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Smut - die Band aus Chicago, bestehend aus Sängerin/Texterin Tay Roebuck, Gitarrist Andie Min, Bassist John Steiner, Gitarrist Sam Ruschman und Schlagzeuger Aidan O'Connor - hat neue Energie getankt und sich auf das grenzenlose Potenzial besonnen, das entsteht, wenn man mit Menschen, die man liebt, Musik macht. In neuer Besetzung - "Tomorrow Comes Crashing" ist das erste Album von Smut mit O'Connor und Steiner - konzentrierten sich Smut darauf, die großen Gefühle einzufangen, die entstehen, wenn man sich zum ersten Mal in Musik verliebt. Das Ergebnis sind zehn intensive und bombastische Songs. Roebuck, Ruschman und Min gründeten die Band ein Jahrzehnt zuvor in Cincinnati, Ohio. Nach Jahren in der DIY-Szene von Cincinnati nahmen sie ihr Debütalbum "How the Light Felt" auf, das eine Offenbarung war. Pitchfork beschrieb es als "eine rigorose, Jahrzehnte umspannende Studie" und eine "gut geölte Drehung des Gitarrenpops der späten 80er". Under the Radar nannte es "Pop-Perfektion", die "subtile Haken mit wehmütigen Texten verbindet". "Tomorrow Comes Crashing" zeigt die Band mit neuem Elan. Der Song "Syd Sweeney", inspiriert von der Schauspielerin, ist das Herzstück der Platte. Es handelt davon, wie seltsam es sein kann, eine Frau zu sein und von Leuten missverstanden zu werden, die einen nicht einmal kennen. Der Song wird von tuckernden Gitarren und großen, rollenden Trommeln angetrieben. Mit anderen Worten: Stadionrock über Wahrnehmung. Paramore trifft "Dookie". "She connects to the youth and the girls in the water/All she amounts to is someone's daughter", singt Roebuck in einem besonders poetischen Moment. Der Song endet in einem Thrash-Metal-inspirierten Breakdown. Es ist ekstatisch. Um die Platte zu machen, nahmen Smut "so live wie möglich" zusammen mit Aron Kobayashi-Ritch (Momma) in einem Studio in Red Hook, Brooklyn, in zehn Tagen auf. Kurz bevor sie nach New York aufbrachen, heirateten Roebuck und Min, wobei der Rest der Band an ihrer Seite war. Die Aufnahmen waren ein wahrer Kraftakt: Sie fuhren mit ihrer gesamten Ausrüstung von Chicago nach Brooklyn, schliefen nach 12-stündigen Studiotagen auf den Sofas und Böden von Freunden, und am Ende war Roebucks Stimme völlig durch. Smut war schon immer ein DIY-Projekt. Weil sie es lieben und genau so tun müssen. "Tomorrow Comes Crashing" ist der Höhepunkt dieses DIY-Gedankens: eine Platte zu machen, die die Intensität, die Launenhaftigkeit und die Emotionen ihrer bisherigen Reise vollständig einfängt.

"Different Talking", das sechste und bisher beste Album der vierköpfigen New Yorker Indie-Rock-Band Frankie Cosmos, scheint über Zeit und Raum hinweg zu existieren, so wie wir alle es irgendwie tun. Es ist eine Sammlung von Fragmenten und Erinnerungen, erinnerten Orten und neu interpretierten Gefühlen, die sich zu einem leuchtenden, summenden Ganzen zusammenfügen: eine robuste, weltgewandte Indie-Rock-Platte über das Altern und den Lauf der Zeit, die es dennoch schafft, sich hochaktuell zu fühlen. Die Sängerin, Gitarristin und Songschreiberin von Frankie Cosmos, Greta Kline, gilt seit langem als eine der gewandtesten und notwendigsten Autorinnen zeitgenössischer Indie-Musik, doch auf "Different Talking" werden ihre Texte etwas weicher, und der schräge Zynismus, der die letzten Alben prägte, weicht nun einer Anerkennung der großartigen und notwendigen Fehlbarkeit des menschlichen Gehirns und Herzens. "Different Talking" als Rückkehr zur alten Form oder zumindest zur üppigen Direktheit früherer Frankie Cosmos-Platten zu bezeichnen, wäre unhöflich, aber auch völlig falsch: Wie "Different Talking" deutlich macht, kann man nie mehr zu der Bequemlichkeit und dem Mut seiner frühen Zwanziger zurückkehren, aber diese Person lebt irgendwie immer in einem, egal wie sehr man sich verändert. Bei Different Talking geht es darum, diese Person zu finden, sie zu ehren und von ihr zu lernen. "Ein großer Teil des Albums handelt davon, erwachsen zu werden und herauszufinden, wie man sich selbst erkennt - wie zum Beispiel: 'Was ist ein Weitermachen?'", sagt Kline. "Wie kommen wir weiter, wenn wir süchtig nach einem Kreislauf sind, der uns in unserer Vergangenheit verfolgt? Das Schreiben von Songs ist nur ein Weg, um das zu überwinden". Kline ist seit ihren späten Teenagerjahren ein fester Bestandteil des amerikanischen Indie-Undergrounds. Ihre zahlreichen Bandcamp-Veröffentlichungen und ihr Debüt bei dem Indie-Label Zentropy aus dem Jahr 2014 führten dazu, dass sie als "Poet laureate of New York City DIY" bezeichnet wurde. Ein solches Etikett ist eine Menge für junge Schultern, aber es ist schwer zu leugnen, dass sie einen einzigartigen Einfluss auf die zeitgenössische Popmusik hatte. Wenn die Vorstellung, dass eine junge Frau in ihrem Schlafzimmer einen Synthesizer in die Hand nimmt, ein paar Songs ins Internet stellt und schnell zum Superstar wird, heute gang und gäbe ist, dann liegt das daran, dass Kline und ihre Kolleginnen das (weibliche) DIY-Genie normalisiert und verherrlicht haben, lange bevor sie in den Marketingbüros der Major-Labels an die Pinnwände geheftet wurden. Seitdem hat sich viel verändert: Nachdem Frankie Cosmos in den letzten zehn Jahren eine Handvoll verschiedener Permutationen durchlaufen hat, besteht die Band heute aus vier Mitgliedern: Greta Kline, Alex Bailey, Katie Von Schleicher und Hugo Stanley. Kline ist die einzige Konstante, aber Stanley, Bailey und Von Schleicher sind wichtige Mitstreiter, und es wäre falsch, die Namen "Greta Kline" und "Frankie Cosmos" synonym zu verwenden. Kline ist nach wie vor die primäre Songschreiberin, und die Musik auf "Different Talking" wurde von der Band als Ganzes arrangiert, aber dies ist das erste Album, das von der Band selbst aufgenommen und selbst produziert wurde. Nicht zufällig fühlt es sich wie eine reinere, destilliertere Aufnahme an. "Es fühlt sich an wie die beste Version von dem, was ich machen wollte, seit ich ein Teenager war", sagt Kline. "Obwohl dies in einem Wohnzimmer aufgenommen wurde, ist es so originalgetreu wie alles, was wir im Studio gemacht haben."

"Different Talking", das sechste und bisher beste Album der vierköpfigen New Yorker Indie-Rock-Band Frankie Cosmos, scheint über Zeit und Raum hinweg zu existieren, so wie wir alle es irgendwie tun. Es ist eine Sammlung von Fragmenten und Erinnerungen, erinnerten Orten und neu interpretierten Gefühlen, die sich zu einem leuchtenden, summenden Ganzen zusammenfügen: eine robuste, weltgewandte Indie-Rock-Platte über das Altern und den Lauf der Zeit, die es dennoch schafft, sich hochaktuell zu fühlen. Die Sängerin, Gitarristin und Songschreiberin von Frankie Cosmos, Greta Kline, gilt seit langem als eine der gewandtesten und notwendigsten Autorinnen zeitgenössischer Indie-Musik, doch auf "Different Talking" werden ihre Texte etwas weicher, und der schräge Zynismus, der die letzten Alben prägte, weicht nun einer Anerkennung der großartigen und notwendigen Fehlbarkeit des menschlichen Gehirns und Herzens. "Different Talking" als Rückkehr zur alten Form oder zumindest zur üppigen Direktheit früherer Frankie Cosmos-Platten zu bezeichnen, wäre unhöflich, aber auch völlig falsch: Wie "Different Talking" deutlich macht, kann man nie mehr zu der Bequemlichkeit und dem Mut seiner frühen Zwanziger zurückkehren, aber diese Person lebt irgendwie immer in einem, egal wie sehr man sich verändert. Bei Different Talking geht es darum, diese Person zu finden, sie zu ehren und von ihr zu lernen. "Ein großer Teil des Albums handelt davon, erwachsen zu werden und herauszufinden, wie man sich selbst erkennt - wie zum Beispiel: 'Was ist ein Weitermachen?'", sagt Kline. "Wie kommen wir weiter, wenn wir süchtig nach einem Kreislauf sind, der uns in unserer Vergangenheit verfolgt? Das Schreiben von Songs ist nur ein Weg, um das zu überwinden". Kline ist seit ihren späten Teenagerjahren ein fester Bestandteil des amerikanischen Indie-Undergrounds. Ihre zahlreichen Bandcamp-Veröffentlichungen und ihr Debüt bei dem Indie-Label Zentropy aus dem Jahr 2014 führten dazu, dass sie als "Poet laureate of New York City DIY" bezeichnet wurde. Ein solches Etikett ist eine Menge für junge Schultern, aber es ist schwer zu leugnen, dass sie einen einzigartigen Einfluss auf die zeitgenössische Popmusik hatte. Wenn die Vorstellung, dass eine junge Frau in ihrem Schlafzimmer einen Synthesizer in die Hand nimmt, ein paar Songs ins Internet stellt und schnell zum Superstar wird, heute gang und gäbe ist, dann liegt das daran, dass Kline und ihre Kolleginnen das (weibliche) DIY-Genie normalisiert und verherrlicht haben, lange bevor sie in den Marketingbüros der Major-Labels an die Pinnwände geheftet wurden. Seitdem hat sich viel verändert: Nachdem Frankie Cosmos in den letzten zehn Jahren eine Handvoll verschiedener Permutationen durchlaufen hat, besteht die Band heute aus vier Mitgliedern: Greta Kline, Alex Bailey, Katie Von Schleicher und Hugo Stanley. Kline ist die einzige Konstante, aber Stanley, Bailey und Von Schleicher sind wichtige Mitstreiter, und es wäre falsch, die Namen "Greta Kline" und "Frankie Cosmos" synonym zu verwenden. Kline ist nach wie vor die primäre Songschreiberin, und die Musik auf "Different Talking" wurde von der Band als Ganzes arrangiert, aber dies ist das erste Album, das von der Band selbst aufgenommen und selbst produziert wurde. Nicht zufällig fühlt es sich wie eine reinere, destilliertere Aufnahme an. "Es fühlt sich an wie die beste Version von dem, was ich machen wollte, seit ich ein Teenager war", sagt Kline. "Obwohl dies in einem Wohnzimmer aufgenommen wurde, ist es so originalgetreu wie alles, was wir im Studio gemacht haben."

Mit seinem siebten Studioalbum kehrt der Musiker und Singer-Songwriter Juan Wauters mit einem Liebesbrief an seine Geburts- und Heimatstadt Montevideo, Uruguay, zurück. "MVD LUV" erscheint am 27. Juni 2025 über Captured Tracks. Mehr als ein Jahrzehnt nach Beginn seiner Solokarriere hat Wauters seine musikalische Identität zu einem charismatischen und charmanten, authentischen und fesselnden Drahtseilakt geformt, der auf dem schmalen Grat zwischen Aufrichtigkeit und Performativität balanciert. Auf seinem neuen Album kommen seine Fähigkeiten als Songwriter voll zur Geltung. Die meisten Songs auf "MVD LUV" sind weniger als zwei Minuten lang und strotzen nur so vor Lebensfreude, aber das Album als Ganzes zeigt Wauters von seiner liebenswertesten Seite, denn er schreibt mit Zuneigung und Mitgefühl über die uruguayische Stadt, die er liebt und sein Zuhause nennt. Die klare Absicht, mit der Wauters Montevideo und seinen Charakter illustriert, zeichnet das Porträt eines Künstlers, der sich seinem Handwerk und seinem Thema mit großer Hingabe widmet. So gesehen ist "MVD LUV" mehr als nur ein Album - es ist eine Heimkehr. Dabei hat er sich die reichen musikalischen Traditionen von Montevideo zu eigen gemacht und gleichzeitig die Grenzen seines unverwechselbaren Songwritings weiter verschoben. "MVD LUV" ist eine Liebeserklärung an seine Wurzeln und seine Gegenwart und bringt uruguayische Klänge auf die Weltbühne, indem es Candombe- und Murga-Rhythmen in Wauters' charakteristische Mischung aus Folk, Pop und Experimenten einbezieht. Da Wauters einen Großteil seiner Karriere in den Vereinigten Staaten verbracht hat, trägt er seit langem die doppelte Identität eines Einwanderers und eines Einheimischen. Mit "MVD LUV" wollte er eine Brücke zwischen diesen beiden Welten schlagen und die Essenz der Straßen, Häuser und des Gemeinschaftsgeistes von Montevideo einfangen. Das Album wurde an verschiedenen Orten in der Stadt aufgenommen, von seinem eigenen Studio bis hin zu Bürgersteigen, Dächern und den Wohnungen der beteiligten Musiker. Dieser Ansatz verleiht dem Projekt eine unverfälschte Authentizität und lässt Montevideo selbst wie eine aktive Präsenz in der Musik erscheinen. Thematisch beschäftigt sich "MVD LUV" mit Identität, Nostalgie und menschlichen Beziehungen. Tracks wie "Manejando por Pando" und "Siempre Vuelven" reflektieren über die Rückkehr nach Hause und den Lauf der Zeit, während "If It's Not Luv" und "Dime Amiga" sich mit Liebe, Kameradschaft und persönlicher Reflexion beschäftigen. "Ando con Miedo" fängt urbane Ängste ein und stellt Introspektion den pulsierenden Rhythmen der Stadt gegenüber. Wauters schafft damit eine zutiefst persönliche und doch universelle Meditation über Zugehörigkeit. Mit "MVD LUV" präsentiert Juan Wauters eine lebendige, tief empfundene Erkundung von Ort und Identität und schafft ein Album, das sich sowohl tief verwurzelt als auch universell anfühlt. Dieses Album führt den Hörer nicht nur in Montevideo ein, sondern lädt ihn ein, sich dort zu Hause zu fühlen.

WRWTFWW Records is very happy to release Swiss cult band Grauzone’s recording of their April 12th 1980 live show at Gaskessel in their hometown of Bern. The 9-track album, documenting the very beginnings of the group, is available as a limited edition white vinyl LP in heavy 350gsm sleeve with special artwork by band member Stephan Eicher.

Experience the early Grauzone days, live from Bern, Switzerland, with a concert recorded at legendary local venue Gaskessel, with Martin Eicher on guitar and vocals, Christian G.T. Trüssel on bass, Marco Repetto on drums, Stephan Eicher on synth, and Claudine Chirac on saxophone. The performance is a true time capsule of the early 80s underground, showcasing the punk side of Grauzone with renditions of songs that were never officially released, as well as future fan-favorite “Moskau”. A piece of Swiss music history, This limited release is a must have for all Grauzone fans and DIY archivists.

About Grauzone:

The pioneering band from Bern (Switzerland) had a short-lived but highly-regarded career which birthed a cult discography that still fascinates and resonates today. Consisting of core members Martin Eicher, Stephan Eicher, and Marco Repetto, and on-and-off participants Christian GT Trüssel, Claudine Chirac, and Ingrid Berney, the elusive group broke new grounds in the early 80s, experimenting with punk and industrial music, early techno sounds, minimalism, new wave, pop, and various electronics. With an innovative and polished approach to design, visuals, performance, and all around style and philosophy on top of their superb music, the constantly transforming unit developed a whole experience - the Grauzone experience: wild and unpredictable, yet sophisticated and cohesive, or as Swiss music historian Lurker Grand would call it, "an Art band with a Punk attitude".

Completely rejecting the music industry rules and refusing to play the game of promotion, touring, release schedules, and TV appearances even though they had a multi-platinum international hit with the song "Eisbär", the band quickly disintegrated in full convention-defying glory, leaving behind an inspiring music legacy for the world to discover and discover again, one generation after the other.

Stephan Eicher went on to be, arguably, the most successful Swiss musician ever, with an international career extending from pop chanson to experimental escapades and collaborations with Moondog, artists Sophie Calle and Sylvie Fleury, and author Martin Suter among many other luminaries. Marco Repetto flourished as a techno and ambient producer, releasing multiple projects including releases on Aphex Twin’s Rephlex label.

Gerade, als MONO anfingen, die Grundsteine zu "You Are There" zu legen, experimentierten sie zusammen mit dem ebenfalls aus Tokio stammenden elektronischen Komponisten WORLD'S END GIRLFRIEND. Die Zusammenarbeit resultierte in einer Reise voller neoklassischer Leichtfüßigkeit und Leuchtkraft, die sich jeglicher Kategorisierung entzieht. "Palmless Prayer..." ist weniger ein alles enthüllender Tagtraum als eine Erinnerung an das Schöne, das bereits um uns herum existiert.

Andy Jenkins neues Album Since Always entstand aus dem Loslassen von Selbstwahrnehmungen, Erwartungen und Annahmen. Jenkins fand Raum in sich selbst als Gitarrist seinen eigenen Songs zu vertrauen, und Produzent Nick Sanborn schlüpfte in eine neue Art von Produktionsrolle, indem er Ideen entwarf und filterte sie gemeinsam durch. Kurzum, es war ein sehr erwachsenes Vorgehen, zwei Fans, die zusammenarbeiten, um etwas zu schaffen; eine Platte, auf der der Verlust und die Liebe, der Kompromiss und der Gewinn des Erwachsenseins sichtbar werden. Beide waren in ihren jeweiligen, aber miteinander verflochtenen Musikszenen in Richmond und Durham, schon seit Jahren Fans voneinander, hatten aber nie offiziell zusammengearbeitet. Jenkins hatte ein paar Jahre damit verbracht, Songs für den Nachfolger seines 2018 erschienenen Debüts "Sweet Bunch" zu sammeln; die neuen Songs waren kunstvoll gestaltete Oden an die verschiedenen Zusicherungen und Ängste, die damit einhergehen können, ein gewisses Maß an Zufriedenheit zu finden, wenn man auf die 30 zugeht. Als Jenkins seine Stücke einspielte, hörte Sanborn zu und ließ seiner seiner Fantasie freien Lauf und überflutete Jenkins mit Ideen - Rhythmusverschiebungen, Keyboard-Verzierungen, Gesangseffekten. Es gab ein Doppel-Takt-Piano, einen Fehler in ,Too Late", den sie beide liebten. Da war die Vocoder-Auswahl während ,Emptiness Is", eine Wahl, die es dem Paar ermöglichte einen großen Teil des Songs allein mit Bass und Schlagzeug zu bestreiten. Da war die Sequenz, die unter ,Leaving Before" brodelt, ein Spiegel des lyrischen nervösen Herzens. Als Amelia Meath und Jenn Wasner von Flock of Dimes im Studio herumhingen im Studio herumhingen, fragte Sanborn, ob sie bei ein paar Stücken singen wollten. Das ist Meath bei ,Blue Mind", die Jenkins' Zeilen über den Zauber der Liebe singt, als würde sie eine Beschwörung anbieten, und Wasner erhebt sich durch die statische Morgendämmerung von ,Lovesick". ,Andy wollte jemanden, der Entscheidungen trifft, die er nie treffen würde", erinnert sich Sanborn. ,Es war diese Minenarbeit, die wir zusammen machen mussten." Als die Songs jedoch immer mehr zusammenwuchsen, bestand Jenkins darauf, dass es endlich an der Zeit war, seine Gitarren abzulegen. ,Ich war noch nie ein besonders kompetenter Gitarrist", sagt er jetzt mit einem kleinen Lachen, aber Sanborn liebte die eigenwillige Art und Weise, wie sich seine Gitarrenschläge mit seiner Stimme verbanden, also hielt er sie hin. Sie würden auf Jenkins' langjährigen Mitarbeiter, ein Ass namens Alan Parker, warten, der aus Richmond kommen und die Teile ersetzen sollte. Als Parker kam, hörte er dasselbe wie Sanborn - ja, er war technisch versierter, aber seine Overdubs hatten nicht dieselbe Persönlichkeit, nicht die gleiche erzählerische Wahrheit. Jenkins lenkte ein, und so blieben seine Gitarren und verankern das Album.

Noumena is the second volume of music capturing percussionist Tim Barnes in a variety of collaborative settings recorded in extraordinary circumstances over the past few years. Since the 90s, he has collaborated with a range of talents in the indie rock, improvised & experimental music scenes. In 2021, Tim was diagnosed with early onset Alzheimer"s at the age of 54, and he and his family went public with this immediately. The response from Tim"s network of friends and musical peers was overwhelming, and, beginning in late 2021, collaborative recordings were undertaken, coordinated and assembled by Tim"s longtime friend Ken (Bundy) Brown, with whom Tim had worked in the past as a member of the group Pullman, early pioneers of the new Americana movement in the indie scene of the late 90s. The recordings for Noumena feature the playing of Joshua Abrams, Oren Ambarchi, Ken Brown, John Dieterich, Darin Gray, Glenn Kotche, Robert Carlos Lange, Ro(b)//ert Lundberg, Douglas McCombs,, Matt Mehlan, Rob Mazurek, Tara Jane O"Neil Jim O"Rourke, Chad Taylor, Thollem, Britt Walford and Mike Watt. As with Lost Words, Noumena cuts a dramatic swath through a sweep of music styles, all of which are deepened by Tim"s versatile, intensely stimulated percussive feel.

Civilistjävel! x Mayssa Jallad’s ‘Marjaa: The Battle of the Hotels (Versions)’ is a radical response to Mayssa Jallad’s 2023 original LP, a lyrical account of epochal events in Beirut at the dawn of Lebanon's civil war. ‘…(Versions)’ sees Civilistjävel! (aka Swedish producer Tomas Bodén) apply a stripped, dub methodology to Mayssa's rich stems, refracting the Arabic source through the hazy prism of Northern European electronica. Retaining ‘Marjaa…’s deep spatial framing and vaporous, shifting nature, traces are lifted and set down in a new landscape: a ghost of a ghost. Informed by Tomas' singular strand of ambient, minimalist, dub techno, ‘… (Versions)’ recalls the reductive, shimmering pulse of pioneering Berlin-based practitioners Basic Channel/Chain Reaction, but with the parameters stretched into the ether. Where versions typically focus on a rhythm, here the anchor is the tone and texture of Mayssa’s voice, around which a new world has been constructed. Disembodied and liminal, it conjures an eerie panorama that feels like a postscript to the original, further emphasizing the geopolitical events that have had such devastating effect in Mayssa’s homeland of Lebanon since that record’s release. ‘Marjaa…’ (tr. ‘reference’) combined Mayssa Jallad’s two main vocations: music and urban research/architectural history. The album was co-written with Fadi Tabbal and based on Mayssa's Historic Preservation master's thesis (‘Beirut’s Civil War Hotel District: Preserving the World’s First High-Rise Urban Battlefield’). The thesis examined a 5-month conflict that took place within Beirut's skyscraper-laden luxury hotel district of Minet El Husn near the start of the Lebanese Civil War. Addressing a post-war generation who have never been taught this difficult history, ‘Marjaa…’ was an attempt to process trauma, and “a call to protest for the renewal, rather than the recycling of the political class that once destroyed the country and holds us, to this day, hostage of its violence.” Often perceived as a mysterious, shadowy presence, Civilistjävel! has come increasingly to the fore in recent years through a consistently dazzling stream of records, released both anonymously and via Fergus Jones’ FELT imprint, often appearing with scant information and tracks for the most part untitled. Having featured tracks from ‘Marjaa…’ on mixes, and included the album in his picks of 2023, in early 2024 Tomas asked Mayssa to provide vocals for a track on his album ‘Brödföda’. Mayssa remembers, “Tomas asked me to choose one of the tracks he was working on. I was in Boston at the time, so I took a walk and chose a track. I wrote the lyrics at the public park, wondering if I was the only one around that was losing sleep over the genocide in Palestine and the war in South Lebanon. I went back to the apartment and recorded the vocals on my phone, while listening to the track on headphones. Tomas reworked it with the voice and sent it back. I liked it immediately.” Despite the geographical distance from Beirut to Uppsala, Sweden, where Tomas resides, Mayssa’s contribution sounds very much at home in Civilistjävel!’s atmospheric, contemplative sound-world. Tomas’ request was reciprocated by Mayssa soon after, resulting in the spectral, glassy ambience of ‘Etel, Kharita (Version)’. This was followed by an invitation to work on more tracks, which Tomas immediately embraced, intensively jamming out versions live to two-track tape in downtime between travelling. If not entirely dissimilar to his regular working practice, the immediacy of it was unusual. Much was improvised live with just a keyboard (not tethered to a grid), and a restricted set-up that largely forbade later edits - only the rhythm tracks are programmed. A sharp conceptual thinker and composer, Tomas takes creative liberties with Mayssa’s songs in a way that is deeply felt and sympathetically aligned, whilst unashamedly outside of the original context of the record. The voice is leaned into as an instrument, without the clear, specific details of language, and this axis provides an uncertain, amorphous footing - structure is often suggested or hinted at, before disappearing or collapsing into fog, and folding back into the message within the song. A somewhat unprecedented source for an album of versions, even those familiar with ‘Marjaa: The Battle of the Hotels’ may at points struggle to hear the songs these versions are rebuilt from, despite the vocal narratives remaining virtually intact. The light has shifted; eroded buildings are foregrounded; fragments of memories appear in chiaroscuro. Signs and signifiers have been replaced. Shorn of the original's warm guitar, ‘Baynana (Version)’ feels like an ominous visitation, the sun no longer visible. ‘Holiday Inn (March 21 to 29) (Version)’ is a molten, clattering invocation. The beat-less tracks nod towards the cold, otherworldly sound-scaping of late '90s isolationism. More propulsive and embodied, ‘Holiday Inn (January to March) (Version)’ and ‘Kharita (Dub)’ are strobing, iridescent techno - lithe, shifting and mutating with almost implausible finesse. A stunning addition to Civilistjävel!’s growing catalogue, ‘…(Versions)’ is a luminous counterpoint to ‘Marjaa…’, and a welcome reminder of how incredible that record remains.

Décima Víctima were a Spanish-(Swedish) band that, during their short-lived career between 1981 and 1984, developed a very personal sound reminiscent of Joy Division, The Cure and other British post-punk bands. Although commercial success evaded them, rarely has any Spanish band achieved such a high degree of quality and coherence in their music and personality. This LP contains previously unreleased tracks recorded by Décima Víctima in November 1983, one month before their last concert. Seven of these songs feature different lyrics to the ones later recorded for the "Un hombre solo" album. This is the way they performed them that night on the Rock-Ola stage, so this record can be considered, to some extent, an approximation to their last show and to their powerful live sound. After many years a rehearsal session that DV had recorded on an old cassette tape has been resurfaced. It had originally been laid down on a four-track recorder but unfortunately the tape got lost.The story of these tracks goes back to the last weekend of October 1983, when DV went to record at friend Paco Trinidad's family home in the mountains north of Madrid. Paco recorded the latest songs on a four-track tape recorder at the house. It was done live, except for extra takes of clarinet and some guitar details. The garage sound, as the name suggests, was achieved in the garage and an adjoining room where the drums were played. The sleeve design is a photo montage of our performance for the Maqueta de Oro (Gold Demo) at the Diario Pop awards in March 1983, plus another photo of the band in the dressing room at Rock-Ola after playing our last gig. The directness and passion of the tape makes it an interesting item for collectors and fans and the fact that some of the lyrics were not the definitive ones is an added rarity that reveals the development process for the following LP "Un hombre solo".

Zunächst nannte Gia Margaret ihr neues Album Romantic Piano, um ein wenig frech zu sein. Denn die sparsamen, sanften Klavierstücke haben mehr mit Erik Satie, Emahoy Tsegué-Maryam Guébrou und den "Marginalia"-Veröffentlichungen von Masakatsu Takagi gemeinsam als mit einem gemütlichen Date-Abend bei Kerzenschein. Doch in dieser Frechheit liegt eine verborgene Absicht: In dem wunderschönen Set wird "Romantik" in einem eher klassischen Sinne suggeriert, was die Deutschen als Waldeinsamkeit bezeichnen. Die Kompositionen beschwören die erhabenen Themen der romantischen Dichter herauf: Einsamkeit in der Natur, die Fähigkeit der Natur zu heilen und zu lehren, ein Gefühl von zufriedener Melancholie. "Ich wollte Musik machen, die nützlich ist", sagt Margaret und untertreibt damit gewaltig die Kraft der Platte. Romantic Piano ist neugierig, beruhigend, geduldig und unglaublich bewegend - aber es verweilt nicht länger als eine Sekunde. Margarets Debütalbum There's Always Glimmer war ein lyrisches Wunderwerk, aber als sie wegen einer Krankheit auf Tournee nicht mehr singen konnte, nahm sie ihr Ambient-Album "Mia Gargaret" (ein weiterer frecher Titel!) auf, das ein feines Gespür für Arrangement und Komposition zeigte, das bei den lyrischen Songs von There's Always Glimmer nicht voll zum Tragen kam. Auch Romantic Piano kommt fast ganz ohne Worte aus. "Das Schreiben von Instrumentalmusik ist im Allgemeinen ein viel freudigerer Prozess als das Schreiben von Lyrics und wirkt sich letztlich auf mein Songwriting aus.", sagt sie. Romantic Piano festigt sie als kompositorische Kraft. Ursprünglich hatte Margaret einen Abschluss in Komposition angestrebt, brach die Musikschule aber auf halbem Weg ab. "Ich wollte wirklich nicht in einem Orchester spielen", sagt sie über ihre Entscheidung, "ich wollte eigentlich nur Filmmusik schreiben. Dann begann ich, mich mehr und mehr darauf zu konzentrieren, eine Songschreiberin zu sein." Romantic Piano berührt in der Tat ein seltenes Gefühl in der Kunst, das oft nur dem Kino vorbehalten ist - die gleichzeitige Ehrfurcht vor dem Dasein mit der großen Linse und der intime innere Monolog nach der Sprache, wenn wir in unseren Schädeln festsitzen. Und das ist sehr romantisch!

Borghesia is an electronic music group, founded in 1982 in Ljubljana, Slovenia. The band was formed by four members of alternative theatrical group Theatre FV-112/15: Dario Seraval, Aldo Ivancic, Neven Korda and Zemira Alajbegovic. They established FV Video to self-publish their video projects and FV Založba – the first independent record label in ex-Yugoslavia. Aldo and Dario took care of songwriting, production and recording while Zemira and Neven handled the visuals. In the late 80s the band signed to PIAS and went on to release a string of successful albums and played world-wide tours.

Clones was Borghesia's second album, self-released on cassette only in 1984. The band borrowed synthesizers (Roland SH-101, Casio VL-1, Korg Polysix) and a Roland 808 drum machine from friends. Every song was played live - no overdubs - and recorded to a cassette deck over a few nights at their club Disco FV during 1983-1984. The music on "Clones" is meant to accompany various video installations and performances. All of the songs are instrumental and feature various cutting edge techniques for 1983. Hypnotic, proto-techno and acid rhythms and synth lines. Music on the A Side of the LP is faster and club oriented while the B Side offers a drugged out soundtrack to get lost in.

All songs have been remastered for vinyl by George Horn at Fantasy Studios in Berkeley directly from the original master tape. Each LP is housed in a silver jacket with original gelatin print by photographer Jane Štravs. A fold-out poster is included with unreleased photos, original artwork and liner notes by Željko Luketić. After 28 years, Borghesia's "music for video" is finally appearing on vinyl for the first time.

Come Ahead ist das 12. Album von Primal Scream. 11 neue Songs, mit denen Bobby Gillespie sich darauf
vorbereitet, einige der persönlichsten Songs der Bandkarriere zu veröffentlichen.
Der Songwriting-Prozess für Come Ahead begann 2019. Zu diesem Zeitpunkt hatte Bobby Gillespie noch
keine Ahnung, ob er noch einmal ein Album von Primal Scream machen würde. Zum ersten Mal kamen
die Texte vor der Musik. Die Geschichte kam zuerst. Bobby schrieb allein, mit einer Akustikgitarre. Die
Ideen flossen schnell, in langen Inspirationsschüben. Dieser Prozess, zusammen mit der Ermutigung durch
Produzent David Holmes, bot einen neuen Einstieg. In Zusammenarbeit mit Holmes und Primal ScreamGitarrist Andrew Innes wurden die Come Ahead-Sessions in Belfast, London und Los Angeles durchgeführt.
„Ich bin sehr aufgeregt über dieses Album, so als würde man seine erste Platte machen. Wenn es ein
Gesamtthema für Come Ahead gäbe, wäre es vielleicht ein Konflikt, ob innerlich oder äußerlich. Der Titel
ist ein Begriff aus Glasgow. Wenn jemand droht, mit dir zu kämpfen, sagst du: ‚Komm schon!‘ Es erinnert
an den unbezwingbaren Geist der Glasgower, und das Album selbst vermittelt diese aggressive Haltung und
Zuversicht. Sie haben da oben ein Wort dafür: gallus. ‚Come Ahead‘ ist auch ein ziemlich frecher Titel.“
Bobby Gillespie

Benét betrachtet sein neues Indie-Rock-Album „Make `Em Laugh“ als eine Art Clue-Spiel. Er versucht herauszufinden, wann und wie genau eine Beziehung gescheitert ist. „Make`Em Laugh“ ist ein Dokument der Entdeckung und Selbstverwirklichung, das eher Fragen als Antworten enthält und Benéts Fähigkeit, viele komplexe und widersprüchliche emotionale Zustände zu durchlaufen, prägt auch den Klang der Musik: Das Album ist dynamisch, lebendig und genreübergreifend. Seine warme Stimme glänzt in nachdenklichen Indie-Rock-Stücken wie „Pieces Of Me“ und „Demon“. In „Too Scared to Say“ setzt er Autotune ein, um ein Gefühl der Verwirrung zu vermitteln, ein Gefühl, das in dem experimentellen elektronischen Stück „Slimmer“ noch verstärkt wird. Benét und die Sängerin AnnonXL tauschen ihre Strophen aus, während sich die Produktion von kristallin und sanft zu aufregend laut und energiegeladen wandelt. Benét genoss auch die Zusammenarbeit mit den Künstlern, die auf dem Album vertreten sind. Er entdeckte die Musik von Margaux, als sie in dem Brooklyner Lokal Baby's All Right auftrat, in dem er arbeitet, und war begeistert, als er feststellte, dass die Fans in den YouTube-Kommentaren zu seinen Videos bereits eine Verbindung zu ihrer Arbeit hergestellt hatten. Faye Webster ist seine beste Freundin und jemand, von dem er glaubt, dass sie zu seiner Begabung passt, scharfsinnige Fragen über Beziehungen zu stellen. Und der wirbelnde, vibrierende Vers von AnnonXL auf „Slimmer“ war so gut, dass er Benét kreativ anspornte. „Make `Em Laugh“ mag damit begonnen haben, eine Trennung zu verarbeiten, aber als Gesamtwerk blickt es weit über die Besonderheiten einer einzelnen Beziehung hinaus. Es ist Musik, die sich über die großen Fragen des Lebens Gedanken macht, die uns alle verbinden, und die Trost in der Gemeinschaft findet. Wenn das Album ein Clue-Spiel ist, dann eines, das alle Einsichten und Geschichten der unzähligen Spieler im Raum ebenso einfängt, wie es sich auf das Ergebnis des Spiels selbst konzentriert.

Benét betrachtet sein neues Indie-Rock-Album „Make `Em Laugh“ als eine Art Clue-Spiel. Er versucht herauszufinden, wann und wie genau eine Beziehung gescheitert ist. „Make`Em Laugh“ ist ein Dokument der Entdeckung und Selbstverwirklichung, das eher Fragen als Antworten enthält und Benéts Fähigkeit, viele komplexe und widersprüchliche emotionale Zustände zu durchlaufen, prägt auch den Klang der Musik: Das Album ist dynamisch, lebendig und genreübergreifend. Seine warme Stimme glänzt in nachdenklichen Indie-Rock-Stücken wie „Pieces Of Me“ und „Demon“. In „Too Scared to Say“ setzt er Autotune ein, um ein Gefühl der Verwirrung zu vermitteln, ein Gefühl, das in dem experimentellen elektronischen Stück „Slimmer“ noch verstärkt wird. Benét und die Sängerin AnnonXL tauschen ihre Strophen aus, während sich die Produktion von kristallin und sanft zu aufregend laut und energiegeladen wandelt. Benét genoss auch die Zusammenarbeit mit den Künstlern, die auf dem Album vertreten sind. Er entdeckte die Musik von Margaux, als sie in dem Brooklyner Lokal Baby's All Right auftrat, in dem er arbeitet, und war begeistert, als er feststellte, dass die Fans in den YouTube-Kommentaren zu seinen Videos bereits eine Verbindung zu ihrer Arbeit hergestellt hatten. Faye Webster ist seine beste Freundin und jemand, von dem er glaubt, dass sie zu seiner Begabung passt, scharfsinnige Fragen über Beziehungen zu stellen. Und der wirbelnde, vibrierende Vers von AnnonXL auf „Slimmer“ war so gut, dass er Benét kreativ anspornte. „Make `Em Laugh“ mag damit begonnen haben, eine Trennung zu verarbeiten, aber als Gesamtwerk blickt es weit über die Besonderheiten einer einzelnen Beziehung hinaus. Es ist Musik, die sich über die großen Fragen des Lebens Gedanken macht, die uns alle verbinden, und die Trost in der Gemeinschaft findet. Wenn das Album ein Clue-Spiel ist, dann eines, das alle Einsichten und Geschichten der unzähligen Spieler im Raum ebenso einfängt, wie es sich auf das Ergebnis des Spiels selbst konzentriert.

"Happy Girl" aus dem Jahr ȒȚȗȖ ist eines der frühesten Alben im MPS Katalog und ein echtes Sammlerɏinnenstückɍ Es zeigt eindrucksvollɎ warum Nathan Davis zu den großen Jazzmusikern seiner Zeit zählt – auch wenn er nie breite Anerkennung fandɎ da er sich auf seine Lehrtätigkeit an der University of Pittsburgh konzentrierteɎ wo er ein bedeutendes Jazzstudienprogramm gründeteɍ Während seiner Zeit in Europa in Villingen aufgenommenɎ wird Davis von einer TopɞBesetɞ zung begleitetɏ Woody Shaw (Trompete)Ɏ Larry Young (Klavier)Ɏ Jimmy Woode (Bass) und Billy Brooks (Schlagzeug)ɍ Davis glänzt an Tenorɞ und Sopransaxophon sowie Flöteɍ Zu hören sind fünf DavisɞKomposiɞ tionenɎ Shaws "Theme From Zoltan" und ein Standard – bei den ersten beiden Stücken spielt Shaw nicht mitɍ Remastert vom Grammyɞnominiertem Toningenieur Christoph StickelɎ erscheint das Album nun uɍaɍ in hochwertigem AAAɞMPSɞVinyl – eine intensive Klangreise durch Davis’ vielseitiges Spielɍ

In „Sílvia & Salvador“ treffen zwei der überzeugendsten Stimmen der zeitgenössischen Musik – Sílvia Pérez Cruz und Salvador Sobral – zu einer zutiefst intimen und zeitlosen Zusammenarbeit zusammen. Das Album ist weniger ein Duett als vielmehr ein musikalisches Gespräch, in dem Emotionen Vorrang vor Sprache, Genre oder Nationalität haben.

For Wilkes-Barre's One Step Closer - the concept of home is complicated. "I've never felt so distant in my life," vocalist Ryan Savitski screams on the lead single "Pringle Street," a place in his hometown that binds the album's lyrics to both a precise location and feeling of displacement. On their first ever full-length album and debut for Run For Cover This Place You Know, the band offers a modern coming-of-age story about growing up and grasping both the known and the unknown. One Step Closer started in 2016 and in their short five years, Savitski, along with drummer Tommy Norton, bassist Brian Talipan and guitarists Ross Thompson & Grady Allen have come into their own as a modern hardcore mainstay. Their 2019 EP 'From Me To You' countered existing trends in exchange for a more melodic sound in the vein of bands like Turning Point and Title Fight. They went on to open for Have Heart at the band's now legendary reunion shows that summer, and joined bands like Knuckle Puck and Turnstile on tour before pausing to write their debut album. This Place You Know grapples with the weight of themes like isolation, depression, and loss - all amplified by driving bass lines, em-phatic guitar riffs and unwavering drumming performed by the band. From the first moments of album opener "I Feel So," the stakes are made clear by the anchoring lyric 'this place you know, sometimes it hides the truth and lets people go" - One Step Closer is attempting to resolve the unresolvable anguish of moving on from everything you once knew.

Cinematic funk visionaries The Diasonics drop a new disco-funk 45 vinyl with two killer tracks tailor made for DJs and cinematic funk fans. Only 500 copies pressed wordwide, instant collector's item. From the snowy streets of Moscow to the crates of vinyl diggers worldwide, cinematic instrumental combo The Diasonics unleash a new limited edition clear vinyl 45 with two killer tracks taken from the upcoming new album "Ornithology", set to drop worldwide on October 3 via Record Kicks. On the A side "Oriole" is a vintage disco-funk stormer taking inspiration both from the Soviet-era disco and jazz fusion records, as well as from 70s European library music and synth-funk movement. A minimalist synthesizer melody echoing the song of the oriole, paired with a steady disco-funk groove reminiscent of a train in motion ("Oriole" is also the name of a popular Russian electric train) lay the foundation of their most danceable track to date. The b-side holds the equally strong "Chickadee" a funk stomper with bold bassline and heavy b-boy breaks and percussions and a NY early 80 vibe able to set every dancefloor on fire. A peerless party-starter that you just don't want to miss it. Formed in 2019, this four-piece instrumental unit _ Daniil Lutsenko (electric guitar), Kamil Gazizov (keyboards), Maksim Brusov (bass), and Anton Moskvin (drums & percussion) _ quickly gained cult status through a series of sought-after 45s on Mocambo and Funk Night Records. Their critically acclaimed debut album "Origin of Forms" mixed by Henry Jenkins, producer of the Australian cult band Surprise Chef, came out on Record Kicks in 2022. The vinyl went sold out in few weeks and is now in-demand on the international cinematic funk scene.

-erste „echte“ CD-Veröffentlichung des Albums von 2008
-erstmals auf Vinyl
-US-Thrash und Speed Metal mit einem hohem Anteil traditionellem Metal
-Remaster 2025, CD enthält einen Live-Bonustrack Bloodrunner aus Illinois, USA, gründeten sich 2004, als Thrash Metal nicht gerade ein angesagtes Subgenre war. Besonders in den USA waren traditionelle Spielarten, ganz im Gegensatz zu heute, zum tiefsten Undergrounddasein verdammt. Nur die bereits etablierten Bands wie Anthrax ode Slayer, die allerdings auch mit modernen Einflüssen kokettiert haben, konnten für Aufmerksamkeit sorgen. Doch das war den frisch gebackenen Bloodrunner egal. Sie wollten ihre Lieblingsmusik spielen und wilde Parties feiern!

Nach einem Demo im Jahr 2007, erschien 2008 dann das bisher einzige Album „Total Annihilation“, welches an purer Spielfreude nicht zu überbieten ist. Die weniger perfekten Momente werden durch eine ungebändigte Energie wettgemacht, die im Heavy Metal mehr wert ist, als routiniertes Performen. Trotzdem haben die damals noch sehr jungen Musiker bereits ansehnlich Skills gehabt und verstehe ihr Handwerk. Das gilt auch für das Songwriting, welches nich nur auf durchgehendes Thrash-Geballer setzt, sondern auch auf Abwechslung. Somit ist das Album nicht nur für ThrashFanatiker geeignet. Die organisch klingende, aber dennoch fette Produktion, passt wie die Faust aufs Auge und zeigt, was bei aktuellen Alben in diesem Genre oft fehlt: Klangliche Authentizität! Es wurde damals nur als gebrannte CDR und digital veröffentlicht!

Sven Gali’s trademark blend of heavy riffs, gritty vocals, and anthemic melodies span decades. Cutting their teeth in the bar circuit of Southern Ontario, Canada in the late 80’s, Emerging with a record deal with BMG, Sven Gali released their debut self-titled release in 1992. From the first chord of “Under The Influence” Sven Gali made their mark. As the album went Gold, Sven Gali won the Much Music Best Metal Video Award in 1993 for “Under The Influence” and was nominated for two Junos.

Limitierte Auflage, transparentes 140-g-Vinyl.

Nach seiner überraschenden digitalen Veröffentlichung ist Sigur Rós’ erstes neues Studioalbum seit zehn Jahren, ÁTTA, ihr bisher intimstes und emotional direktestes Album.

Nur wenige Bands dringen so durch den Lärm und die Ablenkungen der Welt und vermitteln eine reine, elementare Wahrheit und ein Gefühl wie Sigur Rós. Wie man auf ÁTTA hört, spürt man in der Band einen neuen Antrieb und eine neue Dynamik, die mit der neuen Besetzung einhergeht. Multiinstrumentalist Kjartan Sveinsson ist zurück – nachdem er die Band 2012 verlassen hatte – und schließt sich Frontmann Jónsi und Bassist Georg Holm an.

Aufgenommen auf mehreren Kontinenten – im Sundlaugin Studio der Band in Island, im legendären Abbey Road Studio in Großbritannien und in mehreren Studios in den USA – ist „ÁTTA“ stark orchestral ausgerichtet und berührt alles, was Sigur Rós mit fast zehn Millionen verkauften Alben zu einer der ambitioniertesten und gefeiertsten Bands der letzten Zeit gemacht hat. Gleichzeitig weist es auf eine spannende und weitreichende Zukunft hin. Auf „ÁTTA“ sind das London Contemporary Orchestra unter der Leitung von Robert Ames sowie Blechbläser des langjährigen isländischen Bandpartners Brassgat í bala prominent vertreten. Gemischt und koproduziert wurde das Album von Paul Corley, einem weiteren häufigen Kollaborateur der Band

It takes grindin' to be a king and Houston's Mike Jones' work ethic of "You Don't Work, You Don't Eat, You Don't Grind, You Don't Shine" had his phone blowing up in 2005 with the release of his major label debut Who is Mike Jones? on Asylum/Swisha House/Warner Records. Mike Jones started rapping in the early 2000s and he released a couple of independent albums on his own label Ice Age Entertainment before linking up with Michael "5000" Watts of Swisha House. He recorded the underground single "Still Tippin" with Texas contemporaries Paul Wall and Slim Thug, which appeared on the Swisha House compilation The Day Hell Broke Loose 2. The song, full of southern hip-hop slang and braggadocio, was an ode to the classic car culture in Houston, Texas, and could be heard bumpin' out the trunks of cars nationwide with its heavy bass and classical string loops. Before the release of Who Is Mike Jones? girls would ignore him, but after the release of "Still Tippin" they were all up on him, which led to the release of the single "Back Then" where he shouted out his real cell phone number that played a major part in the marketing and promotion of the album.You could call 281-330-8004 and get his voicemail and leave a message, but sometimes he would answer, which led to spreading the word of Mike Jones' debut album. "Back Then" was also a top-selling ringtone because (back then) you had to buy and download ringtones, unlike today. Mike truly went viral before going viral was even a thing. After dropping the two hit singles, Who Is Mike Jones? was released on April 19th, 2005, and would sell over a million copies that year, leading to certified platinum status. Twenty years later, this Texas Rap classic still holds up with features from other H-Town legends including S.U.C.'s Big Moe (RIP),Bun B, Paul Wall and Lil Keke. Juicy J & DJ Paul of Three 6 Mafia added their Memphis touch to the "Got It Sewed Up Remix" and the album ends with a heartfelt dedication to Mike Jones' late Grandmother on "Grandma". Get On Down is proud to present the first vinyl reissue of Who Is Mike Jones? in a limited edition silver and red color-in-color pressing packaged with a full color printed insert tocommemorate the 20th anniversary of this H-Town classic

"Bookends" bildet soetwas wie das Herzstück des am 20. Juni erscheinenden Albums. Die weitläufige Ballade zollt ihrem verstorbenen Freund Riley Gale Tribut, ehemals Sänger der Band Power Trip. Sie ist auch inspiriert von John Careys Buch "Eyewitness To History", einer Sammlung von über 300 historischen Augenzeugenberichten zu prägenden Ereignissen der menschlichen Geschichte. Zu Bookends erscheint ein Video von Caity Arthur. "Im Video geht es um Tod und Absolution, wie der Tod eines der wenigen sicheren Dinge im Leben ist, der große Gleichmacher, nolens volens", so Arthur. "Es untergräbt aber auch das traditionelle Narrativ vom Tod als verzweifelte Leere und porträtiert ihn mit seinem halluzinogenem Sixties-Ensemble stattdessen als euphorische Übergangserfahrung samt TV-Pop-Performance und Taschenspielertricks, während Megs Lyrics den Tod in all seinen Formen beschwören." Für "Scratch It" hat Meg Remy mit Gitarrist Dillon Watson eine Band zusammengestellt - ursprünglich für einen einmaligen Festivalaufrtitt, aufgrund der guten Chemie schließlich gleich für ein ganzes Album. Mit Watson an der Gitarre, Jack Lawrence (The Dead Weather, The Raconteurs, Loretta Lynn) am Bass, Domo Donoho am Schlagzeug und Jo Schornikow und Tina Norwood an den Keys entstand "Scratch It" innerhalb von zehn Tagen in Nashville. Zwischendurch schaute auch Mundharmonika-Legende Charlie McCoy vorbei, der bereits mit Elvis, Bob Dylan und Roy Orbinson gearbeitet hatte und seine Künste für einige Songs einbrachte. Die Authentizität der analog produzierten Songs ist unmittelbar, ein Zeugnis der Chemie zwischen allen Beteiligten, Remy klingt relaxt wie kaum je zuvor. Das Album verwebt Country, Gospel, Garage Rock, Soul, Disco und Folk, während sich Remy in den Lyrics mit Patti Smith auseinandersetzt, mit junger Liebe, Mutterschaft, Macht-Dynamiken, der Kraft von James Brown, verstorbenen Weggefährten, dem Goldrausch am Yukon - oder dem eigenen nach einer Tequila-getränkten Nacht. Dabei lässt sie wie immer auch ihren beißenden Humor spielen.

Mit ihrem vierten Album "Confessing Darkness" erweitern IMHA TARIKAT erneut alle Grenzen des Black Metal, ohne dabei die enge Verbindung zu dem harschen Stil zu verlieren. Das Genre war von Anfang an deutlich weniger eng definiert, als es eifersüchtige Gatekeeper und juvenile Sittenwächter oftmals unterstellt haben. Die deutschen Black Metal Erneuerer haben von Anfang an zahlreiche der Möglichkeiten genutzt, die das Genre zu bieten hat, und sich doch hörbar ihre eigenen Klangräume erschlossen. Ihr tonales Königreich ruht im Wesentlichen auf zwei Säulen: Musikalisch prägen ein unerbittlicher Vorwärtsdrang und eine unbändige Leidenschaft ihren Sound. "Confessing Darkness" entfesselt sogar noch mehr von dieser rohen Energie als jemals zuvor. Das andere tragende Element besteht aus einer tiefen emotionalen Intelligenz, die das Potential des Black Metal voll ausschöpft, jedes erdenkliche Gefühl auszudrücken - von der reinen Liebe bis zum finstersten Hass, von schweren Depressionen bis zu unbändiger Freude. Auch auf "Confessing Darkness" beruhen diese persönlichen Bekenntnisse auf nichts als der Wahrheit. Dabei hat IMHA TARIKATs lyrischer und musikalischer Kopf, Kerem Yilmaz alias Ruhsuz Cellât, das gesamte Album erstmals komplett im Studio aufgenommen, was dem Sound zugute kommt. Yilmaz hat sich zudem für kürzere, schärfere Attacken entschieden. Die Stücke auf "Confessing Darkness" kommen direkt und zügig auf den Punkt, und lassen sofort wieder los, sobald sich ihre zerstörerische Kraft voll entfaltet hat. IMHA TARIKAT präsentieren sich auf "Confessing Darkness" hörbar gereift. Obwohl ihrer Klanggewalt aufgrund von Erfahrung und hart errungenem musikalischen Wissen etwas von ihrem jugendlichen Ungestüm abgegeben hat, gewinnen die deutschen Black Metal Aufsteiger dadurch erheblich an Durchschlagskraft und Überzeugung. "Confessing Darkness" markiert zweifellos einen musikalischen Meilenstein für IMHA TARIKAT.

Renowned electronic duo Session Victim are set to enchant fans with their latest EP entitled Sidequests Chapter One. Featuring four originals and one remix, Sidequests melds Session Victim’s signature blend of tripped-out hazy house , broken beat and trip hop with their trademark fat production and positive vibes. Infusing their love for live instruments, sampled sounds, and organic beats, the opener Pulse Of Memory is the first collaborative effort in a series of tunes written together with renowned producer and synth wizard Viken Arman.

Adding to this already bumper package we have a stellar remix by Dutch underground house hero Frits Wentink. Known for his innovative approach to old school house rhythms and sounds, Wentink’s reinterpretation offers a fresh take on Pulse Of Memory, bringing a heavier house bounce for the clubs.

This release marks the first part of a Trilogy with subsequent EP’s featuring further explorations in creative rhythm and the nostalgic echoes of adventure, not to mention some banging remixes from Ian Pooley and Jimpster.

The record is largely sung in Scots language, one of Scotland’s three official languages along with Gaelic and English. “Scots gives me a way of expressing myself which is connected directly with the landscapes I love. It brings the songs alive and it is a fascinating language. The name of the record is in Scots - Forefowk means the people who came before, or ancestors. When we say ‘mind me,’ we can mean a few things- remind, remember, watch over or care for me. The record explores how tradition needs to be constantly reconnected with, built upon, looked after, and shared.”
Quinie sings with a style inspired by Scottish Traveller singers. “I began singing unaccompanied Scots Song in 2015 after hearing Scots Traveller singer Sheila Stewart on the radio. Initially I felt like I shouldn't sing these songs because I'm not a Traveller, and I saw people around me doing that in a way that made me uncomfortable. But on the other hand this music made sense to me and I felt driven to learn. Over the years I have met Traveller friends who taught me that settled people sharing these songs could contribute to raising awareness. Scottish Travellers are marginalised and discriminated against in modern Scotland, despite being custodians of so many of our important traditions. So I started to perform them and tell this story. From there I built on my repertoire and started writing my own songs”.
To develop this record, Quinie travelled across Argyll with her horse. They went on a pilgrimage of sorts through the ancient landscapes of the West of Scotland to explore the interconnected relationships between people, ancestors, animals, and place. The album’s vinyl release is accompanied by a book and film, documenting this unusual research process.
Forefowk, Mind Me was recorded in August 2024 at The Big Shed in Highland Perthshire with support from Creative Scotland. Quinie is accompanied by an ensemble of musicians: Ailbhe Nic Oireachtaigh (viola), Oliver Pitt (duduk, bouzouki, percussion), Harry Górski-Brown (small pipes, violin), and Stevie Jones (double bass, recording, and mixing). Each of these artists brings their own distinctive voice, bridging contemporary experimental practice with worlds of traditional and early music.

The Cold Stares are from Evansville, Indiana, formed in 2009. The duo (now recently a trio) has
released seven studio albums. The band's 2012 release A Cold Wet Night and a Howling Wind sold 25,000 copies and reached #1 on Amazon Music's Blues Rock albums chart. For almost ten years, The Cold Stares had toured the world relentlessly as a duo, blowing away
audiences across the US and Europe with a fierce, blistering live show that belied their bare bones,
guitar-and-drums setup. In 2023 the band began embracing a whole new kind of chemistry and
launched into their next chapter, adding a third member and channeling the classic power trio sound they grew up on with their explosive acclaimed album,
Voices. Working off the international success of Voices which was voted one of the best albums of 2023 by Classic Rock Magazine, The Cold Stares went into Memphis Magnetic Studio
in Memphis Tennessee and recorded the band’s next chapter and progression, the sprawling album The Southern. Now they are back with The Southern Part 2
which has already bolstered the
blues rocking tracks “Automobile”
and “Little More Rope”.

Guy Blackman aus Melbourne, Australien, ist ein Songwriter für Songwriter. Seine geschickt konstruierten Songs befassen sich offen mit Themen wie Liebe, Sexualität und Engagement. Wenn Serge Gainsbourg, Tim Hardin oder Kevin Ayers Lieder schreiben würden, die in schwulen Saunen oder auf Websites für Pornoseiten spielen, könnte man sich eine Vorstellung von Guys Ansatz machen. "Out Of Sight" ist ein sanftes, klagendes Album, das unter seinen komplizierten Arrangements und dem luftigen Softrock humorvolle und verletzende Momente verbirgt. Es enthält ein träges Duett mit dem französischen Künstler Julien Gasc (Aquaserge und Stereolab) und den Backgroundgesang der australischen Songwriter-Ikone Laura Jean. Das Album wurde in drei Sessions zwischen 2022 und 2024 aufgenommen, zuerst in Melbourne mit Liam Parsons und Stefan Blair von Good Morning, dann 2023 in London mit Liam Parsons und 2024 wieder in Melbourne mit Liam Halliwell (Snowy Band). Die schönen Streicherarrangements stammen von Paddy Mann von Grand Salvo. Als Solokünstler hat Guy die Bühne mit Joanna Newsom, Bill Callahan, Vashti Bunyan, Stereolab, John Grant, Beach Fossils, Owen Pallett, Jens Lekman und anderen geteilt. In seinen früheren Bands Sleepy Township, Minimum Chips und Montero hat er mit Elliot Smith, Cat Power, Pavement, War On Drugs, Kurt Vile und vielen anderen gespielt. Guy tourte durch die USA, Großbritannien, Europa und Japan und spielte mit Mt Eerie, Tenniscoats, Dear Nora, Julien Gasc und anderen. Sein erstes Soloalbum "Adult Baby", mit einem heißen Duett mit dem schwedischen Popstar Jens Lekman, sowie Beiträgen von Mitgliedern der Dirty Three, des Eddy Current Suppression Ring und vielen anderen, wurde 2024 vom französischen Label Pop Superette auf Vinyl neu aufgelegt. Guy ist auch die treibende Kraft hinter Chapter Music, einem der am längsten bestehenden und beliebtesten unabhängigen australischen Plattenlabels, das er 1992 im Alter von 17 Jahren gründete. Chapter Music wurde bei den Australian Independent Record Label Awards 2019 und 2023 als bestes Label ausgezeichnet.

TWICE A MAN pflanzten die Saat für "The Coloured Breeze Is a New Dimension" mit dem Song 'Dahlia', einem "neuen" Stück, das sie zur Ergänzung der Albumkompilation "Songs of Future Memories" geschrieben hatten. Drei Jahre lang düngte und hegte das schwedische Dark-Electronic-Trio den Keim, bis er feste Wurzeln in ihrem musikalischen Erbe fand und damit begann, neugierige Ableger in neue fruchtbare Böden jenseits der zuvor errichteten Klanggartenmauern zu senden. "The Coloured Breeze Is a New Dimension" ist ein organisches Gebilde, das etwas Neues schafft, indem es seine musikalische DNA auf verschiedene Weise rekombiniert. Als Ergebnis erblühen die frischen Songs in vielen elektronischen Farbnuancen. TWICE A MAN waren schon immer Vorreiter. In ihrem Heimatland Schweden waren sie die anerkannten Pioniere der elektronischen Musik. Und schon lange bevor es in Mode kam, positionierten sich die Schweden als selbstbewusste Umweltschützer. Musikalisch wurden sie liebevoll mit Bezeichnungen versehen wie: "Ultravox auf Gras - wenn auch melancholisch und ohne zuckriges Pathos" oder "wie ein trauriger Gary Numan, aber mit einem warmen, organischen Touch". In ihrem Sound finden sich auch sanfte Anklänge an TANGERINE DREAM, KLAUS SCHULZE und THE HUMAN LEAGUE neben vielen anderen möglichen Referenzen. Als sich Sänger, Gitarrist und Keyboarder Dan Söderqvist im Jahr 1977 mit dem Synthesizer-Spieler Karl Gasleben zusammenkam, gründete das Duo zunächst COSMIC OVERDOSE, die erste elektronische Band Skandinaviens, aus der dann TWICE A MAN hervorging. Während ihrer bemerkenswerten Karriere veröffentlichten die Schweden zahlreiche Alben, inklusive spezieller Projekte, und zwei Kompilationen. Sie spielten zahllose Konzerte und schufen den Soundtrack für sieben abendfüllende Theateraufführungen im Königlichen Dramatischen Theater in Stockholm, Musik für Filme, Ausstellungen, Tanzaufführungen und sogar Computerspiele. Die Natur spielt auch in den Texten und im Sound von "The Coloured Breeze Is a New Dimension" wieder eine große Rolle. TWICE A MAN haben ein musikalisches Äquivalent dazu geschaffen, Trost in der Natur, Kunst und der Freude an Büchern zu finden, um zumindest für eine Weile den Übeln der modernen Welt zu entkommen.

DO call it a comeback! Nach nicht weniger als 22 Jahren veröffentlichen die Wiener Beat-Maestros Urbs & Cutex wie aus heiterem Himmel ihr drittes Album namens "On Our Way". Die beiden Veteranen zeigen sich bestens aufgelegt und schaffen es auf diesem Überraschungspaket mühelos dort anzuschließen, wo sie vor zwei Jahrzehnten aufgehört haben. Sie bleiben sich selbst treu, finden aber auch neue Wege ihren sehr persönlichen Stil weiterzuentwickeln und HipHop und Downtempo auf eigenständige Weise zu verschmelzen. Urbs & Cutex (der auch unter Cut Ex firmiert) sind ein Produzenten-Duo aus Wien, das sich auf entspannte Instrumentalmusik spezialisiert und klassischen East Coast HipHop mit Elementen von Triphop und Downtempo verbindet. Beide begannen Anfang der 90er Jahre als DJs und machten ihre ersten Schritte als Produzenten unabhängig voneinander, um später eine der interessantesten Gruppen der florierenden Wiener Elektronik-Szene zu formen. Zwei gefeierte Alben wurden damals veröffentlicht und noch heute werden ihre Songs von immer neuen Generationen entdeckt, was zu Millionen Aufrufen auf den bekannten Streaming-Plattformen führt. Nach 22 Jahren, diversen Solo-Alben (u.a. Urbs' "Toujours Le Meme Film" und "Geheimland"), unzähligen Singles, Remixes und Kollaborationen, haben sie also beschlossen, wieder zusammenzuarbeiten und dabei ihr Mojo sofort wiedergefunden. Mit charmanter Sturheit produzieren Urbs & Cutex weiterhin Musik, die manche als retro, andere als zeitlos bezeichnen werden. "Wir suchen nach immerwährenden Wahrheiten" bemerken sie dazu achselzuckend. Das Album beginnt daher ganz im Stil ihres letzten Albums "Peace Talks!". Soul- und Jazz-Loops werden mit dopen Beats kombiniert und man wird sogar mit dem ersten Rap-Part überrascht, der es jemals auf ihre Alben geschafft hat: T.R.A.C. aus New York, bekannt als MC von Marc Macs Visioneers, unzähligen Drum&Bass Releases und nicht zuletzt Urbs´ Solo-Alben, glänzt auf der ersten Single "Wherever You Are". Nach einigen Songs lässt sich feststellen, daß Urbs & Cutex ihren Sound aber sehr wohl subtil weiterentwickelt haben. Durch gefinkelte Arrangements und gekonntes Übereinanderschichten von Samples wird eine dichte Atmosphäre geschaffen, die weit über das hinausgeht, was Boombap üblicherweise bietet. Urbs & Cutex schaffen es auf diesen 14 Songs die Fadesse von Chillout, Lofi und Boombap zu umgehen und bauen einen Spannungsbogen, der von uplifting bis deep und hypnotisch reicht.

In ,What's The Matter, M. Ross?", dem dritten Album des eigenwilligen Autors M. Ross Perkins, befindet sich unser Junge auf einer Reise nach innen, auf der er das Transzendente und und Existenzielles mit seinem lyrisch bisher bekenntnishaftesten Album verbindet. Multiinstrumentalist Perkins muss man dem Singer/Songwriter-Zeitgeist zurechnen, der für MJ Lenderman und Waxahatchee schwärmt und gleichzeitig Optimismus vermittelt. "What's the Matter, M Ross?" wurde komplett von Perkins komponiert, gespielt und in seinem Studio in Dayton, OH aufgenommen. Die Kopfhörer-Symphonien bewegen sich mit einer bedächtigen, komponierten Raffinesse, während die Texte neues Terrain erkunden. Die Eckpfeiler des Psych-Pop bleiben: die Schnörkel von Nilsson sind noch da, aber auch Gram Parsons und Jonathan Richman. Wenn man "What's the Matter, M. Ross?" geografisch einordnen will, dann ist das Album zu gleichen Teilen Laurel Canyon und Big Pink, mehr Woodstock die Stadt als das Festival. Perkins ist ein in sich geschlossener Teenage Fanclub (aus der Spätphase) mit George Harrisons spirituellem Sinn für inneres Fernweh.

Diese exklusive 4 LP Box ist ein wahres Juwel für alle Schlagerfans und Nostalgieliebhaber: Eine sorgfältig zusammengestellte Sammlung unvergesslicher Hits aus den 1950er und 1960er Jahren – die goldene Ära des deutschen Schlagers!

Erleben Sie noch einmal die Zeiten großer Gefühle, heiterer Melodien und legendärer Stimmen. Ob fröhliche Tanznummern oder romantische Evergreens – diese Box bietet eine abwechslungsreiche Reise in die Anfänge des modernen Schlagers. Sichern Sie sich ein Stück Musikgeschichte, solange der Vorrat reicht – und lassen Sie die unvergessliche Atmosphäre der Wirtschaftswunderjahre und frühen Beat-Zeit wieder aufleben

Nach 25 Jahren Herman Dune und 15 Alben freut sich BB*ISLAND, Odysseús zu präsentieren, eine neue Sammlung von Songs, die den Hörer auf eine Reise durch das turbulente Leben von David Ivar mitnimmt, eine Reise voller Sehnsucht, Schmerz, Liebe, Tod, Glaube und Erlösung. Es ist das erste Mal, dass Herman Dune mit einem externen Produzenten, David Garza, zusammenarbeitet. Das Set-up besteht fast ausschließlich aus akustischen Instrumenten, die live mit der Band in einem Raum aufgenommen wurden. Es ist Folk-Musik im typischen Stil von Herman Dune mit Anklängen an Americana, Country, jüdische und hispanische Traditionen, aber mit einer ganz neuen Wendung in Sound und Arrangements, vor allem im Vergleich zu seiner letzten rein akustischen Trilogie The Portable Herman Dune. David Herman Dune über die Produktion: "...David Garza getroffen zu haben war reiner Zufall. Ich mühte mich gerade mit einem Geigenarrangement für einen der Songs ab, als er sich in einem überfüllten Café in der Innenstadt von San Pedro an meinen Tisch setzte und mich fragte, woran ich gerade arbeitete. David, ein mit einem Grammy ausgezeichneter Produzent und Musiker, hatte mit Fiona Apple, Iron & Wine, John C. Reilly und den Milk Carton Kids gearbeitet und mit einigen meiner musikalischen Helden wie Lucinda Williams und Townes Van Zandt gespielt. Wir verstanden uns auf Anhieb, und er bot mir an, meine Songs zu produzieren. Wir begannen, die Stücke jeden Abend bei mir zu Hause zu spielen, und einmal pro Woche in einem französischen Restaurant namens Le Compagnon. David kannte die besten Musiker in L.A. - Leute wie Sebastian Steinberg am Kontrabass (Fiona Apple), Richard Edson (Schlagzeuger von Sonic Youth, Schauspieler in Jim Jarmuschs Stranger Than Paradise und Spike Lees Do The Right Thing), Odessa (violin, Edward Sharpe and the Magnetic Zeros) und Paul J. Cartwright (violin, Olivia Rodrigo). Als wir uns bereit fühlten, versammelten wir alle in meinem Haus für drei Tage Live-Sessions. Es war ein chaotischer, schöner Prozess, bei dem alle in einem Raum zusammen spielten, keine Kopfhörer, keine Overdubs - nur rohe, echte Musik. Aufgenommen und gemischt wurden die Sessions von Chris Sorem (ebenso Grammy-prämiert für seine Arbeit mit den mit den LA-Legenden Los Lobos). Chris brachte eine Wagenladung alter Mikrofone mit und konzentrierte sich auf "Raummikrofone" - djene, die die Atmosphäre des Raums einfangen. Er sagte, dies sei eine Technik, die auf Alben wie Buena Vista Social Club verwendet wurde, und es erzeugte eine Magie im Raum, die spürbar war. Sogar die traurigsten Lieder wurden lebendig mit so viel Freude, Energie und Elektrizität. Die Aufnahmen waren ungefiltert, organisch und hatten Seele. Als wir mit dem Abmischen begannen, waren wir alle vom Ergebnis erstaunt, wir hörten einen Moment in der Zeit, der sich gleichsam zeitlos anfühlte"

Seit ihrer Gründung im Jahr 2016 haben die Londoner High Vis ihre Palette an progressivem Hardcore mit Nuancen von Post-Punk, Brit-Pop, Neopsychedelia und sogar Madchester-Groove verfeinert und einen Mittelweg zwischen Hooks und Wut, Melodien und Moshpits gefunden. Sänger Graham Sayle beschreibt ihr drittes Album Guided Tour als eine Achse der konkurrierenden Kräfte: "Es versucht, eine hoffnungsvolle Platte zu sein, während es gleichzeitig wütend macht." Die Band, die von Schlagzeuger Edward 'Ski' Harper, Bassist Jack Muncaster und den Gitarristen Martin MacNamara und Rob Hammaren komplettiert wird, ist tief in der britischen und irischen DIY-Hardcore-Szene verwurzelt und wird von Rastlosigkeit und rechtschaffener Wut gleichermaßen inspiriert. Sayle sagt: "Jeder kratzt sich, jeder arbeitet die ganze Zeit, und die Vorstellung von Entspannung ist es, sich zu ficken und der Realität zu entgehen. Dieses Album ist eine Flucht vor dieser Realität." Von den ersten Sekunden an, in denen eine Kabinentür zuschlägt, ein Auto aufheult und ein sackartiger Rhythmus zum Leben erweckt wird, klingt Guided Tour wie eine Band, die nach neuen Höhen strebt und vor Energie strotzt. Das Ergebnis der mehrwöchigen Aufnahmen in den Holy Mountain Studios in London mit Produzent Jonah Falco und Tontechniker Stanley Gravett fühlt sich dynamisch und einstudiert an, wie Hymnen, die sich durch Schweiß und Wiederholung in das Gedächtnis der Sinne eingebrannt haben. Harper bringt es auf den Punkt: "Wir hatten eine klare Idee, jeder Moment wurde genutzt. Wenn wir 60 sind, können wir uns vielleicht hinsetzen und einen Schlagzeugsound hinbekommen, aber im Moment geht es darum, die Dinge zu erledigen." Die 11 Songs des Albums umfassen das gesamte Spektrum zeitgenössischer Gitarrenmusik, die durch Erfahrung, Kameradschaft und gesellschaftliche Frustrationen geschärft wurde. Von schwungvollem Streetpunk ("Drop Me Out", "Mob DLA") über schrillen Indie-Spott ("Worth The Wait", "Deserve It") bis hin zu Heavy Alt ("Feeling Bless", "Fill The Gap") und shoegazeartigem Spoken Word ("Untethered") - die Chemie der Gruppe verwandelt jeden Stil in ihre einzigartige Intensität. Sayle setzt sich für diese sich entwickelnde Verschmelzung ein: "Jahrelang hatten wir, die wir aus dem Hardcore kamen, ziemlich klare Grenzen - andere Szenen waren getrennte Welten. Jetzt vermischen sich die Dinge immer mehr, wir schöpfen aus verschiedenen Quellen."

In ,What's The Matter, M. Ross?", dem dritten Album des eigenwilligen Autors M. Ross Perkins, befindet sich unser Junge auf einer Reise nach innen, auf der er das Transzendente und und Existenzielles mit seinem lyrisch bisher bekenntnishaftesten Album verbindet. Multiinstrumentalist Perkins muss man dem Singer/Songwriter-Zeitgeist zurechnen, der für MJ Lenderman und Waxahatchee schwärmt und gleichzeitig Optimismus vermittelt. "What's the Matter, M Ross?" wurde komplett von Perkins komponiert, gespielt und in seinem Studio in Dayton, OH aufgenommen. Die Kopfhörer-Symphonien bewegen sich mit einer bedächtigen, komponierten Raffinesse, während die Texte neues Terrain erkunden. Die Eckpfeiler des Psych-Pop bleiben: die Schnörkel von Nilsson sind noch da, aber auch Gram Parsons und Jonathan Richman. Wenn man "What's the Matter, M. Ross?" geografisch einordnen will, dann ist das Album zu gleichen Teilen Laurel Canyon und Big Pink, mehr Woodstock die Stadt als das Festival. Perkins ist ein in sich geschlossener Teenage Fanclub (aus der Spätphase) mit George Harrisons spirituellem Sinn für inneres Fernweh.

Man singt und es wird: Im Zuge eines Zusammenbruchs hat Max Gruber den Soloartist Drangsal gekillt und die Band Drangsal gegründet. Am Ende des Tunnels steht das im Juni 2025 erscheinende Album, Aus keiner meiner Brücken die in Asche liegen ist je ein Phönix emporgestiegen.

 Seit über zehn Jahren sichelt Max Gruber mittlerweile die Zick-Zack-Schneise Drangsal durch die deutsche Poplandschaft: Harieschaim aus 2016, Zores aus 2018 und zuletzt Exit Strategy – das ihm 2021 Platz 6 der Albumcharts bescherte – erdachte Gruber größtenteils im Alleingang. Und dann war da noch etwas nach seiner Exit Strategy: Ein Zusammenbruch. Max Gruber wusste nicht mehr, ob und wenn ja, wie er weiter Drangsal machen will, veröffentlichte im Ullstein-Verlag sein literarisches Debüt »Doch«, gründete Die Benjamins, holte so gemeinsam mit Charlotte Brandi, Thomas Götz und Julian Knoth Hans-A-Plast Frontfrau Annette Benjamin aus dem Ruhestand und reaktivierte unlängst das 2016 mit Stella Sommer gegründete Duo Die Mausis.

Und doch, von innen wie von außen, immer wieder die Frage nach einem neuen Drangsal-Album. Wenn es denn überhaupt nochmal eines geben soll, erkannte Gruber, musste er die Arbeitsweise, auf deren Grundlage Drangsal-Songs entstehen, fundamental verändern. Auf alles Ringen folgte, was unvermeidbar war: Der Reset. Max Gruber hat den Soloartist Drangsal gekillt und die dreiköpfige Band Drangsal gegründet – zusammen mit zwei Mitmusikern, die ihn aus seinen Gewohnheiten gelöst haben: Lukas Korn und Marvin Holley.
Erstgenannter ist Gitarrist und Produzent, spielt in der Band Lyschko, produzierte zuletzt das Album silber von Mia Morgan und hat seit 2020 als Bassist an der Drangsal-Liveband partizipiert. Zweiterer studierte Jazz- und klassische Gitarre sowie Komposition in Stuttgart und Wien, stand mit Sam Vance-Law und Fil Bo Riva auf der Bühne und arrangierte für Film und Theater. Lukas Korn und Marvin Holley haben dafür gesorgt, dass sich die zentrale Figur im Kosmos Drangsal dreiteilt.

Das Liedermachen in Bandkonstellation ließ alle Angst platzen: Getragen von Euphorie nahmen Gruber, Holley und Korn ab Ende 2022 etliche Songskizzen und damit den Unterbau eines siebzehnteiligen Albums auf. Nach Kreativurlauben an der polnischen Grenze und Ostsee stand eine von Max Rieger produzierte und von Lukas Korn Co-produzierte vierte Drangsal-LP. Sie trägt den schwergängigen Titel Aus keiner meiner Brücken die in Asche liegen ist je ein Phönix emporgestiegen und erscheint im Juni 2025. Gruber, Holley und Korn haben sich auf das Credo so wenig wie möglich, so viel wie nötig verständigt – und dadurch einen Umbruch im Klangkosmos Drangsals manifestiert, der völlig neue Dynamiken mit sich bringt. Aus keiner meiner Brücken die in Asche liegen ist je ein Phönix emporgestiegen hält Leerstellen aus, in seinem Zentrum stehen, statt Synthesizer, Akustikgitarren, die immer wieder an der Grenze zu Blues und Jazz wandeln. Wo speziell auf Exit Strategy noch überzuckerter Synth-Pop preschte, ist nun Klavier zu hören; Orgel, Klavinet und Cembalo; Xylophon, Violinen und Celli; von Ralph Heidel gespielte Querflöten und Saxophone.

Dazwischen drei Episoden, in denen sich Gospel Chöre und Technobeats breitmachen. Max Rieger hat die drei dazu motiviert, Echtheit, auch Imperfektion im Moment der Aufnahme zuzulassen – und großen Anteil daran, dass »Aus keiner meiner Brücken die in Asche liegen ist je ein Phönix emporgestiegen« ein realistisches Abbild des Trios bietet. Die Stimmung? Dagegen eher ein Wechselbad. Max Gruber singt von Selbstentfremdung, vom Für und Wider des Stillstands, vom Sichhingeben und Sichwegschmeißen – mal auf deutsch, mal auf englisch, mal zart, mal angewidert. Grubers Stimme klingt, nach einer klassischen Gesangsausbildung, die der Einunddreißigjährige angetreten hat, zielbewusster. Umarmungen Marke »Ich hab von der Musik geträumt und Inkomplett treffen auf Gewitterwolken à la Mein Eid und dem Sophia-Blenda-Feature Mein Mo(nu)ment. Entlang rigoroser Entkernung und Hexenjagd geht es Bergab – für dich, für mich, für Max Gruber sowieso. Er ist über weite Teile der Platte hinweg auf der Flucht vor sich selbst, den alten Geistern, dem leidigen Wachzustand: Wär’ ich doch bloß nimmermehr erwacht, ich schliefe in ewigem Glück. Gruber sucht und sucht: Nach innerem Frieden, nach Gnade, nach unverbranntem Boden, nach neuen Versionen seiner Selbst – und das vergeblich. Immerhin scheinen Erinnerungen mit der Zeit zu verschwimmen: Grubers Worte – zu sich und zur Welt – klingen im hinteren Teil der Platte sanfter, vergebender, resümierender. Ein Schlüsselmoment? Das von der Schauspielerin Rosa Lembeck eingesprochene, Monolog artig formulierte Klanggedicht Rosa – Es ist so: Man singt und es wird.

Marconi Union, one of the most influential names in contemporary ambient and electronic music, announce their twelfth studio album, The Fear of Never Landing, set for release 6th June via Just Music. The news is paired with the release of first single Eight Miles High Alone, out 20th March on all major streaming platforms.

Known for their ability to craft cinematic, immersive soundscapes that blur the lines between ambient, electronic, and experimental music, the Manchester-based duo once again push the boundaries of sonic exploration. The Fear of Never Landing takes us on a dynamic journey that’s atmospheric, diaphanous and never short of mesmerising. While the new record is certainly infused with a sense of hope, there’s more than a soupçon of anxiety too, as the title suggests.

A 55-minute odyssey presented as one seamless piece divided into nine movements, they transcribe the nexus of modern living into a mostly wordless odyssey. The album encapsulates Marconi Union’s ability to translate the complexities of the human experience into sound, all while maintaining a stunning sense of cohesion.

While the music feels effortless, the creative process was anything but. During the two years it took to complete the album, members Jamie Crossley and Duncan Meadows faced creative struggles that even led them to briefly question the band’s future. A pivotal moment came when they performed a live soundtrack to the 1975 skateboarding film Downhill Motion, rekindling their connection to atmospheric composition. By testing new material live and returning to their roots, Marconi Union redefined their creative process, leading to some of their most emotionally impactful work to date.

“We’ve always made atmospheric music but we had started to lose that aspect. Other than some rough ideas, we had no sense of what we were doing anymore, a kind of musical wilderness. Eventually a couple of things fell into place, and it was like, ‘Ah, okay.”
With a foundation to build upon, they went back to basics and decided to take their time going forwards. “We tried out a few new tracks live which gave us the opportunity to see what worked and what didn’t. We've never given ourselves that luxury before.”

The first track to be shared, Eight Miles High Alone, is a mesmerizing sequencer-driven track that builds an immersive, atmospheric soundscape. Its hypnotic pulses and intricate layers evoke a sense of solitude and weightlessness, perfectly capturing the album’s blend of tension and introspection. “Eight Miles High Alone was the first piece that we managed to complete and helped to inform our approach to the rest of the album.”

Formed in Manchester in 2003, their debut album, Under Wires and Searchlights (2003), introduced their signature sound, but it was their 2011 release of Weightless that brought international acclaim. Developed in collaboration with a sound therapist, Weightless was scientifically recognised as “the world’s most relaxing song”, praised for its ability to reduce anxiety and heart rates. With over 900 million streams and widespread coverage across media, the track remains a cultural phenomenon.

Over the years, Marconi Union has continued to evolve, producing critically acclaimed albums such as Signals (2021), Ghost Stations (2016), and Tokyo+ (2017). Their work has been hailed for its emotional resonance and sonic depth, with The Quietus noting their ability to find “beauty in the bleakest places” and The Sunday Times describing them as “amongst today’s most talented musicians.”

Beyond their studio albums, Marconi Union has collaborated with visual artists, provided soundtracks for installations, and remixed notable acts like Max Richter and Vök. Their invitation by Brian Eno to perform at Norway’s Punkt Festival further cemented their reputation as innovators in the ambient music sphere.

With The Fear of Never Landing, Marconi Union once again showcases their unmatched ability to create immersive soundscapes that resonate deeply. The album reaffirms their position as masters of atmosphere and emotional storytelling, making it an essential addition to their storied catalog.

José James just can’t leave the ’70s alone. Or maybe it’s the other way around. The singer, songwriter, bandleader, and producer was born in 1978, after all, but over his past 17 years of fundamentally forward-looking, blessedly mercurial music, he keeps getting pulled back in. His 2013 Blue Note breakthrough No Beginning No End revisited the hooky, funky, jazz-streaked songcraft of the time through a modern crate-digger’s ears. On 2020’s No Beginning No End 2 — James’ debut on his own Rainbow Blonde Records — he went back through the portal with a small army of fellow celebrated eclecticists. Just last year, there was the album 1978, a richly layered love letter to said year that felt deep, luxe, and cool. It’s as if — vested with the restless fluidity of jazz, the tuned-in sensitivity of soul, and the revisionist grit of hip-hop — he is trying to play his way into the exact moment when, culturally speaking, everything was about to change.

“I'm still so fascinated by the tension in that era of all these seemingly clashing things happening at once,” says James. “The loft scene, the jazz scene, Elton and Billy, Bob Marley, the Isleys, Funkadelic, disco being this behemoth in a way I don't think we even understand today… And then there’s where everybody went from there — into hip-hop, into punk rock, exploding jazz. It's like a summation of the ’70s, and it's about to transform. It's the peak of the rollercoaster.”

Literally breaking into history is impossible, of course, but James’ new LP, 1978: Revenge of the Dragon, does feel like breaking through or bursting out. In loving contrast to its predecessor, the fresh set plays hot, like a Friday night out at the Mudd Club in its prime. Though he’s dreamt up albums with collaborator counts approaching the dozens, James gathered a tight crew for this one. Himself and Taali on vocals. BIGYUKI on keys and analog synth. Jharis Yokley on drums. Bass split between David Ginyard (Blood Orange, Terence Blanchard) and Kyle Miles (Michelle Ndgeocello, Nick Hakim). And an all-star brass lineup: Takuya Kuroda on trumpet, young lion Ebban Dorsey on alto sax, and genre-spanning ronin Ben Wendel on tenor sax. They set up in Dreamland Studios near Woodstock, a restored 19th century church, and recorded live to tape, two tracks, drums pushed to the max — “a small homage to the rise of punk,” says James.

In that place out of time, the band laid down a handful of choice covers and some wild originals, like the single “They Sleep, We Grind (for Badu),” a decades-collapsing cut powered by an ugly groove. Steeped in dub, funk, and sampledelia, James chants an artists’ mantra (“They sleep, we grind / Man, f--- your nine to five”), makes lyrical callouts to Marley and Nas, and channels everything from George Clinton to J Dilla, not to mention the earthy mysticism of Erykah Badu. In 2023, James released and toured his Badu covers LP, On & On. “Living in her musical house for a year was transformative,” he says. “This is my summary of everything I learned through her, tying it to this idea that artists move differently. We are in society but we are outside, too, looking out and in at the same time. Our hours are different, our schedules are different.”

To that point, James and co. actually began each day in the woods, filming the album’s visual companion piece, Revenge of the Dragon, an honest-to-God kung-fu short complete with bad overdubs, training montages, camera tricks, and plot twists. The film pays tribute not only to the genre’s greatest year (1978, of course), but also its cinematic exchange with Blaxploitation, plus James’ own recent Shaolin training and admiration for Bruce Lee as a culture-bridging force (the LP’s cover recreates an iconic shot of Lee). On top of that, says James, “We had this immediacy in the studio. Live, one take, no overdubbing. I feel like that's where the martial arts piece comes in, where it's about being relaxed but also aware, and there's immediacy in your movements.”

Across the project, tribute takes that refracted, multifaceted form. From his personal late-’70s playlist, James chose four covers reflecting the era’s disco-fied churn: the MJ-meets-Quincy dancefloor masterpiece “Rock With You”; Herbie Hancock’s prescient vocoder fever dream, “I Thought It Was You”; and a pair of Black-radio hits from two bands whose fans typically wouldn’t have been caught dead in the same stadium: “Miss You” by the Rolling Stones and the Bee Gees’ “Inside and Out.” All of it gets filtered through a contemporary Black (and beyond) lens, coming out loud, free, funky, and buzzing — dynamic, yes, but also of a joyous piece.

1978: Revenge of the Dragon transports you to a crowded room where all this is playing out in real time. That feeling is helped out by opener “Tokyo Daydream,” a bass-driven swan dive into a neverending night of boutique bar-hopping and neon revelry. Later, “Rise of the Tiger” finds James bringing rare braggadocio to a propulsive track with growling synth lines and a hunger for whatever comes next. And then there’s the closer, “Last Call at the Mudd Club,” which with its upbeat energy and string of Stevie-inspired pickup lines, evokes the sort of unabashedly elated track the DJ throws on at 3:56 a.m. before everyone is kicked out. “I wanted to leave the album on that note,” says James. “If this was a night out in New York, this would be the last thing you hear before you get in that taxi and go back to your apartment.” Or, perhaps, back to 2025.

Norman Connors was a 'go to' producer in the 70s and 80s for soul and jazz while recording an impressive array of solo albums. His first instrument is drums, and across his recordings were the introduction of singers who went on to have their own individual careers. Besides people like Jean Carne and Phyllis Hyman were more established names like on Once I've Been There', the exceptional Phillip Mitchel. On 12', this song was only ever a promotional release, copies of which now exchange hands at over £100.

Distortion and feedback on Brazilian classics? Only these Sao Paulo mutants dared to reinterpret the standards of the giants of Música Popular Brasileira. Exceptionally talented, curious, and inventive, Os Mutantes infused tropicália with a generous dose of psychedelia. While some listeners were outraged at the time, they stood firm, and their debut album went on to become one of the gems of Brazilian music. Don"t miss their delightfully eccentric coversof "Tempo No Tempo"(The Mamas and The Papas) and "Le Premier Bonheur du Jour" (Françoise Hardy). A true treasure.

Das viel gesuchte klassische Orchester-Breakcore-Album "Rossz Csillag Allat Született" von Venetian Snares aus dem Jahr 2005 wird anlässlich seines 20-jährigen Jubiläums auf schwarzem Vinyl neu aufgelegt. Was wäre, wenn wir beide nur einen Tag lang Tauben sein könnten? Manchmal kann ein Moment in der Zeit eine so große Bedeutung erlangen, dass er zu einer endlosen Welt für sich wird und alles außerhalb dieses Moments, vergangene und zukünftige Zeitpunkte, zur Folklore dieser Welt werden. Was wäre, wenn wir beide die Királyi Palota überfliegen und sie so sehen könnten wie diese Tauben? Eine schöne Kultur von ungleichen Winkeln als Eselsengel über dieser Stadt. Aber auch in der Welt des unendlichen Augenblicks können wir uns die Feder unseres Vogels nicht aussuchen, und die Taube mag sich danach sehnen, die Gans zu sein, der Esel die Taube und so weiter. Und während unsere Welt aus diesem einen Tick in der Zeit erblüht, ist sie für die eine Taube eine wirbelnde romantische Flut euphorischer Möglichkeiten und Faszination, für die andere ein minderwertiges Leben, in dem sie auf jeden vom Himmel aus scheißt, unbeholfen und beschämt, und sich damit abfindet, die elende Plage zu sein, als die sie von denen, auf die sie scheißen, dargestellt wird. So schnell wie unsere Welt blüht, so schnell ist sie auch wieder im Unfrieden und unsere Tauben sind verwundet, und wenn unsere Welt stirbt, sterben auch wir, und wir sind ausgestorben. Wenn wir uns doch nur immer wieder umbringen könnten, bis wir es richtig machen. So wie ein ganzes Musikgenre aus einem einzigen beschleunigten Zehn-Sekunden-Breakbeat geboren werden kann, so kann ein komplettes Symphonieorchester in harmonischem Einklang zusammenkommen, um diesen perfekten Moment in der Zeit zu erschaffen, so kann jeder Moment eine völlig neue Welt hervorbringen, und jede Welt kann den perfekten Moment beherbergen, und so wie dieser Breakbeat bis zur Unkenntlichkeit gebrochen werden kann, so kann sich das Orchester zusammenschließen, um ein dissonantes Sperrfeuer kolossalen Kummers hervorzubringen, und so löst der Moment seine Welt auf, und diese Welt erstickt den Moment unter ihrem Zusammenbruch.

Madlib Invazion reissues Madlib’s collaboration with legendary Brazilian drummer Ivan “Mamao” Conti, propellant for lauded jazz fusion archetypes Azymuth. 5000 pressed for worldwide. Debuts on Black Friday. First released in 2008 on CD by the US based Mochilla imprint with vinyl being issued only in Europe on the Kindered Sprits label. Both formats are out of print with vinyl unavailble since its initial run. Alternate cover artwork, photography by B+. When Madlib went to Brazil in 2002 with Mochilla to participate in the production of Brasilintime his one mission was to meet Ivan “Mamao” Conti the drummer of the legendary trio Azymuth. Madlib had made an Azymuth tribute record he wanted to play for him. On a rainy night in Rio Mamao and Madlib went in the studio. Several hours later the rhythm tracks that make up Sujinho were laid and the process began. Featuring the music of Madlib, Mamao, Edu Lobo, Chico Buarque de Hollanda, Luiz Eca, Baden Powell, Vinicius De Moraes, Marcos Valle, Joao Donato, Dom Um Romao, Airto Moreira and even George Duke… and with guest vocals by Thalma De Freitas — Jackson Conti is a unique and classic record. Filled with the angularity and edge of a Madlib production and underwritten by the polyrhythmics of Mamao — Sujinho takes Brazilian music into places it has never been, bringing oft forgotten classics like Upa Neguinho to 21st century ears.

When Madlib went to Brazil in 2002 with Mochilla to participate in the production of Brasilintime his one mission was to meet Ivan “Mamao” Conti the drummer of the legendary trio Azymuth. Madlib had made an Azymuth tribute record he wanted to play for him. On a rainy night in Rio Mamao and Madlib went in the studio. Several hours later the rhythm tracks that make up Sujinho were laid and the process began. Featuring the music of Madlib, Mamao, Edu Lobo, Chico Buarque de Hollanda, Luiz Eca, Baden Powell, Vinicius De Moraes, Marcos Valle, Joao Donato, Dom Um Romao, Airto Moreira and even George Duke… and with guest vocals by Thalma De Freitas — Jackson Conti is a unique and classic record. Filled with the angularity and edge of a Madlib production and underwritten by the polyrhythmics of Mamao — Sujinho takes Brazilian music into places it has never been, bringing oft forgotten classics like Upa Neguinho to 21st century ears.

C1 | Meduza, Onerepublic, Leony – Fire (Official Uefa Euro 2024 Song)
C2 | Ofenbach Feat Norma Jean Martine – Overdrive
C3 | Kygo, Ava Max – Whatever
C4 | Felix Jaehn & Leony – Waking Up
C5 | Jaxomy X Agatino Romero X Raffaella Carrà – Pedro
C6 | Artemas – I Like The Way You Kissed Me
D1 | Michael Marcagi – Scared To Start
D2 | Cyril – Stumblin' In
D3 | Ariana Grande – Yes, And?
D4 | Jack Harlow – Lovin On Me
D5 | Tate Mcrae – Greedy
D6 | Natasha Bedingfield – Unwritten
E3 | Benson Boone – Beautiful Things
E4 | Teddy Swims – Lose Control
E5 | Sabrina Carpenter – Taste
E6 | Noah Kahan – Stick Season
F1 | Justin Timberlake – Selfish
F2 | Shawn Mendes – Why Why Why
F3 | Ariana Grande – We Can't Be Friends (Wait For Your Love)
F4 | Purple Disco Machine & Benjamin Ingrosso Feat Nile Rodgers & Shenseea) – Honey Boy
F5 | Lost Frequencies, Tom Odell – Black Friday (Pretty Like The Sun)
F6 | Hugel, Topic, Arash Feat Daecolm – I Adore You
G1 | David Guetta & Onerepublic – I Don't Wanna Wait
G2 | Karol G – Si Antes Te Hubiera Conocido
G3 | Fourty & Bausa – Vempa (Frx202445570)
G4 | Sampagne, Badchieff, Cro – Tempo
G5 | Billie Eilish – Lunch
G6 | Kendrick Lamar – Not Like Us
H1 | Zartmann, Ski Aggu, Dauer – Wie Du Manchmal Fehlst
H2 | Soffie – Für Immer Frühling
H3 | Sdp, Sido, Esther Graf – Mama Hat Gesagt
H4 | Nina Chuba – Nina
H5 | Luciano X Jazeek – Starboy
H6 | Shirin David – Bauch Beine Po
E1 | Lady Gaga & Bruno Mars – Die With A Smile
E2 | Gracie Abrams – I Love You, I'm Sorry


Bevor sich das Jahr 2024 dem Ende neigt, erscheint mit der „BRAVO – The Hits 2024“ der alljährlich
beliebte Jahresrückblick voller Hits und Chartstürmer. Ganz nach dem Motto „End Of Beginning“ vereint das Album von Anfang bis Ende die erfolgreichsten Songs und musikalischen Highlights des Jahres 2024.
Wenn Chappell Roan „Good Luck, Babe!” wünscht, Sabrina Carpenter „Espresso“ trinkt, The Weeknd in
den Flammen tanzt und MEDUZA, OneRepublic und Leony on „Fire” sind, kann das nur eines bedeuten:
Die „BRAVO - The Hits 2024“ steht in den Startlöchern und versorgt uns mit den größten Hits und beliebtesten Singles. Mit dabei sind internationale Bands und Künstler*innen wie Billie Eilish, Linkin Park,
Hozier, Coldplay, Justin Timberlake, Ariana Grande sowie deutsche Newcomer und Stars wie Shirin David,
Zartmann oder Nina Chuba.
Das Besondere dieses Jahr: Die beliebte Hit-Compilation erscheint erstmals auch limitiert als 4LP. „BRAVO
– The Hits 2024“ ab 08.11. als 2CD & Download und pünktlich zum Nikolaus als 4LP erhältlich!

McKinley Dixon’s Durchbruch begann in 2021 mit dem vielgeliebten "For My Mama and Anyone Who Look Like Her" und setzte sich 2023 mit "Beloved! Paradise! Jazz!“ fort, beides instrumentenreiche Glanzleistungen im Geschichten erzählen, die sich mit dem Trauma und der Trauer über den Verlust eines jungen Freundes befassen.

Das neue nicht weniger bedeutungsvolle Album "Magic, Alive!“ setzt in vielerlei Hinsicht die Arbeit seiner Vorgänger fort: Es ist die Geschichte von drei Kindern, die ihren besten Freund verlieren sowie eine umfassende Betrachtung dessen, was Magie im Leben ausmacht. Kann Magie der Glaube an etwas sein, das wir nicht sehen können, genauso wie das Vertrauen in Wunder, Zaubersprüche und Portale für etwas, das jenseits unserer eigenen Erfahrung liegt? "Magic, Alive!" wurde ins Leben gerufen, als Dixon eine unerwartete E-Mail vom englischen Produzenten Sam Yamaha erhielt. Dixons frühe Beats hatten Yamahas eigene Arbeit inspiriert. Es dauerte nicht lange, und Dixon traf sich mit ihm in London und wühlte sich durch sein Archiv, um eine Fülle von Beats zu finden, die mit seinem eigenen Ansatz und dem aufkeimenden Konzept für "Magic, Alive!" übereinstimmten. Im Juli 2024 kehrte Dixon in seine Heimatstadt Richmond im US-Bundesstaat Virginia zurück und brachte eine Reihe von Sounds von Sam Yamaha und Koff mit, mit dem er bereits zusammengearbeitet hatte. Zusammen mit einer Reihe von Gästen und Freund*innen, von der Sängerin Anjimile und dem einfallsreichen Alabama-Emcee Pink Siifu bis hin zu Posaunist Reggie Pace und Harfenist Eli Owens, hat Dixon diese Beats weit aufgespalten und mit Hooks, Bläsersätzen und Gastauftritten versehen. Außerdem hat er mehrere Songs aneinandergereiht, so dass sich "Magic, Alive!" wie ein Traum bewegt oder zumindest wie eine alternative Realität, in der neue Regeln herrschen.

Der finnische Komponist Lauri Porra lädt dich auf eine Reise durch die "Seasons in Moominvalley" ein. Pünktlich zum 80-jährigen Jubiläum der Veröffentlichung der ersten Mumin-Geschichte von Tove Jansson, komponierte Porra 21 atmosphärische Stücke für Klavier, Streichensemble oder eine Kombination aus beidem (manchmal sogar mit Naturgeräuschen), die dich die Jahreszeiten, Strände und Wälder des Mumintals ganz neu erleben lassen.Jedes Stück bezieht sich auf eine bestimmte Szene aus den Büchern - zum Beispiel ist "A Song for the Sea" inspiriert von Muminpapa, der am Wasser steht und über die Launen des Meeres philosophiert, während "A Song for Winter" eine Szene aufgreift, in der ein Charakter erkennt, dass der Winter die Jahreszeit ist, in der schüchterne und zurückhaltende Tiere und Menschen aufblühen. Dieses Album ist eine liebevolle Hommage an Tove Janssons zeitlose Geschichten.Veröffentlicht von Sony Classical, ist "Seasons in Moominvalley" sowohl physisch als auch in digital erhältlich. Die CD-Edition enthält ein wunderschön gestaltetes Booklet, das die Auszüge aus den Geschichten zeigt, die mit den einzelnen Liedern verknüpft sind. Für Vinyl-Liebhaber ist die limitierte 180g Picture Vinyl Edition ein echtes Sammlerstück, das vier exklusive Postkarten und zwei hochwertige Lithografien als Beigaben beinhaltet. Zudem besticht das LP-Design mit einem faszinierenden Zoetrope-Effekt, der die Illusion einer Animation erzeugt, wenn die Schallplatte auf einem Plattenspieler dreht.

Domino hat heute die Wiederveröffentlichung von Pete Shelleys ersten beiden Soloalben "Homosapien" und "XL-1" für den 6. Juni 2025 angekündigt. Beide Alben erscheinen in einem Gatefold-Cover mit dem restaurierten Original-Artwork, einer zusätzlichen Disc mit B-Seiten, Dubs und erweiterten Mixes sowie neuem Bildmaterial und Sleeve Notes vom renommierten Autor Clinton Heylin. Beide Alben werden erstmals seit 2006 wieder auf CD veröffentlicht.

Die Alben markieren einen entscheidenden Wendepunkt in Shelleys Karriere, als er sich nach den Buzzcocks musikalisch neu erfand. Mit Produzent Martin Rushent entwickelte er einen elektronisch geprägten Sound, der sich radikal von seinen Punk-Wurzeln unterschied. "Homosapien" wurde 1982 veröffentlicht und sorgte für Kontroversen: Die BBC verbannte den Titelsong aus homophoben Gründen, doch in den Gay-Clubs wurde er zur Hymne. 1983 erschien "XL-1", auf dem Shelley noch weiter in elektronische und experimentelle Klangwelten vordrang. Er blieb zeitlebens ein Künstler, der musikalische Grenzen auslotete. Seine Soloalben zeugen von einem unermüdlichen Innovationsgeist, der weit über die Punk-Bewegung hinausging.

Domino hat heute die Wiederveröffentlichung von Pete Shelleys ersten beiden Soloalben "Homosapien" und "XL-1" für den 6. Juni 2025 angekündigt. Beide Alben erscheinen in einem Gatefold-Cover mit dem restaurierten Original-Artwork, einer zusätzlichen Disc mit B-Seiten, Dubs und erweiterten Mixes sowie neuem Bildmaterial und Sleeve Notes vom renommierten Autor Clinton Heylin. Beide Alben werden erstmals seit 2006 wieder auf CD veröffentlicht.

Die Alben markieren einen entscheidenden Wendepunkt in Shelleys Karriere, als er sich nach den Buzzcocks musikalisch neu erfand. Mit Produzent Martin Rushent entwickelte er einen elektronisch geprägten Sound, der sich radikal von seinen Punk-Wurzeln unterschied. "Homosapien" wurde 1982 veröffentlicht und sorgte für Kontroversen: Die BBC verbannte den Titelsong aus homophoben Gründen, doch in den Gay-Clubs wurde er zur Hymne. 1983 erschien "XL-1", auf dem Shelley noch weiter in elektronische und experimentelle Klangwelten vordrang. Er blieb zeitlebens ein Künstler, der musikalische Grenzen auslotete. Seine Soloalben zeugen von einem unermüdlichen Innovationsgeist, der weit über die Punk-Bewegung hinausging.

The Sexy Drugs bezeichnen ihre Musik augenzwinkernd als "Hard Nipple Power Pop". Damit wollen sie unterstreichen, dass sie ihren punkigen Rock gerne mit Popmelodien würzen. Ihre bewegte Geschichte begann bereits Anfang 2001 im Fillmore in Kaiserslautern. Nach einigen Besetzungswechseln und drei Studioalben unterschrieb die Band Ende 2024 bei Barhill Records. Dort erscheint "Reckless Memories", das erste The Sexy Drugs-Album, das als Quartett entstanden ist. Mit diesem konnten sie auch erstmals ihre Live-Energie einfangen und auf ein Album bannen. "Reckless Memories" ist ein Album über verpasste Chancen, alte Gefühle und neue Schwierigkeiten und Probleme. Es handelt von all diesen Hochs und Tiefs in unserem Leben. Es ging den vier Musikern darum, als Band zu wachsen, obwohl zeitgleich die Welt zu kollabieren scheint. Eskapismus als letzte Chance. Oder anders gesagt: Rock'n'roll ist die Antwort. Zumindest teilweise. Und Liebe sowieso. Mehr Liebe, weniger Hass.

"As one of the biggest albums of the ‘80s, Foreign Affair showcased Tina Turner at her very best, further cementing her position as The Queen of Rock ‘n Roll. Celebrated in this 2LP white vinyl edition (33rpm), it includes the original album fully remastered for the first time.

Foreign Affair was Tina’s third studio album since her dramatic global resurgence, following the monumental success of Private Dancer (1984) and Break Every Rule (1986), as well as her lead role in Mad Max Beyond Thunderdome in 1985. It went on to be a multi-platinum record across the world, including UK, Germany, Switzerland, Canada, Australia and many more. The biggest track to come from the album was the 80s anthem, “The Best.” The track continues to transcend generations, with one of the most recognisable choruses in music history. On top of The Best, the album is complimented by several Tina favourites, such as Steamy Windows, I Don’t Wanna Lose You and the title track Foreign Affair."

Seit Marie Bothmers Debüt im Jahr 2016 mit „Es braucht Zeit“ ist sie für ihr stimmliches Talent bekannt geworden. Nachdem sie 2018 nach Berlin gezogen ist, widmete sie sich der Perfektionierung ihres Sounds. Mit der Veröffentlichung von „Swimmingpool“ im Jahr 2021, ihrem bisher erfolgreichsten Track, wurde ihre Hingabe belohnt.
„Ich bin fast schockiert“, sagt Marie Bothmer und meint damit die Tatsache, dass sie 29 Jahre alt sein wird, wenn 2025 ihr Debütalbum erscheinen soll. Und tatsächlich wird es dann fast zehn Jahre her sein, seit sie 2016 mit dem Song „Es braucht Zeit“ ihre musikalische Karriere startete.
Doch was ist ein Debütalbum? Es ist ein musikalischer Moment des Innehaltens. Und Innehalten, das war in den letzten Jahren nicht der Schwerpunkt im Leben und Schaffen der Marie Bothmer. Sie entwickelte sich beständig weiter, verarbeitete ihre Veränderungen in Songs, die ihr eine große Fangemeinde und Millionen von Streams einbrachten – und dachte dann, vor zwei Jahren: Jetzt ist der Moment für ihr Album gekommen. Sie hatte eine persönliche Zäsur hinter sich (schlimmer Heartbreak), fand in der Folge zu einem neuen Sound (frischer, jünger, wunderschön traurig) und war bereit für das erste große musikalische Statement. Daraus wurde dann aber nichts (Management- und Labelwechsel) – damals eine extrem frustrierende Erfahrung für Marie. Und rückblickend das Beste, was ihr passieren konnte.
Mit ihrer ersten Single-VÖ “Taxi Driver” (29.11.) vom kommenden Album startete sie nun in ein neues Kapitel ihrer musikalischen Laufbahn und eines auf das sich die Fans freuen können.
Das Jahr 2025 startet Marie Bothmer mit weiteren Singles, die im Frühjahr in ihrem Longplayer gipfeln werden und viel Raum für kreative Zusammenarbeit schafft. Let’s put it together.

Seit Marie Bothmers Debüt im Jahr 2016 mit „Es braucht Zeit“ ist sie für ihr stimmliches Talent bekannt geworden. Nachdem sie 2018 nach Berlin gezogen ist, widmete sie sich der Perfektionierung ihres Sounds. Mit der Veröffentlichung von „Swimmingpool“ im Jahr 2021, ihrem bisher erfolgreichsten Track, wurde ihre Hingabe belohnt.
„Ich bin fast schockiert“, sagt Marie Bothmer und meint damit die Tatsache, dass sie 29 Jahre alt sein wird, wenn 2025 ihr Debütalbum erscheinen soll. Und tatsächlich wird es dann fast zehn Jahre her sein, seit sie 2016 mit dem Song „Es braucht Zeit“ ihre musikalische Karriere startete.
Doch was ist ein Debütalbum? Es ist ein musikalischer Moment des Innehaltens. Und Innehalten, das war in den letzten Jahren nicht der Schwerpunkt im Leben und Schaffen der Marie Bothmer. Sie entwickelte sich beständig weiter, verarbeitete ihre Veränderungen in Songs, die ihr eine große Fangemeinde und Millionen von Streams einbrachten – und dachte dann, vor zwei Jahren: Jetzt ist der Moment für ihr Album gekommen. Sie hatte eine persönliche Zäsur hinter sich (schlimmer Heartbreak), fand in der Folge zu einem neuen Sound (frischer, jünger, wunderschön traurig) und war bereit für das erste große musikalische Statement. Daraus wurde dann aber nichts (Management- und Labelwechsel) – damals eine extrem frustrierende Erfahrung für Marie. Und rückblickend das Beste, was ihr passieren konnte.
Mit ihrer ersten Single-VÖ “Taxi Driver” (29.11.) vom kommenden Album startete sie nun in ein neues Kapitel ihrer musikalischen Laufbahn und eines auf das sich die Fans freuen können.
Das Jahr 2025 startet Marie Bothmer mit weiteren Singles, die im Frühjahr in ihrem Longplayer gipfeln werden und viel Raum für kreative Zusammenarbeit schafft. Let’s put it together.

Best known for being the front - man of legendary US Hard Rock band ANGEL, Frank Dimino is now leading his own solo project and debuts with a fine Melodic Hard Rock album aptly titled Old Habits Die Hard. ANGEL is a band that was discovered (similarly to VAN HALEN) by KISS bass player Gene Simmons, who got them signed to Casablanca Records. With that label ANGEL released 5 critically acclaimed studio and one live album in the second half of the 70’s. After the band’s demise, Dimino went on to work with UFO’s Paul Raymond and worked as singer for Soundtracks, scoring a Platinum
album for the inclusion of his Cycle V song “Seduce Me Tonight” on the “Flashdance” soundtrack. While Frank is undoubtedly the brainchild of DIMINO, the new album sees him collaborate with some heavyweights of the Vegas music scene, which is where he currently resides. Under the production of Paul Crook (MEAT LOAF), DIMINO sees the participation – among others – of Oz Fox (STRYPER), Eddie Ojeda (TWISTED SISTER), Rickey Medlocke(BLACKFOOT, LYNYRD SKYNYRD), Jeff Labansky (ARMORED SAINT), and former ANGEL bandmates Punky Meadows(on guitar) and Barry Brandt (co-writing with Frank the song” Even Now”). Old Habits Die Hard has reached its 10th Anniversary and is being re- issued with the bonus acoustic track “Even Now”

"Nilam" folgt auf das letztjährige Album "Daughter Of A Temple", das von Gilles Peterson zum BBC 6 Music "Album of the Year" gekürt wurde. The Guardian erklärte es ebenfalls zu einem der 10 besten Alben des Jahres 2024 und lobte GANAVYAs Fähigkeit, "die Kraft der gemeinschaftlichen Harmonie zu nutzen, um etwas Tieferes als den Gesang zu berühren". Wenn man sich das bemerkenswerte "Nilam" anhört, scheint es unwahrscheinlich, dass jemals Zweifel an seiner Entstehung bestanden haben könnten. Die Stille ist so erstaunlich, die Vermittlung von Gefühlen so tiefgreifend, dass man das Gefühl hat, dass es schon immer so gedacht war. Es ist eine Feier der Bande, die uns verbinden, und möglicherweise die zärtlichste Musik, die wir dieses Jahr hören werden. Sie ist intim und ehrlich, ein ergreifender Ausdruck der Dankbarkeit für die Segnungen, die uns auf dem Boden halten, wenn wir sie nur erkennen und willkommen heißen. In der Tat könnte es direkt von der Seele auf die Stereoanlage übertragen worden sein, von der Art und Weise, wie "Not A Burden" eine Last von den Schultern der Welt nimmt, bis hin zum friedlichen "Sees Fire", mit dem sanften Groove von "Land" voller Raum, dem heiteren "Nine Jeweled Prayer" und durchweg GANAVYAs Gesang wie Wellen in einer Lagune. New York-born, Tamil Nadu-raised singer and transdisciplinarian GANAVYA - "among modern music"s most compelling vocalists," according to the Wall Street Journal - has announced details of a new album, Nilam, due May 23, 2025. It follows last year"s Daughter Of A Temple, Gilles Peterson"s BBC 6 Music Album of the Year, similarly declared one of 2024"s Top 10 Best Global Albums by The Guardian, who applauded GANAVYA"s ability to harness "the power of communal harmony to touch something deeper than song." Co-produced by Nils Frahm at LEITER Studio in Berlin"s Funkhaus complex, the new album by "the singer whose work," says the New York Times, "feels like prayer...with listeners hanging onto her every word" will be released by LEITER on vinyl and via all digital platforms. Listening to the remarkable Nilam, it seems implausible now that its inception might ever have been in doubt. So astonishing is its stillness, so profound its communication of sentiment, it feels as if it was always meant to be. A celebration of the ties that bind, and possibly the most tender-hearted music we"ll hear this year, it"s intimate and honest, a poignant expression of gratitude for the blessings which keep us grounded, if only we"ll recognise and welcome them. Indeed, it could have been transmitted directly from soul to stereo, from the way "Not A Burden" lifts a weight off the world"s shoulders to the peaceful "Sees Fire", with "Land""s gentle groove full of space, "Nine Jeweled Prayer" serenely precious, and, throughout, GANAVYA"s vocals like ripples on a lagoon.

Berlin based DJ & producer Cromby returns to his own Potency imprint by way of the Mandela Hall EP; an ode to the Mandela Hall in Belfast where he attended his first raves at Shine and went onto become a resident at 18. Four club ready swedgers melding influences from house, techno, electro & strands of UK club to twist the melon.

Robyn is doing brilliant and important work - the world needs more music like this. Just one word: listen!" Giles Peterson “Even aside from her skills on her instruments and unique approach to music, Robyn devoted an immense quantity of emotional resources to the delivery of this record, and seemed to take its challenges on as a chance for personal growth. It was consistently clear that the personal input of the players was welcome in a fundamental way, and we all responded to Robyn’s efforts that went to the limits of her capacity and her love for bringing her project to you, the listener” Alabaster DePlume “It has been such a joy to work with Robyn, especially when entering the fascinating world of Robyn’s Rocket and Avant Garde jazz. We had our fun moments, like when the fire alarm went off during our recording session of Mystery Man, and we just rolled with it and kept it in. It’s like nothing matters. It’s such an honour to be part of the world of Robyn’s Rocket and to listen to the many stories, expressions and colours that shine throughout the album.”Sebastian Golgiri What happens when you bring together familiar faces at London experimental music venue Café OTO, Charles Hayward (drummer Abstract Concrete, This Heat) and John Edwards (double bass), and the Total Refreshment Centre (hub of new london jazz scene recording studio ) like Alabaster DePlume (singer and saxophonist) and Danalogue (synths from Soccer96, The Comet is Coming), and the learning disability autism art scene like singers/spoken word artists Sebastian Golgiri and Dean Rodney Jnr (Fish Police), on a magic carpet with space trumpeter Robyn Rocket? The answer materialises in the groundbreaking collaboration 'Robyn Rocket and People You May of Heard of'. Recorded across three days in three different studios connected to the three communities Robyn Rocket calls home, each session brought together musicians from these diverse backgrounds—many meeting for the first time. Together, they improvised and created a musical journey that transcends conventional boundaries.

This cosmic voyage features more than 20 musicians and a dog ( Taz from lost socks), gliding through free jazz, danceable tunes, loopy vistas and spoken word doors into different ways of seeing the world. At its heart lies a profound message about community as a vital part of existence and difference as something to embrace and value. The project culminates in the final single and focus track 'We Are All Human', featuring a poignant speech by Rocket from her night 'Robyn's Rocket - a residency at cafe OTO featuring experimental music and live visuals by artists with and without Learning Disabilities/ autistic and non autistic artists ' in the speech rocket talks about supporting each other—words she actively lives by and encourages others to embrace. Like many autistic people, Rocket has experienced abuse, bullying, isolation and feeling unwelcome in the world. “This project is like my nights but you can carry it around with you”, she explains. “I started my own night to share my work. I also recognised, it was a privilege to have my own night, I wanted to help other artists share their work too, and create an environment where people with and without learning Disabilities/Autistic and non autistic people as audience and performers could come together and get to know each other”. Historical Context

After 45 years, Trigger’s never-released second album, Second Round, invites listeners to rediscover the hard rock sound that made the band a standout act of the 1970s. In early 1979, Trigger walked out of Electric Ladyland Studios with a completed second album. Mere months had passed since their self-titled debut came out on Casablanca Records, home to KISS and Parliament. The band had toured with Cheap Trick and The Godz, met Bruce Springsteen and Joni Mitchell, and things were looking bright. But Casablanca unexpectedly went bankrupt, and the label’s artists went into freefall. Trigger unsuccessfully sought interested parties, shelved the recordings and disbanded; a disappointing end for a band who dominated the Jersey Shore club scene on their way up with fiery, kick ass live shows. RIP Trigger: 1973-1979. Jump to 2024. Guitarist Richie House is living in Northern New Jersey with his wife, enjoying a relaxing afternoon at the community pool with neighbors. One of them, Andrew Wexler is shocked to discover his friend had a band in the ’70s. He listens to their recordings, and as an avid record collector, assumes the mission of getting that unheard second album released. He writes to Ba Da Bing, a label with Jersey roots. Much excitement ensues. Second Round’s long-awaited release will now be available. All original members—Derek Remington (vocals/drums), Jimmy Duggan (guitar/vocals), Tom Nigra (bass guitar/backing vocals), and Richie House (lead guitar/vocals)—are present on the recordings. Sadly, Duggan and Nigra have passed away, but Remington and House have overseen this reissue, with songs sourced directly from the analog masters.. The Trigger of today maintains a high level of quality, albeit with a bit less flair, and even less hair. And there’s more going on here than at first listen. While the band carries the earmarks of their era—melodic hard-rock fashioned for Saturday night parties—they override the cliché with incredibly catchy songs. How would a ripping song like “Back Talk” have been received in 1979? It’s a question we’ll never be able to answer, but the raw energy of the track spans generations. “One In A Million,” however, with its full harmonies and forceful chorus, could have easily made the soundtrack for Fast Times. Celebrate the discovery of this lost gem by giving it a listen. You’ll be Trigger happy…

Fünf Jahre nach ihrem gefeierten Album 'forevher' meldet sich die britische Sängerin Shura mit ihrem dritten Studioalbum 'I Got Too Sad For My Friends' zurück. Eine Mischung aus Kammerpop, 60er-Jahre-Folk und Lagerfeuer-Americana, die Shuras introspektives Songwriting in eine weite Landschaft ausdehnt - ruhiger als der gefühlvolle Schwung von 'forevher' und rustikaler als der grüblerische Synthie-Pop ihres Debüts 'Nothing’s Real' aus dem Jahr 2016.

Obwohl das Album Themen wie Isolation, Traurigkeit und Depression bearbeitet, klingt es aber alles andere als niedergeschlagen - Shuras kristallklarer Gesang trifft auf eine warme, erdige Produktion. Shura dazu ganz selbst-ironisch: „Auch wenn es nicht unbedingt eine maximalistische Platte ist, was den Sound angeht, war der Ansatz für mich, die Platte mit maximaler Freude aufzunehmen - was urkomisch ist, denn es geht darum, unglücklich zu sein!“

Angegangen wie eine „Old-School-Platte“, die eher eine Performance als eine Produktion einfängt, wurde ein Großteil des Albums live aufgenommen, wobei Keys, Bass, Gitarre und Schlagzeug in einem Rutsch aufgenommen wurden. Nur der Gesang wurde separat aufgenommen - mit Ausnahme des sanften Funk-Tracks Ringpull.

Der in Süd-London geborene und mittlerweile in Atlanta lebende Puma Blue - das Pseudonym von Jacob Allen - veröffentlicht sein Überraschungsalbum 'antichamber'. Es markiert eine klangliche Wende für Puma Blue, da er sich von der vollen Band abwendet und ganz auf obskure elektronische Texturen und akustische Instrumente setzt. Während sein bisheriges Material irgendwo zwischen Trip-Hop, Jazz und Electronica schwebte, hat 'antichamber' einen rohen und direkteren Ansatz beim Songwriting. Hauptsächlich getragen von der sanften Stimme Allens und akustischen Gitarren zeigt sich 'antichamber' verletzlich und von überwältigender Schönheit.

Wenn drei visionäre Köpfe der elektronischen Musik aufeinandertreffen, entsteht ein Sound, der Grenzen sprengt. Demise Of Love ist das Projekt von Daniel Avery, James Greenwoods Ghost Culture und Working Men’s Club – eine Kollaboration, die aus gegenseitiger Wertschätzung und dem Streben nach neuen Klängen entstanden ist. Demise Of Love verbindet rohe Energie mit klanglicher Präzision. Das Ergebnis ist eine Fusion aus industriellen Klanglandschaften, pulsierendem Acid-House und melancholischen Melodien. Ihre Musik fordert heraus, fesselt und bleibt haften. Die EP, abgemischt von Alan Moulder, bringt das Beste der drei Musiker zusammen: Synthesizer, die den Raum aufbrechen, intensive Refrains und eine Soundästhetik, die sich nicht einordnen lässt. „Strange Little Consequence“ wechselt spielerisch zwischen Acid-Groove und monumental anmutendem Rock-Refrain. „Carry The Blame“ fängt die Weite des Detroit-Techno ein, „Be A Man“ verbindet Industrial-Punk mit düsterer Melancholie, und „Like I Loved You“ hebt mit hymnischem Gesang in elektronische Höhen ab. Auch inhaltlich geht die EP tief: Texte über Entfremdung, Kontrollverlust und die Suche nach Verbindung verleihen der Musik zusätzliche Schwere. Zeilen wie „Dead peasants excite you / Rewards of the plight fall / Into your hands“ aus „Strange Little

Consequence“ oder „Your ways are antiquated / And I’m bored now“ aus „Be A Man“ spiegeln das Unbehagen unserer Zeit wider. „Demise Of Love“ ist keine bloße Zusammenarbeit, sondern eine Verschmelzung dreier einzigartiger Klangwelten zu etwas völlig Eigenem. Hier trifft Innovation auf Emotion – kompromisslos, intensiv und von zeitloser Eleganz.

„Evangelic Girl Is A Gun“ ist yeules bisher hemmungslosestes und emotional entblößendstes Werk, in dem sie sich mit Ideen einer selbstzerstörerischen Identität auseinandersetzen, die sich durch die Leinwand der Postmoderne brennt. Begleitet von visuellen Kunstwerken, die in Zusammenarbeit mit dem Künstler Vasso Vu entstanden sind, und einem Video für die neueste Single, das von dem bereits erwähnten Neil Krug gedreht wurde, erforschen yeule die Dualität der Dunkelheit sowie ihre persönliche Geschichte mit ihrer Rolle als „Maler“. Durch die hypnotischen Melodien des Albums präsentieren sie ein Porträt des/ der gequälten Kunstschaffenden, der/ die in einem Bild gefangen ist, während yeules eindringliche Vocals wie ein emotionaler Würgegriff auf die Dance-Beats wirken.

Mit „Evangelic Girl Is A Gun“ verleihen yeule dem Triphop aus Bristol und dem Gothic-Style der 90er Jahre ihre eigene „cyborgianische“ Note. Das Album enthält Produktionen von A.G. Cook, Chris Greatti, Mura Masa, Clams Casino, Fitnesss und Kin Leonn, yeules vertrauter Kollaborateur und Co-Produzent des Vorgängeralbums, „softscars“ (2023). yeules unbehandelter Gesang auf dem Album trägt ebenfalls zu einem Gefühl von brennender Authentizität bei; die Rohheit kommt zum Vorschein, wenn sie auf Auto-Tune verzichten. Dieser schrille künstlerische Stil ist eine Abkehr von ihren früheren, glitchigen Werken. Als Gegenpol zum Aufkommen von KI wollten sie ihren Gesang mit einer „rohen, unersetzlichen Kante“ versehen.

„Evangelic Girl Is A Gun“ ist yeules bisher hemmungslosestes und emotional entblößendstes Werk, in dem sie sich mit Ideen einer selbstzerstörerischen Identität auseinandersetzen, die sich durch die Leinwand der Postmoderne brennt. Begleitet von visuellen Kunstwerken, die in Zusammenarbeit mit dem Künstler Vasso Vu entstanden sind, und einem Video für die neueste Single, das von dem bereits erwähnten Neil Krug gedreht wurde, erforschen yeule die Dualität der Dunkelheit sowie ihre persönliche Geschichte mit ihrer Rolle als „Maler“. Durch die hypnotischen Melodien des Albums präsentieren sie ein Porträt des/ der gequälten Kunstschaffenden, der/ die in einem Bild gefangen ist, während yeules eindringliche Vocals wie ein emotionaler Würgegriff auf die Dance-Beats wirken.

Mit „Evangelic Girl Is A Gun“ verleihen yeule dem Triphop aus Bristol und dem Gothic-Style der 90er Jahre ihre eigene „cyborgianische“ Note. Das Album enthält Produktionen von A.G. Cook, Chris Greatti, Mura Masa, Clams Casino, Fitnesss und Kin Leonn, yeules vertrauter Kollaborateur und Co-Produzent des Vorgängeralbums, „softscars“ (2023). yeules unbehandelter Gesang auf dem Album trägt ebenfalls zu einem Gefühl von brennender Authentizität bei; die Rohheit kommt zum Vorschein, wenn sie auf Auto-Tune verzichten. Dieser schrille künstlerische Stil ist eine Abkehr von ihren früheren, glitchigen Werken. Als Gegenpol zum Aufkommen von KI wollten sie ihren Gesang mit einer „rohen, unersetzlichen Kante“ versehen.

Shirley Collins' Debütalbum "Sweet England" von 1959 wird in ihrem 90. Lebensjahr in remasterter Qualität neu aufgelegt. Originalexemplare dieses British-Folk-Juwels sind heute äusserst rar und werden für über 1.000£ gehandelt. Die Neuauflagen erscheinen im restauriertem Original-Artwork, dem limitierten Vinylformat liegt eine Postkarte bei.

"How do I know if my cat likes me?" ist die erste Zusammenarbeit der Organisten Ellen Arkbro und Hampus Lindwall mit der bildenden Künstlerin Hanne Lippard, eine existenzielle Meditation über die leeren Weiten unseres automatisierten Alltags. Das Stück entstand während Arkbro und Lippards Residenz 2023 im La Becque in La Tour-de-Peilz, Schweiz, Das Album persifliert die lähmende Ästhetik des Geschäftslebens, von der Warteschleifenmusik bis zum Onlinebanking. "How do I know if my cat likes me?" führt die Linie von Roberts Ashley von Roberts Ashley und Barry fort und hämmert auf die Klänge der Sprache ein, bis sie alle Bedeutungen durch angenehm betäubende Wiederholungen verdrängen. Die Platte zu hören ist, als würde man ein Captcha wieder und wieder lösen bis alle Zeichen zu Hieroglyphen verschwimmen, oder man findet sich in einem tautologischen Kundendienst-Argument verstrickt, nur dass man, nachdem man in der Sackgasse des Unsinns gelandet ist, eine unerwartete transzendente Schönheit findet, in der die Sprache von der reinen Funktion zur reinen Ästhetik umschlägt und vor Möglichkeiten schimmert. Selbst subtile Brüche in lyrischen oder musikalischen Mustern können eine grundlegende Veränderung in der Welt des Songs auslösen. Auf der gesamten Platte begründen strenger Formalismus und Minimalismus eine Erzählung. ,The Long Goodbye" stellt sich einen quälenden Dialog zwischen Bekannten vor, die sich nicht höflich voneinander lösen können: ,It's my pleasure!", stöhnt Lippard, die sich selbst antwortet: "Pleasure is all mine! / See you soon! / See you next time! / See you then!". Obwohl die Zeilen immer wieder dieselben wenigen Abschiedsworte wiederholen, akkumuliert sich eine geheimnisvolle Kausalität in den winzigen Variationen, die einen erzählerischen Bogen kreieren, weniger für die Figuren des Liedes, sondern für den Zuhörer, der sich mit Verzweiflung, nihilistischem Humor oder tiefer Dankbarkeit über die Fähigkeit der Kunst konfrontiert sieht. An anderer Stelle, als ,Modern Spanking" sich frei assoziierend von der Phrase "Online-Banking" in Richtung "breathing down your neck banking" und ,sexy but bankrupt banking" wandelt, wird eine ganze Welt oberflächlicher Vergnügungen ins Blickfeld gerückt. Während minimalistische Bewegungen in der Musik und der bildenden Kunst eine gewisse Situiertheit des Blicks fördern, erinnert ,Modern Spanking" an den glatten, reibungslosen Minimalismus eines gehobenen Einkaufszentrums: eine Menge wahlloser Passanten, die sich zwischen Sex und Geld, Fantasie und Realität, zerstreuter Aufmerksamkeit und intensiver Ablenkung befinden. In einer Welt wie dieser ist der Unterschied zwischen Bankgeschäften und Prügelstrafe zu vernachlässigen.

For the first time ever available in record stores, the redesign recalls the mysterious, multi-layered sound of Flashy Python's Skin And Bones. The hidden covers revealed by die-cut and semi-transparency as well as translucent rouge vinyl pay tribute to the haunting yet playful spirit of an album that could (and should) have been another CYHSY record. The limited deluxe reissue is being released in the wake of the 20th anniversary of Clap Your Hands Say Yeah, the classic self- titled debut album, and its celebratory 2025 worldwide tour.

Doppel LP, "Blooming Swamp" und "Anemonen im Meer" - limitiert auf 500 Exemplare. Erstmals auf Vinyl erhältlich - das zweite Album der deutschen Metalcore Band.

Die malische Ethnie der Dogon sind für ihre Tier-Masken und rituellen Tänze weltweit berüchtigt. Auch ihr unglaubliches astronomisches Wissen - wichtige Feste orientieren sich an der Laufbahn von Sirius B, einem mit bloßem Auge nicht zu erkennenden Planeten - lassen westliche Forscher seit über hundert Jahren rätseln. Aber hat man schon jemals von der Musik dieses Mythen-umrankten Volkes gehört? Petit Goro hat als erster Musiker die traditionellen Dogon-Rhythmen für ein junges, modernes Publikum aufbereitet, ja er ist der erste Popstar der Dogon überhaupt. Wenn er sich auf einer der Freiluftbühnen von Bamako seine Gitarre umhängt, dann wirbeln tausende von Tänzern den Staub auf. Es ist ein Sound, der bisweilen so klingt, als hätte es Junior Kimbrough, R.L. Burnside und die One-Chord-Vamps des Mississippi Hill Country Blues an den Niger verschlagen. Pentatonische Akkorde. Dogon-Chants. Und der Sog seiner Band - die mit Bass, Gitarre und traditioneller Perkussion Richtung Trance reitet. Petit Goro besingt dabei den Kampf um die eigene Kultur und Identität. Der Popstar ist das Aushängeschild einer neuen Bewegung : Die jungen Dogon haben angesichts der Bedrohung, - fast jede Woche wird ein Dogondorf von Dschihadisten attackiert - ihre gefährdeten animistischen Traditionen wiederentdeckt. Überall in Bamako sieht man Jugendliche stolz ihre Dogon-Tracht tragen. Petit Goro aber trägt ihre Botschaft in die Welt hinaus, rockt archaische Traditionen mit einem nie gehörten Dogon-Blues

Let All That We Imagine Be The Light“ ist das achte Studioalbum von Garbage und wurde bei Red
Razor Sounds in Los Angeles, Butch Vigs Studio Grunge Is Dead und Shirley Mansons Schlafzimmer
aufgenommen. Die Platte wurde von der Band und ihrem langjährigen Toningenieur Billy Bush produziert.
Das Album ist unverkennbar Garbage. Alle Markenzeichen und Handschriften, für die sie bekannt sind,
sind hier vorhanden. Große, kantige Gitarren, präzise, treibende Beats und filmische Klanglandschaften
lauern alle unter Shirley Mansons ausdrucksstarker Stimme, ihre Texte strotzen vor Attitüde. Es ist der
Sound einer Gruppe auf dem Höhepunkt ihrer kreativen Kräfte – die charakteristischerweise klangliche
Gegenüberstellungen und Stimmungen nutzt, um ein Album zu schaffen, das gleichermaßen von Licht und
Schatten pulsiert.
„Als ich mit der Aufnahme dieser Platte begann, war ich entschlossen, eine hoffnungsvollere, erhebendere
Welt zu finden, in die ich eintauchen konnte. Der Titel des Albums, Let All That We Imagine Be The Light,
ist ein perfektes, schlagzeilenträchtiges Statement für die gesamte Platte. Wenn alles düster erscheint, ist
es unerlässlich, nach den hellen, positiven und schönen Kräften der Welt zu suchen. Es fühlt sich fast wie
eine Frage von Leben und Tod an. Eine Überlebensstrategie“ – Shirley Manson
Garbage besteht aus allen vier ursprünglichen Bandmitgliedern, Shirley Manson, Duke Erikson, Steve Marker
und Schlagzeuger Butch Vig. In den 30 Jahren seit ihrer Gründung im Jahr

Get Sunk ist eine Ode an das Unendliche. Es bringt mit dem Pinsel gestrichene, verschwommene Erinnerungen an die Oberfläche, die sich zu einem Haufen von Farben und Verbindungen anhäufen, der sich über
die Individualität hinaus in eine endlose Veränderung erstreckt. Unter Wasser bewegt sich alles in Zeitlupe,
und Matt Berninger sah seine kreative Stimme mit der Strömung entgleiten. Aber manchmal müssen wir
ertrinken, um uns daran zu erinnern, wie man atmet. Get Sunk ist das reinigende Einatmen. Es ist der
Anblick des wogenden Spiegelbilds im Wasser und die Erkenntnis, dass man nicht man selbst ist ohne
tausend andere: Eltern, Freunde, Geschwister, Ehepartner und Ex-Freunde, College-Mitbewohner, beste
Freunde aus der Kindheit, Cousins und Cousinen, sogar Fremde - all das macht den Geist des Erzählers von
Get Sunkaus. Berninger wollte herausfinden, warum er liebt, was er tut, und es ist der kollaborative Geist
des Albums und die lockere, sich entfaltende Haltung, die Berninger aufblicken und die Wärme in seinem
Gesicht spüren ließ. Wenn wir in uns selbst versinken, stellen wir oft fest, dass wir eigentlich mit anderen
schwimmen.

Mal Waldrons erste Hommage an Billie Holiday mit dem Titel »Left Alone« wurde 1959 aufgenommen, nur wenige Monate vor dem Tod der Sängerin

Archie Shepps oft düsteres Tenorsaxophon erinnert an die Textur von Holidays Stimme, ergänzt aber perfekt Waldrons üppiges Piano

Diese instrumentale Hommage an Billie Holiday ist eines der besten Alben, die ihr Andenken ehren

After a year of scheming and crafting, building and destroying, Maisie Peters is ready to share what she’s been conjuring up – her brand new album ‘The Good Witch’, arriving via Gingerbread Man Records/Asylum on June 16th.

Recently heralded by vulnerable lead single, ‘Body Better’, Maisie’s second studio album ‘The Good Witch’, is the official follow-up to her No. 2 BRIT Breakthrough certified debut, ‘You Signed Up For This’, and in many ways the older, wise and scorned counterpart.

Exhibiting a newfound confidence, sharper storytelling and greater artistic ambition, Maisie created ‘The Good Witch’ across London, Suffolk, Stockholm, Bergen and LA, alongside the likes of, Oscar Görres (Taylor Swift, Troye Sivan), Two Inch Punch (Sam Smith, Jessie Ware), Matias Tellez (girl in red), Brad Ellis (Jorja Smith, Little Mix), Joe Rubel (Ed Sheeran, Tom Grennan) and Elvira Anderfjärd (Tove Lo, Katy Perry).

Neues Scheibe - Neue Wut: Nach Ihrem erfolgreichen Debutalbum gleich noch diese EP nachgelegt! Maschine Mensch beschreibt den alltäglichen Wahnsinn eines Individuums gesehen von unserer westlichen Welt. Wir werden geboren um ausgebeutet zu werden, alles zum Wohle des Kapitalistischen Systems. Maschine Mensch ist die Antwort auf die Frage: Was machst du aus deinem Leben? Auch wir müssen uns jeden Tag neu hinterfragen was unser Sinn des Lebens ist. Mit ,Maschine Mensch" schlägt die Berliner Punkband Shell Shocked ein neues Kapitel auf - und zwar laut. Die EP ist eine musikalische Abrissbirne gegen die Entmenschlichung unserer Zeit: gegen Algorithmus-Alltag, gegen soziale Kälte und gegen die leise Resignation im Kopf. Mit voller Wucht aus den Kellern Berlins meldet sich Shell Shocked zurück - roher, lauter und kompromissloser denn je. Auf ihrer neuen EP "Maschine Mensch" prallen schneidende Gitarrenriffs auf treibende Drums und Texte, die wie Faustschläge gegen die graue Realität wirken. Zwischen Großstadtbeton, Systemkritik und persönlichem Aufbegehren liefern Shell Shocked 6 Songs, die aufrütteln, antreiben und aufregen. Ein Soundtrack für alle, die nicht stillhalten können, wenn die Welt im Gleichschritt marschiert. ,Maschine Mensch" ist mehr - es ist ein Aufschrei. Punk aus Berlin. Direkt. Unverfälscht. Keine leeren Phrasen sondern Songs die verbinden und bewegen. Für alle die nicht blind mitlaufen wollen.

In May 1981 B-Movie and Soft Cell went into Advision Studios in London with the same producer, Mike Thorne (Wire, Bronski Beat, China Crisis, The Communards) to record singles for the label they were both signed to. Phonogram had really wanted to sign B-Movie but had also committed to Soft Cell, having been coerced into it by Stev0, who managed both artists and wouldn’t let them have one without the other. B-Movie commenced recording the dark moody anti-fame anthem ‘Marilyn Dreams’, whilst Soft Cell got underway on a cover of an obscure Northern Soul classic. When both songs were released in July 1981, ‘Tainted Love’ became a worldwide hit and shot Soft Cell to international fame, making them the biggest stars of 1981. B-Movie had formed in 1979, in Mansfield, a typical northern town in the middle of the Nottinghamshire coalfield. Originally a three piece featuring, vocal / bass, guitar and drums, they expanded by adding a keyboard player to broaden their initial post punk sound. Local Lincoln independent record label, Dead Good Records, firstly put them on the compilation LP ‘East’, followed by 7" inch EP and then a mini-album releases, which led to an appearance on the legendary Some Bizarre label (alongside the likes of Blancmange, Depeche Mode, Soft Cell and The The)
Major label interest followed, from which came the deal with Phonogram, B-Movie initially re-recording the track ‘Remembrance Day’, which reached No61 in the UK chart in early 1981 and, more importantly, was played by BBC Radio 1 DJ John Peel, and appearing in his Festive 50 for that year. All of the recordings the band made during their Phonogram period have been consigned to the Universal Music vault for several decades, with the band finally managing to have these returned in 2024. The various tapes have been digitised and restored, resulting in the creation of what would have been their 1982 debut LP ‘that never was’. Ten tracks including the three singles plus seven previously unreleased recordings. The CD version contains a further seven recordings including the 12” versions, single B-sides and the track “Moles’” from the Some Bizarre compilation.So “Hidden Treasures” from B-Movie, is only four decades late but still able to sit seamlessly alongside contemporaries like The Chameleons and The Sound. The LP is a darker, more brooding and psychedelic affair, more akin to the gothic elements of the Bunnymen or Joy Division, than the ‘pop sensations’ Phonogram wanted them to become. By both opening and closing this chapter of B-Movie, it puts them firmly in the same bracket as their new wave and post-punk contemporaries, which is the least they deserve, as one of the great ‘lost’ bands of the early 1980’s. "It’s nice to hear B-Movie are finally getting a chance to release their forgotten gems’” Matt Johnson (The The) Vinyl

A limited double-LP collection of artists who've been on either Fourth Dimension Records or Lumberton Trading Company (or both). The title, based on the name of a childhood '50s sci-fi film favourite, also not only reflects the bringing together of these two labels but also the fact that most of the artists they are concerned with tend to navigate a wide range of ideas and approaches in their sound. The 2LP also began as a reflection of the two labels coming together on 18 May 2024 at London's Cafe OTO for an event featuring Alternative TV, Splintered, Edward Ka-Spel and Bass Communion.The 2LP, beautifully packaged in a Puppy38 designed sleeve.

Get Sunk ist eine Ode an das Unendliche. Es bringt mit dem Pinsel gestrichene, verschwommene Erinnerungen an die Oberfläche, die sich zu einem Haufen von Farben und Verbindungen anhäufen, der sich über
die Individualität hinaus in eine endlose Veränderung erstreckt. Unter Wasser bewegt sich alles in Zeitlupe,
und Matt Berninger sah seine kreative Stimme mit der Strömung entgleiten. Aber manchmal müssen wir
ertrinken, um uns daran zu erinnern, wie man atmet. Get Sunk ist das reinigende Einatmen. Es ist der
Anblick des wogenden Spiegelbilds im Wasser und die Erkenntnis, dass man nicht man selbst ist ohne
tausend andere: Eltern, Freunde, Geschwister, Ehepartner und Ex-Freunde, College-Mitbewohner, beste
Freunde aus der Kindheit, Cousins und Cousinen, sogar Fremde - all das macht den Geist des Erzählers von
Get Sunkaus. Berninger wollte herausfinden, warum er liebt, was er tut, und es ist der kollaborative Geist
des Albums und die lockere, sich entfaltende Haltung, die Berninger aufblicken und die Wärme in seinem
Gesicht spüren ließ. Wenn wir in uns selbst versinken, stellen wir oft fest, dass wir eigentlich mit anderen
schwimmen.

Let All That We Imagine Be The Light“ ist das achte Studioalbum von Garbage und wurde bei Red
Razor Sounds in Los Angeles, Butch Vigs Studio Grunge Is Dead und Shirley Mansons Schlafzimmer
aufgenommen. Die Platte wurde von der Band und ihrem langjährigen Toningenieur Billy Bush produziert.
Das Album ist unverkennbar Garbage. Alle Markenzeichen und Handschriften, für die sie bekannt sind,
sind hier vorhanden. Große, kantige Gitarren, präzise, treibende Beats und filmische Klanglandschaften
lauern alle unter Shirley Mansons ausdrucksstarker Stimme, ihre Texte strotzen vor Attitüde. Es ist der
Sound einer Gruppe auf dem Höhepunkt ihrer kreativen Kräfte – die charakteristischerweise klangliche
Gegenüberstellungen und Stimmungen nutzt, um ein Album zu schaffen, das gleichermaßen von Licht und
Schatten pulsiert.
„Als ich mit der Aufnahme dieser Platte begann, war ich entschlossen, eine hoffnungsvollere, erhebendere
Welt zu finden, in die ich eintauchen konnte. Der Titel des Albums, Let All That We Imagine Be The Light,
ist ein perfektes, schlagzeilenträchtiges Statement für die gesamte Platte. Wenn alles düster erscheint, ist
es unerlässlich, nach den hellen, positiven und schönen Kräften der Welt zu suchen. Es fühlt sich fast wie
eine Frage von Leben und Tod an. Eine Überlebensstrategie“ – Shirley Manson
Garbage besteht aus allen vier ursprünglichen Bandmitgliedern, Shirley Manson, Duke Erikson, Steve Marker
und Schlagzeuger Butch Vig. In den 30 Jahren seit ihrer Gründung im Jahr