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Crime & the City Solution kehren mit ihrem siebten Studioalbum und dem ersten seit 10 Jahren zurück, dem Killer. Das auf 7 Tracks angelegte und in Berlin aufgenommene Album ist das wohl beste Werk von Crime & City Solution und gilt als ihr Meisterwerk.

Auf dem Album ist das Markenzeichen der Band, Simon Bonneys Erzählungen, umgeben von der tiefgründigen, vielschichtigen und hypnotisierenden Instrumentierung dieser neuen Inkarnation der Band, zu der neben dem langjährigen Mitglied Bronwyn Adams auch die neuen Mitglieder Frederic Lyenn, Donald Baldie, Georgio Valentino, Chris Hughes und Joshua Murphy gehören. Zusammen mit der Produktion von Martin J. Fiedler (Josh T. Pearson, Alex White) entsteht so eine magische Atmosphäre der Vorahnung und der Möglichkeiten.

Spaniens führende Thrash-Metal-Band ANGELUS APATRIDA kehrt mit ihrem achten Studioalbum "Aftermath" zurück. Es ist zweifelsohne das gefühlvollste und kraftvollste Album in der illustren Geschichte von ANGELUS APATRIDA, aber auch eines der schwersten und direktesten. Es ist der Nachfolger des selbstbetitelten Albums von 2021, das in Spanien auf Platz 1 der offiziellen Albumcharts einstieg und in Deutschland auf Platz 49 sowie in der Schweiz auf Platz 41 die ersten Chartplatzierungen der Band überhaupt markierte. "Aftermath"
enthält 10 intensive und vielseitige neue Songs, die von Zeuss (Rob Zombie, Overkill, Hatebreed) gemischt und gemastert wurden, und kommt mit einem Artwork von Gyula Havancsák (Annihilator, Destruction, Stratovarius). Es enthält Gastauftritte von Jamey Jasta (Hatebreed, Gesang), Pablo García (Warcry, Gitarre), Todd La Torre (Queensrÿche, Gesang) sowie dem spanischen Rap-Star Sho-Hai und ist als Ltd. CD Jewelcase im O-Card und Digital Album mit zwei frischen Live-Bonustracks oder als 180g Vinyl LP erhältlich. Haltet
Ausschau nach ANGELUS APATRIDA, die mit "Aftermath" rund um den Globus touren.

Mit 'Alles Liebe' verbindet das Brüderpaar Schattenmusik Psychedelic, Schlager und Rock ’n‘ Roll!

Schattenmusik sind die Brüder Enzio und Hieronymus Kloss. Ihre Musik bezeichnen sie als psychedelischen Schlager, Humanisten-Rock oder Zen-Punk. Tatsächlich wurzelt ihr Debütalbum 'Alles Liebe' im Summer of Love und erstreckt sich quer durch die Geschichte des Folk und Rock ‘n‘ Roll. Das feinfühlige Bruder-Duo aus der Mozartstadt lässt es einem warm ums Herz werden, wenn ihre deutschsprachige Poesie sanftmütig im Ohr bleibt.

Transluzentes algengrünes Color-Vinyl (140g) inklusive doppelseitigen 12"-Kunstdruck und Download-Code.

Forest Swords (alias der elektronische Produzent/ Komponist Matthew Barnes) kündigt sein neues Album, „Bolted“, an. Nachdem er in den letzten Jahren als gefragter Komponist und Sounddesigner gearbeitet und Musik für Ballett, Film und Videospiele geschrieben hat, wurde „Bolted“ im letzten Jahr in einer Lagerhalle in Barnes' Heimatstadt Liverpool aufgenommen. Auf den elf Tracks taucht er tiefer in sein einzigartiges Klangvokabular ein, um eine Reihe von Tracks zu weben, die gleichermaßen kraftstrotzend und düster, eindringlich und euphorisch klingen.

Wie immer in seiner Musik, fühlen sich Melancholie und Euphorie, Monochrom und Farbe, Vergangenheit und Zukunft mehrdeutig an. Die Emotionen verschieben sich von Moment zu Moment, die Unterschiede zwischen digitalen und akustischen Instrumenten sind verwischter denn je: eine Verquickung von Zeit, Raum und Klang, die sich gleichermaßen spielerisch und absolut vital anfühlt.

Zusammen mit der Ankündigung über das neue Album kommt „The Low“, eine stimmungsvolle, metallische Triphop-Single aus „Bolted“. Barnes kommentiert den Track wie folgt: „‚The Low‘ basiert auf einem Beat, den ich ursprünglich für Yoko Ono vorgesehen hatte, und enthält Elemente, die ich sowohl am Anfang als auch am Ende des Albums gemacht habe, und verbindet so viele der Sounds und Emotionen, die ich während des Schreibprozesses erforscht habe. Das begleitende Video, das ich zusammen mit Sam Wiehl gedreht habe, vertieft einige meiner Artworks und die visuelle Welt, die das Album begleitet.“.

Doppel-LP erhältlich auf gelbem Vinyl - Definitive Sammlung von Nancys seltenen Singles, Demos und bisher unveröffentlichten Stücken - Enthält 3 bisher unveröffentlichte Tracks, plus 3 Tracks, die ihr Vinyl-Debüt feiern - Das ausführliche Booklet enthält neue Interviews mit Nancy und Don Randi (The Wrecking Crew) PLUS nie zuvor gezeigte Fotos aus dem persönlichen Archiv von Nancy Sinatra - Der Ton wurde von den analogen Originalbändern von dem GRAMMYr-nominierten Toningenieur John Baldwin neu gemastert - Doppel-LP im Gatefold-Jacket mit 24-seitigem Buch - CD mit 40-seitigem Booklet // Light in the Attic feiert weiterhin die einflussreiche Karriere der Sängerin, Schauspielerin, Aktivistin und Ikone Nancy Sinatra mit einer fesselnden neuen Sammlung, "Keep Walkin': Singles, Demos & Raritäten 1965-1978", die vom GRAMMYr-nominierten Toningenieur John Baldwin neu gemastert wurde und 25 B-Seiten, seltene Singles, Cover, Demos und bisher unveröffentlichte Aufnahmen aus Sinatras reichhaltigem Katalog enthält. Das 2-LP-Set wird in einem erweiterten Klappcover präsentiert und von einem 24-seitigen Booklet begleitet (das auch in der CD-Ausgabe als 40-seitiges Booklet enthalten ist), das eine Reihe von Fotos aus der persönlichen Sammlung der Künstlerin sowie ein neues, ausführliches Interview mit Sinatra enthält. "Keep Walkin': Singles, Demos & Rarities 1965-1978" dient als Ergänzung zu der weithin gefeierten Retrospektive Start Walkin' 1965-1976 aus dem Jahr 2021, die die gesamte Karriere umfasst.

There are few things in life quite as mesmerising or outrageously euphoric as the nine-strong Umlauts army effervescing in fulsome force. Rebelling against labels, transcending borders of land and time - packed with twin vocalists equally competent in their skewering south-London drawl as they are in German, Italian or French - as in touch with the nostalgias of First-Generation post-punk or 80s pop as they are with the techniks of contemporary pop or big beat dance - the Umlauts are paragons of trans-europe excess, dripping with inarguable edge; shambling wildly from chaotic cool to bombastically exquisite order; invested with unhinging, socio-political bite, dancing in a rave of their own.

2019 zog Duff McKagan in sein eigenes Aufnahmestudio, was ihm die lang ersehnte Möglichkeit gab, „endlich Songs weiterzuentwickeln, die ich vielleicht in der Nacht zuvor geschrieben habe, oder an alten Riffs von vor Jahren weiterzuarbeiten. Das ist eine große Sache für mich.”

Er verbrachte einen Großteil der folgenden zwei Jahre damit, mit seinem langjährigen Produzenten/Kollaborateur Martin Feveyear (Mark Lanegan, Brandi Carlile) an einer Reihe von sehr persönlichen neuen Songs zu arbeiten.

»Lighthouse« ist das erste Album in voller Länge, das in McKagans privatem Studio entstanden ist: 11 Songs, die in Tenor und Umfang variieren.

»Ich habe sozusagen einen Ort gefunden, an dem ich mich wohlfühle, wie meine eigene Musik klingen soll«, sagt McKagan sagt. »Das sind wirklich nur einfache Punksongs, die ohne mein Geschrei auskommen. Die Themen sind breit gefächert, aber das werdet Ihr sehen und hören. Die Idee, diese Platte mit einer Ode an meine Frau zu beginnen und mit einer Ode an das Leben zu enden, verkörpert die beiden Dinge, die ich am meisten liebe."

2019 zog Duff McKagan in sein eigenes Aufnahmestudio, was ihm die lang ersehnte Möglichkeit gab, „endlich Songs weiterzuentwickeln, die ich vielleicht in der Nacht zuvor geschrieben habe, oder an alten Riffs von vor Jahren weiterzuarbeiten. Das ist eine große Sache für mich.”

Er verbrachte einen Großteil der folgenden zwei Jahre damit, mit seinem langjährigen Produzenten/Kollaborateur Martin Feveyear (Mark Lanegan, Brandi Carlile) an einer Reihe von sehr persönlichen neuen Songs zu arbeiten.

»Lighthouse« ist das erste Album in voller Länge, das in McKagans privatem Studio entstanden ist: 11 Songs, die in Tenor und Umfang variieren.

»Ich habe sozusagen einen Ort gefunden, an dem ich mich wohlfühle, wie meine eigene Musik klingen soll«, sagt McKagan sagt. »Das sind wirklich nur einfache Punksongs, die ohne mein Geschrei auskommen. Die Themen sind breit gefächert, aber das werdet Ihr sehen und hören. Die Idee, diese Platte mit einer Ode an meine Frau zu beginnen und mit einer Ode an das Leben zu enden, verkörpert die beiden Dinge, die ich am meisten liebe."

2019 zog Duff McKagan in sein eigenes Aufnahmestudio, was ihm die lang ersehnte Möglichkeit gab, „endlich Songs weiterzuentwickeln, die ich vielleicht in der Nacht zuvor geschrieben habe, oder an alten Riffs von vor Jahren weiterzuarbeiten. Das ist eine große Sache für mich.”

Er verbrachte einen Großteil der folgenden zwei Jahre damit, mit seinem langjährigen Produzenten/Kollaborateur Martin Feveyear (Mark Lanegan, Brandi Carlile) an einer Reihe von sehr persönlichen neuen Songs zu arbeiten.

»Lighthouse« ist das erste Album in voller Länge, das in McKagans privatem Studio entstanden ist: 11 Songs, die in Tenor und Umfang variieren.

»Ich habe sozusagen einen Ort gefunden, an dem ich mich wohlfühle, wie meine eigene Musik klingen soll«, sagt McKagan sagt. »Das sind wirklich nur einfache Punksongs, die ohne mein Geschrei auskommen. Die Themen sind breit gefächert, aber das werdet Ihr sehen und hören. Die Idee, diese Platte mit einer Ode an meine Frau zu beginnen und mit einer Ode an das Leben zu enden, verkörpert die beiden Dinge, die ich am meisten liebe."

2019 zog Duff McKagan in sein eigenes Aufnahmestudio, was ihm die lang ersehnte Möglichkeit gab, „endlich Songs weiterzuentwickeln, die ich vielleicht in der Nacht zuvor geschrieben habe, oder an alten Riffs von vor Jahren weiterzuarbeiten. Das ist eine große Sache für mich.”

Er verbrachte einen Großteil der folgenden zwei Jahre damit, mit seinem langjährigen Produzenten/Kollaborateur Martin Feveyear (Mark Lanegan, Brandi Carlile) an einer Reihe von sehr persönlichen neuen Songs zu arbeiten.

»Lighthouse« ist das erste Album in voller Länge, das in McKagans privatem Studio entstanden ist: 11 Songs, die in Tenor und Umfang variieren.

»Ich habe sozusagen einen Ort gefunden, an dem ich mich wohlfühle, wie meine eigene Musik klingen soll«, sagt McKagan sagt. »Das sind wirklich nur einfache Punksongs, die ohne mein Geschrei auskommen. Die Themen sind breit gefächert, aber das werdet Ihr sehen und hören. Die Idee, diese Platte mit einer Ode an meine Frau zu beginnen und mit einer Ode an das Leben zu enden, verkörpert die beiden Dinge, die ich am meisten liebe."

Nach Veröffentlichung von drei Alben innerhalb von drei Jahren und einer anschließenden vierjährigen Pause sind Tomb Mold auf ihrem vierten Album "The Enduring Spirit" wiedergeboren worden, ein durch und durch unverfrorener Schritt in neue Gefilde. Doch bei all dem frenetischen Wagemut und kühner Erkundung ist "The Enduring Spirit" nie etwas anderes als unverkennbar TOMB MOLD!

Während neue Strukturen die TOMB MOLD Architektur um neue Einflüsse bereits auf dem im letzten Jahr selbst veröffentlichten Tape "Aperture of Body" erweiterten, insbesondere beim letzten Stück "Prestige of Rebirth", treten sie bei "The Enduring Spirit" deutlich in den Vordergrund. Die Zeit, in der Derrick Vella mit Dream Unending im Doom-Genre erschuf und ausbaute, ist zweifellos in Tomb Mold eingeflossen- ganz zu schweigen von Payson Power und Max Klebanoffs Erkundungen in ihrem eigenen Projekt, Daydream Plus.

Mit dem Album-Opener "The Perfect Memory (Phantasm of Aura)" kommt das kantige, Dimensionen verschiebende Riffing der Band sofort zum Vorschein, während der Track durch verschiedene Stufen des progressiven Death Metal und einige der bisher extremsten Stücke der Band wandert. "Will Of Whispers" beginnt mit einer jazzartigen Fantasiesequenz, bevor es in ein blendendes weißes Lichtfeuer, geschmackvolle Gitarrenleads und zurück in ein verträumtes Serpentinenmuster kippt, das in seiner fast 7-minütigen Laufzeit ganze Universen umspannt.

Die hintere Hälfte des Albums setzt die Reise in das fort, was innerhalb der Death Metal-Normen möglich ist, und erreicht den Höhepunkt mit dem über 11-minütigen Albumschlussstück "The Enduring Spirit Of Calamity", einer jenseitigen Reise in einen Strudel, in dem alle Dinge in Raum und Zeit zusammenlaufen und den Baum des Lebens durch eine leuchtende himmlische Komposition bildlich greifbar machen.

Nach vier Jahren Pause war es für eine Band mit grenzenloser kreativer Energie, wie Tomb Mold es sind, eine Selbstverständlichkeit, den Umfang ihrer Vision zu erweitern - auf "The Enduring Spirit" haben sie ein Album mit einer cineastischen Umgebung geschaffen, die unbegrenzte Möglichkeiten der Erforschung bietet, sowohl für sie selbst als auch für den Hörer.

- Tomb Mold werden auf dem November 2023 Cover des Decibel Magazins zu sehen sein (erscheint Ende September)
- Beide früheren Tomb Mold-Alben gehören zu den 20 Buck Spin-Bestsellern aller Zeiten
- Artwork von Jesse Jacobi, der auch das Artwork von Planetary Clairvoyance gestaltet hat
- Aufgenommen von Sean Pearson (Tomb Mold, Dream Unending) und gemischt und gemastert von Arthur Rizk (Tomb Mold, Dream Unending, Kommand, Gravesend, Power Trip)
- Die Vinyl-Version enthält ein 4-Panel-Insert und ein riesiges 36x24-Zoll-Poster.

Nach dem internationalen Erfolg von "Planet" und "Letter" veröffentlicht der französische Star-Pianist Sofiane Pamart am 20. Oktober 2023 sein neues Album "Noche". Während „Planet“ eine Reise um die Welt abbildete und "Letter" ein Liebesbrief an sein Publikum war, entführt er uns auf seinem dritten Album, das komplett in Südamarika entstanden ist, in die Untiefen der Nacht. Sofiane Pamart gehört 2023 zu den zehn meist1gestreamten Künstlern klassischer Musik weltweit und verkaufte als erster Pianist überhaupt die legendäre Accor Arena Bercy aus (20 000 Zuschauer).

Wie Galyas Debütalbum Aralkum aus dem Jahr 2020 kehrt die Komponistin, Produzentin und Musikerin zu Geschichten aus ihrem Heimatland Kasachstan zurück. Während es auf Aralkum um das Schrumpfen des Aralsees ging, erzählt Polygon die Geschichte einer der dunkelsten Episoden der kasachischen Geschichte. Obwohl es mehr nuklearen Fallout verursachte als Tschernobyl, ist die Geschichte des Semipalatinsk-Testgeländes in der Steppe im Nordosten Kasachstans (bekannt als das Polygon) international wenig bekannt.

Es war das wichtigste Testgebiet der Sowjetunion für Atomwaffen. Von 1949 bis 1989 wurden dort 456 Atomtests durchgeführt, wobei die weite Landschaft Anonymität und Isolation bot.

Jeder Track auf der LP ist nach einem Merkmal des Polygons benannt: Dörfer, Städte, natürliche Gegebenheiten und andere Wahrzeichen. Für die sowjetischen Machthaber war die Steppe "unbewohnt", doch in Wirklichkeit war sie der Schmelztiegel der kasachischen Kultur, Heimat von Dichtern, Musikern und der berühmtesten literarischen Figur des Landes, Abai Quananbaiuly, ganz zu schweigen von der außergewöhnlichen Ökologie der
Berge, Hügel und Kiefernwälder entlang des Flusses Irtysch.

Wie Galyas Debütalbum Aralkum aus dem Jahr 2020 kehrt die Komponistin, Produzentin und Musikerin zu Geschichten aus ihrem Heimatland Kasachstan zurück. Während es auf Aralkum um das Schrumpfen des Aralsees ging, erzählt Polygon die Geschichte einer der dunkelsten Episoden der kasachischen Geschichte. Obwohl es mehr nuklearen Fallout verursachte als Tschernobyl, ist die Geschichte des Semipalatinsk-Testgeländes in der Steppe im Nordosten Kasachstans (bekannt als das Polygon) international wenig bekannt.

Es war das wichtigste Testgebiet der Sowjetunion für Atomwaffen. Von 1949 bis 1989 wurden dort 456 Atomtests durchgeführt, wobei die weite Landschaft Anonymität und Isolation bot.

Jeder Track auf der LP ist nach einem Merkmal des Polygons benannt: Dörfer, Städte, natürliche Gegebenheiten und andere Wahrzeichen. Für die sowjetischen Machthaber war die Steppe "unbewohnt", doch in Wirklichkeit war sie der Schmelztiegel der kasachischen Kultur, Heimat von Dichtern, Musikern und der berühmtesten literarischen Figur des Landes, Abai Quananbaiuly, ganz zu schweigen von der außergewöhnlichen Ökologie der
Berge, Hügel und Kiefernwälder entlang des Flusses Irtysch.

André Hazes' 23. Album "Strijdlustig" wurde 2002 veröffentlicht. Wie gewohnt handelt es sich bei den meisten Liedern um von Hazes selbst übersetzte Versionen ausländischer Lieder, diesmal unter anderem von Charles Aznavour, Traffic, Gary Moore und Marc Anthony. Als Gast spielt Carel Kraayenhof Bandoneon auf "Bloed, Zweet en Tranen", das Lied handelt von André Hazes' bewegtem Leben. Die Songs enthalten Verweise und Elemente auf Hazes' erkennbare Schwächen und Unsicherheiten. "Strijdlustig" ist erstmals auf Vinyl erhältlich und ist als limitierte Edition auf Silver Vinyl erhältlich

Um das wegweisende Kult-Album „Glut und Asche“ der deutschen Proto-Post-Punks von Fehlfarben zum diesjährigen 40. Jubiläum gebührend zu feiern, erscheint das Album erstmalig als strikt auf 1000 Exemplare limitierte, farbige Purple-Vinyl-Doppel-LP im Gatefold-Cover – signiert vom 1983er Fehlfarben-Frontmann Thomas Schwebel und mit exklusiven Linernotes von Kulturjournalist Marc Hairapetian versehen. Als besonderes Schmankerl enthält die 2LP drei bislang komplett unveröffentlichte und bis dato als verschollen gegoltene, englischsprachige Songs aus den frühen 80er Jahren.

Farbige 1-LP-Vinylausgabe von Brian Enos „The Ship“ in Öko Verpackung – frisch remastert von Miles Showell in Abbey Road – zur Feier von Enos allererster Solotournee „Ships across Europe“, zusammen mit dem Baltic Sea Philharmonic unter der Leitung von Kristjan Järvi im Oktober 2023.

The Ship ist eine großartige, unerwartete Platte. Der Titelsong und „Fickle Sun (i)“ allein und als zusammenhängendes Musikstück sind wunderbare Leistungen, die in Enos Katalog unverwechselbar sind.

Mit “Twentysomething” gelang Jamie Cullum der internationale Durchbruch. Zum 20-jährigen Jubiläum erscheint das Album jetzt erstmals auf Vinyl!

“Twentysomething” machte den Engländer 2003 noch nicht ganz zum Popstar, aber immerhin zum bestverkaufenden britischen Jazzkünstler in der Geschichte der UK-Charts. Das Album, auf dem der Sänger und Pianist eine peppige Mischung aus Jazzstandards, Pop-Covern und eigenen Songs bot, verkaufte sich weltweit über 2,5 Millionen Mal und brachte Jamie 11 x Platin, 11 x Gold und 2 x Silber ein.

Zum Jubiläum erscheint “Twentysomething” als ”20th Anniversary Edition” auf Doppel-LP mit fünf BonusTracks, darunter die Single Version des Ohrwurms “Everlasting Love”, die Jamie 2004 für den Soundtrack des Blockbusters “Bridget Jones: The Edge of Reason” aufgenommen hatte.

The Sworn Liars sind zurück von den Untoten mit einem Herz voller Severe Optimism. 12 neue tracks der süfisanten Mischung aus feinstem Knochenstaub und unheiligem Creep Weirdo Garage Rock. Spannend wie Sex mit Till Lindemann, krank, kurz und schaurig aber etwas um sich daran festzuhalten. Kommt auf nettem farbigen Vinyl mit Gedichtsbeiblatt, Sticker und einem verstörenden Poster fürs Kinderzimmer.

8 track Studio from Elysian Spring released by Le Tres Jazz Club

Der prägende Sound von Martin Rev, der vor allem im Zusammenspiel mit seinem langjährigen musikalischen Partner Alan Vega und der gemeinsamen Band Suicide in seiner Radikalität und Einzigartigkeit zu einem Einfluss für mehrere Generationen von Musikern werden sollte, findet seinen Ursprung insbesondere in der essentiellen Energie des Rock"n"Rolls, der Rev als Teenager prägte und so etwas wie die musikalische Entsprechung der urbanen Atmosphäre seiner Heimatstadt New York war. Nachdem Rev zunächst im Free Jazz und freier Musik nach neuen musikalischen Ausdrucksformen suchte, entwickelte er rasch eine Faszination für die elektronische Klangerzeugung, die es ihm ermöglichte, völlig alleine und autark zu arbeiten. Er experimentierte mit einfachstem Equipment, kombinierte verschiedene Geräte und Effekte und übersetzte so die Wurzeln des Rock"n"Rolls in einen neuen, bisher ungehörten elektrisierenden Sound, der sowohl der Beginn von Suicide als auch einer spannenden Solo-Karriere sein sollte. Die vorliegende Sammlung "The Sum of Our Wounds" umfasst verschiedenste Aufnahmen, die zwischen 1973 und 1985 entstanden. Dabei ist die Zusammenstellung weitaus mehr als nur eine Kollektion von Demos und Outtakes; vielmehr hat man das Gefühl, ein in sich geschlossenes Album zu hören und sich selbst Kompositionen, die einem bereits bekannt sind, gänzlich neu zu erschließen. Die Kassettenstücke besitzen in ihrer spröden Brüchigkeit eine große Sensibilität, eben wie eine Sammlung von Verwundungen.

Motiviert von dem Wunsch, ihren eigenen künstlerischen Stil zu erforschen und neue Wege zu beschreiten, haben SYLVATICA ihr drittes Album mit dem Titel "Cadaver Synod" aufgenommen. Dieses Album taucht in die düsteren Geschichten des Mittelalters ein und enthält Elemente wie die eindringlichen Klänge von Kirchenorgeln, Theremin und gregorianischen Gesängen. Das Ergebnis ist eine Reihe düsterer und atmosphärischer Kompositionen, die durch den Einsatz von Hammond-Orgeln und Synthesizern bereichert werden und eine nostalgische 70er-Jahre-Stimmung mit gelegentlichen Doom-Einflüssen hervorrufen.

Die Produktion dieses Albums ist im Vergleich zu ihren früheren Werken absichtlich rauer, um die organischen und atmosphärischen Aspekte zu betonen und gleichzeitig einen spielerischen Ansatz zu verfolgen. Trotz dieser Veränderungen bleibt der unverwechselbare klassische Sound der Band erhalten, der mit einer frischen und aufregenden Wendung neu belebt wurde. Sylvatica kreiert seit 2009 fesselnde Melodien und liefert atemberaubende Soli, als die Band von einer Gruppe von Jugendfreunden gegründet wurde, die von der Folk-Metal-Bewegung der späten 2000er Jahre begeistert waren.

Die Band debütierte mit den Folk-infizierten EPs "Sagn & Sagaer" und "Mosemanden", dicht gefolgt von dem vom melodischen Death Metal inspirierten Album "Evil Seeds". Während dieser Zeit gingen sie mit bekannten dänischen Folk-Metal-Bands auf Tournee.

The Cinematic Orchestra kündigen eine limitierte Vinyl-Reissue ihres erstmal 2003 veröffentlichten Klassikers 'Man With A Movie Camera’ an. Im Rahmen der Filmfestspiele zur Europäischen Kulturstadt Porto im Jahr 2001 wurde Jason Swinscoe vom Cinematic Orchestra beauftragt, einen Soundtrack zu einem Stummfilm zu komponieren, der einmalig aufgeführt werden sollte. Bei dem Film handelte es sich um Dziga Vertovs Experimentalwerk „Der Mann mit der Kamera“, einen frühen Dokumentarfilm aus der Ukraine von 1929, den viele, darunter das British Film Institute, fast 100 Jahre nach seiner Entstehung als einen der besten Filme aller Zeiten bezeichnen. Die Aufführung fand im historischen Coliseu do Porto statt und endete mit stehenden Ovationen von 3.500 Menschen. The Cinematic Orchestra hat die Show im Laufe der Jahre auf internationalen Tourneen aufgeführt, unter anderem im Barbican in London, im Winter Garden des World Trade Centers in New York und im Sydney Opera House.

Die französisch-irische Alternative-Rock-Metal-Band MOLYBARON ist bekannt für ihren energiegeladenen, harten Sound, der Elemente aus Alt-Rock, Hard Rock und modernem Metal zu einem eklektischen, dynamischen Klangerlebnis verschmelzen lässt. MOLYBARON liefern eine intensiv rohe, originelle musikalische Signatur, welche Fans aller Genres anspricht. Mit "SOMETHING OMINOUS" verschieben MOLYBARON die Grenzen und präsentieren eine einzigartige Mischung aus tiefem Groove, stampfendem Metal und Heavy Rock. Songs voller Charakter, die durch eine donnernde Rhythmussektion, krachende Bässe unter riffgeladenen Gitarren und chilligen Synthies vermittelt werden. Tracks mit eingängigen Refrains, die durch nachdenklich stimmende Texte geprägt sind, nehmen den Hörer mit auf eine Reise voller Überraschungen und neuer Entdeckungen. Das Album ist ein Beweis für MOLYBARONs außergewöhnliches musikalisches Können, das mühelos durch ein breites Spektrum an Emotionen und Musikstilen navigiert und ein wahrhaft eindringliches Erlebnis schafft. Jeder Track ist akribisch ausgearbeitet und geht nahtlos von stampfenden Hymnen zu introspektiven Balladen über. Der unverkennbare Sound von MOLYBARON wird sich tief einprägen. Die Texte von "SOMETHING OMINOUS" befassen sich mit tiefgründigen und manchmal provokanten Themen und erforschen die Komplexität der menschlichen Erfahrung in der heutigen Zeit. Sie ziehen sich wie ein roter Faden durch die 10 bewusst knapp gehaltenen Songs und kommen direkt auf den Punkt, sind aber aktueller denn je: Alterung, Verfall und die Erosion der Gesellschaft. Das Album nähert sich dem akuten Bewusstsein für den Lauf der Zeit, wenn wir älter werden - dem nachklingenden Bedauern über kostbare Zeit, die mit unwichtigen Dingen und Beziehungen verbracht wurde, der Erwartung, die zu verlieren, die man liebt, und der Angst, alt und allein zu sein. Darüber hinaus geht es um den aktuellen Zustand der Politik - die Absprachen zwischen Staat, Medien und großen Unternehmen; die Manipulation der Öffentlichkeit, die systematische Zensur von Andersdenkenden und unabhängigem Journalismus. Dieses Album ist nicht einfach nur Musik; es ist berauschend und macht süchtig und hungrig nach mehr. "SOMETHING OMINOUS" ist ein Muss für Deine Sammlung.

THE all-time classic '86 debut album from the Beastie Boys, with classics including 'Rhymin' and Stealin' and 'The New Style', 'Girls', 'Fight for your Right', 'Brass Monkey' and 'No Sleep Till Brooklyn', a must-have album, reissued here to mark the 50th Anniversary of Hip-Hop.

”Very Necessary” ist das vierte Studioalbum der amerikanischen Hip Hop-Gruppe Salt-N-Pepa, das erstmals im Oktober 1993 veröffentlicht wurde. Anlässlich des 30-jährigen Jubiläums wird UMe die 2LP auf schwarzem Vinyl neu auflegen. Die 2CD Deluxe-Box wird zum ersten Mal überhaupt erhältlich sein und enthält eine Sammlung von 13 Bonustracks und Linernotes von Salt-N-Pepa über die Entstehung von ”Shoop”.

Ab dem 20.10 als 2LP und 2CD-Box erhältlich.

The Bug ist das Hauptprojekt des umtriebigen Londoner Produzenten Kevin Martin. Martin, der bereits für Thom Yorke, Grace Jones, Einstürzende Neubauten und Primal Scream arbeitete, verbindet auf "London Zoo" eindrucksvoll Dubstep mit Dancehall, Grime und HipHop-Elementen. Eine Platte, direkt aus dem Herzen der britischen Hauptstadt, die aller Orten funktioniert und mitreißt. 12 mal Londoner Soundkultur mit Gastauftritten von Ricky Ranking, Flowdan, Warrior Queen, Spaceape und vielen weiteren.

2023 sees 40 years of James. As part of the celebration UMR is reissuing the band’s breakthrough album, Gold Mother on 2LP gold vinyl. Combining the 1990 and 1991 versions of the album it includes the iconic anthem Sit Down as well as How Was It For You, Come Home (Flood Mix) and Lose Control

Für ihr neuestes bzw. drittes vollständiges Studioalbum 'Sanguivore' haben die fünf Briten von Creeper einen Blutpakt geschlossen, um sich voll und ganz auf die Dinge zu konzentrieren, die sie wirklich ausmachen; um mit einer brennenden Fackel in die eher schwach beleuchteten Nischen des stets fruchtbaren Geistes von Frontmann Will Gould vorzudringen.

Das Ergebnis: Über 40 Minuten Musik, die das Grandiose und Epische mit dem Punkrock-Geist verbindet, der seit ihrem Debüt von 2017 ein Eckpfeiler des Creeper-Sounds ist: eine zerrissene Lederjacke, eingewickelt in einen plüschigen Samtmantel - ein Mantel, der mit rotem Satin gefüttert ist, versteht sich. Inspiriert von Folklore und Mythos, der eher schattigen Seite der Populärkultur, haben Creeper einen eigenen Raum abgesteckt; eine neblige Welt der Gothic-Bilder und dunklen Romantik, der Krypten und Burgruinen, des Unerwiderten und der Untoten - eine Welt, in der die Liebe ihren Preis hat und die Schönheit mit geschärften Zähnen lächelt.

Vom Eröffnungsstück 'Further Than Forever', einer neunminütigen, vielschichtigen Tour-de-Force, die dem verstorbenen Jim Steinman ein Lächeln ins Gesicht zaubern würde, bis zum Schlussstück 'Spook And Mercy', einer nächtlichen Geschichte über die kleine Mercy und ihre gefräßigen Taten, ist 'Sanguivore' eine äußerst beeindruckende, lose konzeptionelle Reise durch das Glorreiche und Grafische.

Für ihr neuestes bzw. drittes vollständiges Studioalbum 'Sanguivore' haben die fünf Briten von Creeper einen Blutpakt geschlossen, um sich voll und ganz auf die Dinge zu konzentrieren, die sie wirklich ausmachen; um mit einer brennenden Fackel in die eher schwach beleuchteten Nischen des stets fruchtbaren Geistes von Frontmann Will Gould vorzudringen.

Das Ergebnis: Über 40 Minuten Musik, die das Grandiose und Epische mit dem Punkrock-Geist verbindet, der seit ihrem Debüt von 2017 ein Eckpfeiler des Creeper-Sounds ist: eine zerrissene Lederjacke, eingewickelt in einen plüschigen Samtmantel - ein Mantel, der mit rotem Satin gefüttert ist, versteht sich. Inspiriert von Folklore und Mythos, der eher schattigen Seite der Populärkultur, haben Creeper einen eigenen Raum abgesteckt; eine neblige Welt der Gothic-Bilder und dunklen Romantik, der Krypten und Burgruinen, des Unerwiderten und der Untoten - eine Welt, in der die Liebe ihren Preis hat und die Schönheit mit geschärften Zähnen lächelt.

Vom Eröffnungsstück 'Further Than Forever', einer neunminütigen, vielschichtigen Tour-de-Force, die dem verstorbenen Jim Steinman ein Lächeln ins Gesicht zaubern würde, bis zum Schlussstück 'Spook And Mercy', einer nächtlichen Geschichte über die kleine Mercy und ihre gefräßigen Taten, ist 'Sanguivore' eine äußerst beeindruckende, lose konzeptionelle Reise durch das Glorreiche und Grafische.

Für ihr neuestes bzw. drittes vollständiges Studioalbum 'Sanguivore' haben die fünf Briten von Creeper einen Blutpakt geschlossen, um sich voll und ganz auf die Dinge zu konzentrieren, die sie wirklich ausmachen; um mit einer brennenden Fackel in die eher schwach beleuchteten Nischen des stets fruchtbaren Geistes von Frontmann Will Gould vorzudringen.

Das Ergebnis: Über 40 Minuten Musik, die das Grandiose und Epische mit dem Punkrock-Geist verbindet, der seit ihrem Debüt von 2017 ein Eckpfeiler des Creeper-Sounds ist: eine zerrissene Lederjacke, eingewickelt in einen plüschigen Samtmantel - ein Mantel, der mit rotem Satin gefüttert ist, versteht sich. Inspiriert von Folklore und Mythos, der eher schattigen Seite der Populärkultur, haben Creeper einen eigenen Raum abgesteckt; eine neblige Welt der Gothic-Bilder und dunklen Romantik, der Krypten und Burgruinen, des Unerwiderten und der Untoten - eine Welt, in der die Liebe ihren Preis hat und die Schönheit mit geschärften Zähnen lächelt.

Vom Eröffnungsstück 'Further Than Forever', einer neunminütigen, vielschichtigen Tour-de-Force, die dem verstorbenen Jim Steinman ein Lächeln ins Gesicht zaubern würde, bis zum Schlussstück 'Spook And Mercy', einer nächtlichen Geschichte über die kleine Mercy und ihre gefräßigen Taten, ist 'Sanguivore' eine äußerst beeindruckende, lose konzeptionelle Reise durch das Glorreiche und Grafische.

Für ihr neuestes bzw. drittes vollständiges Studioalbum 'Sanguivore' haben die fünf Briten von Creeper einen Blutpakt geschlossen, um sich voll und ganz auf die Dinge zu konzentrieren, die sie wirklich ausmachen; um mit einer brennenden Fackel in die eher schwach beleuchteten Nischen des stets fruchtbaren Geistes von Frontmann Will Gould vorzudringen.

Das Ergebnis: Über 40 Minuten Musik, die das Grandiose und Epische mit dem Punkrock-Geist verbindet, der seit ihrem Debüt von 2017 ein Eckpfeiler des Creeper-Sounds ist: eine zerrissene Lederjacke, eingewickelt in einen plüschigen Samtmantel - ein Mantel, der mit rotem Satin gefüttert ist, versteht sich. Inspiriert von Folklore und Mythos, der eher schattigen Seite der Populärkultur, haben Creeper einen eigenen Raum abgesteckt; eine neblige Welt der Gothic-Bilder und dunklen Romantik, der Krypten und Burgruinen, des Unerwiderten und der Untoten - eine Welt, in der die Liebe ihren Preis hat und die Schönheit mit geschärften Zähnen lächelt.

Vom Eröffnungsstück 'Further Than Forever', einer neunminütigen, vielschichtigen Tour-de-Force, die dem verstorbenen Jim Steinman ein Lächeln ins Gesicht zaubern würde, bis zum Schlussstück 'Spook And Mercy', einer nächtlichen Geschichte über die kleine Mercy und ihre gefräßigen Taten, ist 'Sanguivore' eine äußerst beeindruckende, lose konzeptionelle Reise durch das Glorreiche und Grafische.

SULPHUR AEONs neuestes Werk ist gesegnet mit Kontrasten, klanglicher Ebbe und Flut. Ein Taifun kantiger Riffs und wilder Blastbeats, raffinierte Melodieschichten, dichte Atmosphäre und triumphal gesungene Refrains reißen dich mit. Ätherische Akustikgitarren, subtile Synthesizer, einen Hauch von Gothic ('The Yearning Abyss Devours Us'), satte Leads, E-Bow-Parts, heftige Aggression ('Arcane Cambrian Sorcery'), monumentale Schwere, die in hypnotische Gesangsmuster übergeht ('Seven Crowns And Seven Seals'), und ein großes Finale ('Beneath The Ziqqurrats') - "Seven Crowns And Seven Seals" überschreitet Genres; es wütet und zerstört, lullt dich im nächsten Moment in gefährlich täuschende Ruhe, nur um dich unwiderbringlich in den dunklen Strudel des Ozeans zu reißen. SULPHUR AEON meistern ihren durchdringenden Cinematic Death Metal der Extraklasse, gehen über sich hinaus und klingen dabei doch unverkennbar kohärent - perfekt eingefangen und verfeinert von den langjährigen Mitarbeitern Simon Werner und Michael Zech (Secrets Of The Moon, Bølzer etc.), während das Mastering von V. Santura (Triptykon, Dark Fortress) übernommen wurde. Was das Artwork betrifft, so haben SULPHUR AEON diesmal mit der Tradition gebrochen, wieder mit Ola Larsson zu arbeiten, und sich mit dem Italiener Paolo Girardi zusammengetan, um eine Lovecraft'sche Apokalypse darzustellen, die der Opulenz und Dynamik des Albums einen raueren Stil entgegensetzt.

SULPHUR AEONs "Seven Crowns And Seven Seals" ist der offensichtliche und - zumindest im Moment - möglicherweise auch der Höhepunkt einer Band, die besessen von ihrer Kreativität ist und sich leidenschaftlich und bereitwillig der Herausforderung stellt, Musik zu produzieren, die so zeitlos und originell ist wie das literarische Vermächtnis von H.P. Lovecraft. Stürzen Sie sich in die dunklen Gewässer und lassen Sie sich von der Flut des Ozeans verschlingen...

Die Musik von Arabrot ist zeitlos. Gerade wenn man glaubt, einen Einfluss oder Bezugspunkt ausgemacht zu haben, entzieht sie sich dem Zugriff, dreht und wendet sich in unerwartete Richtungen und formt einen Sound, der wirklich einzigartig ist. In den letzten zwei Jahrzehnten hat sich Arabrot durch mehrere Iterationen gewandelt; sie haben verschiedene Formen und Größen ausprobiert, verschiedene Stimmungen aufgenommen und die Außengrenzen verschiedener Genres erkundet und klangen dabei nie weniger als ganz sie selbst. 2023 erscheint ihr zehntes Album, Of Darkness and Light - ein Grund zum Feiern. Kjetil Nernes war der Kern und die Konstante von Arabrot, und seit einiger Zeit schlägt neben ihm ein weiteres Herz im perfekten Gleichklang. Karin Park, eine Partnerin im Leben, in der Liebe und in der Musik, trägt seit zehn Jahren in unterschiedlichem Maße zu Arabrot bei, und auf Of Darkness and Light ist ihre Präsenz sowohl gefestigt als auch verstärkt. Die beiden leben zusammen in einer Kirche in dem schwedischen Dorf, in dem Karin aufgewachsen ist, und haben sich ihr eigenes Reich geschaffen, in dem sie ihre Kinder, ihr Handwerk und ihre kreativen Visionen pflegen. Of Darkness and Light brauchte einige Zeit, um Gestalt anzunehmen. Der Lebenslauf von Produzent Alain Johannes liest sich wie ein Who's Who der Rockmusik. Er ist selbst ein versierter Musiker (er spielte mit PJ Harvey, Queens of the Stone Age und Them Crooked Vultures und hatte auch seine eigene Band Eleven) und verfügt über langjährige Erfahrung als Produzent. Es war seine Arbeit an Mark Lanegans Album Straight Songs of Sorrow aus dem Jahr 2020, die Kjetil auf ihn aufmerksam machte, bevor Kismet eingriff und die beiden zusammenbrachte. Alain erklärte, dass "mein Bauchgefühl immer richtig ist" und zog im August 2022 ins Djura Missionshus, auch bekannt als die Kirche von A°rabrot, um mit der Arbeit zu beginnen. Das Trio verbrachte mehrere Wochen damit, die Arbeit mit dem Familienleben zu verbinden und die Puzzleteile zusammenzusetzen, aus denen sich Of Darkness and Light zusammensetzt - ihr erstes Album, das komplett in der Kirche aufgenommen wurde. Das Ergebnis ist ein echtes Rockalbum - unter der elektrisierenden Fassade aus flirrenden Synthesizern und raffiniertem Glitzern schlägt ein schweres Rockherz. Die Worte werden dem unbändigen, konkupiszenten Verlangen kaum gerecht, das sich hinter ihrem Schlachtruf We Want Blood verbirgt - einem hymnischen, mit den Füßen stampfenden Vorstoß, der in der Mitte des Albums liegt. An anderer Stelle stehen düstere Mörderballaden neben feierlichen "Fuck Yeah"-Momenten der Freude; ihre reduzierte Herangehensweise an die Instrumentierung schmälert nicht den Reichtum ihres Sounds. Für Freunde von SWANS, KILLING JOKE, WOVENHAND, CHELSEA WOLFE, THE MELVINS, CAPTAIN BEEFHEART, NINE INCH NAILS Ltd Pink Single Colour LP (We Want Blood Edition), Gatefold Cover

Two new studiorecordings by this legendary band. De Music Ligera is a cover of Soda Stereo (Argentina) megahit. 2023 marks the 31th anniversary since the legendary Umeå hardcore band Abhinanda was started and the year Darkness of Ignorance was recorded. In 1993, the following year it was released, the first release on the iconic DIY label Desperate Fight Records. A milestone in Umeå"s and Sweden"s music history!

Die Sonne braucht die Dunkelheit, um noch heller zu erstrahlen. Aber die Dunkelheit braucht die Sonne ebenfalls, um in vollem Kontrast zu ihrer Helligkeit zu stehen. Doch die Tragik liegt in der Beziehung zwischen den beiden: Die eine kann ohne die andere nicht existieren, aber beide werden sich nie begegnen können. Es ist eine Wechselwirkung und eine Abhängigkeit: eine Symbiose - auf die auch der Bandname SYMBIONTIC verweist.

“The Sun And The Darkness” scheint erstmal nur der zweite Release in der Geschichte von SYMBIONTIC zu sein, aber für die Melodic Death Metaller aus Dortmund ist es gleichwohl das Ende einer langen Reise. Nach der Veröffentlichung ihres Underground-Juwels “Vaya” löste sich die Band bereits 2011 auf… Zehn Jahre später kehrte sie jedoch zurück, inmitten der Pandemie, mit dem Gefühl, dass da noch etwas ist, was es zu sagen gilt.

Die Wiederveröffentlichung zum 50zigen Jahrestag von Fela Kutis Album 'Shakara' von 1972.

'Shakara' ist ein hauptsächlich instrumentales Stück mit einem kurzen, auf Yoruba gesungenen Text, der vor Prahlern und Angebern warnt. In 'Lady' hebt Fela die Übernahme europäischer sozialer Gewohnheiten zum Nachteil der afrikanischen Kultur hervor. Das Album ist der Sound der Reifung des Afrobeat zu einer globalen Musik. Felas Texte in Pidgin-Englisch erweitern das Publikum seiner Musik über Yoruba-Sprecher:innen hinaus und machen seine Worte in der gesamten anglophonen Welt verständlich. Wie schon bei seinen anderen Veröffentlichungen in den frühen 70er Jahren hat Fela jede Seite seiner LPs genutzt, um einen intensiven Groove zu kreieren, der die Hörer:innen in seinen Bann zieht und von metaphorischen Texten begleitet wird, die den korrupten Kolonialismus kritisieren.

Auf pinkes Vinyl gepresst und mit einer zusätzlichen gelben 7" enthält die Jubiläumsversion auch ein kurzes Essay über das Album und Fela Kutis globalen Einfluss auf die Musikwelt. Darüber hinaus gibt es zwei Remixes des Ezra Collective aus UK.

ODESZA veröffentlichen eine gemeinsame EP mit dem Yellow House, dem Songwriter, Produzenten und Instrumentalisten Emile van Dango aus Kapstadt in Südafrika. Die verträumte „Flaws In Our Design“-EP wird ab dem 29. September 2023 auf himmelblau-transparentem Vinyl erhältlich sein.

„‚Heavier‘ war eine Zusammenarbeit, die vor fünf Jahren begann.“, so Harrison Mills & Clayton Knight von ODESZA. „Wir entdeckten Emile/ Yellow House auf Soundcloud und waren sofort von seiner Stimme und seiner Performance angetan! Nachdem wir erfolgreich ein paar Demos produziert hatten, flogen wir ihn aus Südafrika ein, um mit uns in unserem Studio in Seattle zu arbeiten.

Die Musik hatte von Anfang an diese unverwechselbare Energie, als hätten wir etwas Besonderes entdeckt. Wir fühlten uns zu einer einzigartigen Mischung aus elektronischer Produktion und Emiles unglaublicher Fähigkeit, nostalgische Melodien und erzählende Texte zu kreieren, hingezogen.“ Emile van Dango/ Yellow House sagte über „Heavier“, dass der Track „die Idee war, die vor fünf Jahren den Anstoß für die gesamte Zusammenarbeit gab. Von Anfang an hatte der Track diese unverwechselbare Energie, etwas Besonderes entdeckt zu haben. Er fängt genau den Moment ein, in dem sich unsere beiden Welten trafen."

Auf ihrem umfangreichen neuen Album "Water Made Us" stellt die Chicagoer Musikerin und Dichterin Jamila Woods die Frage, was es bedeutet, sich der Liebe voll und ganz hinzugeben. Auf "Water Made Us" umarmt Jamila neue Genres, verspielte Melodien und hypnotisierende Wortspiele, während sie durch die berauschenden Turbulenzen von Liebeswracks und Zuflucht watet. Während Jamila auf "HEAVN" (2017) ihre Community innerhalb der schwarzen feministischen Bewegung feierte und auf "Legacy! Legacy!" (2019) ihre Lebenserfahrungen durch die Geschichten schwarzer und brauner Künstlerinnen und Künstler verarbeitete, ist "Water Made Us" eine völlig neue Art der Selbstoffenbarung und damit ihr bisher persönlichstes Album. "Water Made Us", das sie zusammen mit dem in LA ansässigen Produzenten McClenney aufgenommen hat und auf dem langjährige Freunde aus Chicago wie Saba und Peter CottonTale zu hören sind, ist ein weitläufiges und intimes Porträt der Selbstreflexion, das geschickt die verschiedenen Phasen einer Beziehung widerspiegelt: Die Anfänge, in denen man leicht Kompromisse eingeht, kokettiert und Spaß hat; das vorsichtige Aushandeln von Momenten des Konflikts oder der Verletzung; die Trauer über etwas Verlorenes; und die zärtliche Erkenntnis am Ende von allem, dass die Person, die gegangen ist, einen nie wirklich verlässt, sondern bei einem bleibt, während man bereit ist, es noch einmal zu versuchen, erfrischt und beruhigt. Der Titel des Albums - eine Zeile aus dem Highlight des Albums "Good News" - ist eine subtile Anspielung auf das berühmte Toni-Morrison-Zitat "All water has a perfect memory and is forever trying to get back to where it was". Es ist dieses Gefühl - der Erinnerung, des Ortes und der Rückkehr - das als Pfeiler für den Bogen des Albums dient. "Water Made Us" erinnert uns daran, dass die Liebe im besten Fall ein warmer, stiller Ozean ist. Tief, schimmernd und endlos in seinem Wunder. Und im schlimmsten Fall kann die Liebe ein reißender Strom sein, der uns so weit von uns selbst entfernt, dass wir kaum den Weg zurückfinden, ja nicht einmal mehr wissen, wie wir schwimmen sollen. Und doch ergibt sich Jamila dieser Brandung - jeder Welle und jedem Sog - weil vielleicht sogar die schmerzhaftesten Enden eine Einladung sein können, die sie zurück nach Hause ruft, zurück ans Ufer, zurück zu sich selbst.