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Rough Trade Records veröffentlicht eine remasterte Doppel-Vinyl-Neuausgabe von Love Is Overtaking Me. Die Sammlung vereint Folk-, Pop- und Country-Songs von Arthur Russell, darunter "Planted a Thought", "Close My Eyes" und "I Couldn"t Say It to Your Face". Die ursprüngliche Ausgabe erschien 2007. Für die neue Edition wurden frisch entdeckte Originalbänder verwendet und von Timothy Stollenwerk in Portland neu gemastert. Ergänzt wird das Release durch überarbeitetes Artwork von Molly Smith sowie ausführliche Linernotes von Tom Lee. Seit über zwanzig Jahren macht Audika Russells vielseitiges Werk zugänglich und hat maßgeblich dazu beigetragen, ihm posthum ein größeres Publikum zu erschließen. Heute gilt er als visionärer Künstler und Einfluss für viele zeitgenössische Musiker. Schon zu Lebzeiten arbeiteten zahlreiche Künstler mit ihm, darunter Produzent John Hammond. Auf dem Album finden sich außerdem Aufnahmen mit The Flying Hearts sowie Projekten wie The Sailboats, Turbo Sporty und Bright & Early. Aus über acht Stunden Material zusammengestellt, umfasst das Album Aufnahmen von 1973 bis 1991. Einige Stücke sind auch im Film Wild Combination: A Portrait of Arthur Russell von Matt Wolf zu hören.

Als John Coltrane 1965 für Impulse! Records das Album “Ascension“” aufnahm, war er sowohl in künstlerischer als auch in kommerzieller Hinsicht einer der erfolgreichsten Jazzmusiker. Das Album besteht
aus einem fast 40-minütigen Stück, das am 28. Juni 1965 im Rudy Van Gelder Studio in zwei verschiedenen Takes (Edition I und Edition II) aufgenommen wurde, die nun erstmals gemeinsam auf einer
Doppel-LP präsentiert werden. Für die Aufnahme hatte Coltrane sein bestens eingespieltes Quartett um
sieben Musiker zu einer Art Big Band erweitert. Die Musik, die Coltranes entschiedene Hinwendung zur
Avantgarde markierte, wechselt zwischen dicht strukturierten kollektiven Improvisationen und ausgedehnten Solopassagen und entfesselt einen wahren Wirbelsturm aus Klängen

Wie Amerika selbst ist auch die Geschichte von Chess Records eine Geschichte von Chancen in neuen Ländern, in denen Grenzen zwischen Hautfarbe und Kultur überwunden wurden, um Rhythm and Blues-Musik
zu schaffen, die Zuhörer auf der ganzen Welt beeinflusste. Das beeindruckende Künstleraufgebot von Chess
– und seine Gründer – haben den Blues von Volksmusik zu populärem Sound weiterentwickelt und verändert.
Im Jahr 2025 feiert Chess Records sein 75-jähriges Jubiläum. Anlässlich dieses historischen Meilensteins
wird Chess im Oktober dieses Jahres eine umfassende Jubiläumsreihe mit einer kuratierten Auswahl audiophiler Vinyl-Neuauflagen starten, beginnend mit Muddy Waters’ „The Best of Muddy Waters“ und Howlin’
Wolfs „Moanin’ in the Moonlight“.
„I Was Walkin’ Through The Woods“ versammelt Buddy Guys frühe Aufnahmen für Chess Records, die
allesamt in den frühen 1960er-Jahren entstanden. Die Sammlung rückt sein glühendes Gitarrenspiel in den
Mittelpunkt und zeigt eindrucksvoll, warum Guy zu den herausragenden Talenten der neuen Generation
von Bluesmusikern in Chicago zählte. Zu den zentralen Titeln gehören „First Time I Met The Blues“ und
„I Found A True Love“.
Mitte der 1960er-Jahre veröffentlichte Chess Records eine Reihe von Alben unter dem Titel „The Real
Folk Blues“, die Singles aus den Karrieren einiger der bedeutendsten Künstler des Labels bündelten. John
Lee Hookers „The Real Folk Blues“ unterschied sich von vielen dieser Kompilationen, da es eigens für Chess
neu eingespielte Sessions enthielt.
Diese legendären Aufnahmen aus dem Jahr 1966 fangen die Essenz seines unverwechselbaren Sounds und
seines einzigartigen Zugangs zum Blues ein. Zu den herausragenden Titeln zählen „One Bourbon, One
Scotch, One Beer“, „Stella Mae“ und „I’m In The Mood“.

Wie Amerika selbst ist auch die Geschichte von Chess Records eine Geschichte von Chancen in neuen Ländern, in denen Grenzen zwischen Hautfarbe und Kultur überwunden wurden, um Rhythm and Blues-Musik
zu schaffen, die Zuhörer auf der ganzen Welt beeinflusste. Das beeindruckende Künstleraufgebot von Chess
– und seine Gründer – haben den Blues von Volksmusik zu populärem Sound weiterentwickelt und verändert.
Im Jahr 2025 feiert Chess Records sein 75-jähriges Jubiläum. Anlässlich dieses historischen Meilensteins
wird Chess im Oktober dieses Jahres eine umfassende Jubiläumsreihe mit einer kuratierten Auswahl audiophiler Vinyl-Neuauflagen starten, beginnend mit Muddy Waters’ „The Best of Muddy Waters“ und Howlin’
Wolfs „Moanin’ in the Moonlight“.
„I Was Walkin’ Through The Woods“ versammelt Buddy Guys frühe Aufnahmen für Chess Records, die
allesamt in den frühen 1960er-Jahren entstanden. Die Sammlung rückt sein glühendes Gitarrenspiel in den
Mittelpunkt und zeigt eindrucksvoll, warum Guy zu den herausragenden Talenten der neuen Generation
von Bluesmusikern in Chicago zählte. Zu den zentralen Titeln gehören „First Time I Met The Blues“ und
„I Found A True Love“.
Mitte der 1960er-Jahre veröffentlichte Chess Records eine Reihe von Alben unter dem Titel „The Real
Folk Blues“, die Singles aus den Karrieren einiger der bedeutendsten Künstler des Labels bündelten. John
Lee Hookers „The Real Folk Blues“ unterschied sich von vielen dieser Kompilationen, da es eigens für Chess
neu eingespielte Sessions enthielt.
Diese legendären Aufnahmen aus dem Jahr 1966 fangen die Essenz seines unverwechselbaren Sounds und
seines einzigartigen Zugangs zum Blues ein. Zu den herausragenden Titeln zählen „One Bourbon, One
Scotch, One Beer“, „Stella Mae“ und „I’m In The Mood“.

Als MONO ihr vorheriges Album OATH 2023 gemeinsam mit ihrem langjährigen Produktionspartner und Freund Steve Albini aufgenommen hatten, konnten sie sich nicht vorstellen, dass es das letzte Studioalbum sein würde, das sie zusammen machten. Albini starb im darauffolgenden Jahr tragisch, und dieser Verlust hinterließ eine unermessliche Leerstelle - nicht nur im Leben all jener, die Steve persönlich kannten, sondern bei jedem, der eine emotionale Verbindung zu einem der Tausenden von Alben hat, an deren Entstehung er in den vergangenen vier Jahrzehnten beteiligt war. Er brachte Klarheit in das Chaos und eine selbstlose Hingabe an die Kunst und die Künstler, die ihresgleichen suchte. Auf persönlicher wie auf praktischer Ebene stellte sein Tod MONO vor tiefe Trauer und große Unsicherheit. Albini war zu einem grundlegenden Bestandteil des unverwechselbaren MONO-Sounds geworden, und allein der Gedanke daran, ihn ersetzen zu müssen, war mehr als entmutigend.Und dann kam: Brad Wood (Touché Amoré, The Smashing Pumpkins).Ausgewählt aufgrund seiner Vertrautheit mit MONOs kreativen und technischen Arbeitsprozessen - ebenso wie seiner jahrzehntelangen Freundschaft mit Steve Albini - betrat Brad Wood im September 2025 das legendäre Electrical Audio Studio, um aufzunehmen, was schließlich zu Snowdrop werden sollte. Gemeinsam mit dem in Chicago ansässigen Dirigenten und Orchesterleiter Chad McCullough verpflichteten MONO ein zehnköpfiges Orchester und einen achtköpfigen Chor für die acht monumentalen Stücke, aus denen Snowdrop besteht. Die Band spielte, und Wood nahm in demselben heiligen Raum auf, in dem die meisten MONO-Alben ihrer 25-jährigen Geschichte entstanden waren - die Songs auf Snowdrop tragen daher ein besonderes Gewicht. Abgemischt wurde das Album von Wood in seinem Seagrass-Home-Studio in Los Angeles; es klingt zugleich intim und umhüllend.Wo leicht ein Schatten über Snowdrop hätte liegen können, findet sich stattdessen eine außergewöhnliche Atmosphäre der Dankbarkeit. Statt in Herzschmerz zu verweilen, entsteht eine eindringliche Wertschätzung für das gut gelebte Leben mit einem geliebten Freund - und eine Sehnsucht danach, was noch kommen mag. Snowdrop ist der Klang einer Band, die Schock und Trauer in Hoffnung und Staunen verwandelt - und neue Klarheit im befreienden Gefühl des Nichtwissens findet.

Die Musik auf Horse Lords' "Demand to Be Taken to Heaven Alive!" wirkt zugleich unglaublich detailliert und zutiefst menschlich. Die zwölf versammelten Stücke sind vielschichtig, verflochten, tonal und rhythmisch komplex - moiré-artige Muster aus Interaktion und Verzahnung, die sich sowohl körperlich als auch geistig entfalten, voller klanglicher Gänge mit einem unausweichlichen Groove. Künstler sind nicht notwendigerweise Wissenschaftler, Logiker oder spirituelle Führer, doch durch ihr persönliches Verständnis von Ordnung und Erfahrung eröffnen sie einen unmittelbaren Zugang zu gesteigerten Zuständen von Materialität und Immaterialität. Horse Lords wurden 2010 in Baltimore gegründet; sie gingen aus einer anderen Gruppe namens Teeth Mountain hervor und starteten als Trio mit Gitarrist Owen Gardner, Bassist Max Eilbacher und Schlagzeuger Sam Haberman, bevor der Altsaxofonist Andrew Bernstein zum Kernensemble hinzustieß. Obwohl das Quartett aus einer fruchtbaren Noise- und Experimental-Rock-Szene hervorgegangen ist - einem legendären Umfeld für Künstler und Außenseiter, das viele einflussreiche Bands hervorgebracht hat (Lungfish, Matmos) - war ihr Ansatz über sechs Alben, zahlreiche Kollaborationen und als gefeierte Liveband weit vielseitiger, als es die punktierten Rhythmen instrumentaler elektrischer Rockmusik vermuten lassen. Für dieses Projekt wird die Band durch Bassklarinettistin Madison Greenstone, Posaunist Weston Olencki und - erstmals bei Horse Lords - durch Gesang von Nina Guo und Evelyn Saylor ergänzt. Der Entstehungsprozess von "D2BT2HA!" brachte geografische Hürden mit sich, da die vier Mitglieder seit 2021 in unterschiedlichen Städten leben. Nach sechzehn Jahren als funktionierende Band übersteigt ihre gemeinsame Sprache jedoch jeden Ort. Die aus Deutschland stammenden Gardner, Eilbacher und Bernstein trafen sich in Berlin für die Aufnahmen, während Haberman die Schlagzeugparts in Baltimore erarbeitete. Beim Hören würde man dies nicht unbedingt erkennen, und gemeinsames, räumlich getrenntes Arbeiten ist heutzutage ohnehin keine Seltenheit mehr. Die Band merkt an, dass "es wichtiger war, den Konzepten und Visionen der jeweils anderen zu vertrauen, als Abschnitte immer wieder zu spielen, um zu überprüfen, ob die Musik funktioniert - obwohl dieses Vertrauen nur durch sehr enges gemeinsames Arbeiten möglich wurde". Obwohl "D2BT2HA!" nicht im engeren Sinne eine Suite ist, beeinflusst und durchdringt sich die Musik in komplexen Verknüpfungen selbst. Horse Lords erklären: "Uns gefällt die Vorstellung von Kunst als Werkzeug zur Perspektivveränderung - dass man Ideen rotieren kann und sie aus einem anderen Blickpunkt sehen/hören/fühlen kann." Oder, wie es der Swami Satchidananda Saraswati zugeschriebene Satz ausdrückt: "Understanding is standing under where you are already standing." Das Eröffnungsstück ,Eureka 378-B" ist ein Arrangement von sakraler Harfenmusik aus dem 19. Jahrhundert, getragen vom Gesang von Guo und Saylor; seine Melodie entfaltet sich weit und setzt einen tonalen Startpunkt für vieles, was folgt. Dazu kommen die kurzen "Rotations", die Fragmente aus anderen Stücken isolieren. Offensichtlich tragen die Titel der Stücke einiges an Bedeutung, und "D2BT2HA!" bildet da keine Ausnahme - Transzendenz und Erhebung sind der Musik inhärent, und wenn jede Kunst politisch ist, so sind die Tendenzen von Horse Lords optimistisch und gemeinschaftsorientiert. Transformation und Neubetrachtung sind nicht nur kompositorische Strategien, sondern eine philosophische Haltung, was sich in Titeln wie ,A City Yet To Come", dem Titeltrack oder utopischen Bezügen zeigt. Wie sie selbst sagen: "Wir versuchen Musik zu machen, die den Status quo herausfordert und dem Hörer einen Weg zur Befreiung eröffnet. Das Studium und die Erforschung von Klang und Musik hat eine spirituelle und ekstatische Dimension, und wir haben große Ehrfurcht vor ihrer Wirkung auf den Einzelnen und die Welt." "D2BT2HA!" enthält unzählige klangliche und konzeptuelle Schichten, doch angesichts der unverkennbaren Kraft und Menschlichkeit der Musik ist der Prozess, sie zu entschlüsseln, begeisternd und zutiefst lohnend. Selten ist eine Platte, die einen so unmittelbar packt und zugleich bei jedem Hören vollkommen neu erscheint.

Die Musik auf Horse Lords' "Demand to Be Taken to Heaven Alive!" wirkt zugleich unglaublich detailliert und zutiefst menschlich. Die zwölf versammelten Stücke sind vielschichtig, verflochten, tonal und rhythmisch komplex - moiré-artige Muster aus Interaktion und Verzahnung, die sich sowohl körperlich als auch geistig entfalten, voller klanglicher Gänge mit einem unausweichlichen Groove. Künstler sind nicht notwendigerweise Wissenschaftler, Logiker oder spirituelle Führer, doch durch ihr persönliches Verständnis von Ordnung und Erfahrung eröffnen sie einen unmittelbaren Zugang zu gesteigerten Zuständen von Materialität und Immaterialität. Horse Lords wurden 2010 in Baltimore gegründet; sie gingen aus einer anderen Gruppe namens Teeth Mountain hervor und starteten als Trio mit Gitarrist Owen Gardner, Bassist Max Eilbacher und Schlagzeuger Sam Haberman, bevor der Altsaxofonist Andrew Bernstein zum Kernensemble hinzustieß. Obwohl das Quartett aus einer fruchtbaren Noise- und Experimental-Rock-Szene hervorgegangen ist - einem legendären Umfeld für Künstler und Außenseiter, das viele einflussreiche Bands hervorgebracht hat (Lungfish, Matmos) - war ihr Ansatz über sechs Alben, zahlreiche Kollaborationen und als gefeierte Liveband weit vielseitiger, als es die punktierten Rhythmen instrumentaler elektrischer Rockmusik vermuten lassen. Für dieses Projekt wird die Band durch Bassklarinettistin Madison Greenstone, Posaunist Weston Olencki und - erstmals bei Horse Lords - durch Gesang von Nina Guo und Evelyn Saylor ergänzt. Der Entstehungsprozess von "D2BT2HA!" brachte geografische Hürden mit sich, da die vier Mitglieder seit 2021 in unterschiedlichen Städten leben. Nach sechzehn Jahren als funktionierende Band übersteigt ihre gemeinsame Sprache jedoch jeden Ort. Die aus Deutschland stammenden Gardner, Eilbacher und Bernstein trafen sich in Berlin für die Aufnahmen, während Haberman die Schlagzeugparts in Baltimore erarbeitete. Beim Hören würde man dies nicht unbedingt erkennen, und gemeinsames, räumlich getrenntes Arbeiten ist heutzutage ohnehin keine Seltenheit mehr. Die Band merkt an, dass "es wichtiger war, den Konzepten und Visionen der jeweils anderen zu vertrauen, als Abschnitte immer wieder zu spielen, um zu überprüfen, ob die Musik funktioniert - obwohl dieses Vertrauen nur durch sehr enges gemeinsames Arbeiten möglich wurde". Obwohl "D2BT2HA!" nicht im engeren Sinne eine Suite ist, beeinflusst und durchdringt sich die Musik in komplexen Verknüpfungen selbst. Horse Lords erklären: "Uns gefällt die Vorstellung von Kunst als Werkzeug zur Perspektivveränderung - dass man Ideen rotieren kann und sie aus einem anderen Blickpunkt sehen/hören/fühlen kann." Oder, wie es der Swami Satchidananda Saraswati zugeschriebene Satz ausdrückt: "Understanding is standing under where you are already standing." Das Eröffnungsstück ,Eureka 378-B" ist ein Arrangement von sakraler Harfenmusik aus dem 19. Jahrhundert, getragen vom Gesang von Guo und Saylor; seine Melodie entfaltet sich weit und setzt einen tonalen Startpunkt für vieles, was folgt. Dazu kommen die kurzen "Rotations", die Fragmente aus anderen Stücken isolieren. Offensichtlich tragen die Titel der Stücke einiges an Bedeutung, und "D2BT2HA!" bildet da keine Ausnahme - Transzendenz und Erhebung sind der Musik inhärent, und wenn jede Kunst politisch ist, so sind die Tendenzen von Horse Lords optimistisch und gemeinschaftsorientiert. Transformation und Neubetrachtung sind nicht nur kompositorische Strategien, sondern eine philosophische Haltung, was sich in Titeln wie ,A City Yet To Come", dem Titeltrack oder utopischen Bezügen zeigt. Wie sie selbst sagen: "Wir versuchen Musik zu machen, die den Status quo herausfordert und dem Hörer einen Weg zur Befreiung eröffnet. Das Studium und die Erforschung von Klang und Musik hat eine spirituelle und ekstatische Dimension, und wir haben große Ehrfurcht vor ihrer Wirkung auf den Einzelnen und die Welt." "D2BT2HA!" enthält unzählige klangliche und konzeptuelle Schichten, doch angesichts der unverkennbaren Kraft und Menschlichkeit der Musik ist der Prozess, sie zu entschlüsseln, begeisternd und zutiefst lohnend. Selten ist eine Platte, die einen so unmittelbar packt und zugleich bei jedem Hören vollkommen neu erscheint.

Der Mittlere Westen, insbesondere der Teil, aus dem Eric D. Johnson stammt, ist eine weitgehend flache Weite. Wenn man auf der Autobahn hindurchbraust, sieht man Städte und Ortschaften in der Ferne aufragen, doch wenn man blinzelt, verpasst man andere von Menschenhand geschaffene Gegenstücke zum Leben in der Ebene, die die Landschaft prägen: Hügel um Hügel, erbaut aus den Abfällen der Vergangenheit: Mülldeponien. Einige dieser Hügel eignen sich hervorragend als Schlittenhügel, Parks und Wanderwege. Andere verwandeln organische Abfälle in Kompost. ,The Landfill" ist etwas ganz anderes: ein Berg, der die Landschaft in Johnsons Herzen dominiert. Im Laufe seiner mittlerweile 25-jährigen Karriere unter dem Namen Fruit Bats war der Großteil von Eric D. Johnsons Schaffen das Ergebnis von Geduld und Feinschliff. Seine Songs sind, um einen Ausdruck zu verwenden, Langzeitprojekte, die auf Alben zum Leben erweckt werden, welche lange Zeiträume und Erinnerungen umfassen. "Baby Man" änderte das - er verbot sich, auf Material zurückzugreifen, an dem er vor der Aufnahme des Albums gearbeitet hatte. Es war sowohl ein atemberaubendes Dokument von Johnsons Können als Singer-Songwriter als auch ein ungeschönter Bericht über die zwei Wochen, in denen er das Album aufnahm. "Diese Session war vorbei", erklärt er, "aber es gab noch viel mehr zu erkunden. Mir gefiel die Unmittelbarkeit davon, und ich wollte sehen, wie sich das auf ein Fruit-Bats-Album mit voller Bandbesetzung übertragen lassen würde." Innerhalb weniger Wochen war er wieder im Studio, diesmal mit seiner Band: David Dawda (Bass), Josh Mease (Gitarren, Synthesizer), Frank LoCrasto (Klavier, Synthesizer) und Kosta Galanopoulos (Schlagzeug). Wenn man sich "The Landfill" anhört, stellt man fest: Diese Band rockt. Johnson produzierte die ersten Aufnahmesessions in den Bear Creek Studios in Washington und machte sich daran , "den Sound dieser Band einzufangen, die mich immer wieder in Staunen versetzt - das Gefühl, in einem Raum mit Musikern zu sein, die man liebt und denen man genug vertraut, um sie einfach machen zu lassen." Sie nahmen das meiste davon in einem Durchgang auf - ohne Click-Tracks, ohne zusammengestellte Gesangsparts und mit minimalen Overdubs, wobei der häufige Mitwirkende Thom Monahan zurückkehrte, um zusätzliche Produktionsarbeit zu leisten und den finalen Mix von ,The Landfill" zu erstellen. "So machen wir es auch mit meiner anderen Band, Bonny Light Horseman, und ich war neugierig, wie es bei den Fruit Bats funktionieren würde", bemerkt Johnson. "Es ist sowohl ein sehr persönliches Album als auch mein bisher kollaborativstes." Es ist zudem das live-orientierteste Album der Fruit Bats seit "The Ruminant Band" aus dem Jahr 2009, und durch die Reduzierung der Spuren, die einen Song einer kompletten Band normalerweise ausmachen, ist die psychedelische, technicolorartige Verträumtheit ihres Sounds lebendiger denn je. Die Songs auf "The Landfill" zeichnen sich sofort als einige der besten in Eric D. Johnsons Werk aus, Suchende und Hymnen gleichermaßen. Es ist der bisher gewaltigste Gipfel, den er erklommen hat.

Der Mittlere Westen, insbesondere der Teil, aus dem Eric D. Johnson stammt, ist eine weitgehend flache Weite. Wenn man auf der Autobahn hindurchbraust, sieht man Städte und Ortschaften in der Ferne aufragen, doch wenn man blinzelt, verpasst man andere von Menschenhand geschaffene Gegenstücke zum Leben in der Ebene, die die Landschaft prägen: Hügel um Hügel, erbaut aus den Abfällen der Vergangenheit: Mülldeponien. Einige dieser Hügel eignen sich hervorragend als Schlittenhügel, Parks und Wanderwege. Andere verwandeln organische Abfälle in Kompost. ,The Landfill" ist etwas ganz anderes: ein Berg, der die Landschaft in Johnsons Herzen dominiert. Im Laufe seiner mittlerweile 25-jährigen Karriere unter dem Namen Fruit Bats war der Großteil von Eric D. Johnsons Schaffen das Ergebnis von Geduld und Feinschliff. Seine Songs sind, um einen Ausdruck zu verwenden, Langzeitprojekte, die auf Alben zum Leben erweckt werden, welche lange Zeiträume und Erinnerungen umfassen. "Baby Man" änderte das - er verbot sich, auf Material zurückzugreifen, an dem er vor der Aufnahme des Albums gearbeitet hatte. Es war sowohl ein atemberaubendes Dokument von Johnsons Können als Singer-Songwriter als auch ein ungeschönter Bericht über die zwei Wochen, in denen er das Album aufnahm. "Diese Session war vorbei", erklärt er, "aber es gab noch viel mehr zu erkunden. Mir gefiel die Unmittelbarkeit davon, und ich wollte sehen, wie sich das auf ein Fruit-Bats-Album mit voller Bandbesetzung übertragen lassen würde." Innerhalb weniger Wochen war er wieder im Studio, diesmal mit seiner Band: David Dawda (Bass), Josh Mease (Gitarren, Synthesizer), Frank LoCrasto (Klavier, Synthesizer) und Kosta Galanopoulos (Schlagzeug). Wenn man sich "The Landfill" anhört, stellt man fest: Diese Band rockt. Johnson produzierte die ersten Aufnahmesessions in den Bear Creek Studios in Washington und machte sich daran , "den Sound dieser Band einzufangen, die mich immer wieder in Staunen versetzt - das Gefühl, in einem Raum mit Musikern zu sein, die man liebt und denen man genug vertraut, um sie einfach machen zu lassen." Sie nahmen das meiste davon in einem Durchgang auf - ohne Click-Tracks, ohne zusammengestellte Gesangsparts und mit minimalen Overdubs, wobei der häufige Mitwirkende Thom Monahan zurückkehrte, um zusätzliche Produktionsarbeit zu leisten und den finalen Mix von ,The Landfill" zu erstellen. "So machen wir es auch mit meiner anderen Band, Bonny Light Horseman, und ich war neugierig, wie es bei den Fruit Bats funktionieren würde", bemerkt Johnson. "Es ist sowohl ein sehr persönliches Album als auch mein bisher kollaborativstes." Es ist zudem das live-orientierteste Album der Fruit Bats seit "The Ruminant Band" aus dem Jahr 2009, und durch die Reduzierung der Spuren, die einen Song einer kompletten Band normalerweise ausmachen, ist die psychedelische, technicolorartige Verträumtheit ihres Sounds lebendiger denn je. Die Songs auf "The Landfill" zeichnen sich sofort als einige der besten in Eric D. Johnsons Werk aus, Suchende und Hymnen gleichermaßen. Es ist der bisher gewaltigste Gipfel, den er erklommen hat.

20 Studioalben hat die gegen Ende der 60er Jahre von Frank Bornemann gegründete Band, die man schon früh dem Art- und Progressive-Rock zuordnete, bis heute veröffentlicht. Der Durchbruch gelang Eloy Mitte der 70er Jahre zumeist mit spektakulären Konzeptwerken, die sich zunehmend weltweit verkauften, was sich nicht nur in Deutschland durch zahlreich hohe Chartnotierungen, sowie in mit Edelmetall dekorierten Auszeichnungen zeigt, sondern ihnen auch international viel Beachtung einbrachte, aus der sich zunehmend eine beträchtliche Fangemeinde entwickelte, die bis heute anhält, ja sogar noch ständig wächst. Als unlängst ein Fanclub auf die Idee kam, aus dem zahlreichen Repertoire der Band eigene Favoriten aus dem großen Fundus zusammenzustellen und selbst Compilations für sich herzustellen, erwachte der Gedanke, dies auch ganz offiziell anzubieten und Highlights von Eloy auf Tonträger gebündelt zu veröffentlichen, die verschiedenen Epochen der Bandgeschichte entnommen wurden. Wir haben sie an kompetenter Stelle, also von Frank Bornemann und Toningenieur Benjamin Schäfer im Sound so bearbeiten lassen, dass sie perfekt zueinander passen und somit dem Zuhörer ein sehr individuelles Hörerlebnis bieten. Auf diese Weise ist "Hidden Treasures" entstanden und soll dem Eloy -Fan eine Sound- und Songkombination offerieren, welche es so bislang noch nicht gab.

Das Debüt des transzendentalen Gitarrenmeisters aus dem Jahr 1971, remastered für all eure Sabbat-Bedürfnisse. 37 Minuten ambienter Gitarrenzauberei und der perfekte Soundtrack für das Erwachen des dritten Auges, Lichtalchemie oder Menschenopfer. Mit diesem Werk könnte man eine Sekte gründen. Der kalifornische Versandhandelsmystiker Master Wilburn Burchette wurde erstmals durch seine Anzeigen bekannt, die auf den hinteren Seiten des ,Fate Magazine", von ,Beyond Reality" und ,Gnostica News" versteckt waren. Im Angebot: Burchettes siebenteiliger, im Blockdruckverfahren hergestellter ,Psychic Meditation Course", der den Menschen beibringen sollte, wie man Musik hört. Passend zu seinen Lektionen verkaufte Burchette eine Reihe von Instrumentalplatten mit Gitarren- und Elektronikmusik, die mit kunstvollen, handgezeichneten Cover-Motiven versehen waren und Höranweisungen vom Meister selbst enthielten. Bereits seit seinem zwölften Lebensjahr war Burchette von der Parapsychologie fasziniert und verbrachte ebenso viel Zeit mit dem Lesen von Büchern über die Grundlagen der tibetischen Mystik wie mit dem Üben auf der Gitarre, deren Schwingungen er nutzte, um Klangbilder und -muster zu erschaffen. Nachdem er eine Zeit lang klassische Gitarre unterrichtet hatte, veröffentlichte Meister Wilburn Burchette in den sieben Jahren von 1971 bis 1977 sieben Alben, bevor er abrupt alles, was mit seinen musikalischen Erkundungen zu tun hatte, verbrannte und wegwarf.

Erstpressung des Soundtracks zum Netflix-Originalfilm mit Cillian Murphy, Tracey Ullman und Jay Lycurgo. Die Originalmusik wurde von Ben Salisbury und Geoff Barrow komponiert und enthält außerdem ,Don't Leave Too Soon" von Little Simz (die auch in dem Film mitspielt), den sie exklusiv für die Figur Shy geschrieben hat. Der Soundtrack enthält auch Beiträge des renommierten Elektro-Produzenten und DJs Slipmatt. Ben Salisbury und Geoff Barrow haben unter anderem die Soundtracks und Filmmusik für Annihilation, Ex-Machina, Civil War, Black Mirror und Devs geschrieben und produziert.

,Looks Far Woman" ist ein konzentriertes und eindringliches Album der Cellistin und Komponistin Aliya Ultan, das als Zyklus aus sechs elementaren ,Liedern" aufgebaut ist, die sich an der Schnittstelle von Komposition, Traumlogik und ritueller Praxis entfalten. Ausgehend von einer Phase körperlicher und emotionaler Erschöpfung arbeitet Ultan mit Atem und anhaltender Aufmerksamkeit als kompositorischen Materialien und schafft Musik, die sich an einer hypnagogischen Schwelle bewegt - jenem liminalen Raum zwischen Wachsein und Schlaf, wo die Wahrnehmung weicher wird und innere Welten an die Oberfläche treten. Geleitet von der Figur der ,Looks Far Woman", einer Seherin und Hüterin in Ultans persönlicher Kosmologie, zeichnet das Album einen stillen Bogen aus Aufbruch, Heilung und Rückkehr nach. Aufgenommen kurz vor einer großen geografischen und psychischen Wende in Ultans Leben, verzichtet das Album auf Virtuosität zugunsten von Geduld, Zurückhaltung und tiefem Zuhören. ,Looks Far Woman" wurde von Randall Dunn aufgenommen, abgemischt und produziert und ist ein eindrucksvolles Statement eines aufstrebenden Komponisten, der an den Rändern der zeitgenössischen experimentellen Musik arbeitet.

Producer, Drummer und Hamburger Jazzpreisträger Silvan Strauss war bereits eine feste Größe der Szene, als er 2021 sein Debüt "FACING" veröffentlichte - eine Mischung aus Madlib-inspirierten Beats und atmosphärischem Jazz. Seitdem erreichte er internationale Bühnen wie das Montreux Jazz Festival und begeisterte mit viralen Drum-Videos Musikgrößen wie Pete Rock und Queen Latifah.Für sein zweites Album "FLUKIN"" kehrte Strauss zurück zum Ursprung: Drei Tage intensive Live-Sessions in den Hamburger Clouds Hill Studios mit hochkarätigen Gästen. Im Gegensatz zum loop-orientierten Vorgänger setzt "FLUKIN"" auf echte Interaktion, Improvisation und organische Kommunikation in Echtzeit. Das Ergebnis ist ein unkomplizierter, lebendiger Sound, der die Magie des gemeinsamen Spielens einfängt.Unterstützt wurde er dabei von Künstlern wie Farhot, SALOMEA, Oscar #Worldpeace, Joe Armon-Jones und Mehdi Qamoum. Der Titel leitet sich vom Begriff "Fluke" (Zufallsglück) ab und beschreibt Strauss" Ansatz, bewusste Räume für glückliche, unvorhersehbare Momente in der Musik zu schaffen. Mit diesen 10 Tracks reiht sich Silvan Strauss in die klangliche Welt von Terrace Martin oder Hiatus Kaiyote ein.

Für Ihre politischen und gesellschaftlichen Entscheidungen von gestern, heute und morgen gibt es nun einen neuen, verlässlichen Anbieter. Wir kündigen zum nächstmöglichen Zeitpunkt den Wechsel zu der FLINTA-geführten Institution DIE BEHÖRDE aus Bremen an. Als erster amtlicher Schritt wird die Musikproduktion mit dem Titel DER LETZTE ARBEITGEBER erscheinen. Darin enthalten: acht exklusive Stücke mit einer flüchtigen Spielzeit von knapp 20 Minuten. Düster, punkig, relevant und mit dem nötigen Bremer Ernst vorgetragen. Textlich wird der sich erhärtende Verdacht, im falschen Leben zu sein, mit wütender Ehrlichkeit von der Straße gesammelt. Unbewältigt stehen Themen wie Diskriminierung, patriarchale Dominanz und Migrationsfeindlichkeit auf der Tagesordnung. Eiskalte, angriffslustige und hallende Gitarren prallen auf mäandernde Basslinien und pointiert-scharfes Drumming, während der Gesang in aller Dringlichkeit verwüstet, zerstört und wieder heilt. Die Anmut der hier vorgetragenen dienstlichen Beschwerde liegt in der Hoffnung, dass die Lösung nur ein paar Straßenbahnhaltestellen entfernt liegt. Ausführung und Qualität erinnern an Musikgruppen wie Berlin 2.0, Rauchen, Pogendroblem oder Frustwut. Damit ist DIE BEHÖRDE unabdingbarer Bestandteil des derzeit verfügbaren, hochwertigen und notwendigen Bildungsangebots. Ausrufezeichen!

Der mehrfach preisgekrönte Londoner Jazz-Saxofonist startet mit seinerm neuen Soloalbum sein eigenes Label.

Multiinstrumentalist, Produzent und Künstler Shabaka (Hutchings) veröffentlicht mit "Of The Earth" sein drittes Soloalbum, das gleichzeitig das erste ist, das über sein eigenes Label Shabaka Records erscheint und komplett von ihm selbst geschrieben und produziert wurde. Auf "Of The Earth" kehrt Shabaka zu seinem charakteristischen Saxophonklang zurück, ergänzt durch ausgefeilte Elektronik und Produktion sowie traditionelle Holzblasinstrumente und Perkussion aus aller Welt. Diese Kombination unterstreicht sein vielseitiges Talent und prägt den Gesamtklang des Albums. Hutchings genießt hohes Ansehen für seine Arbeit mit The Comet Is Coming, Sons Of Kemet, Shabaka And The Ancestors sowie für die beiden jüngsten Soloprojekte "Perceive Its Beauty, Acknowledge Its Grace" (2024) und "Afrikan Culture" (2023). Als Musiker arbeitete er bereits mit einer Vielzahl namhafter Künstler zusammen, darunter Andre 3000, Floating Points, Mulatu Astatke, The Sun Ra Arkestra, Lianne La Havas, Saul Williams und viele mehr. "Of The Earth" erscheint als schwarze Vinyl-LP, als limitierte kornblumenblaue Vinyl-Edition und als CD. Beide Vinyl-Formate enthalten ein Booklet mit Hutchings' eigenem Artwork.

Mit "Sowiesoso" schufen Hans-Joachim Roedelius und Dieter Moebius (Cluster) 1976 eines der klarsten und zugleich visionärsten Werke der europäischen Elektronikmusik. Nach dem viel beachteten Zuckerzeit öffnet sich das Duo hier einer reduzierten, transparenten Klangsprache: sanft kreisende Sequenzen, subtile Rhythmen und melodische Fragmente entfalten eine stille, konzentrierte Schönheit. Aufgenommen im eigenen Studio mit bewusst minimalem Equipment, lebt Sowiesoso von Autonomie und Präzision. Wiederholung und Variation stehen in feinem Gleichgewicht, fern von Effekthascherei oder technischer Selbstinszenierung. Die Musik wirkt utopisch, aber geerdet - geprägt von der Landschaft Norddeutschlands ebenso wie von Clusters konsequenter Suche nach einer neuen musikalischen Sprache. Zum 50. Jubiläum erscheint das Album als limitierte LP-Edition auf 180g-Vinyl, handnummeriert limitiert - eine würdige Neuauflage eines zeitlosen Meilensteins.

London-based DJ, producer, singer, and Fine Human Records owner Dino Lenny returns to vinyl releases on his own label.

Two fast-paced tracks that meander through waves of dark electronica and diabolical synths.

These tracks were created to capture the inner workings of Lenny's mind, transforming them into hypnotic works.

With releases on R&S, Diynamic, Innervisions, Rekids, Crosstown Rebels, Strictly Rhythm, Cocoon, and his own Fine Human Records label,

has remixed and collaborated with Underworld, Missy Elliott, Wu-Tang Clan, and Madonna,

Lenny has long held a firm foothold in both the underground and mainstream electronic music scene.

Consistently supported by Laurent Garnier, Carl Cox, Sven Vath, he maintains a presence that spans multiple scenes without being defined by just one.

Since 2021, he has hosted Tomorrowland's CORE radio show, featuring artists such as Nina Kraviz, Ellen Allien, Ame and Sven Vath

Maximum Penalty wurden 1986 gegründet und gelten als eine der einzigartigsten Bands, die während der Blütezeit des New Yorker Hardcore entstanden sind. Die Band, die von Sänger Jimmy Williams ins Leben gerufen wurde und 1988 durch den Gitarristen Joseph Affe verstärkt wurde, begann mit schnellem Hardcore-Punk und entwickelte sich nach und nach zu etwas Größerem, angetrieben von melodischen Rhythmen und gefühlvollem, klarem Gesang. Maximum Penalty war von Anfang an ein fester Bestandteil legendärer Veranstaltungsorte wie CBGB und Coney Island High und tourte in den 90er Jahren auch durch Nordamerika und Europa, wo sie die Bühne mit Bands wie Agnostic Front, Madball, Sick Of It All und Gorilla Biscuits teilten. Die erste Schaffensphase von Maximum Penalty umfasste eine beeindruckende Diskografie - ,Demo 89", die EP ,East Side Story" von 1995, die LP ,Independent" von 1996, die LP ,Super Life" von 1997 sowie eine Reihe von Titeln auf verschiedenen Compilations, darunter ,Where The Wild Things Are" und ,Satisfaction Guaranteed" von Blackout Records. Maximum Penalty tauchte 2009 mit der LP ,Life & Times" (Reaper Records) wieder auf und brachte ihren Sound neuen und alten Hörern näher. Der Einfluss, den Maximum Penalty auf die moderne Hardcore-Szene hatte, ist unbestreitbar. Turnstile nahm die Band in eine einflussreiche Playlist auf, und der Hardlore-Podcast erklärte Maximum Penalty zu einer der ,am meisten unterschätzten Hardcore-Bands". Im Jahr 2025 veröffentlichte die Hardcore-Band End It aus Baltimore ein Cover von ,Could You Love Me?" aus dem 1996er Album ,Independent", hauchte dem Titel neues Leben ein und veranlasste Fans, das Original zu entdecken. Zum 30-jährigen Jubiläum wird ,Independent" zum ersten Mal überhaupt auf Vinyl gepresst, und zwar über Flatspot Records. Gitarrist Joseph Affe bemerkt: ,Maximum Penaltys ,Independent` ist das einzige Album, das nie auf Vinyl erschienen ist, da Vinyl zu der Zeit, als es auf CD veröffentlicht wurde, nur eine Nebensache war. Während wir weiter spielten und neue Veröffentlichungen herausbrachten, war die Veröffentlichung von ,Independent` auf Vinyl etwas, das wir schon immer tun wollten, und nun sind wir endlich, 30 Jahre später, so weit. Die ,Independent`-Ära war eine großartige Zeit in der Geschichte von Maximum Penalty - es bedeutet uns sehr viel, zu sehen, dass ein neues Publikum die Platte zum ersten Mal entdeckt, das ist unglaublich!"

Maximum Penalty wurden 1986 gegründet und gelten als eine der einzigartigsten Bands, die während der Blütezeit des New Yorker Hardcore entstanden sind. Die Band, die von Sänger Jimmy Williams ins Leben gerufen wurde und 1988 durch den Gitarristen Joseph Affe verstärkt wurde, begann mit schnellem Hardcore-Punk und entwickelte sich nach und nach zu etwas Größerem, angetrieben von melodischen Rhythmen und gefühlvollem, klarem Gesang. Maximum Penalty war von Anfang an ein fester Bestandteil legendärer Veranstaltungsorte wie CBGB und Coney Island High und tourte in den 90er Jahren auch durch Nordamerika und Europa, wo sie die Bühne mit Bands wie Agnostic Front, Madball, Sick Of It All und Gorilla Biscuits teilten. Die erste Schaffensphase von Maximum Penalty umfasste eine beeindruckende Diskografie - ,Demo 89", die EP ,East Side Story" von 1995, die LP ,Independent" von 1996, die LP ,Super Life" von 1997 sowie eine Reihe von Titeln auf verschiedenen Compilations, darunter ,Where The Wild Things Are" und ,Satisfaction Guaranteed" von Blackout Records. Maximum Penalty tauchte 2009 mit der LP ,Life & Times" (Reaper Records) wieder auf und brachte ihren Sound neuen und alten Hörern näher. Der Einfluss, den Maximum Penalty auf die moderne Hardcore-Szene hatte, ist unbestreitbar. Turnstile nahm die Band in eine einflussreiche Playlist auf, und der Hardlore-Podcast erklärte Maximum Penalty zu einer der ,am meisten unterschätzten Hardcore-Bands". Im Jahr 2025 veröffentlichte die Hardcore-Band End It aus Baltimore ein Cover von ,Could You Love Me?" aus dem 1996er Album ,Independent", hauchte dem Titel neues Leben ein und veranlasste Fans, das Original zu entdecken. Zum 30-jährigen Jubiläum wird ,Independent" zum ersten Mal überhaupt auf Vinyl gepresst, und zwar über Flatspot Records. Gitarrist Joseph Affe bemerkt: ,Maximum Penaltys ,Independent` ist das einzige Album, das nie auf Vinyl erschienen ist, da Vinyl zu der Zeit, als es auf CD veröffentlicht wurde, nur eine Nebensache war. Während wir weiter spielten und neue Veröffentlichungen herausbrachten, war die Veröffentlichung von ,Independent` auf Vinyl etwas, das wir schon immer tun wollten, und nun sind wir endlich, 30 Jahre später, so weit. Die ,Independent`-Ära war eine großartige Zeit in der Geschichte von Maximum Penalty - es bedeutet uns sehr viel, zu sehen, dass ein neues Publikum die Platte zum ersten Mal entdeckt, das ist unglaublich!"

45 Jahre auf der Bühne haben nicht nur den Musiker Rainhard Fendrich geprägt. Seine Lieder wurden
in dieser Zeit zum persönlichen Soundtrack für Generationen von Menschen. Bleibende Erinnerungen und
ganze Lebensgeschichten sind bis heute eng mit seiner Musik verwoben. Mehr noch: Aus Liedern wurden
Hits, die sich verselbständigt und ein Eigenleben entwickelt haben, weil das Publikum sie zu etwas gemacht
hat, was weit über ihre ursprüngliche Bestimmung hinaus geht.
Seine Jubiläumstournee „45 Jahre – Nur ein Wimpernschlag“ hat Fendrich dazu genutzt, um gemeinsam mit seinen Fans 45 Jahre Erinnerungen zur feiern und mit ihnen auf eine musikalische Reise zu gehen:
mehr als vier Jahrzehnte Hits, von den 80er Jahren bis hin zur Gegenwart.
Das Album „45 Jahre“ ist ein einmaliges Erlebnis! Vor der beeindruckenden Kulisse des Wörthersees in
Klagenfurt und in der Stadthalle Wien wurden drei Stunden Emotionen, Erinnerungen und unvergessliche
Melodien live eingefangen.

Red "Eruption" Marble Blend" Doppel-Vinyl, inklusive 16-seitigem Booklet mit Texten und ausführlichen Liner Notes. Ursprünglich 1998 veröffentlicht, fing ,South Central Thynk Taynk" von Abstract Tribe Unique (Abstract Rude, Fat Jack, Zulu Butterfly Priest, Irie Lion King und DJ Drez) einen entscheidenden Moment in der Underground-Szene von Los Angeles ein - als junge schwarze Künstler den Hip-Hop von Grund auf neu erfanden. Mit einer Mischung aus jazzigen Beats, spiritueller Einsicht und einer äußerst unabhängigen Produktion wurde das Album zu einer Hymne auf Selbstständigkeit und kreative Rebellion. Jetzt wird dieser lange nicht mehr erhältliche Klassiker von Rhymesayers Entertainment als Deluxe-2xLP-Set mit einem Text-Booklet und einem Bonustrack neu aufgelegt und kehrt für eine neue Generation zurück. Im kulturellen Zentrum der Platte steht Project Blowed, eine legendäre Crew aus L.A., die von Abstract Rude und Aceyalone gegründet wurde und eine Reihe von Rap-Innovatoren hervorbrachte, deren Einfluss bis heute im globalen Hip-Hop zu spüren ist. Während der Mainstream-Rap den G-Funk-Boom der Westküste aufgriff, schlug die Blowed-Crew einen anderen Weg ein - geprägt von Jazz, radikaler Politik und afrozentrischem Futurismus. ,South Central Thynk Taynk" ist eine vielschichtige Zeitkapsel aus dieser revolutionären Zeit, die Ab Rudes tiefgründige Lyrik mit Fat Jacks genreübergreifendem Produktionsansatz verbindet und eine poetische Reflexion über Familie, Kampf und künstlerische Bestimmung schafft. Diese Neuauflage enthält den Titel ,L.A. Styles Back (Project Blowed Remix)" mit einer generationsübergreifenden Besetzung von Schwergewichten - Aceyalone, Myka 9, Medusa, Pigeon John, Blu, 2Mex, Ellay Khule, Riddlore und NGAFSH -, die unterstreicht, wie die Underground-Szene von L.A. seit Jahrzehnten ein kreatives Epizentrum geblieben ist. ,South Central Thynk Taynk" ist mehr als ein Kultartefakt; es ist ein lebendiges Dokument der Transformation, der Gemeinschaft und der künstlerischen Kraft.















[o] 15 : L.A. Styles Back (Project Blowed Remix)” [feat. Aceyalone, Myka 9, Medusa, Pigeon John, Blu, 2Mex, Ellay Khule, Riddlore, NGAFSH]

Diese LP präsentiert eine Auswahl besinnlicher Werke der klassischen Musik und richtet sich an Hörer:innen, die eine ruhige, reflektierte Klangatmosphäre suchen. Das Tracklisting verbindet groß besetzte orchestrale Kompositionen von Mahler und Williams mit der kammermusikalischen Präzision von Bach und Debussy. Seite A wird durch das Adagietto aus Mahlers 5. Sinfonie eröffnet, das insbesondere durch seine Verwendung im Film „Tod in Venedig” bekannt wurde. Es folgen das Thema aus „Schindlers Liste“ von John Williams sowie Faurés „Après un rêve“. Dadurch wird der erste Teil des Albums von dichten, orchestralen Arrangements geprägt. Die B-Seite wechselt in einen intimeren Rahmen und stellt die Solisten in den Vordergrund. Nach den impressionistischen Klängen Debussys folgt Saint-Saëns' „Aquarium“, das als Erkennungsmelodie der Filmfestspiele von Cannes bekannt wurde. Den Abschluss bildet Beethovens „Pathétique“-Sonate.

Inkl. Bonus-LP mit rarem Livematerial aus Dänemark und Göteborg. "Rock för kropp och själ" markiert das letzte und endgültige Statement von Träd, Gräs och Stenar während ihrer ersten Zeit beim legendären Label Silence. Im Jahr 1972 hatte die Band einen Wendepunkt erreicht. Nach fünf Jahren unablässigen Tourens - geprägt von drei- bis vierstündigen Marathon-Konzerten an vier oder fünf Abenden pro Woche - war das Kollektiv körperlich wie kreativ erschöpft. Was einst befreiende Intensität gewesen war, wurde zunehmend zur Belastung. Die Band spürte einen stetigen Druck, bei jedem Auftritt ,maximale Ekstase" und vollständige psychische Immersion zu liefern. Diese Phase hochintensiver, völlig ,abgehobener" Live-Performances fand ihren Abschluss im Auftritt im Gefängnis von Falun im Juli 1972. Kurz darauf gingen die Mitglieder getrennte Wege, um Abstand zu gewinnen, sich neu zu orientieren und ihre individuellen künstlerischen Wege neu zu gestalten.

Seit mehr als drei Jahrzehnten befindet sich AFI in einem nahezu ständigen Prozess der Neuerfindung. Die Band hat es sich zum Ziel gesetzt, sich mit jedem Album weiterzuentwickeln - manchmal sogar dramatisch - und sich niemals zu sehr in einem Genre einzurichten oder sich auf ihren beeindruckenden Erfolgen auszuruhen. Dieser Ansatz hat ihr Publikum vergrößert, aber auch herausgefordert mit einer klanglichen Identität, die sich in wilde, unerwartete Richtungen entwickeln kann. Mit ihrem zwölften Album "Silver Bleeds the Black Sun_" stehen AFI erneut am Anfang eines mutigen neuen Kapitels, nur dass sie es diesmal geschafft haben, sich selbst zu überraschen. Wie schafft es eine Band, die für kreative Umbrüche bekannt ist, immer wieder Wege zu finden, sich selbst aus ihrer Komfortzone herauszuziehen? Normalerweise beginnt die Band ein Album, indem sie sich sofort in das Schreiben stürzt und sich einfach von ihrer intuitiven musikalischen Sprache leiten lässt. Für "Silver Bleeds the Black Sun_" jedoch haben AFI sich bewusst dazu entschlossen, ihren kreativen Ansatz komplett zu ändern. Diesmal begann alles mit einer Frage: Wie könnten sie neue Wege beschreiten? Der Schlüssel zum Fortschritt lag letztendlich in der gemeinsamen Vergangenheit von AFI. "Wir begannen mit etwas, das wie Echo & the Bunnymen klang", erklärt Gitarrist Jade Puget, der das Album produzierte und abmischte. "Aber schließlich landeten wir bei dieser Mischung aus Death Rock und Postpunk - all diesen Einflüssen aus den späten 70ern und frühen 80ern, mit denen wir aufgewachsen sind, wie Sisters of Mercy, Bauhaus und Siouxsie and the Banshees." Das Ziel war es, ein Album mit einer einzigartigen Stimmung zu schaffen, etwas Verträumtes und Ätherisches, und die Bandmitglieder tauchten kopfüber in Einflüsse ein, die schon immer tief in der Musik von AFI verwurzelt waren, jetzt aber in den Vordergrund rückten. "Silver Bleeds the Black Sun_" ist düster und jenseitig, aber auch grandios und würdevoll, bissig und schön zugleich - mit anderen Worten: Es ist sehr AFI, aber doch anders als alles, was man bisher von der Band gehört hat.

Pianist and bandleader Linus Rebmann, together with Gabriel Widmaier on double bass and Johnny Walker on drums, shapes a transparent and powerful sound characterized by great joy in playing and a palpable sense of familiarity. The album's ten original compositions tell of observations, inner movements, and moments whose depth is better expressed through music than words. The three young musicians met in the Baden- Wurttemberg Landesjugendjazzorchester, and after winning the "Jugend jazzt south- west" competition in 2024, the trio was awarded the prestigious Deutschlandfunk Studiopreis at the national meeting. This made it possible to produce the album in the legendary Kammermusiksaal of Deutschlandfunk in Cologne - a space that has been among the country's finest recording venues for decades. The band members deliberately chose an intimate setting for the recordings. Everything was played through a single main microphone, without subsequent corrections to individual instruments. A working method that demands absolute presence and mutual trust. It is precisely this immediacy that shapes the sound of "Listen To The River": the album is transparent, organic, flowing, almost breathing.

Nach ihrem Debütalbum ,I" im Jahr 2023, das ihnen nationale Radiopräsenz, Auftritte bei großen Festivals und Europatourneen einbrachte, erweitert das Montrealer Art-Pop-Trio Bye Parula mit seinem zweiten Album ,Something Out of Nothing" seinen ästhetischen Horizont und widmet sich einem eher introspektiven Songwriting. Wie sein Vorgänger wurde ,Something Out of Nothing" von Robbie Kuster von Patrick Watson produziert und von Warren Spicer von Plants and Animals gemischt, aber das neue Album präsentiert auch ein Team von Mitwirkenden - darunter die Inuk-Sängerin und Songwriterin Elisapie, Adèle Trottier-Rivard von Bibi Club, Morgan Moore und Karkwa-Keyboarder François Lafontaine -, das von der wachsenden Bedeutung von Bye Parula in der kanadischen Indie-Szene zeugt. Das Ergebnis ist eine vielseitige Mischung, die sich aus dem orchestralen Funk von Serge Gainsbourg, den melancholischen Melodien von Elliott Smith, den weltlichen Rhythmen von Talking Heads und dem bodenständigen R&B von Dijon speist, allesamt durchdrungen von einer cineastischen Sensibilität der 70er Jahre, die die Grenze zwischen sonnendurchfluteter, weichgezeichneter Fantasie und urbaner Raffinesse verwischt. Doch die vergnügungssüchtigen Klänge von ,Something Out of Nothing" können die unter der Oberfläche lauernde Not nicht verdecken - dies ist ein Album, das Ihre Schultern musikalisch massiert, während es Ihnen textlich in die Magengrube schlägt.

Erstauflage als "Sparkle Starlight Vinyl" 2LP mit Etching auf der vierten Seite. Im technischen Sinne war jedes bisherige Album des französischen Trios SLIFT eine Fantasie - ein Mix aus Genres und Formen, der es der Band ermöglichte, zu improvisieren und so lange zu jammen, bis sie sich scheinbar gemeinsam ins All zu winden schienen. Ihr gefeiertes drittes Album, "Ilion" aus dem Jahr 2024, war eine Science-Fiction-Geschichte, aufgebaut aus 10- bis 13-minütigen explorativen Eskapaden, die oft mit Doom Metal oder Stoner Rock begannen, bevor sie sich frei in glorreiche instrumentale Vergessenheit drehten. Doch mit einer gewissen absichtlichen Ironie heißt SLIFTs viertes Album tatsächlich "Fantasia". Es ist ihr bisher schlankstes und direktestes Album. Es ist auch ihr bisher fesselndstes Album, eine pointierte Saga über die Überwindung internationaler Umbrüche, vorgetragen von einer Band, die mit voller Kraft vorangeht und dabei keine einzige Sekunde verschwendet. Obwohl nur Jean und Bassist Rémi Fossat verwandt sind, ist SLIFT im Grunde eine Band von Brüdern. Mit Schlagzeuger Canek Flores sind sie schon seit der Highschool befreundet, und 2026 markiert ein Jahrzehnt zusammen in diesem Trio. Sie proben mit religiöser Regelmäßigkeit in einem Keller auf dem Land in der Nähe von Toulouse, in dem Jam-Raum, in dem sie schon lange ihrer Vorliebe für langatmige Wunder frönen. Für die Albumaufnahmen zu "Fantasia" überquerten sie die französische Nordgrenze nach Belgien, um in dem riesigen Live-Raum der Daft Studios ein kompaktes Set aus schlanken, agilen und druckvollen Songs aufzunehmen. Die vielfältigen Einflüsse der Band sind offensichtlich: Das Album erinnert an Clutch in voller Wildheit, John Coltrane, Charlie Parker, den sowjetischen Schriftsteller Michail Bulgakow, Pink Floyd und Black Sabbath aus der "Master of Reality"-Ära. Und das klangliche Gewebe wird durch das gekonnte Mixing von Kurt Ballou (Converge, Cave In, High on Fire) unterstützt. Den Songs fehlt es nicht an der Komplexität oder Intensität, die SLIFT zu einem aufstrebenden Star der Heavy-Musik gemacht haben; sie haben einfach neue Wege gefunden, die Komplexität ihrer Vergangenheit in jedes Stück einzuflechten, wie ein Wandteppich, der jedes Mal, wenn man hinschaut, eine neue Ebene offenbart. Damit vermitteln sie eine bestätigende und dringliche Botschaft: Gemeinsam können wir die Zeiten, in denen wir leben, noch immer verändern. Heutzutage ist es furchtbar leicht, sich machtlos zu fühlen. SLIFT setzt sich auf "Fantasia" direkt mit dem modernen Ansturm von Grausamkeit und Absurdität auseinander, sei es die Gleichgültigkeit gegenüber unserem Heimatplaneten oder zueinander. Aber in diesen acht Songs geht es darum, auf eine verborgene Kraft zu vertrauen, um zurückzuschlagen, um an eine Welt zu glauben, in der etwas, das wir noch nicht in Worte fassen oder definieren können, nicht nur einen Weg bietet, den Status quo zu durchbrechen, sondern ihn vielleicht sogar vollständig zu zerstören. SLIFT sind laut, heavy und aggressiv in diesen Hymnen. Sie bereiten sich auf einen Kampf vor, von dem sie glauben, dass wir ihn noch gewinnen können.

FEAR - das gemeinsame Album von Jared Mattson von The Mattson 2 und Ruban Nielson von Unknown Mortal Orchestra - wurde im Juni 2024 aufgenommen. Alle Aufnahmen und der Mix fanden in Palm Springs statt. Gemastert von Matt Colton in den Metropolis Studios in London. --- "Ich wachte gegen Mittag auf, desorientiert, noch halb im Traum. Musik lief - unbekannt, voll ausgereift, die Art von Klang, von der man annimmt, dass sie zum Leben eines anderen gehört. Einen Moment lang dachte ich, ich würde noch schlafen und Musik hören, von der ich mir wünschte, ich hätte sie gemacht. Dann dämmerte es mir: Ruban Nielson war bereits wach, im Studio, und hörte sich an, was wir geschaffen hatten. Wir wussten es beide. Diese Musik hatte etwas Unvermeidliches an sich - als wäre sie weniger geschaffen als vielmehr entdeckt worden. Wir hörten sie uns immer wieder an, lachten und schüttelten den Kopf. Ein Track rief ein gemeinsames Bild hervor: einen immergrünen Wald an einem See bei Sonnenuntergang. Ruban blickte plötzlich auf, die Augen weit aufgerissen, als hätte man ihm gerade eine Botschaft überreicht. ,Ich habe den Titel", sagte er. American Eagle. Der Name wirkte genauso wie die Musik - klar, offensichtlich, unbestreitbar. Der amerikanische Traum: Hot Dogs, Cola, Fahrten bei Sonnenuntergang. Wir brachen beide in Gelächter aus, Tränen in den Augen, weil wir minutenlang so heftig lachten. Wir schwammen in seinem Pool. Das Gespräch hörte nie auf. Der Fluss blieb konstant, nährend, mühelos. Dann sagte Ruban es noch einmal - den Satz, der bereits zu einem Grundsatz geworden war: ,Lass uns mehr davon machen, das genau so klingt." Also taten wir das. Zwei Tage später war ,FEAR" fertig." - Jared Mattson

Daughter of Swords ist das Soloprojekt der Singer-Songwriterin Alex Sauser-Monnig aus North Carolina (they/she), die auch mit Bands wie Mountain Man und The A's Musik veröffentlicht hat. Ihr Solodebüt, Dawnbreaker, war eine ruhige Folk-Platte, die 2019 veröffentlicht wurde; in den Jahren seither hat Sauser-Monnig ein neues Selbstverständnis gefunden, persönlich und musikalisch. In den letzten Jahren ist die Musik von Daughter of Swords dorniger geworden, ein unvorhersehbares Gewirr aus Synthesizern, berauschenden Gitarren und blubbernden Rhythmen, ein Glanz, der Songs über die rohe menschliche Intensität im großen Stil umhüllt - Verknalltheit, Verlangen, Wut, Entfremdung, die Schrecken des Spätkapitalismus, die kaskadenartigen Paradigmenwechsel, auf die wir alle zuzusteuern scheinen. Eine Neubewertung innerer Systeme und Beziehungen aller Art - mit Kunst und Kreativität, mit anderen Menschen, mit dem Geschlecht - all dies ging einher mit Sauser-Monnigs Hinterfragung der spätkapitalistischen Kultur, die das Leben für arbeitende Künstler zu einer ungerechten Plackerei macht. Gezwungen, ihre gewohnten Denk- und Lebensweisen aufzugeben, fanden Sauser-Monnig neue Energie darin, alte Beschränkungen aufzulösen - sei es in Bezug auf das Musikgeschäft oder ihr Konzept von Geschlecht. Ihre Priorität war es, die Stimmung jedes Tracks zu maximieren, was in "Alex" Schichten aus synthetischen Texturen und unorthodoxen Schnörkeln zum Ausdruck kommt.

Hardcore-Neudenker Hammok aus Norwegen veröffentlichen ihr zweites Album, das erste bei Sargent House! Irgendwo mitten in Europa begann Sänger und Gitarrist Tobias Osland einen neuen Song zu schreiben, der die internationale Hardcore-Szene widerspiegelte, welche die Band alsbald sie die kleinen Alternative-Kreise Oslos verlassen hatten, mit offenen Armen empfing. Er und seine Bandkollegen - Schlagzeuger Ferdinand Aasheim und Bassist Ole Benjamin Thomassen - waren überwältigt, als sie auf neue Fans und Gleichgesinnte auf dem ganzen Kontinent trafen. Sie nahmen den Song "The Scene" mit auf die Tournee, ein Song von Menschen, die sich einst außen vor fühlten - und nun einen Ort in der Welt gefunden haben. Mit beeindruckenden Demos im Gepäck und der Absicht, ihren Sound zu verfeinern, experimentierten Hammok so lange, bis sie etwas gefunden hatten, das all ihre Impulse vereinte: explosiv, eingängig und detailreich. Sie erweiterten ihre Wurzeln aus Noise-Rock, Hardcore und Metal um ein breiteres, dynamischeres Terrain und verwebten industrielle Härte, Hip-Hop-Pulse, Synthie-Texturen und progressive Elemente zu klassischer Punk-Dringlichkeit. Indem sie die Gegensätze von Underground-Intensität und Pop-Sensibilität ausbalancierten, schufen sie so ein innovatives HC-Album. "When Does This Place Become Our Scene" ist eine Einladung - der Sound einer Band, die sich mit ganzem Herzen dieser neuen Musik widmet und dem Publikum verspricht, dass dieser Austausch, sich lohnt. Limitierte rote Vinyl-LP mit ausklappbarem Lyrics-Poster und DLC, CD im Digipak. FÜR FANS VON: METZ, Title Fight, Turnstile, Converge. GENRE/STIL: Hardcore, Alternative, Metal, Noise-Rock.

Eine der geheimnisvollsten Bands der klassischen 4AD-Ära: Swallow. Gegründet von Louise Trehy und Mike Mason, die sich Anfang der 90er im kreativen Schmelztiegel Camberwell in London begegneten. Was folgte, hatte fast etwas Mythisches: Kaum geschrieben, wurden ihre ersten Songs auf einem einfachen Tascam-4-Track aufgenommen. Ein Demo - roh, direkt, voller Atmosphäre - landete bei Ivo Watts-Russell. Ohne die Band je gesehen zu haben, unterschrieb er sie sofort bei 4AD. Für die Aufnahmen ihres Debüts borgten sie sich Instrumente, zogen von Edinburghs Palladium Studios bis zu den legendären Blackwing Studios in London und arbeiteten mit Produzent John Fryer, frisch von den Arbeiten an Pretty Hate Machine. Mit Hilfe von Eventide Harmonizern - bekannt aus dem Klangkosmos der Cocteau Twins - entstand ein schillernder, fast schwereloser Sound. Doch als Blow 1992 erschien, fühlte es sich für die Band nicht richtig an. Zu glatt, zu weit entfernt von ihrer ursprünglichen Vision. Anstatt neu aufzunehmen, entschieden sie sich für einen radikaleren Schritt: Sie zerlegten die Songs und bauten sie neu zusammen. Das Ergebnis war Blowback - düsterer, fragmentierter, näher an ihrem inneren Klangbild. Diese Version erschien nur in kleiner Auflage und verschwand schnell wieder - ein verborgenes Juwel, das nur eingefleischte 4AD-Fans kannten. Jetzt, Jahrzehnte später, wird dieses Kapitel endlich neu erzählt: Mit Blown, einer liebevoll kuratierten Veröffentlichung, die beide Versionen vereint und den ursprünglichen Aufnahmen neues Leben einhaucht.

Das Debütalbum ,Good To Go" von Occrasy wurde auf analogem 8-Spur-Tonband aufgenommen - eine bewusste Entscheidung, um alles Überflüssige wegzulassen und sich auf das Wesentliche zu konzentrieren: rohe Energie, live und hautnah. Gemeinsam mit Produzent Niklas Berglöf, bekannt unter anderem durch seine Arbeit mit Hurula und Linn Koch-Emmery, nahm die Band elf Songs auf, die schrill aufschreien, unkontrolliert verzerren und der schwedischen Rockszene neue Energie verleihen. Das Ergebnis ist ein Hexengebräu musikalischer Einflüsse - von Boogie-Grooves und Rock im Stil von Primal Scream bis hin zu liebevollen Verbeugungen vor dem Debütalbum von The Strokes.Musikjournalist Fredrik Strage beschreibt Occrasy als ,den besten Garage-Krach aus Borlänge seit Mando Diao - oder vielleicht sogar seit Sator."

Claudio Abbados Aufnahme von Mahlers Vierter Symphonie mit den Wiener Philharmonikern, die 1977 im
Wiener Musikverein entstand, besticht durch ihren warmen, transparenten Klang und ihre Liebe zum Detail.
Der charakteristische Klang des Orchesters und Frederica von Stades einfühlsame Solostimme im letzten
Satz verleihen dem Werk eine besondere Leichtigkeit. Abbados teilweise ungewöhnliche Tempi eröffnen
neue Ausdrucksräume und verleihen der Interpretation eine besondere Tiefe, die diese Aufnahme einzigartig
und hochgeschätzt macht.
Zum ersten Mal wurde diese Aufnahme neu gemastert und von den originalen 1-Zoll-8-Spur-Bändern
geschnitten.
Die audiophile Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1970er Jahre
in ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil Berliner Studios die originalen Vier- und
Achtspur-Bänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100% analoger Qualität (AAA) neu gemastert und geschnitten. Die klanglichen Unterschiede zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr Feinheiten und Verbesserungen im Frequenzgang, zugleich
weniger Nebengeräusche, Verzerrungen und Komprimierungen ermöglichen ein audiophiles Hörerlebnis wie
nie zuvor.
Auf 180g Vinylplatten und in einer Deluxe-Gatefold Edition mit Originalcovers und -texten werden die
Exemplare dieser Serie limitiert und nummeriert veröffentlicht, begleitet von zusätzlichen Fotos und Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons.

Leonard Bernsteins Aufnahme von Beethovens Streichquartett op. 131 mit den Wiener Philharmonikern
zeichnet sich durch ihren starken Kontrast aus. Im zentralen Variationssatz wählt Bernstein ein deutlich
langsameres Tempo und schafft so eine intensive und konzentrierte Ausdrucksatmosphäre, während die
schnelleren Sätze an Schärfe und Schwung gewinnen. Die Streicher der Wiener Philharmoniker bringen
ihren berühmten Klang und Charakter in die Aufführung ein und machen diese Interpretation zu einer
unverwechselbaren und äußerst fesselnden Darbietung.
Diese Aufnahme wurde erstmals neu gemastert und von den originalen 1-Zoll-8-Spur-Bändern geschnitten.
Bernstein widmete diese Aufnahme dem Andenken seiner Frau Felicia Montealegre Bernstein.
Die audiophile Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1970er Jahre
in ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil Berliner Studios die originalen Vier- und
Achtspur-Bänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100% analoger Qualität (AAA) neu gemastert und geschnitten. Die klanglichen Unterschiede zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr Feinheiten und Verbesserungen im Frequenzgang, zugleich
weniger Nebengeräusche, Verzerrungen und Komprimierungen ermöglichen ein audiophiles Hörerlebnis wie
nie zuvor.
Auf 180g Vinylplatten und in einer Deluxe-Gatefold Edition mit Originalcovers und -texten werden die
Exemplare dieser Serie limitiert und nummeriert veröffentlicht, begleitet von zusätzlichen Fotos und Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons.

Aus der fruchtbaren skandinavischen Post-Rock-Landschaft hervorgegangen, haben sich Oh Hiroshima einen Ruf dafür erarbeitet, Introspektion in einen weiten, cineastischen Klang zu verwandeln. Mit ,And the Dead Tree Gives No Shelter" setzen Oh Hiroshima ihr Streben fort, das Gleichgewicht zwischen Verletzlichkeit und Kraft zu verfeinern. Im Kern des Sounds von Oh Hiroshima liegt ein filigranes Wechselspiel zwischen Zurückhaltung und Entladung. Ihre Kompositionen bauen behutsam Spannung auf und lassen jede Ebene organisch entfalten: Klingende Gitarren, ferne Nachklänge und minimale rhythmische Impulse - die scheinbar schwerelos in der Luft schweben - bilden einen Kontrast zu jener wuchtigen Kraft, die sie entfesseln können. Klare, schimmernde Gitarrentöne breiten sich wellenartig durch dichten Hall und subtile Delays aus, während sich einzelne Linien oft in sanftem Kontrapunkt miteinander verflechten. Während sich diese Ebenen schichten, intensivieren sie sich allmählich und steuern auf jene Momente zu, in denen Verzerrung und Lautstärke die einst fragile Atmosphäre in etwas Immenses und Kathartisches verwandeln.Wenn die Musik ihre emotionalen Höhepunkte erreicht, tritt die Perkussion zwar bestimmender hervor, bleibt dabei jedoch behutsam in die Gesamtatmosphäre eingebettet. Oh Hiroshima beweisen beständig ein wachsendes Selbstvertrauen darin, die Grenzen ihres Sounds auszuloten. Durch die Verschmelzung von Harmonien, einer immersiven Produktion und einem tief intuitiven Gespür für das richtige Tempo haben Oh Hiroshima ein Album geschaffen, das von Intimität durchwoben ist und sich zugleich weit und raumgreifend anfühlt. Für Freunde von Alcest, Mogwai, God Is an Astronaut. CD, klassisch schwarzes und farbiges (limitiertes) Vinyl erhältlich.

Aus der fruchtbaren skandinavischen Post-Rock-Landschaft hervorgegangen, haben sich Oh Hiroshima einen Ruf dafür erarbeitet, Introspektion in einen weiten, cineastischen Klang zu verwandeln. Mit ,And the Dead Tree Gives No Shelter" setzen Oh Hiroshima ihr Streben fort, das Gleichgewicht zwischen Verletzlichkeit und Kraft zu verfeinern. Im Kern des Sounds von Oh Hiroshima liegt ein filigranes Wechselspiel zwischen Zurückhaltung und Entladung. Ihre Kompositionen bauen behutsam Spannung auf und lassen jede Ebene organisch entfalten: Klingende Gitarren, ferne Nachklänge und minimale rhythmische Impulse - die scheinbar schwerelos in der Luft schweben - bilden einen Kontrast zu jener wuchtigen Kraft, die sie entfesseln können. Klare, schimmernde Gitarrentöne breiten sich wellenartig durch dichten Hall und subtile Delays aus, während sich einzelne Linien oft in sanftem Kontrapunkt miteinander verflechten. Während sich diese Ebenen schichten, intensivieren sie sich allmählich und steuern auf jene Momente zu, in denen Verzerrung und Lautstärke die einst fragile Atmosphäre in etwas Immenses und Kathartisches verwandeln.Wenn die Musik ihre emotionalen Höhepunkte erreicht, tritt die Perkussion zwar bestimmender hervor, bleibt dabei jedoch behutsam in die Gesamtatmosphäre eingebettet. Oh Hiroshima beweisen beständig ein wachsendes Selbstvertrauen darin, die Grenzen ihres Sounds auszuloten. Durch die Verschmelzung von Harmonien, einer immersiven Produktion und einem tief intuitiven Gespür für das richtige Tempo haben Oh Hiroshima ein Album geschaffen, das von Intimität durchwoben ist und sich zugleich weit und raumgreifend anfühlt. Für Freunde von Alcest, Mogwai, God Is an Astronaut. CD, klassisch schwarzes und farbiges (limitiertes) Vinyl erhältlich.

Given the Balearic life that Leeds ex-pat Nightmares on Wax now leads in Ibiza, we have to admit we did not see this coming: the downtempo Warp legend returning to his early 90s electronic roots. He does so with a new series of collaborations with young talents on 20/20 Vision, starting with Marlon Lopez. 'Patang' is slow, snaking dub with glitchy synth patches and melodic bass. 'Cancel Dat!' has a crunchy feel next to the bleepy synths with a leggy, loopy low end and tech house snap. Wulf's Jam 4 Jamie is a deeper, more twisted version and label head RL's Get It Together remix cuts up the groove and brings a spoken word that reframes the cut as soulful I:Cube style jam.

Schwarzes Vinyl. Das 2004 erschienene MM..FOOD von MF DOOM wird inzwischen als Hip-Hop Klassiker-Album voller einfallsreicher Produktion, brillanter Wortspiele und einzigartiger Themen gewürdigt. Gefeiert für seine nahtlose Mischung aus Humor, Witz und sozialem Kommentar, entführt das Album den Hörer in eine bizarre Welt voller Lebensmittel-Metaphern und zeichnet ein bitter-komödiantisches Porträt eines Lebens, das von Laster, Gewalt und Eifersucht verdorben ist. Ein brillantes und damals neuartiges Konzept, das DOOM viel Raum zur Erkundung der Themen des Albums gab. Im Verlauf von MM..FOOD bettet DOOM komplexe Ideen in scheinbar einfache Erzählungen ein. Der Album-Opener "Beef Rapp" ist eine vielschichtige Metapher, die den Hörer an die Gefahren erinnert, die mit der Verherrlichung von Konflikten verbunden sind, insbesondere im Rap. "Hoe Cakes" leiht sich seinen Namen von den süßen, mit heißem Wasser gefüllten Maismehlfladen, die er als Symbol benutzt, um über Genuss und Exzess zu reimen. Mit dem von Madlib produzierten "One Beer" setzt DOOM das Motiv fort, um Schichten von Tiefe über Eskapismus und Ego zu falten, während das populäre "Rapp Snitch Knishes" die Verkaufsdiskriminierung und widersprüchlichen Verhaltensweisen einiger Rapper kritisiert. Insgesamt ist MM..FOOD sowohl ein sozialer Kommentar als auch ein Stück Gesellschaftssatire, das MF DOOMs Fähigkeit unter Beweis stellt, ernste Themen mit seinem einzigartigen, verspielten lyrischen Stil zu verbinden. Zur Feier des 20-jährigen Jubiläums des Albums wurde MM..FOOD 2024 mit einem komplett neuen Artwork von Sam Rodriguez neu verpackt!

Seit der Veröffentlichung seines von Kritikern hochgelobten Debütalbums 'Come Around and Love Me' im Jahr 2023 hat Jalen Ngonda eine kometenhafte Karriere hingelegt. Der Song 'If You Don’t Want My Love' wurde zum viralen Hit und wurde bis heute 253 Millionen Mal gestreamt. Jalen war in einer Reihe von großen Fernsehsendungen zu Gast, darunter 'The Graham Norton Show', 'The Late Show with Stephen Colbert' und 'Later with Jools Holland'. Er war Support-Act für Thee Sacred Souls auf ihrer US-Tournee und hat als Headliner unzählige Clubkonzerte auf der ganzen Welt ausverkauft. Jetzt, im Jahr 2026, während die Glut seines Debüts noch hell lodert, bereitet sich Jalen Ngonda auf die Veröffentlichung seines mit Spannung erwarteten zweiten Albums 'Doctrine Of Love' vor.
Die harte Arbeit und die unermüdlichen Tourneen nach seinem Debüt haben sein Handwerk gestärkt. Seine Botschaft: 'Die Lehre der Liebe besagt, dass jeder Gedanke und jede Handlung in erster Linie von Mitgefühl für andere geleitet sein sollte, denn Liebe ist der höchste Maßstab für den Wert eines Menschen.' Die Titel des neuen Albums sind aus diesem Credo entstanden. Mit seinem tiefen Wissen und seiner Liebe zum klassischen Soul vermittelt Jalen Ngonda Authentizität in Hülle und Fülle. 'Doctrine Of Love' verbindet Pop-Sensibilität und soulige Melodien mit roher Kraft und Groove und erweitert die orchestralen Arrangements von 'Come Around And Love Me' um bläserreiche und gospelartige Backing Vocals, wodurch ein äußerst stilvolles Beispiel für moderne Soul-Kunst entsteht. Tipp!