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Mit Release The Beast legt CV Vision sein sechstes Studioalbum vor - ein wilder, stilübergreifender Trip durch Psychedelic Rock, Detroit Techno, Black Metal, Library Music und analoge Tape-Ästhetik. Gemeinsam mit dem schwedischen Drummer Uno Bruniusson kehrt er zu raueren Produktionsmethoden zurück und erschafft ein klangliches Mosaik, das trotz aller Vielfalt wie aus einem Guss wirkt. Verzerrte Backbeats, krautige Synths, düstere Grooves und cineastische Harmonien treffen auf DIY-Spirit und Studio-Experiment. Die Tracks changieren zwischen hypnotischem Motorik-Drive, Acid-Referenzen, jazzigen Jams und folkigen Momenten - zusammengehalten durch das charakteristische Bandrauschen zweier kaputter Tonbandgeräte. "Ich wollte einen rohen, direkten Sound - das Tape ist der Kitt, der alles zusammenhält", sagt CV Vision. Release The Beast ist ein Album über kreative Befreiung, über das Chaos im Schaffensprozess - und über die Schönheit, die daraus entsteht.

50th Anniversary Reissue on limited edition 180g Yellow Marble. Recorded in front of a live audience at the Record Plant Recording Studio in Los Angeles in 1975, Nighthawks at the Diner debuts some of Waits" greatest classics like "Warm Beer, Cold Women" and "Eggs and Sausage" with a crack jazz ensemble backing him up and some of the greatest stage patter ever committed to record.

Anlässlich des 30-jährigen Jubiläums wird Fools Gardens zweites Album Dish of the Day, inclusive der
zeitlosen Hitsingle “Lemon Tree”, am 24. Oktober 2025 als erstmalig auf Vinyl erscheinen. Neu aufgelegt
als Doppelt-LP und sorgfältig für Vinyl remastert, beinhaltet die Deluxe Edition sowohl das Originalalbum
über 11 Songs, sowie weitere 11 Songs, bestehend aus B-Sides, Live-Aufnahmen und Demos.
1995 veröffentlicht auf dem Höhepunkt der 90er-Alternative-Pop-Bewegung veröffentlicht, bereitete Dish
of the Day Fools Garden dank des Charmes und der globalen Anziehungskraft der Hit-Single „Lemon Tree“
internationalen Erfolg. Der Song stürmte die Charts in ganz Europa und Asien. Die bevorstehende Jubiläumsausgabe ist ein absolutes Muss für Sammler*innen und bietet einen vollständigen Einblick in den
kreativen Prozess und die klangliche Vielfalt der Band während dieser prägenden Zeit.
LP1 präsentiert die komplette Original-Tracklist – liebevoll remastert für bestmögliche Tonqualität auf
Vinyl. LP2 öffnet das Archiv: Eine sorgfältig kuratierte Sammlung bislang unveröffentlichter Songs, LiveAufnahmen und Demos – ebenfalls erstmals auf Vinyl erhältlich. Das Ergebnis ist eine stimmige und
audiophile Würdigung des bedeutendsten Werks der Band. Dieses Album beinhaltet nicht nur einen WeltHit, welcher dank seines hohen Widererkennungswerts auch nach drei Jahrzehnten noch begeistert, sondern
lädt die Hörer*innen ein, tiefer in die Welt von Fools Garden einzutauchen und das musikalische Spektrum
der Band anhand exklusivem Zusatz-Material zu entdecken.
Verpackt im hochwertigen Gatefold-Sleeve mit restauriertem Artwork und exklusiven Archivfotos aus der
Entstehungszeit des Albums und Folgejahren, richtet sich dieses umfangreiche Produkt sowohl an nostalgische Fans als auch an eine ganz neue Generation, die die Band zum ersten Mal für sich entdeckt.
Die Neuauflage von Dish of the Day bildet das Herzstück der Jubiläumskampagne des Albums, begleitet
von der Veröffentlichung der Band-Autobiografie und einer neuen Headliner-Tour im Frühjahr 2026.

VERVE ACOUSTIC SOUNDS SERIE: komplett analog von Ryan K. Smith bei Sterling Sound von den
Originalbändern gemastert, QPR-Pressung (180 g), stabiles Tip-On-Gatefold (Stoughton Printing), wattierte Innenhülle.
Wohl kaum ein anderer hat den Titel “King Of The Tenors” mehr verdient als Ben Webster. Zusammen mit Coleman Hawkins und Lester Young bildete er das Triumvirat der großen Swing-Tenoristen. Mit
seinem warmen, gefühlvollen Stil, der im krassen Gegensatz zu seinem oft aufbrausenden Temperament
stand, beeinflusste er zu seiner Zeit unzählige andere Tenorsaxofonisten. Websters erstes Soloalbum unter
der Regie von Produzent Norman Granz erschien 1954 ursprünglich unter dem Titel “The Consummate
Artistry of Ben Webster” bei Norgran, wurde dann aber 1957 auf Granz’ neuem Label Verve Records als
“King Of The Tenors” wiederveröffentlicht.

Gegründet von Sänger/Gitarrist Askhan Avagchuud im Jahr 2010 in der autonomen Region Innere Mongolei in China, sind Nine Treasures eine einzigartige Kombination aus Heavy Metal und traditioneller mongolischer Instrumentierung. Die Band nutzt sowohl konventionelle Gesangstechniken als auch mongolischen Kehlkopfgesang und erschafft ein klangliches Kaleidoskop, in dem Gitarren, Bass und Schlagzeug auf traditionelle Saiteninstrumente wie Balalaika und Morin Khuur (Pferdekopfgeige) treffen.Mit vier Alben und über 100 Festival-Shows pro Jahr in Asien vor Publikum von bis zu 50.000 Menschen sind Nine Treasures bereit, Nordamerika und Europa zu erobern. Seeking the Absolute markiert ihr Metal Blade Records Debüt und ihre erste LP mit weltweiter Veröffentlichung - der Höhepunkt ihrer künstlerischen Entwicklung und ihr bisher ehrgeizigstes Werk.Aktuelle Besetzung:• Askhan - Gitarren, Gesang, Balalaika, Tovshuur• Orgil - Bass, Backing Vocals• Saina - Balalaika, Backing Vocals, Gitarren• Namra - Schlagzeug• Nars - Morin Khuur, Backing VocalsGenre: Progressive Metal / Indie Metal (kein Folk Metal) Aktiv seit: 2010 Land: China (Innere Mongolei) Sprache: Mongolisch Sales Points/Treiber (Karriere-Highlights/Fakten/Marketing-Info):• Metal Blade Records Debüt - Erste weltweite Veröffentlichung der mongolischen Metal-Pioniere• Einzigartige kulturelle Fusion - Die einzige Band, die traditionelle mongolische Instrumente (Morin Khuur, Balalaika, Tovshuur) mit Progressive Metal kombiniert• Authentischer Kehlkopfgesang kombiniert mit modernen Metal-Vocals• Massive asiatische Fanbasis - Auftritte vor bis zu 50.000 Fans in ganz Asien• 100+ Shows pro Jahr beweisen ihre Live-Stärke und Hingabe• TOOL-beeinflusster progressiver Ansatz - Komplexe Kompositionen ohne Kompromisse bei der Zugänglichkeit• Kulturübergreifende Anziehungskraft - Musik überwindet Sprachbarrieren durch pure Emotion und Energie• Kritikerlob von großen Metal-Publikationen wie The Quietus, At The Barrier und Noizze UK• Kulturbotschafter bringen mongolisches Erbe in die globale Metal-Szene

2025 jährt sich zum 15. Mal die Komödie Scott Pilgrim Vs The World aus dem Jahr 2010, die von Edgar
Wright geschrieben, produziert und inszeniert wurde und auf der Graphic-Novel-Serie Scott Pilgrim von
Bryan Lee O’Malley basiert. Mit Michael Cera als Scott Pilgrim, einem Slacker-Musiker, der versucht,
einen Wettbewerb zu gewinnen, um einen Plattenvertrag zu bekommen, während er gleichzeitig gegen die
sieben Ex-Freunde seiner neuen Freundin Ramona Flowers kämpft.
Der Soundtrack der nun auf roter Vinyl erhältlich ist, wurde von Nigel Godrich zusammen mit Edgar Wright
produziert und enthält eine Reihe von Originalstücken, die von Beck komponiert und im Film von Michael
Ceras Band ”Sex Bob-Omb” eingespielt. wurden. Außerdem gibt es auch einen bisher unveröffentlichten
Song von Metric und auch Songs von Broken Social Scene, Beachwood Sparks, The Bluetones, Blood Red
Shoes, Black Lips , Frank Black und den Rolling Stones.

,Klassenkampf in der Tonart Oi! Zwölf knallharte Tracks über SHARP, Antifaschismus und die Unterstützung gleicher Rechte für alle! Antifaschistisches Oi! aus Down Under, geschrieben für die Arbeiterklasse." ,Class war in the key of Oi!" ist das zweite Album der SHARP-Skins aus Meanjin/ Brisbane. Bislang nur digital auf Bandcamp zu hören, nun dann endlich auch auf Vinyl. Klare Kante, unverblümt, direkt und knallhart. Ihr Sound ist very british und Anleihen von Blitz sind unüberhörbar, rasiermesserscharfe Riffs, die ebenso in die Fresse hauen wie ihre Texte. limitierte Auflage von 300 Stk. 180 gr. rotes Vinyl mit Einleger

„The End“, das dritte Studioalbum des Grammy®-nominierten Songwriters, Sängers, Multiinstrumentalisten und Produzenten Wolfgang Van Halen (Mammoth), erscheint am 24. Oktober 2025. Das Album
(produziert von seinem langjährigen Weggefährten Michael „Elvis“ Baskette) markiert ein neues Kapitel in
der musikalischen Entwicklung von Mammoth und unterstreicht weiterhin Wolfgangs charakteristischen Gitarrensound und melodischen Gesang. Wolfgangs Talent wird erneut unterstrichen, da er alle Instrumente
und den Gesang auf dem Album selbst übernimmt. Mit „The End“ übernimmt Wolfgang den Namen
„Mammoth“ und verzichtet auf das zuvor folgende Initial „WVH“.

Seine Musik war immer spontan, mitreißend und voller Energie, trotzdem hat Blue-Note-Legende Horace
Silver zu Lebzeiten nur ein einziges Livealbum veröffentlicht. Das ändert sich jetzt dank eines bislang
unveröffentlichten Konzertmitschnittes!
Im August 1965 glänzte der Pianist mit einer innovativen Besetzung im Penthouse-Jazzclub in Seattle,
mit Woody Shaw an der Trompete, Joe Henderson am Tenorsaxofon, Teddy Smith am Bass und Roger
Humphries am Schlagzeug. Der erst jetzt entdeckte Mitschnitt erlebt seine Weltpremiere unter dem Titel
”Silver In Seattle: Live At The Penthouse”. Darauf feuert die Band unter anderem kochende Interpretationen von Silver-Klassikern wie ”Song For My Father”, ”Cape Verdean Blues” und ”The Kicker” ab.
Die 180g-LP im Gatefold-Sleeve und die CD im Digipak enthalten beide ein ausführliches Booklet mit
seltenen Fotos von Francis Wolff, Burt Goldblatt, Jean-Pierre Leloir und anderen plus Linernotes des
renommierten Jazz-Experten Bob Blumenthal sowie Interviews mit und Statements von Schlagzeuger Roger
Humphries, den Silver-Band-Alumni Randy Brecker und Alvin Queen, dem aufstrebenden Pianisten Sullivan
Fortner und weiteren.

RALPH SESSIONS extends his hot streak teaming up with NY house vet MR. V on the mic. SESSIONS lays down a perfectly shuffled NY groove while laidback horns, keys, and vibes dance around the beat. KARIZMA delivers an expertly understated remix perfect for long blends. Stickered label die cut sleeve.

Following on from 2024's "Distant Landscapes EP" alongside Tensal, Amorphic returns (solo this time) to James Ruskin's Blueprint Records with a new ten-track album released digitally and as two four-track vinyl EPs released simultaneously.

Amorphic is a pseudonym of Scottish artist Vince Watson to explore more raw and hypnotic signatures. Launched in 2022, Amorphic has featured on labels such as Token, Symbolism and Modularz as well as the two labels Vince runs himself: Amorphic and Morph.

With almost 30 years in the industry, Vince has released over 1000 tracks, which has allowed him to work and gig with some of the very best in that time including Laurent Garnier, Richie Hawtin, Carl Craig and in this year, Vince will release an LP with Carl Cox on his label Awesome Soundwave. As a touring musician has been able to play at some of the world's best clubs as both Amorphic and Vince Watson, including a residency at Tresor Berlin, DC10 Ibiza with Carl Cox, Berghain and Womb Tokyo as well as being a current resident of 909 Festival in Amsterdam.



earth had been watched by the keepers of the secrets for millennia.
the human experiment had evolved into chaos.
the subjects had destroyed themselves and the planet they were gifted.
a few were taken, leaving a dying planet behind.
the rest of human history was deleted.
the gods sought a new order.
the year zero...

Der international gefeierte Schlagzeuger und Produzent Makaya McCraven meldet sich mit einem besonderen Projekt zurück: Vier neue EPs - Techno Logic, The People"s Mixtape, Hidden Out! und PopUp Shop, die gebündelt als Doppel-LP und Doppel-CD unter dem Titel Off the Record (via XL Recordings) veröffentlicht wird. Es sind McCravens erste Studioarbeiten seit In These Times (2022), mit denen er zu seiner charakteristischen Mischung aus Live-Improvisation und Studio-Nachbearbeitung zurückkehrt. Schon jetzt geben die Singles "Imafan", "Away", "Technology" und "Choo Choo" einen Vorgeschmack auf das Projekt. Die vier EPs greifen auf verschiedene Live-Momente der letzten zehn Jahre zurück: Aufnahmen aus London, Berlin und New York (Techno Logic), ein Jubiläumskonzert in Brooklyn (The People"s Mixtape), eine Residenz im Chicagoer Hideout (Hidden Out!) sowie McCravens Los-Angeles-Debüt 2015 (PopUp Shop). "In einer Zeit, in der vieles virtuell und ungreifbar ist, bleibt es etwas Besonderes, wenn Menschen in einem Raum zusammenkommen und Musik teilen", sagt McCraven. "Diese Energie möchte ich festhalten - roh, menschlich, spontan." Mit Off the Record beweist der als "kultureller Synthesizer" und "Beat Scientist" bezeichnete Musiker erneut, warum er zu den prägenden Stimmen einer neuen Generation zählt, die den Jazz ins 21. Jahrhundert führt.

"Rags, Ballads & Harmonium Songs. Chanteys, Come-All-Ye's, Aborigine Song Sticks. Gospel, Improvisations, Renaissance Lyrics, Blake Hymns, Bluegrass, Hillbilly Riffs, Country & Western, 50's R&B, Dirty Dozens & New Wave"

Allen Ginsberg's recorded opus gets its first ever full vinyl reissue on a gatefold double vinyl LP replete with photography by Robert Frank. Containing studio-recorded performances that he wrote, performed and taped in sessions taking place between 1971 and 1981 - featuring Bob Dylan, Arthur Russell, Anne Waldman, David Mansfield, Perry Robinson, David Amram and many other friends and contemporaries.

A selection of what were arguably "demos" for this record were originally recorded by the legendary Harry Smith at his apartment in the Chelsea Hotel in the early 70s, and this would later appear on Folkways as First Blues: Rags, Ballads & Harmonium Songs.

Sit, you sit down
Breathe when you breathe
Lie down, you lie down
Walk where you walk

Talk when you talk
Cry when you cry
Lie down, you lie down
Die when you die credits

Issued under license from the Allen Ginsberg estate. With thanks for Peter Hale, Peter Wright & John Allen.



c 03: Jimmy Berman (Gay Lib Rag) feat. Bob Dylan, David Amram, Perry Robinson, Happy Traum, Jon Sholle, Surya, Moruga, Peter Orlovsky & Anne Waldman

Another cassette-only mixtape in Death Is Not The End's series in partnership with Philadelphia's World Gone Mad, this time surveying South American punk and post-punk between '81 & '90 - featuring bands from Colombia, Peru, Ecuador, Chile, Paraguay, Uruguay and Argentina.

Huayno has its roots in the Andes during the colonial era, when indigenous peoples began to blend their music with influences brought by European settlers. During this process the Spanish guitar naturally became very prevalent, incorporating the tunings, finger-style and rhythms of the traditional Andean harp along with it.

The late Alberto Juscamaita Gastelú, known as Raktako, was a renowned guitarist, composer and mentor to generations of guitarists from his home in Ayacucho, southern Peruvian Andes. His unique style also blended techniques from the Spanish lute and other instruments brought by colonisers, such as the violin and accordion. For over a century, Raktako preserved Ayacucho's musical traditions and the Andean guitar form.

In 2022, the last disciple of Raktako, Gustavo Yashimura, shared with Sound of the Andes' Hánkel Bellido a series of astonishing home recordings made by Raktako between approximately 1930 and 1940. These recordings, made with the sparsest of equipment, had never been published before and represent an invaluable cultural treasure. The guitarist, who lived for over 100 years and passed away in 2023, had been largely forgotten until recently, when the Ministry of Culture of Peru officially recognised him as Meritorious Personality of Culture. His legacy, which includes a profound influence on Peruvian music, especially the Ayacucho guitar tradition, is finally being acknowledged.

Indian Summer of Love finds The Bongolian immersed in a new set of sounds and influences for a new Belle Epoch. It’s a musical landscape informed by the Sixties psychedelia of India via a Haight Ashbury happening.

It’s a kaleidoscopic vision that takes us from a 20th century Fin de Siècle and lands us in the here and now of the 21st Century. It’s for dancers, for seekers and is all underscored by The Bongolian’s trademark heavy rhythms and breaks. It’s another fine instalment of essential cuts for the dancefloor and for high fidelity listening, quality is guaranteed.

From the East to the West, welcome to the Indian Summer of Love. Nasser Bouzida performs drums, percussion, guitars and keys whilst the album features several new flavours to the Bongolian sound with the prominent instrumentation of sitars and bansuri, along with flute, trumpet, saxophone and trombone performances from several stellular international guest musicians.

DINTE's third mixtape in partnership with Philadelphia punk archivists World Gone Mad, this time focused on the late 1980s/early 90s punk & hardcore scene in Medellín, Colombia.

"There are moments in which art perfectly reflects the surroundings in which it was born. This is the case of the entire hc/punk/metal scene in late 80s/early 90s Medellín. It was, at the time, the most violent city in the world because of drug cartels, corruption, oppression & poverty. This violence was the reality of daily life & is reflected in the music that flourished in Medellín during the time period. It is some of the most authentically violent, aggressive, noisy, raw & abrasive hc/punk/metal to ever exist. This tape is a sonic snapshot of those times."

"The Burning Bright Light" is a mind-meld between improvisation trio "Dromedaries" (saxophonist Keir Neuringer of Irreversible Entanglements, Shayna Dulberger on double bass, and percussionist Julius Masri) and sci-fi writer/vocalist "Alexoteric" (Alex Smith), evoking epic sci-fi cinemascapes, vocabulary- and reference-rich underground writing, the liberatory jazz tradition, and playful avant-garde experimentation.

Recorded in a single high-voltage burst of cosmic collaboration on an October afternoon at Philadelphia's Rittenhouse Soundworks, "The Burning Bright Light" is a sonic document like no other. A mind-meld between improvisation trio »Dromedaries« and sci-fi writer/vocalist "Alexoteric" (Alex Smith), the album emerges organically on a foundation of speculative fiction, free jazz interaction, avant-garde textures, and freestyle refrains.

Das Jimi Hendrix Bold As Love Boxset bieten ein erstklassiges Sammlererlebnis. Jedes Set enthält 27 bisher unveröffentlichte Aufnahmen aus dem Jahr 1967, darunter Demos und alternative Takes sowie Fernseh- und Radioauftritte. Diese Deluxe-Edition enthält die Stereo- und Mono-Mischungen des Albums Axis: Bold As Love, die alle von Bernie Grundman anhand der originalen Masterbänder neu gemastert wurden. Ein 36-seitiges Booklet mit seltenen Fotos, detaillierten Liner Notes und Track-für-Track-Einblicken rundet das Angebot ab. Diese Veröffentlichung ist ideal für Hendrix-Fans und Vinyl-Liebhaber, die nach einer definitiven Archivausgabe eines der kultigsten Alben von Hendrix suchen.

"Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me", das vierte Album von Porridge Radio, wurde Anfang 2024 in Somerset vom langjährigen Big Thief- und Laura Marling-Tontechniker Dom Monks aufgenommen und ist ein Moment des Erwachsenwerdens, inspiriert von Burnout, der Musikindustrie, Herzschmerz und der zunehmenden Vertiefung der Bandleaderin Dana Margolin in ihr eigenes Handwerk als Künstlerin. Margolins rücksichtsloser, sich selbst hinterfragender Schreibstil wird auf dem gesamten Album durch die bisher ergreifendste Musik der Band ergänzt, die sich geduldig aufbaut und tragisch intensiv ist. "Alle Songs begannen als Gedichte, ich wollte mich selbst herausfordern", sagt Dana Margolin über das Werk, aus dem "Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me" wurde. "In einem Song kann sich der Autor immer hinter den Tricks der Musik und altbekannten Techniken wie Wiederholungen verstecken. In einem Gedicht hingegen sind es nur Worte und das war's." "Vieles auf diesem Album handelt von einer frenetischen und verzweifelten Art von Liebe, es geht um den völligen Verlust meines Selbstbewusstseins in einer Beziehung und um den tiefen Rest von Unsicherheit und Schmerz, der eine neue Beziehung trübte." Lieder, die als Liebeslieder geschrieben wurden - wie "In A Dream I'm A Painting" - bekamen neue Bedeutungen, als Margolin die Lieder mit einer neuen Distanz betrachtete. "Es gab eine Menge Liebe und Verwirrung, alles durchsetzt mit Erschöpfung und Schmerz." Die Clouds-Sessions fanden in Frome statt, als der Winter zu Beginn des Jahres 2024 in den Frühling überging. "Es gab ein paar Zusammenbrüche", grinst Dana, eine faire Einschätzung der Aufnahme solch intimer und persönlicher Songs, "nach einigen Takes brach ich einfach auf dem Boden zusammen, so aufgebracht war ich." Es wurde ein Umfeld geschaffen, in dem Dana sich ausdrücken konnte und in dem sie gefördert wurde. "Wir hatten jeden Abend diese großen gemeinsamen Mahlzeiten", sagt sie, "es fühlte sich sehr eng und fürsorglich und warm und besonders an. Unser kleines Haus lag auf einem großen Hügel, ein Fluss floss hindurch, es war groß und hell und schön", erinnert sich Dana. Das Studio selbst war hell - voller strahlendem natürlichem Licht aus den großen Fenstern, ein Segen für Musiker, die an die abgeschottete Welt der meisten Aufnahmestudios gewöhnt sind, und zum ersten Mal konnten alle im selben Raum wie der Produzent aufnehmen. "Es fühlt sich an, als hätten wir zum ersten Mal etwas gemacht", erklärt sie und freut sich hörbar über das Album, "es hat etwas von unserer Freundschaft eingefangen und von der Art und Weise, wie wir gelernt haben, zusammen zu spielen. Ich liebe die Songs, ich liebe es, sie zu spielen, sie sind nicht alt geworden und es fühlt sich an, als wäre es etwas Besonderes." Eine Pause. "Es hat mich so viel gelehrt. Deinem Bauchgefühl zu folgen, auf deine Freunde und ihre Loyalität zu vertrauen, darauf zu vertrauen, dass du mit Leuten richtig kämpfen kannst. So will ich leben, so will ich Platten machen, denn Platten machen ist mein Leben, denn meine Arbeit ist mein Spiel, mein Job ist mein Leben. Alles ist in dieser Sache miteinander verbunden, und es gibt Wege darin, die mich nicht umbringen."

Es sind acht Jahre vergangen, seit Montreals The Barr Brothers ein Album veröffentlicht haben. In dieser Zeit hat das Leben sie - persönlich wie beruflich - in neue Richtungen geführt und ihre Art, gemeinsam Musik zu machen, verändert. Ihr viertes Studioalbum Let it Hiss ist nicht einfach nur eine neue Sammlung von Songs. Es ist ein Dokument der Transformation. Die Entstehung dieses Albums markierte einen Wendepunkt: eine Phase der Reflexion, eine Auseinandersetzung mit Verletzlichkeit und eine Wiederverbindung zwischen den beiden Brüdern, die seit über drei Jahrzehnten Seite an Seite Musik machen.,Im Jahr 2022 standen wir an einem Wendepunkt", sagt Brad Barr, Gitarrist, Sänger und Haupt-Songwriter der Band. ,Es war klar, dass sich etwas ändern musste. Die wahre Geschichte dieses Albums ist die Geschichte dieser Veränderung - und von allem, was danach kam.",Let it Hiss ist das, was passiert, wenn man aufhört, so zu tun, als wäre alles in Ordnung - und endlich wirklich hinhört", sagt Andrew.Das Album beginnt im Kleinen: eine winzige mexikanische Gitarre, der sanfte Puls eines Klaviers, ein minimalistischer Rhythmus - und eine Stimme, die sowohl Hingabe als auch Stärke vermittelt. ,Take it from me", singt Brad - nicht als Befehl, sondern als Geständnis. Schon ab diesem ersten Moment lädt das Album in einen Raum ein, in dem Makel nicht herausgeschnitten, sondern verstärkt und gefeiert werden. Es ist ein kraftvoller Einstieg in ein Album, das auf Ehrlichkeit, Wiederentdeckung und Vertrauen beruht.Für die Brüder wurde das Aufnehmen zu einem Spiegel. Der Prozess begann nicht mit Klang - er begann mit Wahrheit. Sie setzten sich nicht nur mit kreativen Blockaden auseinander, sondern auch mit persönlichen: alten Mustern, unausgesprochenen Spannungen, Trauer, Wachstum. Durch all das fanden sie wieder zu einem Rhythmus - nicht durch Perfektion, sondern durch Erlaubnis.Brad und Andrew machen schon Musik zusammen, seit sie Kinder sind - zuerst in der sich ständig wandelnden Rockband The Slip, später als The Barr Brothers, wo sie amerikanische Roots-Musik mit experimentellen Klangtexturen zu etwas ganz Eigenem verbanden. Ihr Ruf für musikalische Raffinesse und emotionale Tiefe brachte ihnen weltweit Fans - und Anerkennung von musikalischen Größen.Der Titel des Albums ist zugleich ein Leitbild. ,Es fühlte sich einfach richtig an", sagt Andrew. ,Das Rauschen drin zu lassen. Das Unbehagen, die Unvollkommenheit, den Kampf. Wir haben aufgehört, alles sauber machen zu wollen. Und genau da fing die Musik wieder an zu atmen. Und Spaß zu machen."Tatsächlich steht Let it Hiss stärker als frühere Alben der Barr Brothers für eine freudvolle Ungezwungenheit - hörbar etwa im Roadtrip-Hymnus "Run Right Into It" (mit Elizabeth Powell von Land of Talk) oder im verspielten Garagenband-Reggae von "She Doesn't Sleep With the Covers On". Doch das Album lässt die intime Erzählweise, die das Markenzeichen der Barr Brothers ist, keineswegs hinter sich: "English Harbour" ist eine wunderschöne Folk-Hymne, bereichert durch die Harmonien von Jim James (My Morning Jacket), während "Moonbeam" eine opulente Soul-Serenade mit Streichern ist - veredelt durch den frankophonen Gastgesang der quebecischen Artpop-Künstlerin Klô Pelgag.Die Songs auf Let it Hiss besitzen eine zeitlose Qualität - besonders spürbar in Stücken wie "Naturally", das leise an die Ära klassischer Songschreiber erinnert, in der Melodie und Botschaft untrennbar miteinander verbunden waren. Es ist Musik, die dem Hörer vertraut und sich nach und nach entfaltet - mit Arrangements, die Zurückhaltung und Ambition in Einklang bringen. Im Zentrum steht vielleicht der Song "Owning Up to Everyone", der den Geist des Albums im Kleinen einfängt. ,Dieser Song hat etwas in uns aufgebrochen", sagt Andrew. ,Er fühlte sich wie ein Durchbruch an."Doch all die musikalische Freiheit und emotionale Aufwühlung, die sich durch Let it Hiss zieht, bereitet nicht auf den letzten Song vor: "Upsetter", ein schweißgetränkter, punkgetriebener Rock'n'Soul-Explosion, gekrönt von einem absolut wahnsinnigen Gitarrensolo. Es ist schlicht der wildeste Song, den die Barrs je aufgenommen haben - ein Song, der die Let it Hiss-Philosophie so weit ins Rote treibt, dass er den VU-Meter fast sprengt. ,Ich dachte mir: ,Na ja, der wird es eh nicht aufs Album schaffen`, weil er vielleicht für viele unserer Hörer unerwartet kommt", gibt Brad zu. ,Aber ich glaube, unsere Hörer schätzen es, wenn wir einfach wir selbst sind - und dazu gehört eben auch sowas."Brad und Andrew produzierten Let it Hiss selbst, hauptsächlich zu zweit in ihrem Studio in Montreal. Um die rohe Direktheit und Komplexität des Albums einzufangen, arbeiteten sie mit Mix-Ingenieur Jon Low (The National, Taylor Swift, Bon Iver). Sie luden enge Freunde aus ihrer musikalischen Community ein, ihre Stimmen, Instrumente und Texturen beizusteuern, wenn es die Songs verlangten - Kollaborationen, die sich weniger wie Features, sondern mehr wie natürliche Erweiterungen der Musik anfühlen. Viele dieser Beziehungen entstanden über Jahre gemeinsamer Bühnen, langer Nächte im Studio und einer gemeinsamen Hingabe an das Handwerk. So ist Let it Hiss zugleich das persönlichste und das kollaborativste Album, das sie je gemacht haben.Let it Hiss will nichts auflösen - es will offenlegen. Es lädt die Hörer ein, genau hinzuhören - auf das Rauschen, das Gewicht, das Staunen. Während die Barr Brothers ihren Weg fortsetzen, ist eines klar: Sie haben einander wiedergefunden - und darüber auch ihre Musik.And the rest is hiss-tory

Am 13. Oktober 2023 verabschiedete sich die Melbourne-Band Camp Cope mit einem letzten Auftritt vor einem begeisterten, ausverkauften Publikum in der legendären Sydney Opera House Concert Hall. Zwei Jahre später haben Run For Cover & Poison City Records ,The Final Show - Live at Sydney Opera House", um diesen besonderen Moment der Band bei ihrem letzten Live-Auftritt zu feiern. Die Vinylversion dieser Veröffentlichung enthält neun Songs aus dem letzten Auftritt, darunter Titel aus jedem der beliebten Alben der Band. Dazu gehören Songs wie ,Lost (Season One)" aus ihrem selbstbetitelten Debütalbum sowie Titel aus ,How to Socialise Make Friends" von 2018 und ihrem Abschiedsalbum ,Running with the Hurricane" von 2022. Alle Elemente, die die Musik von Camp Cope so besonders machen, sind hier versammelt - Bassistin Kelly-Dawn Hellmrich und Sarah Thompsons Schlagzeug harmonieren wieder einmal perfekt miteinander, während Gitarristin Jennifer Aslett die unverwechselbare Stimme von Sängerin Georgia Maq mit noch mehr Stimmung untermalt. Die Band ist auch nicht allein - Julia Jacklin ist bei ,The Screaming Planet" dabei, und ein Chor aus Freunden wie Rin McArdle und Courtney Hartmann singt bei ,Sing Your Heart Out" mit. Camp Cope beendet diesen letzten Auftritt passenderweise mit ,The Opener" - einem Song, der von den unglücklichen Erfahrungen einer Band inspiriert ist, die versucht, sich in einer sexistischen, von Männern dominierten Musikszene zurechtzufinden. Hellmrichs unverkennbare Basslinie eröffnet diese letzte, erweiterte Version des Songs, den die Band über zehn Minuten lang spielt. Begleitet von einem Chor aus Freunden auf der Bühne und einem ganzen Opernhaus voller Fans, die mitsingen, wirken die letzten Zeilen des Songs über anfängliche Ablehnung wie eine erfüllte Prophezeiung: ,See how far we've come not listening to you."

The Outside Agency is here with two new additions to the label to further expand the
definition of crossbreed. Welcome to Koarse and Supire. You're part of the problem now!