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New Ancient Strings is an album by world renowned Malian kora players Toumani Diabateand Ballake Sissoko. Originally released by record producer Joe Boyd's (Nick Drake, Richard Thompson, Pink Floyd) Hannibal Records in 1999. This newly remastered edition makes its vinyl debut. Inspired by a landmark 1970 album, Ancient Strings, recorded by their fathers,Sidiki Diabaté and Djelimadi Sissoko, Toumani and Ballake took to making their own updated version, whichmany of the songs come from the original repertoire, the music is all modern Mali and played beautifully making this a modern classic in it's field.

New Ancient Strings by Toumani Diabaté, released 15 February 2024, includes the following tracks: "Kita Kaira", "Cheikhna Demba", "Kadiatou" and more.

This version of New Ancient Strings comes as a 1xLP.

The vinyl is pressed as a opaque disc.

"Due to the huge success of the Original Source Series and due to frequent wishes by both fans and critics alike, DG have decided to launch a reprint of all four titles of Batch 1 – marked as “SECOND EDITION”. Same Quality, just without numbering. THE ORIGINAL SOURCE is a new series of celebrated albums reissued on vinyl. These new releases include Claudio Abbado’s fascinating interpretation of works by Debussy and Ravel with the Boston Symphony Orchestra (1 LP), the legendary recording of Brahms’s Piano Concertos Nos. 1 & 2 with Emil Gilels, the Berliner Philharmoniker and Eugen Jochum (2 LPs), and Verdi’s Messa da Requiem in the iconic version of Herbert von Karajan and Berliner Philharmoniker (2 LPs). The renowned Berlin-based Emil Berliner Studios are remastering 4-track recordings from the 1970s, using their own cutting-edge and 100% pure analogue techniques (AAA) to create versions of the highest possible audio quality. Compared to the original releases, the advantages in sound are outstanding: More clarity, more details and a better frequency response, less noise, less distortion, less compression – the highest possible audiophile quality which gives listeners the chance to enjoy this repertoire like never before.
Produced on 180g virgin vinyl by Optimal, these limited and numbered releases will be issued in deluxe gatefold editions featuring the original artwork and liner notes, with additional photos and facsimiles of the recording documentation on the inner sleeve. Furthermore, each release includes a note by Rainer Maillard/EBS detailing the technical background and procedure of the Original Source Series, and an additional insert with a photo of the original tape box. Each LP comes in a protective cellophane jacket with a sticker highlighting the
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Die schönsten, traurigsten und innigsten Songs kommen noch immer aus Skandinavien. Als Christian Kjellvander sich in dem winzigen Dorf Österåker, eine halbe Autostunde nördlich von Stockholm, eine alte Kirche kaufte, war klar, dass er seine Heimat gefunden hatte: für sich, seine Familie und seine Songs. Der schwedische Singer/Songwriter brauchte einen Ausgangs- und einen Endpunkt, dazwischen kann er mit seinen Liedern auf der ganze Welt unterwegs sein, im Vorprogramm von Leonard Cohen oder Kris Kristofferson singen, mit seinen Bandprojekten Loosegoats und Songs Of Soil touren oder Solo-Konzerte spielen, die nur so vor Intensität und Erhabenheit leuchten. So wie sein neues Album "A Village: Natural Light" es schon im Titel trägt. Lieder über nicht weniger als Leben, Lieben und Sterben. Es sind keine Lieder, die einen weit fort tragen, sondern sie stehen mit beiden Beinen fest auf dem Boden. Und doch atmen sie etwas Überirdisches, eine raue Schönheit wie in einem kargen, nördlichen Wald und die Klarheit einer mittendrin entspringenden Quelle. Kjellvander erzählt, er habe, als er diese Lieder schrieb, auf dem Dorffriedhof als Leichengräber gearbeitet. Nicht, weil er so morbide wäre, sondern weil er den wahrhaftigsten Job, den es nur geben kann, machen wollte. Das setzt er als Songwriter konsequent fort Und als Musiker lässt er die Lieder dann so hell erstrahlen, dass man ihn quasi vor sich sieht, wie er sich die Erde von den Händen reibt, die Gitarre nimmt und in seiner Kirche seine Stimme erhebt.

Sublime Christian folk jazz from 1970s Norway. In the '60s and '70s churches throughout Europe had serious competition for the attention of its younger members. The ecclesiastical establishment was shocked to hear teenagers expressing 'Sympathy for the Devil' rather than sympathy for Christ and his teachings. In Norway at this time the same situation was prevalent as was happening across Europe; teenagers were turning their back on the church and embracing the temptations and pleasures of the flourishing new pop culture. Priest Olaf Hillestad was all to aware of what was going on, and instead of relying on the floundering traditional methods of rounding up his flock, he embraced the musical aspirations of his younger followers. In so doing he founded the Forum Experimentale in Oslo, an organisation that promised in its statutes to "boldly work for a renewal in service life, church music and church art". It was here in the late '60s where That's Why founder members Jan Simonsen and Per Arne Løvold became responsible for the jazz masses at Forum Experimentale's chapel. Together with some top-notch musicians from other Christian music centres around the Oslo district, they recorded two albums in 1970 and 1971 under the moniker That's Why. That's Why blended deep acoustic and electric jazz with elements of Norwegian folklore and Christianity. They also included interpretations of young and old transcendental Norwegian poets such as Sidsel Mørck Krogdahl, Alfred Hauge and Aslaug Vaa, as well as introducing English and Swedish songwriters such as Åke Rosenstrøm and Charles Wesley and even William Blake's "Children of the Future Age" into the mix. This highly original fusion of secular rhythmic music, jazz improvisation and a distinguished selection of transcendental lyrics is one of the standout qualities of That's Why, separating them from more programme-orientated Christian music. The unique mix leads the listener to think they are hearing among the record grooves the tightness of grey, sober Protestantism along with the ecstasy of a lay preacher. This listener, for one, has never heard anything quite like it.

2024 Repress !

The man who gave us countless classics from the Kompakt catalog delivers his latest stroke of genius. “Allein” is based on “Ich war allein,” a schlager song by East German pop icon Ina Martell from 1967, of which there is only a video recording from DFF that never made it onto a record.

Jürgen Paape conjures up two versions from it: a heart-wrenching downbeat pop version and “Allein in Italien,” his most catchy earworm since “So weit wie noch nie.” Caution, highly addictive!

Der Mann, der uns zahllose Klassiker des Kompakt Katalogs schenkte, liefert seinen neuesten Geniestreich. “Allein” basiert auf “Ich war allein”, einem Schlager der DDR Pop-Ikone Ina Martell aus dem Jahre 1967, von dem es nur eine Videoaufzeichnung des DFF gibt, der niemals den Weg auf eine Schallplatte gefunden hat.

Jürgen Paape zaubert daraus zwei Versionen: Eine herzzerreissende Downbeat Pop Version und mit “Allein in Italien” seinen wohl krassesten Ohrwurm seit “So weit wie noch nie”. Achtung, Suchtgefahr!

Der britische Superstar Paloma Faith schlägt ein neues Kapitel in der Karriere auf und meldet sich mit einem neuen Song "How You Leave A Man" zurück. Mit der ersten Singleauskopplung "How You Leave A Man", die von Selbstermächtigung und dem Finde seines eigenen Glücks handelt, kündet die Sängerin gleichzeitig die Veröffentlichung ihres sechsten Studioalbums "The Glorification of Sadness" für den 16. Februar 2023 an. Für das kommende Werk arbeitete Paloma Faith mit dem preisgekrönten Produzenten und Komponisten Martin Wave und den Co-Autoren JKash, Andrew Wells, Ellie King und Charlie Puth zusammen.

Über zehn Songs sind Bokassa auf ihrem neuen Album so vielfältig wie eh und je. Das Power-Trio bietet alles von riffigem Stoner-Metal, fast progressivem Skatepunk, metallischem Hardcore bis hin zu entspanntem Flaschenhals-Riffing auf dem Wüstenrocker 'Gung Ho'. Ganz zu schweigen vom eingängigen und hymnischen Titeltrack. Während zum Beispiel das Debüt eine laute Klanglandschaft hatte und das 2021er 'Molotov Rocktail' mit einen verspielteren und größeren Rocksound kam, hat 'All Out Of Dreams' einen etwas raueren metallischen Sound inkl. Snare-Drum-Sound der 90er wie bei Clutch, Helmet oder Therapy erinnert? Das Album wurde von Tue Madsen (Meshuggah, BabyMetal, Madball, Sick Of It All, The Haunted) aufgenommen, gemischt und gemastert. Die Band hatte dabei erstmalig Gäste wie Lou Koller von den NYHC-Legenden Sick Of It All und Aaron Beam von den Stoner-Rockern Red Fang an Bord. 'All Out Of Dreams' erscheint als Digipak, Black Vinyl sowie lim. Red Vinyl!

Der legendäre Rockgitarrist Steve Hackett wird sein neues Studioalbum "The Circus And The Nightwhale" am 16. Februar 2024 über InsideOut Music veröffentlichen. Die 12 Tracks von "The Circus And The Nightwhale" sind ein Rite-of-Passage-Konzeptalbum, in dessen Mittelpunkt eine junge Figur namens Travla steht. Für den Musiker haben die 13 Tracks einen autobiografischen Aspekt, der über sein 30. Solo-Album sagt: "Ich liebe dieses Album. Es sagt die Dinge, die ich schon seit langer Zeit sagen wollte." Aufgenommen zwischen den Tourneen 2022 und 2023 im Siren Studio in Großbritannien - mit Gastbeiträgen aus Schweden, Österreich, den USA, Aserbaidschan und Dänemark - umfasst die Besetzung von "The Circus And The Nightwhale" neben Steve an elektrischen und akustischen Gitarren, 12-saitiger Gitarre, Mandoline, Mundharmonika, Percussion, Bass und Gesang einige bekannte Gesichter. Roger King (Keyboards, Programmierung und orchestrale Arrangements), Rob Townsend (Saxophon), Jonas Reingold (Bass), Nad Sylvan (Gesang), Craig Blundell (Schlagzeug) und Amanda Lehmann (Gesang). Nick D'Virgilio und Hugo Degenhardt kehren als Gäste an den Drumhocker zurück, der hervorragende Tontechniker Benedict Fenner ist an den Keyboards zu hören und Malik Mansurov ist wieder an der Gitarre. Und schließlich ist auch Steves Bruder John Hackett wieder an der Flöte zu hören. Steve fasst "The Circus And The Nightwhale" wie folgt zusammen: "Es ist eine schöne Reise, die schmutzig, kratzig und rauchig beginnt und dann himmlisch und göttlich wird. Wie kann man da widerstehen?" Das Album wird als Ltd CD+Blu-ray Mediabook (inkl. 5.1 Surround Sound & Hi-Res Stereo Mixes), Standard CD Jewelcase, Gatefold 180g LP + LP-Booklet & als digitales Album erhältlich sein.

Der legendäre Rockgitarrist Steve Hackett wird sein neues Studioalbum "The Circus And The Nightwhale" am 16. Februar 2024 über InsideOut Music veröffentlichen. Die 12 Tracks von "The Circus And The Nightwhale" sind ein Rite-of-Passage-Konzeptalbum, in dessen Mittelpunkt eine junge Figur namens Travla steht. Für den Musiker haben die 13 Tracks einen autobiografischen Aspekt, der über sein 30. Solo-Album sagt: "Ich liebe dieses Album. Es sagt die Dinge, die ich schon seit langer Zeit sagen wollte." Aufgenommen zwischen den Tourneen 2022 und 2023 im Siren Studio in Großbritannien - mit Gastbeiträgen aus Schweden, Österreich, den USA, Aserbaidschan und Dänemark - umfasst die Besetzung von "The Circus And The Nightwhale" neben Steve an elektrischen und akustischen Gitarren, 12-saitiger Gitarre, Mandoline, Mundharmonika, Percussion, Bass und Gesang einige bekannte Gesichter. Roger King (Keyboards, Programmierung und orchestrale Arrangements), Rob Townsend (Saxophon), Jonas Reingold (Bass), Nad Sylvan (Gesang), Craig Blundell (Schlagzeug) und Amanda Lehmann (Gesang). Nick D'Virgilio und Hugo Degenhardt kehren als Gäste an den Drumhocker zurück, der hervorragende Tontechniker Benedict Fenner ist an den Keyboards zu hören und Malik Mansurov ist wieder an der Gitarre. Und schließlich ist auch Steves Bruder John Hackett wieder an der Flöte zu hören. Steve fasst "The Circus And The Nightwhale" wie folgt zusammen: "Es ist eine schöne Reise, die schmutzig, kratzig und rauchig beginnt und dann himmlisch und göttlich wird. Wie kann man da widerstehen?" Das Album wird als Ltd CD+Blu-ray Mediabook (inkl. 5.1 Surround Sound & Hi-Res Stereo Mixes), Standard CD Jewelcase, Gatefold 180g LP + LP-Booklet & als digitales Album erhältlich sein.

Die musikalische Liebesgeschichte des Duos begann im Sommercamp, wo die beiden in der Schweiz geborenen Musiker ihre Playlists miteinander teilten. Das Teilen von Playlists führte zum Teilen von Träumen, und so wurde Psycho Weazel geboren. Ihre Musik ist ein retro-futuristisches Elektronik-Spektakel, das Indie-Dance, Cold Wave und EBM miteinander verbindet. In ihrem Studio am Ufer des Neuenburgersees haben sie einen beeindruckenden genreübergreifenden Katalog geschaffen. Diese ansteckenden Tracks bringen die Tanzflächen rund um den Globus zum Glühen - "Mains d'argile" wird da keine Ausnahme sein.

"We Started Nothing is the debut studio album by English indie pop duo The Ting Tings. Jules & Katie's combination of dance, indie pop and new wave proved to be one of the hottest things in 2008. The result being the album peaking at #1 in the UK Albums Chart. We Started Nothing spawned no less than six hit singles, including ""That's Not My Name"", which reached #1 on the UK Singles Chart. Eventually, the band, the album and several singles and videos were nominated for a variety of NME, MTV, Grammy Award and Brit Awards. The Ting Tings won the MTV Award for Best UK Act and ""Shut Up and Let Me Go"" won the award for Best UK Video. We Started Nothing is available on black vinyl and contains an insert."

You just moved to the big city, you end up at a party where you don't know anyone and someone walks up to you and asks: "Hey, are you alone here?". That is exactly the feeling that Porcelain id describes on their debut album Bibi:1, short for the Arabic pet name Habibi. Porcelain id is the pseudonym under which Hubert Tuyishime (they/them/their) has been unleashing unique songs since 2020.

The album - inspired by their move from a quiet provincial town to Antwerp - is the soundtrack to walking into city traffic during rush hour and trusting to get out of the chaos in one piece. It is an ode to exciting encounters with complete strangers and to the friends you can come home to afterwards. A story about being a stranger in a city you've romanticized for so long, the rejection that comes with it, and the false nostalgia with which you look back on it all later on.

At first hearing, the completely English-language Bibi:1 may seem like a brusque farewell to the autobiographical intimacy and lo-fi singer-songwriter music on the previously released EPs Mango and Reprise, and especially on songs like Vlaanderen. But to Porcelain id it feels like an organic evolution. One towards more abstraction, experimentation and electronics, but never detached, and still building on the core of Porcelain id.

The new sound is the result of an intense collaboration with producer and partner in crime Youniss Ahamad, who, despite their different musical backgrounds, immediately felt challenged after Porcelain id's legendary elevator pitch: 'I want to make something that is situated between Nick Cave and the Bad Seeds and Yeezus by Kanye West'.

Together they drew the blueprint for Bibi:1 in Youniss' home studio. Track by track, without looking back. A sporadic, but rigid process that added to the intensity of the album. In the studio, the songs were taken to a higher level. The two invited a pack of talented friends and young musicians to the studio to add parts, a stark contrast to the solitary approach of previous EPs. Aram Abgaryan (recording engineer/synths/vocals), Nard Houdmeyers (guitar), Tim Caramin (drums), David Idrisov (bass), Alban Sarens (sax) and Emma Hessels (vocals) came by. Aram Santy was at the controls during the mixing sessions.

The result sounds like the ultimate symbiosis of Porcelain id and Youniss. Lofi, but ambitious. Fragile, but rough. Poppy, but disruptive. Sometimes challenging. Then welcoming again. Sometimes even danceable. Each song forms a small vignette that is part of a diverse, but coherent unity. Adam Coming Home and Low Poly are closest to the melancholy of Porcelain id's earlier work, while Lights! strikes a new path. First single Man Down, on the other hand, is inspired by the Antwerp students who drown every year and sounds like a wandering nightly stroll through the city. For Brilliant, David Idrisov was asked to 'play bass as if Chet Baker were not a trumpet player, but a bass player', a bizarre assignment that he accomplished with verve. And Cellophane flirts with emo trap and was sung with raspberries between the teeth, to simulate the effect of grills.

Die Welt von FARSOT ist finster und harsch. Ihr schwarzes Reich wird von den kriegslüsternen Herrschern, Furcht und Hass, Trauer und Tod regiert. Diesen dunklen Avatare spiegeln sich unter anderem in der musikalischen Handschrift der deutschen Avantgarde Black-Metaller wider. Auch ihr viertes Album "Life Promised Death" steht voll in dieser Linie. "Life Promised Death" ist das Vermächtnis von FARSOTs bisherigem Schaffen. Was dieses Album von seinen Vorgängern unterscheidet, ist eine höhere Klangdichte, ein härteres Riffing und außerdem überraschend eingängige Songs. Dies lässt sich auch darauf zurückführen, dass der frühe Grunge der 1990er-Jahre laut der Band eine wichtige Inspirationsquelle für "Life Promised Death" dargestellt hat. Was beim oberflächlichen Hören noch unwahrscheinlich erscheint, wird bei einer intensiveren Beschäftigung mit dem Album hörbar plausibel.
Textlich spinnen FARSOT erneut ein düsteres Garn, das sich als dunkelroter Faden durch "Life Promised Death" zieht. Das Album dreht sich darum, wie ein Leben auf vielfältige Weise aus den Fugen geraten kann. FARSOT formierten sich 1999 in der thüringischen Wissenschaftsstadt Gotha. Damit wird 2024 auch zum Jubiläumsjahr für das 25-jährige Bestehen der Gruppe. In Anbetracht ihrer langen Erfolgsgeschichte ist es bemerkenswert, dass drei der fünf aktuellen FARSOT-Mitglieder zu den ursprünglichen Gründern gehören, und vier von ihnen bereits seit mehr als 20 Jahren zusammen spielen. Ihrem eigenen künstlerischen Tempo folgend, haben sich FARSOT erneut die nötige Zeit genommen, um ein viertes Meisterwerk zu erschaffen. Die wunderbar bittersüße Frucht der harten Arbeit und von kreativem Blut, Schweiß und Tränen war all die Mühen wert: "Life Promised Death" ist der perfekte Soundtrack für diese mehr als unruhigen Zeiten!

Die Welt von FARSOT ist finster und harsch. Ihr schwarzes Reich wird von den kriegslüsternen Herrschern, Furcht und Hass, Trauer und Tod regiert. Diesen dunklen Avatare spiegeln sich unter anderem in der musikalischen Handschrift der deutschen Avantgarde Black-Metaller wider. Auch ihr viertes Album "Life Promised Death" steht voll in dieser Linie. "Life Promised Death" ist das Vermächtnis von FARSOTs bisherigem Schaffen. Was dieses Album von seinen Vorgängern unterscheidet, ist eine höhere Klangdichte, ein härteres Riffing und außerdem überraschend eingängige Songs. Dies lässt sich auch darauf zurückführen, dass der frühe Grunge der 1990er-Jahre laut der Band eine wichtige Inspirationsquelle für "Life Promised Death" dargestellt hat. Was beim oberflächlichen Hören noch unwahrscheinlich erscheint, wird bei einer intensiveren Beschäftigung mit dem Album hörbar plausibel.
Textlich spinnen FARSOT erneut ein düsteres Garn, das sich als dunkelroter Faden durch "Life Promised Death" zieht. Das Album dreht sich darum, wie ein Leben auf vielfältige Weise aus den Fugen geraten kann. FARSOT formierten sich 1999 in der thüringischen Wissenschaftsstadt Gotha. Damit wird 2024 auch zum Jubiläumsjahr für das 25-jährige Bestehen der Gruppe. In Anbetracht ihrer langen Erfolgsgeschichte ist es bemerkenswert, dass drei der fünf aktuellen FARSOT-Mitglieder zu den ursprünglichen Gründern gehören, und vier von ihnen bereits seit mehr als 20 Jahren zusammen spielen. Ihrem eigenen künstlerischen Tempo folgend, haben sich FARSOT erneut die nötige Zeit genommen, um ein viertes Meisterwerk zu erschaffen. Die wunderbar bittersüße Frucht der harten Arbeit und von kreativem Blut, Schweiß und Tränen war all die Mühen wert: "Life Promised Death" ist der perfekte Soundtrack für diese mehr als unruhigen Zeiten!

High Roller Records, Als der inzwischen verstorbene Rhett Forrester die New Yorker Band Riot nach ihrem gut aufgenommenen Album "Born In America" von 1983 verließ, dauerte es nicht lange, bis er mit der Arbeit an seinem ersten Soloalbum begann. "Gone With The Wind" wurde ursprünglich 1984 auf dem französischen Label Bernett Records veröffentlicht. "Even The Score" von 1988 war das zweite und letzte offizielle Soloalbum von Rhett Forrester, da der legendäre Sänger am 22. Januar 1994 im Alter von 37 Jahren in Atlanta, Georgia, erschossen wurde. Obwohl auf "Even The Score" kein weiteres Studioalbum folgte, hörte Rhett nicht auf, neue Musik aufzunehmen. Er arbeitete mit verschiedenen Musikern in unterschiedlichen Bands und Projekten über einen Zeitraum von sechs Jahren bis zu seinem frühen Tod 1994 zusammen. Zwei davon sind auf "The Canadian Years" zu hören. Dr. Dirty (die Gruppe hieß ursprünglich Mr. Dirty, wurde aber wegen der Verwendung von zwei D's als Logo in Dr. Dirty umbenannt) war das Geistesprodukt des Gitarristen Rob Robins. Er erklärt: "Scot Gaines, der Bassist, und ich hatten schon fast ein Jahr lang geschrieben, als wir Rhett Forrester in Calgary trafen. Er hatte gerade seine Zeit bei Rick Plester's Black Symphony beendet. Wir waren auf der Suche nach einem Sänger, mit dem wir ein paar Gigs spielen konnten. Rhett wurde erwähnt, und wir trafen uns mit ihm, und es schien, als würde er gut passen! Wir haben ihm sofort die Songs vorgespielt, an denen wir gearbeitet hatten. Rhett war immer großartig im Studio und hat seine Parts aufgenommen. Ein echter Profi. Egal, was wir ihm vorsetzten, Rhett lieferte immer eine großartige Leistung ab." Die eigentlichen Demo-Sessions für Dr. Dirty fanden von 1992 bis Anfang 1993 statt. Rob Robins: "Wir haben vier Songs in Calgary aufgenommen: 'Red Bone Rock', 'Smoking Gun', 'In And Out' und 'Coming Home'. In LA haben wir 'Rescue Me', 'Hold On', 'Love Song' und 'Too Little Too Late' aufgenommen. Ursprünglich hatten wir ein gewisses Interesse von einem Label, gerade als sich das Projekt auflöste. Einer der wohl ungewöhnlichsten Beiträge von Rhett Forrester war 1992 (kurz vor den Dr. Dirty-Sessions) in Form von The Black Symphony (bestehend aus den drei Songs "In The Beginning", "Redemption" und "End Of Time") entstanden. Black Symphony war das Baby des kanadischen Gitarristen Rick Plester, der erklärt: "Ich habe so ziemlich das gesamte Material für die fünf Alben von The Black Symphony geschrieben. Ich habe in Magazinen in ganz Nordamerika Anzeigen für einen Leadsänger geschaltet und Rhett Forester hat sich gemeldet. Als er mich aus heiterem Himmel anrief, war ich angenehm überrascht, denn ich war schon vorher ein Fan von Riot gewesen. Ein paar Wochen später flogen wir Rhett nach Calgary in Kanada, wo ich zu der Zeit lebte. Einige Tage nach seiner Ankunft nahmen wir drei Songs in einem Studio in Calgary auf. Rhett war sehr unterhaltsam, es machte Spaß, mit ihm zusammen zu sein. Ich genoss seine Freundschaft. Er war sehr engagiert und brachte eine Menge mit. Am Ende war es traurig, dass ich ihn wegen seiner Drogenprobleme und abgebrannten Brücken gehen lassen musste."

High Roller Records, Als der inzwischen verstorbene Rhett Forrester die New Yorker Band Riot nach ihrem gut aufgenommenen Album "Born In America" von 1983 verließ, dauerte es nicht lange, bis er mit der Arbeit an seinem ersten Soloalbum begann. "Gone With The Wind" wurde ursprünglich 1984 auf dem französischen Label Bernett Records veröffentlicht. "Even The Score" von 1988 war das zweite und letzte offizielle Soloalbum von Rhett Forrester, da der legendäre Sänger am 22. Januar 1994 im Alter von 37 Jahren in Atlanta, Georgia, erschossen wurde. Obwohl auf "Even The Score" kein weiteres Studioalbum folgte, hörte Rhett nicht auf, neue Musik aufzunehmen. Er arbeitete mit verschiedenen Musikern in unterschiedlichen Bands und Projekten über einen Zeitraum von sechs Jahren bis zu seinem frühen Tod 1994 zusammen. Zwei davon sind auf "The Canadian Years" zu hören. Dr. Dirty (die Gruppe hieß ursprünglich Mr. Dirty, wurde aber wegen der Verwendung von zwei D's als Logo in Dr. Dirty umbenannt) war das Geistesprodukt des Gitarristen Rob Robins. Er erklärt: "Scot Gaines, der Bassist, und ich hatten schon fast ein Jahr lang geschrieben, als wir Rhett Forrester in Calgary trafen. Er hatte gerade seine Zeit bei Rick Plester's Black Symphony beendet. Wir waren auf der Suche nach einem Sänger, mit dem wir ein paar Gigs spielen konnten. Rhett wurde erwähnt, und wir trafen uns mit ihm, und es schien, als würde er gut passen! Wir haben ihm sofort die Songs vorgespielt, an denen wir gearbeitet hatten. Rhett war immer großartig im Studio und hat seine Parts aufgenommen. Ein echter Profi. Egal, was wir ihm vorsetzten, Rhett lieferte immer eine großartige Leistung ab." Die eigentlichen Demo-Sessions für Dr. Dirty fanden von 1992 bis Anfang 1993 statt. Rob Robins: "Wir haben vier Songs in Calgary aufgenommen: 'Red Bone Rock', 'Smoking Gun', 'In And Out' und 'Coming Home'. In LA haben wir 'Rescue Me', 'Hold On', 'Love Song' und 'Too Little Too Late' aufgenommen. Ursprünglich hatten wir ein gewisses Interesse von einem Label, gerade als sich das Projekt auflöste. Einer der wohl ungewöhnlichsten Beiträge von Rhett Forrester war 1992 (kurz vor den Dr. Dirty-Sessions) in Form von The Black Symphony (bestehend aus den drei Songs "In The Beginning", "Redemption" und "End Of Time") entstanden. Black Symphony war das Baby des kanadischen Gitarristen Rick Plester, der erklärt: "Ich habe so ziemlich das gesamte Material für die fünf Alben von The Black Symphony geschrieben. Ich habe in Magazinen in ganz Nordamerika Anzeigen für einen Leadsänger geschaltet und Rhett Forester hat sich gemeldet. Als er mich aus heiterem Himmel anrief, war ich angenehm überrascht, denn ich war schon vorher ein Fan von Riot gewesen. Ein paar Wochen später flogen wir Rhett nach Calgary in Kanada, wo ich zu der Zeit lebte. Einige Tage nach seiner Ankunft nahmen wir drei Songs in einem Studio in Calgary auf. Rhett war sehr unterhaltsam, es machte Spaß, mit ihm zusammen zu sein. Ich genoss seine Freundschaft. Er war sehr engagiert und brachte eine Menge mit. Am Ende war es traurig, dass ich ihn wegen seiner Drogenprobleme und abgebrannten Brücken gehen lassen musste."

Als der inzwischen verstorbene Rhett Forrester die New Yorker Band Riot nach dem viel beachteten Album "Born In America" von 1983 verließ, dauerte es nicht lange, bis er eine Solokarriere startete, die in zwei Studioalben mündete: "Gone With The Wind" (1984) und "Even The Score" (1988). Am 22. Januar 1994 wurde der legendäre Sänger in Atlanta, Georgia, im Alter von 37 Jahren erschossen. Die "Sessions"-Compilation vereint eine Reihe verschiedener Projekte, an denen Rhett Forrester im Laufe seiner allzu kurzen, aber dennoch beeindruckenden Karriere beteiligt war. Die meisten dieser Aufnahmen sind im Vergleich zu den bekannteren Veröffentlichungen von Rhett Forrester, sei es mit der legendären Band Riot, Jack Starrs erstem Soloalbum "Out Of The Darkness" oder Rhett's eigenem Solo-Output, in Vergessenheit geraten. Den Anfang machen die "Dirty Water Sessions", die erstmals auf dem längst vergriffenen Compilation-Album "Hell Or Highwater" zu hören waren und in Texas mit dem Gitarristen und Co-Autor Jonathan Grell aufgenommen wurden, der früher bei der Band Winterkat spielte. Diese Songs sind die allerletzten Aufnahmen, die Rhett vor seinem frühen Tod machte. Als nächstes folgt das Projekt "Dogbone", eine Band, die Rhett mit den ehemaligen Keel-Mitgliedern Brian Jay und Dwain Miller gründete. Diese Aufnahmen wurden Mitte der 1990er Jahre in begrenztem Umfang halboffiziell veröffentlicht, sind aber bis heute weitgehend ungehört geblieben. Außerdem enthält "Sessions" den einzigen Track aus dem "Thrasher"-Projektalbum mit Rhett. Dieser Track wurde von Andrew Duck McDonald und Carl Canedy produziert und war auch auf der "Hell Or Highwater"-Compilation zu hören. Den Abschluss dieser Veröffentlichung bilden die Demos für Dr. Dirty, bekannt als "The Clear Lake Sessions". Diese Aufnahmen bildeten die Grundlage für die vollständigen Dr. Dirty-Aufnahmen, die auf der High Roller Records-Veröffentlichung "Rhett Forrester - The Canadian Years" zu hören sind.

Als der inzwischen verstorbene Rhett Forrester die New Yorker Band Riot nach dem viel beachteten Album "Born In America" von 1983 verließ, dauerte es nicht lange, bis er eine Solokarriere startete, die in zwei Studioalben mündete: "Gone With The Wind" (1984) und "Even The Score" (1988). Am 22. Januar 1994 wurde der legendäre Sänger in Atlanta, Georgia, im Alter von 37 Jahren erschossen. Die "Sessions"-Compilation vereint eine Reihe verschiedener Projekte, an denen Rhett Forrester im Laufe seiner allzu kurzen, aber dennoch beeindruckenden Karriere beteiligt war. Die meisten dieser Aufnahmen sind im Vergleich zu den bekannteren Veröffentlichungen von Rhett Forrester, sei es mit der legendären Band Riot, Jack Starrs erstem Soloalbum "Out Of The Darkness" oder Rhett's eigenem Solo-Output, in Vergessenheit geraten. Den Anfang machen die "Dirty Water Sessions", die erstmals auf dem längst vergriffenen Compilation-Album "Hell Or Highwater" zu hören waren und in Texas mit dem Gitarristen und Co-Autor Jonathan Grell aufgenommen wurden, der früher bei der Band Winterkat spielte. Diese Songs sind die allerletzten Aufnahmen, die Rhett vor seinem frühen Tod machte. Als nächstes folgt das Projekt "Dogbone", eine Band, die Rhett mit den ehemaligen Keel-Mitgliedern Brian Jay und Dwain Miller gründete. Diese Aufnahmen wurden Mitte der 1990er Jahre in begrenztem Umfang halboffiziell veröffentlicht, sind aber bis heute weitgehend ungehört geblieben. Außerdem enthält "Sessions" den einzigen Track aus dem "Thrasher"-Projektalbum mit Rhett. Dieser Track wurde von Andrew Duck McDonald und Carl Canedy produziert und war auch auf der "Hell Or Highwater"-Compilation zu hören. Den Abschluss dieser Veröffentlichung bilden die Demos für Dr. Dirty, bekannt als "The Clear Lake Sessions". Diese Aufnahmen bildeten die Grundlage für die vollständigen Dr. Dirty-Aufnahmen, die auf der High Roller Records-Veröffentlichung "Rhett Forrester - The Canadian Years" zu hören sind.

Part of a (very) loose but somewhat like minded kaleidoscope where one can trace something like a Portuguese hauntology, centred around labels like Russian Library or Prisma Sonora Records, Alexandre Centeio joins Discrepant with the surefire release of 'Panorama'. A multi-instrumentalist and sound artist based in Porto, Centeio - who is also part of Stellarays and The Murmurous Playground - delivers his second album under his own name after 2022's 'Movanta'.

Signalling a departure from the intimate synth driven beautifully soothing landscapes of 'Movanta' while still working within a realm where space and memory play a significant part of both escapism and connection, 'Panorama' opens itself up to a "surrealistic soundscape filled with real and dreamt sound", perfectly illustrated by Ruca Bourbon’s artwork. A sonic fiction conjured from a variety of sources - hand drums, disembodied voices, scraps of unknown realities, skewed loops, oneiric collages, flutes, spectral synths - that float freely between disruption and continuity but within their own internal logic. A very particular and hallucinatory one at that, mind ya. Collapsing notions of time and geography in an aural canvas totally aligned with Discrepant's ethos. 'Panorama' indeed.

Ihr Genre ist „Celtic Fantasy Metal“ und ihre Alben könnten
problemlos als Soundtracks für Serien wie Game of Thrones
oder Vikings dienen. Ihre Fans nennen sie die „Metal-Enya
“ und sie verkörpert für Tausende engagierter Zuhörer auf der
ganzen Welt den Archetyp der „Kriegerkönigin“.
Ihr bevorstehendes sechstes Album „The Glory and the Fallen
“ markiert eine neue Entwicklung für die Singer-Songwriterin.
Dieses Album stellt neue Herausforderungen vor und betritt
neue Gebiete in der Songwriting-Phase. Es verspricht nicht
nur, ihr bislang epischstes und bahnbrechendstes Projekt zu
werden, sondern ist auch eine monumentale Klanglandschaft,
die von Fantasie, Geschichte und persönlicher Reise inspiriert
ist.
Die mit Spannung erwartete Neuveröffentlichung wurde von
Oliver Philipps (Everon, Phantasma) produziert. Das
erstaunliche Kunstwerk wurde von Giannis Nakos (Kamelot,
Evergrey, Amaranthe) geschaffen.