angeles. Joined by his friends Jake Sinclair on bass and Brendon Urie on drums. Viola says, “I set out to make a sonic monster using the legs of James Gang Rides Again, the heart of Black Sabbath Paranoid, with my kid brain inside my greying middle aged head on top. I’ve hit a point in my life where instinct has taken the reins fully, logic now waits in the wings to sweep up the stage and pay the taxi fare home. This album is the result of committing to this path fully and laughing all the way.” Viola will support the album release with his first tour in over a decade with dates in Europe and the US in Winter/Spring 2023, and more dates to follow later in 2023.

La Orquesta Miramar was founded in 1975 by Jaume Cristau i Brunet and Lluis Soriano i Sánchez in Figueres (Girona). The 4 songs in this EP are in the orchestral Funk style and they clearly show the musical talent of the composer Jaume Cristau and the excellent level of all musicians.

The original edition has become highly sought because it is currently almost impossible to get a copy internationally.

Official reissue rescued by Dr. Vinylove and Musicom for collectors, 500 numbered copies remastered, high-quality vinyl that includes an insert with information about the band and pics.

Following hot in the footsteps of his debut HF release ‘Cocoa Butter’, ‘Off The Grid’ sees Renelle 893 team up with producer Bay29 on a body of work that offers an escape route from the monotonous every day; the duo taking us further and further off the beaten track, marrying moments of purest hedonism with stark reminders that the real world lies in wait, just after sunrise, with no pause button in sight.

Laying the foundations with summer anthem (and lead single) ’Spaghetti’, Renelle wrestles with the fleeting nature of youth, and his topsy turvy relationship with the finer things in life. The dynamic is both gritty and nostalgic as Renelle walks the fine line between Hollywood hedonism and slurry excess, his mood swinging between moments of invincibility and vulnerability, expertly scored by Bay29’s ethereal, bass dripping instrumentals.

Another SE London / Brighton hook up, one of many on the label in recent years, Renelle utilised his late night train rides to-and-from Bay29’s Brighton studio as an opportunity to refine the verses that make up the bones of the project.

Twelve-tracks; six vocal, six instrumental, ‘Off The Grid’ is the first in a series of new works from Renelle 893 & Bay29. A perfect scene-setter for what’s to come.

As Renelle 893 explains… “Off The Grid is about soul searching and figuring out what kind of adult I am looking to be, navigating a world filled with distractions that will do everything to numb the pain as life inevitably passes you by…”

Kitchen sink Scuzz n’ Bass from 1998 Tokyo. Existing somewhere between Drum n Bass, Musique Concrète, Free Jazz and Noise, Jigen (aka Taro Nijikama) ran the cult Shi-Ra-Nui imprint and was a lynchpin of Tokyo's underground music scene, working as much behind the scenes as in front of them.

There is an inherent grit to the work on display here. Jazz-inflected drums, echoing bells, dissonant flutes, and haunting piano work coarsely interact with skipping breaks and industrial atmospherics, punctuated by tense gasps of silence. Samples disintegrate and reappear, creating a kind of elliptical narrative, and the 9 tracks here perhaps trigger a disorienting sense of dèjá vu.

Originally released on CD by Shi-Ra-Nui in 1998, Double Circumflex is proud to present the first officially licensed reissue of Stone Drum Avantgardism by Jigen and introduces the prescient sound of Shi-Ra-Nui for deeper excavation into its shadowy fissures. Mastered and cut with maximum precision by Beau Thomas at Teneightseven.

Fleetwood Mac is the tenth studio album by British-American rock band Fleetwood Mac, released on 11 July 1970. This was the first Fleetwood Mac album with Lindsey Buckingham as guitarist and Stevie Nicks as vocalist, after Bob Welch departed the band in late 1974.

The album peaked at number one on the US Billboard 200 chart dated 4 September 1976, 58 weeks after entering the chart, and spawned three top-twenty singles: "Over My Head", "Rhiannon", and "Say You Love Me", the last two falling just short of the top ten, both at number 11.

Hi Scores is beyond excited to present SSR Records: In Retrospect. This 2LP compilation album presented in a beautiful gatefold sleeve and through all digital platforms, wishes to highlight the immense and hard to grasp legacy of the Brussels based label. SSR Records was founded in 1988 by Marc Hollander as a sub label of his Crammed Discs and spanned the nascent years of house, acid, rave, trance, new beat, hip-hop, future jazz and broken beat, collaborating internationally and racking up close to 200 releases until it was put to sleep in 2002. Far ahead of their time, SSR Records released music of both European and North American artists that hadn’t broken through yet, such as those collected on this compilation: Move D, Nu Era, Gemini, Bjørn Torske, Glenn Underground or Matthew Herbert.

SSR Records was run by Crammed Discs chief Marc Hollander and Minimal Compact singer Samy Birnbach aka DJ Morpheus. SSR Records: In Retrospect comes with extended liner notes, exploring the pivotal milestones in the history of the adventurous label and zooming in on the origins of all records featured on the compilation.

All nine tracks on SSR Records: In Retrospect were selected by Hi Scores’s head honcho Kong DJ and have been remastered. Created between 1990 and 1996 and in the at the time pioneering spheres of house, breakbeat, electro and trance music, these treasures from the vast SSR catalog today stand as a stunning testimony to a truly remarkable and timeless musical legacy. Kong DJ: ‘While collaborating with Crammed Discs on the releases of Aksak Maboul in 2016 and Zazou / Bikaye in 2018 on Ensemble, I began to grasp the impressive catalog of the label and its sub labels, including SSR. Surprised by the tiny footprint SSR had left on the world wide web - often the case for labels ceased before the internet revolution - I wrote an article for British website The Vinyl Factory.

This would later prove to be the first step towards this compilation album, collecting favorites from the label as a kid in a giant candy store.’

The long awaited 5th edition in the mysterious, yet white-hot edits series "it's a feeling"
A well-supported set of secret weapons - these always sell-out super quick !

Limited edition, hand-numbered, one time only pressing

In 2016, After Reissuing Two Bruce Haack Albums, Haackula And Electric Lucifer Book Ii, Telephone Explosion Began Speaking With Ted Pandel (bruce's Lifelong Friend And Business Partner) About Working On The 1970 Masterpiece The Electric Lucifer. It Turned Out There Was Another Matter That He Wanted To Discuss: Finding A Final Resting Place For The Bruce Haack Archive.

We Were Shown Test-pressings Of The Electric Lucifer Board Mixes From His Columbia Studio Sessions, Countless Pieces Of Written Music, A Large Number Of Personal Photos, An Invitation From Raymond Scott Inviting Bruce To Play His Newly Created Electronium
Instrument (now Owned By Devo's Mark Mothersbaugh), Poems, Press Clippings, And, Most Importantly, A Heavyduty Shelf Containing 213 Reel-to-reel Tapes. All Of The Chosen Material On The Preservation Tapes Is Unreleased, Has Only Been Heard By A Handful Of People And Showcases A Relatively Unknown Period In Bruce's
Musical Career Where Bruce Was Recording For Sparrow Records (who Billed Themselves As "america's Best Christian Music Record Label'). Bruce's Signature Farad Vocoder Continues To Feature Prominently, But The Lyrical Content Is Decidedly More Religious.
The Bruce Haack Archive Is Now Resting In The Provincial Archives Of Alberta, In Edmonton,
Alberta, Canada.

Repress.

Barely disco and hardly jazz, Rupa Biswas’ 1982 LP is the halfway point between Bollywood and Balearic. Tracked in Calgary’s Living Room Studios with a crack team of Indian and Canadian studio rats alike, Disco Jazz is a perfect fusion of East and West. Sarod and synthesizer intricately weave around one another for 37 transcendent minutes, culminating in the viral hit “Aaj Shanibar.” Remastered from original analogue source material and issued with permission and blessing of the producers and performers.

Vaccine is Younger Brother’s third studio album. Now available on vinyl for the first time. Remastered. Heavy Weight 180 gram vinyl

“What It Means To Be King'' is the first posthumous album from late Chicago legend, King Von. Known as one of the great storytellers in modern hip-hop, Von’s untimely passing in November 2020 came on the verge of him reaching superstardom, with his album “Welcome To O'Block'' hitting number thirteen on the Billboard 200. Fans can finally expect to hear the finished product of the lead single, “Don’t Play That,” which Von himself teased on social media while still with us. Joining Von, the album features appearances from 21 Savage, G Herbo, Fivio Foreign, Moneybagg Yo, Lil Durk, Polo G, A Boogie Wit da Hoodie, Dreezy, OMB Peezy, Boss Top & DqFromDaO. Long Live King Von. Pressed on silver & black marble vinyl; widespine sleeve; 12-page booklet.

Hand the king of re-edits Late Nite Tuff Guy the keys to an unreleased Silk recording from the ‘70s hey days and you’ve got yourself a recipe for greatness. A’s and Bees line up their second heavyweight 12 inch pressing, with two exhilarating edits from LNTG alongside the first ever release of the original recording. As ever 50% of the profits from this release will be donated towards the British Beekeepers Association.

It's rare to crack the vaults on a recording that’s as good as this, that never saw the light of day. Courtesy of ‘70s Philly International wonders Silk, most famed for their soul sensation ‘I Can't Stop (Turning You On)’ that was sampled by LF System for their 8 week strong number 1 release, ‘Somethin' 'Bout The Way’ has all the elements of a smash hit. As catchy as they come, singalong sensibilities and musicianship of the highest order with vocal harmonies to match, it’s genuinely astonishing that this never got released. Who better to tweak this into an all-out disco stomper, than re-edit royalty Late Nite Tuff Guy. His Disco Dub teases in, loops up and adds extra punch to all the elements that make the original such a standout track, before letting loose those joyous vocals. Big room, full body, DJ friendly business this!

On the B side, the original mix gets it’s first ever release, with LNTG providing a shorter edit of his full throttle re-work to round off the package.

Welcoming the inimitable DJ and Producer Dan Shake with his forthcoming EP Verde, set for release on May 26 2023.
Renowned for his infectious charm in the booth and an expert ear for funk, soul and disco rarities, the producer who cut teeth making maximum impact dancefloor groovers is now taking an introspective new direction. Dan was inspired after his relocation to Devon from London where a new found feeling of escapism and appreciation for nature allowed him to experiment with his own sound more than before, including using his own vocals at the forefront for the very first time.

Dan Shake (Daniel Rose-Weir) began his notoriety with the Mahogani Music released 3AM Jazz Club / Thinkin’ in 2014, using Moodymann’s seal of approval as a springboard for his ambitions. Even as dancefloor-igniting releases piled up year on year, such as the Ibiza-smashing ‘Claudia’s Trip’, or any number of Shake Tapes white label edits, Shake’s expertise as a DJ began to match his production chops. This makes for two combined sides of what Dan Shake represents: an explosion of colour, variety and flavour, no matter whether he’s jamming on a rotary in the booth, or juicing fresh joy from old samples in the studio. Basements, lofts, tents, festival stages with the production dialled up to 11 – all are welcome opportunities to let loose. But as his sound has evolved and his reputation as a killer DJ has grown, Shake’s love of connecting to the dancers in front of him has remained, well, unshakable.

The first ever release of electronic Jaglara, an obscure dance music being innovated in an area near the Sudan, Ethiopia, and Eritrea border called Fashaga.

Among the most raucous, hypnotic, addictive, and celestial dance styles being made anywhere in Africa, this heavy, mysterious sound is being led by one man: Jantra, which translates as "craziness," a moniker bestowed to celebrate both his personality and sound. Jantra is a rather unknown quantity even in Sudan, outside of the circles which have granted him cult status to perform at their humble gatherings or at street parties far from the gaze of the cities.

Jaglara, which roughly translates as improvisation, has no songs. Jantra simply freestyles a combination of his melodies incessantly for hours on end, acting as a live producer and DJ for emphatic crowds, where the energy of his 155 - 168 BPM music is known to inspire the odd gunslinger to raise and fire his pistol in the middle of the dance floor. His music is hopeful in a hopeless world, uplifting in spirit, ancient and new, childish and mature, familiar yet refreshingly obscure, fueled by the hypnotic Sera rhythm. His Yamaha keyboard is specially tweaked to achieve what you're hearing — the perfect, sweet key tone, literally universal in its appeal.

A hybrid reissue-contemporary album, Ostinato combined extracted individual melodic patterns, rhythms, and MIDI data from Jantra's Yamaha keyboard with his older cassette and digital recordings to recreate his lengthy sessions into individual dance tracks for a worldwide audience to reach the enviable frenzy of Sudanese crowds. This promising new dance music emerging from the deepest reaches of Sudan has never made its way outside of Jantra's parties, let alone outside of the country.

This record is confirmation that the many electronic styles being exported from Africa have a worthy sibling and rival—Jantra's signature electronic Jaglara from the Fashaga underground. It is a privilege of the highest order to be exposed to this unheralded, incredibly well kept rural Sudanese secret.

Limited edition sampler from Japanese producer CALM. These two tracks have been taken from the Japan only Music Conception release ‘Quiet Music Under The Moon’ that came out early 2023 . Featuring his signature ambient musical meditations. Mukatsuku has worked with Calm several times over the years releasing music on Exceptional Records plus compilations on Fuego (Moshi Moshi) & Kriztal (Sakura Aural Bliss) but this is the first time to release his output on Mukatsuku. Limited to 400 only hand-numbered copies

Egyptian-Australian DJ/producer moktar announces his second boundary-pushing five track EP, ‘Immigrant’. An expressive and considered journey that combines his Middle Eastern heritage and influential club sounds in one.

‘Immigrant’ sees moktar continue to bring traditional Arabic instrumentation into the club by weaving samples like polyrhythmic drumming and the Arabic Oud into experimental club music which has captured the attention of many tastemakers. Giant Swan, Anz, Tash LC, Raji Rags, Jamie XX, Bonobo, Groove Armada, Hudson Mohawke, Mary Anne Hobbs and Jamz Supernova all championed his highly favoured self-titled EP in 2021, which topped the Australian community radio charts as a number #1 most played alongside the global support it received. The release represented re-learning the value of his Egyptian heritage following racism and stereotyping growing up. ‘Immigrant’ expands on the story.

Debut single ‘Immigrant’ was released in September and served as a backdrop for moktar to air the stories of many as well as his own, told through a chopped vocal sample of Arsenal Football Club’s host and hype man, Frimpon. ‘North Africa’ and ‘Al-Duqqi’ are a homage to moktar’s roots. ‘Crossroads’ represents his need to push himself and grow in life and music, and ‘Send it’ (a term in Australia that means you're about to do something wild) also aims to represent Middle Eastern communities in Bankstown, Sydney.

moktar explains - “Through Immigrant I wanted to highlight the struggle many people all over the world go through to be accepted, while representing the community in Egypt, North Africa and Australia. Fusing Middle Eastern sounds into sounds into my music has been a big part of helping me become proud of who I am. I feel passionate about bringing these sounds to a wider audience in the hope it helps others in the identity struggle feel a sense of pride too”

The EP falls just as moktar’s highly anticipated debut EU tour comes to a close, playing b2b with DJ Plead at Phonox for Yung Singh, Adaptations Festival, Repercussions Festival, Werkhaus Festival, b2b with Mr Scruff at Field Day, Lost Village, Amsterdam for ADE with Kode 9, Rex Club in Paris, and Takseer festival Berlin.

Wytch Hazel melden sich fulminant mit einem neuen Album zurück!
Ihre musikalische Ausrichtung wird meistens als Hard Rock mit mittelalterlichen Anklängen beschrieben. Als wichtige Einflüsse werden häufig Thin Lizzy, Wishbone Ash und Jethro Tull genannt. Die drei Vorgänger-Alben erreichten auch bei deutschen Musikkritikern aus der Hardrock- und Metal-Szene gute bis sehr gute Bewertungen, u.a. war das 2020er Album 'III: Pentecost' im renommierten Deaf Forever-Magazin 'Album des Monats'. Mit fieberhafter Kreativität, progressiver Dynamik und beflügelt von charakteristischem Twin Guitar-Salven sucht die englische Band nach dem perfekten Sound - und ihrer ganz eigenen Interpretation von klassischem Hardrock. Und diese glitzernde Schatzkiste von 'IV: Sacrament' erweist sich als überaus würdiger Nachfolger des gefeierten Vorgängers. Ist es nicht nur die beste Produktion des Quartetts aus Lancashire, sondern auch ihre durchgehend stärkste Sammlung von ergreifenden Hooks und zeitlosen Melodien.

ROCK HARD
Soundcheck #3
"…Wer sich vor dem Kauf des Albums ein Bild vom "neuen" Sound der Briten machen möchte, kann sich auf YouTube ´A Thousand Years´ reinziehen. Im Grunde ist das für Kenner der Band aber nicht nötig: Wer WYTCH HAZEL bisher mochte, wird auch an ihrem neuen Album seine helle Freude haben."

ECLIPSED
"... Auf "IV: Sacrament" geht es zwischen Riffs und Gitarrenduellen oft melodisch, aber immer heftig zur Sache, Luft holen kann man nur bei einem anderthalbminütigen Zwischenspiel. Dass die Songs verhältnismäßig kurz sind, ist hierbei allerdings ein kleiner Wehrmutstropfen, da die Band mit dem epischen siebenminütigen Finale 'Digging Deeper' deutlich zeigt, dass sie gerade in der Langform zu bestechender Form aufläuft."

VISIONS
"…In den zehn Songs auf IV: Sacrament operieren Wytch Hazel mit allen Soundcharakteristika ihrer Vorgängeralben. Das bedeutet massig Reverb auf mittig abgemischten, analogen Gitarrenamps und wenige Spitzen in Riffing und Gesang. All das wird durchzogen von träumerischen Gitarrenleads, die Hendras sich gerne mit Alex Haslam teilt und in The Fire's Control oder A Thousand Years auch mal an den Songanfang setzt…"

powermetal.de
"…Dass eine Band auch mit dem dritten Studio-Album noch Weltklasse sein kann in heutigen Zeiten, in denen die meisten wirklich guten Bands ja komplett als Hobby-Truppen agieren kommt kaum vor (Ausnahme ATLANTEAN KODEX?). Auch das vierte Album ist also eine Großtat, eine 43-minütige Traumreise. Vielleicht sehe ich es in ein paar Monaten sogar auch auf Zehner-Niveau. Im Moment muss es sich mit 9,5 Punkten zufrieden geben. Klar gab es dieses Jahr noch keine stärkere Veröffentlichung, aber zur Perfektion fehlt halt das letzte kleine bisschen (noch). Das ist für mich ok."

Wytch Hazel melden sich fulminant mit einem neuen Album zurück!
Ihre musikalische Ausrichtung wird meistens als Hard Rock mit mittelalterlichen Anklängen beschrieben. Als wichtige Einflüsse werden häufig Thin Lizzy, Wishbone Ash und Jethro Tull genannt. Die drei Vorgänger-Alben erreichten auch bei deutschen Musikkritikern aus der Hardrock- und Metal-Szene gute bis sehr gute Bewertungen, u.a. war das 2020er Album 'III: Pentecost' im renommierten Deaf Forever-Magazin 'Album des Monats'. Mit fieberhafter Kreativität, progressiver Dynamik und beflügelt von charakteristischem Twin Guitar-Salven sucht die englische Band nach dem perfekten Sound - und ihrer ganz eigenen Interpretation von klassischem Hardrock. Und diese glitzernde Schatzkiste von 'IV: Sacrament' erweist sich als überaus würdiger Nachfolger des gefeierten Vorgängers. Ist es nicht nur die beste Produktion des Quartetts aus Lancashire, sondern auch ihre durchgehend stärkste Sammlung von ergreifenden Hooks und zeitlosen Melodien.

ROCK HARD
Soundcheck #3
"…Wer sich vor dem Kauf des Albums ein Bild vom "neuen" Sound der Briten machen möchte, kann sich auf YouTube ´A Thousand Years´ reinziehen. Im Grunde ist das für Kenner der Band aber nicht nötig: Wer WYTCH HAZEL bisher mochte, wird auch an ihrem neuen Album seine helle Freude haben."

ECLIPSED
"... Auf "IV: Sacrament" geht es zwischen Riffs und Gitarrenduellen oft melodisch, aber immer heftig zur Sache, Luft holen kann man nur bei einem anderthalbminütigen Zwischenspiel. Dass die Songs verhältnismäßig kurz sind, ist hierbei allerdings ein kleiner Wehrmutstropfen, da die Band mit dem epischen siebenminütigen Finale 'Digging Deeper' deutlich zeigt, dass sie gerade in der Langform zu bestechender Form aufläuft."

VISIONS
"…In den zehn Songs auf IV: Sacrament operieren Wytch Hazel mit allen Soundcharakteristika ihrer Vorgängeralben. Das bedeutet massig Reverb auf mittig abgemischten, analogen Gitarrenamps und wenige Spitzen in Riffing und Gesang. All das wird durchzogen von träumerischen Gitarrenleads, die Hendras sich gerne mit Alex Haslam teilt und in The Fire's Control oder A Thousand Years auch mal an den Songanfang setzt…"

powermetal.de
"…Dass eine Band auch mit dem dritten Studio-Album noch Weltklasse sein kann in heutigen Zeiten, in denen die meisten wirklich guten Bands ja komplett als Hobby-Truppen agieren kommt kaum vor (Ausnahme ATLANTEAN KODEX?). Auch das vierte Album ist also eine Großtat, eine 43-minütige Traumreise. Vielleicht sehe ich es in ein paar Monaten sogar auch auf Zehner-Niveau. Im Moment muss es sich mit 9,5 Punkten zufrieden geben. Klar gab es dieses Jahr noch keine stärkere Veröffentlichung, aber zur Perfektion fehlt halt das letzte kleine bisschen (noch). Das ist für mich ok."

Der 3. April 2022 war ein sehr trauriger Tag in der Welt des Punk, der Mode und darüber hinaus. Eine Ikone ist viel zu früh von uns gegangen, aber sie wird aufgrund ihres Vermächtnisses nie vergessen werden. Der Name "Jordan Mooney" war der Stoff, aus dem Legenden gemacht sind! Sie ist "dabei gewesen, hatte es gesehen, hatte es getan", in einer ganzen Reihe von unterschiedlichen Bereichen, vom Balletttanz bis zum Live-Auftritt von Ziggy und dem Treffen mit dem großen Mann; vom Punk sein und aussehen, bevor es Punk überhaupt gab; vom Miterleben der Gründung der Sex Pistols direkt vor ihren Augen zusammen mit Malcolm und Vivienne; von der Schauspielerei in zukunftsweisenden Filmen; vom Scherzen mit Andy Warhol; vom Management von Adam & The Ants und der kurzen Heirat mit einem von ihnen; und von der späteren Karriere als Tierkrankenschwester. Jordan hat in ihren knappen 66 Jahren viel erreicht, aber was auch immer sie anpackte, sie tat es mit vollem Einsatz. Jordan war sich selbst und anderen treu und genoss das Vertrauen all derer, die das Vergnügen hatten, sie zu kennen und zu treffen. Am Sonntag, dem 29. Mai 2022, versammelten sich Hunderte von Menschen in Brighton zum "Official Jordan Mooney Charity Memorial Concert", um das Leben dieser wirklich bemerkenswerten Frau zu feiern. Einige waren aus Japan, Deutschland und anderen Ländern angereist, nur um an diesem besonderen Tag teilzunehmen. An diesem Tag waren alte und neue Freunde unter einem Dach versammelt, um den perfekten Abschied zu feiern. Jordan kannte Captain "Cheers me dears!" Sensible seit etwa fünf Jahrzehnten, und während der letzten heiligen Monate ihres Lebens hatte sie einen Johnny-Moped-Song als Ohrwurm im Kopf, den sie und ich uns gegenseitig freudig vorsangen: "Darling, let's have another baby; Let's make one soon on our second honeymoon...". Es war nur logisch, dass Captain Sensible in Erinnerung an Jordan noch einmal mit seinen alten Kumpels, Johnny Moped, aufsatteln würde. Ein Teil der Veranstaltung wurde aufgezeichnet, und so, meine Damen und Herren, präsentieren wir Ihnen voller Stolz diese Wohltätigkeitsaufnahme! Viel Spaß! (Jordans Partner - Nick Linazasoro)

Repress!

N0!zy blighter Russell Haswell returns to Diagonal 5 years after his label debut with a spontaneously combusting follow-up to ’37 Minute Workout’ generated again from a mix of analog/digital synths and modular systems edited on a computer. It was inspired by a visit to CERN, The European Organisation for Nuclear Research, in Geneva; and dinner with Ted Nelson, whose theories of interwingularity and transclusion chimed with the direction recordings took.There are few artists who can genuinely make music that sounds like your needle and/or record is melting, but Russell Haswell is one of them. His 2nd volume of extremely kinky calisthenics is a potent example of daring to be different in a world where exponentially increasing production options are leading producers of all stripes to the exact same conclusions. But, with thanks to Russell’s iconoclastic intent, restless nature and ascetic aesthetics, he still sounds quite like nobody else, and, even better yet, doesn’t give a shit if you like it or not. For the record (this one in particular), we’re all over it like a hot rash.
Since reincorporating his early love of freestyle electro and Industrial dance music into his patented n0!ze matrices circa the 1st volume of ’37 Minute Workout’, Russell has steered that rhythm-driven style into a string of fizzy bangers for Diagonal and even applied it to his production for Consumer Electronics with typically radical results. Russell’s 2nd volume of ’37 Minute Workout’ is cut from similarly (but never the same) ragged material as the first batch, and spits, kicks and claws with equal amounts of eething, pent energy and rambunctiousness ready to jab the ‘floor in the eye or dissolve a party where needed.
Crowbarring cues ranging from the Latin Rascals to Incapacitants and Jeff Mills into 7 wickedly awkward designs, Haswell keeps his avant aerobics radically irregular as he hops from the tendon-twitching angularity of ‘The Wild Horses of the Revolution have arrived Without Knight’ to steel-hoofed clatter in ‘Central Crisis Management Cell’ and the lacquer-eating dynamics of ‘Painful
Memories From The Past Need To Be Acknowledged’, before toning a proper nasty acid special in the UR inversion ‘Dancing on the Head of an Eagle’, and seemingly sucking your brain out thru a straw with ‘Starting Something You’re Not Able To Finish’, with the dry witted, skeletal jazz-funk squirm of ‘Diplomatic Cocktail Circuit’ closing the party down in style.

repressed !

Number 060 in our catalogue, and we are keeping it tight and sharp. Oscar Mulero is the mind behind this creature, offering three cuts of merciless techno exercises both physically and digitally.

Opening track is "Tormenta", Storm in spanish, a fast paced groove with almost all elements up from the very beginning. Wisely distorted drums, continuous filtered sequences, a sharp elastic line running and mutating across the structure. Direct and mental at the time.

"Espectro Rojo", Red spectrum translated begins with obsessive distorted evolving lines, shuffled hi hats and precise kicks. The stereo field is constantly worked out augmenting the experience exponentially.

"Gradiente de Voltaje" closes the EP, the overall feel is less distorted and more opaque and lo-fi. The liquid filtered bassline is soon joined by distorted hats, alternating patterns and twisting the sounds wisely. No sudden interruptions, no abrupt changes, just the right dose of hypnosis to use as a powerful tool.

Das Album "12" von Komponisten-Legende, Produzent und Pianist Ryuichi Sakamoto ist eine Sammlung von 12 Kompositionen für Synthesizer und Piano. Die Stücke hat der Grammy-, Oscar- und Golden Globe-Gewinner aus musikalischen Skizzen ausgewählt, die er während seines zweieinhalbjährigen Kampfes gegen den Krebs wie ein Tontagebuch aufgenommen hat. Jedes Stück ist eine intime Momentaufnahme aus dieser schweren Periode seines Lebens und trägt als Titel das jeweilige Entstehungsdatum. "12" ist das erste Solo-Album des mit seinen elektronisch-akustischen Genre-Überschreitungen weltweit stilprägenden Komponisten seit dem 2017 erschienenen Album "async".Über das Album sagt Ryuichi Sakamoto:"Nachdem ich nach einer großen Operation endlich in meine neue vorübergehende Unterkunft 'heimgekommen' war, griff ich zum Synthesizer. Ich hatte nicht die Absicht, etwas zu komponieren; ich wollte einfach nur von Klängen überflutet werden. Wahrscheinlich werde ich diese Art von 'Tagebuch' auch weiterhin führen."

Jason Mraz is living full spiral. It’s not full circle, exactly, because he’s changed and his experiences have changed, but on his eighth album, Mystical Magical Rhythmical Radical Ride, the musician has found himself returning to a familiar junction in space. The new songs, which are unabashedly pop, see Mraz reuniting with numerous collaborators, including Los Angeles band Raining Jane and producer Martin Terefe, who helmed 2008’s We Sing. We Dance. We Steal Things. In fact, as Mraz looked at the number eight, he instead saw an infinity sign.

Acid Steve's Avinit Records returns with 4 warehouse thumpers direct from the squat party underbelly of London's Acid Techno scene. Acid Vigilantes ramp up the 303's and add some neat vocals, whilst Techsia slams it out nu-style with hard kicks and plenty of venom. On the flip side Acid Steve and Sam DFL go gnarly with some proper Acid Techno, whilst Bubbless and Nesbit go old-school with firing 909 and 303 analogue mayhem.

Geese veröffentlichen ihr zweites Album '3D Country', den Nachfolger ihres Debüts 'Projector'. Im Sommer 2021 tauchte die Band wie aus dem Nichts auf und obwohl die 5 Jungs aus Brooklyn eigentlich vorhatten, nur ein paar Songs vor dem College zu veröffentlichen, wurde schnell ein Album draus, dass u.a. von der NY Times, Stereogum, Rolling Stone gefeiert wurde und ihnen Auftritte im TV bei Colbert und im Vorprogramm von Jack White einbrachte. '3D Country', von der Band und James Ford (Arctic Monkeys, Depeche Mode, Shame) co-produziert, entpuppt sich als ein abgefahrener, wilder und unvorhersehbarer Ritt, der eine Welt unter die Lupe nimmt, die nicht mehr so ganz die alte zu sein scheint.

All Her Plans, the third album from Melbourne, Australia's Cable Ties, finds the trio of Jenny McKechnie, Shauna Boyle, and Nick Brown at their punchiest and most assured. The ferocious, kraut-influenced blend of post-punk and garage rock of Merge debut Far Enough remains, but McKechnie's lyrics invite the listener closer than ever before. The urgency and fury that have marked Cable Ties' output thus far is more nuanced on All Her Plans.

The unfettered rage of their calls to action endures tackling subjects like broken mental healthcare systems and the burden of familial care that is largely placed on women…while holding space for gratitude, love, and acceptance. All Her Plans is a breakthrough moment for Cable Ties. It is the sound of a group that is exhilarated to be making music together again, both a celebration of their resilience and a massive step forward into a future they can finally claim as their own.

All Her Plans, the third album from Melbourne, Australia's Cable Ties, finds the trio of Jenny McKechnie, Shauna Boyle, and Nick Brown at their punchiest and most assured. The ferocious, kraut-influenced blend of post-punk and garage rock of Merge debut Far Enough remains, but McKechnie's lyrics invite the listener closer than ever before. The urgency and fury that have marked Cable Ties' output thus far is more nuanced on All Her Plans.

The unfettered rage of their calls to action endures tackling subjects like broken mental healthcare systems and the burden of familial care that is largely placed on women…while holding space for gratitude, love, and acceptance. All Her Plans is a breakthrough moment for Cable Ties. It is the sound of a group that is exhilarated to be making music together again, both a celebration of their resilience and a massive step forward into a future they can finally claim as their own.

Das nunmehr 20. Studioalbum der erfolgreichsten deutschen Art- & Progressive Rockband ELOY. Es ist zugleich das 3. Album einer einzigartigen, vom Band- Mastermind Frank Bornemann als Rock Opera gestalteten Trilogie über das Leben und Schicksal der französischen Nationalheldin und Heiligen Jeanne d´Arc.
Bereits die beiden ersten Alben mit dem Titel „The Vision, the Sword and the Pyre, Part 1 & 2“, auf denen sich diverse illustre Künstler (u.a. Alice Merton) auf der Gästeliste befinden, wurden nicht nur durchweg positiv rezensiert, und erreichten hohe Chartsplatzierungen, sondern fanden auch aufgrund ihrer auf profunden Kenntnissen basierenden Umsetzung in allen historischen Details auf kultureller Ebene viel Beachtung.


Mit „Echoes from the Past” legt nun der Autor nochmal nach, und lässt den durch die Handlung der ersten beiden Alben führenden Protagonisten und Waffengefährten von Jeanne d´Arc, Jean de Metz, die aufwühlenden Ereignisse der Vergangenheit auf sehr emotionale Weise reflektieren.


Musikalisch entstand dadurch ein Werk, bei dem sich sensible und atmosphärische Passagen mit gewaltigen, dramaturgisch geprägten Klangwogen abwechseln, die den ELOY-Fan sicherlich an frühere Konzept-Werke der Band erinnern werden.


Diese Melange ist aber gemäß Frank Bornemann, der sich bei dieser Produktion erneut mit Veränderungen im Line up konfrontiert sah, voll beabsichtigt. Obwohl es sich bzgl. seiner musikalischen Elemente bestens in die Trilogie integriert, ließ es bei seiner Entstehung offensichtlich doch viel Spielraum für künstlerische Momente, die man nicht erwartet, aber die sich außerordentlich prägend für das Album auswirken, welches wieder einmal einzigartig ist.

Das nunmehr 20. Studioalbum der erfolgreichsten deutschen Art- & Progressive Rockband ELOY. Es ist zugleich das 3. Album einer einzigartigen, vom Band- Mastermind Frank Bornemann als Rock Opera gestalteten Trilogie über das Leben und Schicksal der französischen Nationalheldin und Heiligen Jeanne d´Arc.
Bereits die beiden ersten Alben mit dem Titel „The Vision, the Sword and the Pyre, Part 1 & 2“, auf denen sich diverse illustre Künstler (u.a. Alice Merton) auf der Gästeliste befinden, wurden nicht nur durchweg positiv rezensiert, und erreichten hohe Chartsplatzierungen, sondern fanden auch aufgrund ihrer auf profunden Kenntnissen basierenden Umsetzung in allen historischen Details auf kultureller Ebene viel Beachtung.


Mit „Echoes from the Past” legt nun der Autor nochmal nach, und lässt den durch die Handlung der ersten beiden Alben führenden Protagonisten und Waffengefährten von Jeanne d´Arc, Jean de Metz, die aufwühlenden Ereignisse der Vergangenheit auf sehr emotionale Weise reflektieren.


Musikalisch entstand dadurch ein Werk, bei dem sich sensible und atmosphärische Passagen mit gewaltigen, dramaturgisch geprägten Klangwogen abwechseln, die den ELOY-Fan sicherlich an frühere Konzept-Werke der Band erinnern werden.


Diese Melange ist aber gemäß Frank Bornemann, der sich bei dieser Produktion erneut mit Veränderungen im Line up konfrontiert sah, voll beabsichtigt. Obwohl es sich bzgl. seiner musikalischen Elemente bestens in die Trilogie integriert, ließ es bei seiner Entstehung offensichtlich doch viel Spielraum für künstlerische Momente, die man nicht erwartet, aber die sich außerordentlich prägend für das Album auswirken, welches wieder einmal einzigartig ist.

Das nunmehr 20. Studioalbum der erfolgreichsten deutschen Art- & Progressive Rockband ELOY. Es ist zugleich das 3. Album einer einzigartigen, vom Band- Mastermind Frank Bornemann als Rock Opera gestalteten Trilogie über das Leben und Schicksal der französischen Nationalheldin und Heiligen Jeanne d´Arc.
Bereits die beiden ersten Alben mit dem Titel „The Vision, the Sword and the Pyre, Part 1 & 2“, auf denen sich diverse illustre Künstler (u.a. Alice Merton) auf der Gästeliste befinden, wurden nicht nur durchweg positiv rezensiert, und erreichten hohe Chartsplatzierungen, sondern fanden auch aufgrund ihrer auf profunden Kenntnissen basierenden Umsetzung in allen historischen Details auf kultureller Ebene viel Beachtung.


Mit „Echoes from the Past” legt nun der Autor nochmal nach, und lässt den durch die Handlung der ersten beiden Alben führenden Protagonisten und Waffengefährten von Jeanne d´Arc, Jean de Metz, die aufwühlenden Ereignisse der Vergangenheit auf sehr emotionale Weise reflektieren.


Musikalisch entstand dadurch ein Werk, bei dem sich sensible und atmosphärische Passagen mit gewaltigen, dramaturgisch geprägten Klangwogen abwechseln, die den ELOY-Fan sicherlich an frühere Konzept-Werke der Band erinnern werden.


Diese Melange ist aber gemäß Frank Bornemann, der sich bei dieser Produktion erneut mit Veränderungen im Line up konfrontiert sah, voll beabsichtigt. Obwohl es sich bzgl. seiner musikalischen Elemente bestens in die Trilogie integriert, ließ es bei seiner Entstehung offensichtlich doch viel Spielraum für künstlerische Momente, die man nicht erwartet, aber die sich außerordentlich prägend für das Album auswirken, welches wieder einmal einzigartig ist.

ARCHETYPE ist die Klangwelt zweier gegenüberliegender Magnetkräfte: Produzent/Komponist/Keyboarder Joe Armon-Jones mit Jazz, Soul und Improvisation und Produzent/DJ Maxwell Owin mit den Sounds seines Hardcore-Continuums aus Jungle, Dubstep und Drill. Fasziniert von den Philosophien, die diese subkulturellen Welten miteinander verbinden, lässt das Duo unterschiedliche Instinkte, Disziplinen und Stärken zu etwas verblüffend Frischem verschmelzen. Gefangen zwischen Club und Schlafzimmer, ist ARCHETYPE - mit den Featuregästen Lex Amor, Shabaka Hutchings, Fatima, Rocks FOE, O the Ghost, Mala, Maysia Osu & YUIS - der Nachfolger ihres Debüts IDIOM (2017), das ihnen die Zusammenarbeit mit seelenverwandten Künstlern wie Ezra Collective, Greentea Peng, Nubya Garcia, Oscar Jerome und Moses Boyd eröffnete.

Brüder und Schwestern, wir haben uns versammelt, um die Heavy-Götter auf dem Altar des Metal anzubeten. HIGH PRIEST kommen aus Chicago, Illinois in den Vereinigten Staaten von Amerika, um unsere Tage mit einer hoffnungsfrohen Botschaft des Doom zu erhellen. Ihre Prophezeiung in Form des Debütalbums "Invocation" ist in Stoner Rock gehauen und in metallene Schrift gegossen. HIGH PRIEST haben sich die Worte der Ältesten zu Herzen genommen. Ihre glorreichen Harmonien und Melodien tragen die eingängige Handschrift von THIN LIZZY. Die düstere Schwere wurde von BLACK SABBATH vorausgesagt und von ELECTRIC WIZARD wiederbelebt. Sogar einige Verse von METALLICAs klassischen Riffs haucht den Songs ihr Leben ein. Und aus den Schriften des Grunge kommt eine emotionale Kraft, die durch an ALICE IN CHAINS gerichtete Gebete empfangen wurde. All diese Herrlichkeit wird in einem neuen Testament aus bluesigen Gitarrenriffs und gefühlvollem Gesang dargeboten. HIGH PRIEST entstanden mit einer klaren Vision in den Köpfen von vier Freunden, die seit ihrer Jugend schon in diversen Bands und Besetzungen zusammen gespielt hatten. Während einer ELECTRIC WIZARD Show in ihrer Heimatstadt im Jahr 2015 gelangten sie spontan und gleichzeitig zu der Erleuchtung, dass sie fortan Doom und Old School Metal spielen mussten. Ihr erstes öffentliches Bekenntnis zum Metal-Evangelium war die im Jahr 2016 erschienene EP "Consecration", die HIGH PRIEST nicht nur viel Aufmerksamkeit in der Doom und Stoner Metal-Szene einbrachte, sondern auch einen Plattenvertrag mit Magnetic Eye. Dies führte zunächst zur Veröffentlichung der zweiten EP "Sanctum" im Jahr 2019. Nun ist es soweit: HIGH PRIEST liefern ihr mit Spannung erwartetes Debütalbum ab. "Invocation" hält nicht nur, was die beiden EPs versprachen, sondern trägt seine Hörer auf einem Wagen aus feurigen Riffs direkt in den Himmel. Amen!

Brüder und Schwestern, wir haben uns versammelt, um die Heavy-Götter auf dem Altar des Metal anzubeten. HIGH PRIEST kommen aus Chicago, Illinois in den Vereinigten Staaten von Amerika, um unsere Tage mit einer hoffnungsfrohen Botschaft des Doom zu erhellen. Ihre Prophezeiung in Form des Debütalbums "Invocation" ist in Stoner Rock gehauen und in metallene Schrift gegossen. HIGH PRIEST haben sich die Worte der Ältesten zu Herzen genommen. Ihre glorreichen Harmonien und Melodien tragen die eingängige Handschrift von THIN LIZZY. Die düstere Schwere wurde von BLACK SABBATH vorausgesagt und von ELECTRIC WIZARD wiederbelebt. Sogar einige Verse von METALLICAs klassischen Riffs haucht den Songs ihr Leben ein. Und aus den Schriften des Grunge kommt eine emotionale Kraft, die durch an ALICE IN CHAINS gerichtete Gebete empfangen wurde. All diese Herrlichkeit wird in einem neuen Testament aus bluesigen Gitarrenriffs und gefühlvollem Gesang dargeboten. HIGH PRIEST entstanden mit einer klaren Vision in den Köpfen von vier Freunden, die seit ihrer Jugend schon in diversen Bands und Besetzungen zusammen gespielt hatten. Während einer ELECTRIC WIZARD Show in ihrer Heimatstadt im Jahr 2015 gelangten sie spontan und gleichzeitig zu der Erleuchtung, dass sie fortan Doom und Old School Metal spielen mussten. Ihr erstes öffentliches Bekenntnis zum Metal-Evangelium war die im Jahr 2016 erschienene EP "Consecration", die HIGH PRIEST nicht nur viel Aufmerksamkeit in der Doom und Stoner Metal-Szene einbrachte, sondern auch einen Plattenvertrag mit Magnetic Eye. Dies führte zunächst zur Veröffentlichung der zweiten EP "Sanctum" im Jahr 2019. Nun ist es soweit: HIGH PRIEST liefern ihr mit Spannung erwartetes Debütalbum ab. "Invocation" hält nicht nur, was die beiden EPs versprachen, sondern trägt seine Hörer auf einem Wagen aus feurigen Riffs direkt in den Himmel. Amen!

Brüder und Schwestern, wir haben uns versammelt, um die Heavy-Götter auf dem Altar des Metal anzubeten. HIGH PRIEST kommen aus Chicago, Illinois in den Vereinigten Staaten von Amerika, um unsere Tage mit einer hoffnungsfrohen Botschaft des Doom zu erhellen. Ihre Prophezeiung in Form des Debütalbums "Invocation" ist in Stoner Rock gehauen und in metallene Schrift gegossen. HIGH PRIEST haben sich die Worte der Ältesten zu Herzen genommen. Ihre glorreichen Harmonien und Melodien tragen die eingängige Handschrift von THIN LIZZY. Die düstere Schwere wurde von BLACK SABBATH vorausgesagt und von ELECTRIC WIZARD wiederbelebt. Sogar einige Verse von METALLICAs klassischen Riffs haucht den Songs ihr Leben ein. Und aus den Schriften des Grunge kommt eine emotionale Kraft, die durch an ALICE IN CHAINS gerichtete Gebete empfangen wurde. All diese Herrlichkeit wird in einem neuen Testament aus bluesigen Gitarrenriffs und gefühlvollem Gesang dargeboten. HIGH PRIEST entstanden mit einer klaren Vision in den Köpfen von vier Freunden, die seit ihrer Jugend schon in diversen Bands und Besetzungen zusammen gespielt hatten. Während einer ELECTRIC WIZARD Show in ihrer Heimatstadt im Jahr 2015 gelangten sie spontan und gleichzeitig zu der Erleuchtung, dass sie fortan Doom und Old School Metal spielen mussten. Ihr erstes öffentliches Bekenntnis zum Metal-Evangelium war die im Jahr 2016 erschienene EP "Consecration", die HIGH PRIEST nicht nur viel Aufmerksamkeit in der Doom und Stoner Metal-Szene einbrachte, sondern auch einen Plattenvertrag mit Magnetic Eye. Dies führte zunächst zur Veröffentlichung der zweiten EP "Sanctum" im Jahr 2019. Nun ist es soweit: HIGH PRIEST liefern ihr mit Spannung erwartetes Debütalbum ab. "Invocation" hält nicht nur, was die beiden EPs versprachen, sondern trägt seine Hörer auf einem Wagen aus feurigen Riffs direkt in den Himmel. Amen!

FOR FANS OF: ROLLING STONES, GUNS N`ROSES, AEROSMITH.
Seit über 45 Jahren sind AC/DC eine nicht wegzudenkende Rock-Institution. Millionenfache Tonträgerverkäufe, ausverkaufte Tourneen, unzählige Hits und Auszeichnungen gehen auf das Konto der erfolgreichsten Hardrock Band aller Zeiten. Wir blicken zurück in die Vergangenheit der RockTruppe: 1985 startete die World-Tour zum Album "Fly On The Wall" von Angus, Brian & Co. und machten auch in der texanischen Metropole Dallas einen Stop. Das Konzert wurde damals vom US-Radiosender RCM-FM mitgeschnitten und später den amerikanischen Fans präsentiert. Endlich gibt das Kultkonzert nun auf einer strikt limitierten 10inch Schallplatte; gepresst in transparentem Vinyl mit edlen Splatter-/Splash-Effekten inklusive den
Hits Fly On The Wall, Back in Black, und viele mehr.

Some info on the background for the upcoming album, "Police Deranged For Orchestra"."Copeland explains that the “derangement” of The Police’s music “began as the score for a movie I made out of Super8 footage of the band that I had shot during our rise to glory. Film puts capricious demands on music, so I had to carve up the songs to serve the scenes in the movie, and once the scalpel was out, a whole new frenzy of inspiration from Police music began.” He shares that “delving into the multi-tracks of our original recordings and live performances revealed lost guitar solos, bass lines, and vocal improvisations that were just too cool to leave in obscurity... this discovery is what brings us to this performance: Sting’s songs, Andy’s inventions, and my impunity; all on the page for a wild ride with orchestra and unique musicians from around the world to adapt some of the most loved The Police hits for old and new audiences alike.

Wytch Hazel melden sich fulminant mit einem neuen Album zurück!
Ihre musikalische Ausrichtung wird meistens als Hard Rock mit mittelalterlichen Anklängen beschrieben. Als wichtige Einflüsse werden häufig Thin Lizzy, Wishbone Ash und Jethro Tull genannt. Die drei Vorgänger-Alben erreichten auch bei deutschen Musikkritikern aus der Hardrock- und Metal-Szene gute bis sehr gute Bewertungen, u.a. war das 2020er Album 'III: Pentecost' im renommierten Deaf Forever-Magazin 'Album des Monats'. Mit fieberhafter Kreativität, progressiver Dynamik und beflügelt von charakteristischem Twin Guitar-Salven sucht die englische Band nach dem perfekten Sound - und ihrer ganz eigenen Interpretation von klassischem Hardrock. Und diese glitzernde Schatzkiste von 'IV: Sacrament' erweist sich als überaus würdiger Nachfolger des gefeierten Vorgängers. Ist es nicht nur die beste Produktion des Quartetts aus Lancashire, sondern auch ihre durchgehend stärkste Sammlung von ergreifenden Hooks und zeitlosen Melodien.

Wye Oak, das Duo bestehend aus Jenn Wasner und Andy Stack, veröffentlicht mit Every Day Like The Last eine Sammlung brandneuer Songs und bereits veröffentlichter Singles, mit der die Band neue Wege beschreitet. Die neun Songs auf Every Day Like The Last stammen aus einer Zeit, in der sich Wye Oak nach mehr als einem Jahrzehnt kontinuierlicher Albumveröffentlichungen und Tourneen im Umbruch befanden. Die musikalische Partnerschaft von Jenn Wasner und Andy Stack erblühte in der Ungewissheit dieser Zeit, wann immer sie spürten, dass Wye Oak etwas zu sagen hatten. Sie gingen dazu über, schnell EPs und Singles zu schreiben, aufzunehmen und digital zu veröffentlichen. Klanglich kehrten Wasner und Stack zu den Grundlagen zurück. Sie balancierten das Organische und das Künstliche aus und nutzen Elektronik und Programmierung, um neue Texturen hinzuzufügen. Für Stack gibt es einen roten Faden, der sich durch das scheinbare Chaos zieht: "Freude im Untergang der Welt zu finden". Every Day Like The Last tut genau das, indem es den Hörer an die neuen Höhen erinnert, die Wye Oak seit 2018's The Louder I Call, The Faster It Runs erreicht haben, während es einen Blick ins Ungewisse wirft, was vor uns liegt. Der Titel dieser Sammlung erkennt diese Dualität an, indem er sie wie eine Frage stellt: "Jeder Tag wie der Tag davor" oder "Jeder Tag wie der letzte Tag auf der Erde"? "Beide Bedeutungen treffen zu", sagt Wasner. Es gibt keine einfachen Antworten.

Wye Oak, das Duo bestehend aus Jenn Wasner und Andy Stack, veröffentlicht mit Every Day Like The Last eine Sammlung brandneuer Songs und bereits veröffentlichter Singles, mit der die Band neue Wege beschreitet. Die neun Songs auf Every Day Like The Last stammen aus einer Zeit, in der sich Wye Oak nach mehr als einem Jahrzehnt kontinuierlicher Albumveröffentlichungen und Tourneen im Umbruch befanden. Die musikalische Partnerschaft von Jenn Wasner und Andy Stack erblühte in der Ungewissheit dieser Zeit, wann immer sie spürten, dass Wye Oak etwas zu sagen hatten. Sie gingen dazu über, schnell EPs und Singles zu schreiben, aufzunehmen und digital zu veröffentlichen. Klanglich kehrten Wasner und Stack zu den Grundlagen zurück. Sie balancierten das Organische und das Künstliche aus und nutzen Elektronik und Programmierung, um neue Texturen hinzuzufügen. Für Stack gibt es einen roten Faden, der sich durch das scheinbare Chaos zieht: "Freude im Untergang der Welt zu finden". Every Day Like The Last tut genau das, indem es den Hörer an die neuen Höhen erinnert, die Wye Oak seit 2018's The Louder I Call, The Faster It Runs erreicht haben, während es einen Blick ins Ungewisse wirft, was vor uns liegt. Der Titel dieser Sammlung erkennt diese Dualität an, indem er sie wie eine Frage stellt: "Jeder Tag wie der Tag davor" oder "Jeder Tag wie der letzte Tag auf der Erde"? "Beide Bedeutungen treffen zu", sagt Wasner. Es gibt keine einfachen Antworten.