Das estnische Vokalensemble Vox Clamantis und dessen Leiter Jaan-Eik Tulve haben sich im Laufe der
inzwischen 25 Jahre langen engen Zusammenarbeit mit Arvo Pärt als führende Interpreten seiner Musik
etabliert – eine Beziehung, die auf der fast ein halbes Jahrzehnt währenden künstlerischen Partnerschaft
zwischen Pärt und dem Produzenten Manfred Eicher baut. Über die ECM New Series-Aufnahme The Deer’s
Cry des Ensembles meinte das BBC Music Magazine: „Das künstlerische Niveau, das nötig ist, um eine so
lebendige und atmende Interpretation wie die von Vox Clamantis zu erreichen, ist selten anzutreffen. Diese
eindringlich authentische und hervorragend gesungene Aufnahme gehört wohl zu den überzeugendsten auf
einer CD befindlichen Einführungen in Arvo Pärts Musik”. And I heard a voice, aufgenommen im Dom zu
Haapsalu, Estland, und anlässlich von Arvo Pärts 90. Geburtstag veröffentlicht – zeigt, wie sich die enge
Verbindung zwischen Chor und Komponist, getragen von einem gemeinsamen Gespür für Gregorianischen
Gesang ebenso wie für zeitgenössische Musik, weiterhin vertieft.
Am 5. September erscheint zum ersten Mal seit fast 25 Jahren eine brandneue Sammlung der beliebtesten
Songs von Yusuf / Cat Stevens aus seiner fast 60-jährigen Karriere. ”On The Road To Find Out: The
Greatest Hits wird in mehreren Produktformaten veröffentlicht und präsentiert einen der größten britischen
Künstler und sein phänomenales Werk, das von Titeln wie ”The First Cut Is The Deepest”, ”Where Do The
Children Play?”, ”Wild World”, ”Moonshadow”, ”The Hurt” und ”Father and Son” geprägt ist. Außerdem
sind weitere zahlreiche Songs enthalten, angefangen bei seinem Debüt ”Matthew & Son” bis hin zu ”King
Of A Land” aus dem Jahr 2023.
Die einzigartige Sammlung erscheint weltweit als 1CD,2CD,2LP und 4LP und bietet in Remaster Qualität mit jeweils 24 Songs und 78 Minuten ein besonderes Hörerlebnis.
Außerdem dazu ein Booklet mit allen Lyrics zu den zeitlosen Songs sowie Notizen von Yusuf Cat Stevens
selbst.
Die perfekte Ergänzung für jede Plattensammlung!
Am 5. September erscheint zum ersten Mal seit fast 25 Jahren eine brandneue Sammlung der beliebtesten
Songs von Yusuf / Cat Stevens aus seiner fast 60-jährigen Karriere. ”On The Road To Find Out: The
Greatest Hits wird in mehreren Produktformaten veröffentlicht und präsentiert einen der größten britischen
Künstler und sein phänomenales Werk, das von Titeln wie ”The First Cut Is The Deepest”, ”Where Do The
Children Play?”, ”Wild World”, ”Moonshadow”, ”The Hurt” und ”Father and Son” geprägt ist. Außerdem
sind weitere zahlreiche Songs enthalten, angefangen bei seinem Debüt ”Matthew & Son” bis hin zu ”King
Of A Land” aus dem Jahr 2023.
Die einzigartige Sammlung erscheint weltweit als 1CD,2CD,2LP und 4LP und bietet in Remaster Qualität mit jeweils 24 Songs und 78 Minuten ein besonderes Hörerlebnis.
Außerdem dazu ein Booklet mit allen Lyrics zu den zeitlosen Songs sowie Notizen von Yusuf Cat Stevens
selbst.
Die perfekte Ergänzung für jede Plattensammlung!
Die FETENHITS-Folge NDW Neue Deutsche Welle wurde neu aufgelegt - mit verändertem Tracklisting.
Einige Titel, die auf der früheren Folge fehlten, sind nun endlich mit dabei, wie z.B. ”Der Mussolini” und
”Als wär’s das letzte Mal” von DAF sowie ”Der Kommissar” von Falco. Des weiteren finden sich einige
tolle Raritäten von Michael Cretu, Alphaville und Thomas Anders wieder. Man darf gespannt bleiben...
Als 3CD & Download und im September dann auch als 4-fach Vinyl!
Blah Blah Blah is the 1996 debut album by Brooklyn-based hip hop duo Blahzay Blahzay, composed of DJ P.F. Cuttin' and rapper Outloud. Their big breakthrough was the single "Danger", which was issued as the lead single of their 1996 album Blah Blah Blah. The single contains many samples, including Beastie Boys and Q-Tip "Get It Together", Gwen McCrae "Rockin' Chair", and Jeru The Damaja "Come Clean". It reached #4 on the Billboard Hip Hop Chart and #46 on the Billboard Hot 100. The tracks "Pain I Feel", "Good Cop/Bad Cop" and "Danger, Pt. 2" also gained traction. The album featured guest performances by Dark Man, Smoothe Da Hustler and Trigga Tha Gambla.
Big Thief will release their sixth studio album, Double Infinity, on 5 September 2025.
Double Infinity is the follow-up to 2022’s Grammy-nominated album, Dragon New Warm Mountain I Believe In You, recorded last winter at the Power Station, New York City. For three solid weeks, the trio would ride bicycles on frozen streets between Brooklyn and Manhattan, meeting in Power’s Station’s warm wood-panelled room. Together with a community of musicians (Alena Spanger, Caleb Michel, Hannah Cohen, Jon Nellen, Joshua Crumbly, June McDoom, Laraaji, Mikel Patrick Avery, Mikey Buishas) they would play for nine hours a day, tracking together – simultaneously – improvising arrangements and making collective discoveries. Double Infinity was produced, engineered and mixed by longtime Big Thief collaborator Dom Monks.
“How can beauty that is living be anything but true?” Adrianne asks as she drives nose against the future with childhood mementos on ‘Incomprehensible’. She understands, “everything I see from now on will be something new.” The silver hairs on her shoulders are new as well. Yet fear of aging is cracked by proof. If a life is shaped by living, “Let gravity be my sculptor, let the wind do my hair.” Being born, then staying a while, remains the greatest mystery. Adrianne claims her place and time. “Incomprehensible, let me be.”
Celebrating a quarter-century of Ryan Adams’ 2000 debut solo album release Heartbreaker. This release features 11 re-imagined tracks from the critically acclaimed record that helped define a generation of alt-country and Americana.
Newly re-worked with fresh emotion and stripped-back intensity, these new versions offer a deeper take on the originals with a sprinkling of strings.The heartbreak never ended.
In the smoggy orange light of a new millennium, the young Deb Demure would take the bus, once a week, from his home in crumbling Hollywood to his grandmother's apartment, nestled in the pastel pristineness of Beverly Hills. During these visits, Deb couldn't help but notice the disconnect between the glow of his grandmother's temple, and the downtrodden, alienated figures that populated the seats of the mass transit that took him there. Week after week, he would observe these characters: fading B-movie starlets, leisure-suited alcoholics and forgotten civil servants. But one fateful commute home, as the twilight waned to the purple Los Angeles night, he realized these figures were not as lost as they appeared - there was a nobility in their failure, reflective of the dignity of the city's vanishing golden era. They were survivors, in need of a voice: a spokesperson for every color of hope and hopelessness, transcendent of gender and time; Drab Majesty became Deb's musical podium for this undertaking. Raised in a music-centric household, Deb would find the time to teach himself to play his father's right-handed guitar upside down and left-handed; an unorthodox fashion from where his earliest understanding of chords and harmony were conceived. Exploring the bins of discarded vinyl in his neighborhood thrift stores, his toolkit expanded with the subterranean sonic gems of the recent past. Influences range from the virtuosic arpeggiated guitar work of Felt's Maurice Deebank and the grittier pop progressions of Red Lorry Yellow Lorry's Chris Reed as well as Steve Severin from Siouxsie and The Banshees. He also studied the harmonic oscillations and utilization of the occult power of vibratory frequency present in New Age sounds of Greek artist, IASOS. In terms of orchestration, he consciously culls from the seaside maximalism of Martin Dupont and mechanized grooves of early Depeche Mode. Like a dualistic pendulum, his vocals swing from a preistly baritone to a choir boy's falsetto reflecting the sepulchral ambiance of church visits with his grandmother. Currently the drummer for Los Angeles lo-fi rock ensemble Marriages and having honed an unorthodox home recording style, Deb sources his sounds from a repository of "mid-fi" synthesizers and other lesser-quality instruments. Following the release of his debut cassette EP, "Unarian Dances", he also shared a split 12" with synth pop forefathers, Eleven Pond. During the Spring of 2015, Drab Majesty signed with Dais Records and released his first single, Unknown to the I, as a introduction for his first initial foray into the album format, romantically titled Careless. Written over the course of 2 years, "Careless" is a compendium of songs that have outlasted a malicious burglary of his studio, his struggles with substance addiction, and most recently, the death of his beloved grandmother.
Love & Rage, the brilliant 2024 debut album from London Queercore trio Shooting Daggers turned many heads with its jaw dropping depth and melody as well as blinding energy, feminist fury and angst. It has to be said that the band are not just bashing it out here. The playing is knockout and the vocals in particular are a standout. Singer Sal proving that she can do hard and fast and cool and melodic with equal aplomb. Add in some really inventive vocal arrangements and harmonies, and you have a band that is pushing that hardcore envelope big time. 2nd edition in Pink vinyl, full colour single outer sleeve, with a full colour printed inner sleeve, with an exclusive A4 poster included as well as a full download code. `Shooting Daggers may well have already made 2024's finest punk album'- Metal Hammer 'a ferocious brand of self-styled queercore punk rock that takes no prisoners' - Kerrang. 'a truly empowering album' - Noizze.
Born as Diana Reches, Diane Denoir made her debut as a singer in 1966, backed by Eduardo Mateo on guitar. Influenced by Françoise Hardy and Astrud Gilberto, along with her own unique style, she performed a special blend of chanson française, bossa nova (sung in Portuguese, English, and French), and jazz. By then, Mateo was already a well-known guitarist in the Uruguayan music scene and a sought-after arranger. He was also beginning to establish himself as an incredible songwriter, connecting different musical universes in unique ways. The two formed a fruitful artistic partnership that lasted until the early seventies. This album, originally released in 1998 on CD, is a compilation of various unreleased recordings from different sources (concerts, radio and TV recordings, homemade tapes) made between 1966 and 1968. It is a unique document that showcases their incredible musicianship and creativity in their early years. The duo swings from bossa nova classics like "The Girl from Ipanema" to the rhythm and blues of "Fever," including chanson française standards like "Le lendemain" and "La Dernière Valse." The album also features earlier versions of the three best-known Mateo songs performed by Diane: "Y hoy te vi," "Esa tristeza," and "Mejor me voy," all of which were inspired by Diane. Inéditas unveils a new dimension of South American music from an unforgettable era.
Bernadette Price, wife of the late, legendary Sean Price, steps into the spotlight with her solo debut album, A Widow’s Cry. This deeply personal project features hard-hitting production from some of hip-hop’s finest producers, including Khrysis, Da Beatminerz, Stu Bangas, and more.
A Widow’s Cry not only honors Sean Price’s legacy but amplifies it, featuring collaborations with fellow Boot Camp Clik members Smif-N-Wessun, Ruste Juxx, Rockness Monsta, along with a rare, never-before-heard verse from Sean Price himself—a true gem for longtime fans.
More than just a tribute, this album is Bernadette Price’s bold statement that she’s here and ready to make her mark.
Big Thief will release their sixth studio album, Double Infinity, on 5 September 2025.
Double Infinity is the follow-up to 2022’s Grammy-nominated album, Dragon New Warm Mountain I Believe In You, recorded last winter at the Power Station, New York City. For three solid weeks, the trio would ride bicycles on frozen streets between Brooklyn and Manhattan, meeting in Power’s Station’s warm wood-panelled room. Together with a community of musicians (Alena Spanger, Caleb Michel, Hannah Cohen, Jon Nellen, Joshua Crumbly, June McDoom, Laraaji, Mikel Patrick Avery, Mikey Buishas) they would play for nine hours a day, tracking together – simultaneously – improvising arrangements and making collective discoveries. Double Infinity was produced, engineered and mixed by longtime Big Thief collaborator Dom Monks.
“How can beauty that is living be anything but true?” Adrianne asks as she drives nose against the future with childhood mementos on ‘Incomprehensible’. She understands, “everything I see from now on will be something new.” The silver hairs on her shoulders are new as well. Yet fear of aging is cracked by proof. If a life is shaped by living, “Let gravity be my sculptor, let the wind do my hair.” Being born, then staying a while, remains the greatest mystery. Adrianne claims her place and time. “Incomprehensible, let me be.”
Los Angeles trio Faetooth sophomore album Labyrinthine is a deeply felt exploration of emotional weight: grief, memory, uncertainty, and the quiet work of growing around your own wounds. Following the band's 2022 debut Remnants of the Vessel, which introduced the band’s signature blend of heaviness and mysticism, Labyrinthine pushes further inward. True to its name, the album winds through a maze of feeling and form, where meaning is never handed over easily. It’s rooted in self-discovery through disorientation, the idea that understanding comes not from escape, but from getting lost. Ari May (guitars and vocals), Jenna Garcia (bass and vocals), and Rah Kanan (drums) manage to stay grounded in the immediate in parallel with fantasy themes of the band's namesake. Labyrinthine holds space for this contradiction; tenderness and intensity, restraint and release. The band's self-branded “fairy doom” sound fits between shoegaze, doom, and grunge. It isn’t just texture; it’s a framework for navigating the unsaid. Like the myth that inspired its title, Labyrinthine doesn’t end in victory, but in confrontation—not with escape, but with the Minotaur. Only here, the Minotaur isn’t a monster. It’s something quiet and more familiar: unresolved feelings, old memories, and sadness that refuse to stay buried. The album winds like a maze, sometimes heavy, sometimes hushed, always intentional. Faetooth isn’t chasing catharsis. They’re creating space to reflect, to feel, and maybe to get a little lost along the way.
Artist quote: "White Noise" emerged from a diary entry, and is a relentless and intense reflection on inner turmoil. We’re often drawn to the familiar, even when we don’t realize we’re reaching out for it. It is an emotional upheaval, carrying harsh truths that weigh heavily on the heart. Guitarist, Ari May mentions, “Performing the song always takes me back to a specific place, even if just for a moment.”
“Riffs and melodies brimming with loneliness and longing… this band’s incantations affect my mood the whole day after listening.” — The Sleeping Shaman
“Bringing otherworldly hazy doom goodness… dreamy clean vocals, echoing harsh vocals, entrancing riffs, meditative shoegaze melodies.” — Nine Circles
“Slow, lumbering behemoths of great weight… couched in a melancholy atmosphere and explosions of crushing heaviness.” - Where Strides The Behemoth
Los Angeles trio Faetooth sophomore album Labyrinthine is a deeply felt exploration of emotional weight: grief, memory, uncertainty, and the quiet work of growing around your own wounds. Following the band's 2022 debut Remnants of the Vessel, which introduced the band’s signature blend of heaviness and mysticism, Labyrinthine pushes further inward. True to its name, the album winds through a maze of feeling and form, where meaning is never handed over easily. It’s rooted in self-discovery through disorientation, the idea that understanding comes not from escape, but from getting lost. Ari May (guitars and vocals), Jenna Garcia (bass and vocals), and Rah Kanan (drums) manage to stay grounded in the immediate in parallel with fantasy themes of the band's namesake. Labyrinthine holds space for this contradiction; tenderness and intensity, restraint and release. The band's self-branded “fairy doom” sound fits between shoegaze, doom, and grunge. It isn’t just texture; it’s a framework for navigating the unsaid. Like the myth that inspired its title, Labyrinthine doesn’t end in victory, but in confrontation—not with escape, but with the Minotaur. Only here, the Minotaur isn’t a monster. It’s something quiet and more familiar: unresolved feelings, old memories, and sadness that refuse to stay buried. The album winds like a maze, sometimes heavy, sometimes hushed, always intentional. Faetooth isn’t chasing catharsis. They’re creating space to reflect, to feel, and maybe to get a little lost along the way.
Artist quote: "White Noise" emerged from a diary entry, and is a relentless and intense reflection on inner turmoil. We’re often drawn to the familiar, even when we don’t realize we’re reaching out for it. It is an emotional upheaval, carrying harsh truths that weigh heavily on the heart. Guitarist, Ari May mentions, “Performing the song always takes me back to a specific place, even if just for a moment.”
“Riffs and melodies brimming with loneliness and longing… this band’s incantations affect my mood the whole day after listening.” — The Sleeping Shaman
“Bringing otherworldly hazy doom goodness… dreamy clean vocals, echoing harsh vocals, entrancing riffs, meditative shoegaze melodies.” — Nine Circles
“Slow, lumbering behemoths of great weight… couched in a melancholy atmosphere and explosions of crushing heaviness.” - Where Strides The Behemoth
Los Angeles trio Faetooth sophomore album Labyrinthine is a deeply felt exploration of emotional weight: grief, memory, uncertainty, and the quiet work of growing around your own wounds. Following the band's 2022 debut Remnants of the Vessel, which introduced the band’s signature blend of heaviness and mysticism, Labyrinthine pushes further inward. True to its name, the album winds through a maze of feeling and form, where meaning is never handed over easily. It’s rooted in self-discovery through disorientation, the idea that understanding comes not from escape, but from getting lost. Ari May (guitars and vocals), Jenna Garcia (bass and vocals), and Rah Kanan (drums) manage to stay grounded in the immediate in parallel with fantasy themes of the band's namesake. Labyrinthine holds space for this contradiction; tenderness and intensity, restraint and release. The band's self-branded “fairy doom” sound fits between shoegaze, doom, and grunge. It isn’t just texture; it’s a framework for navigating the unsaid. Like the myth that inspired its title, Labyrinthine doesn’t end in victory, but in confrontation—not with escape, but with the Minotaur. Only here, the Minotaur isn’t a monster. It’s something quiet and more familiar: unresolved feelings, old memories, and sadness that refuse to stay buried. The album winds like a maze, sometimes heavy, sometimes hushed, always intentional. Faetooth isn’t chasing catharsis. They’re creating space to reflect, to feel, and maybe to get a little lost along the way.
Artist quote: "White Noise" emerged from a diary entry, and is a relentless and intense reflection on inner turmoil. We’re often drawn to the familiar, even when we don’t realize we’re reaching out for it. It is an emotional upheaval, carrying harsh truths that weigh heavily on the heart. Guitarist, Ari May mentions, “Performing the song always takes me back to a specific place, even if just for a moment.”
“Riffs and melodies brimming with loneliness and longing… this band’s incantations affect my mood the whole day after listening.” — The Sleeping Shaman
“Bringing otherworldly hazy doom goodness… dreamy clean vocals, echoing harsh vocals, entrancing riffs, meditative shoegaze melodies.” — Nine Circles
“Slow, lumbering behemoths of great weight… couched in a melancholy atmosphere and explosions of crushing heaviness.” - Where Strides The Behemoth
"Laurel Hell" ist ein Soundtrack zur Transformation. Eine Landkarte für den Ort, an dem Verletzlichkeit und Widerstandsfähigkeit, Trauer und Freude, Fehler und Transzendenz in unserer Menschlichkeit Platz finden und als würdig angesehen werden können - um letztendlich anerkannt und geliebt zu werden. "I accept it all," verspricht MITSKI. "I forgive it all." Auf "Laurel Hell" festigt MITSKI ihren Ruf als Künstlerin, die die Kraft besitzt, unsere wildesten und zwiespältigsten Erfahrungen in ein heilendes Elixier zu verwandeln. "I wrote what I needed to hear. As I've always done." Nach der Veröffentlichung von "Be The Cowboy", einem der meistgelobten Alben des Jahres 2018, das von Outlets wie Pitchfork (u.a.) zum Album des Jahres gekürt wurde, stieg MITSKI vom Kultliebling zum Indie-Star auf. Mit spürbaren Folgen: Die Schinderei des Tourlebens und die Fallstricke die mit der erhöhten Sichtbarkeit einhergingen, beeinflussten ihre Musik ebenso wie ihren Geist, die sich in der ersten Single "Working For The Knife" niederschlägt. Ein Song, wie ein Prüfstein für das Gesamtgefühl von "Laurel Hell": "I start the day lying and end with the truth / That I'm dying for the knife." "Be The Cowboy" wurde von weiblicher Stärke und Trotz angetrieben, lebte jedoch von seinem Spiel mit Masken. Wie der Berglorbeer bzw. die "laurel hell", nach dem das neue Album benannt ist, kann die öffentliche Wahrnehmung, wie das berauschende Prisma des Internets, eine verlockende Fassade bieten, hinter der sich eine tödliche Falle verbirgt. Die sich immer enger zieht, je mehr man sich anstrengt. "I got to a point, where I just knew that if I kept going this way, I would numb myself to completion." Erschöpft von diesem verzerrten Spiegel und unserer Sucht nach falschen Binaritäten, begann MITSKI, Songs zu schreiben, die die Masken abstreifen und die komplexen und oft widersprüchlichen Realitäten dahinter offenbaren. MITSKI dazu: "I needed love songs about real relationships that are not power struggles to be won or lost. I needed songs that could help me forgive both others and myself. I make mistakes all the time. I don't want to put on a front where I'm a role model, but I'm also not a bad person. I needed to create this space mostly for myself where I sat in that gray area." Die daraus entstanden Songs verkörpern genau diesen Raum. Wie die zweite Single des Albums, "The Only Heartbreaker", die gemeinsam mit Dan Wilson geschrieben wurde und der erste Song dieser Art in ihrer Diskografie ist. "The Only Heartbreaker" verbindet treibenden 80er-Pop mit einem trügerisch einfachen Text, dessen aufrichtiger Refrain ins Ironische kippt, sobald dieser "the person always messing up in the relationship, the designated Bad Guy who gets the blame," beschreibt und sich zugleich fragt, ob "the reason you're always the one making mistakes is because you're the only one trying." MITSKI schrieb viele Songs für "Laurel Hell" während und teilweise vor 2018. Das Album wurde allerdings erst im Mai 2021 final abgemischt. Es ist die längste Zeitspanne, die MITSKI jemals für ein Album gebraucht hat und für die Musikerin inmitten einer radikal veränderten Welt endete. MITSKI nahm "Laurel Hell" mit ihrem langjährigen Produzenten Patrick Hyland in der Zeit der Isolation während der Pandemie auf, als einige der Songs "slowly took on new forms and meanings, like seed to flower." Das Album als Ganzes entwickelte sich "to be more uptempo and dance-y. I needed to create something that was also a pep talk" erklärt MITSKI. Die Spannung, die zwischen ihren raffinierten, aber wehmütigen Texten und dem sprudelnden Pop-Sound der 1980er Jahre entsteht, ist eine dringend benötigte Infusion in Zeiten wie diesen und das Werk einer reifen wie unwiderstehlichen Künstlerin, die auch zu fröhlich ansteckenden Dance-Beats immer noch etwas Profundes beizutragen hat.
20th Anniversary Edition of «The Creep» by Slomo, this ambient doom masterwork is available on vinyl for the first time via Ideologic Organ. This is a storied album of verbal history, and emerged from a figurative long barrow deep within a virtual space of great depth and contemplation, an inverted framing of acoustic space with heavy floors ranging from the wake of COIL to the heaviest Japanese fire of psychedelia to the monuments of drone coagulating in the early ‘aughts. A first CDR edition in 2005 garnered focus of heavyweights like SUNN O))), Julian Cope, the esoteric legendary record store Aquarius, and the Wire.
Ideologic Organ are honoured to have been tasked to bring this to a limited LP for the very first time, and collaborated with mastering genius Rashad Becker to create a 61 minute single LP in a perfect cut.
Highly Ritualised Somnambulant Glumbient Downer band from Yorkshire, UK.
‘Slomo is a 2-piece made up of myself, Holy McGrail, and Howard «Iron Man» Marsden. Our debut album THE CREEP was released in a run of 100 copies on FUCK OFF & DI in 2005, after attracting a great buzz in its earlier promo form. THE CREEP is a single 1-hour-long track recorded live with minimal overdubs & zero eye-contact. Malnourished musical structures flourish, flounder and flag in virtual stasis.
To celebrate the 40th Anniversary of Camper Van Beethoven"s groundbreaking debut "Telephone Free Landslide Victory", the CD album is being reissued in a deluxe edition featuring a previously unreleased 11 track demo recorded in 1983 plus B-sides and rarities. It also includes a 16-page booklet and sleevenotes from Victor Krummenacher. The LP is being reissued on dark green vinyl, with an alternative dark green cover to match. Featuring the cult classic "Take the Skinheads Bowling", the album showcases Camper Van Beethoven"s unique blend of folk, punk, ska, and absurdist wit. Beloved for its playful, offbeat charm and eclectic instrumentation, "Telephone Free Landslide Victory" cemented the band"s status as pioneers of alternative music.
In truth, singing is not all that different from acting. Performing a song is very similar to playing a role in a theatrical production. A singer's delivery — the way they interpret and emphasize certain parts of a song — is much like what an actor does with their character.
That's why we often find singers who go on to gain popularity as performers — some on stage, but more often on the silver screen (film).
These are called 'singing stars' — vocalists who are also featured actors, usually given roles specially created to suit their primary strength: singing.
Among them, a few have become even more famous for their acting talents, which sometimes surpass their singing ability. However, the number who manage to do this successfully is very small. Oslan Husein is lucky enough to be counted among that small number. As his fame as a singer began to rise sharply, he also began his film career as an actor. It's true that he had previously appeared in a film, but only as an extra, alongside the orchestra he performed with.
Following that, he appeared in several other films, including Detik-detik Berbahaya, 1000 Langkah, Kasih Tak Sampai, Hadiah 2.000.000,-, Maut Menjelang Magrib, and Antara Timur dan Barat. Six films over a span of just about 2.5 years — quite an impressive achievement.
Over time, a number of songs that Oslan had performed in his films began to accumulate. Together with a few additional songs — also from films — there were eventually enough to compile into one long-playing (LP) record.
And so, accompanied by Jack Lemmers — who, for this project, created special arrangements and musical treatments unlike the usual (for example, the use of four guitars at once) — Oslan carried out the recordings at Irama studios.
By releasing this LP of songs from the silver screen, Irama took an exciting step forward and opened many new possibilities in its history. Because the world of recorded music and the world of film, wherever they are in the world, are like siblings — and they work best when they collaborate, shoulder to shoulder, in harmony.
Mit ITALIA begibt sich Europas erfolgreichster Jazzmusiker hinein in den sonnendurchfluteten Soundtrack Italiens der 70er-Jahre.
Dolce Vita trifft auf höchste Klangqualität: In Rom und Apulien entstanden neue Versionen italienischer Klassiker
Mit dabei: hochkarätige Feature-Gäste wie Giovanni Zarrella, Mandy Capristo, Chiara Civello und Mario Biondi.
Starke TV-Präsenz rund um die VÖ u. a. 03.09. ARD & MDR, 04.09. BR, 09.09. ZDF & WDR, 10.09 rbb & Sat.1.
Breit angelegte Online-Kampagne und überregionale Plakatwerbung
Titelstory im tonart-Magazin (Auflage: 70.000, EVT 25.07.).
Drei Singles, begleitet von hochwertigem Bewegtbild-Content.
Till Brönner steht seit jeher für musikalische Exzellenz: Über eine Million verkaufte Tonträger in Deutschland belegen das eindrucksvoll.
Ken Jacobs, an essential figure of avant-garde cinema, developed the »Nervous Magic Lantern« in the 1960s — a self-made apparatus containing a spinning shutter, a light source, and lenses set in a wooden frame. Hand-painted circular slides, gently moved by hand, produce flickering imagery: geometric patterns, Rorschach-like inkblots, and three-dimensional forms that seem to float beyond the screen. These hallucinatory visions challenge perception and suggest what Jacobs once called »a whole new play of appearances«.
Unlike Jacobs’ politically charged works, the »Nervous Magic Lantern« is patently abstract, examining how the brain regulates perception. For these performances, Jacobs requested »sounds of daily life« — environmental recordings that anchor the phantasmagoria in reality. Field tapes of Chinatown streets, conversations, and other uncategorisable sounds became the material for Aki Onda’s sonic compositions, adding narrative resonance to the abstract visuals and creating an almost documentary dimension.
This album documents a performance of »Nervous Magic Lantern« at Spiral Hall, organised by Sound Live Tokyo on November 3, 2015. Jacobs’ selection and sequencing of slides offered improvisatory space, mirrored by Onda’s flexible arrangement of cassette recordings. The result is a work where life and art dissolve into one another — a soundtrack for life in the depth of illusion.
Music by Aki Onda Cassette field recordings by Ken Jacobs
Let’s Start Again – A Collaboration between Mikekon & BTA (Byron The Aquarius), connected whilst Byron was touring Australia in 2023. Mike threw an intimate afterparty for Byron after his Nature’s Calling festival tour and got talking about Music, DJing and Life.
They threw some beats around to feel out and Byron began laying some lush keys, and within hours the magic was made. The project was left to cool off a little while and the two picked it up and polished it (Hence the title “Lets Start Again” before setting the date for a mid 2025 release via Mother Tongue distribution.
WIP Music is proud to have this as their first vinyl release under the label, further emphasising its desire to share timeless electronic music.
out of Stock
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Das bisher unveröffentlichte Junior Murvin Album, produziert von King Jammy, erblickt endlich das Licht der Welt. Rare Singles und eine Menge bisher unveröffentlichter Tracks machen „Cool Down The Heat“ zu einem unverzichtbaren Begleiter von Junior Murvins kultigen Lee ‚Scratch‘ Perry-Aufnahmen. Zu den neu entdeckten Perlen gehört auch, dass Junior Murvin seine beiden charakteristischen Songs ‚Police and Thieves‘ und ‚Cool Out Son‘ wieder aufgreift und sie in echter Waterhouse-Manier festhält.
out of Stock
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The debut single from Soul Music nobility, The Womack Sisters, is a one-two punch of soulful excellence. "If You Want Me" displays uncompromising rawness with pop-sensible control in equal measure. Propelled by the percussive attack of the piano and the hard-hitting call and response vocals, the track has a satisfyingly feel-good swing, allowing the groove to accentuate the hook. Sure to be a universally filed disc for DJs looking to bring some life to the dancefloor. On "I Just Don't Want You" sisters Kujcha and Zeimani's plaintive background vocals and BG's powerful lead come together like a harmonic bouquet in full bloom. A deeply soulful ballad at its core, it tells a tale of someone coming to terms with the pain of being in love with Mr Wrong when you know you deserve Mr Right.
out of Stock
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Why the Eye is an experimental masked quartet from Brussels that propels bodies into trance during its live performances. All instruments are DIY and played in real time, without loops or sequencers. Fans of The Residents, Société Étrange, Autechre, Boards Of Canada, The Meridian Brothers and Fulu Miziki could easily relate to their sound. On the recording of 'Inspirex', Damien Magnette who produced the album says, "The album is live music based on energy. It has a chaotic side. How do you convey the chaotic, wild, animal energy of live music on record? My point of view is that to achieve this energy, you have to do exactly the opposite in the studio. A lot of layering. Lots of overdubs that we can't do live. It's all these elements that give the album its wildness."
Plastik People Collections dropped this one back in 2019, and it became an instant classic that soon sold out. It has since rocketed in price on the second-hand markets, so thankfully, the label is reissuing it this summer. Cultured Pearls's 'Mother Earth' is effortlessly cool garage-house with bumpy drums and expressive piano jams perfect for outdoor dancing. Night Society's 'You Turn Me On' has an authentic US edge and hot and humid groove with passionate vocal cries, then JJ Can's 'I Don't Know Why' is a dubby and low-slung deep garage sound with chopped vocals and a timeless appeal. Three vital cuts that will be huge all over again this year.
out of Stock
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„A Danger to Ourselves“, das neue Album von Lucrecia Dalt, erscheint am 5. September 2025 bei RVNG Intl. und ist eine gewagte und doch intime Reflexion über die ungefilterten Komplexitäten menschlicher Beziehungen. Ohne die fiktiven Erzählungen der letzten Alben der Künstlerin kommt „A Danger to Ourselves“ von einem Ort der emotionalen Aufrichtigkeit. Dalts Stimme steht im Mittelpunkt und wird von einer üppigen akustischen Orchestrierung, perkussiven Instrumenten und einer Reihe hochkarätiger Mitstreiter unterstützt, die sich wie ein tiefes persönliches Gespräch entwickeln.
Die in Pereira, Kolumbien, geborene Dalt wuchs in einer musikbegeisterten Familie auf, die sie im Alter von neun Jahren dazu ermutigte, eine Gitarre in die Hand zu nehmen. Dalt folgte diesem kreativen Impuls, war fasziniert von computergestützter Produktion und verließ eine aufkeimende Karriere als Bauingenieurin, zog von Medellín nach Barcelona und schließlich nach Berlin, wo sie ihren unverwechselbaren, abenteuerlichen Sound entwickelte. Mit „Anticlines“ (2018) und „No era sólida“ (2020) und vor allem mit „¡Ay!“, Dalts bahnbrechendem Sci-Fi-Bolero-Album von 2022, hat sich ihre Arbeit auf immer anspruchsvolleres Terrain begeben. Auf dem Weg dorthin hat Dalt ihre Praxis auf die Vertonung von Filmen wie „On Becoming a Guinea Fowl“ (2024), die HBO-Serie „The Baby“ (2022) und den bevorstehenden psychologischen Horrorfilm „Rabbit Trap“ ausgeweitet, während sie Klanginstallationen und Performances kreiert, die ihre leuchtenden Modulationen und ihren unverwechselbaren, sich entwickelnden stimmlichen Ansatz zur Schau stellen. „A Danger to Ourselves“ entstand aus fragmentarischen Erklärungen, die Dalt aufschrieb, während sie das Leben auf der Tournee von „¡Ay!“ und die prägenden Momente einer neuen Beziehung meisterte. Im Januar 2024 begann sie, diese intimen Fragmente zu musikalischen Kompositionen zu kristallisieren, die allmählich zu einer zielgerichteten Konstellation von Songs wurden. Die Klangarchitektur des Albums basiert auf dynamischen Drum-Loops, die von Alex Lázaro beigesteuert werden, dessen perkussives Rückgrat wie bei „¡Ay!“ zur Leinwand für Dalts vielschichtigen Gesang wurde. Anstatt konventionellen melodischen Strukturen zu folgen, erzeugt das Album Musikalität durch das Zusammenspiel von Basslinien, Rhythmen und kompositorischem Design. „A Danger to Ourselves“ offenbart Dalts kompromissloses Streben nach klanglicher Klarheit, bei dem kühne Produktionsentscheidungen und sorgfältige Aufnahmetechniken Stimme und Instrument mit neuer Tiefe und Strahlkraft harmonieren lassen. „A Danger to Ourselves“ ist eindeutig anti-konzeptionell und ein poetischer Instinkt, mit dem Dalt den Fokus auf die Musik selbst lenkt, indem er Stimmen verwendet, die über die Parameter der Songs hinaus schwingen, und die perlenden Echos der ursprünglichen, romantischen Erregung beobachtet. Dalts klare Aufmerksamkeit für Details ist in jedem Takt spürbar, eine Hingabe, die sich in konzentrischen Kreisen dreht und ein Feld bildet, das das Persönliche und das Ätherische vereint. Das Album basiert auf intuitiven Experimenten und nutzt einfache Gesten und komplexe Kompositionen, um wandernde Linien zu weben, wie in „Divina“, das sich zwischen Spanisch und Englisch durch elastische Klanglandschaften bewegt. Der Titel des Albums geht auf David Sylvians Text „cosa rara“ zurück, der die Zerbrechlichkeit des Lebens, die Schwingungen der Liebe und die treibende Sehnsucht nach dem Wundersamen symbolisiert. „A Danger to Ourselves“ spiegelt diese transzendenten Zustände wider, indem es die Komplexität menschlicher Verstrickungen und den Wunsch nach Befreiung von Dopaminspiralen und gewöhnlichen Pfaden hin zu einer offeneren inneren Welt widerspiegelt. Sylvian selbst hat auf „A Danger to Ourselves“ eine Doppelrolle als Co-Produzent und Musiker gespielt. Es ist eine kollaborative Collage mit Beiträgen zahlreicher gefeierter Künstler. Weitere Kollaborationen ziehen sich durch das gesamte Album: Juana Molina ist Co-Autorin und Interpretin von „The Common Reader“, Camille Mandoki singt bei „Caes“, Cyrus Campbell spielt den grundlegenden Elektro- und Kontrabass, und Eliana Joy steuert bei mehreren Stücken Hintergrundgesang und Streicherarrangements bei. In den leuchtenden Tiefen von „A Danger to Ourselves“ inszeniert Dalt eine tiefgreifende Metamorphose, bei der das Persönliche durch klangliche Alchemie zum Universellen wird. Dieses Album ist sowohl Höhepunkt als auch Aufbruch - ein Portal, an dem ihre früheren experimentellen Reisen zu etwas verblüffend Intimem und doch Expansivem zusammenlaufen. Das Album ist ein Netz emotionaler Offenbarungen, jede Komposition ein präziser Indikator für Verletzlichkeit, in der Dalts Stimme eine Offenbarung in neuen harmonischen Gefilden verkörpert. Dalt hat ein lebendiges Dokument der Intuition jenseits konventioneller Grenzen geschaffen, das den Weg in Bereiche eröffnet, in denen die Musik sowohl Spiegel als auch Fenster ist.
Für Fans von PJ Harvey, Broadcast, St. Vincent, ML Buch, Stereolab, Cate LeBon, Aldous Harding, Mabe Fratti, Dry Cleaning, Juana Molina
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Leon Michels ist still und leise zu einem der gefragtesten Produzenten der Musikszene geworden.Sein unverwechselbarer Sound hat die Aufmerksamkeit des Mainstreams auf sich gezogen und inspiriert gleichzeitig weiterhin die Underground-Szene. Seit dem 2023 erschienenen Album Glorious Game von El Michels Affair & Black Thought war Michels als Produzent für andere Künstler aktiv - darunter Norah Jones' Grammy-prämiertes Visions, Clairos Grammy-nominiertes Charm, Kali Uchis' ,Moonlight" sowie Alben für seine Labelkollegen Brainstory, Derya Yildirim & Grup Simsek, Thee Heart Tones und Liam Bailey. Sein neues Album 24 Hr Sports markiert die langersehnte Rückkehr unter seinem eigenen Namen: El Michels Affair.24 Hr Sports wurde inspiriert von Mode und Grafikdesign der Sports-Illustrated-Magazine der 80er- und 90er-Jahre, MF DOOMs Special Herbs-Alben, den dort verwendeten Sample-Quellen und Gospelmusik à la Pastor T.L. Barrett. Die Summe dieser Einflüsse, gepaart mit Michels' unfehlbarem kreativen Gespür, ergibt ein Rezept für einen Instant-Klassiker - ein Werk, das zweifellos zu den meistgefeierten Veröffentlichungen des Jahres 2025 zählen wird.Der Album-Opener ,Drum Line" ist ein hymnischer, mitreißender Track mit Marschband-Schlagzeug und donnernden Bläserarrangements, die sofort alle Aufmerksamkeit auf sich ziehen und den Ton für das folgende Album setzen. 24 Hr Sports bedeutet eine deutliche Abkehr von der bisher überwiegend instrumentalen Musik im Katalog von El Michels Affair. Mit einer Vielzahl von Gesangsfeatures spiegelt das Album das schwer einzuordnende Genre seiner Musik wider.Das erste dieser Features ist ,Mágica" mit dem brasilianischen Künstler Rogê, der die ohnehin energiegeladene Nummer mit seinen fußballinspirierten Lyrics auf ein neues Level hebt. Weiter geht es von Brasilien nach Ghana: In ,Say Goodbye" feiert Florence Adooni ihre Individualität mit lässigem Selbstbewusstsein und wechselt mühelos zwischen Frafra und Englisch, besonders eingängig im Refrain: ,never gonna find a girl like me_".Labelkollege und weltbekannter Trompeter von The Roots, Dave Guy, veredelt den 70er-Jahre-Groove von ,Oakley's Car Wash" mit seinen charakteristischen Bläserlinien, bevor der Track in ein Dub-artiges Outro übergeht. Vom wilden zum sanften Klang: ,Anticipate" mit Clairo knüpft an die musikalische Chemie an, die das 2024er-Album Charm hervorgebracht hat. Clairo gleitet über die typischen EMA-Arrangements, während sie sich nach unerreichbarer Liebe sehnt - getragen von einer perfekt eingespielten Band.,Eastside" ist ein Stück, das einen Sonnenaufgang am Meer vertonen könnte - Leon Michels' Sinn für Raum und Arrangement wird hier besonders deutlich. Aus Japan ist der Suginami Children's Choir auf dem üppigen Track ,Clean The Line" zu hören - sie singen ein Lied über den Mond, die Sonne und Vögel. Danach reißt ,Cortex" mit verzerrten Gitarren und donnernden Drums die Tür auf - ein Moment purer, filmreifer Intensität in der Mitte des Albums.Leon Michels übernimmt selbst den Lead-Gesang auf ,Shining", einem Song über die Suche nach einem Freund, mit dem man die Freude eines sonnigen Tages teilen kann. Der international gefeierte Shintaro Sakamoto ist auf ,Indifference" zu hören - ein lässiger Song mit federnden Basslinien und gefühlvollen Flöten, in dem Sakamoto zwischen Gesang und gesprochener Poesie über eine vergängliche Liebe reflektiert.Das Grammy-prämierte Duo Norah Jones und Michels kommt auf ,Carry Me Away" erneut zusammen: Jones' honigsüße Stimme schwebt über einem schwer einzuordnenden, aber sofort liebenswerten Track. Michels lehnt sich hier wieder mehr in Richtung El Michels Affair-Stil, der sich klar von seinen bisherigen Produktionen für Norah Jones abhebt. ,Take My Hand" stellt den Gospel-Einfluss in den Vordergrund - mit dem Fabulous Rainbow Singers Choir im Refrain und einem Saxophon-Solo der verstorbenen Jazzlegende Rahsaan Roland Kirk.,Open Season", ein Piano-getriebener Midtempo-Track mit Gruppenrufen wie ,we want the gold, we want the gold_", könnte den perfekten Soundtrack für eine Slow-Motion-Highlight-Reel liefern. Der treffend betitelte Albumabschluss ,Victory Lap" schließlich ist ein traumhafter, euphorischer Ausklang, der dem gesamten Werk würdig ist.Am Ende spricht die Trophäe auf dem Albumcover Bände: El Michels Affair ist Champion Sound - und 24 Hr Sports macht das unmissverständlich klar.
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Leon Michels ist still und leise zu einem der gefragtesten Produzenten der Musikszene geworden.Sein unverwechselbarer Sound hat die Aufmerksamkeit des Mainstreams auf sich gezogen und inspiriert gleichzeitig weiterhin die Underground-Szene. Seit dem 2023 erschienenen Album Glorious Game von El Michels Affair & Black Thought war Michels als Produzent für andere Künstler aktiv - darunter Norah Jones' Grammy-prämiertes Visions, Clairos Grammy-nominiertes Charm, Kali Uchis' ,Moonlight" sowie Alben für seine Labelkollegen Brainstory, Derya Yildirim & Grup Simsek, Thee Heart Tones und Liam Bailey. Sein neues Album 24 Hr Sports markiert die langersehnte Rückkehr unter seinem eigenen Namen: El Michels Affair.24 Hr Sports wurde inspiriert von Mode und Grafikdesign der Sports-Illustrated-Magazine der 80er- und 90er-Jahre, MF DOOMs Special Herbs-Alben, den dort verwendeten Sample-Quellen und Gospelmusik à la Pastor T.L. Barrett. Die Summe dieser Einflüsse, gepaart mit Michels' unfehlbarem kreativen Gespür, ergibt ein Rezept für einen Instant-Klassiker - ein Werk, das zweifellos zu den meistgefeierten Veröffentlichungen des Jahres 2025 zählen wird.Der Album-Opener ,Drum Line" ist ein hymnischer, mitreißender Track mit Marschband-Schlagzeug und donnernden Bläserarrangements, die sofort alle Aufmerksamkeit auf sich ziehen und den Ton für das folgende Album setzen. 24 Hr Sports bedeutet eine deutliche Abkehr von der bisher überwiegend instrumentalen Musik im Katalog von El Michels Affair. Mit einer Vielzahl von Gesangsfeatures spiegelt das Album das schwer einzuordnende Genre seiner Musik wider.Das erste dieser Features ist ,Mágica" mit dem brasilianischen Künstler Rogê, der die ohnehin energiegeladene Nummer mit seinen fußballinspirierten Lyrics auf ein neues Level hebt. Weiter geht es von Brasilien nach Ghana: In ,Say Goodbye" feiert Florence Adooni ihre Individualität mit lässigem Selbstbewusstsein und wechselt mühelos zwischen Frafra und Englisch, besonders eingängig im Refrain: ,never gonna find a girl like me_".Labelkollege und weltbekannter Trompeter von The Roots, Dave Guy, veredelt den 70er-Jahre-Groove von ,Oakley's Car Wash" mit seinen charakteristischen Bläserlinien, bevor der Track in ein Dub-artiges Outro übergeht. Vom wilden zum sanften Klang: ,Anticipate" mit Clairo knüpft an die musikalische Chemie an, die das 2024er-Album Charm hervorgebracht hat. Clairo gleitet über die typischen EMA-Arrangements, während sie sich nach unerreichbarer Liebe sehnt - getragen von einer perfekt eingespielten Band.,Eastside" ist ein Stück, das einen Sonnenaufgang am Meer vertonen könnte - Leon Michels' Sinn für Raum und Arrangement wird hier besonders deutlich. Aus Japan ist der Suginami Children's Choir auf dem üppigen Track ,Clean The Line" zu hören - sie singen ein Lied über den Mond, die Sonne und Vögel. Danach reißt ,Cortex" mit verzerrten Gitarren und donnernden Drums die Tür auf - ein Moment purer, filmreifer Intensität in der Mitte des Albums.Leon Michels übernimmt selbst den Lead-Gesang auf ,Shining", einem Song über die Suche nach einem Freund, mit dem man die Freude eines sonnigen Tages teilen kann. Der international gefeierte Shintaro Sakamoto ist auf ,Indifference" zu hören - ein lässiger Song mit federnden Basslinien und gefühlvollen Flöten, in dem Sakamoto zwischen Gesang und gesprochener Poesie über eine vergängliche Liebe reflektiert.Das Grammy-prämierte Duo Norah Jones und Michels kommt auf ,Carry Me Away" erneut zusammen: Jones' honigsüße Stimme schwebt über einem schwer einzuordnenden, aber sofort liebenswerten Track. Michels lehnt sich hier wieder mehr in Richtung El Michels Affair-Stil, der sich klar von seinen bisherigen Produktionen für Norah Jones abhebt. ,Take My Hand" stellt den Gospel-Einfluss in den Vordergrund - mit dem Fabulous Rainbow Singers Choir im Refrain und einem Saxophon-Solo der verstorbenen Jazzlegende Rahsaan Roland Kirk.,Open Season", ein Piano-getriebener Midtempo-Track mit Gruppenrufen wie ,we want the gold, we want the gold_", könnte den perfekten Soundtrack für eine Slow-Motion-Highlight-Reel liefern. Der treffend betitelte Albumabschluss ,Victory Lap" schließlich ist ein traumhafter, euphorischer Ausklang, der dem gesamten Werk würdig ist.Am Ende spricht die Trophäe auf dem Albumcover Bände: El Michels Affair ist Champion Sound - und 24 Hr Sports macht das unmissverständlich klar.
Celebrating 20 years of defining, and redefining, electronic alt-pop - Metronomy ‘GREATEST HITS’ is the first comprehensive collection of their “smash hits” spanning across all 7 studio albums, and will be release alongside a separate album of BBC Sessions.
Formed in 1999 by Joseph Mount, Metronomy has released six acclaimed studio albums and become one of the UK's most influential electronic acts. Known for their distinctive visual aesthetic, innovative production techniques, and energetic live shows, Metronomy continues to bridge the gap between experimental electronic music and accessible pop. From the charm of early tracks like "You Could Easily Have Me" to the sophisticated pop of "The Look" and the dance floor magic of "Love Letters," Metronomy's distinctive sound has consistently pushed boundaries while maintaining their unmistakable identity.
The previously unreleased BBC Sessions reveal another dimension to these songs, capturing their magnetic live energy and Joe’s evolving approach to arrangement and performance, all recorded between 2009-2019 across BBC6Music, BBC Radio 1 & BBC Radio 2.
Within the nine carefully composed tracks of Young Bones, Mel D’s characteristic voice stands out in all its facets, varying from fragile to powerful, haunting to playful, but most of all soulful. With a voice that’s both extraordinarily clear and melancholic, Mel D is something surprisingly rare: a singer whose artistic expression goes beyond the mere use of her voice. On Young Bones, Mel D uses contemporary figures, rephrasing them into timeless formulas. Her unique musical language embodies references to genres like Indie or Alternative. In other moments, her sound leans baroque, then jazzy, soulful, and contemplative. Each song represents an ode to being connected: to the world, other people, and most of all to the beauty of music. Mel D draws her inspiration from struggles felt in the current world climate: “I have felt overwhelmed by the world we live in and its countless challenges,” said Mel D. “As if we’re all a bit directionless in our own lives.” Nevertheless, Mel D uses her musicality as a tool for resistance - using it to transform sadness and anger into creativity, and to give world-weariness a voice that seduces, comforts, and inspires. On Young Bones, Mel D sings us to a place where we might find hope - with songs rooted in concern, solidarity, humanness, and empowerment, inviting the listener to lean into those feelings. Bring the Witches Back, a hymn to witchcraft, is a quiet song that summons the return of witches with feminist urgency, for more love and magic to open ourselves towards each other and the world. Soft, a soulful song with a tender melody, gently lulls the listener into an in-between dimension, full of opportunities. Meanwhile, in the coming-of-age ballad, Slowly Growing, she raises questions about belonging and identity, pointing directly at our emotional core. Where Do You Look When It Hurts? speaks to the sensation of exhaustion and emptiness, offering musical warmth and a sense of community in moments of lethargy. Finally, listening to the album, one always feels in good company. Playfully working in folk and electro-pop elements, Mel D takes us on a ride toward love and a sense of belonging, particularly on the track We win. Young Bones was recorded in Zurich and Paris with two outstanding producers of our times: Renaud Letang, who has previously collaborated with Feist, Chilly Gonzales or Lianne La Havas, and Dino Brandão. The latter recognized Mel D’s artistic uniqueness during their first meeting, inviting her to a recording session in his studio and bringing her into the band of Swiss superstar, Faber. Mel D’s solo project was more a product of coincidence than planning, as she says, even though an undisputed talent and passion for music had always been apparent throughout her youth. During her studies in fine arts in Zurich, she founded the electronica-duo mischgewebe, and composed soundtracks for theater and movie productions, as well as for exhibitions. Long before forming her current artistic identity, she went by the nickname Mel D, in a humorous reference to the Spice Girls. Although her personality and musical language suggest thoughtfulness and a melancholy touch, Mel D acknowledges that an honest laugh is never out of place, making her sympathetic and approachable.
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“'Lyceum' is a fountainhead of unqualified greatness. It’s a strange, sad sound harking back to old school tunesmanship – Aztec Camera, ‘Rattlesnakes’, prime-time Felt – but the whole affair is permeated with a resonant, almost tearful quality. ‘Lyceum’ is reminiscent of Galaxie 500’s ‘Today’ in that it sounds like it cost less than a round of drinks to produce. But the lo fi sound merely enhances the misty glazed-pop sound and raises the hallelujah choruses to the forefront. Rather than drowning them in production mush. Don’t pass it by”.
– Bob Stanley, Melody Maker 1989
Hailing from the suburbs of Glasgow, this five-piece are best known for their three starry-eyed albums on the renowned Sarah Records - this being an expanded version of their first (an eight-track 10” at the time).
By the tail end of the 1980s the independent music scene in the UK was turning its back on the polish and over-indulgence of the mid-80s with its gated drums and wallpaper production. And those who weren’t stretching the boundaries of sonic innovation had tuned back to the post-punk ethos of ramshackle charm and zealous melody, even dousing the spirit with some political fervour once more. Influences were more likely to be Television and the Television Personalities than MTV.
The Orchids and The Sea Urchins were the first two bands to release 7” singles on the Sarah label having previously begun their recording existence on a shared flexi disc in 1987 (The Sea Urchins went on to become Delta, whose classic album ‘Slippin' Out’ from 2000 will be the second release on Circuitry). The Scottish five-piece released ‘I’ve Got a Habit’ and ‘Underneath the Window, Underneath the Sink’ as EPs before really finding their feet with ‘Lyceum’; the tracks, remastered from the original Toad Hall tapes are included on this reissue as are the three songs from the ‘What Will We Do Next?’ 7” (this collection closes with the frazzled stretch that is ‘Yawn’). 'Lyceum' was originally released in August 1989.
The album opens with ‘It’s Only Obvious’ and its gloriously youthful chorus of “who needs tomorrow when all I need, all I needed was you”. James Hackett somehow appears both forthright and rejected, something that one of their musical heroes The Go-Betweens also had down to a fine art. It barely takes a breath until midway through side two where ‘Hold On’ (sounding suspiciously like an unlikely objective) descends into the intro of ‘Blue Light’, the counted-in ‘1, 2, 3, 4’ whispered like the most hopelessly dejected rally. If that sounds depressing it isn’t. This record by The Orchids was a spirited source of comfort for an 18 year old at the time and still shudders with the best type of melancholy, one that’s spirited not indulgent. If you’re not familiar with the band’s charm, this is where you should begin.
'Lyceum' is released on double black vinyl by new label Circuitry.
ADRIAN YOUNGE PRESENTS ANGELAMUÑOZ ist das Debütalbum der 18-jährigen Angela Muñoz, das die zeitlose Stimme der gebürtigen Los Angelenerin mit Unschuld und Verletzlichkeit unterstreicht. Unterstützt von der gefühlvollen Produktion von Adrian Younge offenbart Muñoz' fesselnde Stimme die alte Seele einer Legende in spe. Aufgenommen und gemischt von Adrian Younge im Linear Labs, dem renommierten Analogstudio in Los Angeles, Kalifornien.
**ON LTD SPLATTER VINYL** First time available on vinyl! With bonus tracks and unreleased material! The Sultans formed in 2000 and were John Reis / Slasher and Tony DiPrima and at times also Andy Stamets / Black Flame (Rocket From The Crypt’s ND) and Dean Reis / Black Velvet (Mannequin Piss, Spider Fever, The Heartaches, Los Dug Dugs). Shipwrecked was the bands second album and was released only on CD in 2004.
It was hailed as a “power-pop meets ’70s punk classic” by Virtual Underground Press and “…a masterpiece of the form...essential” by the Cleveland Call And Post. This reissue is a labor of lust with maximum attention to detail in resurrecting these masters from their deteriorated, analog state. The result is a louder, thicker and even more bristling slab of triumphant rock ’n’ roll. Everything on this reissue cuts deeper and breaks the digital glass into razor sharp shards and then shits on the 1s and 0s. Treble Magazine says. “It is the perfect soundtrack to your post-breakup life: fourteen songs about heartache, shame, trying to move on, regrets and just plain old hate. (And by the by, hate has never sounded as good as this)”. Added to the original are four bonus tracks, one being a cover of The Dils “Blow Up” and another the never released “Out Of Focus”. Shipwrecked was the last record at Drag Racist (Hot Snakes, RFTC, etc) before it shuddered its doors for good.
INSOMNIAC verschmelzen wie ein drittes Auge, das sich zum Jenseits öffnet, ihre bewusstseinserweiternde psychedelische Schwere balanciert zwischen Bewusstlosigkeit und Träumen. Zwischen dieser Welt und der nächsten treibend, abgestimmt auf den Rhythmus des Universums, geben sich INSOMNIAC dem Äther hin und hinterlassen eine mitreißende, schwere Brillanz. Wie ein drittes Auge, das sich zum Jenseits öffnet, beleuchtet der transzendente, bewusstseinserweiternde Psych-Doom ihres Debütalbums die seltsame Schönheit zwischen Bewusstlosigkeit und Träumen. Fans von REZN, King Buffalo, Pelican und Dead Meadow, macht euch bereit, mit INSOMNIAC die Grenzen der Wahrnehmung zu überschreiten! High Qualitiy Heavy Stoner Doom Digipak-CD sowie mehrfarbiges Vinyl!
