French quartet Mourir are preparing to release their second full-length studio album, Nous, le venin, this summer via Pelagic Records. Their forward-thinking take on black metal and uncompromising approach to their work marks them out as ones to watch when they present this new material live at festivals across Europe including Hellfest, Rock In Bourlon and Resurrection festival in the months to come. With a demo, an album and an experimental EP to their name, the four-piece retreated to the studio at the end of 2025 to write the music for Nous, le venin. Recorded in January 2026 with Amaury Sauvé (Birds in row, Igorrr, Pneu) at The Apiary Studio in Laval, France, the six tracks are the very embodiment of Mourir's approach to black metal. Although they draw inspiration from many artists in the old-school black metal world, they opted to lean into a more modern sound - one that would allow the depth of their sonic choices to shine. Blending elements of sludge and post-metal to the rawness of their black metal sound, and combining this with a mix that gives space to both the low frequencies and the high-octane viscerality, Mourir have created something both distinctive and captivating. Thematically, the band turns their detached gaze towards an ever-more untethered modern society, one that is inhospitable to those seeking meaning in the cruelty and absurdity of a seemingly senseless world. Yet within these tracks exists slivers of light, of hope and of luminosity - a belief that something better is possible is woven throughout the melodic passages and most celestial, ecstatic elements of their sound. The evocative cover art by Thomas Davezac captures the feeling of disconnection that permeates the album. Mourir have recorded an album that cements their place among underground greats who deftly eschew the nostalgic trappings of black metal convention and breathe new life into the genre. Nous, le venin is imbued with raw emotion that is perfectly complemented by stylistic choices that echo the sentiment of being freed from the chains of the past. FFO Ultha, Fluisteraars, Envy and Neurosis
Reissue of the debut album by Laghonia, one of the most important bands of Peruvian rock. Originally released in 1960, "Glue" will be cherished by lovers of Latin American rock, pop and psychedelia as practiced by other similar classic bands such as Traffic Sound, We All Together, Black Sugar and Telegraph Avenue. After four brilliant singles, in 1969 the Peruvian band New Juggler Sound, formed by Saúl Cornejo (guitar), David Levene (lead guitar), Ernesto Samané (bass), Carlos Salom (organ) and Manuel Cornejo (drums), changed their name to Laghonia and released their debut LP "Glue" on the MAG label. The album included those previously released tracks, which were very influenced by the British rock scene of those years, to which they added fiery guitars bursting with fuzz and wah-wah, the ever present and hypnotic Hammond organ sound and Latin American percussion and rhythms. The result was a wonderful mix of mid-60s British beatmelodies, Jimmy Hendrix's intense rock, Cream's heavy blues and Santana's Latin rock. "Glue" is regarded as one of the key albums of Latin American psych and garage rock and is an essential record for any fan of those genres. Deluxe edition: 180g vinyl LP in tip-on jacket and insert with liner notes.
Passionate about electronic music from a very young age, Francesco Scarci, aka Deejay Fisherman, is an underground DJ and producer who loves vinyle.
In 2022 he opened his own label Sea Records and released his first Ep. "Dancing with shark". After various experiences as a guest in the dancefloors of Italy and Europe, he became resident in the well - known Italian underground Sound Department.
Today it boasts FIVE EP:
Sea 001; Dancing with shark;
Sea 002; The sound of Sirens;
Sea 003; Jolly roger groove.
Sea 004 ''Revolution'' and several collaborations with international labels, the latest with “Label 2222” with the track “Extasiado” and wit h Sound Department ascolti with the EP ''walking'' and the single bomb track ‘Baby’.
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Welcome to the ROOTS REGGAE SOUND. A period in Reggaes history that followed the two year supremacy of Rocksteady, that began to tail off around the end of 1968. The Reggae sound many say did not come initially from the chop of the guitar but from the stabs from the Keyboard/Organ that produced that jeggae/jerking feel. The Roots element can be heard in the heartfelt lyrics and the stories told in the songs. So sit back and enjoy some Roots Reggae straight from the heart of Jamaica….
Classic Barrington Levy Album from 1984 restored and remastered for best ever sound.
Features the hit singles 'Money Move; and the Jah Shaka sound system anthem 'Praise His Name'. Unavailable for 40 years and first time ever released outside Jamaica.
Sleeve artwork design by the great Jamaican illustrator Limonius - highly collectable. Solid all-star roots backing from Sly & Robbie, Lloyd Parks.
Recorded and mixed at Dynamic Sounds and Channel One
40 years after its creation, MOß GARTEN – Sekvensstyrd 1981–1986 arrives as a compelling double vinyl LP, diving deep into the early Swedish DIY electronic scene. Inspired by pioneers such as Kraftwerk, Cabaret Voltaire, John Foxx, and The Human League, Mikael Isaksson developed a distinct sound situated between minimal electronics, industrial, synth wave, and experimental sound art. At its core was the sequencer: pulsing, programmed structures forming the backbone of dense, often hypnotic compositions.
Working initially with his cousin Jan or friend Thomas and later evolving into a largely one-man project, recordings were made on cassette tapes and in improvised studios—often under time pressure, frequently recorded and mixed within just a few hours. These very limitations gave the tracks their raw and immediate character. Pieces like “Moderna Kvinnor,” “Soon Soon,” “Ensam,” and “Music From The Border” exemplify the uncompromising, sequence-driven (“sekvensstyrd”) approach that defined this era.
Using an arsenal of analog synthesizers, early sequencers, and drum machines, the project created music that feels at once cold, mechanical, and deeply emotional. Sekvenssytrd 1981–1986 is more than a collection of archival recordings—it is a vivid document of a time when electronic music was conceived as a radical and deeply personal form of expression.
Mastered by Martin Bowes. Graphic design by Steve Lippert.
2LP features: limited to approx. 200 copies, solid moss green vinyl, gatefold outer sleeve gloss lamination, polylined inner sleeves, hand-numbered silver foil paper insert with lyrics, download coupon)
"Finn Wolfhard's forthcoming album, Fire From The Hip, represents a definitive "hi-fi" evolution, moving from the raw, 16mm-aesthetic of his debut record, Happy Birthday, to a broader, 35mm-fidelity sound. Inspired by pivotal rock albums like Exile on Main Street and Beggars Banquet, Finn leans into a more expansive, collaborative sound on this record. The music is upbeat, guitar-driven, and captures the lightning-in-a-bottle energy of his live band, positioning Finn not just as a familiar face in the zeitgeist, but as a definitive and respected leader in the modern music landscape."
The Bug and Ghost Dubs relentlessly probe and atomize original material culled from Kevin Richard Martin's critically acclaimed 'Sub Zero' album. ("Monolithic and unforgiving, even by the Bug's standards, representing his most suffocating take on ambient dub yet." Pitchfork). Remixed to punish sound systems and freeze up the dance, both Fiedler and Martin trade fresh, contrasting blows, after their recent IMPLOSION face off album on PRESSURE last year. (Dub/Reggae album of the year, 2025, in 'The Wire') The resulting 4 remixes are every bit as hypnotic and persuasive as you would hope for from productions fresh out the soundlabs of Michael Fiedler aka GHOST DUBS and Kevin Richard Martin under his dancefloor destroying Bug alias. Both producers intensify the desolate mood of the originals but introduce demolition inducing beats which provide the literally irresistible momentum. Echoes of the originals are respected and heard throughout, but the extra gear shifts pay off brilliantly. Guaranteed to push serious air, and test the most powerful of sub woofers, these 4 remixes vary from heavy to superheavyweight. i.e. GHOST DUBS outputs a deliriously stoned headnod with his zonal refix of 'When I'm Gone', which miraculously sounds both subtley mysterious, but monolithically huge, whilst The Bug prowls ice cold, on the noirish, narcotic, instrumental hip hop of 'Too Human', which sounds like prime Mobb Deep mixed by Rhythm & Sound' at 16 bpm. Essential remixes of an already very special album, the original atmosphere is not only captured expertly, it is categorically amplified. LARGE.
»The Hidden Hand« bietet die gleichen düsteren und atmosphärischen Klanglandschaften wie die früheren Veröffentlichungen der Band, vermittelt zugleich aber ein Gefühl von Auflösung. Während sich der musikalische Geschmack der Band weiterentwickelt, bleibt die Herausforderung, ihren Sound dort zu verankern, wo alles begann – und genau das gelingt ihnen.
If These Trees Could Talk erzeugen klangliche Wucht, indem sie drei Gitarren einsetzen, um unterschiedliche Bereiche des Frequenzspektrums abzudecken. Ähnlich wie in einem Orchester verankert der Bass die tiefen Lagen, die Rhythmusgitarren halten den Mittenbereich und die Leadgitarre übernimmt die Höhen – so bleiben alle drei Komponenten stets präsent, besonders beim Übergang von cleanen zu harten Klängen.
Langjährige Fans wie auch Neueinsteiger werden von der beeindruckenden ersten Single des Albums begeistert sein: »Blurry Creatures« – ein Track, der den rohen Sound von If These Trees Could Talk verkörpert, mit unerbittlichen Riffs, epischen Höhen und Tiefen, atmosphärisch synkopierten Delays und einem Schlachtruf, der die Sinne elektrisiert.
Foreign Tongues, the new album from The Rolling Stones, is an incredibly vibrant 14-track collection arriving less than three years after the band’s universally acclaimed, GRAMMY-winning album Hackney Diamonds, which topped charts worldwide and achieved multi-platinum status. The new album is introduced by the upbeat and infectious lead single In The Stars.
Leading up to the announcement, the band subtly built anticipation around the project, including the limited white label release of the track Rough and Twisted, issued exclusively on vinyl under the name The Cockroaches. Circulating among fans and collectors, the release has already sparked excitement and speculation about the sound and direction of Foreign Tongues, offering an early glimpse into the album’s raw and experimental energy. Recorded during an exceptionally creative period, Foreign Tongues was brought to life in under a month at Metropolis Studios in West London, with Mick Jagger, Keith Richards and Ronnie Wood reuniting with GRAMMY-winning producer Andrew Watt, who also helmed Hackney Diamonds. The result is a dynamic and forward-looking record that captures the band’s unmistakable sound while venturing into new sonic and lyrical territory—further cementing their unmatched legacy.
The album showcases standout performances from Jagger, Richards and Wood, alongside their long-time collaborators, including Darryl Jones, Matt Clifford and Steve Jordan. It also features a special guest appearance from Charlie Watts, recorded during one of his final studio sessions before his passing in 2021. Additional contributions come from an impressive lineup of guest artists, including Steve Winwood, Paul McCartney, Robert Smith of The Cure, and Chad Smith from Red Hot Chili Peppers.
Speaking about the recording process, Mick Jagger said: “I love doing these recording sessions in London at Metropolis. It was a very intense few weeks recording Foreign Tongues. We had 14 great tracks, and we worked as quickly as we could. I like the room there because it’s not too big, so you can really feel the passion in the room from everyone.”
Keith Richards added: “The album Foreign Tongues has a connection to Hackney Diamonds, and it was great to be working in London again and to have that London vibe around us. It was a month of concentrated punch. For me, it’s all about the joy of it. I’m blessed to be able to do this—may it continue for a long time.”
Ronnie Wood commented: “The atmosphere in the room was so creative, and the whole band was in top form throughout the process. Very often, we nailed it on the first take. I hope everyone will love it.”
The album’s striking cover artwork is a painting created by the acclaimed American artist Nathaniel Mary Quinn
Nach der Veröffentlichung von „idea 1“, kündigt Kelela ihr neues, drittes Album an, das am 10. Juli bei Warp Records erscheint – und veröffentlicht die zweite Single „linknb“, produziert von Oscar Scheller.
Der Track entstand in einer Phase der Schreibblockade und begann als Mantra, das Kelela schrieb, um sich wieder an die Arbeit zu bringen. Angeführt von einem labyrinthischen Gitarrenriff über treibenden Metal-Drums ist „linknb“ ein Song über Selbstvertrauen, das man sich durch Schwierigkeiten erarbeitet hat, darüber, sich nicht klein machen zu lassen. „Es ist nicht schwer, mutig zu sein / Es ist leichter, zu viel preiszugeben / Ich weiß nur, dass ich den Weg geebnet habe, unterbezahlt.“
Das von Mischa Notcutt inszenierte Video versetzt Kelela in die Mitte einer urbanen Traumlandschaft. Als enger Freund und Kelelas ehemaliger Kreativdirektor war Notcutt die naheliegende Wahl. Das Video lässt Realismus und Abstraktion ineinanderfließen und verwandelt eine einsame Reise in eine Meditation über Selbstfindung und Erneuerung.
Mit „new avatar“ rückt alles, worauf Kelela hingearbeitet hat, in den Fokus. Sie begann ihre ersten Songs in der Indie-Szene von Washington, D.C. zu schreiben, bevor die Clubmusik und die elektronische Produktion, die ihre frühe Karriere prägten, die Oberhand gewannen. Mit „new avatar“ schließt sie den Kreis: R&B, unterlegt mit verzerrten Gitarrenklängen, trifft auf neue Schnittstellen in der Tanzmusik und gipfelt in einem Sound, der aus all den musikalischen Einflüssen schöpft, die sie je geprägt haben. Das Album enthält zudem Kollaborationen mit PinkPantheress, A. K. Paul und Fousheé.
„Dieses Album findet Trost in der Konfrontation“, sagt Kelela. „Ich möchte nicht, dass die Musik von dem ablenkt, was wirklich in der Welt vor sich geht; ich möchte, dass sie in dieser verrückten Zeit Sinn ergibt und den Menschen gleichzeitig hilft, mit der Schönheit und Freude in Kontakt zu kommen, die sie ebenfalls erleben.“
Das Album setzt sich mit einer Welt auseinander, die aus allen Nähten auseinanderfällt, und mit der Klarheit, die das Überleben erfordert.
„Die Leute sollten auch wissen, dass meine Freunde und ich ständig lachen und dass Humor kein Abwehrmechanismus ist; er ist Ausdruck dafür, wie scharfsinnig wir die Dinge einschätzen und wie klar wir die Welt sehen.“
Im Kern schildert „new avatar“ eine vielschichtige Erfahrung, und obwohl die Außenwelt präsent ist, schwächt sie Kelelas Entschlossenheit zu keinem Zeitpunkt.
About Kelela: Throughout her globally revered, boundary-pushing career, Kelela has established a lane of her own in R&B and electronic music. On her long-awaited third album, new avatar, the singer/songwriter (through the versatility of the guitar) challenges perceptions of these genres, while weaving together fragments of lived experiences to shape a world of connection and resilience during times of unrest.
The songs journey through Black femme rage, joy as resistance, Gotham City-esque dystopia, misogynoir, romantic tension, and more. It’s anchored by production that demands a broader rethink about alternative, rock and indie music.
Kelela’s defiant nature has propelled her so far already — from her hometown of Washington, D.C to world stages. In 2013, she released her debut mixtape, Cut 4 Me. She continued solidifying her revolutionary R&B sound with 2015’s Hallucinogen EP, with The New York Times naming its single, “Rewind,” one of the “25 Songs That Tell Us Where Music Is Going”. By 2017, she released her electric debut album Take Me Apart (which was followed by 2018’s TAKE ME A_PART, THE REMIXES), building upon her intimate storytelling.
After a nearly five-year hiatus, she returned in 2023 with her groundbreaking second album, Raven, and its critically-acclaimed counterpart, RAVE:N, The Remixes in 2024. Raven has been hailed as one of the ‘Best Albums of 2023’ by Pitchfork, Billboard, Vulture, Variety, and more, while the remixes solidified her as a leader in the dance music space.
In 2025, Kelela showcased yet another innovative side of her artistry with her live album In The Blue Light, which hit #5 on the Contemporary Jazz chart and #20 on the Jazz Albums chart. Now, with new avatar, Kelela displays the masterful intention she puts into forming new sonic cityscapes. But don’t confuse it with escapism: “I don't want the music to be a distraction from what's really going on in the world; I want it to help you get into it.”
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Nach der Veröffentlichung von „idea 1“, kündigt Kelela ihr neues, drittes Album an, das am 10. Juli bei Warp Records erscheint – und veröffentlicht die zweite Single „linknb“, produziert von Oscar Scheller.
Der Track entstand in einer Phase der Schreibblockade und begann als Mantra, das Kelela schrieb, um sich wieder an die Arbeit zu bringen. Angeführt von einem labyrinthischen Gitarrenriff über treibenden Metal-Drums ist „linknb“ ein Song über Selbstvertrauen, das man sich durch Schwierigkeiten erarbeitet hat, darüber, sich nicht klein machen zu lassen. „Es ist nicht schwer, mutig zu sein / Es ist leichter, zu viel preiszugeben / Ich weiß nur, dass ich den Weg geebnet habe, unterbezahlt.“
Das von Mischa Notcutt inszenierte Video versetzt Kelela in die Mitte einer urbanen Traumlandschaft. Als enger Freund und Kelelas ehemaliger Kreativdirektor war Notcutt die naheliegende Wahl. Das Video lässt Realismus und Abstraktion ineinanderfließen und verwandelt eine einsame Reise in eine Meditation über Selbstfindung und Erneuerung.
Mit „new avatar“ rückt alles, worauf Kelela hingearbeitet hat, in den Fokus. Sie begann ihre ersten Songs in der Indie-Szene von Washington, D.C. zu schreiben, bevor die Clubmusik und die elektronische Produktion, die ihre frühe Karriere prägten, die Oberhand gewannen. Mit „new avatar“ schließt sie den Kreis: R&B, unterlegt mit verzerrten Gitarrenklängen, trifft auf neue Schnittstellen in der Tanzmusik und gipfelt in einem Sound, der aus all den musikalischen Einflüssen schöpft, die sie je geprägt haben. Das Album enthält zudem Kollaborationen mit PinkPantheress, A. K. Paul und Fousheé.
„Dieses Album findet Trost in der Konfrontation“, sagt Kelela. „Ich möchte nicht, dass die Musik von dem ablenkt, was wirklich in der Welt vor sich geht; ich möchte, dass sie in dieser verrückten Zeit Sinn ergibt und den Menschen gleichzeitig hilft, mit der Schönheit und Freude in Kontakt zu kommen, die sie ebenfalls erleben.“
Das Album setzt sich mit einer Welt auseinander, die aus allen Nähten auseinanderfällt, und mit der Klarheit, die das Überleben erfordert.
„Die Leute sollten auch wissen, dass meine Freunde und ich ständig lachen und dass Humor kein Abwehrmechanismus ist; er ist Ausdruck dafür, wie scharfsinnig wir die Dinge einschätzen und wie klar wir die Welt sehen.“
Im Kern schildert „new avatar“ eine vielschichtige Erfahrung, und obwohl die Außenwelt präsent ist, schwächt sie Kelelas Entschlossenheit zu keinem Zeitpunkt.
About Kelela: Throughout her globally revered, boundary-pushing career, Kelela has established a lane of her own in R&B and electronic music. On her long-awaited third album, new avatar, the singer/songwriter (through the versatility of the guitar) challenges perceptions of these genres, while weaving together fragments of lived experiences to shape a world of connection and resilience during times of unrest.
The songs journey through Black femme rage, joy as resistance, Gotham City-esque dystopia, misogynoir, romantic tension, and more. It’s anchored by production that demands a broader rethink about alternative, rock and indie music.
Kelela’s defiant nature has propelled her so far already — from her hometown of Washington, D.C to world stages. In 2013, she released her debut mixtape, Cut 4 Me. She continued solidifying her revolutionary R&B sound with 2015’s Hallucinogen EP, with The New York Times naming its single, “Rewind,” one of the “25 Songs That Tell Us Where Music Is Going”. By 2017, she released her electric debut album Take Me Apart (which was followed by 2018’s TAKE ME A_PART, THE REMIXES), building upon her intimate storytelling.
After a nearly five-year hiatus, she returned in 2023 with her groundbreaking second album, Raven, and its critically-acclaimed counterpart, RAVE:N, The Remixes in 2024. Raven has been hailed as one of the ‘Best Albums of 2023’ by Pitchfork, Billboard, Vulture, Variety, and more, while the remixes solidified her as a leader in the dance music space.
In 2025, Kelela showcased yet another innovative side of her artistry with her live album In The Blue Light, which hit #5 on the Contemporary Jazz chart and #20 on the Jazz Albums chart. Now, with new avatar, Kelela displays the masterful intention she puts into forming new sonic cityscapes. But don’t confuse it with escapism: “I don't want the music to be a distraction from what's really going on in the world; I want it to help you get into it.”
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River Songs sees Al Wootton head deeper into esoteric rhythmic territory. Polyrhythmic hand percussion and bells are offset with modular synthesis and narcotic sound design that evokes the mysteries of the rainforest and the inherent psychedelia of nature. A heady dance floor river ride through unknown and uncharted spaces.
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Lemon Vinyl. Black Screen Records and Kaizen Game Works have once again teamed up for the vinyl repress of About That_ Paradise Killer B-Sides, the follow-up release to Barry "Epoch" Topping's vibrant funky city pop/vaporwave soundtrack to the open world adventure game Paradise Killer, which has proven to be a true essential release for itself. The record is featuring three new songs, vocal tracks, instrumental versions, remixes and piano arrangements along with a number of amazing guests, which are Fiona Lynch, Kyle Murray-Dickson, Fabian Hernandez, Ged Cartwright, Thomas Temple, MEEBEE and Okumura. Now available on lemon coloured vinyl with gorgeous cover art by José Salot. The sounds of Paradise. The music of a cosmic dream. Tunes from another reality. The tempo of the crime to end all crimes. The beat of long dead alien gods. The playlist of the investigation freak. Let the music take you away to Paradise. Feel the sun scorching your skin. Smell unbearably hot concrete. Savour the sweet taste of crime committed on a tropical island in another reality. Remember when we danced along the beach? Along the streets of Paradise? You made me this mix tape on the roof of your apartment block. We stared at the moon. You said you'd kill the moon. I didn't believe you. I was wrong.
e 5TO THE HEART [VOCAL VERSION]
[f] 6HOUSE OF BLISS [VOCAL VERSION]
Picture disc, artwork by C. Bedford Black Screen Records and Kaizen Game Works have teamed up for two new vinyl editions of Barry "Epoch" Topping's vibrant funky city pop/vaporwave soundtrack to the open world adventure game Paradise Killer. Topping's incredible soundtrack will be available on brand new picture discs as well as rosé & crystal clear with white marbled vinyl. The LPs are housed in a gatefold sleeve with beautiful 80s anime- & city pop-inspired artwork by Mizucat - additional art and layout by Kaizen Game Works, Barry Topping and Dane Baudoin. The picture disc artwork was crafted by C. Bedford as well as the one for the included folded A2 Crimson Acid poster. The sounds of Paradise. The music of a cosmic dream. Tunes from another reality. The tempo of the crime to end all crimes. The beat of long dead alien gods. The playlist of the investigation freak. Let the music take you away to Paradise. Feel the sun scorching your skin. Smell unbearably hot concrete. Savour the sweet taste of crime committed on a tropical island in another reality. Remember when we danced along the beach? Along the streets of Paradise? You made me this mix tape on the roof of your apartment block. We stared at the moon. You said you'd kill the moon. I didn't believe you. I was wrong.
As Is. Nimm es oder lass es. Girl Trouble sind seit ihrer Gründung im Jahr 1984 in ihrer Heimatstadt Tacoma, Washington, ihrem ganz eigenen Stil des Northwest-Garage-Rock treu geblieben. In diesen 42 Jahren, in denen sie dem Ruhm aus dem Weg gegangen sind, hat Girl Trouble in vielen erstklassigen Studios und für viele verschiedene Labels aufgenommen. In den letzten 15 Jahren hat die Band Dutzende neuer Tracks aufgenommen und dabei den Sound gefunden, den sie suchten: etwas Roheres und Echtes. Etwas Neues. Während sie das Experiment fortsetzten, beschloss die Band, alle ihre jüngsten Aufnahmen zu einem ,Rock-Tapestry" zusammenzufassen. Diese Sessions repräsentieren sowohl das ausgefeilte, überlagerte Girl Trouble im Studio als auch das spontane, schnörkellose Girl Trouble live im Raum - genau das, was sie schon immer auf einer Aufnahme festhalten wollten. Das Ergebnis ist das Beste aus diesen beiden GT-Stilen und allem, was dazwischen liegt. Aufgenommen in verschiedenen Klangumgebungen, wobei nur das Songwriting und die Darbietungen von Track zu Track gleich geblieben sind, ist Girl Trouble stolz darauf, endlich diese neue Sammlung von Rock-'n'-Roll-Songs ,As-Is" präsentieren zu können.
Foreign Tongues, das neue Studioalbum der Rolling Stones, umfasst 14 Songs und folgt weniger als drei Jahre nach dem vielfach ausgezeichneten Vorgänger Hackney Diamonds, der weltweit Spitzenpositionen in den Charts erreichte und mehrfach mit Platin ausgezeichnet wurde. Eingeleitet wird das Album von der beschwingten und eingängigen Lead-Single „In The Stars“. Foreign Tongues entstand innerhalb eines Monats in den Metropolis Studios in West-London, wo Mick Jagger, Keith Richards und Ronnie Wood erneut mit dem Grammy-prämierten Produzenten Andrew Watt zusammenarbeiteten. Das Ergebnis ist ein dynamisches, zeitgemäßes Album, das den charakteristischen Sound der Band aufgreift und zugleich neue klangliche und inhaltliche Akzente setzt.
Neben den zentralen Beiträgen von Jagger, Richards und Wood sind auch langjährige musikalische Wegbegleiter wie Darryl Jones, Matt Clifford und Steve Jordan auf dem Album vertreten. Darüber hinaus enthält das Album einen besonderen Beitrag von Charlie Watts, der während einer seiner letzten Aufnahmesessions vor seinem Tod im Jahr 2021 entstand. Ergänzt wird das Projekt durch Gastauftritte unter anderem von Steve Winwood, Paul McCartney, Robert Smith und Chad Smith.
Frisch gekrönt mit ihrem ersten GRAMMY Award in der Kategorie ,Bestes R&B-Album" für ihren Beitrag zu Leon Thomas' MUTT kehrt die unverwechselbare Sängerin/Altistin mit "Yearnalism" zurück, ihrem dritten Studioalbum, das von Selbstbewusstsein, Fürsorge und befreiender Liebe durchdrungen ist. Die Singer-Songwriterin und Produzentin definiert ,Yearnalism" als den Prozess und die Dokumentation von Sehnsucht in ihren vielen Formen: ,Sehnsucht nach Freiheit, Sehnsucht nach Liebe, Sehnsucht nach dem, was man nicht haben kann, Sehnsucht nach Erweiterung." Diese kompakte LP mit 12 Songs, die bald zu Klassikern werden, zeichnet eine holprige Roadmap der Sehnsucht, frei von Ego. Baby Rose hat fast ein Jahrzehnt lang auf diesen Moment hingearbeitet. Aufgewachsen zwischen Washington D.C. und Fayetteville, N.C., geprägt von Künstlern wie Nina Simone, Donny Hathaway und Janis Joplin, ist die als Jasmine Rose Wilson geborene Musikerin seit ihrem Debüt ,To Myself" aus dem Jahr 2019 eine feste Größe im Alternative R&B. Damals waren es der rauchige Klang ihrer Stimme und eine für ihr Alter ungewöhnlich reife Ausstrahlung, die die Zuhörer zum ersten Mal in ihren Bann zogen. Seitdem hat sie sich auf Alben mit Ari Lennox, Big K.R.I.T., Q, BADBADNOTGOOD und J. Cole behauptet. Sie lieferte den Abspann-Song zum Hollywood-Blockbuster ,Creed III" und brachte ihr Talent sowohl vor als auch hinter der Kamera in A24s ,Materialists" ein, indem sie dem Soundtrack des Films zwei Songs von eindringlicher Textur schenkte und in einem Cameo-Auftritt als Hochzeitssängerin auftrat. Zu ihren Bewunderern in der Branche zählen Schwergewichte wie SZA, Alicia Keys, Kendrick Lamar, J. Cole, H.E.R., Kehlani, James Blake und Olivia Dean.
,Enigma" ist das zweite Studioalbum von Kira Roessler (Black Flag, dos). Nach ihrem Solo-Debüt von 2021 baut das Album ihren minimalistischen, bassbetonten Sound weiter aus und verbindet karge Arrangements mit einer zurückhaltenden emotionalen Intensität. Co-produziert mit ihrem Bruder Paul (Screamers) und mit Backing-Vocals von Petra Haden entfaltet sich ,Enigma" mit einer ruhigen Präzision, die Kiras einzigartige Stimme und ihre kompositorische Zurückhaltung hervorhebt.
In Ensenada, Mexiko, wo der Horizont des Pazifiks eine klare, unveränderliche Linie zieht, nahmen HOLY WAVE ihr neues Album "i'm DADA" auf - ein Werk, das für die Band weitläufig und neu fokussiert wirkt. Der Schritt außerhalb ihrer Heimat USA war weniger ein Rückzug als vielmehr ein Perspektivwechsel, der Abstand schuf, um einen neuen Sound zu erkennen, der sich langsam unter ihnen herausgebildet hatte. "i'm DADA" offenbarte schnell seinen Charakter: treibender, offener Underground-Lofi-Rock und ihr bisher strukturell durchdachtestes Werk. Durch die Zusammenarbeit mit dem experimentellen Duo Lorelle Meets the Obsolete in deren Studio floss das Gemeinschaftsgefühl in das Album ein, obwohl dessen emotionaler Kern bereits in den monatelangen Vorbereitungen entstanden war. Die Hälfte von HOLY WAVE ist mexikanischer Herkunft und hat ihre Wurzeln in der Grenzregion um El Paso, sodass sich die Aufnahmen in Ensenada intuitiv und entspannt anfühlten. Die Songs spiegelten Gespräche über Vaterschaft und Partnerschaft, Trennungen und Entfremdung, die beunruhigende Beschleunigung der KI und darüber wider, was es bedeutet, präsent und prinzipientreu zu bleiben, während die Welt unvorhersehbar voranschreitet. Diese Spannung wird nicht explizit hervorgehoben, sondern geht in der Musik auf. Die Band dehnt ihr bekanntes Gespür für eine schwindelerregende Atmosphäre zu etwas Schlankerem und Direkterem aus. Es sind mehr Loops und Samples eingewoben als zuvor, Grooves, die konstruiert, zyklisch und hypnotisch wirken. Manche Tracks driften in Richtung der elastischen Weite des Dub; andere pulsieren mit filmischer Downtempo-Schwere. Das gesamte Album ist von einem frischen Schwung geprägt, von Rhythmen, die vorantreiben, von traumgetränkten Texturen, Fuzz-Gitarren und sanft schwebenden Vocals. "dewey's dirge" entfaltet sich geduldig: Verschwommene Gitarrenklänge erblühen, während darunter ein gmotorischer Puls stetig voranschreitet. Der Gesang bleibt im Hintergrund, breitet sich eher aus, als dass er explodiert. Es wirkt weitläufig und nachdenklich, eine Hymne des Abklingens, die Drama gegen Eintauchen eintauscht. "i'm DADA" hingegen findet seinen Rhythmus in einem schlanken, kreisenden Groove. Eine straffe Drum-Figur, eine Basslinie und eine abgehackte Gitarrenphrase wiederholen sich, bis sie lebendig wirken. Textlich kreist der Song um die komplizierte Hingabe ein Eltern-Teil zu sein. "s33.u.in/HAL" klingt wie eine Übertragung, die mitten in der Luft abgefangen wurde, leicht mechanisch, immersiv, ohne sich jemals vollständig aufzulösen, und fängt das zentrale Gefühl des Albums ein: den Versuch, trotz Störgeräuschen klar zu kommunizieren. Während frühere Alben von HOLY WAVE oft durch ein Gefühl des Dahintreibens geprägt waren, wirkt diese Platte nun neu geerdet. Das Album verzichtet nicht auf das Eintauchen in die Musik, sondern zügelt es. Die Grooves setzen sich fest, Wiederholungen gewinnen an Gewicht, und die Musik bleibt trotz ihrer schwereren Themen gefasst und unerschütterlich. Was dabei entsteht, ist keine Neuerfindung, sondern eine Schärfung: Holy Wave klingen weniger wie eine Band, die durch die Atmosphäre treibt, sondern eher wie eine, die diese inmitten des Chaos bewusst gestaltet.
Kassel Jaeger (alias François J. Bonnet) kehrt nach ,Swamps / Things" (SP119), ,Shifted in Dreams" (SP144) und der jüngsten Neuauflage des Klassikers ,Zauberberg" (SP068) - einem gemeinsam mit Akira Rabelais und Stephan Mathieu komponierten Werk - zu Shelter Press zurück. Mit diesem bedeutenden neuen Album mit dem Titel ,Sub Re" setzt Bonnet seine langjährige Erforschung der musikalischen Möglichkeiten von Klang fort. Dabei erweitert er den konkreten Ansatz, den er bei der Groupe de Recherches Musicales (dem historischen und bedeutenden Pariser Studio, das Bonnet seit 2018 leitet) entwickelt hat, und belebt ihn neu durch eine Herangehensweise, die sich weniger auf die klare Manifestation von Klangmaterial als vielmehr auf dessen mehrdeutige Evokation konzentriert. ,Sub re" kann im Lateinischen ,unter dem Ding, unter der Substanz, unter der Materie" bedeuten. Genau dieser direkte Zugang zur Musik, der sich auf die Gewinnung von rohem Klangmaterial stützt, bildet die Grundlage dieses Albums. ,Under the matter" verweist somit auf den konkreten Aspekt der Musik, jedoch nicht auf das Konkrete, das verklärt wird und zu Dampf und Form wird, zum Substrat einer Idee. Vielmehr verweist es auf das Konkrete unter dem Konkreten, in der Immanenz der Klänge, in ihrem Werden, als treibende Kraft, wie eine Flut, wie ein Gewölbe aus gebieterischer und mächtiger Materie. Um dies zu erreichen, greift Bonnet auf eine Vielzahl von Klangquellen (akustisch, elektronisch, natürlich oder künstlich, absichtlich geschaffen oder zufällig gefunden) und eine Vielzahl von Kontexten und Anlässen zurück, um ihnen Gestalt zu verleihen. Der Satz ,a shell, a bell, a spell" (etwa: eine Muschel, eine Glocke, ein Zauber) war beispielsweise erstmals während eines Konzerts in Venedig zu hören, das im Zusammenhang mit Latifa Echakhchs Beitrag zum Schweizer Pavillon auf der Kunstbiennale 2022 organisiert wurde, während der letzte Satz auf der Platte, ,signalmirror", ein Stück abschloss, das 2023 auf der ersten Sound-Biennale in Sion (Schweiz) präsentiert wurde. Diese Elemente, geformt und losgelöst von ihrem ursprünglichen Kontext des Erscheinens, von den Orten und Menschen, die sie ermöglichten und ihnen lauschten, tragen zu einer komplexen Schichtung von Stimmungen und Klangwelten bei und helfen, ein kontrastreiches Album zu schaffen, in dem Dichte und Zartheit in einer Abfolge bewegter Wellen koexistieren, mal voller Erinnerungen, mal voller Bedauern, stets in Bewegung gesetzt durch ihre eigene Morphologie. Sub Re bezieht sich auch auf ein Kapitel in Victor Hugos ,Die Arbeiter des Meeres", eine Schlüsselstelle, in der sich die Hauptfigur angesichts einer kolossalen Aufgabe allein mitten auf dem Meer wiederfindet, unter einem gigantischen Schiffswrack, das in den Klauen eines isolierten Riffs gefangen ist, umgeben von Wasser, Strömungen und Winden, allein, um sich dem Unmöglichen zu stellen. Denn tatsächlich ist es unter der Oberfläche, wo Handlungen entstehen, Entscheidungen getroffen werden und die Intuition uns leitet.
Es gibt ein altes Klischee über den letzten Tag der Sommerferien: dass er den Zugang zu endloser, müheloser Freude symbolisiere. Aber so ist es in Wirklichkeit gar nicht. Frag einfach Payson Power, den Gitarristen und kreativen Kopf hinter der Torontoner Band Daydream Plus. ,Als ich aufwuchs und einen Film sah, der am letzten Tag des Sommers spielt, dachte ich immer: ,Du bist schon beim deprimierenden Teil angelangt!` Der schöne Teil ist der vorletzte Tag des Sommers, denn das ist der letzte Tag, an dem man noch ohne Konsequenzen leben kann." Dieser Moment, in dem man noch Filme schauen und Videospiele spielen kann, bis die Sonne aufgeht, inspirierte Power dazu, das erste Album von Daydream Plus mit dem Titel ,Second Last Day of Summer" zu schreiben. Was diesen Tag so schön macht, ist, dass man unbewusst weiß, dass alles bald zu Ende sein wird. Nachdem er sein Leben lang Heavy Metal gespielt hatte, gründete Power 2020 Daydream Plus, um melodische, eingängige Kompositionen zu erkunden und Einflüssen nachzugehen, zu denen er zuvor nur in kurzen Momenten Zugang gehabt hatte. Nach zwei EPs, auf denen sich das Trio aus Toronto in der schmalen Schnittmenge zwischen komplexem Math-Rock und urbanem City-Pop bewegte, erweiterte Power langsam seinen Horizont. Mit Elementen aus Videospiel-Soundtracks, energiegeladenen Anime-Melodien und Akkorden, die direkt aus dem Songbuch von Steely Dan stammen, erschafft Daydream Plus auf ,Second Last Day of Summer" eine detailreichere Welt. Unterstützt von Powers Bandkollegen von Tomb Mold, dem Schlagzeuger Max Klebanoff und dem Bassisten Kevin Sia, arbeitet das Trio daran, den Geist von Don Caballero aufzunehmen und ihn mit einem Hauch von Smooth Jazz zu überziehen.
Es gibt ein altes Klischee über den letzten Tag der Sommerferien: dass er den Zugang zu endloser, müheloser Freude symbolisiere. Aber so ist es in Wirklichkeit gar nicht. Frag einfach Payson Power, den Gitarristen und kreativen Kopf hinter der Torontoner Band Daydream Plus. ,Als ich aufwuchs und einen Film sah, der am letzten Tag des Sommers spielt, dachte ich immer: ,Du bist schon beim deprimierenden Teil angelangt!` Der schöne Teil ist der vorletzte Tag des Sommers, denn das ist der letzte Tag, an dem man noch ohne Konsequenzen leben kann." Dieser Moment, in dem man noch Filme schauen und Videospiele spielen kann, bis die Sonne aufgeht, inspirierte Power dazu, das erste Album von Daydream Plus mit dem Titel ,Second Last Day of Summer" zu schreiben. Was diesen Tag so schön macht, ist, dass man unbewusst weiß, dass alles bald zu Ende sein wird. Nachdem er sein Leben lang Heavy Metal gespielt hatte, gründete Power 2020 Daydream Plus, um melodische, eingängige Kompositionen zu erkunden und Einflüssen nachzugehen, zu denen er zuvor nur in kurzen Momenten Zugang gehabt hatte. Nach zwei EPs, auf denen sich das Trio aus Toronto in der schmalen Schnittmenge zwischen komplexem Math-Rock und urbanem City-Pop bewegte, erweiterte Power langsam seinen Horizont. Mit Elementen aus Videospiel-Soundtracks, energiegeladenen Anime-Melodien und Akkorden, die direkt aus dem Songbuch von Steely Dan stammen, erschafft Daydream Plus auf ,Second Last Day of Summer" eine detailreichere Welt. Unterstützt von Powers Bandkollegen von Tomb Mold, dem Schlagzeuger Max Klebanoff und dem Bassisten Kevin Sia, arbeitet das Trio daran, den Geist von Don Caballero aufzunehmen und ihn mit einem Hauch von Smooth Jazz zu überziehen.
After appearing on Kulture Galerie Volume 4 alongise Uncanny Valley and fellow North Marcedonian Herzel, L.O.V.D joins the Digital Artefacts series with 'Dive'.
L.O.V.D is a doctor by day, synth geek by night, set between North Macedonia and Berlin. The title track of this new EP on Kulture Galerie was being picked for a mixed comp by Voltage Lab and his sound is started to being recognised internationally with appearances at many music festivals with his live set as well as international hotspots like Kiosk Radio.
This brand new 4 tracker is a personal journey that Ljuben describes like this:
'Dive is a collection of songs that embody my perception of the complex emotions experienced between two people in love. Sometimes beautiful, sometimes sad, always heavily emotionally charged, never perfect.'
„Mittelalter: Medieval Spirits 2026“ entführt alle Fans mittelalterlicher Klänge, epischer Geschichten und kraftvoller Folk-Rock-Hymnen in die faszinierende Welt zwischen Burgen, Tavernen und Ritterfesten. Die neue Vinyl-Compilation vereint die bekanntesten Bands der deutschen Mittelalterund Folk-Rock-Szene auf einem Album und liefert den perfekten Soundtrack für Mittelaltermärkte, LARP-Events und stimmungsvolle Abende. Inspiriert von der erfolgreichen „Medieval Spirits“-Reihe von ZYX Music.
Mit dabei sind unter anderem Schandmaul, Feuerschwanz und Subway To Sally – ergänzt durch weitere Szenegrößen und genretypische Hymnen voller Dudelsäcke, harter Gitarren und mystischer Melodien. Die Compilation verbindet traditionelle Mittelalter-Sounds mit modernem Rock und sorgt für echtes Festival-Feeling zuhause.
The second full-length album from Simon Herody - French born, Berlin based multi-instrumentalist and composer. Featuring the visual universe of Paul Waak.
Water from Mars retraces the imaginary odyssey of a near-future conquest of space - a sonic journey conceived as a soundtrack for the imagination. Blending acoustic and electronic instruments, Herody navigates between sci-fi jazz, left-field ambient dub, space lounge, and 4th world music, crafting a world where melancholy and forward-thinking curiosity coexist in weightless suspension.
Indulgent, textured, and uncompromising - for fans of glitchy synthesizer textures, cinematic atmospheres, and music that refuses easy categorization.
Picture disc, artwork by C. Bedford Black Screen Records and Kaizen Game Works have teamed up for two new vinyl editions of Barry "Epoch" Topping's vibrant funky city pop/vaporwave soundtrack to the open world adventure game Paradise Killer. Topping's incredible soundtrack will be available on brand new picture discs as well as rosé & crystal clear with white marbled vinyl. The LPs are housed in a gatefold sleeve with beautiful 80s anime- & city pop-inspired artwork by Mizucat - additional art and layout by Kaizen Game Works, Barry Topping and Dane Baudoin. The picture disc artwork was crafted by C. Bedford as well as the one for the included folded A2 Crimson Acid poster. The sounds of Paradise. The music of a cosmic dream. Tunes from another reality. The tempo of the crime to end all crimes. The beat of long dead alien gods. The playlist of the investigation freak. Let the music take you away to Paradise. Feel the sun scorching your skin. Smell unbearably hot concrete. Savour the sweet taste of crime committed on a tropical island in another reality. Remember when we danced along the beach? Along the streets of Paradise? You made me this mix tape on the roof of your apartment block. We stared at the moon. You said you'd kill the moon. I didn't believe you. I was wrong.
Formed in late 1991, Undertakers are among the longest-running and most uncompromising bands of the Italian extreme underground. This album marks the most mature chapter in the band's history. It is where everything finally locks into place: grindcore violence, hardcore urgency, death metal weight, and sharp black metal edges fused into a modern sound that never betrays its old-school DNA. No nostalgia trip, no trend-chasing-just experience, control, and intent. The record is built on contrast: precision versus chaos, speed versus crushing mid-tempos, modern production versus a raw, uncompromising attitude. Every track serves a purpose, every riff hits with direction. This is a band that knows exactly who it is and has nothing left to prove.
Formed in late 1991, Undertakers are among the longest-running and most uncompromising bands of the Italian extreme underground. This album marks the most mature chapter in the band's history. It is where everything finally locks into place: grindcore violence, hardcore urgency, death metal weight, and sharp black metal edges fused into a modern sound that never betrays its old-school DNA. No nostalgia trip, no trend-chasing-just experience, control, and intent. The record is built on contrast: precision versus chaos, speed versus crushing mid-tempos, modern production versus a raw, uncompromising attitude. Every track serves a purpose, every riff hits with direction. This is a band that knows exactly who it is and has nothing left to prove.
Booker Stardrum und Evan Shornstein sind beide Künstler mit einer ganz eigenen Stimme. Als Schlagzeuger hat sich Booker den Ruf erarbeitet, einer der originellsten Groove-Drummer der experimentellen Jazzszene zu sein. Er verbindet sein melodisches Gespür mit perkussiven Instrumenten und schafft so einen ganz eigenen Sound. Evan Shornstein, alias Photay, hat sich eine Nische in der elektronischen Musikszene erobert, in der er sich sowohl als Meister der Synthesizer als auch des Schlagzeugs präsentiert. Wenn man die beiden zusammenbringt, erschaffen Booker und Evan eine explosive Welt aus Beats, Elektronik und Melodie. Ihre Musik wirkt frisch und doch vertraut, groovig und emotional.
Native Call explores the roots of ancient Latin America, weaving five hypnotic tracks inspired by the myths and mysticism of the Maya civilisation. Each piece is a fragment of Maoh's universe; a world where past and present collide, evoking sacred rituals, celestial beliefs, and the hidden lore of a lost era.
Deep rhythms and haunting atmospheres guide the listener through a soundscape where ancient traditions meet contemporary electronic expression.
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"Adam Lambert’s new era carves a bold hybrid world, blending analogue grit with sleek electronic production. Distorted synths, live bass, electric guitar, and raw drums create a tactile yet futuristic soundscape where his voice soars and twists through dynamic melodies. Lyrically, the album explores longing, identity, and the tension between hope and cynicism; layered, symbolic, and emotionally charged. Dark, stylish, and intoxicating, it’s a strikingly elevated sonic evolution."
The 4th album from Melodeath trailblazers CARRION VAEL. Like a bastard offspring of The Black Dahlia Murder, Necrophagist & Nevermore, CARRION VAEL are set to cement a sound that will bear their brand for years to come. Epic, swathing and furious, 'SLAY UTTERLY' is a grisly, visceral ride into the mind of various Serial Killers, a theme that the band have now become known for through their OTT lyrical approach.
Dark Wings marks a shift toward a looser, more collaborative sound for Mason Jennings, recorded in an unconventional studio space built inside a design workshop with drummer Scott McPherson and engineer Aaron Featherstone. What began as a single track evolved into an 11-song collection shaped by ongoing sessions, spontaneous collaborations, and a rotating cast of musicians. The result is a warm, full-band record that leans into texture, instinct, and the energy of capturing music in the moment—an inspired departure from Jennings’ more solitary recent work. Vinyl pressing limited to 500.
Mit Alone Together liefern Show Me The Body das bislang stärkste und ambitionierteste Album ihrer
Karriere. Nach über einem Jahrzehnt, in dem sie ihre Community und kulturelle Relevanz konsequent auf
eigenen Wegen aufgebaut haben, markiert dieser Release einen klaren Durchbruchsmoment. Alone Together entstand in Zusammenarbeit mit Kenneth Blume III (fka Kenny Beats; u. a. Geese, IDLES, Denzel
Curry, Provoker) sowie Klaus Åhlund (u. a. Robyn, Ghost) und hebt Sound und Produktion der Band auf
ein neues Level.
In den drei Jahren seit dem letzten Album Trouble The Water hat sich insbesondere ihre Live-Präsenz
deutlich weiterentwickelt. Die 2023er „World War Tour“ – von Stereogum als „a true phenomenon“ bezeichnet – hat neu definiert, wie Hardcore-Shows heute aussehen können, und prägt die Szene bis heute.
Mit seiner Band Ubiquity (was so viel wie “Allgegenwärtigkeit” bedeutet) schlug der amerikanische Vibrafonist Roy Ayers Anfang der 1970er Jahre ein neues musikalisches Kapitel in seiner Karriere auf. “He’s
Coming” war 1972 bereits das dritte Album, auf dem der ehemalige Bebopper mit seiner Band ein unwiderstehliches Gebräu aus jazzigen Improvisationen, Funk-Rhythmen, Soul-Harmonien und spiritueller Tiefe bot.
Dieser Sound sollte Ayers Werk während des gesamten Jahrzehnts prägen und ihn später zu einer Inspirationsquelle für Soul-, Funk-, Hip-Hop- und Neo-Soul-Künstler machen.
Zum 20-jährigen Jubiläum von "The Greatest" erscheint das legendäre Album von Cat Power erstmals als pink farbene Vinyl-Edition - inklusive einer streng limitierten Neuauflage des ikonischen rosa Foliencovers. Eine Veröffentlichung, die nicht nur Sammlerherzen höherschlagen lässt, sondern auch die zeitlose Magie dieses außergewöhnlichen Albums neu aufleben lässt. Für die Aufnahmen kehrte Chan Marshall damals nach Memphis zurück - direkt an die Quelle des warmen, sinnlichen Hi-Records-Sounds der 70er-Jahre. Gemeinsam mit Soul-Legende Mabon "Teenie" Hodges, Gitarrist und kreativer Partner von Al Green, entstand ein Sound voller Tiefe, Gefühl und musikalischer Eleganz. Hodges, Mitautor von Klassikern wie "Love and Happiness" und "Take Me to the River", prägte mit seinem unverwechselbaren Gitarrenspiel das gesamte Album. Unterstützt wurde er von seinem Bruder Leroy "Flick" Hodges sowie weiteren Größen der legendären Memphis-Szene. Zusammen erschufen sie einen Klangkosmos aus samtigen Bläsern, funkigen Streicherarrangements, sanften Background-Vocals und tief verwurzeltem Southern Soul. Das Ergebnis ist ein Album, das sich jeder Zeitströmung entzieht und bis heute nichts von seiner emotionalen Kraft verloren hat. Songs wie "Willie" wirken zunächst schlicht, offenbaren jedoch bei jedem Hören neue Facetten. "Where Is My Love" klingt zugleich zerbrechlich und zeitlos - wie ein Lied, auf das Cat Power ihr ganzes Leben hingearbeitet hat. Mit "Living Proof" öffnet sich das Album schließlich in einen zurückhaltenden Gospel- und Country-Soul-Swing, der den ruhigen Momenten eine neue Intensität entgegensetzt. "The Greatest" ist weit mehr als nur ein Album - es ist eine musikalische Reise voller Melancholie, Wärme und Schönheit. Zwei Jahrzehnte nach seiner Veröffentlichung gilt es längst als moderner Klassiker und als eines der eindrucksvollsten Werke im außergewöhnlichen Schaffen von Cat Power.
Debut EP (1969) by the legendary Bolivian band Climax, recorded during their hard rock period, before evolving their sound toward progressive rock a few years later with the release of their well-known album "Gusano mecánico". Includes versions of 'Born to Be Wild' by Steppenwolf, 'Fire' by The Jimi Hendrix Experience, and 'Sunshine of Your Love' and 'Tales of Brave Ulysses' by Cream. On October 7, 1974, the now-historic "Gusano mecánico" was released - the only full-length album by the legendary Bolivian rock band Climax. Founded in 1968 from the remnants of the disbanded Los Black Byrds and the unrealized project The Turtles, Climax was formed by guitarist José "Pepe" Eguino and bassist Javier Saldías, who developed a strong bond with drummer Alvaro Córdova, cemented by their shared passion for rock. Together, they embarked on a journey of self-discovery, spending several months in the United States during a crucial period straddling the end of the Summer of Love and the lead-up to Woodstock. This period, perhaps the most significant of the 1960s Bolivian countercultural movement, saw an explosion of artistic expression driven by dissatisfaction with the society that the youth had inherited from their parents. Within this context, the influence of iconic bands such as The Jimi Hendrix Experience, Cream, Blue Cheer, and Emerson, Lake & Palmer played a pivotal role in their decision to return to Bolivia and form the country's first 'power trio'. Their early EPs paid tribute to their musical heroes. The first of these is titled "Born to Be Wild" (1969), including versions of 'Born to Be Wild' by Steppenwolf, 'Fire' by The Jimi Hendrix Experience, and 'Sunshine of Your Love' and 'Tales of Brave Ulysses' by Cream. Recording covers was completely normal at the time and was also their way of learning the musical language. It's worth noting that the term "cover" did not carry the meaning it has today; back then, the main goal was to spread the music and bring it to a wider audience. First time vinyl reissue.
Second EP (1970) by the legendary Bolivian band Climax, recorded during their hard rock period, before evolving their sound toward progressive rock a few years later with the release of their well-known album "Gusano Mecánico". Includes a new funky version of 'Born to Be Wild' by Steppenwolf, as well as three original compositions by the band. On October 7, 1974, the now-historic "Gusano mecánico" was released - the only full-length album by the legendary Bolivian rock band Climax. Founded in 1968 from the remnants of the disbanded Los Black Byrds and the unrealized project The Turtles, Climax was formed by guitarist José "Pepe" Eguino and bassist Javier Saldías, who developed a strong bond with drummer Alvaro Córdova, cemented by their shared passion for rock. Together, they embarked on a journey of self-discovery, spending several months in the United States during a crucial period straddling the end of the Summer of Love and the lead-up to Woodstock. This period, perhaps the most significant of the 1960s Bolivian countercultural movement, saw an explosion of artistic expression driven by dissatisfaction with the society that the youth had inherited from their parents. Within this context, the influence of iconic bands such as The Jimi Hendrix Experience, Cream, Blue Cheer, and Emerson, Lake & Palmer played a pivotal role in their decision to return to Bolivia and form the country's first 'power trio'. Their early EPs paid tribute to their musical heroes. Their second EP "Born to Be Wild II" was released in 1970, it featured a new funky version of the Steppenwolf original. It also introduced the band's first original compositions and their new influences: 'Ritmo de la Vida,' an instrumental chord-driven melody with Latin jazz overtones where we begin to hear the influence of Santana; 'El Abrigo Café de Piel de Gallina,' a standard blues number that recalls 'All Your Love' by Otis Rush; and 'The Seeker,' with a Latin vibe and lyrics that include the first reference to drug use in Bolivian music. First time vinyl reissue.
