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Top-Livealbum des ehemaligen The Stranglers-Frontmanns Hugh Cornwell, das auf den UK-Touren nach seinem 10. Soloalbum "Moments Of Madness" (2022) aufgenommen wurde. Als Hofdichter der Punk-Ära zeichnete er für die denkwürdigsten Songs der Stranglers verantwortlich, samt des Überhits "Golden Brown", dessen vielfältige Textdeutungen eine Meisterklasse des Songwritings sind. Das Doppelalbum enthält Livesongs aus allen Epochen, darunter Stranglers-Klassiker wie "Skin Deep", "Always The Sun" & "Strange Little Girl", die 2CD kommt mit 4 weiteren Bonustracks, darunter "Nice'n'Sleazy" & "(Get A) Grip (On Yourself)".

Top-Livealbum des ehemaligen The Stranglers-Frontmanns Hugh Cornwell, das auf den UK-Touren nach seinem 10. Soloalbum "Moments Of Madness" (2022) aufgenommen wurde. Als Hofdichter der Punk-Ära zeichnete er für die denkwürdigsten Songs der Stranglers verantwortlich, samt des Überhits "Golden Brown", dessen vielfältige Textdeutungen eine Meisterklasse des Songwritings sind. Das Doppelalbum enthält Livesongs aus allen Epochen, darunter Stranglers-Klassiker wie "Skin Deep", "Always The Sun" & "Strange Little Girl", die 2CD kommt mit 4 weiteren Bonustracks, darunter "Nice'n'Sleazy" & "(Get A) Grip (On Yourself)".

Tamil Rogeon, the Melbourne based multifaceted jazz, classical and electronic violin & viola player firmly cemented his reputation with the critical success of his 2021 album Son Of Nyx which was released on Soul Bank Music, Impressive Collective head honcho Greg Boraman's previous label. Lauded as a modal and spiritual jazz fusion opus, Son Of Nyx found favour with Gilles Peterson, Laurent Garnier, Rebecca Vasmant, BBC6 Music's' Cerys Matthews and Deb Grant, was a Jazz FM’ Album of the Week. Building upon that highly original sound concept, Wave Theory draws from the jazz fusion movements of the 70s and 80s and conjures up textured soundscapes rich with cosmic synths, soaring vocals and deep jazz funk, and sees Tamil once again joining forces with Son of Nyx contributors Rita Satch and Daniel Mougerman, plus new collaborators and special guests including Lance Ferguson and celebrated trumpeter, friend Audrey Powne. Listeners can expect the same modal experiments, driving percussion and cosmic synths of Son of Nyx as well as new and exhilarating experiments in electric string instrumentation. Across all 6 tracks the highlights are numerous, but of particular note are the album opener "Ascend it!"; a fusion masterpiece that seamlessly blends psychedelic elements, funk grooves, intricate melodies, and improvisation. When "Doom Date" takes flight we are transported to Mahavishnu Orchestra-like territory, before finishing with an angular melody that is pure jazz-fusion inventiveness. The irresistibly funky 'Gift Of The Gab” is built upon a hypnotic bass line over drum and percussion. Laden with synth and retro keyboards reminiscent of the deep funk of Herbie Hancock’s late 70s period. "Mountain Bug' alternates between minor and major keys, a hallucinatory violin solo is followed by a dazzling trumpet improvisation. A restatement of the melody accompanied by the gunfire of the drum set and percussion. Tamil says of Wave Theory “Sometimes themes reveal themselves through creative encounters and through life experience. I wrote and recorded the album in six months. A lot happened to me and my friends during that time so, for me, ‘Wave Theory’ is like a musical snapshot of life’s relentless ebbs and flows. It’s about the sadness and thrills of endless transformation and the power of creative connection".

Kreaturen der Nacht sehnen sich in die 80er Jahre des letzten Jahrhunderts zurück. Post-Punk und New Wave stiegen zu glorreichen Höhen auf und diese epische Erforschung dunkler Klangwelten auf der Basis von harten Gitarren und treibender Elektronik fand auf allen alternativen Tanzflächen statt. Klangvolle Namen wie SISTERS OF MERCY, FIELDS OF THE NEPHILIM, DEPECHE MODE, JOY DIVISION, THE HUMAN LEAGUE, ULTRAVOX und viele andere funkeln noch immer in einem magischen Glanz. Zum Glück sind all die subtile Erotik, elektrisierende Spannung und die düstere musikalische Leidenschaft nicht für alle Zeiten verloren gegangen: Die Rettung naht mit SOROR DOLOROSA auf schwarzen Schwingen. Das vierte Album der Franzosen mit dem vielsagenden Titel "Mond" hat musikalische Reißzähne, die schon beim ersten Durchgang köstliches Klangblut sprudeln lassen. Der klassisch-dunkle Post-Punk findet sich ebenso wieder wie Wave-Elemente und ein überwältigender Drang, die Füße in ekstatischen Tänzen unter dem namensgebenden Mond bewegen zu müssen. Doch SOROR DOLOROSA gehen dabei keineswegs mit abgestandenem Nostalgie-Schlangenöl hausieren. Die nach Paris umgezogenen Veteranen haben das klassische Feeling mit dem massiven Sound des neuen Jahrtausends für einen neuen Höhenflug aufgerüstet. Die Idee, den Mix und das Mastering von "Mond" James Kent anzuvertrauen, erweist sich als hervorragender Schachzug. Der PERTURBATOR-Vordenker hat die üppige Produktion dieses epischen Albums mit einer vibrierenden Power und wohltuenden ätherischen Kühle aufpoliert. Textlich bleiben SOROR DOLOROSA dem seit ihrer Gründung im Jahr 2001 in der südfranzösischen Stadt Toulouse eingeschlagenen Weg treu. Die erstmals mit der "Severance" (2009) Debüt-EP manifestierten dunkel-romantischen und kathartischen Gefühlslandschaften lassen noch immer das Herz der Band schlagen. Die Inspiration für "Mond" stammt unter anderen aus den Federn von Dichtern und Schriftstellern wie William Blake und Edgar Alan Poe.

Als Sohn türkischer Eltern und Gastarbeitenden ist er immer noch da, wo er aufgewachsen ist - in seiner Heimat Moabit. Nach fast 10 Jahren Texte schreiben verbringt Apsilon seit gut zwei Jahren viel Zeit im Studio. Inhaltlich gibt es Deutschrap mit antikapitalistischer Analyse ohne erhobenen moralischen Zeigefinger. Provokante Gesellschaftskritik ohne Kompromisse gegen weißdeutsche Bequemlichkeit und Resignation. Die Delivery ist die pure Wut, der Sound ist trappig und modern. New Wave. Apsilon kommt leger um die Ecke und legt Basketballreferenzen neben Rassismuskritik, reiht geschickt deutsche Redewendungen aneinander, während er sie bricht und so mit der deutschen Sprache dribbelt.Mit Songs wie "Baba", EPs wie "32 Zähne" oder "Blei" und Zusammenarbeiten mit Bazzazian, LUVRE47 oder Wa22ermann hat Apsilon sich in gerade mal zwei Jahren vom Newcomer aus Berlin-Moabit zu einem echten Hoffnungsträger für hiesigen HipHop entwickelt. Aus gutem Grund: Apsilon vereint lyrische Schauspiele und nachhallende Performance. Seine inbrünstigen Flows um Lines über Antikapitalismus und Straßenkämpfe umgeben dabei den Hauch einer (Rap-)Revolution, die nicht nur antirassistisch, inklusiv, sondern sogar ohne Zeigefinger auskommt. Selten war politischer Rap so zwingend und zwanglos. Mit "Haut wie Pelz" veröffentlicht Apsilon jetzt sein langerwartetes Debütalbum. Die 14 Tracks setzen sich auf unterschiedlichen Ebenen und aus verschiedenen Perspektiven mit der Geschichte von Apsilons Familie auseinander. Es erzählt von seinen Großeltern, die aus der Türkei nach Deutschland gekommen sind, immer in dem Glauben, nur kurz zu bleiben und bald wieder in die Heimat zurückzukehren. Aber genauso geht es auch um ihre Kinder und um Apsilon und seine Geschwister. "Auf jedem der Songs geht es um unsere Geschichte, die Träume und Traumata, die schönen aber auch die schmerzhaften Seiten dieses Lebens. Einerseits sind es sehr persönliche und emotionale Themen, aber andererseits möchte ich diese Geschichte auch deshalb erzählen, weil sie auf viele andere Menschen und Familien in Deutschland übertragbar ist." Die Idee für "Haut wie Pelz" kam Apsilon nach der Veröffentlichung seiner Single "Baba" im letzten Jahr, mit der er sich auf berührende Weise an seinen Vater wandte. "Nach dem Release ist mir klar geworden, in welche Richtung das Album gehen soll", erinnert sich Apsilson. "Der Song hat mir aber nicht nur inhaltlich, sondern auch musikalisch ein ganz neues Selbstbewusstsein gegeben." Entstanden ist "Haut wie Pelz" deshalb gemeinsam mit dem Team, dass auch schon für "Baba" verantwortlich war: Bazzazian, Ralph Heidel und Apsilons Bruder Arman, der gleichzeitig auch als Executive Producer für das Album fungiert. "Haut wie Pelz" von Apsilon erscheint am 04.10.2024. Im November geht Apsilon gemeinsam mit seinem Bruder Arman und dem neuen Album auf große Tour durch Deutschland, Österreich und die Schweiz.

Abramelin, die Pioniere des australischen Death Metal, haben soeben ihr viertes Studioalbum mit dem Titel „Sins of the Father“ fertiggestellt. Nach
dem sehr gut aufgenommenen Album „Never Enough Snuff“ aus dem Jahr 2020 ist „Sins of the Father“ ein brutaler Death Metal-Angriff auf die Sinne,
der textlich die Grenzen des Horrors und der Verderbtheit weiter ausreizt. 1988 von Sänger Simon Dower und dem damaligen Gitarristen David
Abbott als Acheron gegründet, änderte die Band ihren Namen Anfang der 90er Jahre aufgrund eines Zusammenstoßes mit einem internationalen Act
gleichen Namens. Tim Aldrige stieß 1989 zur Band und wurde schnell zum Hauptautor der Musik, während Dower für die grotesken Texte zuständig
war. Abramelin war in den 90er Jahren eine starke, treibende Kraft und spielte neben einer Reihe bekannter australischer Bands aus verschiedenen
Genres sowie internationalen Metal-Giganten wie Morbid Angel, Cradle of Filth, Cannibal Corpse, Carcass & Paradise Lost, um nur einige zu nennen.

Schwerpunkt Süden und Austria! Anna Buchegger bringt
frischen Wind in die österreichische Volksmusik - kühn und
selbstbestimmt. In ihrer Musik verbindet sie ausgewählte
traditionelle Elemente mit zeitgenössischen Strömungen und
erschafft einen Dialog, der die Werte von gestern und die
Dringlichkeiten von heute miteinander verknüpft. Kein Blatt
vor den Mund nehmen! – Ihre Texte spiegeln die raue Realität
wider, verpackt im dialektalen Sprachklang der Salzburger
Mundart und eingebettet im zeitlosen Bandsound der 70erJahre. Kurz gesagt: musikalisches Brückenbauen zwischen
Tradition und Innovation.

Four years after their Discrepant debut - 'OOOO' -, Lisbon-based travellers Jibóia return to the fold with another offering of globetrotting psychedelia with 'Salar'. With the core trio of Óscar Silva, Ricardo Martins and Mestre André augmented by a stellar parade of collaborators on various roles, 'Salar' further expands on the transglobal visions by now pretty trademarked by the band. Intersped among shorter vignettes for drums, saxophone and bass, each of the more fully fleshed tracks casts a guest to elevate Jibóia's music to uncharted realms - both in a mystical and geographical sense.

Opener 'Selar' summons the cello of songstress Joana Guerra for a skewed dialogue with Silva's guitar, propelled by Martins' drums and percussion and André's electronic textures into 4 minutes and 20 seconds that feel epic - if there was any psychedelic numerological symbolism needed. On 'Solar', Silva's non-western plucking rides on for Yaw Tembe's trumpet to veer in a multitude in directions, while the mysterious 'Sitar' conjures the voice of moroccan musician Ayoub El Ayadi for a contemplative nighttime prayer. Elsewhere, guitarist Rui Carvalho aka Filho da Mãe injects dissonant guitar lines unto 'Sarar's pummelling dance and Pedro Augusto's electronics hover below the shapeshifting dynamics of 'Sonar', among mesmerising keyboard lines. 'Salir' featuring Daiyen Jone enchanted flute brings the album to a close at its most reflective, all crepuscular synth lines and reverbed handclaps.

Der Assistent scheint am Ende. In der dubiosen Klinik unter Palmen kommt er umnebelt zu sich. Diagnose: Amnesie am Amazonas! Eine Kakteensaft-Kur soll helfen bei der Spurensuche im Sumpf der Erinnerung. Am Ende bleibt nur die Erkenntnis: "Nichts holt mich ab, so wie die Melancholie."
Wie bei seinem Debut wird der Assistent auch beim zweiten Teil seiner Odyssee von den Klängen der späten siebziger und frühen achtziger Jahre begleitet. Ein Sound wie auf einem Mixtape, das zu lange in der südamerikanischen Sonne auf der Heckablage eines verbeulten Citroën Visa lag. Sein Sofrito aus Library-Muzak, Dub-Rhytmen, japanischem Reggae und Yachtrock, gewürzt mit Latin und Bossanova, serviert er auf zartem Weißbrot-Soul. Die Texte sind bisweilen absurd, stets sehnsuchtsvoll und mindestens doppeldeutig. Hier und da wurde ein Easter Egg versteckt: Jörg Fauser, Raymond Chandler und Agatha Christie lassen grüßen. In bekannter Marlowe-Manier driftet der Erzähler verstrahlt durch die (Alp-)Traumwelten seiner acht Lieder. Ist es Tom Hessler selbst, der dort im Zerrspiegel der Cocktailbar erscheint, oder sein Alter Ego? Der Assistent kehrt zurück als relaxed-verzweifelter Fitzcarraldo, der versucht einen Urlaubsdampfer voller Grooves aus der Spree über einen Zauberberg im Regenwald zu hieven, und dabei in Welten jenseits von Raum und Zeit entschwindet. Dabei helfen Wolfgang Pérez (Golf), Magic Manfred (Stella and the Longos), Pedro Goncalves Crescenti (The Düsseldorf Düsterboys, International Music) u.v.a.

This release documents the coming together of two fallible musical instrument systems and their creator-operators. In June 2023, Graham Dunning's Mechanical Techno and Sam Underwood's Acoustic Modular System took a train journey to Galerie Paradise in Nantes, France. Following a period of exploration, points of cohesion, jeopardy and happenstance were exploited to create these nine unruly pieces that appeared initially on the ultra-limited vinyl release on the gallery’s record label. Now they celebrate a new pressing of Beaux Timbres on Accidental.

Using innovative methods, they create abstract, rhythmical and textural experimental soundscapes. Graham uses an extended turntable: a regular DJ turntable with numerous sensors, modified vinyl records and synthesizers creating irregular rhythmic patterns. Sam presents his Acoustic Modular System: a device for creating acoustic sounds with bellows, feedback and chaotic sequencers.

Building on the foundation of his two EPs for Samurai Music, we proudly present Urmah, the first LP exploring the 170 tempo from acclaimed Techno/Electronic producer Juan Rico aka Reeko, aka Architectural.

Reeko has now become an integral part of the overall Samurai Music sound. His work resonates deeply within the label's ethos, and Urmah exemplifies this synergy, highlighting his ability to enrich and expand Samurai Music's vision and push the boundaries of his own artistic expression.

For Urmah, Reeko delves even further into sound and psyche with a richer, more enveloping exploration into his distinct interpretation of the tempo. Reeko's production prowess shines brightly on Urmah with the warmth and weight of each track leaving an indelible impression.

Urmah focuses on heady fathomless grooves that tease shards of breakbeats like delicious icing, binding themselves to a gentle psychedelia with celestial textures. This is dexterous, meditative journey music from a producer who has an intimate relationship with groove creation.

As one of the most respected Techno producers in the genres long history, Reeko's influence and mastery are undeniable. With Urmah, he further showcases his expertise, expanding his palette to display a refined command of the 170 BPM tempo. The LP is a testament to his ability to innovate and redefine, solidifying his reputation as a pioneering force in electronic music.

Behind the deceptive veneer of the demure monotone artwork, something unassuming lies within this long-play waiting to be explored. Intrigued by the ironic title, enticed by the elegant text positioned alone on the beautifully tactile matte canvas, the listener will experience musical wonderment at odds with the presentation and discover that the 1976 album Colours is a powerful yet sophisticated set of electric soul-jazz. An inspired recording that bursts with warmth and texture, the pivotal recording from an exceptional jazz musician. HER name - Judy Bailey.

Over the course of a 70 year career, the pianist and composer established herself as one of the central figures of Australian jazz. Her crowning achievement Colours is a spirited and ambitious recording that captured the maturation and shifting jazz landscape of the mid 1970s Australia. Alongside other notable albums recorded mid decade including the 1975 self titled album by Melbourne's Arena (see Roundtable SIR014)) and Jackie Orszaczky's Beramiada (1975), the album signalled the countries transition from semi-acoustic jazz to electric jazz-funk. Regularly compared to the albums released on Creed Taylor's CTI label, Colours parallel these recordings with their clean production and spacious soul-jazz arrangements. In particular the crisp drums and processed bass heard on Bob James and Joe Farrell albums, the sprightly flute of Hubert Laws or perhaps the more sensual side of Flora Purim's vocals could all be suggested as a source of influence.

Continuing to celebrate and re-document Australia's jazz music legacy, The Roundtable are pleased to offer the first vinyl reissue of this seminal Australian Jazz recording. Presented in a replica gatefold sleeve with new liner notes, the full palette can once again be appreciated including the moody funk of Fall Down Dead, the Iberian Waltz Toledo, the Jazz-Dance anthem Colours Of My Dream and the spacey impressionist piece The Eleven Eight Song.

Following up on last years debut release, Chontane returns with Manx, the second EP on his label, TANE. This five-track collection continues his exploration of sound design, moving into fresh territory while retaining the distinctive energy that marked TANE001.

With TANE002, Chontane invites listeners into a diverse sonic landscape, emphasizing mood, texture, and the subtle intricacies of rhythm.
Manx marks a significant progression in Chontanes artistry, expanding on the
foundation set by TANE001, which echoed the nostalgia of 90s and early 2000s rave culture. While his first EP blended old-school, rave-inspired techno, atmospheric tracks, and a touch of jungle, TANE002 boldly ventures into new, uncharted territories. It challenges traditional genre boundaries, delving deep into the potential of sound design, and offering a forward-thinking perspective that feels attuned to the future.

The EP highlights Chontanes dedication to capturing a wide spectrum of moods and textures within a single record. The title track, Manx sets the stage with a dark, hypnotic presence. Rich in layered textures and atmospheric undertones, the track fuses a powerful kick with resonant toms, deep subs, and eerie pads. Haunting, glitchy vocal snippets add an extra dimension, making Manx a compelling, immersive experience.

On Gazebo, the EPs A2 track, Chontane shifts the energy, delivering a composition that balances driving rhythms with a melodic core. The combination of dynamic drums with an epic, mystical theme creates a piece thats both uplifting and introspective, standing out for its ability to evoke grandeur while maintaining a sense of optimism.

The B-side leans into a more shadowy atmosphere, with Oolean blending metallic
percussion and a throbbing bassline. The tracks ominous pads and powerful kick drum propel it forward, creating a narrative thats intense and captivating.
B2 offers a fitting conclusion to the vinyl release, presenting a track that blends dreamy, atmospheric melodies with a robust kick and driving sub-line. The mystical qualities of this composition make it an evocative and memorable closer.
The digital-only track, Thumb Print, rounds out the EP with a relentless, peak-time experience. Its hypnotic rhythm and expansive sense of scale make it a standout track, perfect for igniting dance floors and capturing listeners attention.

Death metal can hardly get more dedicated and passionate about the old school Floridian sound than
TEMPLE OF DREAD on their fifth album "God of the Godless". Luckily, the East Frisians from German
island Spiekeroog are not mired in a swamp of stale nostalgia. Although "God of the Godless" comes
with the brutal power of harsh winter storms and the gritty texture of the often fierce North Sea
weather, the East Frisians have also refined the cinematic aspects of their sound that they had firmly
established on the predecessor "Beyond Acheron" (2023).

Zwei Jahre nach seinem hochgelobten Cover-Album "Taped Heart Sounds" schlägt Jesper Munk ein neues Kapitel auf: Mit wohlgereiften Eigenkompositionen kehrt er jetzt zur Freude aller treuen Wegbegleiter:innen endlich auch wieder als Komponist und Texter zurück. Sein neues Album klingt melancholisch und swingend. Moderner Neo-Soul, vom Jazz geküsst, dazu Chanson, R"n"B, bluesy Crooner-Balladen und zarter Indie-Pop bis hin zum Slow Wave, sind die Eckpfeiler, die "Yesterdaze" wohl am besten beschreiben.

Wie war das noch gleich? Die dritte Scheibe einer Band ist das ,Make-It or Break-It"-Album? Kontrolle aus Solingen und Düsseldorf könnte das nicht egaler sein. Ihr kalter, 80er- beeinflusster Wave-/Post-Punk-Sound wurde schon beim 2017er-Debüt ,Egal" begeistert aufgenommen und mit ,Zwei" (2021) verfeinert. Und so gab es für das Trio nie einen Anlass für eine grundlegende Sound-Änderung, eine Umstellung der Herangehensweise oder ein Schielen auf Trends. Das genau beweist ,Grau", Kontrolle-Album #3. Denn wenn das dritte Album von KONTROLLE etwas unterstreicht, dann, dass die Band noch kompromissloser zu Werke geht. Ihre Hardcore- und Punkwurzeln sind hier deutlicher denn je zu erkennen. Die breite Soundwand, die das Trio um Gitarrist und Sample-Meister Carsten Wagner, Sänger und Bassist Daniel Brangs und Drummer Andrew Collar kreiert und erneut in der Tonmeisterei bei Role Wiegner in Oldenburg auf Band gebannt hat, bestätigt diese Vermutung. Aber da sind ja auch noch die prägenden, markanten dunklen Elemente, die als Gegenpol eine sphärische Dynamik schaffen, die zwischen hypnotisch und eruptiv pendelt. Und das funktioniert nicht nur vor der Bühne, sondern auch auf der Tanzfläche. Die deutschen Texte von Sänger Daniel behandeln aktuelle Themen und Sorgen in gewohnt KONTROLLE-typischen Passagen, die oft mit einem Augenzwinkern auch politisch Stellung beziehen. Bisweilen spielen sogar Alltags- und Haushaltsgegenstände nicht zu unterschätzende Rollen in der ,kontrollierten" Beschreibung der deutschen Realität. Die Covergestaltung lag erneut in der Hand von Schlagzeuger Andrew, der diesmal neue Wege beschritt: Hunderte selbst geschossene Fotos bildeten den Grundstock für eine Collage von original ca. 1,5 m x 2 m. Alle Bilder wurden in mühevoller Kleinarbeit ausgeschnitten und zusammengestellt. Das Gatefoldcover ist somit ein Kunstwerk für sich und eröffnet mit jedem Blick neue Details. Erscheinen wird die LP am 27.09.2024, wieder auf dem für handgemachte Releases geschätzten Kölner Label Holy Goat Records. Zwei digitale Single-Releases und eine limitierte 7"- Auskopplung kommen im Vorfeld. Und natürlich sind KONTROLLE dann auch wieder live im Einsatz.

Wie war das noch gleich? Die dritte Scheibe einer Band ist das ,Make-It or Break-It"-Album? Kontrolle aus Solingen und Düsseldorf könnte das nicht egaler sein. Ihr kalter, 80er- beeinflusster Wave-/Post-Punk-Sound wurde schon beim 2017er-Debüt ,Egal" begeistert aufgenommen und mit ,Zwei" (2021) verfeinert. Und so gab es für das Trio nie einen Anlass für eine grundlegende Sound-Änderung, eine Umstellung der Herangehensweise oder ein Schielen auf Trends. Das genau beweist ,Grau", Kontrolle-Album #3. Denn wenn das dritte Album von KONTROLLE etwas unterstreicht, dann, dass die Band noch kompromissloser zu Werke geht. Ihre Hardcore- und Punkwurzeln sind hier deutlicher denn je zu erkennen. Die breite Soundwand, die das Trio um Gitarrist und Sample-Meister Carsten Wagner, Sänger und Bassist Daniel Brangs und Drummer Andrew Collar kreiert und erneut in der Tonmeisterei bei Role Wiegner in Oldenburg auf Band gebannt hat, bestätigt diese Vermutung. Aber da sind ja auch noch die prägenden, markanten dunklen Elemente, die als Gegenpol eine sphärische Dynamik schaffen, die zwischen hypnotisch und eruptiv pendelt. Und das funktioniert nicht nur vor der Bühne, sondern auch auf der Tanzfläche. Die deutschen Texte von Sänger Daniel behandeln aktuelle Themen und Sorgen in gewohnt KONTROLLE-typischen Passagen, die oft mit einem Augenzwinkern auch politisch Stellung beziehen. Bisweilen spielen sogar Alltags- und Haushaltsgegenstände nicht zu unterschätzende Rollen in der ,kontrollierten" Beschreibung der deutschen Realität. Die Covergestaltung lag erneut in der Hand von Schlagzeuger Andrew, der diesmal neue Wege beschritt: Hunderte selbst geschossene Fotos bildeten den Grundstock für eine Collage von original ca. 1,5 m x 2 m. Alle Bilder wurden in mühevoller Kleinarbeit ausgeschnitten und zusammengestellt. Das Gatefoldcover ist somit ein Kunstwerk für sich und eröffnet mit jedem Blick neue Details. Erscheinen wird die LP am 27.09.2024, wieder auf dem für handgemachte Releases geschätzten Kölner Label Holy Goat Records. Zwei digitale Single-Releases und eine limitierte 7"- Auskopplung kommen im Vorfeld. Und natürlich sind KONTROLLE dann auch wieder live im Einsatz.

Vier Klavierkonzerte von Mozart legten Friedrich Gulda, Claudio Abbado und die Wiener Philharmoniker
in den 1970er Jahren bei der Deutschen Grammophon vor – alle genießen heute Kultstatus. Nachdem die
Konzerte Nr. 25 & 27 bereits im Rahmen von The Original Source Series veröffentlicht wurden und auf
überwältigende Resonanz stießen, folgen nun die Konzerte Nr. 20 & 21, zur Verbesserung der Audioqualität
neu verteilt auf 2 LPs.
Anlässlich ihres 125. Geburtstag startete die Deutsche Grammophon die Wiederveröffentlichung legendärer
Aufnahmen in höchster Klangkultur: Die audiophile Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1970er Jahre in ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil
Berliner Studios die originalen Vierspur-Bänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100% analoger Qualität (AAA) neu gemastert und geschnitten. Die klanglichen Unterschiede
zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr Feinheiten und Verbesserungen
im Frequenzgang, zugleich weniger Nebengeräusche, Verzerrungen und Komprimierungen ermöglichen ein
audiophiles Hörerlebnis wie nie zuvor. Auf 180g Vinylplatten und in einer Deluxe-Gatefold Edition mit
Originalcovers und -texten werden die Exemplare dieser Serie limitiert und nummeriert veröffentlicht, begleitet von zusätzlichen Fotos und Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons, außerdem erklärt
ein Beitrag die genauen technischen Hintergründe

Er galt als einer der besten Pianisten unserer Zeit: der kürzlich verstorbene Maurizio Pollini. Auch seine
Chopin-Interpretationen setzten Maßstäbe, so auch die Einspielung der 24 Préludes, die seit ihrem ersten
Erscheinen 1975 Kult ist. Im Rahmen der Original Source Series erscheint das Album nun wieder auf Vinyl;
aus Gründen der Audioqualität wurde der Seitenumbruch gegenüber der Originalveröffentlichung anders
gesetzt.
Anlässlich ihres 125. Geburtstag startete die Deutsche Grammophon die Wiederveröffentlichung legendärer
Aufnahmen in höchster Klangkultur: Die audiophile Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1970er Jahre in ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil
Berliner Studios die originalen Vierspur-Bänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100% analoger Qualität (AAA) neu gemastert und geschnitten. Die klanglichen Unterschiede
zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr Feinheiten und Verbesserungen
im Frequenzgang, zugleich weniger Nebengeräusche, Verzerrungen und Komprimierungen ermöglichen ein
audiophiles Hörerlebnis wie nie zuvor.
Auf 180g Vinylplatten und in einer Deluxe-Gatefold Edition mit Originalcovers und -texten werden die
Exemplare dieser Serie limitiert und nummeriert veröffentlicht, begleitet von zusätzlichen Fotos und Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons, außerdem erklärt ein Beitrag die genauen technischen
Hintergründe.

Unter den hochgerühmten Aufnahmen der Berliner Philharmoniker mit Herbert von Karajan nimmt auch
die Interpretation der Peer Gynt-Suiten von Edvard Grieg, kombiniert mit Orchesterstücken aus Sigurd
Jorsalfar, eine wichtige Stellung ein. Mit ihrer brillianten und ausdrucksstarken Interpretation beweisen die
Musiker ein enormes Feingefühl für die einzigartige atmosphärische Klangsprache des norwegischen Komponisten.
Anlässlich ihres 125. Geburtstag startete die Deutsche Grammophon die Wiederveröffentlichung legendärer
Aufnahmen in höchster Klangkultur: Die audiophile Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1970er Jahre in ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil
Berliner Studios die originalen Vierspur-Bänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100% analoger Qualität (AAA) neu gemastert und geschnitten. Die klanglichen Unterschiede
zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr Feinheiten und Verbesserungen
im Frequenzgang, zugleich weniger Nebengeräusche, Verzerrungen und Komprimierungen ermöglichen ein
audiophiles Hörerlebnis wie nie zuvor.
Auf 180g Vinylplatten und in einer Deluxe-Gatefold Edition mit Originalcovers und -texten werden die
Exemplare dieser Serie limitiert und nummeriert veröffentlicht, begleitet von zusätzlichen Fotos und Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons, außerdem erklärt ein Beitrag die genauen technischen
Hintergründe.