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Little Dragon, die allseits populäre und Grammynominierte Band, wird am 7. Juli 2023 ihr neues Album, „Slugs Of Love“, bei Ninja Tune veröffentlichen.

Die Band besteht aus den Schulfreunden Erik Bodin (Schlagzeug und Perkussion), Fredrik Wallin (Bass), Håkan Wirenstarnd (Keyboards) und Yukimi Nagano (Gesang) und hat sich zu einer der beständigsten, respektiertesten und beliebtesten Bands der letzten Zeit entwickelt. Aufgenommen in der musikalischen Oase ihres Göteborger Studios - demselben Studio, in dem sie seit fast 20 Jahren arbeiten - bringen sie auf „Slugs Of Love“ ihre unverwechselbare Mischung aus gefühlvollem Pop, Elektronik und R&B - untermauert von der unverkennbaren Stimme der Leadsängerin Yukimi - in elf Tracks zum Ausdruck, die die ganze Bandbreite ihrer individuellen musikalischen Einflüsse widerspiegeln.

Das Album enthält einen Gastauftritt von Damon Albarn (Gorillaz/ Blur) auf „Glow“, einem „langsam triefenden, glitzernden Ritt zu einem Tagtraum im Wunderland“ und eine Zusammenarbeit mit dem angesehenen Rapper JID aus East Atlanta (der bei J. Coles Dreamville-Label unter Vertrag steht) auf der zuvor veröffentlichten Single „Stay“, einem Song, der die Höhen und Tiefen einer Beziehung beschreibt. Sie sind die neuesten Zusammenarbeiten in der langen Liste der Band, die bereits mit Künstler:innen wie Kali Uchis, Kaytranada, Brittany Howard, Flying Lotus, Badnadnotgood, Moses Sumney, Kelsey Lu, Gorillaz, Big Boi (OutKast), Sbtrkt, Yo-Yo Ma und vielen anderen zusammengearbeitet hat. Darüber hinaus zählen SZA, Erykah Badu, Anderson .Paak, Diplo, Flume, Ava DuVerney, Ali Wong, Syd, Disclosure, LaKeith Stanfield, The xx und viele mehr zu ihren Fans, was ihren Status als eine der einflussreichsten Bands ihrer Zeit zementiert.


Durchsichtige Vinyl-LP mit orange/schwarz/blauem Splatter. Inklusive Poster und MP3-Album-Download. Gemälde von Yusuke Nagano. Fotografie von Jakob Ekvall. Grafische Gestaltung von Alice Winroth.

Vinyl mit Downloadcode. Die LP und CD Versionen dieses Albums unterscheiden sich in einigen Details: Nicht mit an Bord bei der LP-Version sind die Songs "Intro" und "Ends", die sich auf der CD finden lassen. Dafür gibt es auf der LP den Track ,Body And Blood" in einer längeren Version. Außerdem tummeln sich auf der D-Seite 100 Locked Groove Audio Loops, die exklusiv nur auf dem Vinyl auftauchen. ,CLIPPING. machen Partymusik für den Club, bei dem man sich wünscht, nie in ihm gelandet zu sein; das Auto, bei dem du dich nicht erinnerst, wie du eingestiegen bist und die Straßen, auf denen man sich nicht sicher fühlt." (Aus der Pressemitteilung für das CLIPPING. Debüt ,Midcity", das im September 2012 veröffentlicht wurde). Seit das verfasst wurde, hat sich einiges geändert für CLIPPING. Die Band fand heraus, dass die potentiellen Hörer bereiter für sie waren, als sie es erwartet hatten. Vor ,Midcity" erwartete keins der Mitglieder (Rapper Daveed Diggs und die Produzenten Jonathan Snipes und William Hutson), dass ihr kantiger Rap ein Publikum finden würde. Die Band war ursprünglich als Remixprojekt und Fußnote im wahren Leben der Mitglieder gedacht: Diggs ist ein Bühnenschauspieler; Snipes komponiert Filmmusik und Hutson ist ein etabliert Noise Musiker (Snipe und Hutson kollaborierten beim Soundtrack zur IFC Dokumentaion ,Room 237"). Doch seit der Gründung von CLIPPING. weitete sich das Feld der kommerziellen Musik leicht aus, so dass plötzlich Platz für mehr Noise und mehr Abenteuer in der elektronischen Produktion war (obwohl CLIPPING. selbst natürlich darauf bestehen, dass sie Rap Musik machen). ,Clppng" ist ambitionierter als ,Midcity". Das Album wartet mit Gästen wie Gangsta Boo (Ex-THREE 6 MAFIA und momentan bei DA MAFIA 6IX), Guce (Veteran der Bay Area; Mitglied von BULLYS WIT FULLYS), King T (Gangster Rap Legende der Westküste; Gründer der Likwit Crew; Mentor von XZIBIT und THA ALKAHOLIKS) und COCC PISTOL CREE (Newcomerin aus Compton, bekannt vom DJ MUSTARD Mixtape ,Ketchup"). ,Clppng" weitet die experimentellen Sounds der Band aus, um eine größere emotionale Palette zu bedienen. Doch die Band ist nicht zum Softie geworden; das Intro des Albums ist eins der brutalsten Stücke, das die Band je aufgenommen hat und ,Or Die" (feat. Guce) ist so bitterböse wie alles auf ,Midcity". ,CLPPNG" ist ein Album, das unter Beweis stellt, wie vielschichtig Sound sein kann, wenn die Regeln eines Genres mutwillig in Frage gestellt werden.

”Guess Who’s Back” - Hip-Hop is! Das beliebte Genre ist aus der Musiklandschaft nicht mehr wegzudenken und feiert dieses Jahr sein 50-jähriges Jubiläum! Zu diesem Anlass erscheint das brandneue Album „HipHop At Fifty (50 Jahre Hip-Hop)“ mit vielen Hits aus den Anfangsjahren des Genres sowie zahlreichen deutschen und internationalen Chartstürmern. Eins ist sicher – dieses Album kommt ”Straight Outta Compton”!
Mit Oldschool-Pionier*innen wie Dr. Dre, Eminem, Snoop Dogg, Busta Rhymes, LL COOL J, 50 Cent, DMX, Lil’ Kim, Fugees als auch mit deutschen Rap-Größen wie Die Fantastischen Vier, Luciano, Sido, Apache 207, Seeed oder Deichkind hat das Album einiges zu bieten.

Ob die groovigen Sounds von ”Super Freaky Girl”, die explosive Rap Power von ”Bamba”, der weltweite Club-Klassiker ”In Da Club” oder der funky Vibe mit harschen Lyrics des Klassikers von ”The Real Slim Shady” – diese Mischung sorgt für die volle Ladung Hip-Hop!

Erhältlich als 4LP, 3CD, eAlbum und im Streaming ab dem 29. September 2023!

KISH KASH is the third album from British electronic dance producers Felix Buxton & Simon Ratcliffe, better known as BASEMENT JAXX. The album features an array of stellar guest vocalists including punk icon Siouxsie Sioux on the title track, London grime superstar Dizzee Rascal on "Lucky Star", the mighty pipes of Rock n" Soul diva Lisa Kekaula (of LA"s "The Bellrays" ) on "Good Luck" and rounds off with the mellow tones of Meshell Ndegeocello. Recorded in Brixton, London, the album was released on XL Recordings in 2004, subsequently won the inaugural GRAMMY award for "Best Dance/Electronic Album" and was nominated for the UK"s prestigious Mercury Prize.

Heavenly Recordings release the next two volumes in their series of remixed classics and unreleased versions. ‘Heavenly Remixes 7 & 8’ sees the label going back into the archive, as well as picking off some more recent remixes, and both albums primarily feature either previously unreleased versions or re-workings available for the first time on vinyl and CD.

Heavenly have always seen immense value in the remix, a value way beyond what it might bring commercially. Since their first release in 1990 (where Andrew Weatherall overhauled a one-off single by club kids Sly and Lovechild) Heavenly remixes have been carefully curated and treated as a key part of the A&R process. It’s an opportunity to view an artist through a different prism, to play out a musical ‘what if’ scenario. It’s the kind of exploration that’s happened consistently through the thirty plus years the label has released music.



The ‘Heavenly remixes’ series continues to showcase the very best remixes, versions, meditations, re-rubs and dubs from all around the world of artists right across the roster of the country’s most exciting record label. In most cases, the albums offer the first physical release for a remix, elevating them from streaming playlists to their rightful, spiritual home on super heavy vinyl (or shiny, super-packed compact disc).



‘Heavenly remixes 7’ heads to Belfast, where David Holmes - a producer who first appeared on Heavenly in 1994 amping up the acid on Saint Etienne’s ‘Like A Motorway’ - appears as solo artist and as one third of Unloved, who get a lift right to the heart of a Vauxhall sweatbox by Horse Meat Disco. It draws a line between Amsterdam and Frankfurt as Ludwig A.F. amps up the electronics on Pip Blom’s ‘Keep It Together’. It stops off in a south London studio where super producer Dan Carey plays the desk with Toy, then relocates LA psych rock band Fever The Ghost to an Ibizan shoreline as the sun sets on the horizon. It cements Sheffield’s reputation as the home of modern British techno with the return of true originators Forgemasters. And it pitches up in front of a renegade soundsystem late night at Glastonbury as Erol Alkan’s mighty rework of Con Man gets its third rewind of the night.



‘Heavenly remixes 8’ opens with Space Afrika’s lush, ambient reimagining of the Orielles’ ‘BEAM/S’ before Justin Robertson stretches Amber Arcades’ ‘Turning Light’ into eight minutes of electronic dub. Elsewhere, Baxter Dury’s peerless ‘Miami’ becomes a string-laden electro skank in the hands of French producer Pilooski; Edinburgh’s bedroom techno genius Eyes of Others’ ‘Safehouse’ turns into an East End bathhouse courtesy of disco deviants Decius; Ashley Beedle’s Black Science Orchestra turns Unloved’s heartworn torch song into seven minutes of glimmering dreamlike percussive house and Katy J. Pearson’s freak flag is flown high thanks to The Umlauts’ throbbing filtered electro mix. It ends similarly to how it began as TONE takes

Fran Lobo’s ‘All I Want’ on a gorgeous slow motion spacewalk.

Limited BioVinyl 2023 repress, which provides an ecological alternative to the conventional vinyl record with strictly no sound or visual compromises.
“We all dance away our lives to the tune of the sovereign pleasure-pain axis.” – David Pearce, The Hedonistic Imperative

Pleasure-seeking and pain-avoidance as a rave metaphor fits the music of Sam Barker. The Berghain resident and Leisure System co-founder has spent the last few years exploring the euphoric potential of altering key variables in dance music formulas.

This was especially true on his 2018 Ostgut Ton debut EP Debiasing, which was flush with unconventional rhythmic chord stabs, melody and percussion but devoid of kickdrums. What seemed like an experimental exercise on paper was in reality equally geared towards the club: tracks that worked for the floor but resisted the genre categorizations that kick drums often provide. This has come to define Barker’s sound.

Now, on his debut solo LP Utility, Barker turns his focus toward melding experimentation and dancefloor pragmatism with the psychology behind the musical decision making process. In his own words: “After ‘Debiasing’ it occurred to me that my musical decisions were often unintentionally utilitarian, following an instinct to maximize pleasure in one way or another. It’s sort of unfashionable to admit, but by removing elements that have strong genre associations, this became a natural consequence.”

Accordingly, Utility is a playful but non-ironic musical approach to a whole spectrum of utilitarian and transhumanist ideas: from models for quantifying pleasure and “gradients of bliss” to abolishing suffering for sentient beings (not just people) through the ethical use of drugs and nanotechnology. Over nine tracks, Barker’s vision ebbs and flows through waves of deeply psychedelic musical vignettes; free-floating and futuristic melodies and rhythms as targeted brain stimulation. The sound draws heavily on modular synthesis, as well as self-built mechanical instruments and plate reverbs to create atmospheres that are at once alien and emotionally recognizable, functional and utopian.

Utility is by no means a concept album. Instead, it is an honest take on music as both pleasuremaximizer and consciousness-expander.

“We all dance away our lives to the tune of the sovereign pleasure-pain axis.” – David Pearce, The Hedonistic Imperative

Vergnügungssucht und Schmerzvermeidung als Rave-Metapher – das passt zur Musik von Sam Barker. Der Berghain-Resident und Leisure System-Mitbetreiber hat im Laufe der Jahre das euphorische Potenzial der Veränderung von Variablen in der Dancefloorschablonisierung erkundet.

Das traf besonders auf sein Ostgut Ton-EP-Debüt Debiasing zu, das nur so sprudelte vor unkonventionellen rhythmischen Akkordfolgen, Melodien und Percussion – die Kickdrum aber wegließ. Was auf dem Papier wie eine experimentelle Übung wirkte, war tatsächlich gleichermaßen für den Klub gemacht: Stücke, die auf dem Dancefloor funktionieren, sich dem oft vorgegebenen Kickdrumdiktat und damit einhergehender Genrekategorisierung aber verweigerten. So hat sich Barkers Klang definiert.

Auf seinem Solodebütalbum Utility widmet Barker seine Aufmerksamkeit nun aber der Verschmelzung von Experiment und Dancefloorpragmatismus mit der Psychologie hinter dem musikalischen Entscheidungsfindungsprozess. In seinen eigenen Worten: „Nach Debiasing kam mir in den Sinn, dass meine musikalischen Entscheidungen oft unbeabsichtigt utilitaristisch sind, einem Instinkt folgen, Glück auf die eine oder andere Art zu maximalisieren. Das einzugestehen ist recht unmodisch. Aber durch die Auslassung von Elementen mit starken Genreassoziationen, wurde dies eine recht natürliche Konsequenz.“

Dementsprechend ist Utility eine spielerisch-neckische aber unironische musikalische Betrachtungsweise eines ganzen Spektrums utilitaristisch und transhumanistischer Konzepte: Von Modellen zur Quantifizierung von Wohlergehen und Verläufen von Glückseligkeit („Gradients of Bliss“) zur Abschaffung von Leid für fühlende Wesen (meint: nicht nur den Mensch) über die ethische Nutzung von Drogen und Nanotechnologie. Im Laufe von neun Stücken ebbt und schwillt Barkers Vision durch Wogen zutiefst psychedelischer Musikvignetten; freifließende und futuristische Melodien und Rhythmen als gezielte Hirnstimulation. Der Klang gründet stark auf modularer Synthese, ebenso wie selbstgebaute mechnische Klangerzeuger, Instrumente und Plate Reverbs Atmosphären schaffen, die gleichermaßen fremdartig als auch emotional vertraut wirken, funktional und utopisch.

Utility ist keinesfalls ein Konzeptalbum. Vielmehr ist es eine aufrechte Auseinandersetzung mit Musik als Freudenmaximierung und Bewusstseinserweiterung.

A month after the release of his debut album as Tambores En Benirras, 2021’s fabulous Orbe Dotodo, Graham Newby’s life changed forever. After years living with a visual impairment, his sight had deteriorated so much that he was declared “registered blind”. For a man who had spent decades dividing his time between travelling, DJing, running clubs and lengthy sessions in his own studio, it was a genuinely life-changing moment.

It was against this backdrop, and the need to alter his working methods, that Ondas Horizontales, the second Tambores En Benirras album took shape. Inspired by a mixture of daydreaming, visualisation, immersion in other people’s music (escapism that provided mood enhancement, rather than a specific set of ideas) and long periods spent soaking up the sun in Ibiza, the album is the most vividly detailed, sonically colourful, and sun-soaked collection that Newby has released to date.

Newby’s declining sight forced him to stop spending long spells staring at a screen and undoubtedly slowed down the production process. Yet it also allowed him to reconnect with his emotions, appreciate the storytelling and mood-shifting potential of music, and mine mind’s eye memories of places and spaces that have meant much to him over the years.

The results are undeniably stunning. Designed with horizontal listening in mind, the set distils a range of musical and real-life inspirations –or, as he puts it, “ambient soundtracks, cosmic journeys, Balearic rhythms and poolside sessions” – into ten mesmerising and magical tracks; an undulating, slow-motion journey that’s as breath-taking as it is beguiling.

Newby sets the tone with ‘Mi Sueno Vibe En Reverb’, a swelling, slow-burn ambient masterpiece that tiptoes between hope and melancholia, before flitting between imaginary sunset soundtracks (‘Estrellas En Mastella’, where lilting pedal steel sounds, bubbling electronics and shuffling breakbeats catch the ear), kaleidoscopic sun-up beats (the gorgeous warmth of ‘Generadora De Reyos’), enveloping beatless soundscapes (‘Templos Del Sol’, a drowsy drift in becalmed waters under the heat of the mid-afternoon sun), and dubby, loved-up lusciousness (‘Mokono’).

As the album progresses, bobbing and weaving on an ocean of vibrant chords, pulsing melodies and heart-stopping melodies, there’s no sign of Newby’s inspiration waving. ‘Alma Hablando’ channels the spirit of mid-80s ‘worldbeat’ and douses it in layers of Balearic bliss, while ‘Extrensor Entragado’ recalls the head-nodding haziness of his best Gripper productions of old while combining them with the musical equivalent of a humid summer breeze. Then there’s the mood-enhancing joy of the album’s superb title track –a mission statement of sorts – and the life-affirming post trip-hop/Balearic fusion of ‘Un Placer Celestial (Reprise)’, where the influence of his old friend Aim is clearly evident.

A serious sonic step-up from its predecessor and a future Balearic classic in its’ own right, Ondas Horizontales marks the start of a new musical and personal journey for its creator. It is, in his words, not the end of an era, but the start of a new one.

Taylor Swift’s new studio album Midnights is available everywhere on October 21st. It’s a collection of music written in the middle of the night, a journey through terrors and sweet dreams. The floors we pace and the demons we face - the stories of 13 sleepless nights scattered throughout Taylor’s life.

Each Vinyl Album Includes:

- Unique marbled color vinyl disc
- 13 Songs
- Collectible album jacket with unique front and back cover art
- Unique marbled color vinyl disc
- Collectible album sleeve (each side features a different full-size photo of Taylor)
- Full-size gatefold photo
- A collectible 8-page lyric booklet with never-before-seen photos

Tibi Dabo unveils his long-awaited full-length ‘Vista’ on Crosstown Rebels this September, with the kaleidoscopic nine-track album showcasing his diverse and rich sound palette.

Born in Barcelona, DJ, producer, and musician Tibi Dabo has proven himself adept at mixing the classic and the cutting-edge. From his early days touring Europe and the US with a band in which he plays the drums, the foundation for his experimentation for his work within the electronic sphere, he has since grown to become an exciting and much-loved DJ and producer, adding to his growing reputation as a Crosstown Rebels favourite. Stepping things up once more, his spirited new album ‘Vista’ is a perfect fusion of futuristic synths and compelling house grooves, all of which are masterfully designed and full of character. Following three well-received singles across the summer, the full-length is a complete sonic statement that explores deep house, leftfield sonics and widescreen cosmic vistas.

Opener ‘Water Is’ layers up fresh sound sources and playful melodies on nimble basslines that soon make you move. ‘Somewhere Beach’ is then a silky groove layered up with diffuse pads and aching synths that convey real romance, while ‘Licht’ is another masterful display of original drum programming with bursts of cosmic synth and elastic bass. ‘Useless Ideas’ then gets deeper on more low-key drums and bass. Instead, the focus is on the deft percussion and well-treated vocals that swirl and smudge around the mix to a woozy late-night effect.

The elegant ‘Mundo’ channels the machine soul of early Detroit techno, before ‘Mangabeira Manifesto’ featuring Dudu Bongo layers up wonky drums and bass with curling, soft acid sounds and a playful vocal line. ‘Triple Frontier’ picks up the pace and heads out on a high-speed cosmic house journey, all before ‘Overture’, another far-sighted astral trip with starry melodies and rich, rubbery bass, closes the package in fine style.

An expressive and adventurous yet coherent long player with a range of moods, feelings and grooves taking you to all corners of the house world, ‘Vista’ showcases Dabo’s most in-depth project to date and an album which provides the perfect platform for him to display his rich sonic universe.

Johann Sebastian Bachs Cellosuiten sind ein Prüfstein und eine Quelle der Inspiration für Yo-Yo Ma, seit er im Alter von vier Jahren die ersten Noten der Suite Nr. 1 kennenlernte. Zum 40jährigen Jubiläum veröffentlicht Sony Classical die 1983 entstandene Einspielung der Suiten - seine allererste - in einer neuen Ausgabe mit drei LPs: "J.S. Bach: The Six Unaccompanied Cello Suites - The 1983 Sessions" Die Edition umfasst drei neu gepresste Picture-Discs in einem Trifold Jacket mit exklusiven, noch nie gezeigten Fotos der damaligen Aufnahmesitzungen sowie einem Essay des Produzenten Richard Einhorn.J.S. Bachs Suiten für Violoncello, die zwischen 1717 und 1723 komponiert wurden, stehen an der Spitze des Solocello-Repertoires, seit Pablo Casals sie vor weit über einem Jahrhundert wiederentdeckte und aufzuführen begann. In drei Aufnahmen für Sony Classical und in Dutzenden von Live-Aufführungen auf der ganzen Welt sind die Suiten zu einer Art künstlerischer Signatur für Yo-Yo Ma geworden, der für die Aufnahme von 1983 den ersten seiner 19 GRAMMY®-Awards gewann. Obwohl er die Suiten noch zwei weitere Male an entscheidenden Momenten seiner Karriere aufgenommen hat, war es diese Aufnahme von 1983, die der Welt die singuläre Weite wie Tiefe seines künstlerischen Anspruchs und Könnens versprach. Der Produzent Richard Einhorn schreibt in seinem Begleittext zur neuen Ausgabe: "Als ich mir die Suiten jetzt anhörte, verliebte ich mich erneut in Yo-Yo Mas Interpretationen. Das erste Wort, das ich für diesen Aufsatz notiert habe, war 'Überschwang', ein Überschwang, der von Anfang an in Hülle und Fülle vorhanden war ... Yo-Yo hat die Bach-Suiten später sowohl als Audio- als auch als Video-Aufnahmen neu eingespielt; sie sind alle gleichermaßen bemerkenswerte Leistungen. Aber natürlich bleibt diese Version mein Favorit: Ich höre so viel von der überschwänglichen Persönlichkeit meines langjährigen Freundes in diesen wunderbaren Interpretationen einiger der größten Musikstücke, die je geschrieben wurden."

Punk pioneers Crass continue their vinyl reissue series, repressing their limited releases by adjacent artists through Crass Records, in association with One Little Independent. The series, including over twenty bands and solo artists recorded at the legendary Southern Studios and produced by Penny Rimbaud, continues with two more historic pieces from the Crass Records catalogue; ‘Farce’ by Rudimentary Peni and ‘Can’t Cheat Karma’ by Zounds.

Zounds are an English post-punk band from Reading, Berkshire, formed in 1977. Originally, they were part of the cassette culture movement, releasing material on the Fuck Off Records label, and were also involved in the squatting and free festival scene. The name of the band is derived from the old English ‘zounds’, a contraction of ‘God’s wounds’, referring to the crucifixion wounds of Jesus Christ, formerly used as a mildly blasphemous oath.

The band met up with fellow anarchists Crass when, legend has it, their van broke down on the road. They made their way to nearby Dial House, where Crass were based, who helped them with repairs. The two bands became friends, and although musically very divergent, they shared many common political views. Zounds shortly afterwards released their first EP, ‘Can't Cheat Karma’, on the Crass Records label in 1980. The EP featured possibly their most well-known track ‘Subvert’, a call to arms against the grind of daily life. The release of this EP and association with Crass led to an increase in the band's profile in the embryonic anarcho-punk scene, touring with both Crass and Poison Girls. They split in 1982 but reformed in 2007, and remain active today.

Penny continues; “Zounds could have made a fine pop group, but they were far too socially sassy to fall for that one. No, their commitment to radical political change, so abundantly clear in their lyrics, set them apart from the commercialism that had so blighted the likes of The Clash and other punkish pretenders. Having been drawn from the ranks of hippy bands like Here and Now, Zounds encouraged dissent and personal change, and, at their own cost, to pursue and promote them as ideologies. Can't cheat karma? No, nor ever beat it. Zounds were hip to this fine point. Want a better life?

Then make it for yourself. Ain't no one gonna help you out on that one. Find your own way, it's the only way there is.”

First released on 7” vinyl, limiting the sound, the new series has been remastered for 12” by Alex Gordon at Abbey Road Studios, allowing them to be heard as never before. This, plus enlarged replicas of the original covers, brings new gusto to their already radical sound.

Known principally as a smooth titan of blue-eyed soul, Bobby Caldwell transcended genre tags with consummate ease; he was a musical icon of real class and versatility, cherished the world over. Tragically passing away in March 2023 at the too young age of 71, it still feels as if Bobby's true artistry is profoundly under-appreciated. His double platinum self-titled album from 1978 is a timeless masterpiece of sophisticated jazzy soul brilliance and is strictly canonical. Yes, it's perfect, yet it's been out of press on vinyl for years. We're deeply honoured to present the long-awaited reissue this summer.

Whilst Ned Doheny is known in Japan as "Mr California", native New Yorker Bobby Caldwell has always been "Mr AOR" to his Far-Eastern friends. His distinct charm is an irresistible blend of soul, jazz, and pop influences. He possessed phenomenal songwriting prowess, smooth vocal performances, was both a great soul guitarist and dextrous keyboard player and known for genius chord progressions. It all added up to a multi-layered brilliance entering the studio, and the singular sound he landed on was laced with soulful, sweeping strings and funky horns, touching lightly on disco, while allowing his supple voice to carry the stunning tracks he'd crafted.

String-swept opener "Special To Me" immediately sets the tone with its lush instrumentation, rich harmonies, and Caldwell's velvety-smooth vocals. Next up, a huge one. The infectious, mid-tempo bounce of "My Flame" showcases Caldwell's ability to effortlessly blend catchy pop hooks with soulful arrangements. It's an exquisite, emotive ballad that, at the same time, absolutely SLAPS. Game recognise game, and all that, so, accordingly, Notorious B.I.G. memorably ran with “My Flame” for his 1997 single “Sky’s The Limit”. The rolling, disco-very "Love Won't Wait" is a slick, uptempo track containing heartfelt lyrics intertwined with elegant strings and a horn section to die for. Aching - and achingly cool - single "Can't Say Goodbye" is a real fan favourite, and it's no surprise. It's a laconic, slow-mo jazz-funk stepper, with fantastic, very deliberate playing that closes out the A Side quite exceptionally. "Come To Me" slows proceedings down elegantly to open Side B before the universally agreed-upon masterpiece enters proceedings.

"What You Won't Do for Love," the standout hit that became a classic in its own right, perfectly captured Bobby's ability to infuse a contagious groove with introspective and relatable lyrics. With its instantly recognisable horn riff and Caldwell's soulful delivery, this timeless, chiller anthem continues to captivate audiences and define his musical legacy. He scored huge with the track, taking over the pop and R&B airways with this mellow soul stepper. It has remained a perennial favourite and has been heavily sampled, such is its unique allure; Aaliyah sang over snatches of it on "Age Ain’t Nothing But A Number" and you can hear Caldwell’s vocal sample used for the hook on Tupac’s posthumously released “Do For Love”.

Upon submitting the finished album to his label, they requested more material in hope of a big single. As Bobby remembered to Wax Poetics a few years ago: “Now at this point, I’m mentally exhausted...and bear in mind that I got so close to all the songs I’d written. I gave each song a profound amount of thought, and maybe too much. So, in haste, I went in and cut this song, "What You Won’t Do For Love". Wrote it in a day, cut the rhythm track, overdubbed the horns, I sang the song, and literally turned it in three days after. And lo and behold, the one song I gave the least thought to,” Bobby laughed, “ended up being a national anthem.”

The mysterious, magical "Kalimba Song" is a cosmic, kalimba-driven melodic-funk instrumental - short but oh, so sweet. It's followed by the supreme tear-jerker "Take Me Back To Then", Bobby's otherworldly voice deeply longing for a simpler time, "when life was mellow". I think we can all get behind this sentiment. The final cut is arguably its deepest, its low-key finest moment. For us, it is, anyway. The glorious, driving, effortlessly funky guitar-soul jam "Down For The Third Time" is a huge melancholic Be With favourite and has been played by discerning genre-hopping DJs with significant glee for years. Hypnotic, melodic, beautiful. Like the album it elegantly rounds out.

Bobby sadly passed away on 23rd March 2023, after a long struggle with mitochondrial damage and oxidative stress, due to an adverse effect from a fluoroquinolone antibiotic. The reissue of his wonderful eponymous album will be available on vinyl across the globe, ensuring that fans of his incomparable talent - and soul music enthusiasts worldwide - can radiate in the deep beauty of this seminal album. Meticulously remastered and cut by both Simon Francis and Cicely Balston respectively, it has been pressed to the highest possibly quality at Record Industry in Holland.

Teenage Fanclubs elftes Studioalbum 'Nothing Lasts Forever' ist wunderbar reichhaltig und melodisch - der Klang des Endes einer Jahreszeit, der letzten warmen Tage des Jahres, während die Nächte hereinbrechen und die Gedanken nachdenklich und melancholisch werden. Diese herbstliche Reflexion ist auf dem Album allgegenwärtig. Eines der wiederkehrenden Themen in den neuen Songs ist das Licht, als Metapher für Hoffnung und als ultimatives Ziel des Weges. Aufgenommen Ende August während einer intensiven zehntägigen Phase in der walisischen Landschaft, kann man die Wirkung dieser Umgebung auf der Platte hören - sie ist voller sanfter Brisen, weitem Himmel, Schönheit und Raum. Einer der eindrucksvollsten Texte des Albums findet sich im finalen Track 'I Will Love You'. Das wunderschöne siebenminütige, fast kosmisch-akustische Tagtraumstück blickt jenseits der Wut und Polarisierung unseres modernen Diskurses auf eine Zeit, in der 'the bigots are gone/after they apologise/for all the harm that they've done'. Die Suche nach dem Positiven angesichts der düsteren Realitäten des 21. Jahrhunderts fühlt sich sehr nach Teenage Fanclub an - einer Band, die seit über drei Jahrzehnten eine Kraft des Guten ist und Melancholie mühelos in glorreich klingende Harmonien verwandeln kann.

Teenage Fanclubs elftes Studioalbum 'Nothing Lasts Forever' ist wunderbar reichhaltig und melodisch - der Klang des Endes einer Jahreszeit, der letzten warmen Tage des Jahres, während die Nächte hereinbrechen und die Gedanken nachdenklich und melancholisch werden. Diese herbstliche Reflexion ist auf dem Album allgegenwärtig. Eines der wiederkehrenden Themen in den neuen Songs ist das Licht, als Metapher für Hoffnung und als ultimatives Ziel des Weges. Aufgenommen Ende August während einer intensiven zehntägigen Phase in der walisischen Landschaft, kann man die Wirkung dieser Umgebung auf der Platte hören - sie ist voller sanfter Brisen, weitem Himmel, Schönheit und Raum. Einer der eindrucksvollsten Texte des Albums findet sich im finalen Track 'I Will Love You'. Das wunderschöne siebenminütige, fast kosmisch-akustische Tagtraumstück blickt jenseits der Wut und Polarisierung unseres modernen Diskurses auf eine Zeit, in der 'the bigots are gone/after they apologise/for all the harm that they've done'. Die Suche nach dem Positiven angesichts der düsteren Realitäten des 21. Jahrhunderts fühlt sich sehr nach Teenage Fanclub an - einer Band, die seit über drei Jahrzehnten eine Kraft des Guten ist und Melancholie mühelos in glorreich klingende Harmonien verwandeln kann.

Teenage Fanclubs elftes Studioalbum 'Nothing Lasts Forever' ist wunderbar reichhaltig und melodisch - der Klang des Endes einer Jahreszeit, der letzten warmen Tage des Jahres, während die Nächte hereinbrechen und die Gedanken nachdenklich und melancholisch werden. Diese herbstliche Reflexion ist auf dem Album allgegenwärtig. Eines der wiederkehrenden Themen in den neuen Songs ist das Licht, als Metapher für Hoffnung und als ultimatives Ziel des Weges. Aufgenommen Ende August während einer intensiven zehntägigen Phase in der walisischen Landschaft, kann man die Wirkung dieser Umgebung auf der Platte hören - sie ist voller sanfter Brisen, weitem Himmel, Schönheit und Raum. Einer der eindrucksvollsten Texte des Albums findet sich im finalen Track 'I Will Love You'. Das wunderschöne siebenminütige, fast kosmisch-akustische Tagtraumstück blickt jenseits der Wut und Polarisierung unseres modernen Diskurses auf eine Zeit, in der 'the bigots are gone/after they apologise/for all the harm that they've done'. Die Suche nach dem Positiven angesichts der düsteren Realitäten des 21. Jahrhunderts fühlt sich sehr nach Teenage Fanclub an - einer Band, die seit über drei Jahrzehnten eine Kraft des Guten ist und Melancholie mühelos in glorreich klingende Harmonien verwandeln kann.

KAU (previously KAU trio.) is an instrumental trio based in Brussels. Representing various European backgrounds, the Belgian capital and melting pot proves to be a never ending source of inspiration for the band. Taking influences from jazz, groove and dance music, their aim is simple but straightforward: to make your heads bob. The formula they use to do so has been the same since their early days: improvisation, never ending jam sessions and an open-mindedness towards various genres and styles. This gives their music an organic and vibrant feel. Furthermore, the three boys' long-lasting friendship is at the heart of it all, always relying on what brings them together: their love for music. The KAU cycle is bound to repeat itself and to birth something new - over and over again.

"The Cycle Repeats" is KAU's debut album, due on September 22 on SDBAN Ultra, the home of ECHT!, Black Flower, Glass Museum, STUFF. and more. It represents a milestone in the band's musical journey: it's their firm decision to present a strong and unified trio playing music that stands out through the combination of 80's synths, acoustic drums and electric bass. Moreover, the album succeeds in capturing the energy of their infectious and legendary live shows.

Highlights are album opener "Kampala", which has a throbbing bassline, jazzy synths and heavily modified arpeggiators at its core. The album's first single "Little Steps" starts with a strong hip hop groove, morphing into Herbie Hancock-style chords. "Amulet" is inspired by breakbeats, fast paced grooves and pentatonic bass lines. Both "Kautokeino" and "Alaska" are an invitation to travel to the utmost remote places of this earth, using intense sequencing and suffocating subbasses into an epic finish, probably demonstrating the trio in its most sincere form.

In short: with André Breidlid on drums, Matteo Genovese on bass and Jan Janzen on synths, KAU are a trio of childhood friends with a pan-European identity, whose music reflects the city they grew up in: unapologetic, richly diverse and with a spontaneous groove underlining it all. With their new album "The Cycle Repeats" they directly aim for your dancing shoes and souls.

Mad Honey are a dream-pop band from Oklahoma City, OK. "Satellite Aphrodite" is the debut album from Mad Honey. The exciting first chapter of a band destined to be part of the modern indie-rock lexicon for years to come. As opener "Tuff's Last Stand" emerges, we are transported into Mad Honey's lush world of musical melancholy. This leads to the hazy and hook laden "Heavier Still", "Fold", and "Larkspur". Unforgettable songs that showcase a sophistication deep within Mad Honey's multi-layered approach. At the midpoint where many albums meander, "Satellite Aphrodite" continues to ascend. "Eileen", "E.T.Y.N", "R U Feeling It", and "Psycho" all shimmer and sway with punk heart and pop sensibility unlike anything else out there today. The acoustic heavy "Kamakura" then playfully brings us to "Concentration" and poignant title track. Two infectious songs that show Mad Honey discovering their own youthful creative magic in real time.

Das neue Album, welches auf das 2018 erschienene Debüt "Embody" des dänischen Liedermachers folgt, wurde erneut in Sebbersund in der Nähe von Ross' Elternhaus mit John Wood aufgenommen. Wood, der vor allem für seine Arbeit an der Seite von John Martyn, Cat Stevens, Nico, Nick Drake, Pink Floyd und anderen bekannt ist, bat dieses Mal seinerseits um eine Zusammenarbeit mit Hjalte, nachdem dieser den legendären Produzenten vor seiner ersten Platte um Rat gebeten hatte. Nach der zerbrechlichen und zurückhaltenden Schönheit des Debüts, gibt es nun ein neues Gefühl des Selbstvertrauens, einen zusätzlichen Biss in den Texten, eine zusätzliche Tiefe in dieser besonderen Stimme. "Ich bin ein besserer Songwriter, ein besserer Sänger und ein besserer Gitarrist geworden", betont Hjalte. "Ich habe jedoch die gleiche Absicht wie beim letzten Mal beibehalten und mich darauf fokusiert, ein Album in voller Länge zu machen und mich dabei absolut und gänzlich auf die Musik zu konzentrieren. "Waves of Haste" ist eine subtile und gleichfalls mutige Erweiterung seines Sounds. Das Album besteht aus neun fesselnden Songs und wurde nach der Begegnung in New York mit Daniel Goodwin von diesem gemischt und gemastert, einem Produzenten, der für seine Arbeit mit Künstlern wie Kevin Morby und Whitney und vielen anderen bekannt ist. Diese Paarung bringt das Beste in Hjaltes Songwriting zum Vorschein, hebt die Gegensätze von Norwegen und New York hervor, gelangt dabei zu etwas gemeinsamen Größerem "Waves Of Haste" klingt gleichzeitig modern und elegant alt(modisch), erinnert an den gefühlvollen Sound der 70er Jahre und ist außergewöhnlich grandios. Die LP - gepresst bei Optimal - kommt als klassich schwarzes Vinyl in aufwendig gestaltetem Klappcover inklusive Prägedruck. Das Artwork wurde entworfen vom erfolgreichen dänischen Maler/Bildhauer Kasper Eistrup (auch ehemals von der Band Kaschmir bekannt). Für Liebhaber der Genres Singer/Songwriter, Folk, Independent, für Fans von Nick Drake, Kevin Morby, José Gonzales, Robert Wyatt, John Martyn, Leonard Cohen...

2023 Reissue

After releasing Undefined, Kazufumi Kodama and Babe Roots, the 4th release from a Japanese experimental dub label newdubhall welcomes the ever-evolving pioneer of minimal dub and dub techno Deadbeat, a solo project of Scott Monteith hailing from Canada. Side A 'Things Fall Apart' will feature a beatless dub ambient which shares a perspective of free jazz and 'Adieu Chez Cherie,’ an absolute knockdown four on the floor dub techno on the flip side. Though simple, both sides are layered with complexity, let yourself experience the profundity of newdubhall with this masterpiece.

Seit mehr als 35 Jahren sind BONFIRE der Inbegriff von "Hard'n'Heavy made in Germany". Jetzt veröffentlichen sie ihre beliebtesten Alben "POINT BLANK", "FIREWORKS" und "DON'T TOUCH THE LIGHT" als MMXXIII Re-Recording-Versionen mit einem komplett neuen Artwork! Erstmals digital bei allen Streaming-Anbietern, als farbig limitierte und nicht limitierte Vinyl und als CD-Digipack verfügbar. In ihrer Karriere sammelten Bonfire mehrere Millionen Streams und Plays und erreichten mit einer ihrer letzten Veröffentlichungen "Fistful Of Fire" Platz 35 in den deutschen Albumcharts und stiegen auch in der Schweiz auf Platz 43 ein.

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Seit mehr als 35 Jahren sind BONFIRE der Inbegriff von "Hard'n'Heavy made in Germany". Jetzt veröffentlichen sie ihre beliebtesten Alben "POINT BLANK", "FIREWORKS" und "DON'T TOUCH THE LIGHT" als MMXXIII Re-Recording-Versionen mit einem komplett neuen Artwork! Erstmals digital bei allen Streaming-Anbietern, als farbig limitierte und nicht limitierte Vinyl und als CD-Digipack verfügbar. In ihrer Karriere sammelten Bonfire mehrere Millionen Streams und Plays und erreichten mit einer ihrer letzten Veröffentlichungen "Fistful Of Fire" Platz 35 in den deutschen Albumcharts und stiegen auch in der Schweiz auf Platz 43 ein.

Seit mehr als 35 Jahren sind BONFIRE der Inbegriff von "Hard'n'Heavy made in Germany". Jetzt veröffentlichen sie ihre beliebtesten Alben "POINT BLANK", "FIREWORKS" und "DON'T TOUCH THE LIGHT" als MMXXIII Re-Recording-Versionen mit einem komplett neuen Artwork! Erstmals digital bei allen Streaming-Anbietern, als farbig limitierte und nicht limitierte Vinyl und als CD-Digipack verfügbar. In ihrer Karriere sammelten Bonfire mehrere Millionen Streams und Plays und erreichten mit einer ihrer letzten Veröffentlichungen "Fistful Of Fire" Platz 35 in den deutschen Albumcharts und stiegen auch in der Schweiz auf Platz 43 ein.

Seit mehr als 35 Jahren sind BONFIRE der Inbegriff von "Hard'n'Heavy made in Germany". Jetzt veröffentlichen sie ihre beliebtesten Alben "POINT BLANK", "FIREWORKS" und "DON'T TOUCH THE LIGHT" als MMXXIII Re-Recording-Versionen mit einem komplett neuen Artwork! Erstmals digital bei allen Streaming-Anbietern, als farbig limitierte und nicht limitierte Vinyl und als CD-Digipack verfügbar. In ihrer Karriere sammelten Bonfire mehrere Millionen Streams und Plays und erreichten mit einer ihrer letzten Veröffentlichungen "Fistful Of Fire" Platz 35 in den deutschen Albumcharts und stiegen auch in der Schweiz auf Platz 43 ein.

The Machine is back! Following the 2022 release of the wildly successful, God Don't Make Mistakes, Conway the Machine returns with his next studio album, WON'T HE DO IT. Aptly titled for touching on the various obstacles he's been faced with and overcome to be in the position he's in today, Conway hopes to inspire listeneres to imagine the possibilities they themselves can achieve by breaking through the walls that have been put up and relentlessly pursuing their goals to turn their dreams into reality. The 14 track album sees appearances by longtime collaborators Westside Gunn & Benny the Butcher, as well as Jae Skeese, Sauce Walka, Juicy J, Fabolous, Dave East, GooseByTheWay, 7xvethegenius, Jozzy, Ransom & Drea D'Nur. Production is handled by heavyweight producers such as J.U.S.T.I.C.E. League, Khrysis, Daringer, Juicy J & more.

Es beherrscht ein grauer, stimmungsvoller und dichter Spätherbst-Tag das Geschehen. Viel zu früh hat der Himmel sich verdunkelt. Jetzt plätschert gleichförmig und regelmäßig Regen auf die Straßen, auf die Erde, auf die griesgrämig wirkenden Menschen herab. So stellt man sich die Atmosphäre vor, in welcher das sechste Subsignal-Studioalbum "A Poetry of Rain" entstanden ist.
Fünf endlos wirkende Jahre ließen Subsignal ihre Anhänger auf neue akustische Klang-Abenteuer warten. "Und auch das hatte wieder mit der Pandemie zu tun", offenbart Markus Steffen den Grund für die quälend lange Pause. "Existenzängste schlichen sich ein", reflektiert er. "Im Zuge dessen verließ der langjährige Bassist Ralf Schwager die Band. Mit Martijn Horsten aus Rotterdam war allerdings rasch würdiger Ersatz gefunden. Dennoch schwelgen die zehn Kompositionen vor Sehnsucht und einer gehörigen Portion Wehmut."
Der progressive Mix aus Rock, Metal und Artrock gelingt scheinbar spielerisch. Ausnahme-Drummer Dirk Brand setzt dabei eine fulminante Basis, auf die mal rockige, mal elegante Gitarren-Sounds zusammen mit den Keyboards einmalige Klangwelten zaubern. Darüber schwebt das wunderbare Timbre von Sänger Arno Menses - immer präsent, immer einnehmend, voller Leidenschaft und Kraft. Dazu trägt auch die kristallklare und druckvolle Produktion von Yogi Lang von ihrem Label Gentle Art Of Music bei.

Presse:
Rocks 9/10: "Songs wie ›Impasse‹ oder "Marigold‹ berühren, transportieren Gefühle und packen den Hörer, wie es sonst Marillion, Yes oder Kansas am besten können. Auf welch hohem Niveau die Herren musizieren, wird bei Nummern wie The Art Of Giving Ins oder ›Sliver (The Sheltered Garden)‹ klar, aber Komplexi-lät ist hier nie Mittel zum Zweck."

Deaf Forever 8.5/10: "…meistens die wie immer großartigen Refrains, die einen aufrichten. ….wie gewohnt exzellent gesungene Artrock-Stücke, die von den nach fünf Jahren Wartezeit dürstenden Anhängern nun endlich auch zu Hause genossen werden können."

Rock It - Soundcheck #6/32: "…so steht der Name Subsignal auch auf Album Nummer sechs doch für handgemachte Qualitätsarbeit mit Herz und Seele. Reinhören, eintauchen und mitfühlen!"

Break Out: "Mit "Poetry Of Rain" unterstreichen Subsignal ihre Ausnahmestellung im Rock: Scheibe unbedingt zulegen! Ich bin mir sicher, dass niemand bei diesem Longplayer enttäuscht sein wird, der sich in melodischen Bereichen mit progressiven Parts wohlfühlt."

Gäste:
David Bertok - Keyboards "Embers Part II - Water Wings)
Marek Arnold - Saxophon "The Last of its Kind"
Yogi Lang - Keyboards
Dietmar Waechtler - Pedal Steel "The Art of Giving In"
Iraklis Choraitis - Backing Vocals "Sliver (The Sheltered Garden)"

Mix & Master von Yogi Lang, Farm-Studios Freising

Es beherrscht ein grauer, stimmungsvoller und dichter Spätherbst-Tag das Geschehen. Viel zu früh hat der Himmel sich verdunkelt. Jetzt plätschert gleichförmig und regelmäßig Regen auf die Straßen, auf die Erde, auf die griesgrämig wirkenden Menschen herab. So stellt man sich die Atmosphäre vor, in welcher das sechste Subsignal-Studioalbum "A Poetry of Rain" entstanden ist.
Fünf endlos wirkende Jahre ließen Subsignal ihre Anhänger auf neue akustische Klang-Abenteuer warten. "Und auch das hatte wieder mit der Pandemie zu tun", offenbart Markus Steffen den Grund für die quälend lange Pause. "Existenzängste schlichen sich ein", reflektiert er. "Im Zuge dessen verließ der langjährige Bassist Ralf Schwager die Band. Mit Martijn Horsten aus Rotterdam war allerdings rasch würdiger Ersatz gefunden. Dennoch schwelgen die zehn Kompositionen vor Sehnsucht und einer gehörigen Portion Wehmut."
Der progressive Mix aus Rock, Metal und Artrock gelingt scheinbar spielerisch. Ausnahme-Drummer Dirk Brand setzt dabei eine fulminante Basis, auf die mal rockige, mal elegante Gitarren-Sounds zusammen mit den Keyboards einmalige Klangwelten zaubern. Darüber schwebt das wunderbare Timbre von Sänger Arno Menses - immer präsent, immer einnehmend, voller Leidenschaft und Kraft. Dazu trägt auch die kristallklare und druckvolle Produktion von Yogi Lang von ihrem Label Gentle Art Of Music bei.

Presse:
Rocks 9/10: "Songs wie ›Impasse‹ oder "Marigold‹ berühren, transportieren Gefühle und packen den Hörer, wie es sonst Marillion, Yes oder Kansas am besten können. Auf welch hohem Niveau die Herren musizieren, wird bei Nummern wie The Art Of Giving Ins oder ›Sliver (The Sheltered Garden)‹ klar, aber Komplexi-lät ist hier nie Mittel zum Zweck."

Deaf Forever 8.5/10: "…meistens die wie immer großartigen Refrains, die einen aufrichten. ….wie gewohnt exzellent gesungene Artrock-Stücke, die von den nach fünf Jahren Wartezeit dürstenden Anhängern nun endlich auch zu Hause genossen werden können."

Rock It - Soundcheck #6/32: "…so steht der Name Subsignal auch auf Album Nummer sechs doch für handgemachte Qualitätsarbeit mit Herz und Seele. Reinhören, eintauchen und mitfühlen!"

Break Out: "Mit "Poetry Of Rain" unterstreichen Subsignal ihre Ausnahmestellung im Rock: Scheibe unbedingt zulegen! Ich bin mir sicher, dass niemand bei diesem Longplayer enttäuscht sein wird, der sich in melodischen Bereichen mit progressiven Parts wohlfühlt."

Gäste:
David Bertok - Keyboards "Embers Part II - Water Wings)
Marek Arnold - Saxophon "The Last of its Kind"
Yogi Lang - Keyboards
Dietmar Waechtler - Pedal Steel "The Art of Giving In"
Iraklis Choraitis - Backing Vocals "Sliver (The Sheltered Garden)"

The latest EP from Drab Majesty marks the start of a stirring new chapter in the band's majestic legacy. Written during a 2021 retreat to the remote coastal Oregon town of Yachats, Deb Demure leaned into the neo- psychedelic resonance of a uniquely bowl - shaped 12 -string Ovation acoustic/electric guitar. After early morning hikes in the rain, Deb would record ambient guitar experiments the rest of the day, tapping into "flow states," letting the sound lead the way. These sessions were then refined or recreated, and later elevated further with key collaborations by Rachel Goswell (Slowdive), Justin Meldal Johnson (Beck, M83, Air), and Ben Greenberg (Uniform, Circular Ruin Studio). An Object In Motion is true to its title, capturing the chrysalis moment of an artist evolving, reborn and untet hered, silhouetted against an open horizon. "Cape Perpetua" kicks off the collection's divergent palette: sparkling acoustic fingerpicking refracted through delay, equal parts raga and reverie. Melodies and moods congeal and dissipate, at the threshold of rustic American primitivism, brooding neo-folk, and pastoral melancholia. "The Skin And The Glove" deploys jangle to different effect baggy, soaring, grey skied kaleidoscopic pop in the spirit of Stone Roses, Primal Scream, and The Glove. Rachel Goswell lends her iconic freefall voice to The Cure - esque ballad, "Vanity," infusing poetic gravity to the doomed refrain: "If the valve breaks / then the earth quakes / and history finds a way / to put you in your place." "Yield To Force", the closing track of the EP, may be the most anomalous offering of the set. A 15 minute instrumental odyssey of cyclical strings, ominous slide guitar, and simmering synthesizer, the piece sways and spirals like a long zoom into distant storm clouds. Demure finesses the guitar with a restless but regal grandeur, unfolding a panorama of peaks, shadows, and plateaus. It's music both intuitive and prophetic, tracing the slow swing of pendulums across an endless plain. Taken as a whole, An Object In Motion presents a showcase of potential futures from Drab's evolving domain, their sound poised to bloom at the precipice of transformation.

Die japanische Band CHAI verzauberte die Welt 2017 mit ihrem Debütalbum PINK, einer Sammlung von Songs, die ihren einzigartigen, verspielten Pop vorstellten. Das enthusiastisch-feministische Nachfolgealbum PUNK wurde von der Musikpresse und anderen Künstlern hoch gelobt. Das führte zu WINK, das CHAI per Remote-Zoom-Sessions aufnahmen - eine Einschränkung, die sich als Stärke erwies, da MANA (Leadgesang und Tasten), KANA (Gitarre), YUNA (Schlagzeug) und YUUKI (Bass und Texte) mit Künstler*innen im Ausland zusammenarbeiten konnten, um ein Werk zu schaffen, das in ihrer internationalen Gemeinschaft Katharsis fand. Im Gegensatz zu WINK kehren CHAI auf ihrem neuen, selbstbetitelten Album zu ihren Wurzeln zurück und lassen sich von ihrem japanischen Erbe und der Musik, mit der sie aufgewachsen sind, inspirieren. "Alles, was sich in den Texten widerspiegelt, drückt unsere Erfahrungen als japanische Frauen aus", sagt MANA. CHAIs Ethos ist das der Inklusion, und die erste Ssingle "We The Female!" - die live aufgenommen wurde, um die krawalligen Auftritte der Band zu würdigen - lädt die Zuhörer zu dieser Mission ein. Während ihrer Tourneen nach der Pandemie, bei denen sie vor riesigen Menschenmengen in Städten wie Santiago, Buenos Aires und Sao Paulo auftraten, wurde CHAI klar, dass sie sich ein globales Publikum erschlossen hatten. CHAI schrieben das neue Album unterwegs und fanden zwischen den Auftritten im Stones Throw Studio in L.A., in der Ometusco Sound Machine in Mexico City und in der Grand Street in New York Zeit für die Aufnahmen. Als sie erkannten, dass ihre befreiende, ermächtigende Botschaft auch für Menschen außerhalb Japans gilt, überlegten CHAI, welche Facetten ihrer Erziehung beim Publikum außerhalb ihres Heimatlandes Anklang finden könnten. Auf CHAI schöpft die Band direkt aus dem City-Pop, einem in Tokio entstandenen Sound, der in den 70er und 80er Jahren populär war. City-Pop war eine japanische Interpretation westlicher Lounge-Musik, die Anleihen bei Jazz, Boogie, Funk und Yacht-Rock machte, um einen Sound zu kreieren, der sich zwischen zwei Kulturen bewegte. Während der City-Pop in letzter Zeit über TikTok und YouTube ein US-Publikum gefunden hat, sind CHAI mit diesem Genre aufgewachsen. Für die Produktion griffen sie auf ihren früheren Mitarbeiter Ryu Takahashi zurück, der ihre Vorliebe für City Pop, Eurobeat und die Melodien von J-Pop-Künstlern wie Maria Takeuchi teilte. "Sie wollten sich mit ihrer japanischen Identität auseinandersetzen, nicht im traditionellen Sinne, sondern auf diese gefilterte westliche Art", sagt Takahashi. Die Arbeit in gut ausgestatteten Studios ermöglichte es ihnen, mit einer Ästhetik zu experimentieren, die auf einem CHAI-Album noch nicht zu hören war.

Die japanische Band CHAI verzauberte die Welt 2017 mit ihrem Debütalbum PINK, einer Sammlung von Songs, die ihren einzigartigen, verspielten Pop vorstellten. Das enthusiastisch-feministische Nachfolgealbum PUNK wurde von der Musikpresse und anderen Künstlern hoch gelobt. Das führte zu WINK, das CHAI per Remote-Zoom-Sessions aufnahmen - eine Einschränkung, die sich als Stärke erwies, da MANA (Leadgesang und Tasten), KANA (Gitarre), YUNA (Schlagzeug) und YUUKI (Bass und Texte) mit Künstler*innen im Ausland zusammenarbeiten konnten, um ein Werk zu schaffen, das in ihrer internationalen Gemeinschaft Katharsis fand. Im Gegensatz zu WINK kehren CHAI auf ihrem neuen, selbstbetitelten Album zu ihren Wurzeln zurück und lassen sich von ihrem japanischen Erbe und der Musik, mit der sie aufgewachsen sind, inspirieren. "Alles, was sich in den Texten widerspiegelt, drückt unsere Erfahrungen als japanische Frauen aus", sagt MANA. CHAIs Ethos ist das der Inklusion, und die erste Ssingle "We The Female!" - die live aufgenommen wurde, um die krawalligen Auftritte der Band zu würdigen - lädt die Zuhörer zu dieser Mission ein. Während ihrer Tourneen nach der Pandemie, bei denen sie vor riesigen Menschenmengen in Städten wie Santiago, Buenos Aires und Sao Paulo auftraten, wurde CHAI klar, dass sie sich ein globales Publikum erschlossen hatten. CHAI schrieben das neue Album unterwegs und fanden zwischen den Auftritten im Stones Throw Studio in L.A., in der Ometusco Sound Machine in Mexico City und in der Grand Street in New York Zeit für die Aufnahmen. Als sie erkannten, dass ihre befreiende, ermächtigende Botschaft auch für Menschen außerhalb Japans gilt, überlegten CHAI, welche Facetten ihrer Erziehung beim Publikum außerhalb ihres Heimatlandes Anklang finden könnten. Auf CHAI schöpft die Band direkt aus dem City-Pop, einem in Tokio entstandenen Sound, der in den 70er und 80er Jahren populär war. City-Pop war eine japanische Interpretation westlicher Lounge-Musik, die Anleihen bei Jazz, Boogie, Funk und Yacht-Rock machte, um einen Sound zu kreieren, der sich zwischen zwei Kulturen bewegte. Während der City-Pop in letzter Zeit über TikTok und YouTube ein US-Publikum gefunden hat, sind CHAI mit diesem Genre aufgewachsen. Für die Produktion griffen sie auf ihren früheren Mitarbeiter Ryu Takahashi zurück, der ihre Vorliebe für City Pop, Eurobeat und die Melodien von J-Pop-Künstlern wie Maria Takeuchi teilte. "Sie wollten sich mit ihrer japanischen Identität auseinandersetzen, nicht im traditionellen Sinne, sondern auf diese gefilterte westliche Art", sagt Takahashi. Die Arbeit in gut ausgestatteten Studios ermöglichte es ihnen, mit einer Ästhetik zu experimentieren, die auf einem CHAI-Album noch nicht zu hören war.

'AVANT TRASH' ist der programmatische Titel des Debütalbums der Cousines like Shit.
Mit ihren kritischen Punchlines verlautbaren die Cousinen ihre Beobachtungen zu Gesellschaft und dem Paradoxon Mensch. In Tracks wie 'Barbie', 'Vivid Sassy' oder 'Bachelorette' kann man sich wiederfinden, ertappt fühlen, oder man muss schlicht schmunzeln, wenn einem die Komik gewisser menschlicher Verhaltensmuster bewusst wird. Mit der Wahl des Titels 'AVANT TRASH' kreieren die Cousinen nicht weniger als ein eigenes Genre für sich, für ihren unverkennbaren Stil, textfokussiert und untermalt von simplen, aber eingängigen Melodien.

180 g black Vinyl, Gatefold, DLC, Insert
Seit 1988 stehen Cannibal Corpse an der Spitze des Death Metal und haben das Genre geprägt und definiert. Im Jahr 2021 setzten sie mit ihrem 15. Album Violence Unimagined die Messlatte erneut höher. 2023 kehren sie mit dessen Nachfolger, dem ebenso monströsen Chaos Horrific, zurück und schlagen damit ein neues Kapitel ihres Vermächtnisses auf. Kurz nach Abschluss der Violence Unimagined-Sessions geschrieben, finden sich in Chaos Horrific Anklänge an jenes Album. "Für mich fühlt sich dieses Album wie eine Art Fortsetzung von Violence Unimagined an. Der Stil ist ziemlich ähnlich, aber im Einzelnen klingt keiner der Songs auf Chaos Horrific wie die Songs auf Violence Unimagined", sagt Bassist Alex Webster. "Es ist ein vollwertiges Death-Metal-Album im Stil von Cannibal Corpse."

Ltd. Ltd.burned flesh marbled Vinyl, Gatefold, DLC, Insert

Seit 1988 stehen Cannibal Corpse an der Spitze des Death Metal und haben das Genre geprägt und definiert. Im Jahr 2021 setzten sie mit ihrem 15. Album Violence Unimagined die Messlatte erneut höher. 2023 kehren sie mit dessen Nachfolger, dem ebenso monströsen Chaos Horrific, zurück und schlagen damit ein neues Kapitel ihres Vermächtnisses auf. Kurz nach Abschluss der Violence Unimagined-Sessions geschrieben, finden sich in Chaos Horrific Anklänge an jenes Album. "Für mich fühlt sich dieses Album wie eine Art Fortsetzung von Violence Unimagined an. Der Stil ist ziemlich ähnlich, aber im Einzelnen klingt keiner der Songs auf Chaos Horrific wie die Songs auf Violence Unimagined", sagt Bassist Alex Webster. "Es ist ein vollwertiges Death-Metal-Album im Stil von Cannibal Corpse."

'Can I Go Again?', das Debütalbum von Benét (Benét Nutall) aus Richmond, VA, ist eine abwechslungsreiche Sammlung nachdenklicher, dicht gepackter Indie-Pop-, Rock- und Soul-Tracks, die ebenso emotional mitschwingen wie sie unmittelbar und ansteckend sind. Diese Tracks sind es gleichermaßen wert, Herzschmerz zu verarbeiten, mit Freunden zu spielen oder Kraft in der Einsamkeit zu finden. Die Debüt-EP von Benét, "Game Over" (2021), war ein ehrlicher Versuch der Selbstreflexion durch elektronische Dance- und Disco-Atmosphären - die titelgebende Frage ihres Debütalbums dient als Neustart des Arcade-Spiels mit mehr Wissen, Reife und Sicherheit, während Benét sich zu organischerer Instrumentalbegleitung und raffiniertem Songwriting bewegt. Die überschwänglichen und scharfen Gitarrenriffs und die treibende Bassline von "Insensitive" heben Benéts Gesang an, wenn sie über Gefühle von Nervosität, Sehnsucht und die letztendliche Überwindung von beidem mit Selbstsicherheit singen. In "Overpowering" können Benét über einer sanften Bassline und einem stolpernden Beat ihre persönliche Entwicklung zur Schau stellen. "No Alarm" bietet einen weiteren Einblick in Benéts lyrische Verwundbarkeit, die sich zwischen Selbstbewusstsein in den Strophen und einer flirrenden, stringent betonten Sicherheit im Refrain hin und her bewegt. Die Musik von Benét wurde schon immer von der Umgebung und den Menschen, mit denen sie zusammenarbeiten, beeinflusst. Das Album ist das Ergebnis von etwa drei Jahren des Schreibens und Aufnehmens zu verschiedenen Zeiten mit verschiedenen Gruppen von Freunden und musikalischen Partnern - in Richmond, VA mit Jacob Grissom, Christian Lewis, Neal Perrine und John Trainum, in Philadelphia mit Kyle Pulley und Danny Murillo und in New York mit Carlos Truly. In "Can I go again?" geht es darum, sich Zeit zu nehmen und zu erkennen, bewusst zu wachsen und Freude und Nervosität selbstbewusst auszudrücken. Benét nutzt "Can I Go Again?" um ihren eigenen Platz inmitten inspirierender, verwirrender, schwieriger und schöner menschlicher Verbindungen zu verarbeiten und diese unvergesslichen, eingängigen, emotionalen Lieder zu präsentieren, in der Hoffnung, dass das Publikum zuhören und dasselbe tun kann.

'Can I Go Again?', das Debütalbum von Benét (Benét Nutall) aus Richmond, VA, ist eine abwechslungsreiche Sammlung nachdenklicher, dicht gepackter Indie-Pop-, Rock- und Soul-Tracks, die ebenso emotional mitschwingen wie sie unmittelbar und ansteckend sind. Diese Tracks sind es gleichermaßen wert, Herzschmerz zu verarbeiten, mit Freunden zu spielen oder Kraft in der Einsamkeit zu finden. Die Debüt-EP von Benét, "Game Over" (2021), war ein ehrlicher Versuch der Selbstreflexion durch elektronische Dance- und Disco-Atmosphären - die titelgebende Frage ihres Debütalbums dient als Neustart des Arcade-Spiels mit mehr Wissen, Reife und Sicherheit, während Benét sich zu organischerer Instrumentalbegleitung und raffiniertem Songwriting bewegt. Die überschwänglichen und scharfen Gitarrenriffs und die treibende Bassline von "Insensitive" heben Benéts Gesang an, wenn sie über Gefühle von Nervosität, Sehnsucht und die letztendliche Überwindung von beidem mit Selbstsicherheit singen. In "Overpowering" können Benét über einer sanften Bassline und einem stolpernden Beat ihre persönliche Entwicklung zur Schau stellen. "No Alarm" bietet einen weiteren Einblick in Benéts lyrische Verwundbarkeit, die sich zwischen Selbstbewusstsein in den Strophen und einer flirrenden, stringent betonten Sicherheit im Refrain hin und her bewegt. Die Musik von Benét wurde schon immer von der Umgebung und den Menschen, mit denen sie zusammenarbeiten, beeinflusst. Das Album ist das Ergebnis von etwa drei Jahren des Schreibens und Aufnehmens zu verschiedenen Zeiten mit verschiedenen Gruppen von Freunden und musikalischen Partnern - in Richmond, VA mit Jacob Grissom, Christian Lewis, Neal Perrine und John Trainum, in Philadelphia mit Kyle Pulley und Danny Murillo und in New York mit Carlos Truly. In "Can I go again?" geht es darum, sich Zeit zu nehmen und zu erkennen, bewusst zu wachsen und Freude und Nervosität selbstbewusst auszudrücken. Benét nutzt "Can I Go Again?" um ihren eigenen Platz inmitten inspirierender, verwirrender, schwieriger und schöner menschlicher Verbindungen zu verarbeiten und diese unvergesslichen, eingängigen, emotionalen Lieder zu präsentieren, in der Hoffnung, dass das Publikum zuhören und dasselbe tun kann.