quête:r 88

Repress!

Classic Big Bucks Northern Soul Sides On Nice Lookalike Label Reissue 45

Auf "Off The Grid" verschmelzt traditionelle Rhythmen mit elektronischer Musik.

"Off the Grid" ist eine Reise, die die Entstehungsgeschichte von Tanzrhythmen aus Afrika mit der elektronischen Tanzmusik der heutigen Clubs und Festivals verbindet und afrikanische Folklore und Geschichten mit Rap, Jazz und Hip-Hop verknüpft. Die beiden kreativen Köpfe hinter Onipa - Tom Excell (Nubiyan Twist) und Kweku Sackey (K.O.G. & the Zongo Brigade) - haben zusammen mit Finn Booth am Schlagzeug und Dwayne Kilvington (alias Wonky Logic) an den Synthesizern eine lebensbejahende und höchst originelle Klangwelt geschaffen

Der in Yorkshire geborene und in London lebende Sänger, Songwriter und Produzent Ethan P. Flynn kündigt Details zu seinem Debütalbum "Abandon All Hope" an. Das Album, das am 6. Oktober bei Young erscheint, vereint die Erfahrung von 24 Jahren in acht eklektischen Tracks. Mit der aufstrebenden Sängerin Ava Gore als Backgroundsängerin ist "Abandon All Hope" ein kühnes Statement, das Ethan P. Flynn zu einem eigenständigen Künstler macht. "Abandon All Hope" ist der Höhepunkt einer äußerst fruchtbaren Periode persönlicher Kreativität, in der der junge Künstler mit einer Reihe bekannter Namen wie David Byrne, FKA Twigs, Jockstrap und Vegyn zusammengearbeitet hat. 44 Minuten lang, 22 Minuten auf jeder Seite (was absichtlich der traditionellen Länge einer 12"-LP entspricht), aufgenommen in den Narcissus Studios in 12 Tagen, wird das Album durch ein verbindendes Thema zusammengehalten: ein Album im altmodischen Sinne. Es erinnert an 70er-Jahre-Größen wie Randy Newman und Harry Nilsson, während es sich mit der Sehnsucht und dem Verlust der Macht über die Hoffnung in Bezug auf Beziehungen, Liebe, Angstbewältigung und dem Erwachsenwerden im 21 Jahrhundert beschäftigt. Der gleichnamige Titelsong ist die erste Single, die heute zusammen mit einem von Ethan P. Flynn selbst gedrehten Musikvideo veröffentlicht wird, das vom CHILD Studio (Pa Salieu, Anaiis, The xx) produziert wurde. Das Video zeigt Ethan P. Flynn und Ava Gore auf einer Reise durch die Yorkshire Dales, während sie sich von den Fesseln der Hoffnung befreien. Über die Single sagt Ethan P. Flynn: "Am Anfang stand die Geschichte eines Wegelagerers in Amerika, der Leute ausraubt. Er stirbt, und im Fegefeuer ist er gezwungen, den Raubüberfall auf seine eigene Familie zu wiederholen, auf der Straße, für alle Zeit, bis er bereut und in die Hölle kommt. Das Lied wird verdunkelt und mit dem Thema der Hoffnungslosigkeit verlassen. Wir leben in einer hoffnungslosen Zeit: Krieg in Europa, Covid davor, und ich wollte, dass es als Antwort darauf schwer klingt. Vielleicht ist es zu rockig, aber ich wollte auf diesem Album zur Gitarre zurückkehren. Die Gitarre ist der Fokus." Und das ist nur die erste Geschichte, die man von Ethan P. Flynns bereicherndem und ehrgeizigem Debütalbum erfahren wird.

SG is none other than Andrew Pekler returning to faitiche with an album of sentimental guitar escapism. For Lovers Only / Rain Suite features ten tracks made using only an electric guitar and a handful of effects pedals (plus some additional recordings of rain) and finds Pekler once again attempting to reconicile his tendencies towards kitsch, experimentation and minimalism.

What does Pekler's pseudonym SG stand for? Sentimental Guitar? Sound Gallery? Shy Guy? Sad Gnosis? Saudade Glamour? Soft Goth? We don't know, but we asked notorious Chicago romantic Sam Prekop for his take on the album – his reply:

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It’s a wonder where the rivers go and far, how fast or slow.

Just seconds to remember, who can forget, when you are lost.

I think to recount every step, in both hands, eyes open, the clouds unfold, one two three. Every other step, just as well.

Where the moss is soft, you know strong. How many hours, days? I could have been careful, did I forget?

Never mind. Waking up, in these arms, where the rivers go, slow. One two three, one two three.

Alien Transistor is proud to announce a reissue of Such December, the fourth album by Japanese indie folk-pop artist, Gratin Carnival. Listeners might already know Gratin Carnival from their appearance on the Alien Parade Japan compilation of indie pop groups working with brass and woodwind; compiled by Markus Acher of The Notwist and Saya of Tenniscoats, it introduced this beautiful genre to the wider world. Gratin Carnival’s “Just Watching” was one of the many highlights of that compilation, and its gentle bossa-folk glide reappears on Such December.

Originally released in 2020, Such December captures beautifully the happy-sad charm of Gratin Carnival. The project of Koreyuki Mitsunaga, Gratin Carnival started in 2011; Mitsunaga had been home recording for some time and decided on the name as an umbrella for his music-making. Mitsunaga’s main instruments are guitar, which he uses to great effect throughout, his gorgeous acoustic playing reminiscent of players like Ueno Takashi of Tenniscoats or João Gilberto, and alto saxophone and clarinet. Those three instruments make up the core of Gratin Carnival’s sound, along with Mitsunaga’s charmingly doleful singing.

Recording at his parents’ home, with a four-track cassette recorder and a MacBook, Mitsunaga created Such December during 2020, though the songs on it stretch back to 2016. The closing “On The Train” was the first song written for the album – “a song about a small trip,” Mitsunaga recalls – and from there, he built a beautiful collection of songs that sit together perfectly. There’s great clarity in Mitsunaga’s writing, with nothing extraneous getting in the way of the lucid arrangements and gorgeous melodies; there’s something of chamber jazz about it at times, so it’s no surprise that Mitsunaga shares his love of Benny Goodman’s small group playing.

He's also a fan of Japanese folk artists like Kenji Endo and Kyouzou Nishioka, and grew up listening to Japanese popular music, The Beatles, and The Carpenters. You can hear trace elements of all this in Such December, in the clear-headedness of the melodic decisions made by Mitsunaga, and the quiet charm of the song’s gentle arrangements. They take on different shapes live, too, where Mitsunaga often invites other musicians to join in – his live band currently includes Masafumi Ezaki (trumpet), Nahoko Kamei (bass clarinet, piano, keyboards) and Tadashi Yonago (trombone, self-made instruments).

As with plenty of musicians from the Japanese underground, Mitsunaga is involved in other music, too – he’s been working with The Otoasobi Project, which performs music in collaboration with individuals with learning disabilities, and their families; and he’s also involved in improvised music. With Such December, though, you get to hear Mitsunaga’s music at its most personal and individual, ten songs of still, gorgeously poised indie folk-pop, where the swooning clang of six strings meets the breathy bliss of woodwind and brass.

Highly anticipated by his legions of fans, Andrew Rayel's album Lifeline limelights the incredible versatility - and the innate musicality - of the Moldovan DJ, producer, radio show host and label boss. Flaunting his melodic prowess across eighteen tracks, this body of work underlines Andrew Rayel's intentions to remain amongst dance music's key figures as he gives all his loyal supporters yet another reason to smile.

Lifeline contains several of his biggest hits to date, including “Silver Lining”, “Wild Feelins”, “Closer”, and “Stars Collide”. The album features guest performances by Takis, Zagata, Florentin, Sam Gray, AVIAN GRAYS, Olivia Sebastianelli, Mike Schmid, Amanda Collis, Robbie Seed, and That Girl amongst many others.

The 2LP Lifeline is available as a limited edition of 500 individually numbered copies and includes an insert.

Sechs lange Jahre mussten Fans auf ein neues Album der amerikanischen Metal-Band Prong warten. Die Gründe: die Pandemie mit all ihren Unsicherheiten und Verwerfungen, aber auch erfreuliche Ereignisse im Privatleben von Sänger und Gitarrist Tommy Victor.

Doch nun sind Prong zurück, und zwar mit einem wahren Paukenschlag: ‚State Of Emergency‘ ist das erhofft fesselnde Werk geworden, mit der gewohnt unbändigen Energie einer Gruppe, die bereits seit Mitte der Achtziger an vorderster Front agiert. Und mit einem Ideenreichtum, wie er typischer für diese Band kaum sein könnte: „Es ist ein echtes Prong-Album. Es ignoriert nicht nur jedes Genre, sondern auch das, was heutzutage da draußen vor sich geht“, umreißt Bandgründer Victor die stilistische Ausrichtung der elf Songs.

Über seinen künstlerischen Ansatz sagt er: „Ich mag alle Arten von Musik. Diese Platte passt dazu, da sie viele Facetten abdeckt.

Gleichzeitig ist ‚State Of Emergency‘ sehr gitarrenorientiert und ein gutes Beispiel für meinen Stil aus Punk, Metal, Post-Punk-Lärm, etwas Doom, Blues und Thrash, mit einem ziemlich geradlinigen Gesang. Insgesamt herrscht auf dem Album ein aggressives Ostküsten-Flair.“

Zudem gibt es im August und November große Europatourneen.

Endlich ist es soweit, Torstens lang ersehntes 7. Studio Album “Soul Searching” wird bei Membran Records erscheinen. Nach 8 Jahren Pause, persönlichen Krisen und schweren Zeiten, danach viel Songwriting und Reflektion, wird dies ein sehr persönlicher Tonträger, wie Torsten findet.

Der in Yorkshire geborene und in London lebende Sänger, Songwriter und Produzent Ethan P. Flynn kündigt Details zu seinem Debütalbum "Abandon All Hope" an. Das Album, das am 6. Oktober bei Young erscheint, vereint die Erfahrung von 24 Jahren in acht eklektischen Tracks. Mit der aufstrebenden Sängerin Ava Gore als Backgroundsängerin ist "Abandon All Hope" ein kühnes Statement, das Ethan P. Flynn zu einem eigenständigen Künstler macht. "Abandon All Hope" ist der Höhepunkt einer äußerst fruchtbaren Periode persönlicher Kreativität, in der der junge Künstler mit einer Reihe bekannter Namen wie David Byrne, FKA Twigs, Jockstrap und Vegyn zusammengearbeitet hat. 44 Minuten lang, 22 Minuten auf jeder Seite (was absichtlich der traditionellen Länge einer 12"-LP entspricht), aufgenommen in den Narcissus Studios in 12 Tagen, wird das Album durch ein verbindendes Thema zusammengehalten: ein Album im altmodischen Sinne. Es erinnert an 70er-Jahre-Größen wie Randy Newman und Harry Nilsson, während es sich mit der Sehnsucht und dem Verlust der Macht über die Hoffnung in Bezug auf Beziehungen, Liebe, Angstbewältigung und dem Erwachsenwerden im 21 Jahrhundert beschäftigt. Der gleichnamige Titelsong ist die erste Single, die heute zusammen mit einem von Ethan P. Flynn selbst gedrehten Musikvideo veröffentlicht wird, das vom CHILD Studio (Pa Salieu, Anaiis, The xx) produziert wurde. Das Video zeigt Ethan P. Flynn und Ava Gore auf einer Reise durch die Yorkshire Dales, während sie sich von den Fesseln der Hoffnung befreien. Über die Single sagt Ethan P. Flynn: "Am Anfang stand die Geschichte eines Wegelagerers in Amerika, der Leute ausraubt. Er stirbt, und im Fegefeuer ist er gezwungen, den Raubüberfall auf seine eigene Familie zu wiederholen, auf der Straße, für alle Zeit, bis er bereut und in die Hölle kommt. Das Lied wird verdunkelt und mit dem Thema der Hoffnungslosigkeit verlassen. Wir leben in einer hoffnungslosen Zeit: Krieg in Europa, Covid davor, und ich wollte, dass es als Antwort darauf schwer klingt. Vielleicht ist es zu rockig, aber ich wollte auf diesem Album zur Gitarre zurückkehren. Die Gitarre ist der Fokus." Und das ist nur die erste Geschichte, die man von Ethan P. Flynns bereicherndem und ehrgeizigem Debütalbum erfahren wird.

Der in Yorkshire geborene und in London lebende Sänger, Songwriter und Produzent Ethan P. Flynn kündigt Details zu seinem Debütalbum "Abandon All Hope" an. Das Album, das am 6. Oktober bei Young erscheint, vereint die Erfahrung von 24 Jahren in acht eklektischen Tracks. Mit der aufstrebenden Sängerin Ava Gore als Backgroundsängerin ist "Abandon All Hope" ein kühnes Statement, das Ethan P. Flynn zu einem eigenständigen Künstler macht. "Abandon All Hope" ist der Höhepunkt einer äußerst fruchtbaren Periode persönlicher Kreativität, in der der junge Künstler mit einer Reihe bekannter Namen wie David Byrne, FKA Twigs, Jockstrap und Vegyn zusammengearbeitet hat. 44 Minuten lang, 22 Minuten auf jeder Seite (was absichtlich der traditionellen Länge einer 12"-LP entspricht), aufgenommen in den Narcissus Studios in 12 Tagen, wird das Album durch ein verbindendes Thema zusammengehalten: ein Album im altmodischen Sinne. Es erinnert an 70er-Jahre-Größen wie Randy Newman und Harry Nilsson, während es sich mit der Sehnsucht und dem Verlust der Macht über die Hoffnung in Bezug auf Beziehungen, Liebe, Angstbewältigung und dem Erwachsenwerden im 21 Jahrhundert beschäftigt. Der gleichnamige Titelsong ist die erste Single, die heute zusammen mit einem von Ethan P. Flynn selbst gedrehten Musikvideo veröffentlicht wird, das vom CHILD Studio (Pa Salieu, Anaiis, The xx) produziert wurde. Das Video zeigt Ethan P. Flynn und Ava Gore auf einer Reise durch die Yorkshire Dales, während sie sich von den Fesseln der Hoffnung befreien. Über die Single sagt Ethan P. Flynn: "Am Anfang stand die Geschichte eines Wegelagerers in Amerika, der Leute ausraubt. Er stirbt, und im Fegefeuer ist er gezwungen, den Raubüberfall auf seine eigene Familie zu wiederholen, auf der Straße, für alle Zeit, bis er bereut und in die Hölle kommt. Das Lied wird verdunkelt und mit dem Thema der Hoffnungslosigkeit verlassen. Wir leben in einer hoffnungslosen Zeit: Krieg in Europa, Covid davor, und ich wollte, dass es als Antwort darauf schwer klingt. Vielleicht ist es zu rockig, aber ich wollte auf diesem Album zur Gitarre zurückkehren. Die Gitarre ist der Fokus." Und das ist nur die erste Geschichte, die man von Ethan P. Flynns bereicherndem und ehrgeizigem Debütalbum erfahren wird.

This record captures the amazing live energy of Santrofi, a young 7 piece from Ghana with a mission to bring Highlife back. For this record they are backed by Berlins finest 14 piece brass band: the Omniversal Earkestra. Over 25 great musicians on stage all playing their hearts out, all captured on this live LP.

The album documents the grande finale of the ‚Deep into Highlife‘ project taking place 2021/22 in Ghana and Germany. The project started off in Accra with Highlife shooting stars Santrofi inviting numerous artists on stage for a series of concerts and jamsessions. The guests included Highlife legends A.B. Crentsil (RIP) and A.K. Yeboah, but also newcomers like Camidoh, Black Sherif or drill rapper Yaw Tog from Kumasi.

In May/June 2022 Santrofi brought the ‚Deep into Highlife‘ experience to Germany. The lineup featured two special guests: The guitar band legend A.K. Yeboah, a pioneer of Ghanas Highlifescene and father of famous guitar ace Kwame Yeboah. And Ghana drill pioneer Yaw Tog from Kumasi known as ‚young bull‘ by his fans back home.

The final concert of the tour took place at Kulturbrauerei in Berlin on June 2nd 2022. For this very special event Santrofi was backed by Berlin’s finest brass unit the Omniversal Earkestra. The band is a 14 piece brass collective making waves recently with their ‚Le Mali 70‘ album which took them on a recording trip to Mali.

The album features live versions of some of Santrofis most popular songs backed by the Omniversal Earkestra who wrote horn arrangements for this special session. It also features ‚Suru nipa‘ an original composition by A.K. Yeboah in which the singer gives invaluable advice to his audience: „Don’t be afraid of ghosts, be afraid of humans“. And a version of Yaw Tog’s single ‚Sei mu‘.

We invite you to witness the incredible live energy of Santrofi and their lovely collaborators: Let us share this beautiful night with you.

Sei bereit, die lodernde Kraft von IRON SAVIORs neuestem Album "Firestar" zu spüren. Vollgepackt mit atemberaubenden Gitarrenriffs, kraftvollen Vocals und epischen Melodien hebt dieser Release den charakteristischen Power Metal Sound der Band auf neue Ebenen. Die unerwartete kreative Energie während der Aufnahmen hat zu einer Sammlung von elf herausragenden Songs geführt, die sogar den beeindruckenden Vorgänger übertreffen. Vom atemberaubend schnellen und energievollen Titel-Track hin zu den gefühlvollen Lyrics von "Tough the Fires of Hell" haben IRON SAVIOR ein wahres Meisterwerk geschaffen. Eine wahre Feuerexplosion des puren Metal, die keine Grenzen kennt.

Sei bereit, die lodernde Kraft von IRON SAVIORs neuestem Album "Firestar" zu spüren. Vollgepackt mit atemberaubenden Gitarrenriffs, kraftvollen Vocals und epischen Melodien hebt dieser Release den charakteristischen Power Metal Sound der Band auf neue Ebenen. Die unerwartete kreative Energie während der Aufnahmen hat zu einer Sammlung von elf herausragenden Songs geführt, die sogar den beeindruckenden Vorgänger übertreffen. Vom atemberaubend schnellen und energievollen Titel-Track hin zu den gefühlvollen Lyrics von "Tough the Fires of Hell" haben IRON SAVIOR ein wahres Meisterwerk geschaffen. Eine wahre Feuerexplosion des puren Metal, die keine Grenzen kennt.

Als Progressive Metal getarnt verdrehen The Hirsch Effekt auf ihrem sechsten Langspieler "Urian" wieder die Gewohnheiten. Das neue Album taucht musikalisch tief in die immer aufdringlicher werdende Ambivalenz aus Krisen und Alltag ein. "Urian" wird der ungebetene Gast genannt, dessen Begegnung meist ziemlich unerwünscht ist. Eine knappe Stunde fesselt es dich klanglich und weist mit einer hinterlistigen Umarmung geschickt auf all den schief gewickelten Mist hin!
"Urian" nimmt sich Zeit, lässt uns zwischen kraftvollem Dauerprasseln atmen und Luftholen. Harte Ansätze vor atmosphärischen Collagen - mal einfühlsam-akustisch, mit ausgefeilten Gesängen und groovigen Passagen - bis dir Urian wieder derb in die Seite prügelt. Deutlich weniger konzeptuell als das 2020er Album "Kollaps" ist es dennoch eine absolute Weiterentwicklung. Textliche Chiffren wirken intimer, Bezüge und Verweise liegen scheinbar klar auf der Hand. So werden sozialpolitische Themen besprochen, bei denen die Musiker sich selbst und die derzeitigen Entwicklungen kritisch hinterfragen. Neben Bots, die sich in Insta-Kommentaren demokratie-zersetzend in menschliche Köpfe einnisten, geben THE denen eine Stimme, die keine haben oder denjenigen, auf die all das schöne Leben noch wartet. Aus diesem zwar dystopischen, allerdings klaren Welt- und Werteverständnis erwächst eine gesittete Hoffnung, dank der "Urian" noch zum Tee verweilen darf.
1. Agora (CD)
2. Otus (CD)
3. 2054 (CD)
4. Urian (CD)
5. Stegodon (CD)
6. Granica (CD)
7. Blud (CD)
8. Eristys (CD)
a1. Agora (Tape)
a2. Otus (Tape)
a3. 2054 (Tape)
a4. Urian (Tape)
a5. Stegodon (Tape)
b1. Granica (Tape)
b2. Blud (Tape)
b3. Eristys (Tape)
b6. Der neue Song (Hörschpielsammlung) (Tape)
b7. Im Studio (Hörschpielsammlung) (Tape)
b8. Der fiese Husten (Hörschpielsammlung) (Tape)
b9. Das Umparken (Hörschpielsammlung) (Tape)
b4. Die Autofahrt (Hörschpielsammlung) (Tape)
b5. Der Soundcheck (Hörschpielsammlung) (Tape)

Das Debütalbum der Punk-Superstars RISE AGAINST von 2001. THE UNRAVELING in der Neuauflage (Remix, Remaster, Bonustracks) von 2018. Die aus Chicago stammende Band thematisiert Ungerechtigkeit und Ungleichheit, bricht weiterhin Rekorde, füllt Arenen und macht ihr riesiges globales Publikum auf wichtige progressive Themen aufmerksam. Alles begann im Jahr 2001, als ein Demo von zwei ehemaligen Mitgliedern von 88 Fingers Louie zu Fat Wreck gelangte. Es war ihre neue Band, Rise Against. FAT nahm sie sofort unter Vertrag, holten sie ins Studio und veröffentlichten ihr Debütalbum "The Unraveling". Nach der eiligen Veröffentlichung ging die Band auf Tour. Jahr für Jahr, Tour für Tour baute Rise Against langsam eine treue Fangemeinde in den USA und Europa auf. Rückblickend waren sowohl die Band als auch FAT der Meinung, dass die Produktion von "The Unraveling" aufgrund der Eile, mit der das Album veröffentlicht wurde, zu wünschen übrigließ. Nun, da die Band gewachsen ist und ihren spezifischen Sound besser gefunden hat, wurde beschlossen, das Album neu abzumischen, zu remastern und erneut zu veröffentlichen. FAT hat es dabei nicht belassen: Das Album enthält außerdem zwei Bonustracks aus derselben Zeit. "The Unraveling" ist ein Muss für die immer noch ständig wachsende Fangemeinde von Rise Against! "Rise Against sind melodischer Hardcore. Die Band zeigt, dass sie ihren Wurzeln bei 88 Fingers Louie nicht allzu fern ist, denn die Punk-Energie ist hier pur und unverfälscht. Wenn es jemals ein Album gab, dass dazu beitragen könnte, das Fingerzeigen und die Circle Pits zurückzubringen, dann wäre "The Unraveling" eine gute Wahl."

Das Debütalbum der Punk-Superstars RISE AGAINST von 2001. THE UNRAVELING in der Neuauflage (Remix, Remaster, Bonustracks) von 2018. Die aus Chicago stammende Band thematisiert Ungerechtigkeit und Ungleichheit, bricht weiterhin Rekorde, füllt Arenen und macht ihr riesiges globales Publikum auf wichtige progressive Themen aufmerksam. Alles begann im Jahr 2001, als ein Demo von zwei ehemaligen Mitgliedern von 88 Fingers Louie zu Fat Wreck gelangte. Es war ihre neue Band, Rise Against. FAT nahm sie sofort unter Vertrag, holten sie ins Studio und veröffentlichten ihr Debütalbum "The Unraveling". Nach der eiligen Veröffentlichung ging die Band auf Tour. Jahr für Jahr, Tour für Tour baute Rise Against langsam eine treue Fangemeinde in den USA und Europa auf. Rückblickend waren sowohl die Band als auch FAT der Meinung, dass die Produktion von "The Unraveling" aufgrund der Eile, mit der das Album veröffentlicht wurde, zu wünschen übrigließ. Nun, da die Band gewachsen ist und ihren spezifischen Sound besser gefunden hat, wurde beschlossen, das Album neu abzumischen, zu remastern und erneut zu veröffentlichen. FAT hat es dabei nicht belassen: Das Album enthält außerdem zwei Bonustracks aus derselben Zeit. "The Unraveling" ist ein Muss für die immer noch ständig wachsende Fangemeinde von Rise Against! "Rise Against sind melodischer Hardcore. Die Band zeigt, dass sie ihren Wurzeln bei 88 Fingers Louie nicht allzu fern ist, denn die Punk-Energie ist hier pur und unverfälscht. Wenn es jemals ein Album gab, dass dazu beitragen könnte, das Fingerzeigen und die Circle Pits zurückzubringen, dann wäre "The Unraveling" eine gute Wahl."

Toy Tonics going New Wave Disco with Baby’s Berserk’s self-titled debut album (to be released on 29 September).

There are many shades of funk in dance music. Berlin’s Toy Tonics label brings up artists that reflect many of these different aspects in dance music. Now the label comes up with a band! A band that is inspired by 1980ies New Wave as well as the Y2K Indie dance scene. Two guys and 2 girls from Amsterdam and Montreal called Baby’s Berserk.

Baby’s Berserk is about taking the freedom to be who you want to be, about being comfortable. Having played in all-girl punk bands since the age of 14, the bands singer Lieselot is an expert on female empowerment. “Dress like a girl and act like a boy,” is a catchphrase she lives up to every day and it clearly is a message that resonates with the band’s wild fans.

In the great tradition of Roxy Music, Throbbing Gristle and Malcolm McLaren, Baby’s Berserk is not just about the edgy music, but also about a very strong own visual style. They readily blend their sounds with underground fashion. What you see is what you get and seeing Baby’s Berserk is feeling right at home. Lieselot is a visionary when it comes to stage presence. Have you always wanted to see an electronic band with a punk attitude perform wearing a mix of haute couture and Flintstone-style rags? Look no further, it’s Baby’s Berserk.

Following on the critically acclaimed singles ‘What I Mean’ (2020) and ‘Toxic Kisses’ (2022), Baby Berserk’s highly anticipated self-titled full-length is now finally about to see the light on Berlin’s Toy Tonics records. Sonically designed for gritty rock venues as well as up-to-date edgy dance clubs, Mano’s lush compositions smoothly intertwine with the highly associative lyrics written by Puggy and Lieselot. Poets and literary addicts may think they’ve just discovered the rock & roll equivalents of Sylvia Plath, Kurt Vonnegut and Allen Ginsberg. To tell you the truth: their wild guess is pretty accurate as the works by these greats lie scattered around the Baby’s Berserk studio for inspiration.
The band was born in a laboratory back in 2019. Tired of being in bands with unruly and unpredictable humans, Mano Hollestelle set out to create a group of high precision robots to create the post-punk sound he had in mind. His outdated technology of floppy disks and cassette tapes worked well to program the androids, until one day a 90s rave mixtape was mistakenly entered into his computer. House music is a feeling and the punk bots instantly got hooked on it upon hearing it for the first time. They could never be reset to factory settings again. Mano worked tirelessly with his androids, currently known by their humanoid names of Lieselot Elzinga, Puggy Beales and Eva Wijnbergen, to fulfil his evil plan to make the rockers dance and the dancers rock. Baby’s Berserk is the fiendish extension of this plot. Beware, the band’s bass driven grooves and computerized beats have been known to cast a spell upon all within earshot.

So what do the songs on ‘Baby’s Berserk’ tell you? That it’s totally fine to have lots of fun in life! To have a boyfriend as an accessory (‘Accessories’), to get inspired by Sponge Bob (‘Dancing with the Fish’) and to blend your spirits with mixers whenever the hell you feel like it (‘Rum ‘n’ Kola’).

Baby’s Berserk member Puggy Beales on ‘Limousine’: “Decant the wine from my tip jar to yours. Soon we'll be on easy street, chauffeured home from the rat race each evening. Is it everything you'd hoped it would be?”

Check not only the debut album but also the forthcoming Remix EP with remixes by Each Other, Niklas Wandt, Sam Ruffillo, Kris Baha and Nicolini.

Animal Collective veröffentlichen ihr neues Studioalbum "Isn't It Now?". Das Quartett, bestehend aus Avey Tare, Panda Bear, Deakin und Geologist, nahm das Album mit dem Grammy-Preisträger und Produzenten Russell Elevado (D'Angelo, The Roots, Kamasi Washington) auf, der es auch mitproduzierte und abmischte.

Die Struktur von Animal Collective ist seit langem eine Spielwiese, ein offener Raum, um neue Ideen und Einflüsse auszuprobieren und auszuleben. Und warum auch nicht? Es kann bedeuten, dass man Panda Bear erlaubt, sich mehr auf sein Schlagzeugspiel zu konzentrieren, oder dass man Deakin ermutigt, tiefer in sein Klavierspiel einzutauchen. Oder man lässt dem aufkeimenden Interesse von Avey Tare und Geologist an der Musik der Renaissance - dem Flötenspiel, der Drehleier, der vergoldeten Polyphonie - Raum zur Entfaltung. Diese Impulse sind der Kern von "Isn't It Now?", dem zweiten Animal Collective-Album in ebenso vielen Jahren und ein markanter Meilenstein auf ihrer fröhlichen Rundreise. Mit 64 Minuten ist Isn't It Now? das längste Animal-Collective-Album aller Zeiten, wobei fast ein Drittel der Laufzeit auf die hinreißende und eruptive 22-minütige Ode an die hoffnungsvolle Beharrlichkeit, "Defeat", entfällt. Sie haben es in nur 12 Tagen fertiggestellt und dabei höchstens 24 Kanäle verwendet, was nicht nur davon zeugt, dass sie diese Songs auf der Time Skiffs-Tour aufgenommen haben, sondern auch davon motiviert, dass sie wieder in einem Raum zusammen waren.

Animal Collective veröffentlichen ihr neues Studioalbum "Isn't It Now?". Das Quartett, bestehend aus Avey Tare, Panda Bear, Deakin und Geologist, nahm das Album mit dem Grammy-Preisträger und Produzenten Russell Elevado (D'Angelo, The Roots, Kamasi Washington) auf, der es auch mitproduzierte und abmischte.

Die Struktur von Animal Collective ist seit langem eine Spielwiese, ein offener Raum, um neue Ideen und Einflüsse auszuprobieren und auszuleben. Und warum auch nicht? Es kann bedeuten, dass man Panda Bear erlaubt, sich mehr auf sein Schlagzeugspiel zu konzentrieren, oder dass man Deakin ermutigt, tiefer in sein Klavierspiel einzutauchen. Oder man lässt dem aufkeimenden Interesse von Avey Tare und Geologist an der Musik der Renaissance - dem Flötenspiel, der Drehleier, der vergoldeten Polyphonie - Raum zur Entfaltung. Diese Impulse sind der Kern von "Isn't It Now?", dem zweiten Animal Collective-Album in ebenso vielen Jahren und ein markanter Meilenstein auf ihrer fröhlichen Rundreise. Mit 64 Minuten ist Isn't It Now? das längste Animal-Collective-Album aller Zeiten, wobei fast ein Drittel der Laufzeit auf die hinreißende und eruptive 22-minütige Ode an die hoffnungsvolle Beharrlichkeit, "Defeat", entfällt. Sie haben es in nur 12 Tagen fertiggestellt und dabei höchstens 24 Kanäle verwendet, was nicht nur davon zeugt, dass sie diese Songs auf der Time Skiffs-Tour aufgenommen haben, sondern auch davon motiviert, dass sie wieder in einem Raum zusammen waren.