Cerca:sen sei

Deerhoof haben sich schon vor langer Zeit als eine der großartigsten Rockgruppen des Planeten etabliert - wer das für übertrieben hält, hat noch nicht genug Zeit damit verbracht, Deerhoof zu hören - das wahnsinnig erfinderische Quartett behandelt jedes seiner neuen Alben als eine Gelegenheit zur kreativen Wiedergeburt. Und doch sind sie irgendwie auch zutiefst zuverlässig, eine seltsame, aber wahre Beschreibung für eine Band, die so kreativ rastlos ist. Man weiß nie, wie ein neues Deerhoof-Album klingen wird, außer dass es immer nach Deerhoof klingen wird. Die Band wird durch solche Paradoxien definiert, wie "Noble and Godlike in Ruin" erneut bestätigt. Ihr neuestes Album ist entweder ein Porträt einer Welt, die in monströsen Hass, Entmenschlichung und Dollarzeichen abgleitet, oder ein eindringliches Selbstporträt der Band als Monster: ein intelligentes, sensibles, hybrides Wesen, das unermüdlich von Liebe singt, sich aber zunehmend von dieser Welt entfremdet. Die Musik ist fröhlich und ahnungsvoll, kybernetisch und zutiefst menschlich, alles zugleich. Streicher, die an avantgardistische Kammermusik und klassische Horrorfilm-Soundtracks erinnern, prallen auf Gitarren- und Basslinien. Das Schlagzeug ist manchmal gefiltert und klingt fast elektronisch, aber kein Computer könnte einen so funkigen und dynamischen Rhythmus erzeugen, bei dem jede winzige Variation von einem Snare-Schlag zum nächsten Welten der Möglichkeiten vermittelt. An der Spitze steht die unnachahmliche Altstimme von Satomi Matsuzaki. Eine Stimme der Einsamkeit, deren schlichte Ruhe seltsam außerhalb des Mahlstroms der Band zu stehen scheint, zu dem sie mit ihren zackig-präzisen Bassläufen selbst beiträgt. Als Einwanderin der ersten Generation in den USA hat sie nie versucht, ihren japanischen Akzent oder ihre Karaoke-esken Vortrag zu verbergen. Auf "Noble und Godlike in Ruin" wirkt dies abwechselnd als Ausdruck von Einsamkeit und als kühle Provokation gegenüber Systemen der Unterdrückung und Kontrolle. ,Kindness is all I needed from you", singt sie auf dem epischen Albumabschluss ,Immigrant Songs`. ,But you think we're in your house." Nicht lange danach explodiert der Song, sein eng gewickelter Art-Pop macht Platz für mehrere Minuten heulenden Lärm. Auch wenn das Thema düster sein mag - wie könnte es anders sein - tragen die Songs trotzigen Optimismus in ihrer Weigerung, sich den Konventionen oder überlieferten Weisheiten zu beugen. Da ist diese berühmte Zeile von Dylan Thomas über das Wüten gegen das Sterben des Lichts: "Noble and Godlike in Ruin" fühlt sich ein wenig so an. Die Welt mag untergehen, aber Deerhoof gehen schwungvoll unter.

Carlos Santana ist der große musikalische Kollaborateur, der seinen einzigartigen Gitarrenstil und seine weitreichende musikalische Vision mit einer großen Vielfalt von Künstlern verbindet, um etwas Neues, Einzigartiges und Transzendentes zu schaffen. Santanas Vision für Sentient war es, seine jüngsten Kollaborationen aus einer neuen Perspektive zu betrachten und sie zu einer klanglichen Pilgerreise durch Jazz, Hip-Hop, Soul, Rock und lateinamerikanische Rhythmen zu verweben. Er hat die Songs nicht nur so arrangiert, dass sie seiner Vision entsprechen, sondern viele von ihnen auch neu interpretiert und einige Aspekte der Tracks verbessert, um ein kohärentes Hörerlebnis zu schaffen. Die Songs auf Sentient reichen von aktuellen Hits und Kollaborationen mit Superstars bis hin zu seltenen, unveröffentlichten und übersehenen Tracks, die Carlos in einem neuen Kontext präsentieren wollte. Das Ergebnis ist eine spirituelle Reise durch die unendlichen Möglichkeiten der Musik, geführt von Santanas kompromissloser Muse.

Timbeau bezeichnet seine Musik schlicht als Pop - und meint damit seinen ganz eigenen Mix aus Synthpop, Neuer Deutscher Welle und Indie-Postpunk mit Discoeinflüssen. Als Multiinstrumentalist erschafft er intime und authentische Songs, die sich auf humorvolle und zugängliche Weise mit schweren Themen wie mentaler Gesundheit oder kritischer Männlichkeit auseinandersetzen. Seine Texte sind auf deutsch, wobei er es darauf anlegt, das Cringe-Gefühl der deutschen Sprache zu zelebrieren. Timbeau ist ein Grenzgänger, der großen Wert auf das Visuelle legt. Seinen Musikvideos ist das in der Liebe zum Detail deutlich anzumerken. Nach erster EP `Wundersam' in 2020 mauserte sich das Projekt Timbeau vom DIY-Bedroompop zur versierten Studioarbeit mit Bandintervention. Das Debutalbum `Sensitiv' ist nun da! In Der Stadt Havarie Brut Diorama Urlaub Jammertal Sensitiv Heute Nacht Melatonin Katamaran

Ein dynamisches und erhabenes Werk voller Emotionen und Sensibilität, "From Where You Came" als eine Reihe nächtlicher Übertragungen, altertümlicher Verfeinerungen und lebendiger Geschichten, die reich an erhellenden Qualitäten sind. Die Kombination von programmatischer Musik des 19. Jahrhunderts mit Jazz aus der Mitte der 70er Jahre und ihrem unverwechselbar farbenfrohen und mehrdimensionalen Kompositionsansatz, der die Improvisation einschließt, ermöglicht Coverdale die Synthese mit Live-Instrumenten in einer genrefreien, aber deutlich erkennbaren Geste der Wiederverbindung mit Land und Körper durch Klang zu verbinden. Sie betrachtet Komposition als diagnostische Methodik zu spirituellen Zwecken, leitet emotionale Resonanz wie Ladungsströme und verdrahtet das rein Gefühlte in elektronische Signale. Obwohl sie auf mehreren Kontinenten komponiert und aufgenommen hat, unter anderem im GRM Studio in Paris und dem Elektronmusikstudion EMS in Stockholm, wurde "From Where You Came" im ländlichen Ontario, Kanada, fertiggestellt. Mit Beiträgen der multidisziplinären Klangkünstlerin und Cellistin Anne Bourne und dem mit einem Grammy ausgezeichneten Posaunen-Wunderkind Kalia Vandever, enthalten die 11 ausgedehnten und doch verdichteten Kompositionen des Albums Streicher, Holzbläser, Blechbläser, Tasten, Software und modulare Synthese, die eine musikalische Sprache einschreiben, die Animationen mit ungefilterter, beeindruckender Klarheit wiedergibt. ,Alles kann eine Stimme haben", sagt sagt Coverdale. ,Für mich ist die Stimme mehr als nur menschlich." Passenderweise ist es die eigene Stimme der Künstlerin die sich im einhüllenden Schwellwerk des Albumauftakts in Luft auflöst: ,Everything you know is real", singt sie in ,Eternity`, "I'm sorry, life is beautiful." Als zwischen Animismus und Animalismus oszilliert, ist das folgende Album absolut voll von Leben in all seiner atemberaubenden Komplexität. Coverdale rechnet mit der Erfahrung von Trauer, Entwurzelung und dem Druck der totalen Freiheit und Unabhängigkeit ab, und beweist eine übernatürliche Fähigkeit, die Trübsal in höchst fantasievolle und inspirierende Fantasy-Epen aus Klang zu verwandeln.

Deerhoof haben sich schon vor langer Zeit als eine der großartigsten Rockgruppen des Planeten etabliert - wer das für übertrieben hält, hat noch nicht genug Zeit damit verbracht, Deerhoof zu hören - das wahnsinnig erfinderische Quartett behandelt jedes seiner neuen Alben als eine Gelegenheit zur kreativen Wiedergeburt. Und doch sind sie irgendwie auch zutiefst zuverlässig, eine seltsame, aber wahre Beschreibung für eine Band, die so kreativ rastlos ist. Man weiß nie, wie ein neues Deerhoof-Album klingen wird, außer dass es immer nach Deerhoof klingen wird. Die Band wird durch solche Paradoxien definiert, wie "Noble and Godlike in Ruin" erneut bestätigt. Ihr neuestes Album ist entweder ein Porträt einer Welt, die in monströsen Hass, Entmenschlichung und Dollarzeichen abgleitet, oder ein eindringliches Selbstporträt der Band als Monster: ein intelligentes, sensibles, hybrides Wesen, das unermüdlich von Liebe singt, sich aber zunehmend von dieser Welt entfremdet. Die Musik ist fröhlich und ahnungsvoll, kybernetisch und zutiefst menschlich, alles zugleich. Streicher, die an avantgardistische Kammermusik und klassische Horrorfilm-Soundtracks erinnern, prallen auf Gitarren- und Basslinien. Das Schlagzeug ist manchmal gefiltert und klingt fast elektronisch, aber kein Computer könnte einen so funkigen und dynamischen Rhythmus erzeugen, bei dem jede winzige Variation von einem Snare-Schlag zum nächsten Welten der Möglichkeiten vermittelt. An der Spitze steht die unnachahmliche Altstimme von Satomi Matsuzaki. Eine Stimme der Einsamkeit, deren schlichte Ruhe seltsam außerhalb des Mahlstroms der Band zu stehen scheint, zu dem sie mit ihren zackig-präzisen Bassläufen selbst beiträgt. Als Einwanderin der ersten Generation in den USA hat sie nie versucht, ihren japanischen Akzent oder ihre Karaoke-esken Vortrag zu verbergen. Auf "Noble und Godlike in Ruin" wirkt dies abwechselnd als Ausdruck von Einsamkeit und als kühle Provokation gegenüber Systemen der Unterdrückung und Kontrolle. ,Kindness is all I needed from you", singt sie auf dem epischen Albumabschluss ,Immigrant Songs`. ,But you think we're in your house." Nicht lange danach explodiert der Song, sein eng gewickelter Art-Pop macht Platz für mehrere Minuten heulenden Lärm. Auch wenn das Thema düster sein mag - wie könnte es anders sein - tragen die Songs trotzigen Optimismus in ihrer Weigerung, sich den Konventionen oder überlieferten Weisheiten zu beugen. Da ist diese berühmte Zeile von Dylan Thomas über das Wüten gegen das Sterben des Lichts: "Noble and Godlike in Ruin" fühlt sich ein wenig so an. Die Welt mag untergehen, aber Deerhoof gehen schwungvoll unter.

"Live in Oberhausen", das zweite Live-Album von KANONENFIEBER, wurde während ihrer bis dato größten Headliner-Show in Oberhausen aufgenommen. 1.800 Zuschauer füllten die ausverkaufte Turbinenhalle II, um Teil der "Die Urkatastrophe"-Tour zu werden. Sechzehn der insgesamt zwanzig europaweiten Konzerte waren bereits Monate vor dem Beginn der Tour ausverkauft. Damit konnte die Band, die nur 2,5 Jahre zuvor ihre erste Liveshow gespielt hat, einen weiteren Meilenstein in ihrer Karriere setzen.In der Setlist finden sich nicht nur beliebte Songs des Debütalbums- "Menschenmühle" und der darauffolgenden EPs, sondern auch acht Tracks aus ihrer neuesten Veröffentlichung "Die Urkatastrophe".KANONENFIEBER über das Konzept von "Die Urkatastrophe": "Der Erste Weltkrieg beschleunigte den Weg in die Moderne und gilt als die "Urkatastrophe" des 20. Jahrhunderts, das von Kriegen, Gewalt und Vertreibungen geprägt war. Etwa 17 Millionen Menschen, Soldaten und Zivilisten, verloren ihr Leben, große Teile Europas wurden zerstört und ungelöste Probleme hinterlas-sen, die zu weiteren gewaltsamen Konflikten führten. Dieses Album soll die Opfer des Ersten Weltkrieges dem Vergessen entrei-ßen. Mögen ihre Schicksale auch nach über 100 Jahren Mahnung sein für die nachfolgenden Generationen," erklärt Noise.Der Black und Death Metal von KANONENFIEBER soll nicht nur unterhalten, sondern anregen, sich weiterzubilden und das Bewusstsein gegen die Verherrlichung des Krieges schärfen. Denn im Krieg gibt es keine Gewinner. Alle verlieren - ihr Leben, ihre Seelen, ihre Menschlichkeit. Der Krieg wird oft abstrakt und anhand von trockenen Zahlen und Statistiken dargestellt. KA-NONENFIEBER wollen die Geschichten der Namenlosen und Gesichtslosen erzählen, um einen kleinen Einblick in ihre persön-lichen Schrecken und damit in das größte Grauen für die Menschheit als Ganzes zu gewähren. Krieg.Das Album erscheint in den folgenden Formaten: Ltd. CD+Blu-ray Digipak, Gatefold 2LP and Digital Album.

"Live in Oberhausen", das zweite Live-Album von KANONENFIEBER, wurde während ihrer bis dato größten Headliner-Show in Oberhausen aufgenommen. 1.800 Zuschauer füllten die ausverkaufte Turbinenhalle II, um Teil der "Die Urkatastrophe"-Tour zu werden. Sechzehn der insgesamt zwanzig europaweiten Konzerte waren bereits Monate vor dem Beginn der Tour ausverkauft. Damit konnte die Band, die nur 2,5 Jahre zuvor ihre erste Liveshow gespielt hat, einen weiteren Meilenstein in ihrer Karriere setzen.In der Setlist finden sich nicht nur beliebte Songs des Debütalbums- "Menschenmühle" und der darauffolgenden EPs, sondern auch acht Tracks aus ihrer neuesten Veröffentlichung "Die Urkatastrophe".KANONENFIEBER über das Konzept von "Die Urkatastrophe": "Der Erste Weltkrieg beschleunigte den Weg in die Moderne und gilt als die "Urkatastrophe" des 20. Jahrhunderts, das von Kriegen, Gewalt und Vertreibungen geprägt war. Etwa 17 Millionen Menschen, Soldaten und Zivilisten, verloren ihr Leben, große Teile Europas wurden zerstört und ungelöste Probleme hinterlas-sen, die zu weiteren gewaltsamen Konflikten führten. Dieses Album soll die Opfer des Ersten Weltkrieges dem Vergessen entrei-ßen. Mögen ihre Schicksale auch nach über 100 Jahren Mahnung sein für die nachfolgenden Generationen," erklärt Noise.Der Black und Death Metal von KANONENFIEBER soll nicht nur unterhalten, sondern anregen, sich weiterzubilden und das Bewusstsein gegen die Verherrlichung des Krieges schärfen. Denn im Krieg gibt es keine Gewinner. Alle verlieren - ihr Leben, ihre Seelen, ihre Menschlichkeit. Der Krieg wird oft abstrakt und anhand von trockenen Zahlen und Statistiken dargestellt. KA-NONENFIEBER wollen die Geschichten der Namenlosen und Gesichtslosen erzählen, um einen kleinen Einblick in ihre persön-lichen Schrecken und damit in das größte Grauen für die Menschheit als Ganzes zu gewähren. Krieg.Das Album erscheint in den folgenden Formaten: Ltd. CD+Blu-ray Digipak, Gatefold 2LP and Digital Album.

Der Titel "Amour Colère" - also "Liebe, Zorn" - lässt bereits anklingen, dass Nicholas Michaux auf seiner Platte versucht, mal mehr, mal weniger Gegensätzliches miteinander zu verknüpfen. Einen ersten Hinweis darauf liefert bereits die Trackliste: Französische und englische Songs stehen hier gleichberechtigt nebeneinander. Tatsächlich sieht sich Nicolas Michaux selbst auch in der Tradition des französischen Chansons, die er in seinen Songs mit Anleihen aus der amerikanischen Songwriter-Szene, ein bisschen Classic Rock und New Wave verwebt. Wer bei dem Albumtitel allerdings kitschige Liebesschnulzen oder donnernde Wutausbrüche erwartet, wird von Nicolas Michaux' Stil positiv überrascht sein: Liebe und Zorn beschreiben eher die Stimmung seiner Texte. In seiner Musik schlägt er einen meist nachdenklichen, manchmal schwermütigen, in jedem Fall sehr persönlichen Ton an. Seine Lieder sind einfach gebaut, aber nicht seicht; harmonisch-gefühlvoll, aber nie sentimental. Sein Fokus auf das Wesentliche lässt das Album zeitlos und gleichzeitig modern wirken. Vor mehr als vier Jahren hat der belgische Künstler Nicholas Michaux die öffentliche Bühne betreten. Mit seinem Debütalbum setzte er damals ein musikalisches Ausrufezeichen und gewann viele Kritiker für sich. Nun veröffentlicht der Singer-Songwriter aus Lüttich seine zweite LP und liefert damit ein kleines Füllhorn voller verträumt-melancholischer Songs. Mit seinen Songs lässt Nicolas Michaux die Klassiker des Chansons einmal mehr aufleben und gibt ihnen mit rockigen Akzenten neues Leben, ohne dabei zu aufdringlich zu wirken. Besonders gut eignet sich die CD damit für einen lauen Frühherbstabend, um sich gemütlich zurückzulehnen, zu träumen und still zu genießen.

Der Titel "Amour Colère" - also "Liebe, Zorn" - lässt bereits anklingen, dass Nicholas Michaux auf seiner Platte versucht, mal mehr, mal weniger Gegensätzliches miteinander zu verknüpfen. Einen ersten Hinweis darauf liefert bereits die Trackliste: Französische und englische Songs stehen hier gleichberechtigt nebeneinander. Tatsächlich sieht sich Nicolas Michaux selbst auch in der Tradition des französischen Chansons, die er in seinen Songs mit Anleihen aus der amerikanischen Songwriter-Szene, ein bisschen Classic Rock und New Wave verwebt. Wer bei dem Albumtitel allerdings kitschige Liebesschnulzen oder donnernde Wutausbrüche erwartet, wird von Nicolas Michaux' Stil positiv überrascht sein: Liebe und Zorn beschreiben eher die Stimmung seiner Texte. In seiner Musik schlägt er einen meist nachdenklichen, manchmal schwermütigen, in jedem Fall sehr persönlichen Ton an. Seine Lieder sind einfach gebaut, aber nicht seicht; harmonisch-gefühlvoll, aber nie sentimental. Sein Fokus auf das Wesentliche lässt das Album zeitlos und gleichzeitig modern wirken. Vor mehr als vier Jahren hat der belgische Künstler Nicholas Michaux die öffentliche Bühne betreten. Mit seinem Debütalbum setzte er damals ein musikalisches Ausrufezeichen und gewann viele Kritiker für sich. Nun veröffentlicht der Singer-Songwriter aus Lüttich seine zweite LP und liefert damit ein kleines Füllhorn voller verträumt-melancholischer Songs. Mit seinen Songs lässt Nicolas Michaux die Klassiker des Chansons einmal mehr aufleben und gibt ihnen mit rockigen Akzenten neues Leben, ohne dabei zu aufdringlich zu wirken. Besonders gut eignet sich die CD damit für einen lauen Frühherbstabend, um sich gemütlich zurückzulehnen, zu träumen und still zu genießen.

The Walters, das in Chicago gegründete und in LA beheimatete Indie-Quartett, veröffentlicht endlich sein Debütalbum "Good Company" mehr als ein Jahrzehnt nach seiner Gründung 2014 auf einer Hausparty der DePaul University. In dieser Zeit wurde ihr erster Song "I Love You So" zu einer viralen Sensation mit 2 Mrd. Streams und 10 Mrd. TikTok-Aufrufen. Sie spielten ein triumphales Lollapalooza-Set in ihrer Heimatstadt, trennten sich, kamen wieder zusammen, unterschrieben bei einem grossen Label und machten sich wieder unabhängig. All diese Erfahrungen vereinen sich auf "Good Company" zu einem musikalischen Eskapismuswirbel: Harmonieschichten, inspiriert von Vocalbands wie Beach Boys und Four Tops, der reich strukturierte Progressive-Pop-Charme á la "Pet Sounds", die ruhige, nachdenkliche Lyrik von Folk-Legenden wie Neil Young, das Getöse moderner Acts wie Dr. Dog und The Strokes. Ein genre- und generationsübergreifendes Werk, das das Publikum mit Haltung und Reife anspricht. In allen Songs steckt ein erneuertes Gefühl von Vertrauen, Ehrlichkeit und musikalischer Freiheit – mächtige Waffen, wenn man sie mit der klanglichen Wärme kombiniert, die The Walters so unmittelbar fesselnd und beruhigend zugleich macht.

Als Künstlerin, Sängerin, Songwriterin und Gitarristin hat Samantha Fish zahlreiche Auszeichnungen für
ihren einzigartigen Selbstausdruck erhalten (u. a. mehrere Blues Music Awards und eine GRAMMYNominierung), den sie durch explosive Riffs, eindringliche Rhythmen und mitreißenden Gesang vermittelt.
Ihr Talent wurde von keinem Geringeren als Eric Clapton erkannt, der sie einlud, bei seinem Crossroads
2023 in Los Angeles aufzutreten. Sie ist eine Festival-Headlinerin, die das Cover von Gitarrenmagazinen
ziert und international vor ausverkauften Häusern tourt. Fish beherrscht ihre kathartischen Shows mit ihrer
kantigen Stimme und ihrer unverblümten Slide-Gitarre.
Für ihr neues Album Paper Doll hat sich Fish mit dem legendären Produzenten Bobby Harlow zusammengetan. Mit der Hilfe der Co-Autoren Kate Pearlman, Jim McCormick, Anders Osborne und Harlow
hat sie ihre bisher stärksten Songs geschrieben. Ihre eklektische Sensibilität wurde in eine Reihe von Songs
kanalisiert, die sowohl emotional stark als auch wild entflammbar sind und dazu beitragen, ihre langjährige
Mission zu erfüllen, das Blues-Genre für ein völlig neues Publikum zu öffnen.

Nachdem man Hollywood-Star Jeff Goldblum in letzter Zeit im Kino-Erfolgsmusical ”Wicked“ und der
Netflix-Serie ”Kaos“ erleben durfte, meldet er sich jetzt mit seiner zweiten großen Passion als Jazzmusiker
und seinem dritten Album zurück! Für „Still Blooming“ hat er nicht nur wieder sein berühmt-berüchtigtes
Mildred Snitzer Orchestra zusammengetrommelt, sondern schaffte es auch, seine beiden „Wicked“-Kolleginnen
Ariana Grande und Cynthia Erivo sowie Hollywood-Superstar Scarlett Johansson für eine Mitwirkung begeistern.
Die drei Damen machen ihren Job als Sängerinnen wie erwartet fabelhaft, während Goldblum als cooler
Frontman, Pianist, Organist und einmal sogar Sänger die exquisite Mischung aus Songs aus der goldenen
Ära des Great American Songbook und groovenden Jazz-Instrumentals krönt.
Wie ein guter Hollywood-Film hat auch „Still Blooming“ nicht nur einen Star und diverse Co-Stars zu
bieten, sondern ist mit seinem augenzwinkernden, zeitlosen Charme auch die perfekte Verbindung aus
Gestern und Heute, Lebensfreude und Sentimentalität, Jazz und Pop.

Nachdem sich die Sache in den letzten Monaten bereits abgezeichnet hatte und Julien Baker & TORRES kürzlich auch ihre erste gemeinsame Single "Sugar in the Tank" veröffentlichten, kündigen die beiden nun ihr Debütalbum "Send a Prayer My Way" an. Es erscheint am 18. April bei Matador. Die Idee, zusammen ein Country-Album zu machen, kam bereits 2016 auf, als Baker & TORRES ihre erste gemeinsame Show spielten. So entstand ein Werk, das wie alle beständigen Country-Alben daran erinnert, dass niemand auf dieser Welt allein und Musik ein verlässlicher und steter Begleiter ist. "Send a Prayer My Way" enthält zwölf Song von radikaler Empathie, in denen zweite und auch dritte Chancen gewährt werden und es bei allem Ringen und Bedauern auch Humor und Widerstand gibt. Mit der Ankündigung des Albums erscheint die neue Single "Sylvia", eine Hommage an einen Wegbegleiter ganz besonderer Art. TORRES berichtet: "An dem Morgen, an dem ich loswollte, um Sylvia aus dem Tierheim zu holen, machte ich mir zu Hause noch einen Kaffee und schaltete das Radio ein. Dolly Partons "Cracker Jack" lief. Ich brach in Tränen aus - es fühlte sich an, als würde das Universum mir sagen, dass sie mir gehören würde - dabei war Sylvia nur als Pflegehund vorgesehen. Ich weiß noch, wie ich dachte, dass ich gerne einen Song wie diesen schreiben würde, einen Song, den die Menschen innerhalb von fünf Sekunden nach dem Einschalten im Innern spüren können. Denn jeder, der schon einmal die Ehre hatte, sein Zuhause mit einem heißgeliebten Haustier zu teilen, weiß, dass es zur Familie gehört." Den ersten Vorgeschmack auf ihr neues Album hatten Julien Baker & TORRES bereits vor einem Monat mit einem Auftritt bei Jimmy Fallon gegeben. Dort spielten sie ihre Debütsingle "Sugar in the Tank". Der Song berichtet von Erfahrungen beim Aufwachsen als queere Person in den Südstaaten. Er spiegelt nicht nur die Liebe der beiden zur dort tief verwurzelten Country-Musik wider, sondern transportiert auch die Traditionen und die Ikonographie des Genres ins Hier und Jetzt. "Send A Prayer My Way" ist ein Country-Album, geschrieben und gesungen in bester Outlaw-Tradition - trotzig, subversiv und entschlossen, trostspendend und aufrichtig. Es erscheint am 18. April 2025.

Nachdem sich die Sache in den letzten Monaten bereits abgezeichnet hatte und Julien Baker & TORRES kürzlich auch ihre erste gemeinsame Single "Sugar in the Tank" veröffentlichten, kündigen die beiden nun ihr Debütalbum "Send a Prayer My Way" an. Es erscheint am 18. April bei Matador. Die Idee, zusammen ein Country-Album zu machen, kam bereits 2016 auf, als Baker & TORRES ihre erste gemeinsame Show spielten. So entstand ein Werk, das wie alle beständigen Country-Alben daran erinnert, dass niemand auf dieser Welt allein und Musik ein verlässlicher und steter Begleiter ist. "Send a Prayer My Way" enthält zwölf Song von radikaler Empathie, in denen zweite und auch dritte Chancen gewährt werden und es bei allem Ringen und Bedauern auch Humor und Widerstand gibt. Mit der Ankündigung des Albums erscheint die neue Single "Sylvia", eine Hommage an einen Wegbegleiter ganz besonderer Art. TORRES berichtet: "An dem Morgen, an dem ich loswollte, um Sylvia aus dem Tierheim zu holen, machte ich mir zu Hause noch einen Kaffee und schaltete das Radio ein. Dolly Partons "Cracker Jack" lief. Ich brach in Tränen aus - es fühlte sich an, als würde das Universum mir sagen, dass sie mir gehören würde - dabei war Sylvia nur als Pflegehund vorgesehen. Ich weiß noch, wie ich dachte, dass ich gerne einen Song wie diesen schreiben würde, einen Song, den die Menschen innerhalb von fünf Sekunden nach dem Einschalten im Innern spüren können. Denn jeder, der schon einmal die Ehre hatte, sein Zuhause mit einem heißgeliebten Haustier zu teilen, weiß, dass es zur Familie gehört." Den ersten Vorgeschmack auf ihr neues Album hatten Julien Baker & TORRES bereits vor einem Monat mit einem Auftritt bei Jimmy Fallon gegeben. Dort spielten sie ihre Debütsingle "Sugar in the Tank". Der Song berichtet von Erfahrungen beim Aufwachsen als queere Person in den Südstaaten. Er spiegelt nicht nur die Liebe der beiden zur dort tief verwurzelten Country-Musik wider, sondern transportiert auch die Traditionen und die Ikonographie des Genres ins Hier und Jetzt. "Send A Prayer My Way" ist ein Country-Album, geschrieben und gesungen in bester Outlaw-Tradition - trotzig, subversiv und entschlossen, trostspendend und aufrichtig. Es erscheint am 18. April 2025.

Gegründet 2017 in Bristol, hat die vierköpfige Band bisher ein Album veröffentlicht - ihre Debüt LP 'All Gas No Brakes' (Alcopop! ) - sowie eine Reihe von EPs, allesamt bei Balley Records, dem Label von IDLES, mit denen die Band eine enge Freundschaft verbindet. Sie waren zusammen auf Tour und haben sogar eine gemeinsame Split 7" veröffentlicht. Auch als Support für The Oh Sees, Portishead und Metz konnte man Heavy Lungs schon bestaunen. Iggy Pop spielt ihre Songs regelmäßig in seiner Sendung auf BBC 6Music.

Heavy Lungs berufen sich auf verschiedene Referenzen - von Danny Brown bis zu Iggy's Stooges -, die Hinweise auf ihren Sound geben können oder eben auch nicht. Sie beschreiben sich selbst schlicht als „eine laute Band aus Bristol“.

Ihr zweites Album 'Caviar', das innerhalb von 10 Tagen in den Humm Studios aufgenommen wurde, besteht aus 11 Songs und zeigt die erstaunliche Fähigkeit der Band, nicht nur in einen Groove einzutauchen, sondern auch heftig aus ihm herauszuspringen.

"...unser bisher bestes Album". Darüber ist sich die Band einig.

"I want to be famous already. This is boring!" proklamiert Sänger Danny Nedelko in ihrem wohl poppigsten Song Mr. Famous. Das könnte ihm mit diesem Album gelingen.

- Ltd. LP

Full page feature in Wire Magazine (March 2025, Issue 493) 'the freak audio series continues with the lysergic You Didn't Hear It From Me which combines dubbed out sampledelia and metallic beats with ghostly saxophone soaked in an acid bath'

Polonius AKA Egyptian-French artist Seif Gaber, whose works spans a decade of “science fiction archeomiragical time travel" explorations and is an important piece of the healthy electronic/far out mosaic in Milan.

With a considerable number of releases under his name, both self released and through such likeminded labels as Ikuisuus, Goaty Tapes or Sun Araw's Sun Ark, Polonius grand vision encompasses a myriad of languages culled from kosmische travelings, exotica's dreamlands, soundtrack psychedelia, spiritual jazz escape routes and transmuted beat science to convey them into a sonic fiction where all these trails intertwine in a cosmological soundscape filled with wonder and speculation.

Building on last year's more beat-centric excursions of his self-titled vinyl debut on Stoned to Death, Polonius' first entry into the Discrepant extended family via Souk finds him dwelling deeper into rhythmic mystic extrapolations through a series of hallucinatory tracks. Conveying jungle's kinetic energy, dubwise meditations on bass weight, collapsing beats, globetrotting percussion accents and synth-driven night drives, 'You Didn't Hear It From Me' finds Polonius with a strong sense of purpose and direction, reconvening bits and pieces from the netherworld into a more urban scenario, not quite any we can stand or dance on. Just dream of.

Die vielleicht größte Herausforderung für jeden Musiker ist es, zu lernen, als Künstler zu wachsen und sein Repertoire zu erweitern und gleichzeitig eine kohärente, übergreifende Vision für die eigene Arbeit beizubehalten. Seit ihren Anfängen und über die Spanne von drei Alben hinweg haben Blackwater Holylight stets eine Aura, als ob die Mitglieder der Band sowohl den Raum als auch das Vehikel gefunden hätten, ihre emotionale Abwehr zu senken, indem sie ihre Position mit purer klanglicher Kraft verstärken. Diese anhaltend eindringliche und bezaubernde Qualität hat sich in einer Vielzahl von Ansätzen manifestiert. Gleichermaßen versiert in Doom-Riffs, narkotischen Neo-Folk-Melodien, lysergischen psychedelischen Streifzügen und zerklüftetem Art-Rock-Abrieb, decken Blackwater Holylight mit ihrem Arsenal an Gitarre, Bass, Schlagzeug, Synthesizer und Stimme ein breites Spektrum an Klangfarben ab. Auf ihrer neuesten EP If You Only Knew gehen Blackwater Holylight den eingeschlagenen Weg konsequent weiter. Letztlich ist "If You Only Knew" ein mutiger Schritt, der die Ungewissheit im Privatleben der Bandmitglieder widerspiegelt. der Bandmitglieder widerspiegelt.

Cool, sentimental und voller Sehnsucht - dass die Musik von Chet Baker zeitlos ist, beweist ihre ungebrochene, immer wieder neue Popularität. Seine instrumentalen Aufnahmen zählen zu den Klassikern des Jazz,
aber spätestens als Sänger wurde der Trompeter auch zur Pop-Ikone.
Vor 70 Jahren erschien sein berühmtes Album “Chet Baker Sings”, das heute noch Bestseller ist und
dessen Einfluss auch in der Pop-Musik zu spüren ist. Die Macher der erfolgreichen Albumprojekte “Blue
Note Re:imagined” hat das auf eine Idee gebracht.
„Chet Baker Re:Imagined“ ist jetzt das erste Tributealbum, das Chet Bakers musikalisches Erbe feiert.
Junge Künstler der aktuellen akustischen und elektronischen Musikszene kommen auf dem Album zusammen, um ihre Versionen von Baker-Klassikern zu präsentieren.
Viele der auf „Chet Baker Re:Imagined“ vertretenen Musiker und Musikerinnen haben sich auf digitalen
Plattformen bereits ein großes Publikum erarbeitet (20 Million combined audience). Mit diesem Projekt
beweisen sie sich mit mal lässigen, mal melancholischen Tracks als Chet-Baker-Fans. Die internationale
Bandbreite geht von UK (dodie, Matt Maltese Matilda Mann, Joel Culpepper, Ife Ogunjobi vom Ezra Collective, Hohnen Ford, Eloise, Puma Blue), über USA (Delaney Bailey, mxmtoon), Kanada (Stacey Ryan),
die Niederlande (Benny Sings) und Australien (grentperez) bis hin zu Südkorea (Sara Kang)

Es ist ein Fall von popkultureller Archäologie. Eine Spurensuche der elektronischen Musik. Nach über 30 Jahren tauchen verschollene Tapes von Holger Czukay wieder auf, die er einst "zur freien Verfügung" eingespielt hatte. Eine Sound-Meditation von 1997, die nun erstmals neu gemastert im Original und in einer "Version" von die ANGEL (Ilpo Väisänen / Dirk Dresselhaus) und Zappi W. Diermaier von der Krautrock-Legende Faust vorliegt.

Die Arbeiten aus dem Czukay-Studio sind eigenwillige Klangstrukturen, die Mastering-Ingenieur Dresselhaus alias Schneider TM einschätzt als "futuristisches Kleinod, das für seine Entstehungszeit musikalisch weit vorne ist." Für ein abstraktes Klanggebilde "tief und emotional" wie er sagt. Eine Komposition, die mit Avantgarde oder Neue Musik nur unzureichend beschrieben ist. Ein echter Czukay eben. Die Genese dieser Aufnahmen führt in die freigeistigen 1990er, als Holger Czukay in Köln mit jüngeren Techno-Kollegen wie Dr. Walker von Air Liquide mit Beats experimentierte und sich ansonsten sehr für die leise Explosion der digitalen Medien interessierte.

Es war der Tech-Pionier und Medienkünstler Arthur Schmidt alias Gvoon, der ihn in langen Gesprächen auf die (damals futuristische) Data-Maschine "RealityEngine" brachte, mit der sich virtuelle Welten erschaffen ließen. Vom Full-Body-Tracking-System bis zum gemeinsamen Prototyp eines "Internet-TV-Senders". Darauf liefen experimentelle Czukay-Videos, die er mit neuen Samples und Klangfragmenten ausstattete. Später wurde eine kontemporäre Show namens "Czukay/Gvoon:Magazine" daraus und auch die "Can-Live-Soloprojekts" im März 1999, ausgestattet mit der Body-Tracker-Technik von Gvoon. Die DDR-Vergangenheit seines Tech-Sparringspartners Schmidt, der ihm von seiner Zeit in Stasi-Haftanstalten erzählte, setzte in Czukay einen kreativen Prozess frei. Er setzte dieses Trauma in Töne um und machte ihm ein musikalisches Geschenk. "Gvoon-Brennung 1", eine Gabe, die Schmidt "irgendwann" einmal verwenden könne. Einfach so. Ein Soundtrack, der ganz profan auf Digital Audio Tape übergeben wurde.

Über 20 Jahre später brachte Schmidt das "Czukay-Geschenk" für eine zum Kunstwerk umfunktionierte Verhörzelle des Ministeriums für Staatssicherheit (MfS) wieder zum Einsatz. Als Installation für einen stockfinsteren, bedrückenden Raum mit Gummiwänden. Hier stieß wiederum Dresselhaus auf das Material. Ihm wurde klar, dass er dort mehr hörte als irgendwelche 1990er-Fragmente: "Es ist irgendwie Blues-mäßig, auf eine kybernetische und abstrakte Art." "Mit einem sehr langsamen Groove, der einen die gesamte Strecke aufmerksam hält", sagt Dresselhaus. Er beschreibt den Mastering-Prozess sowie die Neubearbeitung in Form der "Gvoon-Version 1" als Balanceakt zwischen Respekt vor dem historischen Material und einer zeitgemäßen Studio-Bearbeitung.

Eine respektvolle Verbeugung zum 87sten Geburtstag von Holger Czukay im März 2025.

'001-015' is a "best of" compilation celebrating the first 15 sample packs made by Frollen Music Library. Launching in late 2021, the sample house has since been featured in productions by ScHoolboy Q, Leon Thomas, Devin Malik and more. This retrospective "best of" traverses a wide range of styles and moods to appeal to every music enthusiast as well as producers and songwriters alike. Whether it's bouncing Hip Hop beats or evocative cinematic etudes, FML's 3- piece house band, comprising Henry Jenkins, Darvid Thor and Hudson Whitlock have a deep love and respect for many musical styles. FML'sdiverse catalogue takes cues from the 'Third Stream' composer David Axelrod, as well as drawing upon cinematic themes from 60's and 70's Italian film score composers a la Ennio Morricone and Riz Ortolani. There are 90's New York boom bap beats, as well as synthesiser music inspired by Tonto, , utilising a locally made synthesiser from Melbourne Instruments. Jenkins, Thor and Whitlock have been playing in bands and producing music for their local music scene for the last 15 years. Recording and performing with The Cactus Channel, Karate Boogaloo, Mo'Ju, Surprise Chef and many many more. Not only is this brand-new LP a great musical collage worthy of any music library enthusiast, but also functions as a tremendous sampler demonstrating the many styles of FML. Fast, slow, sweet AND sour!

'001-015' is a "best of" compilation celebrating the first 15 sample packs made by Frollen Music Library. Launching in late 2021, the sample house has since been featured in productions by ScHoolboy Q, Leon Thomas, Devin Malik and more. This retrospective "best of" traverses a wide range of styles and moods to appeal to every music enthusiast as well as producers and songwriters alike. Whether it's bouncing Hip Hop beats or evocative cinematic etudes, FML's 3- piece house band, comprising Henry Jenkins, Darvid Thor and Hudson Whitlock have a deep love and respect for many musical styles. FML'sdiverse catalogue takes cues from the 'Third Stream' composer David Axelrod, as well as drawing upon cinematic themes from 60's and 70's Italian film score composers a la Ennio Morricone and Riz Ortolani. There are 90's New York boom bap beats, as well as synthesiser music inspired by Tonto, , utilising a locally made synthesiser from Melbourne Instruments. Jenkins, Thor and Whitlock have been playing in bands and producing music for their local music scene for the last 15 years. Recording and performing with The Cactus Channel, Karate Boogaloo, Mo'Ju, Surprise Chef and many many more. Not only is this brand-new LP a great musical collage worthy of any music library enthusiast, but also functions as a tremendous sampler demonstrating the many styles of FML. Fast, slow, sweet AND sour!

Nach dem Erfolg von Deep Purple’s Nummer 1-Album "=1" im letzten Jahr meldet sich der legendäre Keyboarder Don Airey mit seinem neuen Soloalbum "Pushed to the Edge" zurück. Airey, der als der aktivste Musiker des Hard Rock gilt, hat auf über 300 Alben mit Künstlern wie Ozzy Osbourne, Rainbow, Whitesnake, Judas Priest, Gary Moore und Black Sabbath mitgewirkt. Unterstützt wird er von einer hochkarätigen Besetzung: Deep Purple-Gitarrist Simon McBride, Sänger Carl Sentance (Nazareth), Mitchel Emms (The Voice UK) und Bassist Dave Marks (Hans Zimmer Orchester). Ohne Tricks und Abkürzungen liefert das Album puren Hard Rock und zeigt einmal mehr, warum Don Airey zu den größten seiner Zunft gehört.

Nach einem Jahrzehnt, in dem die Band das Beste aus improvisierten Aufnahmeräumen in Lagerhäusern, Wohnwagen und Lofts gemacht hat, ist „For Melancholy Brunettes (& sad women)“, das vierte Album von Japanese Breakfast, die erste richtige Studioveröffentlichung der Band. Produziert von Grammy-Preisträger Blake Mills, zieht sich Frontfrau und Songschreiberin Michelle Zauner von der hellen Extrovertiertheit des Vorgängers „Jubilee“ zurück, um die dunkleren Wogen zu erforschen, die in ihrem Inneren aufgewühlt sind, das launische, fruchtbare Feld der Melancholie, das seit langem als der psychische Zustand von Dichtern am Rande der Inspiration gilt. Das Ergebnis ist eine künstlerische Absichtserklärung: ein reifes, komplexes, kontemplatives Werk, das den romantischen Nervenkitzel einer Gothic Novel heraufbeschwört. „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ folgt einer transformativen Periode in Zauners Leben, in der ihr zweifach GRAMMY-nominiertes Durchbruchsalbum ‚Jubilee‘ und ihre Bestseller-Memoiren ‚Crying In H Mart‘ sie in den kulturellen Mainstream katapultierten und ihre tiefsten künstlerischen Ambitionen erfüllten. Als sie über diesen Erfolg nachdachte, erkannte Zauner die Ironie der Sehnsucht, die so oft Glückseligkeit und Verderben miteinander verbindet. „Ich fühlte mich verführt, das zu bekommen, was ich immer wollte“, sagt sie. „Ich flog zu nah an die Sonne heran, und mir wurde klar, dass ich sterben würde, wenn ich weiterflöge“. Das Schicksal von Ikarus und anderen Verdammten verleiht „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ sein beständigstes Thema: die Gefahren des Begehrens. Wie zerstreutes Licht führen seine spektralen Teile die Charaktere des Albums durch Zyklen von Versuchung, Übertretung und Vergeltung. In „Orlando in Love“ - ein Riff auf John Cheevers Riff auf „Orlando Innamorato“, einem unvollendeten Epos, das aus 68 Cantos des Renaissance-Dichters Matteo Maria Boiardo besteht - ist der Held ein gutmütiger Dichter, der sein Winnebago am Meer parkt und dem Ruf einer Sirene zum Opfer fällt, seinem 69. Canto (selbst im erhabenen Reich des klassischen Mythos hat Zauner ein Faible für Anspielungen). „Honey Water“ lotet die stille Wut einer Frau aus, die mit einem untreuen Mann verheiratet ist und zusieht, wie er immer wieder der Lust nachgibt wie ein niederes Insekt, das seinen eigenen Untergang herbeiführt Traurigkeit ist in der Tat die dominierende emotionale Tonart dieser Platte, aber es ist eine Traurigkeit der besonderen Art: die nachdenkliche, vorausschauende Traurigkeit der Melancholie, in der die Erkenntnis des im Wesentlichen tragischen Charakters des Lebens mit Sensibilität für seine flüchtige Schönheit einhergeht. Zauner findet in ihr genügend Raum für Hoffnungsschimmer. Es sind die Tröstungen der Sterblichen, die Dichter vor ihr gerufen haben und die Dichter nach ihr immer wieder neu entdecken werden: Liebe und Arbeit, und obwohl sie sich wie stärkende Vorsätze durch die vielen Episoden des Albums ziehen, erklingen sie am deutlichsten im letzten Song, „Magic Mountain“, einer Auseinandersetzung mit Thomas Manns berühmtem gleichnamigen Roman. Für sie fühlt sich jede Arbeit wie das Erklimmen eines Berges an, aber von der Spitze von „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ aus blickt sie in die Zukunft.

Nach einem Jahrzehnt, in dem die Band das Beste aus improvisierten Aufnahmeräumen in Lagerhäusern, Wohnwagen und Lofts gemacht hat, ist „For Melancholy Brunettes (& sad women)“, das vierte Album von Japanese Breakfast, die erste richtige Studioveröffentlichung der Band. Produziert von Grammy-Preisträger Blake Mills, zieht sich Frontfrau und Songschreiberin Michelle Zauner von der hellen Extrovertiertheit des Vorgängers „Jubilee“ zurück, um die dunkleren Wogen zu erforschen, die in ihrem Inneren aufgewühlt sind, das launische, fruchtbare Feld der Melancholie, das seit langem als der psychische Zustand von Dichtern am Rande der Inspiration gilt. Das Ergebnis ist eine künstlerische Absichtserklärung: ein reifes, komplexes, kontemplatives Werk, das den romantischen Nervenkitzel einer Gothic Novel heraufbeschwört. „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ folgt einer transformativen Periode in Zauners Leben, in der ihr zweifach GRAMMY-nominiertes Durchbruchsalbum ‚Jubilee‘ und ihre Bestseller-Memoiren ‚Crying In H Mart‘ sie in den kulturellen Mainstream katapultierten und ihre tiefsten künstlerischen Ambitionen erfüllten. Als sie über diesen Erfolg nachdachte, erkannte Zauner die Ironie der Sehnsucht, die so oft Glückseligkeit und Verderben miteinander verbindet. „Ich fühlte mich verführt, das zu bekommen, was ich immer wollte“, sagt sie. „Ich flog zu nah an die Sonne heran, und mir wurde klar, dass ich sterben würde, wenn ich weiterflöge“. Das Schicksal von Ikarus und anderen Verdammten verleiht „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ sein beständigstes Thema: die Gefahren des Begehrens. Wie zerstreutes Licht führen seine spektralen Teile die Charaktere des Albums durch Zyklen von Versuchung, Übertretung und Vergeltung. In „Orlando in Love“ - ein Riff auf John Cheevers Riff auf „Orlando Innamorato“, einem unvollendeten Epos, das aus 68 Cantos des Renaissance-Dichters Matteo Maria Boiardo besteht - ist der Held ein gutmütiger Dichter, der sein Winnebago am Meer parkt und dem Ruf einer Sirene zum Opfer fällt, seinem 69. Canto (selbst im erhabenen Reich des klassischen Mythos hat Zauner ein Faible für Anspielungen). „Honey Water“ lotet die stille Wut einer Frau aus, die mit einem untreuen Mann verheiratet ist und zusieht, wie er immer wieder der Lust nachgibt wie ein niederes Insekt, das seinen eigenen Untergang herbeiführt Traurigkeit ist in der Tat die dominierende emotionale Tonart dieser Platte, aber es ist eine Traurigkeit der besonderen Art: die nachdenkliche, vorausschauende Traurigkeit der Melancholie, in der die Erkenntnis des im Wesentlichen tragischen Charakters des Lebens mit Sensibilität für seine flüchtige Schönheit einhergeht. Zauner findet in ihr genügend Raum für Hoffnungsschimmer. Es sind die Tröstungen der Sterblichen, die Dichter vor ihr gerufen haben und die Dichter nach ihr immer wieder neu entdecken werden: Liebe und Arbeit, und obwohl sie sich wie stärkende Vorsätze durch die vielen Episoden des Albums ziehen, erklingen sie am deutlichsten im letzten Song, „Magic Mountain“, einer Auseinandersetzung mit Thomas Manns berühmtem gleichnamigen Roman. Für sie fühlt sich jede Arbeit wie das Erklimmen eines Berges an, aber von der Spitze von „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ aus blickt sie in die Zukunft.

Nach einem Jahrzehnt, in dem die Band das Beste aus improvisierten Aufnahmeräumen in Lagerhäusern, Wohnwagen und Lofts gemacht hat, ist „For Melancholy Brunettes (& sad women)“, das vierte Album von Japanese Breakfast, die erste richtige Studioveröffentlichung der Band. Produziert von Grammy-Preisträger Blake Mills, zieht sich Frontfrau und Songschreiberin Michelle Zauner von der hellen Extrovertiertheit des Vorgängers „Jubilee“ zurück, um die dunkleren Wogen zu erforschen, die in ihrem Inneren aufgewühlt sind, das launische, fruchtbare Feld der Melancholie, das seit langem als der psychische Zustand von Dichtern am Rande der Inspiration gilt. Das Ergebnis ist eine künstlerische Absichtserklärung: ein reifes, komplexes, kontemplatives Werk, das den romantischen Nervenkitzel einer Gothic Novel heraufbeschwört. „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ folgt einer transformativen Periode in Zauners Leben, in der ihr zweifach GRAMMY-nominiertes Durchbruchsalbum ‚Jubilee‘ und ihre Bestseller-Memoiren ‚Crying In H Mart‘ sie in den kulturellen Mainstream katapultierten und ihre tiefsten künstlerischen Ambitionen erfüllten. Als sie über diesen Erfolg nachdachte, erkannte Zauner die Ironie der Sehnsucht, die so oft Glückseligkeit und Verderben miteinander verbindet. „Ich fühlte mich verführt, das zu bekommen, was ich immer wollte“, sagt sie. „Ich flog zu nah an die Sonne heran, und mir wurde klar, dass ich sterben würde, wenn ich weiterflöge“. Das Schicksal von Ikarus und anderen Verdammten verleiht „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ sein beständigstes Thema: die Gefahren des Begehrens. Wie zerstreutes Licht führen seine spektralen Teile die Charaktere des Albums durch Zyklen von Versuchung, Übertretung und Vergeltung. In „Orlando in Love“ - ein Riff auf John Cheevers Riff auf „Orlando Innamorato“, einem unvollendeten Epos, das aus 68 Cantos des Renaissance-Dichters Matteo Maria Boiardo besteht - ist der Held ein gutmütiger Dichter, der sein Winnebago am Meer parkt und dem Ruf einer Sirene zum Opfer fällt, seinem 69. Canto (selbst im erhabenen Reich des klassischen Mythos hat Zauner ein Faible für Anspielungen). „Honey Water“ lotet die stille Wut einer Frau aus, die mit einem untreuen Mann verheiratet ist und zusieht, wie er immer wieder der Lust nachgibt wie ein niederes Insekt, das seinen eigenen Untergang herbeiführt Traurigkeit ist in der Tat die dominierende emotionale Tonart dieser Platte, aber es ist eine Traurigkeit der besonderen Art: die nachdenkliche, vorausschauende Traurigkeit der Melancholie, in der die Erkenntnis des im Wesentlichen tragischen Charakters des Lebens mit Sensibilität für seine flüchtige Schönheit einhergeht. Zauner findet in ihr genügend Raum für Hoffnungsschimmer. Es sind die Tröstungen der Sterblichen, die Dichter vor ihr gerufen haben und die Dichter nach ihr immer wieder neu entdecken werden: Liebe und Arbeit, und obwohl sie sich wie stärkende Vorsätze durch die vielen Episoden des Albums ziehen, erklingen sie am deutlichsten im letzten Song, „Magic Mountain“, einer Auseinandersetzung mit Thomas Manns berühmtem gleichnamigen Roman. Für sie fühlt sich jede Arbeit wie das Erklimmen eines Berges an, aber von der Spitze von „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ aus blickt sie in die Zukunft.

compiled by tsunaki kadowaki
artwork by yoshirotten
mastering by kuniyuki takahashi

Tsunaki Kadowaki, a staff member at Kyoto’s record store Meditations, the supervisor of "New Age Music Disc Guide", and the founder of Sad Disco, curates the fourth installment of "Midnight in Tokyo" themed around Ambient Kayō.

The Midnight in Tokyo series by Studio Mule focuses on Japanese music, serving as a soundtrack for Tokyo nights—whether for home listening, club play, or as a driving BGM, transcending location and space. After a six-year hiatus, the fourth volume takes "Ambient Kayō" as its new perspective, compiling genre-defying tracks released between 1977 and 1999 to explore the intersection of Japanese ambient and pop music.

For this long-awaited fourth installment, selections were made regardless of record label status (major or independent), era, format (vinyl or CD), original release price, or prior reissues. Instead, the focus was on music that deeply moves the listener, is open-minded and evocative, brims with inspiration and spiritual insight, and embodies the "utagokoro" (singing heart) of Japanese artists.

Opening the compilation is "Umi e Kinasai" by Yōsui Inoue, a legendary Japanese singer-songwriter whose works have recently gained renewed interest as hidden gems of Walearic and ambient pop

Composed and arranged by Katsu Hoshi—who is also known for his arrangements on Inoue’s masterpiece Ice World—the track features renowned players such as Masayoshi Takanaka, Hiroki Inui, and Shigeru Inoue. The song embodies a yearning for Balearic horizons, tinged with youthful vibrancy and sentimentality.

Next, "Oritatamu Umi", compiled from Keiko Nosaka, a 20-string koto player, and George Murasaki, a pioneer of Okinawan rock, is an instrumental track from their album "Niraikanai Requiem 1945". As the title suggests, it carries themes of requiem and remembrance, conveying poetic lyricism even without words. Blending Ryukyuan/Okinawan harmonies and indigenous elements, it unfolds as an intimate and nostalgic piece of progressive rock.

Also featured is "Natsu no Kowareru Koro" by Higurashi, a folk-rock band led by Seiichi Takeda, formerly a guitarist of The Remainders of The Clover, the predecessor of RC Succession. Like the opening track "Umi e Kinasai", this song was also produced by Katsu Hoshi. It stands as a folk/new music piece that takes a step into an "otherworldly" realm, recommended for fans of Twin Cosmos and Masumi Hara.

From the enigmatic Blue, the only work left by the mysterious composer S.R. Kinoshita, comes "Mangrove", a hidden treasure of Japan's ambient/new age scene from the CD era. With an oriental and enigmatic atmosphere, the track evokes a mystical world of deep, uncharted jungles, unfolding as an otherworldly New Age Kayō.

"Yaponesia Sakura", selected from Rehabilual’s sole album New Child, is a masterpiece of Japanese new age music. Produced by Swami Dhyan Akamo, a disciple of Indian meditation teacher Osho and a renowned balafon player, the track features Michio Ogawa (Chakra) and Atsuo Fujimoto (Colored Music). Their collective artistry creates an exquisite spiritual ambient pop sound.

"Asa no Hitoshizuku", the opening folk song from Sachiko Kanenobu’s album Sachiko, is also included. Known for her legendary folk album Misora, produced by Haruomi Hosono, Kanenobu’s fourth album after resuming her career was inspired by her experiences living in San Francisco and revolves around the theme of "love." This track carries the same intimate poetic world as Misora, imbued with a pure, crystalline innocence.

From the synth-pop band E.S. Island, known for the Haruomi Hosono-produced *Teku Teku Mami", comes "Yume Fūrin ", selected from their long-lost new age classic Nanpū from Hachijo. Created while the band’s core duo was living in Hachijō Island, the album aimed to sonically capture "the high and happy vibrations of everyday island life." This track offers a dynamic, tribal-infused New Age Kayō experience.

Dubbed "the world's first Min’yō House Mix" "Esashi Oiwake (Maeuta) " comes from Kanazawa Akiko HOUSE MIX Ⅰ, a collaboration between Japanese house music pioneer Soichi Terada and Akiko Kanazawa, a renowned min’yō singer. Through the prism of club music, Hokkaido's Esashi Oiwake, one of Japan’s most iconic folk songs, is transformed into a futuristic ambient pop piece with intricate sound design.

The compilation also includes "Sweet Ong Choh", a track from Voice From Asia, a group active between 1989 and 1992 featuring vocal artist Shizuru Ohtaka. Taken from their imaginative minimal work Voice From Asia, released under Aoyama Spiral’s music label Newsic, the song presents a tranquil, tribal-minimal soundscape enriched by ethnic instruments.

Hailed by Haruomi Hosono as having “a shaman residing in her voice,” singer-songwriter Nami Hōdatsu also appears in the selection. Known for her collaborations with Henry Kawahara, her debut album featured "Asa-Hikari-Ame-Yume", a track that now stands as a precursor to modern vocaloid/synthesized vocal music—a hidden gem of post-choir aesthetics that deserves rediscovery.

Likewise, "Tennessee Waltz", from Naomi Akimoto’s album One Night Stand, supported by members of Mariah, serves as another early prototype of vocaloid/synthesized vocal music. The track weaves fragmented vocal samples, pastoral yet sweetly minimal synth sounds, and mechanical beats into a strikingly unconventional piece in the history of Japanese music.

Closing the compilation is "Heaven Electric", a track from Nav Katze’s album Gentle & Elegance, which featured remixes by Autechre, Seefeel, and Sun Electric. Merging elements of IDM, ambient techno, and chillout, the song embodies an optimism reminiscent of space music while seamlessly blending a mystical Japanese aesthetic—an ambient pop masterpiece.

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The album presents 12 exquisite pop tracks infused with an ambient feeling, resonating deeply with the evolving landscape of the mid-2020s—a time of post-hyperpop and Y2K revival.

Tsunaki Kadowaki (Compiler)

Born in 1993 in Yonago, Tottori, Tsunaki Kadowaki is a staff member and buyer at Kyoto’s Meditations record store. He is the editor of New Age Music Disc Guide (DU BOOKS) and a contributor to Music Magazine, Record Collectors' Magazine, ele-king, and more. Kadowaki has written liner notes for multiple Japanese releases (Brian Eno, Masahiro Sugaya etc.) and runs the Sad Disco music label under Disk Union. He also curates Spotify’s official New Age Music playlist and performed as a DJ at YCAM’s Audio Base Camp #3 in 2024.

Der Einstieg in die Musik von Q Lazzarus erfolgte für fast alle über „Goodbye Horses“. Der Song tauchte erstmals 1988 in Jonathan Demmes „Married to the Mob“ auf, aber er sollte sich erst dann vollständig im Bewusstsein der Menschen verankern, als er 1991 in Demmes „The Silence of the Lambs“ wieder auftauchte. „Goodbye Horses“ fühlte sich an wie ein in sich geschlossenes Universum - traumhaft und völlig ungewöhnlich, ein sofortiger Klassiker, der die Zuhörer fesselte und neugierig auf die geheimnisvolle Stimme dahinter machte. Diese Stimme gehörte Diane Luckey, einer einzigartig talentierten Künstlerin, deren Musik ihrer Zeit voraus war und die letztlich zu Lebzeiten weitgehend unerkannt bleiben sollte. In Verbindung mit der Veröffentlichung des Dokumentarfilms „Goodbye Horses: The Many Lives of Q Lazzarus“ von Aridjis Fuentes veröffentlicht Sacred Bones eine Sammlung von Songs, die die gesamte Karriere von Q abdecken und die verschiedenen Epochen ihres Schaffens und die ganze Bandbreite ihrer Persönlichkeit zeigen. „Goodbye Horses“ ist die erste Musiksammlung, die den Segen von Qs verbliebener Familie erhalten hat, und hat die Besonderheit, ihre erste und einzige Albumveröffentlichung in voller Länge zu sein. Aufgenommen zwischen 1985 und 1995, spiegelt diese Fundgrube bisher unveröffentlichter Musik einige der interessantesten Facetten der Popmusik der letzten vier Jahrzehnte auf eine Weise wider, die sowohl versiert als auch wild eklektisch wirkt Das titelgebende „Goodbye Horses“ bleibt ein einzigartiges Stück gespenstischer New-Wave-Perfektion, und man könnte sich ein ganzes Q-Lazzarus-Album vorstellen, das sich um diese Ästhetik dreht, aber ähnlich den Gesangsikonen Alison Moyet, Annie Lennox oder Lisa Gerrard eignet sich Qs chamäleonhafte Stimme perfekt für eine Vielzahl von Stilen und Settings. Ihre Coverversion von Talking aHeads' „Heaven“ verwandelt den Song in eine aus voller Kehle gesungene Power-Ballade mit klimpernden Klavierverzierungen, während ihre Interpretation von Gershwins „Summertime“ wie eine dubbige Club-Reduktion klingt, die zu einem Grace Jones Stück der Nightclubbing-Ära hätte passen können. Tracks wie „My Mistake“ und „Hellfire“ flirten mit House-Musik und zeigen, wie frech und glockig Qs Stimme sein kann, wenn sie sich richtig austobt, während „Don't Let Go“ wie eine bombastische Radiosingle klingt, die Cher vor einigen Jahrzehnten hätte veröffentlichen können. Andere Songs wie „Bang Bang“ und „I See Your Eyes“ sind von einer gitarrenbetonten Alt-Rock-Sensibilität, die in einem Paralleluniversum auch auf MTVs 120 Minutes Show hätte laufen können. „Goodbye Horses“ verkörpert das Potenzial für so viele verschiedene Arten von Karrieren, die, aus welchen Gründen auch immer, nie vollständig verwirklicht wurden. Dass wir jetzt diese Songs in der Welt haben und ein klareres Bild von der Person dahinter, ist nichts weniger als ein Segen.

Die finnischen Melodic-Death-Senkrechtstarter Horizon Ignited läuten mit „Tides“ eine beeindruckende neue Ära ein. Bühne frei für ein kolossales Album, ein Werk mit der Kraft, den Kurs eines stagnierenden Genres für immer zu ändern. Die südfinnische Brigade aus Kouvola hat sich seit ihrer Gründung 2017 hohe Ziele gesteckt. Nach zwei viel gelobten Alben kehren Horizon Ignited jetzt mit den kolossalen Hymnen von „Tides“ zurück.

Die finnischen Melodic-Death-Senkrechtstarter Horizon Ignited läuten mit „Tides“ eine beeindruckende neue Ära ein. Bühne frei für ein kolossales Album, ein Werk mit der Kraft, den Kurs eines stagnierenden Genres für immer zu ändern. Die südfinnische Brigade aus Kouvola hat sich seit ihrer Gründung 2017 hohe Ziele gesteckt. Nach zwei viel gelobten Alben kehren Horizon Ignited jetzt mit den kolossalen Hymnen von „Tides“ zurück.

Seit ihrem Debüt als Brijean hat sich das Projekt der Schlagzeugerin/Singer-Songwriterin Brijean Murphy (der perkussive Herzschlag für Live-Bands wie Mitski, Poolside und Toro y Moi) und des Multiinstrumentalisten/Produzenten Doug Stuart mit Einfallsreichtum bewegt und Psych-Pop-Abstraktion mit Dancefloor-Sensibilität verschmolzen. Durch Körper und Geist, Rhythmus und Lyrik geben sie den Welten um sich herum und in ihrem Inneren einen Sinn. Das Album "Feelings" von 2021 zelebrierte die Selbstreflexion, die EP "Angelo" von 2022 verarbeitete persönlichen Verlust und fiel mit der ersten Headliner-Tour des Duos zusammen. "Macro", das im Juli 2024 auf Ghostly International erscheint, ist das zusammenhängendste, dynamischste, kollaborativste und songorientierteste Werk von Brijean. Hierzu holte sich die Band verschiedene Gastmusiker in ihr Wohnzimmer in LA, mit dabei sind u.a. Chris Cohen und Khruangbins "DJ" Johnson Jr.. Farbenfroh, kollaborativ, anspruchsvoll und mit viel Spaß belebt das Album einen Makrokosmos mit Charakteren, Stimmungen und Standpunkten, die in der Vorstellung verwurzelt sind, dass kein Gefühl endgültig ist und der einzige Ausweg ein Durchgang ist.

Das aufstrebende "Death Pop"-Trio Corlyx wird sein bisher ambitioniertestes Projekt veröffentlichen: Purple Pain. Das Doppelalbum, das am 14. Februar 2025 via Out Of Line Music erscheint, ist eine tiefgreifende, 19 Tracks umfassende Erkundung von allem, was die Band an der dunklen Seite der Musik liebt. Mit Einflüssen, die von 80er Jahre Synthpop und Post-Punk bis hin zu Darkwave und Alt-Rock reichen, ist Purple Pain ein spannendes Mosaik des Goth Genres. Ursprünglich aus Los Angeles stammend, leben Corlyx heute zwischen Großbritannien und Italien und bestehen aus der Singer-Songwriterin Caitlin Stokes, dem Gitarristen/Produzenten Brandon Ashley und dem Bassisten Davide Rocco. Über Touren in Europa, Großbritannien und den USA mit Blutengel, Twin Tribes, Double Echo und Unzucht sowie die Zusammenarbeit mit Künstlern wie Lord Of The Lost, Massive Ego und Ashbury Heights haben sich Corlyx schnell eine solide Fan Base erspielt. Mit ihrem 3. Studioalbum "Purple Pain" werden Corlyx die Welt der dunklen Musik im Sturm erobern und die Band in ihrer kreativsten und gewagtesten Form präsentieren. “Purple Pain - ja, eine Anspielung auf Prince - ist der Höhepunkt jahrelanger Experimente mit den Gothic-Genres, die wir so lieben", sagt Sängerin Caitlin Stokes. "Es ist emotional, sinnlich und kreativ, aber auch ein bisschen gruselig, kitschig und lustig. Goth kann all diese Dinge auf einmal beinhalten." Das Album enthält sowohl sehr persönliche Stücke wie Death Is The Beginning - eine ergreifende Reflexion über Caitlins Verlust ihrer Mutter - als auch ansteckende Dancefloor-Hymnen und entfaltet sich wie ein Film, der den Hörer durch seine dramatischen Höhen und melancholischen Tiefen trägt. Für Gitarrist Brandon Ashley war der kreative Prozess für Purple Pain ebenso natürlich wie aufregend. "Als wir mit dem Schreiben anfingen, sprudelten die Songs einfach aus uns heraus, wir konnten nicht aufhören. Caitlin schlug vor, noch weiter zu gehen und ein Doppelalbum zu kreieren. Diesmal haben wir mehr von meinen 70er-Jahre-Rock-Einflüssen aufgenommen und unserem typischen Sound eine gewisse Blues-Note hinzugefügt." Die auf 12 Tracks limitierte Vinyl-Edition komprimiert das Album zu einem einzigartigen Meisterwerk aus Goth-Hits, während die Doppel-CD den vollständigen Umfang des Albums offenbart. Merkt Euch also den 14. Februar vor und macht Euch bereit für Purple Pain - eine genreübergreifende, dunkle und gleichzeitig unterhaltsame Reise von Corlyx; einer Band, die neu definiert, was es bedeutet, Goth zu sein.

Mit ihrer beeindruckenden Technik und sensiblen Musikalität gehört die deutsch-japanische Pianistin Alice
Sara Ott zu den weltweit führenden Interpreten.
Auf ihrem neuen Album „John Field ff Complete Nocturnes“ widmet sich Ott den Kompositionen von John
Field: „Für mich war die Auseinandersetzung mit den Nocturnes eine große persönliche Bereicherung: Sie
berühren mich zutiefst mit ihrer Schönheit und Anmut.“
Von seinen Zeitgenossen (Chopin, Liszt, Schumann) hochgelobt, sind John Fields Nocturnes heute weitgehend unbekannt.
“Ich hoffe, mit dieser Gesamteinspielung der Nocturnes, die damit auch schließlich im Katalog der Deutschen
Grammophon präsent ist, vielleicht ein paar Menschen dazu zu bewegen, die Musik von John Field zu entdecken – dem Mann, der uns das Nocturne vermacht hat.”

Thme is the alias of Paris-based musician Théo Martin. He has released numerous albums on labels such as Seil Records, Vaagner, and Lontano Series, along recent collaborations with artists Agyt and Lamasz.

Anti Atlas is Théo’s first solo work in two years, and his first release on vinyl and cd. The use of magnetic tape remains central to his creative process, enabling him to infuse the sound with a sense of fragility and vulnerability, despite its inherent unpredictability. Feedback loops, emerging from the interactions between tape recorders, served as the guiding principle throughout the entire recording. Longing, heartfelt aspirations, and the quiet hope that keeps us reaching for what lies ahead.

Vintage-Pariser Jazz. Vintage-Pariser Ambiente. Paris hat schon immer Jazzmusiker aus aller Welt in seine Clubs & Cafés gelockt. Paris ist insbesondere die spirituelle Heimat des Gypsy-Jazz, wo viele Jazzmusiker in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts in den Bals-Musettes der Stadt spielten. Django Reinhardt machte sich in den 1930/40ern mit dem Geiger Stéphane Grappelli und seinem Quintette du Hot Club de France einen Namen, ebenso wie mit den Bands von Alex Renard, Alix Combelle, Ray Ventura, Claude Bolling und Jerry Mango. Dieser LP-Sampler gibt einen hervorragenden Überblick über die damalige Szene, als kurz nach dem Krieg die Viertel Saint-Germain des Prés und Latin zahlreiche berühmte Jazzclubs beherbergten. Alle Tracks wurden remastert.

The music of the Asgard season embodies an epic spirit reminiscent of Norse mythology, intertwining gods and legends.

Hyôga answers Saori's call, alarmed by an imminent danger. Before he can act, however, Saori is attacked by a divine warrior from Asgard, acting under the orders of Hilda of Polaris. Athena then travels to Asgard, setting the stage for a confrontation. To save humanity, she halts the melting of the ice, but only for half a day. During this brief window, Seiya and his companions face off against the seven divine warriors of Asgard to retrieve the Odin sapphires and free Hilda from the Nibelungen ring.

This vinyl adapts the second arc of the series, the Asgard arc, which is original to the anime and does not appear in the manga.
Melancholy, suspense, menace, sadness, hope, epicness—these are just some of the words that could describe the myriad sensations and emotions evoked by the great Seiji Yokoyama's music, enough to give chills to the most devoted fans of the series.

"Never Exhale" ist der Sound einer Band, die keine Atempause einlegt. DITZ sind seit der Veröffentlichung ihres ersten Albums "The Great Regression" (2023) unermüdlich auf Tour. Die Songs ihres neuesten Angebots wurden in ganz Europa geschrieben, oft an freien Tagen und in geliehenen Proberäumen. Man könnte sagen, dass die Band das Aufnehmen und Veröffentlichen von Musik als nachträglichen Einfall betrachtet. Oft spielen sie Songs Jahre vor der Veröffentlichung live und optimieren sie dabei. Die Songs auf der endgültigen Platte können sich ändern, bevor sie jemals als Teil des Albums zu hören sind.

"Never Exhale" wurde grösstenteils in den Holy Mountain Studios in London während eines eiskalten Januars aufgenommen. Der Prozess war voller Hindernisse, da der ursprüngliche Plan, in Rhode Island aufzunehmen, durch das Angebot einer Support-Tour mit IDLES aufgegeben wurde, obwohl das Album immer noch vom ursprünglich vorgesehenen Toningenieur Seth Manchester (Model/Actriz, Lingua Ignota, Big Brave) gemischt wurde. Das Ergebnis ist ein Werk, das durch den Druck seiner eigenen Entstehung gehärtet wurde. Mühsam, aber nicht geliebt.

Die Themen der LP offenbaren sich beim wiederholten Anhören. Von der Erkundung dessen, wie es wäre, seinen Einfluss auf die Welt abzuwägen, dem heiligen Petrus, unnötigem Hass und Spaltung, Altern, der Trennung des Physischen von der Realität. Es ist politisch, aber letztendlich persönlich. Mehr Genet oder Kafka als Orwell oder Huxley. Soundtechnisch hat "Never Exhale" seine Wurzeln in den üblichen DITZ-Einflüssen, klassischem Noise-Rock wie The Jesus Lizard oder Shellac oder dem stumpfen Post-Punk von The Fall, bringt aber auch frische Einflüsse ein. Der letzte Track "Britney" könnte mit Radiohead oder Mogwai verglichen werden. Insgesamt ist das neue Album eine klare Weiterentwicklung ihres Debüts. Und ein Zeichen der Dinge, die kommen werden.

"Never Exhale" ist der Sound einer Band, die keine Atempause einlegt. DITZ sind seit der Veröffentlichung ihres ersten Albums "The Great Regression" (2023) unermüdlich auf Tour. Die Songs ihres neuesten Angebots wurden in ganz Europa geschrieben, oft an freien Tagen und in geliehenen Proberäumen. Man könnte sagen, dass die Band das Aufnehmen und Veröffentlichen von Musik als nachträglichen Einfall betrachtet. Oft spielen sie Songs Jahre vor der Veröffentlichung live und optimieren sie dabei. Die Songs auf der endgültigen Platte können sich ändern, bevor sie jemals als Teil des Albums zu hören sind.

"Never Exhale" wurde grösstenteils in den Holy Mountain Studios in London während eines eiskalten Januars aufgenommen. Der Prozess war voller Hindernisse, da der ursprüngliche Plan, in Rhode Island aufzunehmen, durch das Angebot einer Support-Tour mit IDLES aufgegeben wurde, obwohl das Album immer noch vom ursprünglich vorgesehenen Toningenieur Seth Manchester (Model/Actriz, Lingua Ignota, Big Brave) gemischt wurde. Das Ergebnis ist ein Werk, das durch den Druck seiner eigenen Entstehung gehärtet wurde. Mühsam, aber nicht geliebt.

Die Themen der LP offenbaren sich beim wiederholten Anhören. Von der Erkundung dessen, wie es wäre, seinen Einfluss auf die Welt abzuwägen, dem heiligen Petrus, unnötigem Hass und Spaltung, Altern, der Trennung des Physischen von der Realität. Es ist politisch, aber letztendlich persönlich. Mehr Genet oder Kafka als Orwell oder Huxley. Soundtechnisch hat "Never Exhale" seine Wurzeln in den üblichen DITZ-Einflüssen, klassischem Noise-Rock wie The Jesus Lizard oder Shellac oder dem stumpfen Post-Punk von The Fall, bringt aber auch frische Einflüsse ein. Der letzte Track "Britney" könnte mit Radiohead oder Mogwai verglichen werden. Insgesamt ist das neue Album eine klare Weiterentwicklung ihres Debüts. Und ein Zeichen der Dinge, die kommen werden.

The essence of Mina in a timeless vinyl. With "Sentimentale", Italy's most iconic artist enchants once again with a remastered collection that celebrates love in all its forms. This refined selection takes us on an emotional journey through unforgettable tracks that marked the early successes of her extraordinary career. Among the gems of this collection are "Il cielo in una stanza", the absolute symbol of Italian music, "Un Tale", rich with mystery and intensity, "Le Tue Mani", a tribute to the sweetness of touch, and of course, the beautiful title track "Sentimentale", which captures the soul with its profound poetry. This collection is more than just music: it is a journey through Mina's history, an invitation to rediscover the unique talent that defined an era and continues to inspire generations. "Sentimentale" is not just a vinyl; it is a piece of history to cherish, a timeless celebration of a voice that has touched the hearts of millions.

Das achte Album der Punkrock-Gruppe Turbostaat: Wo sonst Möwen und Wattenmeer waren, sind jetzt Tauben und Beton

Junger Punk steht breit lächelnd in kahler Raumecke vor zerschlissener Tonbandmaschine; kurzgeschorene, blondierte Haare, schnittige Sonnenbrille mit dünnen Metallbügeln, angejahrte Lederjacke über buntem Flanellhemd; Trainspotting-Ästhetik. Beschriebenes Foto ist gewiss kein typisches Albumcover-Motiv - und doch ziert es das Cover vom neuen, achten Studioalbum der Husumer, Hamburger, Berliner Band Turbostaat. Der Mann im Zentrum des angegilbten Schnappschusses? Turbostaat-Stammproduzent und Toningenieur Moses Schneider in seinen späten Zwanzigern; oder in seinen frühen Dreißigern - jedenfalls in einem Lebensabschnitt vor Kamillentee und Hochglanz-Equipment. Dreck, Wut, Tatendrang, Aufbruchsstimmung, rotziger Pessimismus, unverhohlen grantiger Punk-Geist - das sind die Parallelen zwischen jenem Foto und der Platte, die es bebildert. Sie hört mit Fug und Recht auf den Namen 'Alter Zorn', klingt mehr nach Stunde null als nach Spätwerk-LP und probt - anstatt friedfertig zu umarmen - den unsanft aufrüttelnden Würgegriff.

Okay, geschenkt: Friedfertig umarmt haben Turbostaat ihre Hörer*innen auf musikalischer Ebene Zeit ihres Bestehens ohnehin nie. Da war immer mehr Understatement und nordfriesische Nüchternheit als Charmeoffensive oder Frohmut, immer mehr Sehnsucht als Wohlbehagen, immer mehr Krach, wirre Worte und bärbeißige Mine zum bösen Spiel als gut gelaunter Humbug. Turbostaat-Musik, das ist Punkrock, dem Wattenmeer-Nebel in den Lungen hängt - seitdem sich die Band 1999 in der schleswig-holsteinischen Provinz formiert hat und auch ein Vierteljahrhundert später.

Wo sonst Möwen, Wattenmeer-Nebel und graue Weiten waren, verdecken nun Taubenschwärme, endzeitlich versmogte Betonburgen und eine gottverdammte Bismarck-Statue, die dem Szeneviertel ihren metergroßen Arsch entgegenstreckt, die Sicht auf alles Schöne. 'Alter Zorn' blickt auf die »Affenstraße«, auf verwahrloste Eckkneipen, in der sich düstere Schatten stapeln, auf »Ruinen zwischen Glas und Stahl«, auf Metropolen voll »greller Sommerkotze« und Spiegelscherben, die immer enger werden - und nur selten starr auf’s offene Meer. Was den schwammigen Protagonist*innen des Turbostaat-Universums dennoch geblieben ist, ist die bohrende Einsamkeit - dieses wütend-resignierte Gefühl, es nicht zustandezubringen, »hier mitzumarschieren«. 'Alter Zorn' zeichnet eine Dystopie - eine Welt zwischen Novembergicht und Hitzestau, in der sich tote Schwäne im Graben stapeln, Panzer rollen, die Luft knapp wird, Obdachlose die Straße umarmen, alle alles mit Karte bezahlen, in Ledersitzen zittern, die Laune im Arsch und überhaupt »wirklich Sense« ist.