Die Autofenster sind heruntergelassen, die Luft ist warm, und die Möglichkeiten sind grenzenlos. Auf Cut Worms, dem neuen, selbstbetitelten Album des aus Brooklyn stammenden Max Clarke, setzt der Singer-Songwriter und Musiker seine Erkundung dessen fort, was er "Pop-Essentialismus" nennt. Indem er die goldenen Hits vergangener Tage für einen zeitlosen Doppel-A-Seiten-Sound ausgräbt, betrachtet er uralte Fragen durch eine moderne Linse. Hier lässt er das legendäre Studio und die gefragten Produzenten hinter sich und arbeitet mit einer Reihe von begabten Freunden und Kollaborateuren zusammen, um seinen eigenen Ansatz zu finden. Das Ergebnis ist eine kompakte Sammlung von Tagtraum-Hymnen, die zwischen den hoffnungsvollen Anfängen des Sommers und dem flüchtigen Ende der Saison angesiedelt sind. Anstatt das gesamte Album in einem Stück in einem Studio aufzunehmen, variierte Clarke seine Methoden. Drei der Songs wurden von Anfang bis Ende in seinem gemeinsamen Proberaum aufgenommen. "Don't Fade Out" und Living Inside" wurden in Brooklyn von Brian und Michael D'Addario von den Lemon Twigs aufgenommen, die bei diesen beiden Stücken auch Klavier bzw. Bass spielten. Weitere grundlegende Aufnahmen wurden von Rick Spataro (von der Indie-Folk-Band Florist) in seinem Studio Onlyness Analog im Hudson Valley gemacht, mit Beiträgen der langjährigen Live-Band Cut Worms - Keyboarder John Andrews, Bassist Keven Louis Lareau und Schlagzeuger Noah Bond (der bei allen drei Sessions mitwirkte). Die neun Songs sind von einem jugendlichen Geist durchdrungen. Die mit Nelken geschmückte Schulball-Serenade "I'll Never Make It", die sternenklare Verliebtheit von "Is it Magic?", das erste Herbstlaub auf der Busfahrt zur Schule in "Living Inside" - sie alle beschwören einen Ort der Wärme und Sicherheit. Erklärungen wie "Don't Fade Out", "Let's Go Out On The Town" und "Use Your Love" stellen hohe Anforderungen an das Leben, um es zu verändern, bitten aber gleichzeitig darum, das zu bewahren, was uns als Menschen ausmacht. Clarke ringt mit einem Paradoxon: Die Freuden der Erfahrung können nicht ohne den Verlust der Unschuld gewonnen werden.
Die Autofenster sind heruntergelassen, die Luft ist warm, und die Möglichkeiten sind grenzenlos. Auf Cut Worms, dem neuen, selbstbetitelten Album des aus Brooklyn stammenden Max Clarke, setzt der Singer-Songwriter und Musiker seine Erkundung dessen fort, was er "Pop-Essentialismus" nennt. Indem er die goldenen Hits vergangener Tage für einen zeitlosen Doppel-A-Seiten-Sound ausgräbt, betrachtet er uralte Fragen durch eine moderne Linse. Hier lässt er das legendäre Studio und die gefragten Produzenten hinter sich und arbeitet mit einer Reihe von begabten Freunden und Kollaborateuren zusammen, um seinen eigenen Ansatz zu finden. Das Ergebnis ist eine kompakte Sammlung von Tagtraum-Hymnen, die zwischen den hoffnungsvollen Anfängen des Sommers und dem flüchtigen Ende der Saison angesiedelt sind. Anstatt das gesamte Album in einem Stück in einem Studio aufzunehmen, variierte Clarke seine Methoden. Drei der Songs wurden von Anfang bis Ende in seinem gemeinsamen Proberaum aufgenommen. "Don't Fade Out" und Living Inside" wurden in Brooklyn von Brian und Michael D'Addario von den Lemon Twigs aufgenommen, die bei diesen beiden Stücken auch Klavier bzw. Bass spielten. Weitere grundlegende Aufnahmen wurden von Rick Spataro (von der Indie-Folk-Band Florist) in seinem Studio Onlyness Analog im Hudson Valley gemacht, mit Beiträgen der langjährigen Live-Band Cut Worms - Keyboarder John Andrews, Bassist Keven Louis Lareau und Schlagzeuger Noah Bond (der bei allen drei Sessions mitwirkte). Die neun Songs sind von einem jugendlichen Geist durchdrungen. Die mit Nelken geschmückte Schulball-Serenade "I'll Never Make It", die sternenklare Verliebtheit von "Is it Magic?", das erste Herbstlaub auf der Busfahrt zur Schule in "Living Inside" - sie alle beschwören einen Ort der Wärme und Sicherheit. Erklärungen wie "Don't Fade Out", "Let's Go Out On The Town" und "Use Your Love" stellen hohe Anforderungen an das Leben, um es zu verändern, bitten aber gleichzeitig darum, das zu bewahren, was uns als Menschen ausmacht. Clarke ringt mit einem Paradoxon: Die Freuden der Erfahrung können nicht ohne den Verlust der Unschuld gewonnen werden.
Renowned agent and jazz pioneer Wim Wigt founded Timeless Records in 1975. This Dutch record label has specialized in bebop, although it also did a sub-series of releases of Dixieland, Swing and Classical recordings. As of today, Timeless Records has, together with its three sub-labels, released over 900 albums. Notable releases include Dizzy Gillespie Meets Phil Woods Quintet, McCoy Tyner's Bon Voyage, Lou Donaldson's Forgotten Man, Eastern Rebellion and albums by the George Adams-Don Pullen Quartet, Chet Baker, Bill Evans, Art Blakey's Jazz Messengers and many more.
To celebrate the legacy of Wim Wigt's Timeless Records, Music On Vinyl is releasing a 45th anniversary jazz series. The series features albums that are part of the Timeless Records legacy and will be released throughout 2021/2022. To kick off this series, Pharoah Sanders' Africa is released on the 19th of November 2021.
Pharoah Sanders possesses one of the most distinctive tenor saxophone sounds in jazz, which has earned him royal status amongst free jazz players, critics and collectors. Harmonically rich and heavy with overtones, his sound can be as raw and abrasive as it is possible for a saxophonist to produce. His 1987 album Africa is soulful but also searching for a strong groove at the same time. The album is recorded with John Hicks, Curtis Lundy and Idris Muhammad and was an explicit tribute to his late mentor John Coltrane, another giant of jazz.
Africa by Pharoah Sanders is available on black vinyl. The album includes an insert with upcoming Timeless Records titles from the Timeless Records 45th Anniversary Jazz series. The sleeve contains liner notes by Kevin Whitehead.
REPRESSED !
Splendid and precise... Top printed sleeve, united NL mentalcore famillies compilation, 2 tracks each... Well done and A-class design... Must have !
MAGIC STOCK FOUND !! Old school collector at distri price.. Last copies from the label's archives : a pure mental typical from the golden age of the unformated genre ! Don't miss !!
Indonesian City Sound: Panbers’ Psychedelic Rock and Funk 1971-1974
The Pandjaitan Brothers or Panbers came from the North Sumatra minority Christian group, the Bataks, whose ancestry traces back to an island at the center of Lake Toba. As a minority group within Indonesia's Muslim-dominated society, this ethnic minority has produced top military generals, celebrity lawyers, and a legion of pop and rock superstars.
Suffice to say, some of the biggest names in the country's pop history were Bataks. Panbers fit the bill perfectly.
The band's strong Christianity belief looms heavily in the music they produce. The prominent use of the Hammond organ in their early materials is evocative of church music the band members have been around in their whole life. Bandleader Benny Pandjaitan's fills his characteristic wail with existential dread, with many utterances of the word "mengapa" (why).
Guilt is another central theme Pandjaitan repeatedly comes back to in his lyrics. But they balance it with joy, on songs such as "Come on You Dance" "Let's Dance Together" or "Haai" (a play on the word high), where references to recreational substances are plentiful.
Although they modeled themselves after the era's rock bands Beatles and fellow countrymen Koes Plus, Panbers had a unique aversion to the electric guitar. In "Jakarta City Sound," a fiery three-note guitar solo is laid so far down in the mix that they are barely audible. In "Haai" they modify the guitar to sound like a jungle instrument playing traditional North Sumatran music. In "Rock and the Sea," arguably their most well-known song globally, they decided to ditch electric guitar altogether and replace it with a sitar.
In the absence of an electric guitar, Panbers had to rely on Doan's inventive bass playing and Asido's drum works to do the heavy lifting - and boy, do they deliver (Their 1971 debut "Volume 1" saw plenty of drum breaks). In this compilation, listeners will hear recordings from Panbers' fertile four-year period - a time that produced in some of the grooviest and hardest-sounding psychedelic music in Indonesia's rock history.
For those uninitiated on the glory Panbers, consider this compilation an introduction to some of earliest and heaviest rock sound to come out of Indonesia.
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A1 TRASHIN is a POWERFUL 194 bpm melodic hardfloor banger, old school off beat bass, full of mini breaks and surprises with a stomping kick!! FIRST DEBUT FOR P.0.3 ON VINYL!!!
A2 ANTRAX is a mega TRIBE CORE track with an impressing solid kick and mental melodies. Slowing down a bit to 165 bpm, driving off beat bass and ghosty effects, nice mixing tool!! FIRST DEBUT FOR P.0.3 ON VINYL ALSO!!!
B1 BLUE ANGER is the very first debut on vinyl for BLUMET, 2013 RS7000 drum machine remake. The track recall IVAR THE BONELESS war cry saying "you cannot kill me". Mad 210 bpm angry tune to make the crowd gabber kick the air! Edit and mix from STITCH!
B2 THE NAME OF DOVA is an old school hardfloor unreleased banger at 180 bpm from the infamous UZI. Stomping and deep first part with fidget recalls and digi sound effects, second part goes melodic on a Zelda Epic theme sound like, very cool!
MASTER from the very talented producer and Master engineer 1NC1N.
GRAPHICS from STITCH!!
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Steel City Dance Discs presents the ‘Wonder’ EP from fast-rising Italian artist Matisa. Fresh and filled with spirit, Matisa kicks off the EP with the transcendent, IDM-meets-Bingo Beats energy of ‘Brilliantine’, where twisted modulations fuse in harmony with angelic abstract vocals. Her original ‘Eyeliner’ is a euphoric breakbeat hardcore stomper, whilst Mall Grab’s take on the same track goes in harder with jacking drums, ecstatic rave stabs and menacing bass. Closing the EP is ‘Lip Plumper’ – a hypnotic stripped-back house cut which nods to UKG. This EP represents a significant moment in Matisa’s musical journey, as she evokes a combination of discovering yourself through creative expression with losing yourself on the dancefloor.
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‘Bad Neighbor’ is a collaborative studio album by rappers MED and Blu and producer Madlib. Originally released on October 30, 2015, the 13 track LP features guest appearances from the likes of the late MF DOOM, Aloe Blacc, Mayer Hawthorne, Jimetta Rose, Dâm-Funk, and Oh No. The album is undoubtedly an extension of all three artists’ signature sounds, but it simultaneously defies all precedents to reaffirm each individual’s position at the forefront of LA’s legendary hip-hop landscape.
For the first since it’s original release date, the album is set to be rereleased on vinyl in a special edition red and black color-in-color configuration equipped with two new mixes of the focus tracks, “The Strip (feat. Anderson .Paak)” and “Knock Knock (feat. MF DOOM).”
"Bad Neighbor is as if the Ruff Ryders albums were reimagined by this trio and all the avant heads get to party, but it is also worth mentioning that the often slept-on MED and Blu seem to steer this beast as much as the beloved Madlib." -AllMusic
Merak EP by Sev Dah marks the debut release on the Berlin-based label Dust in Grooves. Heavily influenced by the grit and zeal of Berlin, Detroit, Birmingham, and, his own, Sarajevo, Sev Dah unleashes his distinctively punchy and deviously structured spheric sound across this 4 track EP.
Opening with a stomping dancefloor tool that sets the energy high with playful and nostalgic loops, "Audio Grape" showcases the dynamic range of the techno proletarian. The dexterity of "Butter Knife" cuts intensely through the air with unexpected tones and drums, evolving into a steamy big-room journey made of sinister spins all the way through.
On the B side, "Dense Fog" permeates the space with a thick grip, softly engulfing all the senses in a labyrinth of sound, steadily building up anticipation with gleaming pads and elevated melodies as the story unfolds. The final track "Meraki" glistens with cold, robotic, fast-paced beats, roaring with otherworldly chords, like omens from the dystopian future, and melancholic subtlety that leaves a feeling of bitter hope.
From start to end, the EP Merak is an expression of the thriving and techno-revolutionary spirit of Sev Dah, crafting powerful narratives through a minimalistic approach. As a founder of DIG records, Olivia Mendez aims to bring precisely this signature sound, and a dedication to vinyl culture, which puts Dust In Grooves at the forefront of the contemporary techno scene. Further bridging classic and current formats, is the dynamic augmented reality cover designed by visual artist Bileam Tschepe. To unlock its motion, follow the riddle on the back.
All tracks are mastered by Nihad Tule.
Words by Lora Mateeva, MONUMENT
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Following up on his Data Phobia and Beats For The Streets EPs on Mechatronica, Credit 00 returns to the Berlin label with a mind-bending blend of past, present and future, carefully pieced together in a way that could come from no other. From the mind to the floor, from dark and cold machinefunk to blazed-out sun grooves, Credit 00 leaves no sonic traveler yearning.
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Mit 'Eye On The Bat' entfesseln Palehound eine klangliche Tour de Force, die ihren Status als einer der aufregendsten Indie-Rock-Acts festigt. Aufgenommen mit Sam Owens (Big Thief, Cass McCombs) ist die neue LP ein atemberaubendes Schaufenster ihrer künstlerischen Entwicklung mit einer erstaunlichen Menge neuer Songs, die vor Energie, Verletzlichkeit und rohen Emotionen strotzen. Von explosiven Gitarrenriffs über donnernde Drums bis zu El Kempners unverkennbarem Gesang ist 'Eye On The Bat' das aufregendste Werk, das Palehound bisher gemacht haben. Seine scharfen und introspektiven Texte erforschen Themen der Selbstfindung, Angst und Ermächtigung und fügen der kompromisslosen Vision des Albums eine Ebene von Tiefe und Nuancen hinzu.
If "Forgiveness of Blood" | KR3.009 was marked by a modern vision of techno voiced by Tensal's sound, this remixes EP chronicles the tension that shapes the sound of the artists involved: SHED, Anthony Linell, Alessandro Adriani and Tensal himself. Static and hypnotic waves of strain recur, even though the 4 tracks represent 4 different major expressions of what techno explicitly and implicitly stands for.
Forgiveness of Blood Remixes - is a distillation of the modernist and nostalgic sound capable of impacting both on the dancefloor and mentally.
Four strongly evocative tracks that narrate not only the artists' but also the label's path.
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The debut album of Istanbul born, Berlin & Copenhagen based artist Nene H (real name Beste Aydin) titled ‘Ali’. In this record Aydin has used her background as a classically trained pianist and her deep, foundational knowledge of musical theory to synergise contrasting electronic compositions and the mental process of mourning the death of a loved one.
Born as a tribute after the passing of her late father, Aydin has found catharsis through a personal odyssey, the reflection of which can be seen through these 8 tracks. Raised in a traditional Turkish family and now living in Germany with its westernized lifestyle, informs the intersections of identity and duality that Aydin exists and creates from within. This consolidation of identity has pushed her to seek solitude and confidence in the power of being able to represent the process of her existence in the scene as a Middle Eastern woman with Muslim upbringing.
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Isata Kanneh-Mason erweckt in dieser bezaubernden Sammlung den Zauber der Kindheit: klassische – und nostalgische – Musik über Kinder, komponiert von Wolfgang Amadeus Mozart, Claude Debussy, Robert Schumann und Ernst von Dohnányi. Begleitet vom Royal Liverpool Philharmonic Orchestra erinnert sich die Pianistin daran, wie sie als Kind Dohnanyis Variationen über ein Kinderlied hörte, aber auch daran, wie sie Mozarts Variationen über dieselbe Melodie lernte. Zu hören auf „Childhood Tales“ sind außerdem Debussys „Children’s Corner“, das der Komponist für seine 6-jährige Tochter geschrieben hat, und Robert Schumanns schlichte Kinderszenen.
Sie lebt ihn, sie liebt ihn, sie IST der Mallorca-Style: Denn wo MIA JULIA am Start ist, wird gefeiert, gelebt und abgerissen. Es ist genau dieses wilde und energiegeladene Lebensgefühl, das den Mallorca-Style ausmacht und den die beliebte und offenherzige Entertainerin zu transportieren weiß. Denn genau dafür lieben sie ihre Fans ebenso wie für ihre empowernden Ansagen, ihre lasziven Bühnenshows und provokanten Lyrics. Kein Wunder also, dass die Queen der Partymusik eine erfolgreiche Malle-Hymne nach der nächsten
rausbringt. Mit jeder Menge Energie, Stärke, Emanzipation, Freiheitsgefühl, Toleranz, aber auch einer Prise Sexyness. Typisch rotzig, typisch frech und dabei augenzwinkernd und herzlich. Und auch immer auf Augenhöhe mit ihrem Publikum.
"Soap Opera" ist das vierzehnte Studioalbum der Kinks aus dem Jahr 1975 und eine Fortsetzung des theatralischen Musikstils der Band aus "Preservation Acts 1 & 2". "Soap Opera" ist das großartigste Konzeptalbum, das die Kinks je gemacht haben. Ray Davies thematisiert darin, wie "gewöhnliche Menschen" mit ihren Träumen vom Starruhm dem Trübsinn entkommen. Darin tauscht ein Musiker namens "Starmaker" das Leben mit einem gewöhnlichen Mann namens Norman, um das Leben besser zu verstehen. Herausragende Stücke sind "A Face In The Crowd?, "Underneath The Neon Sign? und das hervorragende "You Can't Stop The Music".
Diese originalgetreu reproduzierte schwarze 1LP mit Klappcover ist die erste Neuauflage des Albums seit der ursprünglichen LP-Veröffentlichung, abgesehen von einer limitierten US-Pressung im Jahr 2008. Eine weitere erfolgreiche Veröffentlichung, vor allem in den Vereinigten Staaten, wo es auf Platz 45 der Charts einstieg.
Fünf Jahre nach dem letzten Studioalbum "Gegen den Strom" gibt es endlich neue Musik von Deutschlands größtem Country-Sänger:
Pünktlich zum Jubiläumsjahr (80. Geburtstag + 60. Bühnenjubiläum) kündigt Tom Astor sein nächstes Studioalbum " wieder da! " an.
Ab sofort wieder zurück "on the road" und im Studio, zelebriert Tom Astor mit seinen Fans die Tatsache, dass endlich wieder Musik überall stattfinden kann - und dass Menschen zusammenkommen können, um den Moment und das Leben gemeinsam zu zelebrieren.
Seit 2005 schaffen es Local Natives sich immer wieder neu in die Indie-Herzen ihrer Fans zu spielen und liefern nun mit „Time Will Wait For No One“ den nächsten Soundtrack für einen ausgedehnten Roadtrip im Sommer.
In L.A. leben viele Menschen, die auf der Suche nach dem einen Trick sind, der ihnen hilft, sich zu verwirklichen, erfolgreich und glücklich zu werden. Es ist ein lohnendes, aber zum Scheitern verurteiltes
Unterfangen, und das Beste, worauf wir hoffen können, ist, in einem Moment präsent zu sein. Das Album der Local Natives kommt in einem Moment der persönlichen Metamorphose. Das frühere Selbst schmilzt dahin, einige werden Väter, andere durchleben Zeiten der Isolation, des Verlusts und der Identitätskrise.
Time Will Wait For No One ist ein Mantra der Beruhigung als Antwort auf unerbittliche Veränderungen.
C-Mantle skillz for three Speedcore/Breakcore mental tunes, complex structures and rhythms, a true innovative happening in the world of Hardcore ! But at first you'll get a mental Dubcore 180 BPM, long thick fat weapon to play with Dj Scud Soot tune :) - Pressed at 200 – 150 only for sale.
out of Stock
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The music opens with our praised IND and a mystic Acid Tribe tune, thinlace of acid glass bubbles... The l'Art Cene and Severus tunes brings a sweet kick experimentation. The flip is in the same vein : mental and delicate acid fairy tales.
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SUPERB Taciturne EP ! A legend is back with a thinlace kicker spirit tending to become a grey aera for speedcore ? Or Speed-Doom Sound ? A mental indus Spitfire ?
BIG !
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Penguin Cafe kündigen heute ihr fünftes Studioalbum Rain Before Seven... an, das am 7.Juli 2023 bei Erased Tapes erscheinen wird.
Eine zuversichtliche Grundstimmung durchzieht das fünfte Studioalbum von Penguin Cafe, Rain Before Seven…, wobei es sich keinesfalls um jenen extrem selbstbewussten, fast schon prahlerischen Optimismus handelt, sondern eher um so eine auf bescheidene Art hoffnungsvolle Grundhaltung, die man den Menschen auf der Insel ja häufiger nachsagt. Auch wenn alle Anzeichen das Gegenteil behaupten, spürt man hier sofort diese Gewissheit, dass sich alles doch noch irgendwie zum Guten wenden wird. Vermutlich zumindest.
Der Titel des Albums geht auf eine alte Bauernregel zurück, wobei die gereimte Vorhersage – „… fine before eleven“: ab 11 Uhr also wieder alles klar – auf ein baldiges gutes Ende hindeutet, vollkommen unabhängig davon, was die Wissenschaft sagt: „Ich habe diesen Spruch in einem Buch entdeckt. Davor hatte ich ihn noch nie gehört“, erzählt Arthur Jeffes, der Kopf von Penguin Cafe. „Er hat so einen dezent optimistischen Beigeschmack, und das gefällt mir sehr. Man verwendet ihn heutzutage kaum noch, aber der Reim beschreibt tatsächlich Wetterphänomene in England, die vom Atlantik aus über die Insel ziehen.“
Angefangen beim leinwandgroßen und schwärmerischen Eröffnungstitel „Welcome to London“, der mit einem Augenzwinkern auf Morricone anspielt, bis hin zum „Goldfinch Yodel“, jenem „Maibaum-Banger“ (um es mit Arthurs Worten zu sagen), mit dem das neue Album ausklingt, zieht sich ein angenehmes Gefühl von Leichtigkeit und Lebensmut durch den Longplayer, unterfüttert mit der Ausgelassenheit exotischer Rhythmen. Alles wirkt spielerisch und verspielt, und selbst der Titel ist eine Anspielung – auf A Matter of Life… aus dem Jahr 2011, der letzten Veröffentlichung, deren Titel in eine Ellipse mündete Jenes Debütalbum von Penguin Cafe diente einst als Bindeglied und Brücke – zwischen dem legendären Penguin Cafe Orchestra, das einst Arthurs Vater Simon Jeffes leitete, und dem gefeierten Nachfolger, als dessen Mastermind seither Arthur verantwortlich zeichnet.
„Ich glaube, das wirklich Neue an seinem Ansatz bestand darin, spannende und schräge Ideen zu nehmen – und dann seltsame Dinge damit anzustellen“, meint Arthur, „dabei aber konstant im Blick zu haben, dass es hinterher auch schön klingt und emotional ansprechend bleibt.“ Dieses Ethos lebt weiter in der Musik von Penguin Cafe: „Dazu haben wir uns entschlossen, als ich daran anknüpfte, schließlich spielen wir die Sachen meines Vaters und machen dazu auch neue Musik, die im selben Klanguniversum angesiedelt ist. Das bedeutet, dass ich gewissermaßen moralisch dazu verpflichtet bin, den ursprünglichen roten Faden im Auge zu behalten – und dafür zu sorgen, dass wir nicht plötzlich in Richtung Thrash-Metal abbiegen.“
Dennoch waren die rhythmischen Elemente, die zum Teil sogar an elektronische Sounds erinnern, noch nie so präsent und tonangebend wie auf Rain Before Seven…, was durchaus auch dem Co-Produzenten Robert Raths geschuldet ist. „Find Your Feet“ etwa hat ein Beat-Fundament, das weit über einen bloßen Pulsschlag hinausgeht. Abgemischt von Tom Chichester-Clark, blitzt an Stellen wie diesen etwas auf, das Arthur selbst als „fast schon elektronischen Vibe“ bezeichnet, um dann ganz aufgeregt zu ergänzen: „Es geht vor allem auch einfach ums Spaßhaben, was auf den letzten drei Alben nicht so zu hören war.” Extrem ausgelassen klingt auch „In Re Budd“, das dem verstorbenen Ambient-Urgestein Harold Budd gewidmet ist. Arthur erfuhr von dessen Tod an jenem Tag, als er diesen feierlichen Ohrwurm komponierte, dessen Synkopen deutlich komplexer sind, als sie auf den ersten Blick wirken. Auf einem präparierten Klavier gespielt, wobei die Filzstücke dem Track zusätzlichen Bounce verleihen, setzt Jeffes hier auf einen Afro Cuban Cafe-Vibe – was wunderbar zum widerspenstigen Geist des verstorbenen Budd passt.
Und schließlich wäre da noch das bereits erwähnte „Welcome to London“, das seinen Titel erhielt, als sich die Welt gerade wieder zu öffnen begann und die Menschen auch wieder Fernreisen antreten durften. Jeffes, der somit nach langer Zeit endlich wieder einen Fuß auf britischen Boden setzen konnte, war sofort beeindruckt von filmischen Soundtrack-Qualitäten (à la John Barry) dieses Stücks, als er mit dem Taxi von Heathrow nach West-London fuhr und zur Musik die opulente, in Dämmerungslicht getauchte Metropolenkulisse auf sich wirken ließ. Hier kann man deutlich die eingangs erwähnte Zuversicht raushören – und dazu vielleicht auch einen Hauch von bissiger Ironie: „Robert Raths hat der Sache noch eine Nuance hinzugefügt, die ich interessant finde, weil doch so viele Londoner ursprünglich gar nicht aus London stammen. Man schlägt also in London als Zugezogener auf, man weiß noch nicht, zu welchem Lager man sich zugehörig fühlen soll, und dann wird man auf der Straße überfallen und ausgeraubt – und in dem Licht betrachtet, hat dieses ‘Welcome to London’ doch einen eher sarkastischen Beigeschmack.“
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Itchy sind zurück und bleiben eine sympathischsten Konstanten im deutschen Punkrock-Universum: Mit ihrem neuen Album Dive setzen die drei einen musikalischen Meilenstein und zeigen in 12 krachenden, wieder englischsprachigen Songs, wie man auch nach über zwei Dekaden Bandgeschichte noch unverbraucht frisch, zynisch provokant, irrsinnig angepisst und dabei zeitgleich überaus charmant klingen kann. Nach Jahren der Live-Durststrecke konnten Itchy Ende 2022 endlich wieder das tun, wofür die Band berüchtigt ist - eskalierende Live-Shows zelebrieren. Die so oft verschobene Tour wurde final zur erfolgreichsten der Bandgeschichte und jeden Abend zeigten die frenetischen Anhängerscharen, dass nicht nur die Band die intensiven Live-Erlebnissen schwer vermisst hat. Das neue Album spiegelt die Spielfreude und Energie, mit der die Band Abend für Abend ihr Publikum zu körperlichen Höchstleitungen anstachelt, exakt wider. Itchy legen ihre salzigen Finger in die offenen Wunden von Gesellschaft, Politik und Religion und lassen die Hörerinnen und Hörer trotzdem auch immer wieder Teil ihrer eigenen Welt werden. Themen wie politische Heuchelei und Stagnation (Thoughts & Prayers), die Missbrauchsskandale der Kirche (No one's listening), das amüsante Eingestehen fehlender eigener Sozialkompetenz (I'm alright) oder die Auseinandersetzung mit wirren Stimmen im Kopf (Prison Light) fliegen abwechselnd aus den Boxen. Für die emotionale Anti-Kapitalismus-Hymne Burn the whole thing down haben sich Sibbi, Panzer und Max diesmal prominente Unterstützung mit an Bord geholt und so wettern sie gemeinsam in brachialen Strophen und einem zuckersüßen Refrain gegen die Höher-Weiter-Schneller-Mentalität unserer Zeit. Jeder Song auf Dive hat seinen ganz eigenen Vibe und trotz der Härte in Musik und Text ist es ein positives Album, das immer ausreichend Platz für ein gewinnendes Augenzwinkern lässt. Im Herbst dann wieder auf großer Tour.
Feel the ground shake beneath your feet as swarms of infected march towards your colony! The soundtrack for They Are Billions was composed by Nicolas de Ferran, a prolific composer who already has about fifteen soundtracks to his credits and experience as a Music Editor on OSTs like A Plague Tale: Innoncence, Vampyr, and more.
Due the game's humble beginnings, the music was originally produced on a low budget, using only samples and virtuals instruments.
However, following the overwhelming success of the Early Access, the music was re-orchestrated and completely re-recorded with the National Slovak Symphony Orchestra in Bratislava. A 60-piece orchestra recorded the music for the game for an entire day in the concert hall of Slovak Radio, with sound engineer Peter Fuchs (known for Fable, Total War, Call of Duty and more).
With its cinematic epicness, stressful ambiences and inspiring melodies, this album is a must-have awaited by the whole community! "They Are Billions has been an incredible experience in my career and I'm very happy to be able to keep the music of this game alive with Microids Records" Nicolas de Ferran
When he‘s not writing or recording, Baba Stiltz immerses in fearless fiction by the likes of Denis Johnson and Dodie Bellamy; prose where pedestrian details become transcendent in aggregate and the inner lives of marginal characters are examined as though they were kings.
A similar thesis runs through „Paid Testimony“, the essential second tape of minimalist guitar music from the FilipinoAmerican-Swedish artist.
In recent years, Stiltz has made like Lee Hazelwood‘s Cowboy In Sweden in reverse, making annual pilgrimages from Stockholm to California and reconnecting with his roots via a guitar and a Fostex 4- track. He‘s drawn to the less glamorous corners of the golden state, an observant habitué of unkempt streets and dive bars stretching from LA to Vacaville. It‘s a long stretch from the jetset techno clubs
where Baba originally plied his musical trade, but it‘s where he finds characters and ideas worth writing about.
The characters on „Paid Testimony“ are on the edge and on the run. Surrounded by flawed men with big schemes since childhood, he extrapolates characters who plot bank heists and order milk and vodka in AM hours, the type of confrontation- prone characters who „say some shit, make everyone uncomfortable and then just split.“ To focus on the rawness of this document would discount the humor and sympathy with which he treats his characters, not to mention the subtly- psychedelic songwriting recalling David Berman, early Smog, the original indie rock minimalist poets.
On the final song, Stiltz looks back on the city that raised him „Stockholm,“ referencing „young professionals carelessly living“ before adding „I can‘t say I‘m not jealous even though I live my life just like they do.“ There‘s an honesty in the small details revealed on „Paid Testimony“, and a defined sense of place, be it Stockholm, Sacramento or some dim barroom across from the Bank Of America.
Baba doesn‘t quite fit in anywhere. This outsider quality has often been used as a marketing tool, yet here, it lends a writerly aspect to the proceedings, an unreality to the everyday.
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Seit 2005 schaffen es Local Natives sich immer wieder neu in die Indie-Herzen ihrer Fans zu spielen und liefern nun mit „Time Will Wait For No One“ den nächsten Soundtrack für einen ausgedehnten Roadtrip im Sommer.
In L.A. leben viele Menschen, die auf der Suche nach dem einen Trick sind, der ihnen hilft, sich zu verwirklichen, erfolgreich und glücklich zu werden. Es ist ein lohnendes, aber zum Scheitern verurteiltes
Unterfangen, und das Beste, worauf wir hoffen können, ist, in einem Moment präsent zu sein. Das Album der Local Natives kommt in einem Moment der persönlichen Metamorphose. Das frühere Selbst schmilzt dahin, einige werden Väter, andere durchleben Zeiten der Isolation, des Verlusts und der Identitätskrise.
Time Will Wait For No One ist ein Mantra der Beruhigung als Antwort auf unerbittliche Veränderungen.
»Don’t Ever Let Me Know« is Sheffield’s first solo release since 2018’s »Repair Me Now« (Glistening Examples) and is a work in a similar mode to that album in that it comprises two lengthy pieces of multiple movements and moods. For this new work, and as a kind of ode to his late father, Sheffield has employed samples entirely taken from (or inspired by) the city in which both men were born. In this way, the sounds have been utilized as a kind of shorthand for the specific subjects at hand. The two audio assembla ges, meanwhile, mirror the ways in which loss and memory are processed – with both melancholy and wonder in equal measure: at once beautiful and confounding.
Colin Andrew Sheffield (b. 1976, El Paso TX) is a composer whose work is focused on the recontextualization of samples derived from various commercially available recordings – generally those taken from his own expansive collection of records, tapes, and compact discs. Conceptually his output is akin to plunderphonics-style sound collage, though aesthetically it is seemingly closer to soundscapes of ambient drone. Since his earliest recordings from the 1990s, his work has developed into a kind of hybrid of the aforementioned approaches.
BLACKSCAPE ist der Schlag ins Gesicht, nach dem du dich sehnst. Verschwende keinen Gedanken an den Schmerz, wenn du dich dieser musikalischen Lawine hingibst, denn du wirst reichlich belohnt werden!
"Suffocated By The Sun", das Debütalbum des schwedischen Trios ist vollgepackt mit schweren Riffs und einer Mischung aus Thrash Metal und Death Metal, die dich mit ihren majestätischen Melodien in ihren Bann ziehen und dich mit einer heftigen Dosis Metal fertig machen wird.
Die eingängigen Kompositionen des Albums beinhalten eine Fülle an innovativer Gitarrenarbeit, halsbrecherische Drums, kreischende Soli und brutalem Leadgesang.
Taucht tief in die Lyrics ein und erforscht die inneren menschlichen Konflikte in absurden Realitäten und schmerzhaften existenziellen Erweckungen.
Die Tracks des Albums verkörpern Metal in Perfektion und markieren den Beginn einer neuen skandinavischen Metal-Macht, die man im Auge behalten muss: BLACKSCAPE.
The cheeky yet sophisticated “Manzo Edit” calf returns with a fresh assortment of four lushly revisited cuts. First on the menu is “Digestif”, a laid-back Disco House track ideal for setting the dance floor groovin.
“Get It” also falls into the downtempo realm with its smoky acid beat, while “Dancecraft” hits you head-on with a load of robotic funk. Lastly, “Forneria Moderna” pays a festive homage to the Latin side of Jazzy House.
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Curious, he bid on the item and ended up winning it for a few dollars. Upon investigation, the simple and intuitive nature of its interface appealed to him, especially in comparison to the dense 'menus within menus' design of contemporary DAWs, and he soon began to seek out other programs from this 'first wave' of music software development. The result of over a year of study, experimentation, and creation (often involving direct correspondence with the software creators themselves), 'Universal Synthesizer Interface' is Roos's homage to this early era of algorithmic music making.
This reissue expands the offering with some of their earliest known recordings, combining to form a full menu from a legendary band that ushered bluegrass into a more modern era! The band, led by the virtuosic mandolin player Roland White, delivers a collection of traditional and original tunes that showcase their impeccable musicianship and tight harmonies.
But it's not just about technical skill - the Kentucky Colonels also bring a sense of soulfulness to their music. Vocal tracks like "I Am A Pilgrim" and "Lonely Heart Blues" are delivered with heartfelt emotion, while instrumentals like "Dusty Miller" have a haunting beauty that lingers long after they've ended
Brian Jonestown Massacre, Velvet Underground, TOY. “Upon the highways of Freedom, where Evil is like a Ferrari… “ Unbeknownst to its members, Index For Working Musik was born on an evening in late 2019 amidst the discovery of a collection of faded b&w photocopies that had been marinating on the floor of a urine-alley in the Gothic Quarter of Barcelona. An assortment of sacred and profane imagery were crumpled amongst an essay on early Christian hermits, entitled Men Possessed by God, the meaning of which was enticingly vague. Received together, they planted the seeds for a new endeavour. Though Max Oscarnold and Nathalia Bruno were already engaged in a creative ping-pong of sorts, the results to this point had only totaled a 30 min long ½ inch tape containing one track and four interludes. They needed a page and they needed ink, and they needed a place and it needed energy. Suddenly by chance or divine intervention, their experimental venture had been given form and direction. Back home in London’s cursed smog, they moved themselves and their 8-track studio into a basement in E8, where the project’s gravitational pull gained strength, quickly developing into an unexpected collective with the incorporation of drummer Bobby Voltaire, double bass player E. Smith and guitarist J. Loftus. As the world shifted around them and the Plague Years followed, it became increasingly clear that they were not going to leave that small basement room. The scarcity of light or outer world presence was less a limitation, instead the main tool at hand, allowing the recording to stretch for boundaryless days in architectural isolation, and forcing them to make straight forward free guitar music, adopting a ‘first thought, best thought’ approach. 35 minutes of repeat phrased guitars, slow-clipped drums and dulcet vocals where the recurring landscape is the desert. Reel-to reel-loops of Afghan music compete with the found sound overlays of voices recorded at the queue of the pharmacy and drum machines borrowed from Spanish heroes, channelling both far-off climes and snippets from a closer reality. It’s a strange psychic brew, built of imagined mysticism and domestic realities, of fever dreams and days that stretched into weeks of months. What was sparked by that discovery in the Gothic Quarter was actually a realisation that what they were looking for was with them all the while, buried as it was in piles of voice memos and recorded guitar feedback. Men Possessed By God they may be not: it was self-possession that was to guide their way in the end. “Life, despite all its destructive changes, remains indestructibly powerful and joyful
