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"Am 6..12. veröffentlicht das Duo ZWEILASTER ihr nunmehr drittes Album "Wieherd", das zweite davon beim Berliner Geschmacksgaranten Tomatenplatten. Auch diesmal zusammen mit Hunderttausendsassa Julian Knoth(Die Nerven). Was man auf dem Erstling noch mit (be-)rauschend geringer Klangtreue über den Äther jagte, wird auf "Wieherd" druckvoller denn je dargeboten. Unweigerlich fragt man sich einmal mehr, was zur Hölle nur die da unten in Stuttgart dem Wasser beimischen... Es ist für mich jedes Mal schwer beeindruckend, wenn Musik auch ohne üppige Instrumentierung intrinsische Größe hat. ZweiLaster spielen minimalistischen (Pop- & Post-)Punk bar jeder Effekthascherei, nähern sich hie und da gar dem No Wave. Lieder wie der Auftakt "Allein" oder das gellende "Everywhere" sind eingängig, ohne stumpf zu werden, "Berge", "Angerufen" und "Graureiher" schürfen tief, ohne sich großem Gestus bedienen zu müssen. Ehe man sich allzu wohlig wähnt, wechselt sowieso schon das Tempo und ZweiLaster ver- und zerfällt in dissonant charmantes Chaos. "Wieherd" wirkt nie gekünstelt, nie schablonenhaft, immer wie eine Momentaufnahme. Mut braucht es, so ein schonungslos ungeschöntes Abbild in die Welt zu entlassen. Oder vielleicht muss es dann einfach nur gut sein und das hier, das ist gut. Sind Taylor Swift Fans Swifties, dann bin ich Lasti." - Drangsal

As Odysee celebrates its 30th anniversary, the label’s original founder Atila Kemal (T-Mirage) steps up to deliver this jaw-dropping E.P.

In 1994, Tilla was just 17 years old, and an integral part of the original St Albans collective that comprised Jim Baker & Phil Aslett (Source Direct) and Rupert Parkes (Photek), when he set up the Odysee imprint and released the first Source Direct record (Future London/Shimmer). With a follow-up release from Photek (Phaze 1/Try A Style) and a second from Source Direct, the profile of the label began to grow exponentially.

It was the 3 Mirage releases however that really put the label on the map. These tracks were engineered by Jim Baker but heavily co-produced by Tilla himself with a major focus on his keen ear for dark 70’s Noire samples and eerie abstract electronica pitted against soulful R&B vocals. In hindsight, the impact of this rather different soundscape on the Source Direct material that followed is unmistakable.

The A side track Dark Rhodes is a showcase of T-Mirage’s production skillsets. From the opening atmosphere of utter menace and spacious percussion, to the trademark call and response between the different breaks and speaker shaking subs; this track will take the listener straight back to that infamous dark 1995/6 sound that emerged from both the Odysee & Source Direct studios. What is particularly noticeable is the distinctive pairing of sets of samples to form unique sections within the piece, whilst maintaining the consistent rolling energy of the drums & bass. This was a clear stylistic trait the earlier tracks like Feel My Dreams, and is very much on display in Dark Rhodes; leaving us in no doubt that we are listening to the work of one of the OG St Albans Jungle masters!

One of the most important aspects of each Odysee release was to demonstrate versatility on the B side tunes. As a label that was an important part of the mid 90’s Atmospheric scene, it would be remiss not to revisit that style on this seminal E.P. The first of the two B-side tracks is the incredible Existence.

Everything about this piece is a pure distillation of Tilla’s musical style; from the intricacy of the break work and the depth of the subs, to the masterful dovetailing of the 70’s Noire and Jazz samples that build a cohesive arrangement drawing the listener deeper into the tune’s narrative- “A piece of music that’s just a pure expression.... A celebration of existence!” There is no need to re-invent the wheel, or to force groundbreaking new tricks when the strength of this classic sound is so overwhelmingly persuasive!

With the final track Flawless, Tilla delivers an absolute heart-breaker of a tune that rivals the very best of the original Odysee & SD B-sides. Misty-eyed pads and Jazzy rides launch the crisp rolling Think breaks. The deep melodic sub line and haunting guitar riffs draw the listener in, then hold the listener in suspense for a moment before dropping down in the body of the track. The gorgeous guitar motifs are paired with achingly gorgeous vocal ad-libs and avant-garde electronica, emerging orchestral flutters with that unmistakable 70’s Noire flavour. Once again it is

Tilla’s ear for those ‘special sounds’ that really sets this track apart, and as if that wasn’t enough, some 4 minutes down the track Flawless nonchalantly unveils another primary motif; well worthy in of itself of being the tracks centrepiece!
Absolutely stunning heritage-style Atmospheric Jungle at its finest!

„Vorbildliches Leiden: Die österreichische Band Wanda verbindet alt-wienerische Morbidität mit Punkrock“,
schrieb die Frankfurter Allgemeine im Januar 2015 in ihrem Artikel zum Album der Woche: Amore. 10
Jahre später ist das Debütalbum der Wiener Rockband als Jubiläumsedition mit 12‘‘ Picture Disc vom
Originalalbum zurück.
Mit im Gepäck: eine exklusive Heart shaped LP in Rot mit zwei Bonustracks! Amore markiert den
großartigen Anfang der Band und obwohl es das erste Album ist, hat es bereits Top Hits wie „Bologna“
und Live-Hymnen wie „Luzia“ oder „Auseinandergehen ist schwer“ inne.
Das Album schafft es aus dem Stand auf Platz 2 der österreichischen Albumcharts und kann mittlerweile 3-fach Platin in Österreich vorweisen.
Die Single „Bologna“ erreicht zehn Jahre nach ihrer Veröffentlichung sogar Gold Status in Deutschland.
Der Sound Wandas ist rau und ehrlich.
Ohne glatt und perfekt wirken zu wollen sing-schreit Marco Wanda die charmant-witzigen, teils skurrilen Texte zu simplem Gitarrenrock und passenden Keyboardeinlagen. Es geht um Euphorie, Sehnsucht,
den Tod und ganz viel Amore.
Ohne viel Affekt haben Songs wie „Bleib wo du warst“, „Jelinek“ oder natürlich „Bologna“ mit ihrem
eigenen eingänglichen Klang absolutes Ohrwurmpotential.
Fans von Wanda und ehrlichem Rock können sich ab dem 06.12.2024 über die Jubiläumsedition des Albums
freuen!

So, people. The penultimate edition of the Earquake Vinyl series is coming up. 1998. A great year for experiments on the edge of techno-laws and far beyond. Whether he lets the Schaffel bass drum dance with “Galoppmusik” or explores the resilience of trance through exuberant cluster atonality with “Loikum” on the riot label Auftrieb. Wolfgang Voigt's musical 360 degree universe mutates in all directions and once again reaches for the stars. Of course, a finely chiseled pinch of All/M:I:5 should not be missing, as should a generous measure of “Diskoschleifen 2000”, an art-music concept that saves disco from itself through abstraction and deconstruction, right? You have to go through that now.

So, Leute. Die vorletzte Ausgabe der Earquake Vinyl Reihe steht an. 1998. Ein super Jahr für Experimente am Rande der Techno-Gesetze und weit darüber hinaus. Ob er nun mit „Galoppmusik“ die gerade Bassdrum Schaffel tanzen lässt, oder mit „Loikum“ auf dem Krawall-Label Auftrieb die Belastbarkeit von Trance durch überbordende Cluster-Atonalität auslotet. Wolfgang Voigts musikalisches 360 Grad Universum mutiert in alle Himmelsrichtungen und greift mal wieder nach den Sternen. Da darf natürlich ebenso wenig eine fein-ziselierte Prise All/M:I:5 fehlen, wie ein gerüttelt Maß „Diskoschleifen 2000“, Konzeptkunst-Musik die vermittels Abstraktion und Dekonstruktion Disko vor sich selbst rettet, oder? Da müsst ihr jetzt durch.

2024 Re-Edition

Strangelove's personal Inventory of NZ 1980's odd pop; 'Kiwi Animals' recasts the local charts in a parallel universe of misfit melodics, gonzo-tronics & strange waves. Channelling South Pacific voodoo and edge of world melancholia, the album highlights electronic tangents from iconic NZ groups Blam Blam Blam & Headless Chickens. It dredges the cassette revelations of art avante-gardists' Drone & Kim Blackburn, alongside bittersweet moments from Rupert & Norma O'Malley. There's the infectious minimal wave of Ballare and a reprised electro-boogie dance suite (?!) from Tom Ludvigson & Graeme Gash. The furthest depths of Flying Nun's catalog are also plundered- a brilliant earworm from Stiff Herbert and a mysterious "Roger" Knox birthday promo. Mining disparate seams of a local indie label awakening, the various tangents of 'Kiwi Animals' congeal with a future/primitive sensibility and an underlying Antipodean mischievousness…

Die Songs auf der EP erscheinen in der Reihenfolge, in der sie geschrieben wurden. Sie wurden in dem kleinen Gästezimmer seiner Wohnung in West Philadelphia direkt auf vier Spuren aufgenommen. Es ist ein Bogen von vier Liedern, ein gespenstischer Durchgang, ein kurzes und fließendes Werk, das von der schwermütigen Eröffnung von „Mountain Dew Hell“ bis zu den hochgepitchten Vocals von „Pain Meds“, einem winzigen Lied, das in der Unermesslichkeit der Trauer schwankt, zusammenhängt. Die Erfahrung des Durchhörens ist wie das Aufwachen aus einem halb erinnerten Traum, ein Schatten in der Zimmerecke, eine seltsame Einsamkeit, ein zeitlicher New Yorker Herbst mit grauem Himmel und nackten Bäumen. Aber während die Veröffentlichung spärlich und spontan ist, ist sie taktil und verzehrend, ein Einblick in die schönen, einsamen Welten, die im Kern eines Greg Mendez Songs leben.



Jeder Aspekt von Mendez' Welt trägt etwas Handgemachtes in sich. Das Cover von „First Time / Alone“ ist eine Sammlung von Sternen aus dem Skizzenbuch eines Freundes, die Mendez mit Ölpastellkreiden ausgemalt hat - jeder Strich fühlt sich schwer an, drückt sich von der Seite ab und lebt von einer menschlichen Note. Das Gleiche könnte man über das Cover des selbstbetitelten Albums sagen, eine Farbstift-Illustration einer verzweifelten Mutter Maria, gezeichnet von Mendez und seiner Frau und Bandkollegin Veronica; in dem Porträt sind ihre massiven Augen nach oben gerichtet, die Hand ausgestreckt, Gnade entweder angeboten oder weggenommen.



Mendez ist ein intuitiver Songwriter, dessen Melodien durch den Äther gejagt werden, ein Geschichtenerzähler, der in seinem Katalog von Gewalt und Instabilität berichtet, aber auch von Liebesliedern, von Oden an die Freundschaft, an wahre Hingabe, an die Dinge, die einen durch das Schlimmste hindurch tragen können. Mendez hat die Angewohnheit, diese Dinge zu bemerken, das Licht zu finden und selbst aus den düstersten, beschissensten Situationen Poesie zu machen. In seinen Liedern gibt es eine angeborene Fähigkeit, Härte mit Sanftheit auszubalancieren, Grausamkeiten durch übernatürliche Süße umzuschreiben, ein Herz, das unaufhörlich, zuversichtlich, durch die Dunkelheit pocht.

Musikalisch gesehen ist „Shadowreaper“ der logische Nachfolger von „The Black Stream“ und legt direkt mit ‚Into The Evergrey‘ los, das mit
geschmackvollen Akustikgitarren beginnt, um dann in ein treibendes Monster überzugehen. Das folgende ‚The Horrors Of Endlessness‘ wirkt wie eine
unerbittliche Warnung vor der Idee der Ewigkeit. Während NIGHT IN GALES das Tempo insgesamt recht weit oben halten, schaffen sie es auch, den
Fuß vom Gaspedal zu nehmen, um z.B. in ‚The Nihilist Delta‘ sanfte Momente durch all die anhaltende Dunkelheit hindurchscheinen zu lassen.
Während ‚Spirals‘ einen unwiderstehlichen Groove erzeugt, ist es ‚Sculptures And Defleshed‘, welches alle Stärken der Band in perfekter Manier
bündelt. Das abschließende ‚Walk Of Infinity‘ lässt den Hörer in völliger Dunkelheit zurück - kein Licht in Sicht.
Und doch sind bei „Shadowreaper“ einige Dinge anders. Nachdem sie vier Alben in Folge mit Dan Swanö gemacht haben, wurde die Produktion dieses
Mal Fredrik Nordström anvertraut, dem Mann, der in den Neunzigern in seinem berüchtigten Studio Fredman die großen prägenden Klassiker des
Genres geschaffen hat: „Slaughter Of The Soul“ (AT THE GATES), „The Jester Race“, „Whoracle“ (IN FLAMES) und natürlich „The Gallery“ (DARK
TRANQUILLITY). Das Endergebnis klingt für NIGHT IN GALE-Verhältnisse extrem brachial sowie ungeschliffen und vermittelt das so sehr begehrte
‚Live-Feeling‘. Es ist fast so, als würde man die Tür zum Proberaum oder zur Konzerthalle öffnen und sich direkt dem Geschehen und der riesigen
Soundwand aussetzen.
TERRITORY: Deutschland, Österreich, Belgien, Schweiz, Tschechische Republik, Frankreich, England, Italien, Irland, Niederlande, Polen

Chapter 3 der erfolgreichen Compilation-Serie. 14 moderne Kraut-Elektronik-Tracks (3 davon exklusiv und vorher unveröffentlicht) inspiriert von Kraftwerk, Can, Neu!, Cluster, Klaus Schulze und vielen anderen. Kuratiert und zusammengestellt von Compost-Künstler Fred und Luna. Die Collage auf dem Cover wurde - wie schon auf Vol. 1 und 2 - exklusiv von der fantastischen Künstlerin Norika Nienstedt aus der Kraut-Metropole Düsseldorf gestaltet.

Rainer Buchmüller aka Fred und Luna ist leider nach langer Krankheit im Januar 2024 verstorben. Er war ein herzensguter Mensch, begnadeter Künstler, Freund und Wegbegleiter. Wir trauern sehr um ihn. Rainer Buchmüller hatte uns ein paar Tage vor seinem Tod das Tracklisting für Vol. 3 (und auch schon Ideen für Vol. 4) geschickt, mit der Bitte, dies posthum zu veröffentlichen, es würde ihn sehr freuen, wenn seine Fans und alle die es noch werden, ein „Lebenszeichen“ von ihm erhalten. Gar nicht einfach oder im Grunde unmöglich, den Begriff „Kraut“ stilistisch zu beschreiben. Dennoch begeben sich Compost Records und Fred und Luna auf eine Zeitreise, um die unterschiedlichen Elemente deutscher elektronischer Musik der 1970er- und 1980er-Jahre und ihre Auswirkungen auf die neuere deutsche und weltweite Musikszene zu entdecken. Nach dem großen Erfolg von Volume 1 und 2 knüpft Vol.3 stilistisch an seinen Vorgänger an, und darüber hinaus – da dies eine der Grundideen der Reihe ist – das musikalische Spektrum Schritt für Schritt um neue krautige Elemente erweitert.

Expanding beyond the Folk and Pop stylings of his fi rst album, Waits" second studio release The Heart of Saturday Night established his reputation as a versatile and distinctly American songwriter. It"s bluesy jazz arrangements featured bass, drums, sax and Waits on piano. The title track, a melancholy ode to Saturday night rituals, and the tenderly romantic hymn-like "San Diego Serenade" are enduring classics covered by an array of artists from Diana Krall and Nancy Griffi th to folk hero Eric Anderson. The album also features "Diamonds On My Windshield", the fi rst of what would become a signature for Waits", the spoken word-poetry song. Waits" delivers these lyrics as pure beat jazz in the stylings of Kerouac, Langston Hughes and Bob Kaufman.

JETHRO TULL sind musikalische Riesen mit einem einzigartigen Sound - oder besser gesagt Sounds, die im Kanon der Rockmusik unvergleichbar geblieben sind. Die 1967 in Blackpool, Lancashire, von dem Schotten Ian Anderson gegründete Band hat im Laufe ihrer jahrzehntelangen Karriere immer wieder stilistische Veränderungen und Imagewechsel durch- und überlebt. Vor allem die charakteristische Stimme ihres Frontmanns und die Einbeziehung der Querflöte als wesentliches Instrument haben JETHRO TULL dennoch mit einem unverkennbaren klanglichen Fingerabdruck versehen.
"Aqualung Redux" präsentiert neue Versionen aller elf Titel des 1971 erschienenen Bestseller-Albums, von dem JETHRO TULL mittlerweile weltweit mehr als 7 Millionen Exemplare verkaufen konnten. Mit "Aqualung" feierten die Briten ihren Durchbruch als Rockband sowohl in Radio und TV als auch auf weltweiten Tourneen. "Aqualung" handelt in erster Linie vom Glauben und von Religion, beschäftigt sich aber auch mit anderen Themen wie der Obdachlosigkeit. Laut Ian Anderson handelt es sich bei "Aqualung" keineswegs um ein Konzeptalbum, für das es dennoch oft gehalten wird. Während die Band wie auf früheren Werken nach wie vor auf Blues, Hard Rock und der Psychedelia setzte, fügte sie auf "Aqualung " vermehrt akustische Folk-Momente hinzu. Bei der Singleauskopplung 'Locomotive Breath' handelt es sich um den vermutlich bekanntesten und am meisten gecoverten JETHRO TULL Song.
Zusammen mit "Aqualung Redux" präsentieren wir auch das Begleitalbum "Best of Jethro Tull Redux", das weitere Klassiker und Raritäten aus dem ebenso umfangreichen wie einzigartigen Katalog der britischen Rocklegende enthält.
Die Magnetic Eye Redux- Reihe lässt ausgewählte Künstler handverlesene klassische Alben aus der Geschichte des Rock und Metal komplett neu interpretieren und respektvoll in das neue Jahrtausend übertragen. Bisher hat das Label solche Meilensteine wie PINK FLOYDs "The Wall", HELMETs "Meantime", BLACK SABBATHs "Vol. 4", JIMMY HENDRIX' "Electric Ladyland", "Dirt" von ALICE IN CHAINS, AC/DCs "Back in Black" und den SOUNDGARDEN-Klassiker "Superunknown" in Redux-Versionen veröffentlicht. Unter vielen anderen haben sich solch herausragende Künstler wie MATT PIKE, PALLBEARER, THE MELVINS, ALL THEM WITCHES, KHEMMIS, ASG, ZAKK WYLDE, MARK LANEGAN, SCOTT REEDER an diversen Redux-Projekten beteiligt.
Angeschnallt und zugestiegen bei Magnetic Eyes achter Expedition ins Redux-Abenteuer, mit dem wir den einzigartigen britischen Rock-Erneuern JETHRO TULL die gebührende Ehre erweisen!

JETHRO TULL sind musikalische Riesen mit einem einzigartigen Sound - oder besser gesagt Sounds, die im Kanon der Rockmusik unvergleichbar geblieben sind. Die 1967 in Blackpool, Lancashire, von dem Schotten Ian Anderson gegründete Band hat im Laufe ihrer jahrzehntelangen Karriere immer wieder stilistische Veränderungen und Imagewechsel durch- und überlebt. Vor allem die charakteristische Stimme ihres Frontmanns und die Einbeziehung der Querflöte als wesentliches Instrument haben JETHRO TULL dennoch mit einem unverkennbaren klanglichen Fingerabdruck versehen.
"Aqualung Redux" präsentiert neue Versionen aller elf Titel des 1971 erschienenen Bestseller-Albums, von dem JETHRO TULL mittlerweile weltweit mehr als 7 Millionen Exemplare verkaufen konnten. Mit "Aqualung" feierten die Briten ihren Durchbruch als Rockband sowohl in Radio und TV als auch auf weltweiten Tourneen. "Aqualung" handelt in erster Linie vom Glauben und von Religion, beschäftigt sich aber auch mit anderen Themen wie der Obdachlosigkeit. Laut Ian Anderson handelt es sich bei "Aqualung" keineswegs um ein Konzeptalbum, für das es dennoch oft gehalten wird. Während die Band wie auf früheren Werken nach wie vor auf Blues, Hard Rock und der Psychedelia setzte, fügte sie auf "Aqualung " vermehrt akustische Folk-Momente hinzu. Bei der Singleauskopplung 'Locomotive Breath' handelt es sich um den vermutlich bekanntesten und am meisten gecoverten JETHRO TULL Song.
Zusammen mit "Aqualung Redux" präsentieren wir auch das Begleitalbum "Best of Jethro Tull Redux", das weitere Klassiker und Raritäten aus dem ebenso umfangreichen wie einzigartigen Katalog der britischen Rocklegende enthält.
Die Magnetic Eye Redux- Reihe lässt ausgewählte Künstler handverlesene klassische Alben aus der Geschichte des Rock und Metal komplett neu interpretieren und respektvoll in das neue Jahrtausend übertragen. Bisher hat das Label solche Meilensteine wie PINK FLOYDs "The Wall", HELMETs "Meantime", BLACK SABBATHs "Vol. 4", JIMMY HENDRIX' "Electric Ladyland", "Dirt" von ALICE IN CHAINS, AC/DCs "Back in Black" und den SOUNDGARDEN-Klassiker "Superunknown" in Redux-Versionen veröffentlicht. Unter vielen anderen haben sich solch herausragende Künstler wie MATT PIKE, PALLBEARER, THE MELVINS, ALL THEM WITCHES, KHEMMIS, ASG, ZAKK WYLDE, MARK LANEGAN, SCOTT REEDER an diversen Redux-Projekten beteiligt.
Angeschnallt und zugestiegen bei Magnetic Eyes achter Expedition ins Redux-Abenteuer, mit dem wir den einzigartigen britischen Rock-Erneuern JETHRO TULL die gebührende Ehre erweisen!

Mit dem Begleitalbum "Best of Jethro Tull Redux" lässt sich das Erlebnis von "Aqualung Redux" noch erweitern und vertiefen. Mit beiden Werken zollen Magnetic Eye Records gemeinsam mit zahlreichen Freunden der britischen Rocklegende JETHRO TULL und ihrem Meilenstein-Album "Aqualung" aus dem Jahr 1971 respektvollen Tribut. Auf "Best of Jethro Tull Redux" bieten weitere spannende Künstler ihre Neuinterpretationen aus dem ebenso einzigartigen wie umfangreichen Gesamtwerk der Briten an.
JETHRO TULL sind musikalische Riesen mit einem einzigartigen Sound - oder besser gesagt Sounds, die im Kanon der Rockmusik unvergleichbar geblieben sind. Die 1967 in Blackpool, Lancashire, von dem Schotten Ian Anderson gegründete Band hat im Laufe ihrer jahrzehntelangen Karriere immer wieder stilistische Veränderungen und Imagewechsel durch- und überlebt. Vor allem die charakteristische Stimme ihres Frontmanns und die Einbeziehung der Querflöte als wesentliches Instrument haben JETHRO TULL dennoch mit einem unverkennbaren klanglichen Fingerabdruck versehen.
JETHRO TULL haben von Anfang an die Grenzen der Rockmusik neu vermessen. Durch die Einführung von Elementen aus der klassischen Musik, des Jazz sowie der traditionellen Musik haben die Briten zahlreiche Impulse gegeben, weshalb sie zunächst dem Art Rock zugerechnet wurden und mittlerweile unter anderem zum Progressive Rock zählen. Die britische Legende schaffte den Spagat zwischen Kunst, Breitenwirkung und kommerziellem Erfolg stets mit nur scheinbarer Leichtigkeit. Dazu trug auch die herausragende Bühnenpräsenz von Frontmann Ian Anderson bei, dessen theatralischen Auftritte sogar mit denen seines Zeitgenossen, dem legendären britischen Sänger Arthur Brown, konkurrierten.
Die Magnetic Eye Redux- Reihe lässt ausgewählte Künstler handverlesene klassische Alben aus der Geschichte des Rock und Metal komplett neu interpretieren und respektvoll in das neue Jahrtausend übertragen. Bisher hat das Label solche Meilensteine wie PINK FLOYDs "The Wall", HELMETs "Meantime", BLACK SABBATHs "Vol. 4", JIMMY HENDRIX' "Electric Ladyland", "Dirt" von ALICE IN CHAINS, AC/DCs "Back in Black" und den SOUNDGARDEN-Klassiker "Superunknown" in Redux-Versionen veröffentlicht. Unter vielen anderen haben sich solch herausragende Künstler wie MATT PIKE, PALLBEARER, THE MELVINS, ALL THEM WITCHES, KHEMMIS, ASG, ZAKK WYLDE, MARK LANEGAN, SCOTT REEDER an diversen Redux-Projekten beteiligt.

Mit dem Begleitalbum "Best of Jethro Tull Redux" lässt sich das Erlebnis von "Aqualung Redux" noch erweitern und vertiefen. Mit beiden Werken zollen Magnetic Eye Records gemeinsam mit zahlreichen Freunden der britischen Rocklegende JETHRO TULL und ihrem Meilenstein-Album "Aqualung" aus dem Jahr 1971 respektvollen Tribut. Auf "Best of Jethro Tull Redux" bieten weitere spannende Künstler ihre Neuinterpretationen aus dem ebenso einzigartigen wie umfangreichen Gesamtwerk der Briten an.
JETHRO TULL sind musikalische Riesen mit einem einzigartigen Sound - oder besser gesagt Sounds, die im Kanon der Rockmusik unvergleichbar geblieben sind. Die 1967 in Blackpool, Lancashire, von dem Schotten Ian Anderson gegründete Band hat im Laufe ihrer jahrzehntelangen Karriere immer wieder stilistische Veränderungen und Imagewechsel durch- und überlebt. Vor allem die charakteristische Stimme ihres Frontmanns und die Einbeziehung der Querflöte als wesentliches Instrument haben JETHRO TULL dennoch mit einem unverkennbaren klanglichen Fingerabdruck versehen.
JETHRO TULL haben von Anfang an die Grenzen der Rockmusik neu vermessen. Durch die Einführung von Elementen aus der klassischen Musik, des Jazz sowie der traditionellen Musik haben die Briten zahlreiche Impulse gegeben, weshalb sie zunächst dem Art Rock zugerechnet wurden und mittlerweile unter anderem zum Progressive Rock zählen. Die britische Legende schaffte den Spagat zwischen Kunst, Breitenwirkung und kommerziellem Erfolg stets mit nur scheinbarer Leichtigkeit. Dazu trug auch die herausragende Bühnenpräsenz von Frontmann Ian Anderson bei, dessen theatralischen Auftritte sogar mit denen seines Zeitgenossen, dem legendären britischen Sänger Arthur Brown, konkurrierten.
Die Magnetic Eye Redux- Reihe lässt ausgewählte Künstler handverlesene klassische Alben aus der Geschichte des Rock und Metal komplett neu interpretieren und respektvoll in das neue Jahrtausend übertragen. Bisher hat das Label solche Meilensteine wie PINK FLOYDs "The Wall", HELMETs "Meantime", BLACK SABBATHs "Vol. 4", JIMMY HENDRIX' "Electric Ladyland", "Dirt" von ALICE IN CHAINS, AC/DCs "Back in Black" und den SOUNDGARDEN-Klassiker "Superunknown" in Redux-Versionen veröffentlicht. Unter vielen anderen haben sich solch herausragende Künstler wie MATT PIKE, PALLBEARER, THE MELVINS, ALL THEM WITCHES, KHEMMIS, ASG, ZAKK WYLDE, MARK LANEGAN, SCOTT REEDER an diversen Redux-Projekten beteiligt.

Hü per hat es sich zusammen mit dem Berliner Jazzpianist Matti Klein zur Aufgabe gemacht, die Lieder der großen Knef in den Kontext der Gegenwart zu setzen und ihnen einen Hauch Berliner Luft von heute einzufl ö ßen. Titel wie "Fü r mich soll’s rote Rosen regnen", "17 Millimeter fehlten mir zum Glück" oder der Titelsong erklingen im völlig neuen Sound und machen neugierig auf mehr. Eigenständige Interpretationen, die ans Herz gehen, ohne die Tiefe und Ernsthaftigkeit der Originale zu verlieren.

"You're traveling through another dimension - a dimension not only of sight and sound but of mind. A journey into a wondrous land whose boundaries are that of imagination". This iconic introduction is from Rod Serling's timeless and influential television program, The Twilight Zone. Perhaps he would also apply this description to Can Con, the debut album by The Psych Fi's. The group is an offshoot of Canadian singer-songwriter Jerry Leger's rock 'n' roll side project, The Del Fi's. Just as The Psych Fi's describe themselves as "spontaneous psychedelic rock", The Del Fi's recorded two albums characterized by spontaneity, spirit, and trust. This time Leger brings his songs to a revolving door of musicians and singers (18 members, including Jerry, in the case of Can Con). Most of the performers have not heard these compositions before recording them. They have no chance to second-guess; they must be fearless and jump in with both feet and perform live in studio. Leger acts as a sort of loose conductor, allowing certain soloists to emerge from the musical collage. The group takes you on a hypnotic journey from the epic opening medley "Alone in a Room of Mirrors / James Cagney" to the groove of "You Know that I Love You, I Do" and the openness of "Song for Vultures". You'll get lost in "Summer's Right Around the Corner", which also features Don Stevenson (founding member of the legendary 60s psychedelic rock band Moby Grape) on backing vocals, alongside Kate Boothman (Katie Cruel) and Angie Hilts. This sound has evolved out of Del Fi performances, specifically when musicians Nichol Robertson, Jason Kenemy, Dave Clark (The Rheostatics, Woodshed Orchestra), and Michael Eckert were involved. Leger and these "Fi's" eagerly ventured down less-traveled roads to destinations unknown. Other Psych Fi's include Ken Yoshioka, Matthew Cooke, Les Armstrong, Chris Bennett, Shawn Clarke, Katie Methot, and members of "Jerry Leger & The Situation" (Dan Mock, Kyle Sullivan, Alan Zemaitis). Leger tells us at the beginning of the record, "I'm excited to live again", and by the end of Can Con, he's singing in his dreams and ours. This album will continue to grow, live, breathe, and expand as we share in each other's minds. It's a happening, and it's happening - you can hear it throughout the grooves. Here is your mantra: "I AM A PSYCH FI". File under: Psychrock, Crazy Horse, Electric Dylan.

Gelb/Orange/Olive/Weißes Spot-Splatter-Vinyl. Limitiert auf 500 Exemplare. Gatefold. Wenn das Gefühl für Raum und Zeit verschwindet... Psychedelische Sounds fusionieren zu einem endlosen Klangteppich, wirklich zuordnen lässt sich hier nichts mehr. Muss ja auch nicht, lieber den Kopf ausschalten. Nur selten erscheinen Platten wie "ada" (Release: 06.12.2024), die scheinbar endlose Möglichkeiten zum Wegträumen bieten - weil so viel Geschichte in ihnen steckt: "Das neue Album ist so etwas wie die Essenz aus über 30 Jahren Electric Orange", erklärt Dirk Jan Müller, der das langlebige Projekt schon 1992 in Aachen gestartet und später zu einer großartigen Band ausgebaut hat. Electric Orange sind eindeutig im Krautrock der Siebzigerjahre verwurzelt (und nutzen teilweise auch das Equipment dieser Ära), so erinnern viele Tracks an die altbekannten Legenden des Genres: Can, Tangerine Dream, Amon Düül - eine Mischung aus all dem, was die Bandmitglieder lieben. In dieser Welt ist jeder Groove noch besser, wenn man ihn minutenlang durchzieht. Die Musik von Electric Orange entwickelt sich durchgehend weiter, sphärische Klänge kommen dazu und gehen wieder... oder werden von experimentellen Wah-Wah-Gitarren abgelöst. Weltall-Soundeffekte? Film-Samples? Yes! Electric Orange legen eine weitläufige Welt offen und führen den/die Hörer*in dann hindurch; ihre Musik ist treibend und verträumt zugleich.

The Fluid are arguably the great unsung band from the fertile underground rock scene of the late '80s and early '90s. The Denver five-piece - John Robinson (vocals), James Clower (guitar), Matt Bischoff (bass), Garrett Shavlik (drums), and the dear departed Ricky Kulwicki (guitar) - fused the fire of '80s hardcore with crunching Detroit protopunk, '60s garage rock, and '70s rock swagger. Think MC5, Faces, '70s Stones, all cranked up and really high on Sex Pistols and Black Flag singles. Rising from the ashes of early-'80s Denver bands Frantix (whose "My Dad's a Fuckin' Alcoholic" is a true gem of American punk) and White Trash, The Fluid were the first non-Seattle band to sign to Sub Pop, and Clear Black Paper was the second full-length album the label ever released. The label honchos were fans of Frantix, and happily got involved with The Fluid when the opportunity arose via the label's European licensing partner, Glitterhouse. Witnessing The Fluid's dominant live presence helped - a particularly fiery early show at Seattle's Central Tavern featured The Fluid, Mudhoney, Mother Love Bone, and Soundgarden all trying to outdo one another on stage. The band fit right in on Sub Pop's nascent roster of acts who, wherever they stood on the spectrum of punk/rock/metal, shared a commitment to thunderous riffs and explosive live shows. Legendary for their ferocious stage presence, The Fluid toured all over the US and Europe, holding their own and then some on bills with Mudhoney, Nirvana, Soundgarden, Dinosaur Jr., and other powerhouses of the era. From 1986 to 1993, The Fluid put out four albums and a number of EPs and singles, including a split 7" with Nirvana in 1991, before doing one album for a major label and promptly disbanding. Yet, while their partners-in-crime bulldozed into the mainstream, The Fluid remained something of a cult band, their audience confined to those who got hip during the band's existence, and crate diggers who nabbed original vinyl or CDs, which had quickly become rarities after selling through their original runs. Why? Record industry machinations? The fickle finger of pop culture? Being from Denver, not Seattle? Who the hell knows_ and who cares! The point is the band ripped, and the world deserves to hear them again. The Fluid took influences they shared with their contemporaries and ran in their own direction, focused on ass-shaking grooves more than misanthropic sludge. Rock anthems like "Cold Outside" sit alongside Stooge-oid rhythmic poundings ("Black Glove"), bluesy romps ("Leave It"), the occasional grungy dirge ("Wasted Time"), and raw punk bangers ("Is It Day I'm Seeing?" from the seminal 1988 Sub Pop 200 compilation). The band wasn't shy about their inspiration, either: scattered through their catalog are covers of The Troggs, The Rolling Stones, MC5, Iggy Pop and James Williamson, and Rare Earth. The Fluid stand out as champions of a feral, urgent, exuberant approach to rock 'n roll. As it turns out, that wasn't a recipe for stardom in the era of hyper-slick pop, boomer dinosaurs crying tears in heaven, and hair-metal power-ballads. But someone had to do it. To set things right, Sub Pop, The Fluid, and producer Jack Endino (Nirvana, Soundgarden, High on Fire, Mudhoney) teamed up to refresh and reissue The Fluid's entire indie-label catalog: their 1986 debut, Punch N Judy; 1988's Clear Black Paper; 1989's Roadmouth; the 1990 Glue EP (produced by Butch Vig, of Nevermind fame); and a treasure trove of rarities and previously unreleased material. All the music has been remastered from original tapes by Endino and JJ Golden, and the bulk of it has been meticulously remixed by Endino and the band, righting some sonic quirks that diminished the impact of the original records. Now, with their definitive material sounding better than ever, it's high time The Fluid get their due.

With this second record Shoko unveils a new genre called “Onsen Music”. Each track invites you on a relaxing journey, much like soaking away your troubles in the steamy hot waters of a traditional Japanese spa (Onsen). The variety of songs mimic the variety of onsens, some are salty and scorching, some are smooth and clear, some are bubbly and colorful, and others are a refreshing dip into crisp clear waters. In every instance, there's a sense of satisfaction as soothing and delightful as the tracks themselves. This ode to “relax”, while remaining irresistibly danceable, is filled with good vibrations, melodies and hooks that go straight to the heart, saxophone playing virtuosity, intricate electronic compositions, vocals that make us dream of new worlds, and beats that could keep us on a dancefloor all night long.

Shoko Igarashi was born in Yamagata Prefecture, Tsuruoka city, Japan. An accomplished tenor saxophonist, she is also a versatile flautist and plays alto and soprano saxophone fluently. She has already made her mark as both an arranger and a composer. Shoko grew up surrounded by dreamlike landscapes of abundant nature in the snowy countryside of Tsuruoka, a mysterious and surreal region renowned for producing the best quality rice in Japan, where she says, “the water and the air feel the purest," and where mountains and shrines overflow with ancient mysticism.

Campus Christy is a collaboration between Stones Throw Records’ founder Chris Manak aka Peanut Butter Wolf (vocals) and Brian Ellis (instruments).

Nearly 25 years after his 1999 release of ‘My Vinyl Weighs a Ton’, Manak has formed a brand new musical project, reinterpreting lesser-known tracks from the late 1960s to early 1980s. Campus Christy revives Manak’s high school garage band moniker, a niche ode to the past. Campus Christy marks a new direction for Manak, who for decades has been closely associated with underground hip-hop. ‘Very Complex’ features Piya Malik of Say She She, and ‘Candles’ also features Say She She.

LP with gold foiled jacket and embossing.

For fans of Say She She, Vulfpeck, Daniel Johnston.

KitschKrieg goes USA. Als “Reise flussaufwärts Richtung Quelle“ beschreiben sie selbst diese Erfahrung.
Mit ein wenig Distanz erscheint der waghalsige Schritt logisch, unvermeidbar fast. Man muss immer weiter
durchbrechen. Die Linse, mit der man auf Dinge blicke, sei dieselbe geblieben, sagt Fizzle – nur seien es
jetzt eben andere Dinge. Andere Themen, andere Charaktere, andere Geschichten, größere Geschichten
auch. Dies ist Amerika, after all.
Die rhythmischen Patterns auf den zehn Songs reichen von Trap und Afrobeats über R&B bis hin zu House
im weitesten Sinne. Dennoch klingt das Album kohärenter als alle bisherigen KK- Releases: GEZWEI ist
das Werk einer Band, keine Compilation. Da sind die vertrauten Sounds der 808, des FM8, des Juno,
mit denen KitschKrieg ihren ureigenen Inner City Blues komponieren. Da sind die wiederkehrenden Stimmen von Hunxho, Fridayy oder Mariah The Scientist, die nicht wie Featuregäste klingen, sondern wie
neue Fixsterne im KK-Kosmos. Und über allem schwebt diese leise KitschKrieg-Melancholie – weil 6am in
Germany eben jederzeit und überall sein kann.