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Particle Audio was created by Viels to express his musical vision without compromises.

The first release explores his deeper and classic vision of techno focusing on simplicity and unique sound design shaped by the natural evolution of electronic music.

First solo release from the label owner Viels that delivers four hypnotic, peaktime and raw techno tracks describing his style with accurate textures and the presence of unmistakable mental sounds.

***
we will wait
and
wait
in that space.
***

purple marbled vinyl

After the success of his Pure Coincidence EP in 2020 it's finally time for the return of our Italian wonderboy Viels with a bangin' new EP, called "Distorted Reality EP".

Delivering 4 proper club bangers made to set every dancefloor on fire. His drums and his mind can be distorted sometimes, but his visions are clear and could slowly become reality. His sound can be dystopic, but still filled with energetic patterns which are constantly evolving. This man is making moves and we are thrilled to have him back on the label again.

Make sure you play this loud!

Viels debut on Attic Music.

Acid Techno Ltd pressing 50 copies..

Marking its ten-year anniversary Dynamic Reflection is set to release Continuum, a collection of five uniquely intertwined EP's. The special series commemorates the label's roots, evolution and establishment and honors its residents and friends. The Continuum-series will feature twenty exclusive tracks. The EP's Sonos, Magno Hyacinthum, Fluctus, Luna Frigus and Terra Nova are planned as part of Continuum. Individually each will pay tribute to four distinct artists that have inspired and shaped the sound of Dynamic Reflection. Collectively they become the articulation of a decade of techno.

Featuring tracks from Shomo, VRIL, Luigi Tozzi and Delta Funktionen, Sonos represents the third planet in the Continuum-constellation, consisting of five exclusive releases in celebration on the 10th anniversary of Dynamic Reflection.

Das im März 1983 veröffentlichte Album *Magical Ring* ist das siebte Studioalbum der irischen FolkGruppe Clannad und markiert einen entscheidenden Wendepunkt in der Entwicklung der Band – weg
vom traditionellen keltischen Folk hin zu jenem atmosphärischen Klang, der später einen Großteil ihres
internationalen Erfolgs ausmachen sollte. Das Album verbindet Lieder in irischer Sprache, traditionelle
Melodien und eine moderne Produktion zu einem facettenreichen und stimmungsvollen Hörerlebnis.
Der herausragende Titel des Albums, das eindringliche „Theme from Harry’s Game“, entwickelte sich
zu Clannads Durchbruchshit; er erreichte Platz 5 der britischen Single-Charts und machte ein breiteres
Publikum mit dem unverwechselbaren Sound der Band bekannt.
Zu den weiteren bemerkenswerten Stücken zählen „Newgrange“ – ein bei Fans beliebter Song, der den
ätherischen Gesang und die vielschichtigen Arrangements der Band zur Geltung bringt – sowie „I See
Red“, eine seltene Coverversion, die ebenfalls als Single in die Charts gelangte. Das Album selbst erreichte
Platz 26 der britischen Album-Charts; es war Clannads erster großer kommerzieller Erfolg und legte den
Grundstein für spätere Klassiker wie *Legend* und *Macalla*.

Nach seinem vielbeachteten Album My American Story – North setzt Starpianist Daniil Trifonov seine Reise
durch die Amerikas fort. Mit Mi Historia Americana – Sur richtet er den Blick auf Südamerika und die
Karibik mit einem Programm, das beliebtes Repertoire des Kontinents mit neuen Entdeckungen Trifonovs
verbindet.
Zu hören sind unter anderem Klavierwerke von Gabriela Lena Frank, Ginastera, Guarnieri, Lecuona und
Villa-Lobos, dazu Trifonovs eigener Tango. Zwei orchestrale Werke mit dem São Paulo Symphony Orchestra erweitern das Album um Ary Barrosos populäres Aquarela do Brasil und die Weltersteinspielung von
Osvaldo Golijovs farbenprächtigen Cuadros del Sur.
Dabei spannt Trifonov einen Bogen von Brasilien über Kuba und die Dominikanische Republik bis nach
Peru und Argentinien und formt daraus ein vielschichtiges musikalisches Panorama. Zugleich gewinnt das
Album durch Trifonovs enge Verbindung zur Region eine persönliche Dimension, die dieser musikalischen
Entdeckungsreise besondere Bedeutung verleiht.

Nach seinem vielbeachteten Album My American Story – North setzt Starpianist Daniil Trifonov seine Reise
durch die Amerikas fort. Mit Mi Historia Americana – Sur richtet er den Blick auf Südamerika und die
Karibik mit einem Programm, das beliebtes Repertoire des Kontinents mit neuen Entdeckungen Trifonovs
verbindet.
Zu hören sind unter anderem Klavierwerke von Gabriela Lena Frank, Ginastera, Guarnieri, Lecuona und
Villa-Lobos, dazu Trifonovs eigener Tango. Zwei orchestrale Werke mit dem São Paulo Symphony Orchestra erweitern das Album um Ary Barrosos populäres Aquarela do Brasil und die Weltersteinspielung von
Osvaldo Golijovs farbenprächtigen Cuadros del Sur.
Dabei spannt Trifonov einen Bogen von Brasilien über Kuba und die Dominikanische Republik bis nach
Peru und Argentinien und formt daraus ein vielschichtiges musikalisches Panorama. Zugleich gewinnt das
Album durch Trifonovs enge Verbindung zur Region eine persönliche Dimension, die dieser musikalischen
Entdeckungsreise besondere Bedeutung verleiht.

yeule ist das Soloprojekt von Nat Cmiel, deren Musik elektronische Klänge mit atmosphärischem Pop und experimentellen Elementen verbindet. Geprägt von einer nomadischen Kindheit und ihrer Arbeit als bildende Künstlerin entstehen persönliche, vielschichtige Kompositionen zwischen Intimität und digitaler Klangwelt. Ihr Debütalbum ,Serotonin II" vereint Synthesizer, elektronische Texturen und emotionale Songwriting-Ansätze zu einem verträumten, melancholischen Sound, der yeules charakteristischen Stil prägt.

Mit Glimmerence veröffentlicht die Berliner Sängerin und Songwriterin Mirna Bogdanovic ihr drittes Album - eine eindringliche Sammlung poetischer Songs zwischen Jazz, Art-Pop und emotionalem Storytelling. Der eigens geprägte Titel beschreibt einen Schwebezustand zwischen Liebe und Illusion und bildet den roten Faden dieser zutiefst persönlichen Musik. Gemeinsam mit einigen der profiliertesten Musiker der Berliner Jazzszene entstehen fein nuancierte Klangwelten, in denen Stimme, Text und Arrangement untrennbar miteinander verschmelzen. Bogdanovic verbindet vokale Ausdruckskraft mit erzählerischer Tiefe und macht jeden Song zu einer atmosphärischen Momentaufnahme voller Nähe und Intensität. Mit einer eindrucksvollen Neuinterpretation von Chris Isaaks "Wicked Game" setzt das Album einen kraftvollen Schlusspunkt. Glimmerence ist ein vielschichtiges, emotionales Werk über Sehnsucht, Verletzlichkeit und Selbstermächtigung - und ein starkes Statement einer der spannendsten Stimmen des zeitgenössischen europäischen Jazz.

Mit A Kind Wave präsentiert Kid Francescoli sein bislang persönlichstes und klanglich vielseitigstes Album. Als zusammenhängende emotionale Reise erzählt das Werk von Liebe, Heimatgefühl, unvergesslichen Sommern, Fernweh und Heilung.

Zwischen Pop, Bossa Nova, Dance und cineastischen Klangwelten entstehen atmosphärische Songs, bereichert durch die Mitwirkung von Andréa, DEMIGOD und Samantha Alma Real. Begleitet von einer europäischen Tournee mit über 50 Konzerten unterstreicht A Kind Wave eindrucksvoll die künstlerische Reife des französischen Musikers.

Mit My Mother's Name veroffentlichen Nive Nielsen & The Deer Children am 9. Oktober 2026 ihr erstes Album seit zehn Jahren. Die in Nuuk geborene gronlandisch-inuitische Musikerin zahlt zu den pragenden Stimmen einer zeitgenossischen Folk- und Songwriter-Generation, die kulturelle Identitat, personliche Geschichten und moderne Klangasthetik miteinander verbindet. Das neue Album bewegt sich zwischen akustisch gepragtem Songwriting, feinen elektronischen Elementen und einer vielschichtigen Instrumentierung, die auch traditionelle gronlandische Einflusse einbezieht. Thematisch stehen Fragen von Herkunft, Selbstverstandnis und Zugehorigkeit im Mittelpunkt. Nive Nielsen verbindet dabei ihre Erfahrungen zwischen Gronland, Europa sowie internationalen Kunst- und Filmprojekten zu einem ebenso zuganglichen wie facettenreichen Werk.

Die Musik auf Horse Lords' "Demand to Be Taken to Heaven Alive!" wirkt zugleich unglaublich detailliert und zutiefst menschlich. Die zwölf versammelten Stücke sind vielschichtig, verflochten, tonal und rhythmisch komplex - moiré-artige Muster aus Interaktion und Verzahnung, die sich sowohl körperlich als auch geistig entfalten, voller klanglicher Gänge mit einem unausweichlichen Groove. Künstler sind nicht notwendigerweise Wissenschaftler, Logiker oder spirituelle Führer, doch durch ihr persönliches Verständnis von Ordnung und Erfahrung eröffnen sie einen unmittelbaren Zugang zu gesteigerten Zuständen von Materialität und Immaterialität. Horse Lords wurden 2010 in Baltimore gegründet; sie gingen aus einer anderen Gruppe namens Teeth Mountain hervor und starteten als Trio mit Gitarrist Owen Gardner, Bassist Max Eilbacher und Schlagzeuger Sam Haberman, bevor der Altsaxofonist Andrew Bernstein zum Kernensemble hinzustieß. Obwohl das Quartett aus einer fruchtbaren Noise- und Experimental-Rock-Szene hervorgegangen ist - einem legendären Umfeld für Künstler und Außenseiter, das viele einflussreiche Bands hervorgebracht hat (Lungfish, Matmos) - war ihr Ansatz über sechs Alben, zahlreiche Kollaborationen und als gefeierte Liveband weit vielseitiger, als es die punktierten Rhythmen instrumentaler elektrischer Rockmusik vermuten lassen. Für dieses Projekt wird die Band durch Bassklarinettistin Madison Greenstone, Posaunist Weston Olencki und - erstmals bei Horse Lords - durch Gesang von Nina Guo und Evelyn Saylor ergänzt. Das Eröffnungsstück ,Eureka 378-B" ist ein Arrangement von sakraler Harfenmusik aus dem 19. Jahrhundert, getragen vom Gesang von Guo und Saylor; seine Melodie entfaltet sich weit und setzt einen tonalen Startpunkt für vieles, was folgt. Dazu kommen die kurzen "Rotations", die Fragmente aus anderen Stücken isolieren. "D2BT2HA!" enthält unzählige klangliche und konzeptuelle Schichten, doch angesichts der unverkennbaren Kraft und Menschlichkeit der Musik ist der Prozess, sie zu entschlüsseln, begeisternd und zutiefst lohnend. Selten ist eine Platte, die einen so unmittelbar packt und zugleich bei jedem Hören vollkommen neu erscheint.

Orphée schildert einen Weg von der Dunkelheit ins Licht, inspiriert durch die verschiedenen Versionen des
antiken Orpheus-Mythos, von Ovid bis Cocteau. Die vielschichtige Erzählung über Tod, Wiedergeburt,
Wandel und die Kurzlebigkeit der Erinnerung lässt sich auch als Metapher für künstlerische Kreativität
deuten. Orphée bietet eine vielseitige Klangpalette: Es gibt akustische Instrumente solistisch oder im Ensemble kombiniert mit Elektronik und den geheimnisvollen Lauten der “Nummernsender” auf Kurzwelle.
Sie ist angelehnt an viele Facetten seiner vorangehenden Werke und bindet Musik für Solocello, Orgel,
Streichquartett, Streichorchester und A-cappella-Gesang mit ein.
10 Jahre nach dem Debut wird das gefeierte Album Orphée erstmals als Crystal Clear Vinyl veröffentlicht.

Während West-Coast-Hip-Hop oft auf eine begrenzte Auswahl an Klängen und Stilen reduziert wird, war die Realität des kalifornischen Rap schon immer weitaus vielfältiger. Nirgendwo wird dies deutlicher als in Los Angeles, wo das ikonische G-Funk-Erbe neben einer florierenden Independent-Szene besteht, die den Hip-Hop in neue Richtungen treibt. Nur wenige Künstler verkörpern diese Schnittstelle so natürlich wie Blu. Seit langem von den charakteristischen Klängen seiner Heimatstadt inspiriert und zugleich verwurzelt in der Lyrik und dem Soul der L.A.-Underground-Szene, schlägt der gefeierte MC mühelos eine Brücke zwischen diesen Welten. Sein neues Projekt ,LA" ist eine prägnante Essenz dieser künstlerischen Identität, die den klassischen West-Coast-Sounds Tribut zollt und zugleich ein vielschichtiges Porträt des Lebens in der Stadt der Engel zeichnet. Um diese Vision zum Leben zu erwecken, tat sich Blu mit dem Produzenten Sndtrak aus Oakland zusammen, einem Mitglied von 9th Wonders Produktionskollektiv ,Soul Council", das für seine Arbeit mit Larry June, Rapsody und Smif-N-Wessun bekannt ist. Indem er klassische West-Coast-Grooves durch eine frische Perspektive neu interpretiert, schafft Sndtrak den idealen Hintergrund für Blus prägnante Texte und seine bodenständige Erzählkunst. Mit Beiträgen von Volume 10, Thurz, MED, Iman Omari, Trizz, ICECOLDBISHOP und weiteren Künstlern unterstreicht ,LA" die kreative Entwicklung in einer der dynamischsten Städte des Hip-Hop.

,Prophetic Perfect Tense" ist das neue Album von Oren Ambarchi bei Kou Records. Der australische Gitarrist und Komponist gilt als eine der unermüdlichsten und einfallsreichsten Persönlichkeiten der experimentellen Musik der letzten drei Jahrzehnte. Als Gründer von Black Truffle Records und versierter Kollaborateur, der bereits mit Keiji Haino, Jim O'Rourke, Johan Berthling und Andreas Werliin - präsentiert sich Ambarchi hier in seiner reduziertesten Besetzung: Solo-Gitarre, zwei Seiten, zwei Takes, minimale Effekte. Während seine Studioalben typischerweise konzeptionelle, vielschichtige Werke mit Gastmusikern waren, bricht ,Prophetic Perfect Tense" dieses Muster vollständig - nach seinen eigenen Angaben ist es das konventionellste Soloalbum mit Gitarrenklang, das er je aufgenommen hat, und das, was im Studio der Live-Energie seines ,Ghosted"-Trios am nächsten kommt. Aufgenommen im Studio Dede in Tokio im Januar 2026 und produziert von Randall Dunn, begann das Album als Akt hartnäckiger Zurückhaltung - irgendwo zwischen Joao Gilberts leisem, selbstbetiteltem Album von 1973 und Alemu Agas ,Bägänna"-Sessions. Doch sobald das Band durch eine Leslie-Box, einen Fender Twin und einen Ampeg B-15 in einen Telefunken-24-Spur-Recorder lief, entstand etwas ganz anderes: ein lockerer, abstrakter Shuffle, warm und dreidimensional, bei dem Verstärkerbrummen, Saitenquietschen und Raumgeräusche unverändert blieben. Beide Seiten in einzigen Takes. Ein Gitarren-Overdub wurde auf Randalls Drängen hin hinzugefügt. Eine Platte, die wie ein Raum klingt, nicht wie ein Studio. Aufgenommen, abgemischt und produziert von Randall Dunn. Gemastert von Ben Greenberg. Dolby-Atmos-Mischungen von Ben Greenberg. Lackschnitt von Paul Gold bei Salt Mastering. Cover-Artwork ,Untitled, 1977" von Kazuko Miyamoto, Foto mit freundlicher Genehmigung des Nachlasses von Kazuko Miyamoto / Zürcher Gallery, NY. Porträt auf der Rückseite von Ken Langraf

,Lick the Spoon, Let it Soften" ist das zweite Album von Lamplight, dem Projekt des in Virginia ansässigen Songwriters Ian Hatcher-Williams und seiner Band aus bewährten Mitstreitern, darunter Mitglieder von Lightning Bug und hemlock. Das selbstbetitelte Debütalbum aus dem Jahr 2024 wurde von KEXP, Stereogum, WBUR, Brooklyn Vegan und The FADER gelobt, landete auf Playlists von Apple Music, KEXP und der Numero Group und führte zu gemeinsamen Auftritten mit Jake Xerxes Fussell, Advance Base, John Andrews und Mutual Benefit. Während das Debüt über mehrere Jahre hinweg Gestalt annahm, entstand dieses Album recht schnell. Die meisten Songs entstanden im August im Rahmen einer ,Ein-Song-pro-Tag"-Schreibübung, teilweise inspiriert von Kahlil Gibrans ,Der Prophet". Das Album wurde dann komplett in Eigenregie in einer Hütte am See in Vermont produziert und aufgenommen, mit einer weiteren Session in der Stadt im selben Winter. Das Ergebnis ist zugleich gemeinschaftlich und privat: ein Album über Trauer und ein verändertes Verständnis von Liebe in all ihren Formen, das sich durch straffere Arrangements und prägnanteres Songwriting auszeichnet als sein Vorgänger. Es ist außerdem unverhohlen appalachisch geprägt. Das ist kein Alt-Country, aber selbst seine vielschichtigsten Momente tragen einen natürlichen Twang in sich.

IROIRO aus Seattle verbinden auf ihrer Debütsingle ,Once / Formosa" instrumentalen Psychedelic Rock, Noise Rock, Krautrock und experimentelle Gitarrenmusik zu einem dynamischen, ausufernden Sound. Die Band um die ehemaligen IQU-Mitglieder Michiko Swiggs und Kento Oiwa entwickelt aus improvisierten Jams vielschichtige Klanglandschaften, die zwischen melodischer Schönheit und kontrolliertem Chaos pendeln. Während ,Once" mit treibenden Rhythmen und psychedelischen Gitarrenwirbeln überzeugt, verbindet ,Formosa" Arena-Rock-Gesten mit verträumten Melodien und verzerrten Klangtexturen. Entstanden aus gemeinsamen Sessions mit Justin Schwartz und James Drage, markiert die Single den Beginn einer Band, die experimentelle Rockmusik mit bemerkenswerter Kreativität und Energie neu interpretiert.

,DOGGOD" ist das 2025 erschienene dritte Album des kalifornischen Trios L.A. Witch und erweitert den bisherigen Garage-Rock- und Psychedelic-Sound der Band um deutliche Post-Punk- und Goth-Rock-Einflüsse. Inspiriert von Bands wie Joy Division, The Cure und Krautrock verbindet das Album treibende Basslinien, atmosphärische Gitarren und dunkle Melodien mit der charakteristisch mystischen Ausstrahlung der Band. Inhaltlich beschäftigt sich ,DOGGOD" mit Liebe, Hingabe, Unterwerfung und Spiritualität. Der Titel spielt mit den Begriffen ,Dog" und ,God" und setzt sich mit bedingungsloser Loyalität, Selbstaufgabe und gesellschaftlichen Rollenbildern auseinander. Zwischen romantischer Sehnsucht, düsterer Vorahnung und hypnotischen Rhythmen präsentieren L.A. Witch ihr bislang vielschichtigstes und ambitioniertestes Album.

Diese Doppel-Vinyl-Compilation lädt ein in die warme, entspannte Welt des Lo-Fi-Sounds - eine Musik, die entschleunigt, Atmosphäre schafft und Nähe erzeugt. Versammelt sind prägende Künstler des Genres, die Lo-Fi, Downtempo, Jazz-Einflüsse und elektronische Gelassenheit miteinander verbinden. Mit Beiträgen von FKJ, Darius, Kid Loco, St Germain, The Mighty Bop, DJ Cam, DJ Spinna und weiteren wichtigen Namen entsteht ein vielschichtiges Panorama zwischen organischen Grooves, sanften Beats und subtilen Melodien. Die Auswahl richtet sich gleichermaßen an langjährige Liebhaber wie an neue Hörer, die Lo-Fi als eigenständige, zeitlose Form elektronischer Musik entdecken möchten. Ein stimmiger, sorgfältig kuratierter Sampler für entspannte Hörsituationen, stilbewusste Sets und alle, die elektronische Musik lieber fühlen als konsumieren. ENGThis double-vinyl compilation invites listeners into the warm, comforting world of lo-fi music - a sound defined by relaxed rhythms, organic textures and understated emotion. Featuring leading artists of the genre, the collection blends downtempo beats, jazz influences and laid-back electronic production. With tracks by FKJ, Darius, Kid Loco, St Germain, The Mighty Bop, DJ Cam, DJ Spinna and others, the album offers a broad yet coherent overview of lo-fi aesthetics. It appeals both to seasoned listeners and newcomers seeking a timeless, atmosphere-driven listening experience. A carefully curated selection designed for calm moments, focused listening and stylish musical environments

Vier Jahre brodelte es im Berliner Untergrund: Nach zwei DIY-Tape-Releases durchbrechen SEK die Flanke und präsentieren mit Wallensteins Garage ihr erstes Album auf Vinyl ein Debüt, das gleichermaßen Geschichtserzählung, Konzeptalbum und ausufernde Jam-Session ist. SEK benannt nach den Anfangsbuchstaben der Nachnamen ihrer Mitglieder - Paul-Willy Stoyan (Gavial, Jacke Schwarz), Georg Edert (Elder, Gaffa Ghandi) und Lucas Kazzer (Gaffa Ghandi, Borders Down) - vereint drei Musiker, die seit Jahren in der Berliner Underground-Szene aktiv sind. Ihre gemeinsame Sprache findet sich zwischen Improvisation, historischer Erzählung und druckvollem Rock. Was die drei verbindet, ist weniger ein gemeinsamer Stil als die Lust am Ausprobieren: ausufernde Proben, lange Improvisationen und die Suche nach Klanglandschaften, die ebenso sperrig wie eingängig sein können. Was 2022 während des pandemiebedingten Lockdowns mit stundenlangen Jams begann, entwickelte sich in den vergangenen vier Jahren zu einer eigenwilligen Mischung aus Psychedelic Rock, Krautrock und einer Prise Prog. Die Band selbst nennt diesen Sound augenzwinkernd HOR Historian Oriented Rock: Musik, die historische Stoffe nicht illustriert, sondern in Klang übersetzt. Die Inspiration für die Songs stammt aus dem Dreißigjährigen Krieg (16181648), insbesondere aus dem Leben des böhmischen Feldherrn Albrecht Wenzel Eusebius von Wallenstein und den Ereignissen rund um die Schlacht bei Lützen (1632). Das musikalische Arsenal ist ebenso vielseitig wie die erzählte Geschichte: verfuzzte Gitarren mit wabernden Delays treffen auf einen galoppierenden Bass und treibende Drums, getragen von träumerischen Keyboards. Immer wieder öffnen sich freie, fast chaotische Passagen, in denen Harmonie und Rhythmus auseinanderbrechen wie Schlachtordnungen, die im brutalen Nahkampf ihre Form verlieren. An anderer Stelle schaffen sanfte Mandolinenklänge Momente der Ruhe, bevor sie sich in schwere, schmerzvolle Trauermusik verwandeln, inspiriert von Doom und Drone Metal. Zwischen hypnotischen Grooves, improvisatorischer Freiheit und cineastischer Dramaturgie erschaffen SEK einen Sound, der Vergangenheit nicht nachstellt, sondern neu erfahrbar macht. Die Platte erscheint auf Exile On Mainstream als schwarzes Vinyl mit beigelegter CD. Genre: Krautrock, Psychedelic, Alternative Für Fans von: Elder, Gentle Giant, Amon Düül, Zahn.

,Yaphet" ist das neue Album des Rappers Curly Castro - auch bekannt als eine Hälfte des dynamischen Duos Shrapknel - das am 18. September 2026 bei Backwoodz Studioz erscheint. Auf ,Yaphet" lässt sich Castro vom Blaxploitation-Filmgenre der 1970er Jahre inspirieren; die schwarzen Helden und Antihelden jener Zeit dient ihm als Sprungbrett für seine filmische Lyrik. Die Flows wechseln so mühelos wie Kamerawinkel, die Strophen sind gespickt mit Anspielungen und Zweideutigkeiten - eine Rap-Meisterklasse, die man endlos wiederholen kann. Aber ,Yaphet" ist auch Castros erstes Soloalbum seit ,Little Robert Hutton" aus dem Jahr 2021, und hinter dem Feuerwerk spiegelt dieses Album die Tiefe seiner Erfahrungen in den dazwischenliegenden Jahren wider. ,Ich hatte nicht vor, so ehrlich über mein Leben zu sein, aber genau das ist dabei herausgekommen, und das Album ist dadurch besser geworden", erklärt Castro, ,vom Tod meiner kleinen Tochter über den Tod meines Vaters bis hin zur Konfrontation mit meiner eigenen bevorstehenden Sterblichkeit - das sind meine verwundbarsten Klingen, die meine tiefsten Wunden aufreißen." Genau wie Castro marschiert auch diese Platte im Takt ihrer eigenen Trommel, und täuscht euch nicht: Es gibt jede Menge Trommeln, mit denen sich der erfahrene MC messen kann, wie nur er es kann. Komplett produziert vom Milwaukeeer Beatmaker Locust, ist ,Yaphet" ein schwungvolles, vielseitiges Hörerlebnis, das seinen Einflüssen zunickt, ohne jemals zurückzuschauen. Castro wird von einem Wirbelwind der Besten des Genres begleitet: billy woods, PremRock, Fatboi Sharif, Brian Ennals, SKECH185, Blueprint, AJ Suede, shemar, ALASKA, Sunmundi, blackchai und Margel the Sophant.

a 1.1BLACK DON'T CRACK [FT. FATBOI SHARIF, BLUEPRINT, BRIAN ENNALS, SKECH185, ...]


[d] 1.4ENEMY-MINDED [FT. MARGEL THE SOPHANT]

[f] 1.6RAILROAD SPIKES [FT. MARGEL THE SOPHANT]
[g] 1.7BLOOD IN THE GARDEN [FT. PREMROCK]

[i] 1.9THE DELECTABLE NEGRO [FT. MARGEL THE SOPHANT]
[j] 1.10RINZLER WRECK [FT. ALASKA]

[l] 1.12NEW MUTANTS [FT. SHEMAR, BLACKCHAI, & SUNMUNDI]

[a] 1.1BLACK DON'T CRACK [FT. FATBOI SHARIF, BLUEPRINT, BRIAN ENNALS, SKECH185, ...]


[d] 1.4ENEMY-MINDED [FT. MARGEL THE SOPHANT]

[f] 1.6RAILROAD SPIKES [FT. MARGEL THE SOPHANT]
[g] 1.7BLOOD IN THE GARDEN [FT. PREMROCK]

[i] 1.9THE DELECTABLE NEGRO [FT. MARGEL THE SOPHANT]
[j] 1.10RINZLER WRECK [FT. ALASKA]

[l] 1.12NEW MUTANTS [FT. SHEMAR, BLACKCHAI, & SUNMUNDI]

,Yaphet" ist das neue Album des Rappers Curly Castro - auch bekannt als eine Hälfte des dynamischen Duos Shrapknel - das am 18. September 2026 bei Backwoodz Studioz erscheint. Auf ,Yaphet" lässt sich Castro vom Blaxploitation-Filmgenre der 1970er Jahre inspirieren; die schwarzen Helden und Antihelden jener Zeit dient ihm als Sprungbrett für seine filmische Lyrik. Die Flows wechseln so mühelos wie Kamerawinkel, die Strophen sind gespickt mit Anspielungen und Zweideutigkeiten - eine Rap-Meisterklasse, die man endlos wiederholen kann. Aber ,Yaphet" ist auch Castros erstes Soloalbum seit ,Little Robert Hutton" aus dem Jahr 2021, und hinter dem Feuerwerk spiegelt dieses Album die Tiefe seiner Erfahrungen in den dazwischenliegenden Jahren wider. ,Ich hatte nicht vor, so ehrlich über mein Leben zu sein, aber genau das ist dabei herausgekommen, und das Album ist dadurch besser geworden", erklärt Castro, ,vom Tod meiner kleinen Tochter über den Tod meines Vaters bis hin zur Konfrontation mit meiner eigenen bevorstehenden Sterblichkeit - das sind meine verwundbarsten Klingen, die meine tiefsten Wunden aufreißen." Genau wie Castro marschiert auch diese Platte im Takt ihrer eigenen Trommel, und täuscht euch nicht: Es gibt jede Menge Trommeln, mit denen sich der erfahrene MC messen kann, wie nur er es kann. Komplett produziert vom Milwaukeeer Beatmaker Locust, ist ,Yaphet" ein schwungvolles, vielseitiges Hörerlebnis, das seinen Einflüssen zunickt, ohne jemals zurückzuschauen. Castro wird von einem Wirbelwind der Besten des Genres begleitet: billy woods, PremRock, Fatboi Sharif, Brian Ennals, SKECH185, Blueprint, AJ Suede, shemar, ALASKA, Sunmundi, blackchai und Margel the Sophant.

[a] 1.1BLACK DON'T CRACK [FT. FATBOI SHARIF, BLUEPRINT, BRIAN ENNALS, SKECH185, ...]


[d] 1.4ENEMY-MINDED [FT. MARGEL THE SOPHANT]

[f] 1.6RAILROAD SPIKES [FT. MARGEL THE SOPHANT]
[g] 1.7BLOOD IN THE GARDEN [FT. PREMROCK]

[i] 1.9THE DELECTABLE NEGRO [FT. MARGEL THE SOPHANT]
[j] 1.10RINZLER WRECK [FT. ALASKA]

[l] 1.12NEW MUTANTS [FT. SHEMAR, BLACKCHAI, & SUNMUNDI]

,Smoking the Bunny" ist das zweite Album einer geplanten Trilogie von Wilder Maker und verbindet Avant-Pop, Indie-Rock, Free Jazz und Ambient zu einem vielschichtigen, nächtlichen Klangbild. Bandleader Gabriel Birnbaum setzt auf experimentelle Kompositionen, die aus improvisierten Bandsessions entstanden und anschließend kreativ neu zusammengesetzt wurden. Die 17 Songs begleiten eine Figur durch eine Nacht voller Erinnerungen, Selbstreflexion und Rauschzustände. Inhaltlich kreist das Album um Themen wie Familie, Identität, Vergänglichkeit und das Älterwerden. Mit zahlreichen Gastmusikern und einem atmosphärischen, genreübergreifenden Sound präsentiert sich ,Smoking the Bunny" als ambitioniertes und emotionales Werk, das 2027 mit dem dritten Teil der Trilogie seinen Abschluss finden soll.

,Every Martyr Is A Universe" ist das Constellation-Debüt des palästinensisch-kanadischen Gitarristen, Komponisten und Community-Organisators Bilal Nasser. Das Album entstand während der studentischen Protestbewegungen gegen den Krieg in Gaza und setzt sich mit der Frage auseinander, welche Bedeutung Kunst in Zeiten von Gewalt, Verlust und politischer Krise haben kann. Daraus entwickelt Nasser eine musikalische Reflexion über Trauer, Solidarität, Erinnerung und Widerstand. Bekannt für seine Verbindung von klassischer Gitarre, Folk-Traditionen und zeitgenössischen Einflüssen erweitert Nasser auf diesem Album seinen bisherigen Solosound erstmals um ein größeres Ensemble. Gemeinsam mit neun Musikerinnen und Musikern aus seinem kreativen Umfeld in Windsor, Ontario, schuf er vielschichtige Arrangements für Streicher, Bläser, Elektronik und Gitarren, die dem Album eine orchestrale und zugleich intime Atmosphäre verleihen. Das Ergebnis ist ein tiefgründiges, emotionales und ambitioniertes Werk, das klassische Komposition, Folk, Post-Rock und experimentelle Klänge miteinander verbindet. ,Every Martyr Is A Universe" ist zugleich persönliches Statement und kollektiver Ausdruck von Erinnerung, Hoffnung und Widerstandskraft.

,Bread & Butter" ist das zehnte Album des Brooklyn-Rappers Your Old Droog und verbindet persönliche Erinnerungen mit scharfem Storytelling und komplexen Reimen. Inspiriert von seiner ukrainischen Einwandererfamilie, die aus einfachen Mitteln das Beste machte, reflektiert Droog über Herkunft, Erfolg und Durchhaltevermögen. Unterstützt von Produzenten wie Flying Lotus und Conductor Williams sowie Gästen wie Evidence, Oddisee und Masta Ace vereint das Album intelligente Texte mit vielseitigen Hip-Hop-Beats. Das Ergebnis ist ein selbstbewusstes und persönliches Werk, das Your Old Droogs Ruf als eine der interessantesten Stimmen des modernen Hip-Hop unterstreicht.

Mit ihrem Solodebut "No Human Tongue Can Tell" gelingt Radie Peat eine eindrucksvolle Auseinandersetzung mit der Essenz der Folk Music. Die Sangerin von Lankum zahlt zu den pragenden Stimmen der sogenannten "Irish Green Wave" und verbindet auf diesem Album ihre außergewohnliche Kontra-Alt-Stimme mit tiefem Respekt fur die irische Gesangstradition. Als Interpretin und Multiinstrumentalistin haucht sie uberlieferten Liedern neues Leben ein und macht sie fur die Gegenwart relevant. Die ausgewahlten Songs erzahlen von Liebe, Verrat, ungewollter Schwangerschaft, Gewalt, Verlust und Widerstandskraft. In Stucken wie "The Moon and Stars" oder "Willow Garden" ruckt Peat weibliche Perspektiven in den Mittelpunkt und verleiht historischen Erzahlungen neue emotionale Kraft. Ihre prazise Stimmfuhrung, vielschichtigen Harmonien und sparsam eingesetzten Arrangements schaffen einen Raum, in dem individuelle Erfahrungen zu universellen Geschichten werden. Zugleich versteht Peat Folk als generationsubergreifenden Speicher menschlicher Erinnerung. Die Lieder tragen Spuren zahlloser Leben in sich, und genau diese Verbindung macht sie zeitlos. Atmospharische Stucke wie "Luisne", das melancholische "Same Old Man" oder das historische "Dark Horse on the Wind" zeigen ihre Fahigkeit, Tradition, Geschichte und personliche Interpretation miteinander zu verweben. Ein weiterer Hohepunkt ist "Still I Love Him", das die Ambivalenz von Liebe und Leid beleuchtet und aus einer Geschichte emotionaler Abhangigkeit eine Erzahlung uber Starke und Selbstbestimmung macht. Auch "Bonnie Boy" und das abschließende Triptychon "Cailin Deas" kreisen um weibliche Autonomie, gesellschaftliche Erwartungen und den Wert personlicher Freiheit. So entsteht ein Album, das archaisch und zeitgenossisch zugleich wirkt. Mit großer Empathie, musikalischer Raffinesse und kunstlerischer Eigenstandigkeit macht Radie Peat die Stimmen vergangener Generationen horbar und schafft eine Sammlung von Liedern, die Trost, Erkenntnis und Verbundenheit vermitteln. "No Human Tongue Can Tell" ist damit weit mehr als eine Bewahrung von Tradition: Es ist deren lebendige Weiterentwicklung.

Mit ihrem Solodebut "No Human Tongue Can Tell" gelingt Radie Peat eine eindrucksvolle Auseinandersetzung mit der Essenz der Folk Music. Die Sangerin von Lankum zahlt zu den pragenden Stimmen der sogenannten "Irish Green Wave" und verbindet auf diesem Album ihre außergewohnliche Kontra-Alt-Stimme mit tiefem Respekt fur die irische Gesangstradition. Als Interpretin und Multiinstrumentalistin haucht sie uberlieferten Liedern neues Leben ein und macht sie fur die Gegenwart relevant. Die ausgewahlten Songs erzahlen von Liebe, Verrat, ungewollter Schwangerschaft, Gewalt, Verlust und Widerstandskraft. In Stucken wie "The Moon and Stars" oder "Willow Garden" ruckt Peat weibliche Perspektiven in den Mittelpunkt und verleiht historischen Erzahlungen neue emotionale Kraft. Ihre prazise Stimmfuhrung, vielschichtigen Harmonien und sparsam eingesetzten Arrangements schaffen einen Raum, in dem individuelle Erfahrungen zu universellen Geschichten werden. Zugleich versteht Peat Folk als generationsubergreifenden Speicher menschlicher Erinnerung. Die Lieder tragen Spuren zahlloser Leben in sich, und genau diese Verbindung macht sie zeitlos. Atmospharische Stucke wie "Luisne", das melancholische "Same Old Man" oder das historische "Dark Horse on the Wind" zeigen ihre Fahigkeit, Tradition, Geschichte und personliche Interpretation miteinander zu verweben. Ein weiterer Hohepunkt ist "Still I Love Him", das die Ambivalenz von Liebe und Leid beleuchtet und aus einer Geschichte emotionaler Abhangigkeit eine Erzahlung uber Starke und Selbstbestimmung macht. Auch "Bonnie Boy" und das abschließende Triptychon "Cailin Deas" kreisen um weibliche Autonomie, gesellschaftliche Erwartungen und den Wert personlicher Freiheit. So entsteht ein Album, das archaisch und zeitgenossisch zugleich wirkt. Mit großer Empathie, musikalischer Raffinesse und kunstlerischer Eigenstandigkeit macht Radie Peat die Stimmen vergangener Generationen horbar und schafft eine Sammlung von Liedern, die Trost, Erkenntnis und Verbundenheit vermitteln. "No Human Tongue Can Tell" ist damit weit mehr als eine Bewahrung von Tradition: Es ist deren lebendige Weiterentwicklung.

Sean Thompson hat mehr als ein Jahrzehnt damit verbracht, sich zu einem der vielseitigsten Gitarristen in Nashville zu entwickeln. Derzeit ist er als Gitarrist für Margo Price auf Tour, und sein flinkes, lyrisches Spiel hat Bands unter der Leitung von Erin Rae sowie einer ganzen Reihe von Größen der ,Music City" geprägt. Außerdem ist er neben Rich Ruth und Spencer Cullum ein Drittel des kosmischen Trios Shrunken Elvis, dessen gefeiertes, selbstbetiteltes Debütalbum 2025 bei Western Vinyl erschien. Mit ,Inner Principles", seinem ersten rein instrumentalen Album, bündelt Thompson all diese Instinkte zu etwas, das sich wie ein echtes neues Kapitel anfühlt. Es ist ein Jazz-Fusion-Album im reichhaltigsten Sinne des Wortes: virtuos, aber schnörkellos, experimentierfreudig und stilistisch von einem Titel zum nächsten unruhig. Die acht Stücke bewegen sich mühelos zwischen ECM-artiger Weite im Geiste von John Abercrombie, rauchigem Akustik-Picking, lockeren Late-Night-Boogies und eleganten Post-Rock-Abenteuern, mit Synthesizern, die hin und wieder in Richtung Jan-Hammer-Territorium blitzen. Man könnte meinen, ein Großteil dieser Musik stamme aus dem Jahr 1978 oder 1983, und genau diese Zeitlosigkeit ist der springende Punkt. Thompson spielt ein rasantes Spiel namens ,Finde den Einfluss" und zieht dann weiter, ohne sich jemals lange genug an einem Ort niederzulassen, um wie eine Hommage zu klingen. Im Kern ist das Album ein Trio aus Thompson, Eric Slick am Schlagzeug und Alec Newman am Bass, ergänzt durch eine Handvoll bewährter Mitstreiter: Jake Davis, der produzierte, als Tontechniker fungierte, abmischte und Synthesizer beisteuerte; sein ,Shrunken Elvis"-Bandkollege Rich Ruth an der Gitarre; sowie Jo Schornikow am Keyboard. Dieses Zusammenspiel des Ensembles ist das Herzstück der Platte, und trotz aller technischen Meisterschaft ruht sich ,Inner Principles" nie auf seinem Können aus. Jeder Track strahlt echtes Gefühl aus, vom weitläufigen, treibenden ,Underwater Way" bis zum zarten ,Waltz For Mama". Thompson hat ,Inner Principles" digital in Eigenregie veröffentlicht und das Material live beim BigEars-Festival vorgestellt. Western Vinyl presst es nun zum ersten Mal auf Vinyl und verschafft damit einem der stillen, aber unverzichtbaren Musiker Nashvilles sein bisher umfassendstes Statement.

,Alas Time Has Passed" ist das Debütalbum von Fine Food Market und erzählt von Neuanfängen nach persönlichen Umbrüchen. Songwriterin Sophie Perras verarbeitet darin Erfahrungen wie das Ende einer langjährigen Beziehung, das Leben auf eigenen Beinen und die Auseinandersetzung mit Einsamkeit. Die neun Songs verbinden Folk und Pop mit Einflüssen aus Country und Kammermusik und wurden live in einer Hütte in den Laurentiden aufgenommen. Zwischen eingängigen Melodien, nostalgischen Erinnerungen und nachdenklichen Texten gelingt Perras ein emotional vielseitiges Album, das Melancholie, Selbstreflexion und Hoffnung auf besondere Weise miteinander verbindet.

On the Ifness ist das gemeinsame Projekt von Sean McGuinness (Pissed Jeans) und Mike Petillo (Protect-U, Geo Rip). Auf ihrem zweiten Album verbindet das Duo experimentelle Elektronik, psychedelische Klanglandschaften und hypnotische Rhythmen zu einem atmosphärischen, nächtlichen Sound. Musikalisch bewegt sich ,On the Ifness" zwischen Ambient, Jazz-Fusion, Dub, elektronischer Clubmusik und den sogenannten ,Fourth World"-Klängen von Jon Hassell. Organische Percussion, Synthesizer, Drones und improvisatorische Elemente verschmelzen zu vielschichtigen Kompositionen, die zugleich rhythmisch, meditativ und futuristisch wirken. Unterstützt wird das Album unter anderem von Geologist (Animal Collective) sowie weiteren Gästen aus der experimentellen Musikszene.

,Great Sounds Great", ,Good Sounds Good", ,So-So Sounds So-So", ,Bad Sounds Bad", ,Rotten Sounds Rotten!!" 2026 legt Merge Records zwei frühe Veröffentlichungen von 1982 der neuseeländischen Indie-Pioniere The Clean neu auf: die EP ,Great Sounds Great" und die Single ,Getting Older". Beide erscheinen erstmals seit ihrer ursprünglichen Veröffentlichung wieder auf Vinyl. Nach dem Erfolg ihrer Debüt-EP ,Boodle Boodle Boodle" wollte die Band neue musikalische Wege einschlagen. ,Great Sounds Great" zeigt The Clean experimentierfreudiger und vielschichtiger, mit stärkerem Einsatz von Orgelklängen, minimalistischen Aufnahmetechniken und dem späteren Klassiker ,Beatnik". Trotz anfänglich gemischter Kritiken wurde die EP ein weiterer großer Erfolg in Neuseeland.

Mit englischem Charme, ausnehmendem Talent und kreativer Offenheit begeistert die junge britische Musikerin Anna Lapwood nicht nur die Kritiker*Innen, sondern ein Millionen-Publikum bei Social Media. Auf ihrem Sony Classical Debüt-Album "Luna" gibt sie einen Einblick in ihren umfassenden musikalischen Kosmos. Die fünfzehn Titel des Albums beleuchten ihre Vielseitigkeit und verbinden traditionelles Repertoire von Johann Sebastian Bach, Claude Debussy und Philip Glass mit zeitgenössischen Kompositionen von Max Richter, Ludovico Einaudi und Hans Zimmer. Auf "Luna" ist Anna Lapwood in erster Linie als Organistin zu erleben, aber auch andere Facetten ihres musikalischen Lebens kommen zur Geltung, wenn sie den Pembroke College Chapel Choir bei zwei Titeln dirigiert. Anna Lapwood spielt Orgel, Geige und Harfe und ist als Dirigentin und Orchester-Leiterin aktiv. 1995 in der Grafschaft Oxfordshire geboren, erhielt sie als erste Frau in der Geschichte des Magdalen College Oxford ein Orgelstipendium. 2016 wurde sie die jüngste musikalische Direktorin in Cambridge und leitet seitdem die Chöre und Ensembles des Pembroke College. Nach Feierabend und bei Einbruch der Dunkelheit erhält sie als Associate Artist der Royal Albert Hall besonderen Zugang zu dem majestätischen Instrument in der Royal Albert Hall. Dies hat zu einigen spektakulären Kollaborationen geführt. Die berühmteste davon mit dem Elektronik-Musiker Bonobo. Auf TikTok erreicht sie mit solchen gleichermaßen lockeren wie spektakulären musikalischen Ausflügen mehr als 550.000 Follower.

You asked for one more. Laibach duly oblige with MUSICK : ENCORE, a follow-up album to their 2026 record MUSICK, out on Mute.

They answer the crowd's demand with six brand new tracks and reworks of songs from the original album, reimagined by an eclectic line-up. Vinyl takers get the core 10-track experience, pairing new songs with four key reworks from the band, Richard X, PUNCHBAG, and Balžalorsky. The CD goes further, expanding to 13 tracks with additional remixes, including a rework of new track ‘#US’ from SILVERWINGKILLER, an Algorithm remix of fan-favourite ‘Allgorhythm’, and a bonus version of ‘Love Machine’ courtesy of The Lincolnshire Poacher.

Where MUSICK turned maximalist, hyper-driven pop into a reflection on our oversaturated, AI-warped media landscape, ENCORE pushes further into that fractured hall of mirrors – glitching, distorting, and rebuilding the original tracks into new shapes, from pulsing electropop to warped Eurodance detours and everything stranger in between.

Ihr habt nach einer Zugabe gefragt. Laibach liefern: Mit MUSICK : ENCORE erscheint auf Mute das Nachfolgealbum zu ihrem 2026 veröffentlichten Werk MUSICK.

Als Antwort auf die große Nachfrage präsentiert die Band sechs brandneue Tracks sowie Neuinterpretationen von Songs des Originalalbums, umgesetzt von einer vielseitigen Auswahl an Künstler. Die Vinyl-Version umfasst zehn Tracks und kombiniert neues Material mit vier ausgewählten Reworks von Laibach, Richard X, PUNCHBAG und Balžalorsky.

Die CD-Version erweitert das Programm auf insgesamt 13 Tracks und bietet zusätzliche Remixe. Darunter befinden sich eine Neuinterpretation des neuen Tracks „#US“ von SILVERWINGKILLER, ein Algorithm-Remix des Fan-Favoriten „Allgorhythm“ sowie eine Bonusversion von „Love Machine“ von The Lincolnshire Poacher.

Während MUSICK maximalistischen, hochenergetischen Pop als Spiegel unserer reizüberfluteten und durch KI zunehmend verzerrten Medienlandschaft inszenierte, führt ENCORE diesen Ansatz konsequent weiter. Die ursprünglichen Tracks werden zerlegt, verfremdet und neu zusammengesetzt – von pulsierendem Elektropop über verschobene Eurodance-Ausflüge bis hin zu allem, was dazwischen noch eigenwilliger und unerwarteter wird.

Nach der Veröffentlichung von „idea 1“, kündigt Kelela ihr neues, drittes Album an, das am 10. Juli bei Warp Records erscheint – und veröffentlicht die zweite Single „linknb“, produziert von Oscar Scheller.

Der Track entstand in einer Phase der Schreibblockade und begann als Mantra, das Kelela schrieb, um sich wieder an die Arbeit zu bringen. Angeführt von einem labyrinthischen Gitarrenriff über treibenden Metal-Drums ist „linknb“ ein Song über Selbstvertrauen, das man sich durch Schwierigkeiten erarbeitet hat, darüber, sich nicht klein machen zu lassen. „Es ist nicht schwer, mutig zu sein / Es ist leichter, zu viel preiszugeben / Ich weiß nur, dass ich den Weg geebnet habe, unterbezahlt.“

Das von Mischa Notcutt inszenierte Video versetzt Kelela in die Mitte einer urbanen Traumlandschaft. Als enger Freund und Kelelas ehemaliger Kreativdirektor war Notcutt die naheliegende Wahl. Das Video lässt Realismus und Abstraktion ineinanderfließen und verwandelt eine einsame Reise in eine Meditation über Selbstfindung und Erneuerung.

Mit „new avatar“ rückt alles, worauf Kelela hingearbeitet hat, in den Fokus. Sie begann ihre ersten Songs in der Indie-Szene von Washington, D.C. zu schreiben, bevor die Clubmusik und die elektronische Produktion, die ihre frühe Karriere prägten, die Oberhand gewannen. Mit „new avatar“ schließt sie den Kreis: R&B, unterlegt mit verzerrten Gitarrenklängen, trifft auf neue Schnittstellen in der Tanzmusik und gipfelt in einem Sound, der aus all den musikalischen Einflüssen schöpft, die sie je geprägt haben. Das Album enthält zudem Kollaborationen mit PinkPantheress, A. K. Paul und Fousheé.

„Dieses Album findet Trost in der Konfrontation“, sagt Kelela. „Ich möchte nicht, dass die Musik von dem ablenkt, was wirklich in der Welt vor sich geht; ich möchte, dass sie in dieser verrückten Zeit Sinn ergibt und den Menschen gleichzeitig hilft, mit der Schönheit und Freude in Kontakt zu kommen, die sie ebenfalls erleben.“

Das Album setzt sich mit einer Welt auseinander, die aus allen Nähten auseinanderfällt, und mit der Klarheit, die das Überleben erfordert.

„Die Leute sollten auch wissen, dass meine Freunde und ich ständig lachen und dass Humor kein Abwehrmechanismus ist; er ist Ausdruck dafür, wie scharfsinnig wir die Dinge einschätzen und wie klar wir die Welt sehen.“

Im Kern schildert „new avatar“ eine vielschichtige Erfahrung, und obwohl die Außenwelt präsent ist, schwächt sie Kelelas Entschlossenheit zu keinem Zeitpunkt.

About Kelela: Throughout her globally revered, boundary-pushing career, Kelela has established a lane of her own in R&B and electronic music. On her long-awaited third album, new avatar, the singer/songwriter (through the versatility of the guitar) challenges perceptions of these genres, while weaving together fragments of lived experiences to shape a world of connection and resilience during times of unrest.

The songs journey through Black femme rage, joy as resistance, Gotham City-esque dystopia, misogynoir, romantic tension, and more. It’s anchored by production that demands a broader rethink about alternative, rock and indie music.

Kelela’s defiant nature has propelled her so far already — from her hometown of Washington, D.C to world stages. In 2013, she released her debut mixtape, Cut 4 Me. She continued solidifying her revolutionary R&B sound with 2015’s Hallucinogen EP, with The New York Times naming its single, “Rewind,” one of the “25 Songs That Tell Us Where Music Is Going”. By 2017, she released her electric debut album Take Me Apart (which was followed by 2018’s TAKE ME A_PART, THE REMIXES), building upon her intimate storytelling.

After a nearly five-year hiatus, she returned in 2023 with her groundbreaking second album, Raven, and its critically-acclaimed counterpart, RAVE:N, The Remixes in 2024. Raven has been hailed as one of the ‘Best Albums of 2023’ by Pitchfork, Billboard, Vulture, Variety, and more, while the remixes solidified her as a leader in the dance music space.

In 2025, Kelela showcased yet another innovative side of her artistry with her live album In The Blue Light, which hit #5 on the Contemporary Jazz chart and #20 on the Jazz Albums chart. Now, with new avatar, Kelela displays the masterful intention she puts into forming new sonic cityscapes. But don’t confuse it with escapism: “I don't want the music to be a distraction from what's really going on in the world; I want it to help you get into it.”

Connecters Vol. 1: Original Recordings, 1992-1999 ist die erste Veröffentlichung von Larrison, dem Pseudonym des bildenden Künstlers und Musikers Larrison Seidle aus dem Mittleren Westen. Larrison komponierte, programmierte und nahm alles komplett auf einem Casio CZ-5000 auf, während der guten alten Zeit der selbstgemachten Experimente und Entdeckungen in den frühen 90ern. Er lebte in einer Traumwelt, die er selbst erfunden hatte, mit Soundtracks aus Space-Age-Pop-Vignetten, gespickt mit hypnotischen, überschwänglichen, vielschichtigen Synthesizer-Melodien. Mit 26 Tracks, die alle neu restauriert und aus den Originalquellen gemastert wurden, erfindet sich Connecters Vol. 1 Song für Song neu, überwindet die Zeit und trotzt der vorbestimmten Vergessenheit dieser brillanten, diskreten Musik, die vor drei Jahrzehnten entstanden ist. Larrison Seidle wuchs in den 70er und 80er Jahren in Greenwood, Indiana, einem Arbeitervorort von Indianapolis, auf. Er stammte nicht aus einer Musikerfamilie, aber aus einem Haushalt, in dem Musikalität gefördert wurde. Sein Vater kaufte eine elektrische Orgel, in der Hoffnung, dass Larrison und sein älterer Bruder das Instrument lernen würden. ,Am Ende saß mein Vater einige Abende an der Orgel, improvisierte und spielte immer wieder dieses eine Lied, von dem ich mich noch an die ersten Takte erinnern kann", erinnert sich Larrison. Möglicherweise war es in diesem Moment, in dem es zwar keine formale Ausbildung gab, aber viel Ermutigung und Entdeckungsfreude, dass der Künstler seine ersten musikalischen Experimente machte. Diese Erlaubnis, sich auszuprobieren, sollte seine kreative Arbeit in den folgenden Jahren deutlich prägen. Während in Larrisons Elternhaus klassische Rockplatten leicht zugänglich waren, lieh sich sein Vater 35-mm-Dokumentarfilme aus der Bibliothek aus, um sie im Wohnzimmer zu zeigen, die alle mit skurrilen Instrumentalstücken unterlegt waren. Als Teenager nahm er John Carpenters und Alan Howarths Endthema aus ,Die Klapperschlange" mit einem kleinen Kassettenrekorder neben dem Fernsehlautsprecher auf und liebte Tangerine Dreams Beiträge zu Ridley Scotts düsterer Fantasy ,Legend". Seine Faszination für diese weitgehend textlosen, synthesizerbasierten Kompositionen führte zu einem eigenwilligen Verständnis davon, wie Musik nicht nur das ergänzt, was wir vor uns sehen, sondern auch das, was wir in den Tiefen unseres Bewusstseins erleben. 1985, als er dreizehn Jahre alt war, überzeugte Larrison seinen Vater, ihm ein Casio CZ-5000-Keyboard zu kaufen. Wie zuvor die Orgel war auch dieses Instrument eine Neuheit im Haushalt der Seidles. Erst nach seinem Highschool-Abschluss 1991 und dem Beginn seines Studiums an der Herron School of Art in Indianapolis entdeckte er den in das Casio integrierten Sequenzer und begann, seine Kompositionen auf Band aufzunehmen. ,Das CZ-5000 und sein 8-Spur-Sequenzer sind die einzigen Musikinstrumente, die ich benutzt habe. Es hat eine fast unbegrenzte Funktion zur Erzeugung neuer Klänge", erklärte Seidle. Während seiner Zeit an der Herron School of Art freundete sich Larrison mit seinem Kommilitonen und Klangkünstler Michael Northam an, den er bei einem Konzert auf dem Campus kennengelernt hatte. Nachdem Northam Larrison für die Musik von Severed Heads, Throbbing Gristle und Roger Doyle begeistert und damit seine Zuneigung und sein Vertrauen gewonnen hatte, überredete er ihn, nach Austin, Texas, zu ziehen, das in den frühen 90er Jahren für seine lebendige Kunst- und Musikszene bekannt war. Die beiden wohnten zunächst bei Northams Freund Daniel Plunkett, dem Herausgeber und Verleger von ND, einem einflussreichen Magazin, das sich von 1982 bis 1999 mit DIY-Musik und Tape-Trading beschäftigte. In seiner Blütezeit hatte ND Tausende von Lesern, und Plunkett verschickte die Ausgaben weltweit. In den letzten Monaten des Jahres 1993 und Anfang 1994 schrieb und nahm Larrison mit begrenzten Mitteln und grenzenloser Intuition eine Reihe von Songs mit seinem CZ-5000 in einer kleinen Wohnung nördlich der Innenstadt von Austin auf, bastelte eine farbenfrohe, illustrierte Beilage, in der einige Songtitel durch Linien oder Pfeile dargestellt waren, und gab sie an Plunkett weiter, damit er sie für ND rezensieren konnte. Diese einzelne Kassette mit dem Titel Connecters sic war eine von 1200, die im Laufe des Bestehens der Publikation bei ND eingereicht wurden und die Jed Bindeman, Mitbegründer von Freedom To Spend, 2020 erworben und fast wie durch ein Wunder entdeckt hat. ,Ich hatte große Schwierigkeiten, mir die Kassetten in dieser Sammlung anzuhören", gibt Bindeman zu. ,Aber dann legte ich Larrisons Connecters ein und dachte sofort: ,Wow! Was höre ich da?' Die Kassette war von Anfang bis Ende einfach fantastisch." Mit Musik von genau dieser Kassette und anderen Aufnahmen aus Larrisons Experimenten in den 90er Jahren ist Connecters eine Übersicht über Instrumentalmusik, die sowohl durch vielfältige konzeptionelle Strategien als auch durch spielerische Neugierde geprägt ist. Seidle arbeitete unter Bedingungen, die viele Musiker als Einschränkung empfinden würden, und entwickelte technisch innovative Ansätze, um die Klänge und integrierten Effekte des CZ-5000 zu modifizieren. Das Gerät ermöglichte es ihm, die Wellenform, die Hüllkurve und die Tonart von Klängen mithilfe der Phasenverzerrungssynthese zu verändern und so im Grunde genommen Instrumente zu schaffen, während er Songs komponierte. Die Tracks zeichnen sich durch eine durchdachte impressionistische Vielfalt aus, die mal lo-fi, mal symphonisch klingt. Inmitten der Zerlegung und Verstärkung der Fähigkeiten des CZ-5000 gibt es auch einen geschmackvollen Rückgriff auf eine kindliche Interaktion und Erfahrung von Klang. Vielleicht ist es diese Erfahrungsqualität, die es so schwierig macht, Larrisons Projekt einfach als Ambient oder Elektronik zu verstehen. Sein Wille, die ihm zur Verfügung stehenden Werkzeuge zu transformieren, hebt die daraus resultierenden Kompositionen auf eine persönliche Ebene und verleiht der Musik einen bezaubernden Sinn für Mystik. Connecters ist ein Beweis für eine künstlerische Vision, die sich nicht durch Grenzen einschränken lässt und keine Angst vor Informalität hat. Diese Aufnahmen, die dreißig Jahre nach ihrer Dokumentation auf magische Weise an die Oberfläche kommen, zeigen, wie personalisierte Produktionsmittel die Zeit ausdehnen und verkürzen können. Larrison lädt die Zuhörer ein, sich auf die Wunder der auditiven Vorstellungskraft einzulassen - eine Brücke zwischen visueller Erinnerung, emotionaler Resonanz und der grenzenlosen Möglichkeit, mit den uns zur Verfügung stehenden Mitteln Musik zu machen. Larrison's Connecters Vol. 1: Original Recordings, 1992-1999 wird am 3. April 2026 von Freedom To Spend als Vinyl- und Digitalausgabe veröffentlicht.