Seit ihren Anfängen hat sich Merrimack zu einem Wesen entwickelt, das die schattigen Gefilde erforscht, in denen die Spiritualität zusammenfließt. Schon der Name MERRIMACK, der für unendliche Tiefe und Abgrund steht, ist ein Vorbote für die Reise, die sie mit ihrem Black Metal antreten.
"Of Gravity and Grace" stellt das Gewebe der Realität in Frage, in dem sich die Dichotomie zwischen flüchtigen Wahrheiten und dem göttlichen Partikel manifestiert. Dieses Album ist eine Rückkehr zu einer ursprünglichen luziferischen Revolte, die die Gefühle von Antonin Artauds Proklamation widerspiegelt: "Wir sind die Mikroben Gottes". In einer Welt, die mit oberflächlichen Ausdrücken des Satanismus vollgestopft ist, überschreitet MERRIMACK die Klischees, indem sie eine tiefgreifende Erforschung des Glaubens und der Dissidenz einschließt. Während sich die eindringlichen Melodien der sieben Titel entfalten, taucht der Hörer in eine akustische Pilgerreise ein, die die Grenzen des konventionellen Black Metal sprengt.
Erleben Sie die Essenz der Alchemie von MERRIMACK, wo das Körperliche und das Kosmische aufeinanderprallen und eine transformative Reise durch die Schatten des Kreuzes bieten. "Of Gravity and Grace" zeigt die ungebrochene Kraft des Black Metal, die den Geist provoziert, herausfordert und erhebt. Umarme die Dunkelheit und lass dich von MERRIMACK durch die Gefilde führen, in denen Chaos auf Ewigkeit trifft.
Seit ihren Anfängen hat sich Merrimack zu einem Wesen entwickelt, das die schattigen Gefilde erforscht, in denen die Spiritualität zusammenfließt. Schon der Name MERRIMACK, der für unendliche Tiefe und Abgrund steht, ist ein Vorbote für die Reise, die sie mit ihrem Black Metal antreten.
"Of Gravity and Grace" stellt das Gewebe der Realität in Frage, in dem sich die Dichotomie zwischen flüchtigen Wahrheiten und dem göttlichen Partikel manifestiert. Dieses Album ist eine Rückkehr zu einer ursprünglichen luziferischen Revolte, die die Gefühle von Antonin Artauds Proklamation widerspiegelt: "Wir sind die Mikroben Gottes". In einer Welt, die mit oberflächlichen Ausdrücken des Satanismus vollgestopft ist, überschreitet MERRIMACK die Klischees, indem sie eine tiefgreifende Erforschung des Glaubens und der Dissidenz einschließt. Während sich die eindringlichen Melodien der sieben Titel entfalten, taucht der Hörer in eine akustische Pilgerreise ein, die die Grenzen des konventionellen Black Metal sprengt.
Erleben Sie die Essenz der Alchemie von MERRIMACK, wo das Körperliche und das Kosmische aufeinanderprallen und eine transformative Reise durch die Schatten des Kreuzes bieten. "Of Gravity and Grace" zeigt die ungebrochene Kraft des Black Metal, die den Geist provoziert, herausfordert und erhebt. Umarme die Dunkelheit und lass dich von MERRIMACK durch die Gefilde führen, in denen Chaos auf Ewigkeit trifft.
Neben ihrer Zusammenarbeit mit Modern Cosmology, dem unglaublichen What Will You Grow Now? aus dem letzten Jahr und ihren fortgesetzten Tourneen mit den neu formierten Stereolab ist Laetitia mit Rooting For Love solo plus The Choir zurück in der Welt und ruft uns erneut dazu auf, uns auf unsere innere Ausrichtung und unsere Herzenskraft zu besinnen, um besser gerüstet zu sein für das, was kommen wird. Das regelmäßige Auftauchen von The Choir während Rooting For Love erinnert daran, dass diese Musik von einem Volk in der kritischen Masse stammt, zusätzlich zu einer Entwicklung, die die reichen harmonischen Felder, in denen Laetitia spielt, weiter vertieft. Die diversen musikalischen Arrangements tragen dazu bei - Orgel, Synthesizern, Gitarre, Bass, Posaune, Schlagzeugprogrammierung, Vibraphon und Zither, die alle auf verschlungenen Pfaden von Akkord- und Tempowechseln arbeiten. Der melodische Funk des Bassisten Xavi Muñoz führt zu gelegentlichen Dancefloor-Vibes und No-Wave-Rockouts, während Hannes Plattemier und Emma Mario abwechselnd die Tracks abmischen und das Material mit Vibes, zusätzlichem Drum-Programming und Synthesizern zusammen mit einer talentierten Besetzung von Spielern und Sängern aus Laetitas Source Ensemble und darüber hinaus bereichern. Ob sie sich Laetitia Sadier nun von der eigenen Zen-Shiastu-Ausbildung oder von den Texten von Véronique Vincent (Texterin und Sängerin von Aksak Maboul und einst Leadsängerin der Honeymoon Killers) inspirieren lässt, immer stellt sie sich der Wahrheit, ohne mit der Wimper zu zucken. Die Schatten, aus welchem Stoff sie auch immer bestehen - individuelle und kollektive, gegenwärtige und uralte - müssen erkannt und anerkannt werden, denn je mehr wir in uns selbst heilen, desto ungeteilter werden wir angesichts der drohenden neofaschistischen/neoliberalen Narrative, die die inneren und äußeren Landschaften verschmutzen. Wie das Titelbild des Winterbaums, das sich in den Wortmustern von Rooting For Love widerspiegelt, behauptet Laetitia, dass die Art und Weise, wie wir die kommende Welt heilen, und was wir daraus machen, eine Ko-Kreation sein wird. Die Qualität unserer Vorstellungskraft, die Ausrichtung, die wir unseren Gedanken geben, und die Fähigkeit, uns selbst und der Welt Liebe zu bringen, sind ein erster Schritt.
Die unbestrittene britische Musikikone Dizzee Rascal meldet sich mit dem elektrisierenden neuen Album 'Don't Take It Personal' auf seinem neuen Label Big Dirte3 Records Ltd. zurück. Die LP stellt seine besten Arbeiten in den Schatten und ist eine eindrucksvolle Erinnerung daran, wie Dizzee zu seinem legendären Status kam. Es fängt ihn in aufrührerischer Form ein, während er mühelos und mit unvergleichlicher Leichtigkeit durch eine ganze Sammlung an eindeutig britischen Genres fliesst. Dizzees neuestes Werk, das sich auf prahlerische Flows und beeindruckendes Wortspiel konzentriert, ist eine weitere Siegesrunde eine der prägendsten Legenden der Rap-Musik, und während es weiterhin Reime regnet, denkt daran: Es ist nichts Persönliches.
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Die unbestrittene britische Musikikone Dizzee Rascal meldet sich mit dem elektrisierenden neuen Album 'Don't Take It Personal' auf seinem neuen Label Big Dirte3 Records Ltd. zurück. Die LP stellt seine besten Arbeiten in den Schatten und ist eine eindrucksvolle Erinnerung daran, wie Dizzee zu seinem legendären Status kam. Es fängt ihn in aufrührerischer Form ein, während er mühelos und mit unvergleichlicher Leichtigkeit durch eine ganze Sammlung an eindeutig britischen Genres fliesst. Dizzees neuestes Werk, das sich auf prahlerische Flows und beeindruckendes Wortspiel konzentriert, ist eine weitere Siegesrunde eine der prägendsten Legenden der Rap-Musik, und während es weiterhin Reime regnet, denkt daran: Es ist nichts Persönliches.
Sepulchral Voice,12“ LP, black 140g / incl. printed insert, Eine 45 Minuten lange Lektion in abgrundtiefer Wut und zerreißender Intensität direkt aus den Höhlen der Hölle. Unzähmbarer, pechschwarzer und archaischer Death Thrash Metal, der sich aus den Schatten erhebt, um das Opfer mit purer Brutalität zu zermahlen! (Mit Mors Dalos Ra und Iván Hernández von NECROS CHRISTOS)
Planned in the early 90's executed in the early 20's: »The Arctic Salon.« Another Cranioclast Expedition, this time to the Pole. A long time between planning and execution, but much shorter than the time between the first fake reports of having reached the North Pole on foot across the ice and the first expedition that really made it without motorization. But also a long time in which things in the Arctic and Antarctic got worse and worse and continue.
Der Detroit-Spucker Danny Brown ist nicht ohne Grund ein Fanfavorit. Nur wenige MCs haben die pure lyrische Wildheit in eine so fesselnde Persönlichkeit gehüllt. Dannys Beats und Reime sind berüchtigt, er wusste immer, wann er die Dramatik ankurbeln musste. In einer Zeit, in der sich Hip-Hop in zahllose Richtungen aufspaltete, schien Brown alles einer Wissenschaft zu verdanken – mit seinem bahnbrechenden Album XXX war er die Speerspitze einer Bewegung des avantgardistischen Internet-Hip-Hop, in dessen Schatten wir heute noch leben. Seitdem hat Brown Raver auf europäischen Festivals in Aufruhr versetzt, eine Brücke zwischen alten und neuen Rap-Königen geschlagen (Kollabos von Earl Sweatshirt bis Q-Tip) und ist mit den renommiertesten Underground-Labels für elektronische Musik verbunden. Und dabei ist er unerklärlicherweise er selbst geblieben ist, macht sich auch nicht die Mühe zu erklären, wie er das Gleichgewicht hält. QUARANTA beginnt endlich, den Vorhang zu öffnen und enthüllt die inneren Monologe eines Künstlers, der seine Fans seit über einem Jahrzehnt verblüfft. Browns sechstes Studioalbum, das während der Pandemie-Lockdowns im Jahr 2021 geschrieben wurde, ist autobiografisch und persönlich, wie man es vom MC selten zuvor gehört hat. 'Es gab nicht viel zu tun, also war es das Beste für mich', sagt er, 'alles, was ich durchgemacht habe, in die Musik zu integrieren.'
Der Detroit-Spucker Danny Brown ist nicht ohne Grund ein Fanfavorit. Nur wenige MCs haben die pure lyrische Wildheit in eine so fesselnde Persönlichkeit gehüllt. Dannys Beats und Reime sind berüchtigt, er wusste immer, wann er die Dramatik ankurbeln musste. In einer Zeit, in der sich Hip-Hop in zahllose Richtungen aufspaltete, schien Brown alles einer Wissenschaft zu verdanken – mit seinem bahnbrechenden Album XXX war er die Speerspitze einer Bewegung des avantgardistischen Internet-Hip-Hop, in dessen Schatten wir heute noch leben. Seitdem hat Brown Raver auf europäischen Festivals in Aufruhr versetzt, eine Brücke zwischen alten und neuen Rap-Königen geschlagen (Kollabos von Earl Sweatshirt bis Q-Tip) und ist mit den renommiertesten Underground-Labels für elektronische Musik verbunden. Und dabei ist er unerklärlicherweise er selbst geblieben ist, macht sich auch nicht die Mühe zu erklären, wie er das Gleichgewicht hält. QUARANTA beginnt endlich, den Vorhang zu öffnen und enthüllt die inneren Monologe eines Künstlers, der seine Fans seit über einem Jahrzehnt verblüfft. Browns sechstes Studioalbum, das während der Pandemie-Lockdowns im Jahr 2021 geschrieben wurde, ist autobiografisch und persönlich, wie man es vom MC selten zuvor gehört hat. 'Es gab nicht viel zu tun, also war es das Beste für mich', sagt er, 'alles, was ich durchgemacht habe, in die Musik zu integrieren.'
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Kapelle Petra nennen ihr neuntes Album wie die Stadt, in der sie leben und von der die meisten nur den Bahnhof kennen - "HAMM". Ein lokaler
Bahnsteig bildet trefflicherweise das Artwork, Symbol für Ankommen und Weiterstreben zugleich, geschossen im Zusammenspiel von Licht und
Schatten. Das Licht fällt auf die „Freibad Pommes“, denen die Band in heiterem Uptempo ebenso ein Denkmal setzt wie der unvergesslichen
Stimmung, als Kind „barfuß“ mit dem Rad in den nassen Nachmittag zu fahren. Das Licht fragt „Wann ist wieder Samstag“ und scheint vom
Wochenende aus auf die Woche, die für zwei Tage all ihr Gewicht verliert. Das Licht hat sogar Freude daran, wie der Mensch sich in „Zwischending“
schlichtweg „nicht entscheiden“ möchte und feststellt: „Zwischen den Stühlen wird immer Platz für mich sein.“ Denn genau dort spielen Kapella Petra
besser denn je, zwischen den Stühlen von Popmusik und Indierock, mit einer Instrumentierung, die zugleich grazil und griffig klingt, verletzlich und
entschlossen.
Reveal ist das 12. Studioalbum von R.E.M.. Studioalbum von R.E.M.. Das 2001 veröffentlichte Album
wurde gemeinsam mit dem langjährigen Mitarbeiter Patrick McCarthy produziert. Die Band experimentiert
mit Synthesizerklängen, kehrt aber auch ”bewusst zu ihrem klassischen Sound zurück” (Allmusic). Das
Album enthält die Hits ”Imitation of Life” und ”All the Way to Reno (You’re Gonna Be a Star)”. Das
Album erreichte Platz 1 in Deutschland und wurde dort mit Platin ausgezeichnet; in den USA erreichte
Reveal Platz 6 (mit 10 Wochen in den Billboard 200) und wurde mit Gold ausgezeichnet.
”In einer Karriere, die von den langen Schatten mehrerer ikonischer Alben und Kultfavoriten gesäumt
ist, könnte Reveal das am meisten unterschätzte Album in einem heiligen Katalog sein.” - Stereogum
Verfügbar ab dem 17.11.2023 als 1LP.
Mit sperrig und kontrapunktisch kann man "Wider" untertiteln, ebenso mit eigenständig und -sinnig. Ja, Leto waren und sind deutschsprachiger Post-Punk mit Emo-, Hardcore-und Indie-Einflüssen. Obendrein passiert in wechselnden Melodien und eingängigen Rephrains viel Überraschendes und Abwechslungsreiches in den zehn Songs; so finden sich neuerdings auch rockige Momente, posenfrei und ohne Peinlichkeit, in Songs wie "Keine Reaktion", "Katzenwäsche" und "Blau". Leto treiben sich und die Hörer*innen in vielen Passagen regelrecht durch "Wider", häufige 200 BPM sprechen fürs Tempo und insbesondere Phills Gitarrenspiel unterstreicht die genre-untypischen Instrumentalteile. Die Hardcore-und Emo-Vergangenheit einzelner Bandmitglieder scheint in harten, schreienden Passagen immer wieder durch, bestes Beispiel ist mit "Kammerflimmern" der Song, den Jörkk Mechenbier (Love A, Schreng Schreng & La La, Trixsi) gemeinsam mit Jannes und Paul eingesungen beziehungsweise -geschrien hat. Der Entstehungsprozess lief bei "Wider" schneller und zielstrebiger als bei "Vor die Hunde", schrieb die Band die Songs diesmal am Stück, und das Album klingt entsprechend mehr aus einem Guss als das Debüt, dessen Titel in einem Zeitraum von zwei Jahren entstanden waren. Produzent Kristian Kühl, der Bands wie Leoniden und Schrottgrenze aufgenommen hat und selbst Gitarre bei Trixsiund Shatten spielt, hat "Wider" mit seinem dynamischen Mix maßgebliche Impulse gegeben. Eines scheint gleichzubleiben: Leto nehmen ihre Alben in Krisenzeiten auf: Entstand die Produktion von "Vor die Hunde" während des G20 Gipfels, ist "Wider" ein Kind der Pandemie. Gemastert wurde die Platte von Helge Hasselberg, das Artwork stammt wie bereits beim Debüt von Julius Dettmer.
ODD CREW präsentiert "Dark Matters Part II" und feiert damit ihr 25-jähriges Bestehen. Auf 8 Tracks kann man die Feinheiten des Progressiv-Metal erkunden, angeführt vom unverkennbaren Gesang von Frontmann Vasko. Vom Schatten zum Optimismus übergehend, taucht das Album tiefer in mysteriöse Motive ein und lädt den Hörer zu einer tiefgründigen Odyssee ein. Es ist ein echtes Zeugnis ihrer Vielseitigkeit & großen musikalischen Bandbreite und festigt das bleibende Vermächtnis von ODD CREW
Neues Konzept-Album der einzigen "Winterdoom"-Band Deutschlands! Die Würzburger, die ursprünglich 2014 als Nebenprojekt der einzigartigen Instrumentalband OMEGA MASSIF gegründet worden waren, ballern uns einen fiesen und massiven dunklen Brocken um die Ohren: Black- und Postmetal vermischen sich mit Sludge, Ambient und Post-Punk auf hohem Niveau, ich wäre tatsächlich überrascht, wenn die Band nicht beim Roadburn 2024 aufschlagen würde, da gehört sie nämlich hin. Grundsätzlich melancholisch und episch, unterlegt von maschinenhaftem Stakkato-Drumming, düster, kalt und wütend. Für die 6 schleppend-schleifenden Songs muss man sich Zeit nehmen, das ausgezeichnete Songwriting entfaltet sich Schicht für Schicht zu einem Albtraum-Szenario, das stetig zu lauern scheint, angriffslustig geduckt und im Schatten. Der Kontrast zwischen sanft-melodischen E-Bow Leads und Klargesang bzw. auch Sprechgesang auf der einen Seite zu präzise drückendem Riffing, Sprachsamples und viehischem Gegrowle auf der anderen Seite verstärkt nur noch das Unwohlsein beim Hören. Insgesamt merkt man den Songs deutlich an, wieviel Mühe darin steckt, es gibt sehr viele Details zu entdecken und zu den Texten, also der Story bin ich noch gar nicht vorgedrungen: Inhaltlich orientiert sich die Platte am Romanzyklus "His Dark Materials" von Philip Pullman, was den Eindruck eines Soundtracks durch den Einsatz von Sprechtexten bzw -samples (teils englisch, teils deutsch) noch verstärkt.
"Acts of Light" ist eine Fuge, die aus neun langsamen, hypnotischen Klageliedern besteht. Auf ihrem dritten Album lehnen sich Woods' Experimentalismus und Klangforschungen an die Intimität und Zärtlichkeit dieser intuitiven Komposition an. Nach ihren Erkundungen von Gefühlen und Körperlichkeit durch Klang, die in ihrer 2021 erschienenen EP "Feral Hymns" gipfelten, ist "Acts of Light" ein beunruhigendes, persönliches Angebot an Wildnis, Verlust, Abwesenheit, Mysterien und höchste Liebe. Verletzlichkeit, Erhabenheit und Offenheit, hervorgerufen durch Drone, Noise, Synthesizer, Kontrabass, Field Recordings und sakralen Chorgesang, bilden das private Ritual. "Acts of Light" ist ein klangvolles, reichhaltiges und gewichtiges Lamento, das sowohl unterirdisch als auch abgründig ist, während gleichzeitig seine detaillierten Ranken verborgene Formen erwecken, die bei jedem Hören aus dem Schatten hervortreten. Texturaler Staub und gesprenkeltes Licht bewegen sich hier langsam und ausladend durch einen klanglichen und sensorischen Übergangsritus, bei dem Woods' bewegende Kompositionen uns das Gefühl vermitteln, mit dem ganzen Körper empfangen zu werden. Geschrieben, aufgenommen, gemischt und produziert über einen Zeitraum von zwei Jahren zwischen der Westküste Irlands und Dublin, nahm Woods die Chorsänger des Palestrina-Chores in der Pro Cathedral Dublin auf, zusammen mit den Stimmen des Galway City Chamber Choir. Die Streicher wurden von Jo Berger Myhre in Oslo aufgenommen, während die Feldaufnahmen nomadisch auf ihren Reisen durch den Nordwesten Spaniens entstanden.
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Mit "Februar" und "Hurensöhne" liegen zwei weitere Albumklassiker der Erfolgsband aufwendig überarbeitet vor. Wie auch bereits mit den drei Erstlingswerken "Tanzt keiner Boogie", "Bataillon D'Amour" und "Mont Klamott" sind hier die Original Masterbänder komplett neu digitalisiert und nach heutigem Stand der Studiotechnik neu gemastert worden. Zusätzlich enthalten beide Alben auch diesmal wieder attraktive Bonustitel und werden limitiert in einem wertigem Digipack angeboten das zudem noch ein neues, erweitertes Booklet enthält.
Die Fans der Band, die grad beim Bundesvision Songcontest den zweiten Platz abräumte und sich deutlich vor anderen Spitzenkünstlern der Republik durchsetzen konnte, werden ihrer Sammlung zwei weitere Highlights hinzufügen können.
Die dunkle, schäbige Unterwelt von New York City taucht wieder auf, wenn das Stadtbild durch Abwässer, Crackrauch und den Handel mit Fleisch verdorben ist. Die Straßen, die einst voller Leben waren, sind von dem grotesken und schmutzigen Chaos vergangener Zeiten durchdrungen. Inmitten dieser rauen Wirklichkeit, in den Mauern der schwach beleuchteten Gassen, stinkt es nach Körperflüssigkeiten und Rattenkot.
Auf den Bahnsteigen der U-Bahn verüben verzweifelte Seelen wegen ein paar mickriger Dollar wahllos Gewalttaten aneinander. Der East River fließt in einem kränklichen Grün, und der Farbton der Stadt spiegelt die Schatten wider, die diese illegalen Unternehmungen werfen. Inmitten dieser beunruhigenden, düsteren Realität ist nun eine Klanglandschaft entstanden, die das Grauen einfängt - in Form des zweiten Albums von Gravesend.
Das neue Album "Gowanus Death Stomp" verdichtet die Grausamkeit, die auf dem Debüt "Methods of Human Disposal" von 2021 zu hören war, zu einem noch düstereren und ursprünglicheren Trommelfeuer der Gewalt. An der Kreuzung von krimineller Verkommenheit und urbanem Unwohlsein bedienen sich Gravesend vieler Werkzeuge des Handwerks. Black / Death / Grind / War Metal verschmelzen nahtlos zu einer Teergrube aus beißendem Hinterhof-Sadismus und Acid-Zungen-Gesang.
Wie eine frisch geborgeneLeiche unten am Hafen weht der Geruch von Verwesung aus jedem Track auf 'Gowanus Death Stomp'. Und wie bei NYCs Underground-Legenden von Cro-Mags über Swans bis Type O Negative verkörpert Gravesend den Puls der Stadt, selbst wenn dieser Puls auf dem Beton ausblutet.
Die dunkle, schäbige Unterwelt von New York City taucht wieder auf, wenn das Stadtbild durch Abwässer, Crackrauch und den Handel mit Fleisch verdorben ist. Die Straßen, die einst voller Leben waren, sind von dem grotesken und schmutzigen Chaos vergangener Zeiten durchdrungen. Inmitten dieser rauen Wirklichkeit, in den Mauern der schwach beleuchteten Gassen, stinkt es nach Körperflüssigkeiten und Rattenkot.
Auf den Bahnsteigen der U-Bahn verüben verzweifelte Seelen wegen ein paar mickriger Dollar wahllos Gewalttaten aneinander. Der East River fließt in einem kränklichen Grün, und der Farbton der Stadt spiegelt die Schatten wider, die diese illegalen Unternehmungen werfen. Inmitten dieser beunruhigenden, düsteren Realität ist nun eine Klanglandschaft entstanden, die das Grauen einfängt - in Form des zweiten Albums von Gravesend.
Das neue Album "Gowanus Death Stomp" verdichtet die Grausamkeit, die auf dem Debüt "Methods of Human Disposal" von 2021 zu hören war, zu einem noch düstereren und ursprünglicheren Trommelfeuer der Gewalt. An der Kreuzung von krimineller Verkommenheit und urbanem Unwohlsein bedienen sich Gravesend vieler Werkzeuge des Handwerks. Black / Death / Grind / War Metal verschmelzen nahtlos zu einer Teergrube aus beißendem Hinterhof-Sadismus und Acid-Zungen-Gesang.
Wie eine frisch geborgeneLeiche unten am Hafen weht der Geruch von Verwesung aus jedem Track auf 'Gowanus Death Stomp'. Und wie bei NYCs Underground-Legenden von Cro-Mags über Swans bis Type O Negative verkörpert Gravesend den Puls der Stadt, selbst wenn dieser Puls auf dem Beton ausblutet.
Mayer Hawthorne hat seine Wurzeln in seiner Heimatstadt Ann Arbor, Michigan, wo er auf dem Höhepunkt des Detroiter Hip-Hop mit dem Produzieren von Beats und dem Auflegen von DJs begann.
Er hat bisher 5 Alben veröffentlicht und Auszeichnungen von angesehenen Publikationen wie GQ, New York Times Magazine, Playboy und Rolling Stone erhalten. Von der Verkündung seines bevorstehenden Ruhms durch NPR bis hin zu BBC Music, hat seine Kunst die Herzen von Kritikern und Fans gleichermaßen erobert. Mit einer Fülle von weiteren Beiträgen in namhaften Magazinen wie Billboard, Entertainment Weekly und Vanity Fair sowie Auftritten bei Conan, Letterman, Kimmel, der Today Show und darüber hinaus ist Hawthornes kultureller Einfluss unbestreitbar.
Nicht nur die Kritiker und Fans lieben Hawthorne, sondern auch seine Kollegen. Er eröffnete die letzte Tournee von Amy Winehouse und war Support von Bruno Mars; er schuf moderne Yacht-Rock-Jams mit Pharrell am Pool in Miami und John Mayer nannte sein Debüt auf Twitter das "Album des Jahres".
Jetzt ist Hawthorne bereit, sein neues Studioalbum For All Time zu veröffentlichen, eine eindringliche Erfahrung, die Grenzen überschreitet und die Schatten umarmt. Auf diesem Album taucht er tief in die Tiefen des menschlichen Herzens ein und erforscht die Komplexität der Liebe und die rohen Emotionen, die sie begleiten. Es ist eine fesselnde Mischung aus dunklen, sexy und stimmungsvollen Vibes, die Sie direkt in einen verrauchten Art-Déco-Jazzclub versetzen wird. For All Time ist eine Feier einer Liebe, die mit Intensität brennt
und einen bleibenden Eindruck in der Seele hinterlässt.
Mit 'Alles Liebe' verbindet das Brüderpaar Schattenmusik Psychedelic, Schlager und Rock ’n‘ Roll!
Schattenmusik sind die Brüder Enzio und Hieronymus Kloss. Ihre Musik bezeichnen sie als psychedelischen Schlager, Humanisten-Rock oder Zen-Punk. Tatsächlich wurzelt ihr Debütalbum 'Alles Liebe' im Summer of Love und erstreckt sich quer durch die Geschichte des Folk und Rock ‘n‘ Roll. Das feinfühlige Bruder-Duo aus der Mozartstadt lässt es einem warm ums Herz werden, wenn ihre deutschsprachige Poesie sanftmütig im Ohr bleibt.
Hier findet ihr die schönsten Melodien aus der beliebten EUROPA-Jugend-Serie! Vollständig und ungekürzt! Viel Spaß mit Justus, Peter und Bob und der Musik aus der EUROPA-Jugend-Serie "Die drei ???".1. Titelsong (Club-Mix) 3:042. Der heimliche Hehler 3:043. Tatort Zirkus 2:444. Geisterinsel 1:545. Musikpiraten 3:206. Schüsse aus dem Dunkel 3:207. Drei ??? Rap (Radio Edit) 5:288. Der riskante Ritt 4:049. Der lachende Schatten 2:1310. Stimmen aus dem Nichts 5:3711. Die verschwundene Seglerin 3:2012. Die bedrohte Ranch 2:5013. Diamantenschmuggel 3:2514. Titelsong (96er-Remix) 4:47
Brother Deges zweites Album "How to Kill a Horse" wurde nachts in einem leeren Lagerhaus aufgenommen (während er tagsüber in einem Obdachlosenheim für Männer arbeitete) und ist ein Meisterwerk, das von Scheunenbrennern über antike Delta-Meditationen bis hin zu babylonischen Schrottplatz-Jams reicht, die die Schattenseiten dessen erforschen, was es heißt, ein Mann in der modernen Welt zu sein. Zu den Einflüssen zählen: Ernest Hemingway, Joseph Conrad, Ry Cooder, Norman Mailer, Henry Miller, Sonic Youth, Black Sabbath, Blind Willie Johnson, Einstürzende Neubauten, Jackson Pollock und Don Quijote. Wie Hemingways stärkste Werke dringt "How to Kill a Horse" tief in das Gefängnis-Rodeo des menschlichen Herzens ein, konfrontiert die dunklere, fehlerhafte Seite des Selbst, während es mit voller Aggressivität in den existenziellen Hochofen der modernen Weltgerät steuert und mit den Rollen der Männer als Versorger, Beschützer, Partner, Liebhaber, Krieger, Friedenstruppen, was auch immer ringt. "How to Kill a Horse" ist ein gewaltiger Schuss vor den Bug aller Riff-Heads, Songwriter und Americana-Enthusiasten auf der ganzen Welt. Es ist ein Game-Changer, der das ganze Durcheinander der Roots-Musik aus den Vinyl-Mülltonnen ins 21. Jahrhundert befördert.
Brother Deges zweites Album "How to Kill a Horse" wurde nachts in einem leeren Lagerhaus aufgenommen (während er tagsüber in einem Obdachlosenheim für Männer arbeitete) und ist ein Meisterwerk, das von Scheunenbrennern über antike Delta-Meditationen bis hin zu babylonischen Schrottplatz-Jams reicht, die die Schattenseiten dessen erforschen, was es heißt, ein Mann in der modernen Welt zu sein. Zu den Einflüssen zählen: Ernest Hemingway, Joseph Conrad, Ry Cooder, Norman Mailer, Henry Miller, Sonic Youth, Black Sabbath, Blind Willie Johnson, Einstürzende Neubauten, Jackson Pollock und Don Quijote. Wie Hemingways stärkste Werke dringt "How to Kill a Horse" tief in das Gefängnis-Rodeo des menschlichen Herzens ein, konfrontiert die dunklere, fehlerhafte Seite des Selbst, während es mit voller Aggressivität in den existenziellen Hochofen der modernen Weltgerät steuert und mit den Rollen der Männer als Versorger, Beschützer, Partner, Liebhaber, Krieger, Friedenstruppen, was auch immer ringt. "How to Kill a Horse" ist ein gewaltiger Schuss vor den Bug aller Riff-Heads, Songwriter und Americana-Enthusiasten auf der ganzen Welt. Es ist ein Game-Changer, der das ganze Durcheinander der Roots-Musik aus den Vinyl-Mülltonnen ins 21. Jahrhundert befördert.
"Farmer's Almanac" Ist Eine Aus 11 Tracks Bestehende Psyouthern-Gothic-Reise, Die Eskapismus, Klassenstruktur Und Die Opioidhaltige Schattenseite Der Ländlichen Kleinstadtgemeinden Amerikas Erforscht. Das Vierte Album Von Brother Dege Wimmelt Von Jenseitigen Slide-Gitarren, Rustikaler Psychedelia, Besessenen Scheunenbrennern Und Sumpfdurchtränkter Filmischer Songkunst.
"Farmer's Almanac" Ist Eine Aus 11 Tracks Bestehende Psyouthern-Gothic-Reise, Die Eskapismus, Klassenstruktur Und Die Opioidhaltige Schattenseite Der Ländlichen Kleinstadtgemeinden Amerikas Erforscht. Das Vierte Album Von Brother Dege Wimmelt Von Jenseitigen Slide-Gitarren, Rustikaler Psychedelia, Besessenen Scheunenbrennern Und Sumpfdurchtränkter Filmischer Songkunst.
Over the course of 20 years, German artist Black To Comm (Marc Richter) has pushed the limits of / and merged the aesthetics of art, conceptual installations, and music, coming in a wave of innovation alongside his peers Pita, Fennesz, and later Sarah Davachi to name a few. Through it all Richter as Black to Comm has challenged assumptions, explored identity, and confronted the concept of authorship itself. At Zeenath Parallel Heavens finds Black to Comm contemplating the hybridity within each and every one of us, be it sexual, racial, cultural, or linguistic. Richter mirrors personal dualities musically with a combination of sounds he created and manipulated samples, blurring their boundaries. "I always try to blur the line between sampling and my own recordings, also between "real" instruments,MIDI, electronics, editing, between authenticity and theatrics/artificiality," says Richter. When recording he became aware of how AI text programs processing resembles his own methods. "I had the realization recently that the way I compose is not too dissimilar to what AI software is doing nowadays - especially when the AI is hallucinating (this is the term used when the AI is overloaded/overcharged/inundated and comes up with made-up results)." Human behavior reflected in a computer facsimile of human intelligence appealed to the ethos of Black to Comm, whose titles and concepts are often oblique and tongue-in-cheek.
Over the course of 20 years, German artist Black To Comm (Marc Richter) has pushed the limits of / and merged the aesthetics of art, conceptual installations, and music, coming in a wave of innovation alongside his peers Pita, Fennesz, and later Sarah Davachi to name a few. Through it all Richter as Black to Comm has challenged assumptions, explored identity, and confronted the concept of authorship itself. At Zeenath Parallel Heavens finds Black to Comm contemplating the hybridity within each and every one of us, be it sexual, racial, cultural, or linguistic. Richter mirrors personal dualities musically with a combination of sounds he created and manipulated samples, blurring their boundaries. "I always try to blur the line between sampling and my own recordings, also between "real" instruments,MIDI, electronics, editing, between authenticity and theatrics/artificiality," says Richter. When recording he became aware of how AI text programs processing resembles his own methods. "I had the realization recently that the way I compose is not too dissimilar to what AI software is doing nowadays - especially when the AI is hallucinating (this is the term used when the AI is overloaded/overcharged/inundated and comes up with made-up results)." Human behavior reflected in a computer facsimile of human intelligence appealed to the ethos of Black to Comm, whose titles and concepts are often oblique and tongue-in-cheek.
Französisches und spanisches Gefühl für Nostalgie mit dem Pianisten Alexandre Tharaud "Ravels Konzert in G-Dur ist frisch und mozartisch in seinen Farben, während sein Konzert für die linke Hand von dunklen Schatten und unterdrückten Ängsten heimgesucht wird", erzählt Alexandre Tharaud. Ravels Musik liegt dem Pianisten besonders am Herzen. In Zusammenarbeit mit dem Orchestre National de France und dem Dirigenten Louis Langrée spielte er nun die beiden Klavierkonzerte des Komponisten ein.
Er kombiniert sie mit Noches en los jardines de España (Nächte in spanischen Gärten), Manuel de Fallas schwelgerischem Werk für Klavier und Orchester.
Album der New Yorker Death Metal Band Ruin Lust.In der Endphase imperialistischer Fäulnis erklärt Ruin Lust den schwärenden Wahnvorstellungen einer sich entwickelnden Spezies den Krieg. Die vernichtendsten Aspekte des modernen Death Metal, des Grinding War Metal und der bestialischen Tendenzen des Black Metal erzwingen diesen akustischen Exorzismus, der den Brunnen vergiftet wie eine Biowaffe, die unter freiem Himmel ausgebreitet wird, erstickend und verächtlich. Mit dem Albumabschluss 'Chemical Wind', ist alles, was übrig bleibt, ausgetrocknete Knochen und vertrocknete Schatten. Barbarisch pestilent und doch kompositorisch bedächtig, wirft 'Dissimulant' einen bitteren Schatten und hinterlässt eine offene Wunde in der Death Metal-Szene für 2023. Ein militanter Meilenstein in der Diskografie von Ruin Lust.
Album der New Yorker Death Metal Band Ruin Lust.In der Endphase imperialistischer Fäulnis erklärt Ruin Lust den schwärenden Wahnvorstellungen einer sich entwickelnden Spezies den Krieg. Die vernichtendsten Aspekte des modernen Death Metal, des Grinding War Metal und der bestialischen Tendenzen des Black Metal erzwingen diesen akustischen Exorzismus, der den Brunnen vergiftet wie eine Biowaffe, die unter freiem Himmel ausgebreitet wird, erstickend und verächtlich. Mit dem Albumabschluss 'Chemical Wind', ist alles, was übrig bleibt, ausgetrocknete Knochen und vertrocknete Schatten. Barbarisch pestilent und doch kompositorisch bedächtig, wirft 'Dissimulant' einen bitteren Schatten und hinterlässt eine offene Wunde in der Death Metal-Szene für 2023. Ein militanter Meilenstein in der Diskografie von Ruin Lust.
A long-in-the-works project of ours, here comes A Tribe Called Kotori's first foray into full-length territories, as the immensely talented Rampue takes us on a melancholy-riddled ride across his phantasmatic mindscapes. A true sound explorer, deftly steering his ship down the junction of electronica, abstract and balearic-infused prog house, the Berlin-based vibist has us transfixed and elevated throughout the twelve cuts that form the backbone to this lushly textured promenade in sound - at times understatedly euphoric, at others rivetingly exotic.
Of the creative process that lead to 'Bubblebath Trance', Rampue explains "It all started and ended in the same moment: my cherished feline companion, my laptop awash with an unintended bath, and alas, a dearth of backups. The resultant calamity, an echo of chaotic tranquility." Under the generous layer of irony lies some unaltered truth about Rampue's debut long-player for A Tribe Called Kotori: this sense of serenity that goes with stepping into this warm and bubbling primitive chaos of sorts infuses the listening experience far and wide. Distantly emulating the "euphonious strains" of iconic PS1 video games soundtracks from his youth days, the album has us surfing a constant paradox of emotions, wistful but not abandoning itself to sorrow, dynamic yet suspended in some sort of mind-expanding stasis. As if you were looking at the world beneath you in exploded view, conscious of all thing, slowly moving up the many layers of our atmosphere towards uncharted skies.
A paragon of Rampue's most poignant take on classic electronica tropes, 'Harmonie' blazes with a poetic fire that engulfs about everything in its wake. Just figure yourself riding a chocobo across the sand-covered expanse of North Corel (toasting to the FFVII nerds here) as this blasts out in the distance. From this trancey bubblebath emerge lots of musical shades and nuances, from the nicely dubbed-out, brass-heavy coastal jazz of 'Schattenschranz' to the choppy, trip-hop-adjacent future electronics of 'Inside', via the exuberantly joyous mess of faux-organic number 'Tripomatic' and cinematic charisma of 'Ich hasse Sonne' high-flying orchestrations.
Connecting the dots between that trance-indebted ebullience and further downtempo-friendly attraction, 'Verfahren' perhaps encompasses best what 'Bubblebath Trance' is about: gracefully walking the tightrope in-limbo nostalgia-soaked inner movements and a powerful outward thrust, burning to let the feelings ooze out from the shell that holds them.Clad in purely 90s-compatible breaksy motion, 'Salz' is another attempt to reconcile emotional and physical dissonance, like kneading all states - solid, liquid and vaporous - into an impossible mega-vibe of its own; malleable, strong and enveloping in equal measure. Borrowing from two-step and UK garage, 'Take Away' is a definite high in Rampue's master unfolding of musical twists and turns, summoning a Boarder Community-esque atmosphere and clashing it alongside floor-ready footwork motifs to fascinating effect.
An ode to his studio companion, 'Buchla Trip' finds Rampue's exploring his machinic friend's quirky yet soulful array of electronic potentialities - making it sound like a conversation you'd have with R2-D2 in the heart of a Sandcrawler, whereas 'Kajal' beams us up to a fragmented headspace, halfway altered PC-Pop and arps-loaded electronica on amphetamines. Effusive and transporting, the title-track 'Bubblebath Trance' could well figure as the album's no.1 medley in essence: a bountiful lucid dream of dancing forms, colours and sentiments to wrap your head around, confidently drifting from a liminal state of consciousness down the rapids of one's troubled inner workings.
Rounding off the package, the languid ambient finale of 'Die Leiden des hungrigen Fruehstuecks' rubber-stamps the feeling that 'Bubblebath Trance' belongs to that rare category of albums. The ones that mint their own alphabet aside from typical norms and expectations, teaching you the ropes of their new language as it unreels between your ears - real and unreal, elusive to any other meaning than the one your guts and brains will be inclined to give it to, in real time. A crystal-pure object if you will, that shall not reveal its secrets, even after a thousand listens and just as many wowing moments.
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Angst: der große Spalter der Menschheit, aber auch ihr stärkster Vereiniger.
Es ist genau dieser Gedanke, der den Kern von POLARIS' drittem Album "Fatalism" ausmacht; eine Platte, die von dem Gefühl der Verzweiflung und Dystopie geprägt ist, das die Welt in den letzten Jahren erfasst hat, und von dem überwältigenden Gefühl, dass wir machtlos sind, den Kurs zu ändern.
Während der Vorgänger "The Death Of Me" aus dem Jahr 2020 eine ausgewogene Balance zwischen Licht und Schatten bot, stürzt sich "Fatalism" kopfüber in viel dunklere und schwerere Tendenzen und zeigt POLARIS in einem neuen, entschlossenen und aggressiven Licht, was zum großen Teil der akribischen Herangehensweise der Band bei der Gestaltung der Gitarrenarbeit und des Gesangs zu verdanken ist.
Angst: der große Spalter der Menschheit, aber auch ihr stärkster Vereiniger.
Es ist genau dieser Gedanke, der den Kern von POLARIS' drittem Album "Fatalism" ausmacht; eine Platte, die von dem Gefühl der Verzweiflung und Dystopie geprägt ist, das die Welt in den letzten Jahren erfasst hat, und von dem überwältigenden Gefühl, dass wir machtlos sind, den Kurs zu ändern.
Während der Vorgänger "The Death Of Me" aus dem Jahr 2020 eine ausgewogene Balance zwischen Licht und Schatten bot, stürzt sich "Fatalism" kopfüber in viel dunklere und schwerere Tendenzen und zeigt POLARIS in einem neuen, entschlossenen und aggressiven Licht, was zum großen Teil der akribischen Herangehensweise der Band bei der Gestaltung der Gitarrenarbeit und des Gesangs zu verdanken ist.
Im Schatten von Neo-Kraut und Diskurs-Pop wuchs in den letzten 10 Jahren im Unterholz deutscher Klangtopographien fast unbemerkt ein sonderbares Myzel aus dem Boden. Aus diesem unterirdischen Geflecht treten eine Handvoll Projekte mit so geheimnisvollen und poetischen Namen wie Brannten Schnüre, Baldruin, Kirschstein, Freundliche Kreisel und Balint Brösel hervor. Die Compilation "Gespensterland" archiviert und anthologisiert erstmalig ihre magischen Arbeiten, die an der Grenze zwischen Folklore, experimenteller Elektronik und (Alb-)Traum operieren und besitzt als Zeitdokument schon jetzt das Potential, die Strahlkraft von Kultsamplern wie etwa Pordenones "The Great Complotto" zu entwickeln
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Alle, die New Wave und/oder Metal aus den 80ern lieben, tretet aus dem Schatten hervor, denn eure Zeit ist gekommen! Denn JAMES RIVERA'S METAL WAVE präsentieren ein neues Genre: Metal Wave!
James Rivera kommentiert:
"Natürlich liebe ich bis heute jeden dieser Songs in seiner ursprünglichen Form, aber ich muss zugeben, dass es jetzt, da wir sie auf unsere eigene Art interpretiert haben, schwer für mich ist, sie so zu genießen, wie sie einmal waren. Und ich weiß, dass wenn sich diese New-Wave-Klassiker im Metal-Wave-Stil in dir festgebissen haben, auch du sie nie wieder auf die gleiche Weise hören willst!"
Freut euch auf dunkle, epische und euphorische Versionen von Songs einiger der größten Bands der New Wave/Dark Wave-Ära im Metal-Gewand!
Alle, die New Wave und/oder Metal aus den 80ern lieben, tretet aus dem Schatten hervor, denn eure Zeit ist gekommen! Denn JAMES RIVERA'S METAL WAVE präsentieren ein neues Genre: Metal Wave!
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Ein Album, das sich mit beiden Seiten von Liebe, Freundschaft und Erlösung beschäftigt, nicht mit Trostlosigkeit oder Verzweiflung. Allerdings gibt es in diesen zehn Liedern jede Menge menschliche Schatten. PJ Harvey hat drei Songs geschrieben. Nick Cave war Co-Autor von drei Tracks und seine Bad Seeds unterstützen bei diesen Tracks. Außerdem schrieb Faithful jeweils einen Song zusammen mit Damon Albarn von Blur und dem Komponisten Jon Brion. Neben Harvey und Cave halfen Rob Ellis und Hal Willner bei der Produktion. Die Lieder sind tadellos sequenziert und wirken alle wie ein Stück, verbunden durch emotionale Themen. 'Before the Poison' ist poetisch und beunruhigend. Es steht im Marianne Faithful-Katalog ganz für sich, ähnlich wie 'Broken English' - dieses Mal jedoch auf der anderen Seite des Spiegels. Die wertige limitierte 180 Gr.-LP-Neuauflage kommt in Clear Vinyl!
Der Schattenmann-Stil anno 2023 klingt kraftvoll und dynamisch, die Gitarren erweisen sich einmal mehr als wahre Riff-Monster, Schlagzeug und Bass als erbarmungslos antreibende Groove-Maschinerie. Veredelt wird das beinharte Sound-Konglomerat durch einen ausdrucksstarken Leadgesang und durch dezente, raffiniert eingewobene Synthie-Klänge. Veröffentlicht wird ‚Día de Muertos‘ am 30. Juni 2023 über AFM Records, bereits vorab werden fünf Singles ausgekoppelt, darunter “Jeder ist schlecht“ und “Dickpic“, in denen sich SCHATTENMANN gewohnt gesellschaftskritisch geben.
