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In den letzten zehn Jahren haben CARNATION das Revival des Death Metal der alten Schule angeführt. Sie haben seelenerschütternde Riffs und trampelnde Blastbeats mit einigen der bedrohlichsten Growls der neuen Welle zurückgebracht. Während die belgische Band die altehrwürdigen Traditionen des Genres immer hochgehalten hat, klingt sie auch nie veraltet, sondern dringt mit "Cursed Mortality" in tiefere, dunklere und experimentellere Gewässer vor. Der Titeltrack watet in bedrohlichen Synthie-Klängen und sogar cleanen Vocals. Dieses Album ist nicht einfach ein Revival - Es ist ein mutiger Schritt in die Zukunft. Für Fans von (frühen) ENTOMBED, BLOODBATH, GATECREEPER, SKELETAL REMAINS, GRAVE.

In den letzten zehn Jahren haben CARNATION das Revival des Death Metal der alten Schule angeführt. Sie haben seelenerschütternde Riffs und trampelnde Blastbeats mit einigen der bedrohlichsten Growls der neuen Welle zurückgebracht. Während die belgische Band die altehrwürdigen Traditionen des Genres immer hochgehalten hat, klingt sie auch nie veraltet, sondern dringt mit "Cursed Mortality" in tiefere, dunklere und experimentellere Gewässer vor. Der Titeltrack watet in bedrohlichen Synthie-Klängen und sogar cleanen Vocals. Dieses Album ist nicht einfach ein Revival - Es ist ein mutiger Schritt in die Zukunft. Für Fans von (frühen) ENTOMBED, BLOODBATH, GATECREEPER, SKELETAL REMAINS, GRAVE.

Das Duo mit Wohnsitzen in San Francisco und New York besteht aus Mike Stroud, der sich gelegentlich seine Brötchen als Tour-Gitarrist von Dashboard Confessional und Ben Kweller verdient, und Mastermind und Soundtüftler Evan Mast. Evan mag manch einem bereits unter dem Pseudonym E*Vas bekannt sein oder auch als Mitbegründer des Labels Audio Dregs. Er ist der Mann hinter den Achtziger-Amiga-Sounds und den relaxten Beats und zeichnet verantwortlich für so verrückte Ideen, wie z.B. die deutsche Nationalhymne zu verclashen. Solche Geistesblitze hat er im Dutzend, und so entstand ein Album prallvoller Emo-Electroclash-Tunes für Couch Potatoes. Da ist es beinahe Ironie des Schicksals, dass diese Band ausgerechnet von Paul Bangs entdeckt wurde, seines Zeichens Sänger einer der fleißigsten Live-Bands der Welt: Interpol.

Die bayerische Provinz ist geplagt von Monotonie und Stammtischparolen_ Die ganze bayerische Provinz? Nein! Drei Typen leisten mit ihrer Mischung aus Punk Rock, Hardcore und Rock'n'Roll Widerstand gegen schlechte Unterhaltung, trockene Kehlen und Intoleranz. Dreistimmiger Gesang, knackige Gitarren, saftiger Bass und ein Drumgewitter, das Nasenbeine zerbersten lässt - Garniert mit einer Prise Wortwitz und Humor." Seit Beginn der Bandgeschichte ist genau das, der Pressetext, der die Band SENDESCHLUSS aus Neunburg vorm Wald beschreibt. Warum sollte man auch verändern, was seit nunmehr 9 Jahren den metaphorischen Nagel auf den Kopf trifft? Und so bleibt die Band, bestehend aus Tom, Kiki und Tim, diesen Worten auch auf ihrer vierten Veröffentlichung mehr als treu. Die sechs Tracks der neuen EP ,Bavarian Wasted Youth" decken vom melodischen Punkrocksong bis zum Hardcoreknaller mit Metalkante wieder alle Sparten ab, die den geneigten Rockfan zum kollektiven Kopfnicken bewegen und vor allem die Band selbst nach wie vor begeistern. Diesmal jedoch mit einem Unterschied. Alle enthaltenen Texte sind in bairischem Dialekt verfasst. Natürlich ist Mundartmusik, vor allem im Bairischen, mittlerweile nichts Neues mehr, da Künstler wie Hannes Ringlstetter, Karin Rabhansl, Claudia Koreck, Dicht & Ergreifend, Bbou, Liquid oder auch die Spider Murphy Gang längst auch überregional erfolgreich sind. Aber da der Punk- und Hardcoresektor bis auf ein paar Ausnahmen hier noch echten Nachholbedarf zu vermelden hat, hat sich das Neunburger Trio einen echten Herzenswunsch erfüllt, und ,Bavarian Wasted Youth" Leben eingehaucht. Und wie könnte man echte Emotionen besser überliefern als in der Sprache, die man seit Kindertagen spricht? Doch was hat es mit diesem Titel eigentlich auf sich? Wörtlich übersetzt geht es ja um die "Bayerische verschwendete Jugend", was im ersten Moment vielleicht unpassend wirken mag, da es keineswegs darum geht, irgendwelche Jugendsünden zu bereuen, oder die Sinnlosigkeit des Lebens als junger Mensch im bairischen Raum zu beklagen. Eher soll sich von den konservativen Wertevorstellungen "der Alten" abgegrenzt und eine tolerantere Weltanschauung und ein alternativer Lebensstil zum Ausdruck gebracht werden, wobei aber auf ein gewisses Maß an "Bavarian Living" nicht verzichtet werden muss. Frischer Wind für alte Gepflogenheiten sozusagen. Wo also so mancher Stammtischbruder um die Betonpfeiler seiner heilen Welt Tränen vergießen wird und "den Jungen" mangels fehlenden Verständnisses verschwendete Lebenszeit vorwirft, da wird umso deutlicher, dass "Bavarian Wasted Youth" etwas freier übersetzt doch passt, wie die metaphorische Faust aufs Auge. "Bavarian Wasted Youth" wagt gekonnt den Schuhplattler auf dem Vulkan! Bayerisch, subkulturell, rebellisch, echt! 6 Track 12inch , 180 gr. blau-weiss marmoriert mit 16-seitigem Booklet

Repress.

EYE is back. Metamujer marks the third installment on the Knekelhuis label and we’re extremely happy to release this document of another chapter in Laurène Exposito’s life. Recorded on various locations ranging from the Swiss mountains to the chalky coasts of Brittany, Metamujer is an 8-track ode to salty love and closeness to nature, a tribute to a modest lifestyle à la Henry David Thoreau. Far from being praise for self-sufficiency, this new LP is deeply influenced by Laurène’s environment. We can hear Korg MS-10 created synthetic waves (Sanatorium) and birds (Luscinia), but one can also catch her singing in Italian, one of 3 languages spoken in Switzerland. Still minimalist and yet more aesthetically diverse, her new sounds are on the edge of EBM and synth pop, between classic minimal wave tunes and rustic ballads on acid.

Aussie icons The Cat Empire have had an illustrious career, spanning decades, genres, and millions of adoring fans from across the globe.

The Cat Empire veröffentlichen ihr neuntes Studioalbum, gleichzeitig ihre erste Veröffentlichung nach einem großen Personalwechsel in 2022. Das multikulturelle, australische Kollektiv ist für sein stilistisches Amalgam aus diversen Einflüssen von Jazz, Ska und Reggae über Funk, Latin und Hip-Hop bis zu Klezmer und Rock bekannt. 'Where The Angels Fall' wurde in ihrer Heimatstadt Melbourne aufgenommen und ist nach rund 20 Jahren das erste Zusammentreffen mit dem Produzenten Andy Baldwin, der auch für ihr selbstbetiteltes Debüt 2003 verantwortlich war.

EVERGREENS feiert Streisands 60-jähriges Jubiläum als Künstlerin bei Columbia Records. Das Album enthält 22 Songs - 1 Song von jedem Studioalbum, das sie veröffentlicht hat. Die Songs wurden von Barbra als einige ihrer Lieblingssongs während ihrer Karriere ausgewählt. Keiner dieser Titel ist auf früheren Streisand-Compilation-Alben erschienen. Die für EVERGREENS ausgewählten Lieder haben nichts mit Verkaufszahlen oder Auszeichnungen zu tun. Sie wurden von Barbra ausgewählt, um ihre emotionale Verbindung zu diesen Melodien und Texten zu veranschaulichen, da jeder von ihnen einen besonderen Platz in ihrem Herzen und in ihrer Erinnerung einnimmt.

I Talk To Water, the fifth album for Kompakt by Danish producer Kölsch, is the artist’s most personal statement yet. While all the trademarks that make his music so popular and powerful are still present – lush, melodic techno; swooping, trance-like figures; sensuous, shivery texturology – I Talk To Water is also a deep and intimate rapprochement with family and history, a beautiful, finely detailed document of loss and memory, and a tracing of the long, unbroken thread of grief that runs through our lives once we’ve lost those we loved.

The emotional core of I Talk To Water, then, is a cache of recordings by Kölsch’s father, Patrick Reilly, who passed away in 2003 from brain cancer. With time rendered elastic by the pandemic and its associated lockdowns, its sudden, alienating shifts in everyday living, Kölsch found himself reflecting on his father’s passing and ongoing spiritual presence, thinking about how best to memorialise such a significant figure in his own life. Those recordings opened a gateway, of sorts, for Kölsch to move through – a way to bring past and present together and entwine them in a sensitive, poetic manner.

Kölsch’s father was a musician – “touring in the sixties and seventies, in the Middle East especially, he was doing the whole hippy trail, playing guitar, and wrote some songs over the years,” he recalls. “But all in all, he decided to focus on family rather than pursue a musical career.” Reilly kept playing and writing music over the years, though Kölsch hadn’t listened to the material for some time: “I’d never had the guts to listen to it, because I just felt too fragile listening to his voice. It’s such a tough thing to go through.”

During the pandemic, though, Kölsch listened through the fragmented body of work that his father had produced over the years. “I decided I’m gonna finally release my dad’s music twenty years after his passing,” he reflects. “This whole album is about the process of loss, and for me it’s been one of my main driving forces in my musical life, the whole emotional aspect of whatever I’ve done has been based in that feeling that he’s not there anymore.”

Recordings of Reilly appear on three songs across I Talk To Water. His guitars drift pensively across “Grape”, offering a lush thread of melody that Kölsch wraps with clicking, driftwood rhythms and droning, melancholy bass. “Tell Me” is a lovely three-minute art song, a sadly beautiful reflection, minimally adorned with gentle keys and a muted pulse. And on the closing “It Ends Where It Began”, Kölsch lets his father’s acoustic guitar take centre stage for a lament that’s unexpectedly folksy, a guitar soli dream, which Reilly originally recorded in 1996. “He actually recorded it for my first album that never came out,” Kölsch reveals, “and I had it sitting around forever. That is purely him.”

These three imagined collaborations between father and son are poised and delicate. But their relationship also marks the gorgeous music Kölsch has made across the rest of I Talk To Water, from the itchy yet lush “Pet Sound” (titled in tribute to one of Reilly’s favourite albums), the flickering synths and yearning vocal samples that slide through “Khenpo”, the ecstatic shuddering that marks “Only Get Better”, or “Implant”’s slow-motion pans and subtle reveals.

There’s also the title song, where Kölsch is joined by guest Perry Farrell (Jane’s Addiction, Porno For Pyros), singing a mantra for internal reflection: “I talk to water / Searching for myself / Looking for answers / Oceans of you.” Farrell’s appearance brings another timbre, another spirit to the album, aligning neatly with his recent interest in electronic music. “He was completely taken by this idea of talking to water,” Kölsch says, thinking about the ways we collectively lean towards the natural world as a comfort and a listener, a guide through mourning, a way to map out the terrain of the heart. This mapping is something that Kölsch has proven remarkably adept at through the years; dance music for both body and mind, but also both for the here-and-now, and for the hereafter.

“I Talk To Water”, das fünfte Album des dänischen Produzenten Kölsch für Kompakt, ist zweifellos das persönlichste Statement des Künstlers bislang. Während alle Markenzeichen, die seine Musik so beliebt und kraftvoll machen, immer noch präsent sind – üppige, melodische Techno-Tracks; schwebende, tranceartige Elemente; sinnliche, fiebrige Texturen – ist “I Talk To Water” auch eine tiefe und intime Annäherung an Familie und Geschichte. Es ist ein wunderschönes, fein ausgearbeitetes Dokument des Verlusts und der Erinnerung, und es verfolgt den langen, ungebrochenen Faden der Trauer, der durch unser Leben läuft, sobald wir diejenigen verloren haben, die wir liebten.

Der emotionale Kern von “I Talk To Water” besteht aus Aufnahmen von Kölschs Vater, Patrick Reilly, der 2003 an Hirnkrebs verstarb. Durch die Pandemie und ihre damit verbundenen Lockdowns, die plötzlichen, entfremdenden Veränderungen im Alltag, fand Kölsch sich in Gedanken an den Tod seines Vaters und seine fortwährende spirituelle Präsenz wieder. Er überlegte, wie er eine so bedeutende Figur in seinem eigenen Leben am besten verewigen könnte. Diese Aufnahmen öffneten ihm sozusagen ein Portal, um Vergangenheit und Gegenwart miteinander zu verbinden und sie auf sensible und poetische Weise zu verweben.

Kölschs Vater war Musiker – “er tourte in den sechziger und siebziger Jahren, vor allem im Nahen Osten, auf dem Hippie Trail, spielte Gitarre und schrieb im Laufe der Jahre einige Songs”, erinnert sich Kölsch. “Aber alles in allem entschied er sich, sich auf die Familie zu konzentrieren, anstatt eine musikalische Karriere zu verfolgen.” Reilly spielte und schrieb jedoch im Laufe der Jahre weiterhin Musik, obwohl Kölsch das Material lange Zeit nicht angehört hatte: “Ich hatte nie den Mut, es anzuhören, weil ich mich einfach zu zerbrechlich fühlte, seine Stimme anzuhören. Es ist so schwer, das durchzustehen.”

Während der Pandemie hörte sich Kölsch jedoch durch das fragmentierte Werk, das sein Vater im Laufe der Jahre produziert hatte. “Ich beschloss, die Musik meines Vaters zwanzig Jahre nach seinem Tod endlich zu veröffentlichen”, reflektiert er. “Dieses ganze Album handelt von dem Verlustprozess, welcher für mich generell eine der Hauptantriebskräfte in meinem musikalischen Leben ist. Der ganze emotionale Aspekt von dem, was ich getan habe, basierte auf dem Gefühl, dass er nicht mehr da ist.”

Auf “I Talk To Water” sind Aufnahmen von Reilly in drei Songs zu hören. Seine Gitarren ziehen nachdenklich durch “Grape”, bieten einen üppigen Melodiefaden, den Kölsch mit klickenden, treibenden Rhythmen und dröhnendem, melancholischem Bass umwickelt. “Tell Me” ist ein schönes dreiminütiges Kunstlied, eine traurig-schöne Reflexion, minimal geschmückt mit sanften Tasten und einem gedämpften Puls. Und auf dem Abschlusstrack “It Ends Where It Began” lässt Kölsch die akustische Gitarre seines Vaters im Mittelpunkt stehen, ein überraschend folkiger Klagegesang, den Reilly ursprünglich 1996 aufgenommen hatte. “Er hat es tatsächlich für mein erstes Album aufgenommen, das nie veröffentlicht wurde”, enthüllt Kölsch, “und ich hatte es ewig liegen.”

Diese drei erdachten Kollaborationen zwischen Vater und Sohn sind ausgewogen und zart. Aber ihre Beziehung prägt auch die wunderschöne Musik, die Kölsch im Rest von “I Talk To Water” geschaffen hat, angefangen bei dem nervösen, aber üppigen “Pet Sound” (benannt als Hommage an eines von Reillys Lieblingsalben), den flimmernden Synthesizern und sehnsüchtigen Vocal-Samples in “Khenpo”, den ekstatischen Erschütterungen in “Only Get Better” oder den langsamen Schwenks und subtilen Enthüllungen in “Implant”.

Es gibt auch den Titelsong, in dem Kölsch von Gast Perry Farrell (Jane’s Addiction, Porno For Pyros) begleitet wird, der ein Mantra für die innere Reflexion singt: “I talk to water / Searching for myself / Looking for answers / Oceans of you.” Farrells Auftritt bringt eine weitere Klangfarbe, einen weiteren Geist in das Album, der gut zu seinem jüngsten Interesse an elektronischer Musik passt. “Er war völlig fasziniert von der Idee, mit Wasser zu sprechen”, sagt Kölsch und denkt darüber nach, wie wir kollektiv zur Natur als Trost, Zuhörer, Führer durch die Trauer neigen, um die Gelände des Herzens zu kartieren. Diese Kartierung ist etwas, in dem Kölsch im Laufe der Jahre erstaunlich geschickt war; Tanzmusik für Körper und Geist, sowohl für das Hier und Jetzt, als auch für das Leben danach.

"History Books" ist der Titelsong des ersten Gaslight Anthem-Albums seit neun Jahren.

Bruce Springsteen begleitet sie auf dem Titelsong. "Da ist definitiv ein kleines Augenzwinkern drin", sagt Brian Fallon der Associated Press über "History Books" und fügt hinzu, dass "einige Leute uns abgeschrieben haben", weil wir so sehr nach dem Boss klingen. "Es ist wie 'Jetzt schreib das ab'," sagt er. "Wir haben die Zustimmung des Bosses!

Was wollt ihr sagen? Du darfst nichts sagen!"

"Wir wollten keine Platte machen, die sich unterschwellig anfühlt", fährt Fallon mit Blick auf das Album fort und merkt an, dass die Zeit, in der die Band getrennt war, es ihnen ermöglichte, die Sorgen zu verarbeiten, "die alten Jungs zu sein, die in der Szene spielen".

"Die E Street Band hat auch eine große Pause gemacht", sagt er über den Moment, als er Springsteen - inzwischen ein guter Freund - um Rat fragte. "

Sechs Jahre nach Ihrem Debüt und direkt nach ihrer Tournee als Special Guest für Depeche Mode erscheint mit „Navel" das langerwartete zweite HOPE Album auf Haldern Pop Recordings.

NAVEL, das zweite Album der Berliner Band Hope ist eine Übung in Verletzlichkeit. Die vier Musiker*innen wagen sich hinter den Soundwänden hervor, die sie in der Vergangenheit um sich herum errichtet hatten, und zeigen, wie sie hinter den Barrikaden sind: sanft, nah- und fehlbar.
Das hat zum einen mit einer inneren Entwicklung der Sängerin Christine Börsch-Supan zu tun und mit der sich daraus ergebenden neuen musikalischen Richtung der Band. Wo früher Wut und Wucht war, ist heute so etwas wie Ruhe. An die Stelle von Monumentalität ist Meditation getreten. Erzählte das 2017 erschienene HOPE in seinem vollkommen eigenständigen dunklen, dystopischen Noise-Sound von Zwängen, unterdrückten Gefühlen und Gewalt, stellt sich auf NAVEL nun Heilung ein. „Solace“ singt Christine Börsch-Supan mit ihrer genauso klaren wie warmen Stimme im gleichnamigen Song immer wieder: Trost, Trost, Trost.Die Sängerin, auf deren eigener Gefühlswelt die Texte der Band basieren – und damit auch ihr emotionaler Klangraum –, hat sich in den vergangenen Jahren von einer Essstörung befreit und damit von der großen Wut, der anklagenden Haltung und dem Aufbegehren, die die Musik von Hope lange bestimmten. Mit NAVEL hat die Band nun eine Art Zen-Garten errichtet. Einen offenen, auf das Maximale reduzierten, luftigen Raum, der dazu einlädt, ihn zu durchschreiten, der sich aber nicht aufdrängt – und der niemandem eine Deutung aufzwingt. Die Moog-Sounds, die zarten Gitarrenakkorde, das Schlagzeug, oft nur so auf den Fellen der Trommel gespielt, dass ein Sound entsteht, der wirkt wie elektronisch erzeugt – alles auf NAVEL ist durch die Weite bestimmt, die sich zwischen den Elementen auftut. Für NAVEL hat sich die Band von der Idee von Perfektion und Kontrolle verabschiedet und damit – schönstes Paradox – ein nahezu perfektes Stück Musik geschaffen.

"Bring us the Head" ist unsere Liebeserklärung an das Kino der Achtziger und Neunziger, mit dem wir aufgewachsen sind", weiß Sänger Jens zu berichten.

"Während der Corona-Pandemie haben wir viele dieser Streifen "wiederentdeckt". Viele werden das nachvollziehen können - man saß zu Hause, hatte ungewohnt viel Freizeit, und dank der Streaming-Dienste kam trotzdem selten Langeweile auf.

Irgendwann sprachen wir im Scherz darüber, dass es doch cool wäre, eine Platte über unsere alten Lieblingsfilme zu machen... gesagt, getan."

Fans von Streifen wie "Terminator", "Conan", "Army of Darkness" oder "Escape from New York" werden somit ihre helle Freude an dem Album haben, für dessen detailverliebtes Cover-Artwork einmal mehr Besil Wrathbone verantwortlich zeichnet. Auch eine Cover-Version des Ramones-Klassikers "Pet Sematary" nahm die Band für "Bring us the Head" auf. Jens erklärt:
"Da wir den Song seit Jahren im Live-Programm haben, und er außerdem so wunderbar ins Konzept des Albums passt, lag die Idee förmlich auf der Hand."

Der neue Langspieler wird am 27. Oktober 2023 über Reaper Entertainment in den Plattenläden aufschlagen.

Die Aucklander Chillout-Soul-Elektronik-Band LEISURE enthüllt ihr exquisites viertes Studioalbum "LEISUREVISION". Das Album wurde in den letzten 2 Jahren in ihrer Heimat Neuseeland geschrieben und produziert.

Das Album erkundet die menschliche Erfahrung und all die Hoffnung, Freude, das Chaos und die Euphorie, die damit einhergehen, während es Themen wie Wachstum, Erneuerung und Wiedergeburt aufgreift und Balance, Frieden und Gelassenheit verkörpert. Es schöpft Inspiration aus verschiedenen Epochen - von der Geschmeidigkeit
des Blue-Eyed-Soul der Siebzigerjahre bis zur romantischen Energie des frühen Achtzigerjahre Post-Disco, kombiniert mit Drum-Programmierung des Hip-Hop der Mitte der Neunzigerjahre und verankert mit dem mittlerweile signifikanten, üppigen Gitarrensound von LEISURE, der sich durch ihre Diskografie zieht.

"LEISUREVISION" enthält die Single "All the Good Times Never Die", einen hoffnungsvollen, optimistischen Track, der in Zusammenarbeit mit der Londoner Gruppe Night Tapes entstand, sowie "Back In Love", einen souligen Track über die Herausforderungen und Freuden der Elternschaft und die Bedeutung, wieder Zeit füreinander zu finden.

Jerry Leger ist ein Künstler, der von Uncut Magazine und Rolling Stone Germany gefeiert
wird und auch Lob von Kollegen wie Ron Sexsmith und Doug Paisley erhalten hat.
Auf seinem neuen Album 'Donlands' hat Leger einen anderen Ansatz gewählt und sich mit
dem legendären kanadischen Produzenten/ Toningenieur Mark Howard (Lucinda
Williams, Bob Dylan, Tom Waits, Neil Young) zusammengetan, dessen markanter
atmosphärischer Sound Leger's Herangehensweise völlig verändert hat. Das Album,
benannt nach der Straße im Osten von Toronto, in der es aufgenommen wurde, im
ehemaligen Donlands Theatre, präsentiert Jerry Leger, wie man ihn noch nie zuvor gehört
hat.
"Längst nicht mehr viele Leute machen Aufnahmen wie Mark Howard", sagt Leger.
"Nachdem ich ihm erzählt hatte, wie viel mir Tom Waits' 'Real Gone' bedeutet, bin ich
direkt in die Erfahrung eingetaucht. Wie bei all meinen Alben haben wir 'Donlands'
größtenteils live im Studio mit meiner Band The Situation Dan Mock, Kyle Sullivan, Alan
Zemaitis aufgenommen, im Kreis - ohne Kopfhörer, einfach nur Zuhören und Existieren,
Atmen als Ganzes. Für mich ist es ein Album, das in seiner eigenen Welt lebt."
'Donlands' schließt passend mit "Slow Night In Nowhere Town", in dem der Film endet und
wir aus dem Theater in einen gleichmäßigen Regen hinaustreten, unsicher, ob wir nach
Hause gehen oder einfach weitergehen sollen. Mit 'Donlands' hat er ein Album geschaffen,
das als einer der Höhepunkte in einem ohnehin schon beeindruckenden Werk steht.
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Das Country Fuzz Trio The Cadillac Three haben mit ihrem unverwechselbaren Sound einen bleibenden Eindruck bei Fans auf der ganzen Welt hinterlassen. Jetzt sind die zurück mit ihrem sechsten Studio Album „The Years Go Fast“. Ihre Genre-Fusion Tracks wurzeln in Country-Storys, Rock-Grooves und psychedelischen Jams.

„The Years Go Fast“ ist ein Statement über große Veränderungen, aber auch darüber, wie Freundschaft, Liebe und Familie Anker sind, wenn alles auseinander zu fallen beginnt.

Die Arbeit von TC3 hat dem Trio eine Reihe von Auszeichnungen eingebracht, darunter Nominierungen für den GRAMMY. Das Album „The Years Go Fast“ ist in Form einer CD und einer Vinyl erhältlich.

Die multidimensionalen Künstler:innen und Produzent:innen yeule kündigen ihr neues Album, „softscars“, an, das am 22. September 2023 über Ninja Tune erscheinen wird. „softscars“ repräsentiert eine neue Richtung für yeule, da sie weichere Texturen und körperlose Arrangements erforschen, die ihre ätherischen Vocals in den Vordergrund stellen. Das Projekt untersucht die Anatomie ihrer lang gehegten emotionalen Wunden für ihr bisher verletzlichstes Werk. Obwohl die Thematik schwer und geheimnisvoll ist, strahlt das Projekt, das von yeule und ihren Kolleg:innen Kin Leonn geschrieben und produziert wurde, mit zusätzlicher Produktion von Mura Masa und Chris Greatti (Yves Tumor, Willow Smith) ein Gefühl der freudigen Katharsis aus. Angetrieben wird das Album von yeules sich verändernden Vocals, die mit all ihren Ecken und Kanten und ihrem eindringlichen Flüstern sicherer denn je klingen und den unvollkommenen Prozess der Heilung widerspiegeln.
Das neue Album folgt auf das von der Kritik gefeiertes Album, „Glitch Princess“, aus dem Jahr 2022, das von Pitchfork mit dem Prädikat „Best New Music“ ausgezeichnet wurde und auch hierzulande sehr wohlwollend abgefeiert wurde, u.a. mit 5 von 6 Sternen im Musikexpress, mit 4 von 5 Punkten bei laut.de und 8 von 10 Punkten bei Plattentests. yeule machen sowohl Musik als auch visuelle Kunst, das Projekt wurde ins Leben gerufen, um als Portal oder Spalt zu fungieren, der es ihnen ermöglicht, ihre Kunst der Außenwelt mitzuteilen, während sie gleichzeitig in ihrer inneren Hülle geschützt sind. yeule wurde als Manifest ihrer eigenen Identitäten konstruiert, in denen sie immer Zugang zu multiplen Avataren und der Freiheit hatten, sich nach Belieben zu verändern oder zu verformen - Trost durch die Verkörperung von wandelbaren, chamäleonartigen Vielfältigkeiten.

Zwischen Indie, Post-Punk und -Hardcore verarbeiten die fünf Musiker Persönliches bis Persönlichstes mit einer Ehrlichkeit, die sich oft wie eine kalte Dusche anfühlt. Dass sich die Musik Jeannys auf Cecilia trotz kompromisslosem Sound und schonungslosen Texten dennoch nie in Aggressivität auflöst ist vor allem ihrem sensiblen Songwriting und der Trompete geschuldet, die den sanften Gegenpol zu rifflastigem Gittarenspiel und Sprech- bis Schreigesang bildet.

Nun sind sie mit verändertem Line-up (für Ken Owen kam Daniel Wilding; Amott wollte an der Reunion nicht teilnehmen) wieder da
und präsentieren mit „Surgical Steel“ ihr neues Album, das den Sound der früheren Alben perfekt zusammenfasst. Sämtliche
Schaffensphasen der Band werden erstklassig berücksichtigt, entsprechend bedient und dürften jeden Fan zufriedenstellen.

Nach dem internationalen Erfolg von "Planet" und "Letter" veröffentlicht der französische Star-Pianist Sofiane Pamart am 20. Oktober 2023 sein neues Album "Noche". Während „Planet“ eine Reise um die Welt abbildete und "Letter" ein Liebesbrief an sein Publikum war, entführt er uns auf seinem dritten Album, das komplett in Südamarika entstanden ist, in die Untiefen der Nacht. Sofiane Pamart gehört 2023 zu den zehn meist1gestreamten Künstlern klassischer Musik weltweit und verkaufte als erster Pianist überhaupt die legendäre Accor Arena Bercy aus (20 000 Zuschauer).

ICHON, der Rapper und Sänger aus Montreuil (Paris), ist mit seinem neuen Album KASSESSA zurück. Seit Pour de vrai, seinem letzten Projekt, hat der Mann, der gerne sagt, dass er "Rap singt", Paris verlassen und geniesst die Ruhe auf dem Lande. Mit seinen Produzenten Loubenski und Max Baby hat er sich auf dem Dachboden seines Hauses eingenistet.

Dort skizzierte er die Konturen seines neuen Projekts. Das Rap Grundgerüst, das er immer in sich trug, vermischte sich mit seinen melodischen und instrumentalen Inspirationen der letzten Jahre. Wut und Inbrunst mischen sich mit Melancholie, einer Form von Offenheit und dem erzählerischen Feingefühl des Künstlers. Ichon versucht nicht, die Welt zu verändern, sondern uns für die Dauer seines Albums aus ihr herauszuholen. Auf KASSESSA ist es, als ob alle Teile von Ichon endlich zusammenkommen. Er hebt ab, und nimmt uns mit.

Für sein Album "Night After Night" hat Komponisten-Star James Newton Howard acht neue konzertante Suiten auf Basis der bekanntesten Melodien seiner poetischen Soundtracks aus seinen Filmen mit Regie-Star M. Night Shyamalan geschrieben. Ein All-Star-Ensemble klassischer Solist*Innen hat die so entstandenen neuen Stücke des mit dem Grammy ausgezeichneten Komponisten in den berühmten Londoner Air Studios aufgenommen: Pianist Jean-Yves Thibaudet, Geigerin Hilary Hahn, Cellistin Maya Beiser sowie ein Session-Orchester und der Chor "The New Voice" unter der Leitung von Gavin Greenaway. Zur Gestaltung seiner neuen Suiten hat James Newton Howard zentrale Motive und Themen aus seiner Filmmusik zu "The Sixth Sense" (1999), "Unbreakable" (2000), "Signs" (2002), "The Village" (2004), "Lady in the Water" (2006), "The Happening" (2008), "The Last Airbender" (2010) und "After Earth" (2013) verarbeitet. Das Klavier steht dabei immer im Mittelpunkt. Pianist Jean-Yves Thibaudet ist auf allen Stücken zu hören. Hilary Hahn spielt die Solo-Violine, wie bereits auf dem Originalsoundtrack von 2004, in der Suite zu "The Village". Auch Maya Beiser hat das Cello bereits in der Filmmusik von "The Happening" gespielt und tut dies nun ebenfalls in der gleichnamigen Suite. "Night After Night" feiert die einzigartige Zusammenarbeit zwischen dem berühmten Filmregisseur M. Night Shyamalan und dem Emmy- und Grammy-prämierten sowie neunfach Oscar-nominierten Komponisten James Newton Howard. Eine kreative Partnerschaft, die vor einem Vierteljahrhundert während der Produktion von "The Sixth Sense" begann. M. Night Shyamalan erinnert sich, wie er schon bei der ersten Begegnung das große "Potenzial und die Begeisterung", die aus ihrer Kollaboration erwuchs, spürte. In James Newton Howard fand der Ausnahme-Regisseur einen vertrauensvollen Partner, um die passende musikalische Sprache für seine übernatürlichen Thriller zu entwickeln. "Es gab keinen festen Plan", erinnert sich M. Night Shyamalan, "im Rückblick ist seine Fähigkeit, verschiedene Genres zu verbinden, das Wichtigste. Das interessiert mich. Es gibt den Aspekt des Thrills und des Schreckens in meinen Filmen, aber genauso wichtig ist die Emotionalität. Ein Komponist muss musikalisch sehr vielseitig sein, um all diese Facetten ausdrücken zu können, und einer der wenigen Komponisten, die das können, ist James.""Night ist ein unglaublich positiver Mensch", erklärt James Newton Howard, "er hat mich immer unterstützt, wenn ich verunsichert war oder an meiner Arbeit zweifelte. Das bedeutet mir sehr viel." "Das ist keine Fassade", erwidert M. Night Shyamalan, "es kommt wirklich aus meinem Glauben an dich."

Motiviert von dem Wunsch, ihren eigenen künstlerischen Stil zu erforschen und neue Wege zu beschreiten, haben SYLVATICA ihr drittes Album mit dem Titel "Cadaver Synod" aufgenommen. Dieses Album taucht in die düsteren Geschichten des Mittelalters ein und enthält Elemente wie die eindringlichen Klänge von Kirchenorgeln, Theremin und gregorianischen Gesängen. Das Ergebnis ist eine Reihe düsterer und atmosphärischer Kompositionen, die durch den Einsatz von Hammond-Orgeln und Synthesizern bereichert werden und eine nostalgische 70er-Jahre-Stimmung mit gelegentlichen Doom-Einflüssen hervorrufen.

Die Produktion dieses Albums ist im Vergleich zu ihren früheren Werken absichtlich rauer, um die organischen und atmosphärischen Aspekte zu betonen und gleichzeitig einen spielerischen Ansatz zu verfolgen. Trotz dieser Veränderungen bleibt der unverwechselbare klassische Sound der Band erhalten, der mit einer frischen und aufregenden Wendung neu belebt wurde. Sylvatica kreiert seit 2009 fesselnde Melodien und liefert atemberaubende Soli, als die Band von einer Gruppe von Jugendfreunden gegründet wurde, die von der Folk-Metal-Bewegung der späten 2000er Jahre begeistert waren.

Die Band debütierte mit den Folk-infizierten EPs "Sagn & Sagaer" und "Mosemanden", dicht gefolgt von dem vom melodischen Death Metal inspirierten Album "Evil Seeds". Während dieser Zeit gingen sie mit bekannten dänischen Folk-Metal-Bands auf Tournee.

Auf ihrem umfangreichen neuen Album "Water Made Us" stellt die Chicagoer Musikerin und Dichterin Jamila Woods die Frage, was es bedeutet, sich der Liebe voll und ganz hinzugeben. Auf "Water Made Us" umarmt Jamila neue Genres, verspielte Melodien und hypnotisierende Wortspiele, während sie durch die berauschenden Turbulenzen von Liebeswracks und Zuflucht watet. Während Jamila auf "HEAVN" (2017) ihre Community innerhalb der schwarzen feministischen Bewegung feierte und auf "Legacy! Legacy!" (2019) ihre Lebenserfahrungen durch die Geschichten schwarzer und brauner Künstlerinnen und Künstler verarbeitete, ist "Water Made Us" eine völlig neue Art der Selbstoffenbarung und damit ihr bisher persönlichstes Album. "Water Made Us", das sie zusammen mit dem in LA ansässigen Produzenten McClenney aufgenommen hat und auf dem langjährige Freunde aus Chicago wie Saba und Peter CottonTale zu hören sind, ist ein weitläufiges und intimes Porträt der Selbstreflexion, das geschickt die verschiedenen Phasen einer Beziehung widerspiegelt: Die Anfänge, in denen man leicht Kompromisse eingeht, kokettiert und Spaß hat; das vorsichtige Aushandeln von Momenten des Konflikts oder der Verletzung; die Trauer über etwas Verlorenes; und die zärtliche Erkenntnis am Ende von allem, dass die Person, die gegangen ist, einen nie wirklich verlässt, sondern bei einem bleibt, während man bereit ist, es noch einmal zu versuchen, erfrischt und beruhigt. Der Titel des Albums - eine Zeile aus dem Highlight des Albums "Good News" - ist eine subtile Anspielung auf das berühmte Toni-Morrison-Zitat "All water has a perfect memory and is forever trying to get back to where it was". Es ist dieses Gefühl - der Erinnerung, des Ortes und der Rückkehr - das als Pfeiler für den Bogen des Albums dient. "Water Made Us" erinnert uns daran, dass die Liebe im besten Fall ein warmer, stiller Ozean ist. Tief, schimmernd und endlos in seinem Wunder. Und im schlimmsten Fall kann die Liebe ein reißender Strom sein, der uns so weit von uns selbst entfernt, dass wir kaum den Weg zurückfinden, ja nicht einmal mehr wissen, wie wir schwimmen sollen. Und doch ergibt sich Jamila dieser Brandung - jeder Welle und jedem Sog - weil vielleicht sogar die schmerzhaftesten Enden eine Einladung sein können, die sie zurück nach Hause ruft, zurück ans Ufer, zurück zu sich selbst.

Auf ihrem umfangreichen neuen Album "Water Made Us" stellt die Chicagoer Musikerin und Dichterin Jamila Woods die Frage, was es bedeutet, sich der Liebe voll und ganz hinzugeben. Auf "Water Made Us" umarmt Jamila neue Genres, verspielte Melodien und hypnotisierende Wortspiele, während sie durch die berauschenden Turbulenzen von Liebeswracks und Zuflucht watet. Während Jamila auf "HEAVN" (2017) ihre Community innerhalb der schwarzen feministischen Bewegung feierte und auf "Legacy! Legacy!" (2019) ihre Lebenserfahrungen durch die Geschichten schwarzer und brauner Künstlerinnen und Künstler verarbeitete, ist "Water Made Us" eine völlig neue Art der Selbstoffenbarung und damit ihr bisher persönlichstes Album. "Water Made Us", das sie zusammen mit dem in LA ansässigen Produzenten McClenney aufgenommen hat und auf dem langjährige Freunde aus Chicago wie Saba und Peter CottonTale zu hören sind, ist ein weitläufiges und intimes Porträt der Selbstreflexion, das geschickt die verschiedenen Phasen einer Beziehung widerspiegelt: Die Anfänge, in denen man leicht Kompromisse eingeht, kokettiert und Spaß hat; das vorsichtige Aushandeln von Momenten des Konflikts oder der Verletzung; die Trauer über etwas Verlorenes; und die zärtliche Erkenntnis am Ende von allem, dass die Person, die gegangen ist, einen nie wirklich verlässt, sondern bei einem bleibt, während man bereit ist, es noch einmal zu versuchen, erfrischt und beruhigt. Der Titel des Albums - eine Zeile aus dem Highlight des Albums "Good News" - ist eine subtile Anspielung auf das berühmte Toni-Morrison-Zitat "All water has a perfect memory and is forever trying to get back to where it was". Es ist dieses Gefühl - der Erinnerung, des Ortes und der Rückkehr - das als Pfeiler für den Bogen des Albums dient. "Water Made Us" erinnert uns daran, dass die Liebe im besten Fall ein warmer, stiller Ozean ist. Tief, schimmernd und endlos in seinem Wunder. Und im schlimmsten Fall kann die Liebe ein reißender Strom sein, der uns so weit von uns selbst entfernt, dass wir kaum den Weg zurückfinden, ja nicht einmal mehr wissen, wie wir schwimmen sollen. Und doch ergibt sich Jamila dieser Brandung - jeder Welle und jedem Sog - weil vielleicht sogar die schmerzhaftesten Enden eine Einladung sein können, die sie zurück nach Hause ruft, zurück ans Ufer, zurück zu sich selbst.

Mit ausladenden Studioalben und fesselnden Live-Shows haben Spurv in den letzten zehn Jahren einen unauslöschlichen Eindruck in der internationalen Post-Rock-Szene hinterlassen. Das norwegische Sextett hat bisher drei herausragende Alben veröffentlicht, aber ihr neues Album Brefjære eröffnet eine völlig neue Dimension in Bezug auf Komposition, Musikalität, Umfang und Produktion. Brefjære verbindet die orchestrale Erhabenheit von MONO mit den wehmütigen Texturen von This Will Destroy You und der skandinavischen Mystik von Sigur Ro's. Ein Oratorium für eine verzweifelte Welt, mit dem Spurv die Grenzen von Symphonic Rock und Post-Rock neu definieren und Schönheit und Trost in der Schnittmenge von Zeit, Natur, Geschichte und Menschlichkeit finden.Als Sammlung von vier Monologen ist Brefjære weniger eine Konversation im Sinne eines Satzaustauschs als vielmehr eine Konversation im akademischen Sinne, bei der das Gespräch im Austausch von Ideen stattfindet. In acht Liedern halten die vier Figuren, die von Chören oder Solisten dargestellt werden, jeweils einen eigenen Monolog in norwegischer Sprache, in dem sie in reicher Poesie sowohl ihre eigene Realität als auch ihre wechselseitigen Beziehungen kommentieren. Von der Zerbrechlichkeit der Motte, die mit dem Wind tanzt, bis zur Birke, die ihren Durst in den Tiefen des Berges löscht, wird ein dynamisches Gefühl für sich verändernde Zeitskalen und Beziehungen vermittelt, das sich in der Musik widerspiegelt.Von seiner makellosen Konzeption während eines ahnungslosen Blicks aus dem Fenster bis hin zum umfassenden Entstehungsprozess ist Brefjære ein Kunstwerk, das das Zeitliche und das Ewige sowohl in der Musik als auch in der Poesie zusammenbringt und die universelle Wahrheit offenbart, dass wir alle gleichermaßen ewig und ebenso vergänglich sind. Von den bescheidenen Solo-Gesangsdarbietungen gegen die riesigen dröhnenden Noten von "Under himmelhelvingen" und "A° vente er a° endre" bis zu den herrlichen himmlischen Melodien von "Som skyer" und "Til en ny va°r" berührt Brefjære flüchtig und ewig jene unvergängliche Qualität, die Spurv mit ihrer Musik unbedingt erreichen wollen. Eine klangliche Saga für die Ewigkeit. Ltd Single Gold Colour (XXI Edition), Gatefold sleeve printed on mat all black-died special fibrous paper with a gold foil embossing.

Die legendäre Band "In Strict Confidence" läutet das gruseligste Datum des Jahres mit einem musikalischen Meisterwerk ein! Am Freitag dem 13. Oktober, veröffentlichen sie eine ganz besondere Kollektion, die ihre größten Hits in einem völlig neuen Licht erstrahlen lässt. Das Besondere daran? Alle Songs wurden komplett neu in einem faszinierenden orchestralen Filmmusik-Soundtrack aufgenommen. Klar erkennbar und doch in einer monumentalen Sinfonie neu erschaffen. "Zauberschloss", "Seven Lives", "Morpheus" oder "Forbidden Fruit" sind nur einige der Klassiker, die seit Jahren fest verankert in der Szene und bei den Fans sind. Als Bonus findet man auf der zweiten CD das komplette Werk nochmal als instrumentale Version, was einen weiteren Hörgenuss bietet. Insgesamt kommen so 24 Tracks hervor, die ein musikalisches Erlebnis und ein Muss für jeden Fan und Liebhaber von packender Musik sind.
Zwei Wochen zuvor, am 29. September wird das erste Video dazu veröffentlicht. Dabei handelt es sich um eine neue, beeindruckende Version des bei vielen Fans der ersten Stunde als "all-time-favorite" geltenden Songs "Zauberschloss". Dieser Vorgeschmack auf das kommende "Best of"-Album verspricht, die Herzen der treuen Anhänger von "In Strict Confidence" höher schlagen zu lassen.
Save the dates: Fr. 29. September für "Zauberschloss" und Fr. 13. Oktober 2023 für das epische "Mechanical Symphony"-Album als Doppel-CD, Doppel-Vinyl im Gatefold Cover!

Wien, Porgy&Bess. Am vorletzten Tag des letzten Vor-CoronaJahres stehen, singen, jubeln, shaken wir, dichtgedrängt. Wir wissen nicht, dass es, für eine gefühlte Ewigkeit, das letzte Mal ist. Fast forward: Kaum 19 Monate später…

Alle – Ausführende und Zuhörende und Veranstaltende – haben die erste Covid-Krise hinter sich. Und irgendwie spüren wir das aus diesem live-Mitschnitt heraus. Die Energie ist nicht ungebrochen, aber unbeugsam. Die Spielfreude ist nicht versiegt, aber mit ein paar melancholischen Pinselstrichen ein wenig dunkel gefärbt. Es wird mit einem lauten „trotzdem!" musiziert. Die ursprünglichen Qualitäten des Projektes sind durch die Erfahrungen der vergangenen Monate noch gereift.

Der Vorhang hebt sich wie zu einem düsteren Kriminalfilm, ein exquisiter roter Teppich wird ausgerollt, bevor das Manifest der Achterl erklingt, wovon sie singen wollen und wovon nicht, wie sie leben und sterben wollen.

JOACHIM WITT ist eine Lichtgestalt der deutschen Kulturszene. Seit über 40 Jahren steht der erfolgreiche Musiker auf der Bühne. In diesen Jahrzehnten hat er eine enorme Wandelbarkeit bewiesen. 17 Alben veröffentlichte Joachim Witt seit 1980. Beginnend mit "Silberblick" und der Auskopplung "Der Goldene Reiter" (Gold-Status) in der Zeit der NDW, über das 1998 erschiene Comeback-Erfolgsalbum "Bayreuth I", das Platin Status erreichte, bis "DOM" in 2012 mit der Singlekopplung "Gloria" und dem kontrovers diskutierten Video, seinen Auftritten beim Wacken Open-Air oder auch seiner jüngst entdeckten TikTok-Karriere: Der 74-Jährige gebürtige Hamburger ist ein Garant für Vielseitigkeit, Genre Wechsel und Stil-Mischungen.

Sein neues Album trägt den Titel "Der Fels in der Brandung" . Keine Metapher passt zu JOACHIM WITT persönlich besser: Der Ausnahmekünstler hat im Laufe seines Lebens immer wieder Veränderungen unternommen, unzählige Herausforderungen gemeistert, Höhen und Tiefen durchlebt und dabei seine künstlerische
Integrität fortwährend bewahrt.

JOACHIM WITT nimmt sich immer wieder neuer Visionen an und verwirklicht diese konsequent.

"Der Fels in der Brandung" ist ein Album, das seine Zuhörer auf vielen Ebenen überraschen wird. In enger Zusammenarbeit mit dem Flensburger Gold-Produzenten Hardy Krech (Elephant Music), hat JOACHIM WITT wieder einen neuen und eigenen Sound kreiert, der seine Stärken und seine Botschaften in eindrucksvoller Weise mit elektronischen Klängen und Gitarrenmelodien verwebt

"Ethik" kann man getrost als das bislang facettenreichste, modernste und frischeste ARTEFUCKT Album beschreiben. Ehrlich, echt und authentisch, wie bisher jedes Album der 2015 von André Doney in Rheinberg gegründeten Band.

Die Vorproduktion zu "Ethik" begann Anfang diesen Jahres. Durch den plötzlichen Tod des Schlagzeugers Uli wurde diese jedoch unterbrochen, da emotional vorerst nicht an eine Weiterarbeit zu denken war.
Nach der Beisetzung schrieb André in Gedenken den Song "Abendmahl", welch half die emotionale Brücke zu überwinden und die Arbeit am neuen Album wieder aufzunehmen.
"Ethik" entstand schließlich ab Juni diesen Jahres im "Illuminiated Music Studio" des Produzenten Jörg Wartmann, und dem "Soundart Recording Studio" von Alexander Lysjakow. Im letzteren wurden unter anderem die Drums eingespielt. Diesen Part übernahm nach Ulis Tod Martin Winde.
Wie auch alle bisherigen ARTEFUCKT Alben spiegelt auch "Ethik" quasi einen Lebensabschnitt, verarbeitet erlebtes, reflektiert, schaut nach vorn, träumt, lacht, weint, liebt, hasst, teilt aus, steckt ein, erfreut, trauert, macht Mut…steckt einfach voller Emotionen und Leben.

Claudia Koreck liefert den Soundtrack des Jahres:
Wie verändern sich Stimmungen, Umgebung, Landschaft und die ganz eigene Wahrnehmung im Wandel der Monate?
Claudia Koreck hat sich bei ihrem neusten musikalischen Projekt auf genau diese Suche begeben.

Herausgekommen ist eine Art musikalischer 'Kalender' mit 12 abwechslungsreichen Songs bei denen Claudia Koreck ihre gesamte musikalische Bandbreite entfaltet.
Parallel erscheinen auf dem Youtube Channel der Künstlern monatlich die dazugehörigen Videos.

Die multidimensionalen Künstler:innen und Produzent:innen yeule kündigen ihr neues Album, „softscars“, an, das am 22. September 2023 über Ninja Tune erscheinen wird. „softscars“ repräsentiert eine neue Richtung für yeule, da sie weichere Texturen und körperlose Arrangements erforschen, die ihre ätherischen Vocals in den Vordergrund stellen. Das Projekt untersucht die Anatomie ihrer lang gehegten emotionalen Wunden für ihr bisher verletzlichstes Werk. Obwohl die Thematik schwer und geheimnisvoll ist, strahlt das Projekt, das von yeule und ihren Kolleg:innen Kin Leonn geschrieben und produziert wurde, mit zusätzlicher Produktion von Mura Masa und Chris Greatti (Yves Tumor, Willow Smith) ein Gefühl der freudigen Katharsis aus. Angetrieben wird das Album von yeules sich verändernden Vocals, die mit all ihren Ecken und Kanten und ihrem eindringlichen Flüstern sicherer denn je klingen und den unvollkommenen Prozess der Heilung widerspiegeln.
Das neue Album folgt auf das von der Kritik gefeiertes Album, „Glitch Princess“, aus dem Jahr 2022, das von Pitchfork mit dem Prädikat „Best New Music“ ausgezeichnet wurde und auch hierzulande sehr wohlwollend abgefeiert wurde, u.a. mit 5 von 6 Sternen im Musikexpress, mit 4 von 5 Punkten bei laut.de und 8 von 10 Punkten bei Plattentests. yeule machen sowohl Musik als auch visuelle Kunst, das Projekt wurde ins Leben gerufen, um als Portal oder Spalt zu fungieren, der es ihnen ermöglicht, ihre Kunst der Außenwelt mitzuteilen, während sie gleichzeitig in ihrer inneren Hülle geschützt sind. yeule wurde als Manifest ihrer eigenen Identitäten konstruiert, in denen sie immer Zugang zu multiplen Avataren und der Freiheit hatten, sich nach Belieben zu verändern oder zu verformen - Trost durch die Verkörperung von wandelbaren, chamäleonartigen Vielfältigkeiten.

Vielleicht ist es Dir gar nicht bewusst, aber irgendwann, an einem beliebigen Tag, in einer beliebigen Woche oder in einem beliebigen Monat, hast Du die Musik von Trevor Rabin gehört. Vielleicht war es im Radio, als einer der größten Rockhits aller Zeiten, "Owner of a Lonely Heart" von Yes, gespielt wurde, oder auf einem seiner mehr als 100 Film- oder TV-Soundtracks, oder sogar als Titelmelodie für NBA-Basketball auf TNT. Jetzt kehrt er mit "Rio" zurück, seinem ersten Soloalbum mit Gesang seit "Can't Look Away" von 1989. Es ist ein Meisterwerk der Ideenfindung in Kombination mit unbändigem musikalischem Können, und Rabins Fähigkeiten als musikalischer Geschichtenerzähler sind allgegenwärtig. Es ist ein Album voller Überraschungen, großartiger Melodien, dramatischer Veränderungen und unglaublicher Musikalität.Erhältlich als Ltd CD+Blu-ray Mediabook & Ltd Deluxe Gatefold Red 180g 2LP + Blu-ray (inklusive 8-seitigem LP-Booklet), beide mit Bonusmaterial, 5.1 Surround Sound & Liner Notes. Auch erhältlich als Standard CD Jewelcase, Gatefold 180g Black 2LP+LP-Booklet, Ltd Gatefold Transparent Sun Yellow 180g 2LP+LP-Booklet und als Digital Album.

Ursprünglich von der Sängerin und Multi-Instrumentalistin Cathy Lucas im Jahr 2015 gegründet, ist VANISHING TWIN nach einer Reihe von Besetzungswechseln nun das eingespielte Kollektiv aus Lucas, der Schlagzeugerin Valentina Magaletti und dem Bassisten Susumu Mukai. Mit den unterschiedlichen Hintergründen und Berührungspunkten ihrer Mitglieder - Lucas' linkes Songhandwerk, Magalettis einzigartige Herangehensweise an der Perkussion und Mukais lange Erfahrung in der Produktion elektronischer Musik - hat die Band seit 2016 auf fast einem Dutzend Veröffentlichungen einen hypnotischen Sound an der Schnittstelle von Minimalismus, Kosmischer Musik, Post-Punk und traumbeladenem, psychedelischem Pop entwickelt. "Afternoon X" zeigt VANISHING TWIN inmitten einer ausgeprägten kreativen Veränderung, in der jedes Mitglied weniger definierte Rollen übernahm und einen kollaborativen Ansatz verfolgte, der eher an die Arbeit dreier Co-Produzenten als an die einer Band erinnert. Das Album, das Ende 2022/Anfang 2023 aufgenommen wurde, ist das Ergebnis einer Reihe von Marathon-Aufnahmesitzungen, an denen das Trio in verschiedenen Konfigurationen teilnahmen. Mit einer spielerischen Balance aus Humor und Strenge, bei der jedes Mitglied die Rolle des Multiinstrumentalisten und den Prozess über das Ergebnis stellt, setzt "Afternoon X" den Weg der Erkundung fort, der ihre letzten Veröffentlichungen bestimmt hat. Metronomische, zyklische Patterns und pulsierenden Basslinien bilden nach wie vor das Herzstück ihres Sounds, aber diese verwurzelten Rhythmen ergeben nun die Grundlage für das Streben nach einer größeren klanglichen und strukturellen Bandbreite. Somit begeben sich VANISHING TWIN auf eine neue, facettenreiche Reise, die in ihrer Gesamtheit ihr bisher spannendstes Werk veröffentlichen.

Vielleicht ist es Dir gar nicht bewusst, aber irgendwann, an einem beliebigen Tag, in einer beliebigen Woche oder in einem beliebigen Monat, hast Du die Musik von Trevor Rabin gehört. Vielleicht war es im Radio, als einer der größten Rockhits aller Zeiten, "Owner of a Lonely Heart" von Yes, gespielt wurde, oder auf einem seiner mehr als 100 Film- oder TV-Soundtracks, oder sogar als Titelmelodie für NBA-Basketball auf TNT. Jetzt kehrt er mit "Rio" zurück, seinem ersten Soloalbum mit Gesang seit "Can't Look Away" von 1989. Es ist ein Meisterwerk der Ideenfindung in Kombination mit unbändigem musikalischem Können, und Rabins Fähigkeiten als musikalischer Geschichtenerzähler sind allgegenwärtig. Es ist ein Album voller Überraschungen, großartiger Melodien, dramatischer Veränderungen und unglaublicher Musikalität.Erhältlich als Ltd CD+Blu-ray Mediabook & Ltd Deluxe Gatefold Red 180g 2LP + Blu-ray (inklusive 8-seitigem LP-Booklet), beide mit Bonusmaterial, 5.1 Surround Sound & Liner Notes. Auch erhältlich als Standard CD Jewelcase, Gatefold 180g Black 2LP+LP-Booklet, Ltd Gatefold Transparent Sun Yellow 180g 2LP+LP-Booklet und als Digital Album.

Vielleicht ist es Dir gar nicht bewusst, aber irgendwann, an einem beliebigen Tag, in einer beliebigen Woche oder in einem beliebigen Monat, hast Du die Musik von Trevor Rabin gehört. Vielleicht war es im Radio, als einer der größten Rockhits aller Zeiten, "Owner of a Lonely Heart" von Yes, gespielt wurde, oder auf einem seiner mehr als 100 Film- oder TV-Soundtracks, oder sogar als Titelmelodie für NBA-Basketball auf TNT. Jetzt kehrt er mit "Rio" zurück, seinem ersten Soloalbum mit Gesang seit "Can't Look Away" von 1989. Es ist ein Meisterwerk der Ideenfindung in Kombination mit unbändigem musikalischem Können, und Rabins Fähigkeiten als musikalischer Geschichtenerzähler sind allgegenwärtig. Es ist ein Album voller Überraschungen, großartiger Melodien, dramatischer Veränderungen und unglaublicher Musikalität.Erhältlich als Ltd CD+Blu-ray Mediabook & Ltd Deluxe Gatefold Red 180g 2LP + Blu-ray (inklusive 8-seitigem LP-Booklet), beide mit Bonusmaterial, 5.1 Surround Sound & Liner Notes. Auch erhältlich als Standard CD Jewelcase, Gatefold 180g Black 2LP+LP-Booklet, Ltd Gatefold Transparent Sun Yellow 180g 2LP+LP-Booklet und als Digital Album.

Die schwedische Band Samling wird im Herbst 2023 ihr viertes Album mit dem Titel "Autisten" auf dem Berliner Label Robotor Records der deutschen Rockband Kadavar veröffentlichen. Das Album verspricht eine Fülle abwechslungsreicher Tracks voller Melodien und Hooklines.
Samling ist die Idee des Singer-Songwriters Max Groundstroem, dessen Mix aus Pop, Rock und schwedischer Neo-Psychedelia ihnen einen Platz in der skandinavischen Musikszene eingebracht hat. Die Musik ist für ihre großartigen Hooklines, Melodien und Grooves bekannt und nutzt oft Humor, um Gefühle der Isolation und Entfremdung lyrisch auszudrücken.
Das neue Album "Autisten" wurde über einen Zeitraum von fünf Jahren produziert, was einen starken Einfluss auf den Gesamtklang und das Feeling der Platte hatte. Mit der Zeit kommen auch Veränderungen und neue Erfahrungen, die verwirrend sein können, wenn das Ziel ein klanglich und textlich konsistentes Album ist. Doch durch die Erkenntnis, dass die Songs ihre eigene Persönlichkeit haben werden, entstand ein Gefühl der Befreiung, das es Max ermöglichte, ein breiteres Spektrum an Songs und Genres kreativ zu erkunden.

- Ltd. Col. LP: (Colour In Colour Blue Transparent Vinyl)

Neil Gust und Elliott Smith kamen im Sommer 1991 gemeinsam nach Portland, OR, um mit dem Schlagzeuger/Produzenten Tony Lash eine neue Band zu gründen. Innerhalb eines Jahres, nachdem sie den Bassisten Brandt Peterson am Bass kennengelernt hatten, spielten sie an der gesamten Westküste und nahmen Dutzende von Songs für ihre erste LP auf. Sechs dieser Stücke wurden auf der Kassette "The Music of Heatmiser" veröffentlicht, die bei Konzerten und in örtlichen Plattenläden verkauft und an Plattenlabels verteilt wurde. Der Sound der Band hat sich im Laufe von 3 LPs stark verändert, aber das hier ist Heatmiser direkt "in your face".

Neu, energiegeladen, aufgeregt, sich schnell durch die Stile bewegend, total kaputt und auf jede erdenkliche Weise funktionierend.

Was auch immer möglich ist. Es ist Gitarrenrock, mit voller Wucht, durch 100 Watt Marshall-Halfstacks, als Grunge im pazifischen Nordwesten aufkam und die Szene in Portland explodierte.Schnell, tight, laut, lustig.

Die Könige des holländischen Black Metal Salacious Gods, die einst verloren und vergessen schienen, kehren mit ihrem magnum magistralis zurück!

Black Metal, wie er gedacht war: rein, schnell, intensiv und voller Hass!"Oalevluuk" hat eine so große und vielschichtige Bedeutung für Salacious Gods als Band und für die einzelnen Mitglieder, dass das Album nur für sich selbst sprechen kann. Es fängt die Mühen und die Ausdauer ein, die die Band aufbringen musste, um dieses Stück purer, ritueller Dunkelheit zu vollenden.Nach der Veröffentlichung des Vorgängeralbums "Piene" im Jahr 2005 hatten Salacious Gods ein neues Album geschrieben und im Jahr 2006 fertig aufgenommen. Das Material wurde auf die altmodische Art und Weise geschrieben: im Proberaum.

Doch nach einer Phase der Selbstreflexion und Selbstgeißelung wurde das neue Material als mehr vom Gleichen und nicht dem Standard der Band entsprechend angesehen. Aufgrund von Veränderungen im Schreibprozess und einer sich ständig weiterentwickelnden Denkweise, brach die Band zu neuen Horizonten auf, sowohl musikalisch als auch textlich. Das neue "Oalevluuk" Material wurde 2008 geschrieben und perfektioniert. Der Aufnahmeprozess begann kurz darauf. Doch zu diesem Zeitpunkt begannen die ersten ominösen Anzeichen des alten Fluchs ("Oalevluuk") ihr Haupt zu erheben.

'Imagination Is A Weapon' lautet der Slogan des neuen GUNSHIP Albums. Diese Aussage fasst das Kernthema ihrer dritten Platte zusammen. GUNSHIP lädt seine Zuhörer ein, die Macht der Vorstellungskraft zu feiern und sich auf die Suche nach dem Einhorn in ihrem eigenen Leben zu begeben. Taucht schwelgend ein in die Fantasie – findet Euer Einhorn. Die entschlossenen Träumer werden die Welt verändern, wenn ihre Visionen in die Realität umgesetzt werden. Mit ihrem dritten Album UNICORN sprengen GUNSHIP weiterhin die Grenzen des Synthwave-Genres. Zu den besonderen Gästen zählen: John Carpenter, Gavin Rossdale (Bush), Dave Lombardo (Slayer), Carpenter Brut, Timmy Cappello (Lost Boys), Health, Tyler Bates (John Wick, Guardians Of The Galaxy), Lights, Power Glove, Charlie Simpson, Britta Phillips (Jem) und Milkie Way (Wargasm).

'Imagination Is A Weapon' lautet der Slogan des neuen GUNSHIP Albums. Diese Aussage fasst das Kernthema ihrer dritten Platte zusammen. GUNSHIP lädt seine Zuhörer ein, die Macht der Vorstellungskraft zu feiern und sich auf die Suche nach dem Einhorn in ihrem eigenen Leben zu begeben. Taucht schwelgend ein in die Fantasie – findet Euer Einhorn. Die entschlossenen Träumer werden die Welt verändern, wenn ihre Visionen in die Realität umgesetzt werden. Mit ihrem dritten Album UNICORN sprengen GUNSHIP weiterhin die Grenzen des Synthwave-Genres. Zu den besonderen Gästen zählen: John Carpenter, Gavin Rossdale (Bush), Dave Lombardo (Slayer), Carpenter Brut, Timmy Cappello (Lost Boys), Health, Tyler Bates (John Wick, Guardians Of The Galaxy), Lights, Power Glove, Charlie Simpson, Britta Phillips (Jem) und Milkie Way (Wargasm).