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"Ich möchte lieben und geliebt werden, aber ich will mich auch frei fühlen. Die Spannung zwischen diesen beiden Dingen ist die zentrale Frage meines Lebens", sagt Julia Jacklin - und genau diese Ambivalenz durchzieht ihr viertes Album The Gem. Nach ihrem Umzug nach Melbourne 2017 fand Jacklin in einer kleinen Bar namens The Gem einen Ort der Selbstfindung - ein Sinnbild, das dem neuen Album seinen Namen gibt. Acht Jahre später, nach den hochgelobten Erfolgen ihrer ersten drei Platten - Don"t Let the Kids Win (2016), Crushing (2019) und PRE PLEASURE (2022) - schlägt sie ein neues Kapitel auf: Erstmals veröffentlicht sie bei dem renommierten, stilprägenden Label 4AD, das seit Jahrzehnten für künstlerische Vision und ikonische Indie-Veröffentlichungen steht. Ohne äußeren Druck und frei von Erwartungen schuf Jacklin in Melbourne ihr bislang persönlichstes Werk. The Gem entstand im engen Kreis vertrauter Musiker:innen und entwickelte sich über Monate hinweg - ein intensiver Prozess, geprägt von Selbstreflexion, Zweifel und dem Mut, eigene Entscheidungen kompromisslos zu vertreten. Songs wie "Brand New" oder "Real Life" wurden dabei grundlegend neu gestaltet, bis sie sich ehrlich und richtig anfühlten. Der eröffnende Track "Brand New" setzt ein elektrisches Statement zwischen Aufbruch und Selbsttäuschung, während Stücke wie "God Sometimes" oder "The Hardest Thing" von Selbstbestimmung, Verlust und innerem Wachstum erzählen. Klanglich erweitert Jacklin ihre bisherigen Indie- und Folk-Ansätze um kraftvollere, teils nahezu hymnische Momente. Auch die besondere Aufnahmeumgebung - ein Studio über einer lebhaften Kneipe - prägt den Sound: roh, direkt und atmosphärisch dicht. Mit The Gem gelingt Julia Jacklin eine eindringliche Rückkehr zu sich selbst. Zugleich knüpft sie an die Stärke ihrer bisherigen Alben an und entwickelt ihren Sound konsequent weiter - ein weiterer Beweis dafür, warum sie zu den prägendsten Stimmen des modernen Indies zählt.

Als Dublins Gurriers 2024 ihr Debütalbum Come And See veröffentlichten, bewiesen sie eindrucksvoll, dass sie eine der drängendsten und unüberhörbaren neuen Stimmen der boomenden irischen Punk-Szene sind. Seitdem haben sie sich mit knochenerschütternden, moshpit-tauglichen Live-Shows einen stetig wachsenden Ruf erarbeitet. Come And See stellte dabei auch ihre lyrische Stärke und ihren neugierigen, gesellschaftskritischen Blick in den Vordergrund – mit Songs über digitale Verlorenheit und die ganz realen Schrecken der modernen Welt.
Das grandiose zweite Album des Quintetts heißt Nobody's Coming To Save You – könnte aber ebenso gut den Untertitel „härter, besser, schneller, stärker" tragen. Es wird am 25. September auf Play It Again Sam veröffentlicht.

Aufgenommen in Donegals Attica Studios und den Holy Mountain Studios in London, produziert von Mark Bowen (Idles) und Loren Humphrey (Geese, Cameron Winter), engineered von Chris Fullard (Idles, Sunn O)))) und gemixt vom weltbekannten John Congleton (St. Vincent, Modest Mouse, Swans) – allein das Team, das sich für LP2 zusammengefunden hat, spricht Bände. Gurriers nehmen alles, was sie von Anfang an großartig gemacht hat – die musikalische Chemie, den klugen, analytischen Blick auf die Welt – und schrauben es konsequent auf das nächste Level.

Von der vibrierenden Spannung der ersten Takte des Titeltracks, die sich in einem kakophonischen, kathartischen Finale entlädt, bis zum Ende: Nobody's Coming To Save You überführt den Geist des schwitzenden Kellerclubs in Stadiondimensionen. Das Album ist nicht nur laut – es ist dynamisch. „Shades" schickt industrielle, kantige Gitarrensplitter in einen brachial-rohen Hardcore-Chorus; „Drones" ist ein druckvolles, langsames Aufbäumen mit einem Drop, der jeden Moshpit zum Kollabieren bringt. „Pins" zeigt eine lässigere, melodischere Seite – irgendwo zwischen Grunge und Trip-Hop –, während „Party Lines" pure, unersättliche Dance-Punk-Ekstase ist. Wer sich fragt, ob die Band ihr Ziel erreicht hat, das Album „wie eine Ohrfeige" wirken zu lassen: Ja, die sitzt.

Mit Nobody's Coming To Save You haben Gurriers ihre Ambitionen in neue Höhen getrieben – und liefern dabei auf ganzer Linie.

Als Dublins Gurriers 2024 ihr Debütalbum Come And See veröffentlichten, bewiesen sie eindrucksvoll, dass sie eine der drängendsten und unüberhörbaren neuen Stimmen der boomenden irischen Punk-Szene sind. Seitdem haben sie sich mit knochenerschütternden, moshpit-tauglichen Live-Shows einen stetig wachsenden Ruf erarbeitet. Come And See stellte dabei auch ihre lyrische Stärke und ihren neugierigen, gesellschaftskritischen Blick in den Vordergrund – mit Songs über digitale Verlorenheit und die ganz realen Schrecken der modernen Welt.
Das grandiose zweite Album des Quintetts heißt Nobody's Coming To Save You – könnte aber ebenso gut den Untertitel „härter, besser, schneller, stärker" tragen. Es wird am 25. September auf Play It Again Sam veröffentlicht.

Aufgenommen in Donegals Attica Studios und den Holy Mountain Studios in London, produziert von Mark Bowen (Idles) und Loren Humphrey (Geese, Cameron Winter), engineered von Chris Fullard (Idles, Sunn O)))) und gemixt vom weltbekannten John Congleton (St. Vincent, Modest Mouse, Swans) – allein das Team, das sich für LP2 zusammengefunden hat, spricht Bände. Gurriers nehmen alles, was sie von Anfang an großartig gemacht hat – die musikalische Chemie, den klugen, analytischen Blick auf die Welt – und schrauben es konsequent auf das nächste Level.

Von der vibrierenden Spannung der ersten Takte des Titeltracks, die sich in einem kakophonischen, kathartischen Finale entlädt, bis zum Ende: Nobody's Coming To Save You überführt den Geist des schwitzenden Kellerclubs in Stadiondimensionen. Das Album ist nicht nur laut – es ist dynamisch. „Shades" schickt industrielle, kantige Gitarrensplitter in einen brachial-rohen Hardcore-Chorus; „Drones" ist ein druckvolles, langsames Aufbäumen mit einem Drop, der jeden Moshpit zum Kollabieren bringt. „Pins" zeigt eine lässigere, melodischere Seite – irgendwo zwischen Grunge und Trip-Hop –, während „Party Lines" pure, unersättliche Dance-Punk-Ekstase ist. Wer sich fragt, ob die Band ihr Ziel erreicht hat, das Album „wie eine Ohrfeige" wirken zu lassen: Ja, die sitzt.

Mit Nobody's Coming To Save You haben Gurriers ihre Ambitionen in neue Höhen getrieben – und liefern dabei auf ganzer Linie.

Manchmal reicht ein Sommer, um zu zeigen, wohin die Reise geht. Fruchtiger Beigeschmack haben ihren nicht nur angekündigt, sie bespielen ihn gerade und begeistern dabei: 300.000 Streams in nur acht Wochen, zehntausende neue Fans auf den sozialen Netzwerken, ein ausverkauftes Releasekonzert, eine Zusatzshow mit Milla im September, die ebenfalls fast ausverkauft ist, ein Support-Slot vor 6.000 Menschen bei ZAZ in München, viele Festivals - und mittendrin "Löschzug", den die TAZ zum "linken Sommerhit des Jahres" erklärt hat. Auf den Socials wird das Trio gerade zur Band, über die man spricht, bevor man sie überhaupt gehört hat. Klare Haltung, großartige Songs, eine Band, die Musikfans begeistert, weil sie so ein wohltuender Gegenentwurf zum sonst vorherrschenden oder zumindest gefühlten Sound-Einheitsbrei im Netz darstellt. Jetzt kommt das Debüt, das all das einfängt: "Fast schon gut ist nicht schlecht" - die Debüt-EP von Fruchtiger Beigeschmack, erscheint bei superpolrecords. Ein Titel mit Understatement, der genau das Gegenteil meint. Fünf Songs, die Indie-Songwriting und Jazz-Offenheit zusammenbringen, ohne sich in Genreschubladen zu verlieren. Die wirbelnde Frontfrau Milena vorne, mit Texten, die nicht ausweichen und längst nicht nur der GenZ aus dem Herzen sprechen. Levi und Felix, die dem Ganzen Raum und Reibung geben, vorgetragen mit unbändiger Spielfreude, die sowohl auf Platte, aber vor allem live zündet. Das ist keine Band, die auf den Durchbruch wartet - sie ist bereits mittendrin, und die Zahlen sprechen für sich: Hunderttausende Streams, ausverkaufte Shows, ein Sommerhit im Feuilleton. "Fast schon gut ist nicht schlecht" ist der Beweis auf Vinyl - das Debüt einer Band, die längst mehr ist als ein Geheimtipp. Diese Zeit braucht einfach einen fruchtigen Beigeschmack.

"Die Neuauflage zum 10-jährigen Jubiläum: Feiern Sie zehn Jahre „Ojos Del Sol“, das gefeierte Album von Y La Bamba aus dem Jahr 2016, das nun um den neuen Song „Sin Tu Amor“ erweitert und von Adam Gonsalves remastert wurde. Das Album, das von NPR zu einem der 50 besten Alben des Jahres 2016 gekürt wurde, fängt Luz Elena Mendozas einzigartige Stimme an einem strahlenden Wendepunkt ein. NPR lobte Mendoza als „eine der innovativsten und spannendsten jungen Sängerinnen der Szene“, während KEXP das Album später als „ein Werk voller Poesie, Erinnerung und Heilung“ bezeichnete. Ab sofort als limitierte Auflage von 1.000 Exemplaren auf 180 g schwerem, splatterfarbenem Vinyl vorbestellbar, inklusive eines von Luz entworfenen Posters im Format 18x24. Sichern Sie sich Ihr Exemplar, bevor sie vergriffen sind.


Im September auf Tour mit Hermanos Guitierrez.


Thu, Sep 24, 2026 - Vancouver, BC - Queen Elizabeth Theatre Sun, Sep 27, 2026 - Woodinville, WA - Chateau Ste. Michelle Winery Tue, Sep 29, 2026 - Portland, OR - Arlene Schnitzer Concert Hall Sat, Oct 3, 2026 - Denver, CO - Mission Ballroom Mon, Oct 5, 2026 - Albuquerque, NM - Popejoy Hall Sun, Oct 18, 2026 - Austin, TX - Moody Amphitheater Tue, Oct 20, 2026 - Dallas, TX - South Side Ballroom Wed, Oct 21, 2026 - Houston, TX - The Lawn at White Oak"

Die zweifache BRIT Award Gewinnerin Becky Hill wird am 25. September ihr mit Spannung erwartetes
drittes Album „REBECCA“ veröffentlichen.
„REBECCA“ wurde während einer Phase intensiver persönlicher und künstlerischer Reflexion geschrieben
und zeigt Becky dabei, wie sie sich mit Ehrgeiz, Identität, Sichtbarkeit und den Widersprüchen ihres Lebens
auseinandersetzt. Dies geschieht aus einer Haltung größerer Offenheit und kreativer Freiheit heraus. Im
Verlauf des Albums untersucht sie mit Klarheit, Humor und schonungsloser Ehrlichkeit die Spannung zwischen Verlangen und Selbstschutz. Das Ergebnis ist ihr bislang mutigstes und emotional aufgeladenstes
Werk.
Von Becky als „kuratiertes Chaos“ beschrieben, markiert „REBECCA“ außerdem eine bedeutende Weiterentwicklung ihres Sounds. Das Album zeigt, wie sie sich wieder mit den vielfältigen Einflüssen verbindet, die
ihre frühe musikalische Identität geprägt haben, und dabei Inspiration aus Gitarrenmusik ebenso aufgreift
wie aus den Dance und Drum & Bass Grundlagen, die ihre Karriere definiert haben. „REBECCA“ verbindet
diesen Zusammenprall unterschiedlicher musikalischer Welten mit kraftvoller Electro Produktion, alternativen Einflüssen und euphorischen elektronischen Sounds zu einem Album, das sich zugleich weitläufig und
unvorhersehbar anfühlt.

Vier Frauen, ein Schlagzeuger und ein Haufen richtig guter Songs - das sind THE NAGGS aus Düsseldorf. Die fünf wissen, was sie tun, waren bzw. sind sie doch schon u.a. bei Family 5, The Boonaraaas, Nichts und Beat Martin höchst aktiv. Mit ihrer ersten EP (gigital & Tape) sorgten sie 2023 bereits für Aufsehen und spielen seitdem umtriebig live, jetzt erscheint das erste Album "THE NAGGS GENERATION" auf Vinyl (und digital)! Die Band macht genau das, was gute Musik machen soll: schlechte Laune unmöglich und Stillsitzen ziemlich schwer. Powerpop, Punk und Rock'n'Roll - alles drin. Ihr Sound-Mix: 78 % garagiger Powerpop, 22 % Bubblegum Trash und irgendwo dazwischen ein extra Quäntchen billiger Lippenstift am Kragen. Wer auf dreckige Gitarren, eingängige Melodien, 60s Garage/Beat Flair und jede Menge Energie steht, sollte hier laut aufdrehen. 11 Songs inklusive der Singles "Not Her Fate" und "Tout Les Nuits"

Die in London lebende schwedische Künstlerin Josefin Öhrn (Ex-Mitglied der Grammy-nominierten Band Josefin Öhrn & The Liberation) veröffentlicht mit "Cherry" ihr Solodebütalbum, das sie mit den Gastsängern Bobby Gillespie (Primal Scream) & Anton Newcombe (The Brian Jonestown Massacre) sowie Andy Bell (Ride) an der Gitarre aufnahm. "Cherry" ist Josefins bislang persönlichstes und eigenständigstes Album. Es widmet sich Themen wie Neuanfang, Begehren, Liebe und Trauer und reiht sich so in eine neue musikalische Strömung ein – ähnlich Robyn ("Sexistential") und Lykke Li ("The Afterparty") -, in der weibliche Erfahrungen offen und ohne Scham in farbenfroher Aufrichtigkeit geschildert werden. Solche Alben zeugen von einer faszinierenden Phase roher, intensiver und tiefgreifend transformativer Selbstverwirklichung. Obwohl "Cherry" musikalisch an den hypnotischen Psychedelic-Rock ihrer Ex-Band erinnert, sind die Arrangements, Strukturen und der Mix weniger avantgardistisch und orientieren sich eher an der entspannten Atmosphäre von Künstlern wie Kurt Vile, Lana Del Rey oder Natalie Bergman. Klare Melodiebögen und Josefins Stimme – intim, magnetisch und unerschütterlich – stehen im Vordergrund und verleihen dem Album seine eindringlich-emotionale Unmittelbarkeit. Josefin bat persönlich Kalle Jerneholm Gustavsson (Soundtrack Of Our Lives), mit dem sie bereits früher zusammenarbeitete, das Album zu produzieren.

The Go-Betweens zählen zu den beliebtesten und einflussreichsten australischen Bands aller Zeiten und galten als die Kultband schlechthin. Während ihrer vielfach gefeierten Karriere bewahrten sie eine außergewöhnliche künstlerische Konstanz und schufen Jahr für Jahr Musik auf dem Niveau der besten zeitgenössischen Künstler. Dies war das sechste Album der Band. Laut Record Collector gilt es "nahezu einhellig als die Sternstunde von The Go-Betweens" und wurde sogar als das "Indie-Rumours" bezeichnet. Die zehn wunderschönen Stücke des Albums sind allesamt Liebeslieder; das Werk wurde als Beispiel "romantischer Kunstfertigkeit" beschrieben. Der legendäre Musikkritiker Robert Christgau nannte es: "die geradlinigste und eingängigste Sammlung von Liebesliedern, die sie jemals hervorgebracht haben". Das Album wurde außerdem in das Buch 1001 Albums You Must Hear Before You Die aufgenommen. Robert Forster beschrieb es als: "die perfekte Verbindung aus Londoner Melancholie und Sydneyer Sonnenschein."

Montréal-based sound artist Steve Bates expands his strategies and stylistic influences on An Infinite Antenna, his second solo album for Constellation, giving freer reign to melodic components and textural dynamics: leftfield synth work, deconstructed drum machine, pointillist electric guitar, and radiostatic blur are all part of the new brew swirling around his bruitist signal-bending and field-recording sensibility. Arguably a more ambient album than his acclaimed 2022 Constellation debut, An Infinite Antenna is at the same time more densely packed with ideas, dynamics, evocations and earworms. Coming out of the anarcho-punk scene of the Canadian Prairies in the 1990s, Bates founded Winnipeg’s experimental sound festival Send + Receive in 1998 before moving to Montréal to become Sound Coordinator at Hexagram (Concordia University), delving further into sonic research and theory, tape-based composition, and installation work. Alongside the curatorial arc of his own sound art label The Dim Coast, Bates released several solo and collaborative albums on ORAL_records leading up to All The Things That Happen, the 2022 Constellation debut praised by Boomkat for its “grittily iridescent ambient billow rendering maximalist panoramas” and by Backseat Mafia as “extraordinary soundscapes of unstable, destructive cacophony and tender calm, echoes of the threat of power.” Where that album was noisier and single-minded, made with the self-imposed limit of a Casio SK-1, Bates plays more widely with instrumentation and atmospheres on An Infinite Antenna, also drawing on his post-hardcore roots in seeking a sort of track-by-track concision nonetheless driven by the album’s coherence as a seamless work. “I was trying to set durations I associate with punk rather than the longer, sprawling music coming from more ambient styles (that I very much love), and while I wasn’t able to quite pare it down to Minutemen durations, I had that reduction to essential elements as a sort of whisper over my shoulder.” Incorporating source recordings made throughout 2023-2025, including at artist residencies and site-specific sound installation visits in Bosnia and Herzegovina (the album’s cover photo was taken in Sarajevo), Austria, Greece, and Saskatchewan, An Infinite Antenna combines Bates’ “idea of slowly scanning a radio dial” with a soundworld of recurring timbral and textural touchstones that forge an integrated whole.

The album’s 12 tracks work effectively as stand-alone pieces, replete with shifting undercurrents, buried melody, and stuttering kinetics, and as a sequential flow where the brief interstitial silences between them are like short pauses to flip the next page in a sketchbook of perspectival studies of a wide but singular tableau. The glistening atonal synth expressionism of opener “Pink pink pink pink…pink pink” drifts gently toward submerged ambience, darkened by the noised rumble and static interference of “Green as a ghost”, which introduces broken beats and piano chords in its denouement. Tracks like “Battles and sieges and street trees” and “Easier sad than done” work the foundations of low-end field-recording resonance, but dappled with lovely melodic droplets of treated guitar and synth. “Waste, songs of the world” and “Disaster loans” are among the album’s most explicit stylistic references to posthardcore, with distorted ambient bass and gently abrasive drum sampling. Closing track “Swamps and factories”, the album’s longest piece, is perhaps most reminiscent of Bates’ previous record with its sustained dissonant glimmer-drone, but the journey An Infinite Antenna traces to get there is Bates at his most dynamic, diverse, distinctive, and engaging. Thanks for listening.

Montréal-based sound artist Steve Bates expands his strategies and stylistic influences on An Infinite Antenna, his second solo album for Constellation, giving freer reign to melodic components and textural dynamics: leftfield synth work, deconstructed drum machine, pointillist electric guitar, and radiostatic blur are all part of the new brew swirling around his bruitist signal-bending and field-recording sensibility. Arguably a more ambient album than his acclaimed 2022 Constellation debut, An Infinite Antenna is at the same time more densely packed with ideas, dynamics, evocations and earworms. Coming out of the anarcho-punk scene of the Canadian Prairies in the 1990s, Bates founded Winnipeg's experimental sound festival Send + Receive in 1998 before moving to Montréal to become Sound Coordinator at Hexagram (Concordia University), delving further into sonic research and theory, tape-based composition, and installation work. Alongside the curatorial arc of his own sound art label The Dim Coast, Bates released several solo and collaborative albums on ORAL_records leading up to All The Things That Happen, the 2022 Constellation debut praised by Boomkat for its "grittily iridescent ambient billow rendering maximalist panoramas" and by Backseat Mafia as "extraordinary soundscapes of unstable, destructive cacophony and tender calm, echoes of the threat of power." Where that album was noisier and single-minded, made with the self-imposed limit of a Casio SK-1, Bates plays more widely with instrumentation and atmospheres on An Infinite Antenna, also drawing on his post-hardcore roots in seeking a sort of track-by-track concision nonetheless driven by the album's coherence as a seamless work. "I was trying to set durations I associate with punk rather than the longer, sprawling music coming from more ambient styles (that I very much love), and while I wasn't able to quite pare it down to Minutemen durations, I had that reduction to essential elements as a sort of whisper over my shoulder." Incorporating source recordings made throughout 2023-2025, including at artist residencies and site-specific sound installation visits in Bosnia and Herzegovina (the album's cover photo was taken in Sarajevo), Austria, Greece, and Saskatchewan, An Infinite Antenna combines Bates' "idea of slowly scanning a radio dial" with a soundworld of recurring timbral and textural touchstones that forge an integrated whole. The album's 12 tracks work effectively as stand-alone pieces, replete with shifting undercurrents, buried melody, and stuttering kinetics, and as a sequential flow where the brief interstitial silences between them are like short pauses to flip the next page in a sketchbook of perspectival studies of a wide but singular tableau. The glistening atonal synth expressionism of opener 'Pink pink pink pink_pink pink' drifts gently toward submerged ambience, darkened by the noised rumble and static interference of 'Green as a ghost', which introduces broken beats and piano chords in its denouement. Tracks like 'Battles and sieges and street trees' and 'Easier sad than done' work the foundations of low-end field-recording resonance, but dappled with lovely melodic droplets of treated guitar and synth. 'Waste, songs of the world' and 'Disaster loans' are among the album's most explicit stylistic references to posthardcore, with distorted ambient bass and gently abrasive drum sampling. Closing track 'Swamps and factories,' the album's longest piece, is perhaps most reminiscent of Bates' previous record with its sustained dissonant glimmer-drone, but the journey An Infinite Antenna traces to get there is Bates at his most dynamic, diverse, distinctive, and engaging. Thanks for listening

Bloodstain gehört zu den vielversprechendsten jungen Heavy-Metal-Bands, die in den letzten Jahren aus Schweden hervorgegangen sind. Die Ende 2023 in Stockholm gegründete Band hat sich schnell einen Namen gemacht, indem sie die Grundlagen des klassischen Metal und Hard Rock mit der Dringlichkeit, dem Selbstbewusstsein und dem Bühneninstinkt einer modernen Live-Band verbindet. Anstatt sich auf einen eng gefassten Revivalismus zu verlassen, schöpft Bloodstain aus einer breiteren Heavy-Metal-Tradition – kraftvolle Riffs, einprägsame Hooks, dynamisches Songwriting und ein klares Verständnis dafür, wie Songs sowohl auf Platte als auch auf größeren Bühnen rüberkommen müssen.
Ihr selbstbetiteltes Debütalbum „Bloodstain“ ist das erste umfassende Statement zur Identität der Band. Es präsentiert eine junge Band mit klarer Ausrichtung: diszipliniertes Songwriting, ein unverwechselbares visuelles Profil und ein Ehrgeiz, der bereits über die Clubebene hinausreicht. Während das Material die Wucht und Direktheit klassischer Heavy-Musik in sich trägt, verleihen die Entscheidungen bei Produktion und Arrangement der Platte eine zeitgemäße Kraft, die sie fest in der Gegenwart und nicht in der Vergangenheit verankert.
Das von Alex Hellid, Per Aldeheim und der Band selbst produzierte Album erscheint mit einer Geschichte, die in Presse, Handel und Exportkanälen großen Anklang findet. Bloodstain ist nicht einfach nur eine Band mit starken Songs, sondern eine Band mit Schwung. Frühe Veröffentlichungen sorgten sofort für Aufmerksamkeit, ihre visuelle Identität ist bereits klar definiert, und ihre Live-Präsenz wächst durch immer präsentere Auftritte und strategisch gewählte Vorgruppen-Slots weiter. Beim Sweden Rock Festival und beim Hellfest reagierte das Publikum bereits auf unveröffentlichtes Material, was unterstreicht, dass die Musik der Band in Echtzeit ankommt und sich nicht allein auf ihre Positionierung verlässt.
Was Bloodstain in dieser Phase auszeichnet, ist die Kombination aus Jugend, Klarheit und Bereitschaft. Die Band wirkt frisch, agiert jedoch mit einem Maß an Organisation und Zielstrebigkeit, das das Vertrauen der Branche weckt. Es entwickelt sich bereits eine Sammlermentalität rund um das Projekt, ein wachsender Direktkanal zu den Fans und eine klare Fähigkeit, zu skalieren, ohne dabei die Identität zu verlieren.
Damit ist „Bloodstain“ nicht nur ein starkes künstlerisches Debüt, sondern auch ein strategisch bedeutendes Album, das ein Publikum aus den Bereichen Hard Rock, Heavy Metal und moderner, riffgetriebener Metal-Musik erreichen kann, ohne durch eine enge Genre-Schublade eingeschränkt zu sein.

Bloodstain gehört zu den vielversprechendsten jungen Heavy-Metal-Bands, die in den letzten Jahren aus Schweden hervorgegangen sind. Die Ende 2023 in Stockholm gegründete Band hat sich schnell einen Namen gemacht, indem sie die Grundlagen des klassischen Metal und Hard Rock mit der Dringlichkeit, dem Selbstbewusstsein und dem Bühneninstinkt einer modernen Live-Band verbindet. Anstatt sich auf einen eng gefassten Revivalismus zu verlassen, schöpft Bloodstain aus einer breiteren Heavy-Metal-Tradition – kraftvolle Riffs, einprägsame Hooks, dynamisches Songwriting und ein klares Verständnis dafür, wie Songs sowohl auf Platte als auch auf größeren Bühnen rüberkommen müssen.
Ihr selbstbetiteltes Debütalbum „Bloodstain“ ist das erste umfassende Statement zur Identität der Band. Es präsentiert eine junge Band mit klarer Ausrichtung: diszipliniertes Songwriting, ein unverwechselbares visuelles Profil und ein Ehrgeiz, der bereits über die Clubebene hinausreicht. Während das Material die Wucht und Direktheit klassischer Heavy-Musik in sich trägt, verleihen die Entscheidungen bei Produktion und Arrangement der Platte eine zeitgemäße Kraft, die sie fest in der Gegenwart und nicht in der Vergangenheit verankert.
Das von Alex Hellid, Per Aldeheim und der Band selbst produzierte Album erscheint mit einer Geschichte, die in Presse, Handel und Exportkanälen großen Anklang findet. Bloodstain ist nicht einfach nur eine Band mit starken Songs, sondern eine Band mit Schwung. Frühe Veröffentlichungen sorgten sofort für Aufmerksamkeit, ihre visuelle Identität ist bereits klar definiert, und ihre Live-Präsenz wächst durch immer präsentere Auftritte und strategisch gewählte Vorgruppen-Slots weiter. Beim Sweden Rock Festival und beim Hellfest reagierte das Publikum bereits auf unveröffentlichtes Material, was unterstreicht, dass die Musik der Band in Echtzeit ankommt und sich nicht allein auf ihre Positionierung verlässt.
Was Bloodstain in dieser Phase auszeichnet, ist die Kombination aus Jugend, Klarheit und Bereitschaft. Die Band wirkt frisch, agiert jedoch mit einem Maß an Organisation und Zielstrebigkeit, das das Vertrauen der Branche weckt. Es entwickelt sich bereits eine Sammlermentalität rund um das Projekt, ein wachsender Direktkanal zu den Fans und eine klare Fähigkeit, zu skalieren, ohne dabei die Identität zu verlieren.
Damit ist „Bloodstain“ nicht nur ein starkes künstlerisches Debüt, sondern auch ein strategisch bedeutendes Album, das ein Publikum aus den Bereichen Hard Rock, Heavy Metal und moderner, riffgetriebener Metal-Musik erreichen kann, ohne durch eine enge Genre-Schublade eingeschränkt zu sein.

,fantastische Songs" - The Sunday Times ,hypnotisch und eingängig" - Brooklyn Vegan ,7ebra sind auf lange Sicht dabei" - So Young Magazine Es gibt keinen Fahrplan für die Mitte bis Ende der Zwanziger, und auf ,How to Land a Plane" verwandeln die schwedischen Zwillingsschwestern Inez und Ella Johansson von 7ebra diese Ungewissheit in ihr bisher fesselndstes Werk. Das zweite Album des Duos aus Malmö erkundet die Unsicherheiten, Frustrationen und stillen Absurditäten des frühen Erwachsenenalters durch ihr bisher direktestes und weitreichendstes Songwriting. Aufbauend auf dem eindringlichen Minimalismus ihres gefeierten Debüts ,Bird Hour" aus dem Jahr 2023 verbindet das neue Album mitreißende Hooks, summende Synthesizer und treibende Rhythmen mit scharfsinnigen Beobachtungen über Identität, Arbeit, Beziehungen und den Druck, in einer zunehmend unwirtlichen Welt seinen Weg im Leben zu finden. Geschrieben im Anschluss an ausgedehnte internationale Tourneen und gemeinsam mit Produzent Jens Lindgård gestaltet, fängt ,How to Land a Plane" eine Band ein, die in ihr Selbstbewusstsein hineinwächst, ohne dabei die Verletzlichkeit zu verlieren, die sie ursprünglich auszeichnete. In Songs, die dunklen Humor, Selbstreflexion und spätkapitalistische Ängste miteinander verbinden, verwandeln 7ebra persönliche Kämpfe in hypnotischen, emotional mitreißenden Indie-Pop. Im Kern ist das Album ein Zeugnis der einzigartigen kreativen Verbindung der Schwestern, zweier Stimmen, die sich verflechten, gegenseitig herausfordern und unterstützen, und bestätigt 7ebra als eine der markantesten und spannendsten Bands, die in den letzten Jahren aus der schwedischen Indie-Szene hervorgegangen sind.

,fantastische Songs" - The Sunday Times ,hypnotisch und eingängig" - Brooklyn Vegan ,7ebra sind auf lange Sicht dabei" - So Young Magazine Es gibt keinen Fahrplan für die Mitte bis Ende der Zwanziger, und auf ,How to Land a Plane" verwandeln die schwedischen Zwillingsschwestern Inez und Ella Johansson von 7ebra diese Ungewissheit in ihr bisher fesselndstes Werk. Das zweite Album des Duos aus Malmö erkundet die Unsicherheiten, Frustrationen und stillen Absurditäten des frühen Erwachsenenalters durch ihr bisher direktestes und weitreichendstes Songwriting. Aufbauend auf dem eindringlichen Minimalismus ihres gefeierten Debüts ,Bird Hour" aus dem Jahr 2023 verbindet das neue Album mitreißende Hooks, summende Synthesizer und treibende Rhythmen mit scharfsinnigen Beobachtungen über Identität, Arbeit, Beziehungen und den Druck, in einer zunehmend unwirtlichen Welt seinen Weg im Leben zu finden. Geschrieben im Anschluss an ausgedehnte internationale Tourneen und gemeinsam mit Produzent Jens Lindgård gestaltet, fängt ,How to Land a Plane" eine Band ein, die in ihr Selbstbewusstsein hineinwächst, ohne dabei die Verletzlichkeit zu verlieren, die sie ursprünglich auszeichnete. In Songs, die dunklen Humor, Selbstreflexion und spätkapitalistische Ängste miteinander verbinden, verwandeln 7ebra persönliche Kämpfe in hypnotischen, emotional mitreißenden Indie-Pop. Im Kern ist das Album ein Zeugnis der einzigartigen kreativen Verbindung der Schwestern, zweier Stimmen, die sich verflechten, gegenseitig herausfordern und unterstützen, und bestätigt 7ebra als eine der markantesten und spannendsten Bands, die in den letzten Jahren aus der schwedischen Indie-Szene hervorgegangen sind.

"Solaris", das zwölfte Studioalbum von The Ocean, würdigt die bisherige Entwicklung der Band und verleiht ihr eine neue, intensive Note. Mit Mitgliedern aus sechs verschiedenen Ländern im Kern-Line-up kehrt The Ocean zu einer kollektiven Besetzung zurück und schöpft aus dem Erfahrungsschatz und Talent eines Pools außergewöhnlicher Musiker. Nachdem man mit dem Vorgängeralbum "Holocene" einen anderen Weg eingeschlagen hatte, zeichnet für den weitläufigen, organischen Klang von "Solaris" erneut der schwedische Produzent Jens Bogren verantwortlich, der bereits die beliebtesten Alben der Band - "Pelagial" sowie "Phanerozoic I" und "II" - abgemischt hat. Das neue Album stellt die Sänger*innen Lane Shi und Enrico Tiberi sowie die Gitarristen Emmanuel Jessua und Marco Gennaro vor; sie ergänzen den Gründungs-Gitarristen Robin Staps, den langjährigen Bassisten Mattias Hägerstrand und Schlagzeuger Jordi Farré. Jeder von ihnen bringt seine ganz eigene Note ein, um dieses fast 70-minütige Opus zum Leben zu erwecken - ein Werk, das für The Ocean hinsichtlich Ambition und erzählerischer Tiefe einen neuen Höhepunkt darstellt. Für die Aufnahmen wurde der Kreis der Mitwirkenden noch weiter gefasst: Thorsten Quaeschning (Tangerine Dream) steuerte modulare Synthesizer bei, der griechische Komponist Orestis Zafiriou (Playgrounded) lieferte ebenfalls Elektronik- und Synthie-Elemente, und Simen Eifring von der norwegischen Post-Rock-Band Spurv übernahm den Posaunenpart. Aufgenommen wurde das Album in den legendären Berliner Hansa Studios, wo bereits Klassiker wie David Bowies Low und Heroes, Iggy Pops Lust For Life und Depeche Modes Construction Time Again entstanden. Innerhalb dieser Studiowände entwickelte sich "Solaris" zu einem lebendigen Zeugnis für die Kraft von Entdeckergeist und Teamarbeit. Da der neue Sänger Tiberi zudem ein versierter Pianist und Multiinstrumentalist ist, wurden Klänge von Celesta, Flügel, Rhodes-Piano und Hammond-Orgel zu einem integralen und unverwechselbaren Bestandteil des Solaris-Sounds. Der für The Ocean typische, atmosphärische Post-Metal wird durch den experimentierfreudigen Geist der neuen Mitglieder sowie die Beiträge der exzellenten Gastmusiker bereichert. Die CD und 2LP Gatefold-Sleeves sind jeweils auf 360g Spezial-Karton gefertigt und auf Vorder- wie Rückseite mit roter Metallic-Heißfolien-Prägung veredelt. Die CD mit 6seitigem Fold-Out-Booklet, die 2LP in bedruckten Innenhüllen kommt zusätzlich mit A2-Poster.

Starcleaner Reunion ist eine schnell aufstrebende neue Band aus alten Freunden, die in NYC leben. Sängerin Jo Roman, die Gitarristen Pat Drummond und Neil Torman sowie Bassist Adam Kenter machen schon seit ihrer gemeinsamen Highschool-Zeit in New Jersey in verschiedenen Besetzungen gemeinsam Musik. Im Jahr 2022 fand die Band in NYC zusammen und hat seitdem eine Reihe von ausverkauften Konzerten in NY gespielt, die begeistert aufgenommen wurden, sowie landesweite Tourneen mit TOPS, This is Lorelei und anderen absolviert. Ihre erste Vinyl-Veröffentlichung, eine 10"-EP bei Take Care Records, erschien im Jahr 2025 und war sofort ausverkauft. Die Vorfreude auf ihr Debütalbum ,Umbrella" ist groß, da sie für 2026 noch bedeutendere Auftritte und Tourneen planen, darunter das Psychfest in Austin, das Total Bummer Fest in Brooklyn und Termine an der Westküste mit Blondshell.

Starcleaner Reunion ist eine schnell aufstrebende neue Band aus alten Freunden, die in NYC leben. Sängerin Jo Roman, die Gitarristen Pat Drummond und Neil Torman sowie Bassist Adam Kenter machen schon seit ihrer gemeinsamen Highschool-Zeit in New Jersey in verschiedenen Besetzungen gemeinsam Musik. Im Jahr 2022 fand die Band in NYC zusammen und hat seitdem eine Reihe von ausverkauften Konzerten in NY gespielt, die begeistert aufgenommen wurden, sowie landesweite Tourneen mit TOPS, This is Lorelei und anderen absolviert. Ihre erste Vinyl-Veröffentlichung, eine 10"-EP bei Take Care Records, erschien im Jahr 2025 und war sofort ausverkauft. Die Vorfreude auf ihr Debütalbum ,Umbrella" ist groß, da sie für 2026 noch bedeutendere Auftritte und Tourneen planen, darunter das Psychfest in Austin, das Total Bummer Fest in Brooklyn und Termine an der Westküste mit Blondshell.

2026. Die Welt fährt aus der Haut - und FLUTEN schreiben Songs zwischen dunkler Wucht, lyrischer Schärfe und verletzlicher Hoffnung. Seit 2007 entwickelt die Band aus Hamburg ihren eigenen Sound aus krachigen Gitarren, elektronischen Loops, Popfragmenten und melancholischer Poesie. Wo andere Eindeutigkeit suchen, finden FLUTEN ihre Spannung in den Zwischenräumen: zwischen Noise und Groove, Melodie und Lärm, Entfremdung und Sehnsucht. Im Herbst erscheint ihr neues Album "Kalter Stern". Es ist düsterer, dichter und dringlicher geworden als der Vorgänger "Splitter". Die Songs erzählen vom Leben in einer beschädigten Gegenwart und sind zugleich politisch und persönlich. Sie handeln von Sicherheiten, die zerfallen, und Gewissheiten, die nicht mehr tragen - und gleichzeitig von Momenten des Widerstands und Ausbrüchen ins Offene. Zwischen militanten Gedichten und Phantasieuniformen, zwischen offenem Meer und kalten Sternen, entsteht eine Sprache, die keine Parolen braucht, um Widerspruch zu üben. Keine Nostalgie, um zu berühren. FLUTEN klingen wie ein Film, der nicht linear erzählt ist. Wie ein Gefühl, das auf der Haut bleibt. Wie eine Stimme, die sagt: Es wird nicht einfach. Aber wir sind jetzt hier.

The Go-Betweens zählen zu den beliebtesten und einflussreichsten australischen Bands aller Zeiten und galten als die Kultband schlechthin. Während ihrer vielfach gefeierten Karriere bewahrten sie eine außergewöhnliche künstlerische Konstanz und schufen Jahr für Jahr Musik auf dem Niveau der besten zeitgenössischen Künstler. Gegründet wurde die Band 1978 in Brisbane von Grant McLennan und Robert Forster, zwei Studenten der University of Queensland mit einer Leidenschaft für Filme, Bob Dylan der mittleren Sechzigerjahre und die New Yorker Punk-Szene. Beide sangen, spielten Gitarre und schrieben Songs. Die Konstellation mit zwei eigenständigen Singer-Songwritern an der Spitze war ungewöhnlich, funktionierte hier jedoch hervorragend. Roberts kantige, düster-romantische Kompositionen wurden perfekt ergänzt durch Grants hochmelodische, poetische Popsongs. Für ihr fünftes Album holte die Band die Multiinstrumentalistin Amanda Brown hinzu, die den Klang der Gruppe erweiterte und ihm mehr Dramatik verlieh. Das Album nimmt eine Schlüsselstellung in ihrer Diskografie ein und bildet die Brücke zwischen ihrer frühen Phase und den opulenter arrangierten späteren Werken. Das Paste Magazine führte das Album in seiner Liste der besten New-Wave-Alben und hob hervor, dass es "mehrere Schlüsselwerke der beiden Hauptsongwriter enthält, insbesondere McLennans mitreißende, zu Unrecht unterschätzte Songs 'Right Here" und 'Bye Bye Pride" sowie charakteristisch kantige Forster-Kompositionen wie 'House That Jack Kerouac Built" und 'The Clarke Sisters", eine eindringliche Charakterstudie über unverheiratete Schwestern, die den Blick ihres Autors für Details perfekt einfängt."

The Go-Betweens zählen zu den beliebtesten und einflussreichsten australischen Bands aller Zeiten und galten als die Kultband schlechthin. Während ihrer vielfach gefeierten Karriere bewahrten sie eine außergewöhnliche künstlerische Konstanz und schufen Jahr für Jahr Musik auf dem Niveau der besten zeitgenössischen Künstler. Gegründet wurde die Band 1978 in Brisbane von Grant McLennan und Robert Forster, zwei Studenten der University of Queensland mit einer Leidenschaft für Filme, Bob Dylan der mittleren Sechzigerjahre und die New Yorker Punk-Szene. Beide sangen, spielten Gitarre und schrieben Songs. Die Konstellation mit zwei eigenständigen Singer-Songwritern an der Spitze war ungewöhnlich, funktionierte hier jedoch hervorragend. Roberts kantige, düster-romantische Kompositionen wurden perfekt ergänzt durch Grants hochmelodische, poetische Popsongs. Dieses beeindruckende Live-Album wurde im Mai 1987 professionell aufgenommen, unmittelbar vor der Veröffentlichung von Tallulah. Uncut schrieb darüber, dass es "detailliert die wachsende Selbstsicherheit der Band und ihr stetig verfeinertes Songwriting dokumentiert".

Knock Off präsentieren ihr siebtes Album "Pain Or Madness" _ ein Album, das nicht nur für die Band selbst in diesen Zeiten wichtig ist. Die Welt ist völlig verrückt und es scheint, als habe die Menschheit vergessen, wie man Konflikte löst, miteinander spricht und den Kreislauf der Selbstzerstörung stoppt. Und wenn die Schläge im persönlichen Umfeld näherkommen und das Schicksal zuschlägt, kann man schnell den Boden unter den Füßen verlieren. Wut, Hass, Aggression zusammen mit Depression, Lustlosigkeit, oder halt "Pain or Madness". Auf dieser Grundlage entstand Knock Offs siebtes Album. Punkrock war schon immer am stärksten, wenn die Zeiten düster sind, und dieses Album ist einfach eine musikalische Therapie und Offensive gegen alles was Dich zerstört. Knock Off spielen immer noch klassischen UK Oi! und Punkrock und haben ihren eigenen Stil über die Jahre perfektioniert, sorgen dabei aber stets aufs Neue für Überraschungen. Mit jeder verdammten Note spürt man, dass die Songs direkt aus dem Herzen kommen! Ein Schlag ins Gesicht, ohne Rücksicht auf Empfindlichkeiten, in Songs wie "Go Fuck yourself". Dieses Gefühl, wenn Hilflosigkeit in "Violence" umzuschlagen droht. Kein Diskutieren oder Erklären über Punk, denn "My Punk!" (is whatever I choose). Wenn die Jungs auf die '70s football youth' oder 'Good Times' zurückblicken, sind keine weiteren Erklärungen nötig, das ist und war deren Leben, hier gibt es nicht zu romantisieren. Selbst heutzutage kann man noch seinen Ärger rauslassen, und Knock Off tun das perfekt mit Songs wie "Anger is an energy" oder der dreckigen kleinen Selbstironie-Hymne "Middle age rage". "Pain or Madness" enthält ein Dutzend neuer Songs: Energiegeladene Punkrock-Hymnen mit großartigen sing-along Refrains und aggressiven Shoutings. Solch ein Album nach sieben Platten rauszubringen, ist ein auf keinen Fall zu verpassendes Statement! Zwei unterschiedlich mehrfarbige Vinyl-LP-Versionen erhältlich

Knock Off präsentieren ihr siebtes Album "Pain Or Madness" _ ein Album, das nicht nur für die Band selbst in diesen Zeiten wichtig ist. Die Welt ist völlig verrückt und es scheint, als habe die Menschheit vergessen, wie man Konflikte löst, miteinander spricht und den Kreislauf der Selbstzerstörung stoppt. Und wenn die Schläge im persönlichen Umfeld näherkommen und das Schicksal zuschlägt, kann man schnell den Boden unter den Füßen verlieren. Wut, Hass, Aggression zusammen mit Depression, Lustlosigkeit, oder halt "Pain or Madness". Auf dieser Grundlage entstand Knock Offs siebtes Album. Punkrock war schon immer am stärksten, wenn die Zeiten düster sind, und dieses Album ist einfach eine musikalische Therapie und Offensive gegen alles was Dich zerstört. Knock Off spielen immer noch klassischen UK Oi! und Punkrock und haben ihren eigenen Stil über die Jahre perfektioniert, sorgen dabei aber stets aufs Neue für Überraschungen. Mit jeder verdammten Note spürt man, dass die Songs direkt aus dem Herzen kommen! Ein Schlag ins Gesicht, ohne Rücksicht auf Empfindlichkeiten, in Songs wie "Go Fuck yourself". Dieses Gefühl, wenn Hilflosigkeit in "Violence" umzuschlagen droht. Kein Diskutieren oder Erklären über Punk, denn "My Punk!" (is whatever I choose). Wenn die Jungs auf die '70s football youth' oder 'Good Times' zurückblicken, sind keine weiteren Erklärungen nötig, das ist und war deren Leben, hier gibt es nicht zu romantisieren. Selbst heutzutage kann man noch seinen Ärger rauslassen, und Knock Off tun das perfekt mit Songs wie "Anger is an energy" oder der dreckigen kleinen Selbstironie-Hymne "Middle age rage". "Pain or Madness" enthält ein Dutzend neuer Songs: Energiegeladene Punkrock-Hymnen mit großartigen sing-along Refrains und aggressiven Shoutings. Solch ein Album nach sieben Platten rauszubringen, ist ein auf keinen Fall zu verpassendes Statement! Zwei unterschiedlich mehrfarbige Vinyl-LP-Versionen erhältlich

Mit ihrem Debütalbum Inventio überschreitet die schwedische Musikerin und Künstlerin Murex die Grenzen konventioneller Popmusik und erschafft ein ebenso persönliches wie vielschichtiges Werk. Über zehn schimmernde, von elektronischen Glitches durchzogene Stücke entfaltet sich eine Klangwelt, die avantgardistische Pop-Elemente mit orchestralen Arrangements, komplexen Harmonien und Einflüssen nordischer Folklore verbindet. Thematisch beschäftigt sich Inventio mit Fragen von Identität, Körperwahrnehmung, Kontrolle und Selbstbestimmung. Die Songs zeichnen die Landschaft eines fragmentierten Inneren nach und entwickeln daraus eine Suche nach kreativer und emotionaler Freiheit. Murex verbindet dabei fragile, ätherische Klangflächen mit dynamischen elektronischen Strukturen und erschafft ein Album, das gleichermaßen experimentell wie zugänglich wirkt. Der Titel verweist auf Johann Sebastian Bachs Inventionen, die Murex bereits als Kind auf dem Klavier spielte. Diese musikalische Prägung spiegelt sich in den polyphonen Texturen, den kunstvoll geschichteten Vokalharmonien und der barock anmutenden Komplexität vieler Kompositionen wider. Als weitere Inspirationen nennt sie Künstlerinnen wie Björk und Elizabeth Fraser sowie die traditionelle schwedische Kulning-Gesangstechnik. Ein zentrales Konzept des Albums besteht darin, den Fokus von der äußeren Erscheinung der Künstlerin auf das Werk selbst zu verlagern. Für Murex ist dies sowohl ein künstlerisches Statement als auch eine Würdigung der vielen Facetten, die einen Menschen ausmachen. Inventio entstand über einen Zeitraum von drei Jahren in Schweden und entwickelte sich erst nach und nach zu einem geschlossenen Album. Unterstützt wurde Murex von den Musiker:innen Pelle Westlin, Isak Hedtjärn und Elvira Anderfjärd. Sämtliche Musikvideos entstanden unter ihrer eigenen Regie. Das Ergebnis ist ein mutiges, atmosphärisch dichtes Debüt, das die persönliche Emanzipation seiner Schöpferin hörbar macht und die Grenzen zeitgenössischer Popmusik neu auslotet.

Mutant und Paramount Pictures präsentieren stolz eine Vinyl-Neuauflage von Lorne Balfes Soundtrack zu „Mission: Impossible – Dead Reckoning“, dem siebten Teil der beliebten Spionageserie des Schauspielers und Produzenten Tom Cruise. Gepresst auf 2x 140 g Gold Key-Vinyl, mit Begleittexten des Komponisten und Co-Autors, Regisseurs und Produzenten Christopher McQuarrie sowie einem Verpackungsdesign von Mo Shafeek. Lorne Balfes Filmmusik zu „Dead Reckoning“, dem siebten Teil der beliebten Spionageserie des Schauspielers und Produzenten Tom Cruise. Die fortwährende Neuerfindung der einst formlosen Franchise durch den Drehbuchautor und Regisseur Christopher McQuarrie – der unterschiedliche Stile und Themen geschickt in einen zusammenhängenden und überzeugenden Mythos einbettet – hat den Komponisten Lorne Balfe dazu veranlasst, dasselbe zu tun. Lornes Filmmusik, die im Laufe der dreijährigen Produktionszeit komponiert wurde, ist nichts weniger als ein Wunder. Sie ist zugleich eine Ode an das Vermächtnis der gesamten Serie und führt die musikalischen Motive fort, die bereits in seinem vorherigen Teil sowie im bei den Fans beliebten „Mission: Impossible – Fallout“ begonnen wurden; die Musik dieser Serie klang noch nie so grandios.

Mit "Almost There", liefert der Pianist und Komponist ESPEN ERIKSEN nach einer äußerst erfolgreichen Reihe von sieben Alben in 16 Jahren, darunter zwei mit dem bekannten britischen Saxophonisten ANDY SHEPPARD, ein weiteres melodisches Meisterwerk ab. Fesselnd und lyrisch, stets melodisch, aber gleichzeitig auch melancholisch und erhebend, handelt es sich um wahrlich ergreifende Kompositionen. "Music with a rich sense of melody coupled with a poignant lyricism that is infectious". - All About Jazz "A wonderfully plaintive jazz record, abandoned to the lost art of melodic minimalism, stripped back and beautifully near bare. No smoke and mirrors, just the graceful chemistry of superb musicians at the top of their game". - BBC Erwähnt werden muss die atemberaubende Klangqualität des Albums. "Almost There" überzeugt mit einem detailreichen und dynamischen Klang, der insbesondere durch seine organische Natürlichkeit hervorsticht. Die Kompositionen wurden in ESPENs bevorzugtem Studio Propeller Music in Oslo aufgenommen und abgemischt. Dort hatte er sich bereits für seine letzten fünf Alben eingefunden, welche aufgrund ihrer außerordentlichen Aufnahmequalität auch häufig in Tests verwendet und in HiFi-Kreisen hervorgehoben werden. Das ESPEN ERIKSEN TRIO wurde im Jahr 2007 gegründet und veröffentlichte 2010 sein Debüt-Album. Als zunehmend beliebte Live-Band tourte das Trio, bestehend aus ESPEN ERIKSEN (Klavier), LARS TORMOD JENSET (Kontrabass) und ANDREAS BYE (Schlagzeug), bereits auf vier Kontinenten und verfügt über ein reichhaltiges Repertoire. Die Musik zeichnet sich durch äußerst melodische und lyrische Instrumentalstücke aus, manchmal versehen mit nordischem Einschlag, sowie durch einen "Weniger ist mehr"-Ansatz, der von der internationalen Presse oft als einzigartiger Beitrag zur heutigen Jazzszene gewürdigt wird. Alle drei Musiker verfügen über einen vielseitigen musikalischen Hintergrund, der von Pop bis Jazz reicht, und haben bereits mit Musikern wie Bugge Wesseltoft, John Scofield, Joshua Redman, Dhafer Yousef, John Taylor, Vince Mendoza, Eivind Aarset, Knut Reisersrud, Mathias Eick, Nils Petter Molvær, Thomas Stronen, Odd Nordstoga, Håkon Kornstad, Jarle Bernhoft und Bendik Hofseth zusammengearbeitet.

Die Neuauflagen von The Runaway Found (2004), Nux Vomica (2006) und Sun Gangs (2009) geben Fans und Sammlern die seltene Gelegenheit, diese einflussreichen Alben in hochwertiger Vinyl-Qualität neu zu entdecken. Die Re-Releases sind besonders bemerkenswert, da die Originalausgaben auf Schallplatte in den 2000er-Jahren nur in begrenzter Stückzahl erschienen. Zu einer Zeit, als Vinyl kommerziell noch eine untergeordnete Rolle spielte, waren die Veröffentlichungen nur schwer erhältlich. Die neuen Pressungen ermöglichen nun ein Hörerlebnis mit der Klangtiefe, Detailtreue und dem Artwork, die den atmosphärischen Kompositionen von The Veils besonders gerecht werden. Unter der Führung von Sänger und Songwriter Finn Andrews, der die Band bereits als Teenager gründete, entwickelten The Veils mit ihren ersten drei Alben einen unverwechselbaren Stil. Zwischen üppigem Indie-Rock, romantischer Melancholie und filmischer Dramatik schufen sie einen Sound, der von orchestralen Arrangements, eindringlichen Rhythmen und emotionaler Intensität geprägt ist. Mit The Runaway Found, Nux Vomica und Sun Gangs etablierte sich die neuseeländische Band als eine der eigenständigsten Stimmen der internationalen Indie-Szene. Die Alben verbinden weitläufige, cineastische Klanglandschaften mit intimen, persönlichen Momenten und zeigen eine beeindruckende kreative Entwicklung während der frühen Bandjahre. Finn Andrews freut sich über die Wiederveröffentlichungen: "Es ist eine große Freude zu sehen, dass diese Alben, die uns und vielen anderen so viel bedeuten, von dem Label, das uns von Anfang an unterstützt hat, erneut auf Vinyl veröffentlicht werden. Ich bin Rough Trade und den Songs dieser leidenschaftlichen, suchenden und wunderbar jugendlichen ersten Jahre sehr dankbar."

Die Neuauflagen von The Runaway Found (2004), Nux Vomica (2006) und Sun Gangs (2009) geben Fans und Sammlern die seltene Gelegenheit, diese einflussreichen Alben in hochwertiger Vinyl-Qualitat neu zu entdecken. Die Re-Releases sind besonders bemerkenswert, da die Originalausgaben auf Schallplatte in den 2000er-Jahren nur in begrenzter Stuckzahl erschienen. Zu einer Zeit, als Vinyl kommerziell noch eine untergeordnete Rolle spielte, waren die Veroffentlichungen nur schwer erhaltlich. Die neuen Pressungen ermoglichen nun ein Horerlebnis mit der Klangtiefe, Detailtreue und dem Artwork, die den atmospharischen Kompositionen von The Veils besonders gerecht werden. Unter der Fuhrung von Sanger und Songwriter Finn Andrews, der die Band bereits als Teenager grundete, entwickelten The Veils mit ihren ersten drei Alben einen unverwechselbaren Stil. Zwischen uppigem Indie-Rock, romantischer Melancholie und filmischer Dramatik schufen sie einen Sound, der von orchestralen Arrangements, eindringlichen Rhythmen und emotionaler Intensitat gepragt ist. Mit The Runaway Found, Nux Vomica und Sun Gangs etablierte sich die neuseelandische Band als eine der eigenstandigsten Stimmen der internationalen Indie-Szene. Die Alben verbinden weitlaufige, cineastische Klanglandschaften mit intimen, personlichen Momenten und zeigen eine beeindruckende kreative Entwicklung wahrend der fruhen Bandjahre. Finn Andrews freut sich uber die Wiederveroffentlichungen: "Es ist eine große Freude zu sehen, dass diese Alben, die uns und vielen anderen so viel bedeuten, von dem Label, das uns von Anfang an unterstutzt hat, erneut auf Vinyl veroffentlicht werden. Ich bin Rough Trade und den Songs dieser leidenschaftlichen, suchenden und wunderbar jugendlichen ersten Jahre sehr dankbar."

Das siebte Studioalbum der Dropkick Murphys, ursprünglich 2011 veröffentlicht. Es war das bis dahin
erfolgreichste Album der Band und stieg auf Platz 6 der Billboard-200-Charts ein.
Zudem enthält das Album Gastbeiträge von Bruce Springsteen, Fat Mike (von NOFX), Chris Cheney (von
The Living End) sowie dem Schauspieler und Komiker Lenny Clarke.

Jim Legxacys Mixtape homeless ngga pop music* erscheint erstmals als LP und CD uber XL Recordings. Der dreifach fur die BRIT Awards nominierte und mit einem MOBO Award ausgezeichnete Kunstler schaffte mit diesem Projekt aus dem Jahr 2023 den Durchbruch und erntete große Anerkennung der Kritiker. Darin setzt sich der aus Sudlondon stammende Musiker mit seinen Beziehungen, seiner Identitat und seiner Erfahrung von Obdachlosigkeit auseinander. Das Mixtape ist eine beeindruckende Verschmelzung von Midwest-Emo-Gitarrensamples, UK-Drill, Afrobeats und Jersey Club. Es definiert nicht nur neu, wie Musik aus Großbritannien klingen kann, sondern auch, wofur sie stehen kann: ein mutiges, vollstandig ausgereiftes Werk, das nur aus dem kreativen Geist dieses einzigartigen Kunstlers hervorgehen konnte.

,Independent" ist das 1996 erschienene Album der New Yorker Hardcore-Band Maximum Penalty und gilt als eines ihrer wichtigsten Werke. Die Band verband darauf klassischen New York Hardcore mit melodischen Elementen, Groove und dem markanten Gesang von Jimmy Williams, wodurch sie sich deutlich von vielen Zeitgenossen abhob. Zum 30-jährigen Jubiläum erscheint das Album erstmals auf Vinyl. Die Neuauflage würdigt den anhaltenden Einfluss von Maximum Penalty auf die Hardcore-Szene, der zuletzt durch die Unterstützung von Bands wie Turnstile und das Cover von End It neu sichtbar wurde. Für viele Fans gilt ,Independent" als ein Schlüsselmoment in der Geschichte des melodischen New York Hardcore.

Die aus Santa Cruz, Kalifornien, stammende Hardcore-Band Scowl hat die Szene als eine der authentischsten jungen Stimmen des Genres im Sturm erobert beeinflusst von allem, vom Hardcore der 80er über Punk und Oi bis hin zu modernem Alternative-Pop. Die Band hat sich einen Namen mit Songs gemacht, die ebenso nachdenklich und düster sind wie sie Spaß machen. Als Neuzugang in der Flatspot-Records-Familie präsentiert das Label ihr neues Album How Flowers Grow".

eee gees Debütalbum „Winning“ erhielt mehrere 5-Sterne-Rezensionen und Album-of-the-Year-Auszeichnungen und etablierte sie als Alt-Pop-Act in ihrer dänischen Heimat. Inhaltlich dreht sich das Album um Herzschmerz, Depression und den Moment, in dem man vergangene Niederlagen akzeptiert – melancholisch, hoffnungsvoll und selbstironisch zugleich.

"Solaris", das zwölfte Studioalbum von The Ocean, würdigt die bisherige Entwicklung der Band und verleiht ihr eine neue, intensive Note. Mit Mitgliedern aus sechs verschiedenen Ländern im Kern-Line-up kehrt The Ocean zu einer kollektiven Besetzung zurück und schöpft aus dem Erfahrungsschatz und Talent eines Pools außergewöhnlicher Musiker. Nachdem man mit dem Vorgängeralbum "Holocene" einen anderen Weg eingeschlagen hatte, zeichnet für den weitläufigen, organischen Klang von "Solaris" erneut der schwedische Produzent Jens Bogren verantwortlich, der bereits die beliebtesten Alben der Band - "Pelagial" sowie "Phanerozoic I" & "II" - gemischt hat. Das neue Album stellt die Sänger*innen Lane Shi und Enrico Tiberi sowie die Gitarristen Emmanuel Jessua und Marco Gennaro vor. Sie ergänzen den Gründungs-Gitarristen Robin Staps, den langjährigen Bassisten Mattias Hägerstrand und Schlagzeuger Jordi Farré. Jeder von ihnen bringt seine ganz eigene Note ein, um dieses fast 70-minütige Opus zum Leben zu erwecken. Für die Aufnahmen wurde der Kreis der Mitwirkenden noch weiter gefasst: Thorsten Quaeschning (Tangerine Dream) steuerte modulare Synthesizer bei, der griechische Komponist Orestis Zafiriou (Playgrounded) lieferte ebenfalls Elektronik- und Synthie-Elemente, und Simen Eifring von der norwegischen Post-Rock-Band Spurv übernahm den Posaunenpart. Aufgenommen wurde das Album in den legendären Berliner Hansa Studios, wo bereits Klassiker wie David Bowies Low und Heroes, Iggy Pops Lust For Life und Depeche Modes Construction Time Again entstanden. Innerhalb dieser Studiowände entwickelte sich "Solaris" zu einem lebendigen Zeugnis für die Kraft von Entdeckergeist und Teamarbeit. Da der neue Sänger Tiberi zudem ein versierter Pianist und Multiinstrumentalist ist, wurden Klänge von Celesta, Flügel, Rhodes-Piano und Hammond-Orgel zu einem integralen und unverwechselbaren Bestandteil des Solaris-Sounds. Der für The Ocean typische, atmosphärische Post-Metal wird durch den experimentierfreudigen Geist der neuen Mitglieder sowie die Beiträge der exzellenten Gastmusiker bereichert. Ein Werk, das für The Ocean hinsichtlich Ambition und erzählerischer Tiefe einen neuen Höhepunkt darstellt. Das CD- und 2LP Gatefold-Sleeve ist jeweils aus 360g Spezial-Karton gefertigt und auf Vorder- wie Rückseite mit roter Metallic-Heißfolien-Prägung veredelt. CD mit 6seitigem Fold-Out-Booklet, die 2LP in bedruckten Innenhüllen kommt zusätzlich mit A2-Poster.

Es war ein Coup, als Gründer und Bassist Lee Payne vor drei Jahren ankündigte, dass Harry „The Tyrant“ Conklin, der nach Griechenland gezogen war, seiner Band Cloven Hoof beitreten würde. Der ehemalige Jag-Panzer-Frontmann war der perfekte Nachfolger für Russ North, der für die Fans bis dahin als der ultimative Cloven-Hoof-Sänger galt – leider weilt er nicht mehr unter uns. Daher waren die Reaktionen auf das erste Album der Band mit Harry Conklin am Mikrofon herausragend. »Heathen Cross« wurde 2024 bei High Roller Records veröffentlicht.
Nun folgt Cloven Hoofs zehntes Studioalbum mit dem Titel »Never A Prophet In Your Own Land«. Wieder einmal ist die Gesangsleistung vom „Tyrant“ absolute Weltklasse. Lee Payne grinst: „Das Lob gebührt einzig und allein Harry. Wir können uns glücklich schätzen, einen so brillanten Sänger und Frontmann in der Band zu haben.“
Kontinuität ist für jede Band wichtig, und Cloven Hoof hatten in der Vergangenheit mehr als einen Besetzungswechsel zu verzeichnen. Diesmal nicht, wie der Bassist nicht ohne Stolz erklärt: „Wir haben dieselbe feste Besetzung wie auf »Heathen Cross«, das kann ich mit Freude sagen. Am Gesang der einzig wahre Harry Conklin und an den Gitarren Luke Hatton sowie Chris Coss. Dazu Ash Baker am Schlagzeug. Luke, Chris und Ash sind nun seit über zehn Jahren bei Cloven Hoof; sie kennen ihre Rollen in- und auswendig. Ich selbst bin seit 1979 in der Band, also sollte ich inzwischen eine Vorstellung davon haben, was ich mache (lacht).“
„»Never A Prophet In Your Own Land« ist keine direkte Fortsetzung von »Heathen Cross«“, fährt Payne fort. „»Heathen Cross« hatte seine eigene schwere und düstere Atmosphäre. »Never A Prophet In Your Own Land« ähnelt eher »A Sultan‘s Ransom«, doch diese Ähnlichkeit war weder konstruiert noch geplant. Es ist einfach so gekommen.“

Die britische Singer-Songwriterin und Musikerin Martina Topley-Bird wurde durch ihre Zusammenarbeit mit
den Trip-Hop-Pionieren Tricky und Massive Attack in der Musikbranche bekannt. Besonders hervorzuheben
ist ihr gefühlvoller Gesang auf dem Track ”Teardrop” von Massive Attack aus deren Album ”Mezzanine”,
der zu seiner atmosphärischen Wirkung beiträgt. Auch auf Trickys Debütalbum ”Maxinquaye” (1995)
hat ihre eindringliche Stimme den unverwechselbaren Sound geprägt. Als sie 2003 zu einer Solokarriere
überging, erntete sie mit ihrem für den Mercury Award nominierten Debütalbum ”Quixotic”, das bei Independiente Records erschien, großen Beifall der Kritiker. 2004 erweiterte Topley-Bird ihre Zusammenarbeit
und lieh ihre Stimme den Gorillaz-Tracks ”All Alone” und ”Kids with Guns” von deren Debütalbum ”Demon
Days”. Seitdem hat sie weitere Alben veröffentlicht, darunter ”Anything” (2004), ”The Blue God” (2008)
und ”Some Place Simple” (2010).
Martina Topley-Birds von der Kritik hochgelobtes und für den Mercury Award nominiertes Debütalbum
”Quixotic” wird zum ersten Mal auf Vinyl veröffentlicht. Diese erweiterte Ausgabe enthält das Originalalbum sowie drei B-Seiten und einen unveröffentlichten alternativen Mix der ersten Single ”Sandpaper
Kisses”. Sie wird auf Doppel-Vinyl gepresst und in einem Gatefold-Sleeve verpackt sein.

„Ein bisschen Frieden“, „Flieg nicht so hoch, mein kleiner Freund“, „Papillon“, „Ein leises Lied“, „Mit dir vielleicht“, „Allein in Griechenland“ oder „Ich bin zurück“. Diese Hits von Nicole kennt wohl jeder und kann jeder mitsingen.

Nicole ist die die Grande Dame der deutschen Popschlagerszene, seit vielen Jahren auf den größten, schillerndsten Bühnen unterwegs. Aber sie liebt auch die Zurückgezogenheit, um als klassische Singer-Songwriterin an ihrer Musik zu arbeiten. Sie schafft es ehrliche Einsichten und pures Gefühl, in bewegende Songs zu übersetzen, die gerade durch diesen Tiefgang so faszinierend und zeitlos sind.

Vor allem bleibt sie sich treu und weiß ihren unverkennbaren Sound immer wieder ganz behutsam neu und weiter zu denken: Unaufgeregt und immer absolut nah am eigenen Leben, gewährt sie Einblicke in ihr Leben und ihre Weltsicht - passend zu Ihrem schweren Kampf gegen die Krankheit. Sie möchte Mut machen und zeigen, dass es sich lohnt zu kämpfen, auch gegen eine scheinbar nicht zu besiegende Krankheit.

„Ein bisschen Frieden“ bescherte Nicole Millionenverkäufe und Top-Platzierungen in ganz Europa. In den vier Jahrzehnten, die seit diesen ersten Sensationserfolgen der Euro-Gold-Single vergangen sind, folgten zwei Dutzend weitere Longplayer, für die sie gleich 11 Goldene Stimmgabeln sowie 17-mal den ersten Platz bei der ZDF-Hitparade gewann. Auf die Zweitplatzierung beim World Popular Song Festival in Tokio (1983) folgten zudem ein ECHO-Pop in den Neunzigern, mehrfach die Goldene Europa und 2017 der smago! Award.


2024 feierte Nicole Ihren 60. Geburtstag und setzte diesen Trend fort. Das Album „Carpe Diem“ gilt als eines ihrer Besten und wurde mit einem Chart-Eintritt gekürt.

Stillstand hat es für Nicole nie gegeben – auch 2026, nach 45 Jahren auf der Bühne, nicht. Bereits die erste Single „Ich will mehr“ machte deutlich, wohin die Reise geht: nach vorne. Mit ihrem neuen Album „Meine Schätze“ blickt Nicole auf ihre außergewöhnliche Karriere zurück und setzt gleichzeitig ein kraftvolles Zeichen für Aufbruch, neue Wege und echte Lebensfreude.

„Meine Schätze“ produziert von ihrem kongenialen Produzententeam – Achim Meier, Zoran Grujovski und Jens Carstens, ist dabei kein klassisches Best-of-Album. Stattdessen hat Nicole ganz persönliche Songperlen aus 45 Jahren ausgewählt – Lieder, die sie geprägt, begleitet und inspiriert haben. Dazu gehört auch ihre gefühlvolle Interpretation des Don-McLean-Klassikers „And I Love You So“.
Teilweise neu arrangierte Akustikversionen verleihen den Songs eine besondere Intensität und zeigen ihre emotionale Tiefe ebenso wie ihre zeitlose Kraft. Gemeinsam mit musikalischen Weggefährten und Freunden wie Heinz Rudolf Kunze, John Kelly, Johnny Logan, Nino de Angelo und Mickie Krause entstand ein Album, das Mut macht, nach vorne zu blicken und das Leben bewusst zu genießen. Diese positive Energie trägt Nicole mit ihrer unverwechselbaren Stimme – kraftvoll, klar und berührend wie selten zuvor. Eine Nicole, die viele überraschen wird.

Die Botschaften der Songs haben auch nach 45 Jahren nichts von ihrer Aktualität verloren. Sie stehen für Hoffnung, Zuversicht und die Überzeugung, dass gute Musik Generationen verbindet.

Musikalisch präsentiert sich „Meine Schätze“ in einem modernen, frischen Soundgewand. Gefühlvolle Streicher des F.A.M.E.'S. Skopje Studio Orchestra treffen auf einen atmosphärischen Mix aus Folk, Pop und Schlager – eingängig, emotional und voller Tiefe. Ein Klangbild, das bewegt und lange nachhallt.
Besonders bemerkenswert: Die Produktion setzt bewusst auf echte, handgemachte Musik. Statt künstlicher Intelligenz stehen hier authentische Musikerinnen und Musiker, echte Instrumente und ehrliches musikalisches Handwerk im Mittelpunkt – ein klares Bekenntnis zu Qualität, Leidenschaft und echter Emotion.

Orangefarbenes Vinyl, limitert auf 200 Exemplare. Wer diese Doris ist, die winzige? Sie weiß Bescheid, sie scheut sich nicht; haut dir Worte um die Ohren, scharfkantig mit einem Lächeln. Beleuchtet auf dem Weg Bilder, von denen du nicht weißt, wie sie dahin gekommen sind; sie wirken so vertraut, weil sie nachts im Fernseher liefen, wenn du ihn vor dem Einschlafen nicht ausgeschaltet hast. Jetzt bist du da gelandet wo es weh tut und sich dennoch gut anfühlt: Im süßen Wasser des Debütalbums der Tiny Doris "In den Dosen". Im Zusammenkommen vieler musikalischer Einflüsse, zelebriert die Tiny Doris ein fragmentiertes Musikerlebnis mit Fokus auf scharfer Artikulation und verführender Melodik, in Bewegung zwischen Dada, Noise, Art-Pop, Garage und dem, was nach Punk kam. Während ihre Texte genauso überzeugen wie verwirren, während das Schlagzeug in stoischer Schlacksigkeit die Basis für schräge Gitarre und einem ausgefeilten Bass liefert und der Gesang mit Überzeugung Gefühle von Nostalgie und Verlangen vermittelt, zementiert sich ein einzigartiger Sound wie ihn dir nur eine winzige Doris liefern kann.

Ein Gespräch mit Thee Sinseers kurz vor der Veröffentlichung ihres neuen Albums ,Love Stories" bei Colemine Records macht eines ganz deutlich: Dies ist kein Album, das eine glatte und ordentliche Liebesgeschichte erzählt. Es geht hier nicht um das Happy End. Es geht um alles, was davor, danach und trotz allem passiert. Auf dieser LP hat sich die Band auf eine erdigere Instrumentierung konzentriert - Kontrabass, Gitarren, die durch Verstärker laufen, um einen wärmeren, an die Sechziger angelehnten Klang zu erzielen - und sich von allem inspirieren lassen, wo es sich bot, selbst an den unwahrscheinlichsten Orten. Es ist dieses genreübergreifende Denken, das Sänger Joey Quiñones als das bestimmende Merkmal der Platte ansieht. "Es fühlte sich zu keinem Zeitpunkt so an, als würden wir Soul-Musik machen", sagt er. ,Es fühlte sich an, als würden wir einfach unsere Musik machen." Die Band wollte etwas Ehrlicheres einfangen als nur die Höhepunkte - sie wollte die Höhen und Tiefen romantischer Beziehungen zeigen und gleichzeitig den Rahmen erweitern, um auch das Familiäre, das Komplizierte und das Ungelöste einzubeziehen. Die Eltern der Bandmitglieder sind auf dem Albumcover zu sehen, ihre eigenen Liebesgeschichten sind in die visuelle Identität der Platte eingewoben, manche dieser Geschichten bestehen noch, andere nicht. ,Jeder einzelne Songtitel führt dich auf einen anderen Weg der Liebe - egal, ob du gewinnst oder verlierst." Quiñones wollte, dass die Zuhörer sich auf diese Mehrdeutigkeit einlassen. ,Liebe ist unendlich", sagt er. ,Sie reicht über ein Leben hinaus. Ich möchte, dass die Leute immer noch verwirrt sind - ich möchte, dass es wie ein offenes Buch bleibt." Doch eines bleibt durchgehend konstant: das Bekenntnis von Thee Sinseers zu ihrer Herkunft. Diese East-LA-Identität stellt sich nicht zur Schau - sie existiert einfach, eingewoben in das Gewebe der Musik, ohne als Abzeichen getragen zu werden. Hier wird kein Liebeskummer vorgetäuscht, sondern es ist das Echte.

Ein Gespräch mit Thee Sinseers kurz vor der Veröffentlichung ihres neuen Albums ,Love Stories" bei Colemine Records macht eines ganz deutlich: Dies ist kein Album, das eine glatte und ordentliche Liebesgeschichte erzählt. Es geht hier nicht um das Happy End. Es geht um alles, was davor, danach und trotz allem passiert. Auf dieser LP hat sich die Band auf eine erdigere Instrumentierung konzentriert - Kontrabass, Gitarren, die durch Verstärker laufen, um einen wärmeren, an die Sechziger angelehnten Klang zu erzielen - und sich von allem inspirieren lassen, wo es sich bot, selbst an den unwahrscheinlichsten Orten. Es ist dieses genreübergreifende Denken, das Sänger Joey Quiñones als das bestimmende Merkmal der Platte ansieht. "Es fühlte sich zu keinem Zeitpunkt so an, als würden wir Soul-Musik machen", sagt er. ,Es fühlte sich an, als würden wir einfach unsere Musik machen." Die Band wollte etwas Ehrlicheres einfangen als nur die Höhepunkte - sie wollte die Höhen und Tiefen romantischer Beziehungen zeigen und gleichzeitig den Rahmen erweitern, um auch das Familiäre, das Komplizierte und das Ungelöste einzubeziehen. Die Eltern der Bandmitglieder sind auf dem Albumcover zu sehen, ihre eigenen Liebesgeschichten sind in die visuelle Identität der Platte eingewoben, manche dieser Geschichten bestehen noch, andere nicht. ,Jeder einzelne Songtitel führt dich auf einen anderen Weg der Liebe - egal, ob du gewinnst oder verlierst." Quiñones wollte, dass die Zuhörer sich auf diese Mehrdeutigkeit einlassen. ,Liebe ist unendlich", sagt er. ,Sie reicht über ein Leben hinaus. Ich möchte, dass die Leute immer noch verwirrt sind - ich möchte, dass es wie ein offenes Buch bleibt." Doch eines bleibt durchgehend konstant: das Bekenntnis von Thee Sinseers zu ihrer Herkunft. Diese East-LA-Identität stellt sich nicht zur Schau - sie existiert einfach, eingewoben in das Gewebe der Musik, ohne als Abzeichen getragen zu werden. Hier wird kein Liebeskummer vorgetäuscht, sondern es ist das Echte.