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Würde ein anderer Musiker ein Album veröffentlichen, das so unmittelbar wie "Haavard" an ULVERs akustisches Meisterwerk "Kveldssanger" anknüpft und obendrein auch noch einen Track mit dem Titel "Kveldssang II" enthält, wäre es offensichtlich ein Plagiat. Doch Gitarrist und Sänger Håvard Jørgensen darf das natürlich, denn er ist der musikalische Kopf sowohl hinter "Kveldssanger" als auch "Haavard". Sein Debütalbum als Solokünstler lässt sich daher als legitimer Nachfolger von ULVERs Folk-lastigem Kultalbum verstehen. Jørgensen realisiert sein akustisches Projekt mithilfe zahlreicher exzellenter Gastmusiker - unter denen sich sogar ULVER-Frontmann Kristoffer "Garm" Rygg als Sänger befindet. Als HAAVARD bringt der Norweger die epischen und erhabenen Melodien, die tief in der Folklore seines Heimatlandes verwurzelt sind, erneut zum Strahlen. Durch die akustische und größtenteils instrumentale Umsetzung legt Jørgensen jene spektakulären Schichten einer cineastisch anmutenden Schönheit frei, die der norwegische Black Metal unter elektrischem Zorn verbirgt. In den 90er Jahren war Jørgensen ein fester Bestandteil von Oslos rasant wachsender schwarzen Metal-Szene. Nachdem er sich ECZEMA angeschlossen hatte und das Trio sich mit einem neuen Sänger unter dem Namen SATYRICON dem Black Metal zuwandte, wurde Jørgensen auch Teil von ULVER, der progressiven Speerspitze des Black Metal. Obwohl er sich eine Zeit lang vom harten Stil desillusioniert fühlte, trat Jørgensen dennoch mit verschiedenen Formationen auf. So steuerte er zum Beispiel Akustikgitarren zu MYRKURs "M" (2015) und deren Live-Album "Mausoleum" (2016) bei. Im Jahr 2019 gründete der Gitarrist zusammen mit Mitgliedern von DØDHEIMSGARD die neue Osloer Black-Metal-Band DOLD VORDE ENSD NAVN. Mit seiner neu entfachten Leidenschaft für die dunklere Seite der Musik beschloss Jørgensen, die losen Enden des wunderbaren musikalischen Fadens, den "Kveldssanger" hinterlassen hatte, mit seinem Soloprojekt HAAVARD wieder aufzunehmen. Jørgensen lässt seine langjährige Erfahrung hörbar einfließen und lädt uns erneut zu einer akustischen Reise ein, die direkt in das melodische Herz der dunklen nordischen Musik führt.

Gatefold-2LP (schwarzes Vinyl) inkl. 4-stg. Beileger, Ätzung auf der D-Seite und Schutzhülle

STEPPENDOOM ist das spannende neue Projekt des in New York City und London lebenden italienisch-schweizerischen Toningenieurs, Sounddesigners, Komponisten und Multiinstrumentalisten Marc Urselli. Der Produzent hat herausragende Musiker aus dem Genre des Doom Metal und legendäre indigene Sänger aus aller Welt, die sich der uralten Tradition des Kehlgesangs widmen, eingeladen und zusammengebracht.
Zu den renommierten Künstlern, die dem Ruf des dreifachen Grammy-Preisträgers Marc Urselli gefolgt sind, zählen unter anderem aus dem Metal-Bereich Matt Pike (SLEEP, HIGH ON FIRE), Aaron Aedy (PARADISE LOST), Steve Von Till (NEUROSIS), Christopher Juul (HEILUNG), Dave Chandler (SAINT VITUS) und Scott "Wino" Weinrich (THE OBSESSED) und solche berühmten Meister des Kehlkopfgesangs wie das Alash Ensemble, Batzorig Vaanchig "Zorigoo", HUUN-HUUR-TU, Tanya Tagaq, Albert Kuvezin (YAT-KHA) und Alexey Tegin.
Die uralte Kunst des Gutturalen Gesangs lebt in den Grasländern, Tundren und in den Herzen der Menschen weiter, die in ihrer lokalen Umwelt in und mit der Natur leben. Der Heavy Metal entstand dagegen in Englands industriellem Herzen unter dem Schlagen von Stahlhämmern und dem Lärm des mechanisierten Abbaus von Kohle. Beide Musikstile haben jedoch eine tiefe Sehnsucht nach Freiheit und Menschenwürde gemeinsam.
Gängige literarische Floskeln, mit denen eine Fusion von Musik aus scheinbar gegensätzlichen Genres und Gruppen mit Schlagzeilen wie "Clash of Cultures" oder "Kollision der Welten " beschrieben werden, treffen auf Marc Ursellis STEPPENDOOM offensichtlich nicht zu. Dieses Fest der künstlerischen Einheit lässt sich vielmehr mit der Phrase "Wenn sich Welten vereinen" zusammenfassen.
Marc Urselli's STEPPENDOOM braucht am Anfang unvoreingenommene Ohren und einen offenen Geist, um Gehör zu finden. Obwohl das Album und seine Lieder eine gewisse Aufmerksamkeit und Zeit benötigen, um sich an die ungewohnten Klangwelten zu gewöhnen, offenbaren sie letztendlich eine atemberaubende Schönheit. Vor dem geistigen Auge schweben Adler über Städte, Steppenwinde erwecken Herzen und Geis, während sich Eis in arktische Tiere verwandelt und viele andere Wunder geschehen. Uralte Magie verbindet sich in diesen Songs mit moderner Energie und schafft etwas revolutionäres Neues, in dem eine der ältesten Ausdrucksformen der Menschheit enthalten ist: der Schrei nach Freiheit!

STEPPENDOOM ist das spannende neue Projekt des in New York City und London lebenden italienisch-schweizerischen Toningenieurs, Sounddesigners, Komponisten und Multiinstrumentalisten Marc Urselli. Der Produzent hat herausragende Musiker aus dem Genre des Doom Metal und legendäre indigene Sänger aus aller Welt, die sich der uralten Tradition des Kehlgesangs widmen, eingeladen und zusammengebracht.
Zu den renommierten Künstlern, die dem Ruf des dreifachen Grammy-Preisträgers Marc Urselli gefolgt sind, zählen unter anderem aus dem Metal-Bereich Matt Pike (SLEEP, HIGH ON FIRE), Aaron Aedy (PARADISE LOST), Steve Von Till (NEUROSIS), Christopher Juul (HEILUNG), Dave Chandler (SAINT VITUS) und Scott "Wino" Weinrich (THE OBSESSED) und solche berühmten Meister des Kehlkopfgesangs wie das Alash Ensemble, Batzorig Vaanchig "Zorigoo", HUUN-HUUR-TU, Tanya Tagaq, Albert Kuvezin (YAT-KHA) und Alexey Tegin.
Die uralte Kunst des Gutturalen Gesangs lebt in den Grasländern, Tundren und in den Herzen der Menschen weiter, die in ihrer lokalen Umwelt in und mit der Natur leben. Der Heavy Metal entstand dagegen in Englands industriellem Herzen unter dem Schlagen von Stahlhämmern und dem Lärm des mechanisierten Abbaus von Kohle. Beide Musikstile haben jedoch eine tiefe Sehnsucht nach Freiheit und Menschenwürde gemeinsam.
Gängige literarische Floskeln, mit denen eine Fusion von Musik aus scheinbar gegensätzlichen Genres und Gruppen mit Schlagzeilen wie "Clash of Cultures" oder "Kollision der Welten " beschrieben werden, treffen auf Marc Ursellis STEPPENDOOM offensichtlich nicht zu. Dieses Fest der künstlerischen Einheit lässt sich vielmehr mit der Phrase "Wenn sich Welten vereinen" zusammenfassen.
Marc Urselli's STEPPENDOOM braucht am Anfang unvoreingenommene Ohren und einen offenen Geist, um Gehör zu finden. Obwohl das Album und seine Lieder eine gewisse Aufmerksamkeit und Zeit benötigen, um sich an die ungewohnten Klangwelten zu gewöhnen, offenbaren sie letztendlich eine atemberaubende Schönheit. Vor dem geistigen Auge schweben Adler über Städte, Steppenwinde erwecken Herzen und Geis, während sich Eis in arktische Tiere verwandelt und viele andere Wunder geschehen. Uralte Magie verbindet sich in diesen Songs mit moderner Energie und schafft etwas revolutionäres Neues, in dem eine der ältesten Ausdrucksformen der Menschheit enthalten ist: der Schrei nach Freiheit!

STEPPENDOOM ist das spannende neue Projekt des in New York City und London lebenden italienisch-schweizerischen Toningenieurs, Sounddesigners, Komponisten und Multiinstrumentalisten Marc Urselli. Der Produzent hat herausragende Musiker aus dem Genre des Doom Metal und legendäre indigene Sänger aus aller Welt, die sich der uralten Tradition des Kehlgesangs widmen, eingeladen und zusammengebracht.
Zu den renommierten Künstlern, die dem Ruf des dreifachen Grammy-Preisträgers Marc Urselli gefolgt sind, zählen unter anderem aus dem Metal-Bereich Matt Pike (SLEEP, HIGH ON FIRE), Aaron Aedy (PARADISE LOST), Steve Von Till (NEUROSIS), Christopher Juul (HEILUNG), Dave Chandler (SAINT VITUS) und Scott "Wino" Weinrich (THE OBSESSED) und solche berühmten Meister des Kehlkopfgesangs wie das Alash Ensemble, Batzorig Vaanchig "Zorigoo", HUUN-HUUR-TU, Tanya Tagaq, Albert Kuvezin (YAT-KHA) und Alexey Tegin.
Die uralte Kunst des Gutturalen Gesangs lebt in den Grasländern, Tundren und in den Herzen der Menschen weiter, die in ihrer lokalen Umwelt in und mit der Natur leben. Der Heavy Metal entstand dagegen in Englands industriellem Herzen unter dem Schlagen von Stahlhämmern und dem Lärm des mechanisierten Abbaus von Kohle. Beide Musikstile haben jedoch eine tiefe Sehnsucht nach Freiheit und Menschenwürde gemeinsam.
Gängige literarische Floskeln, mit denen eine Fusion von Musik aus scheinbar gegensätzlichen Genres und Gruppen mit Schlagzeilen wie "Clash of Cultures" oder "Kollision der Welten " beschrieben werden, treffen auf Marc Ursellis STEPPENDOOM offensichtlich nicht zu. Dieses Fest der künstlerischen Einheit lässt sich vielmehr mit der Phrase "Wenn sich Welten vereinen" zusammenfassen.
Marc Urselli's STEPPENDOOM braucht am Anfang unvoreingenommene Ohren und einen offenen Geist, um Gehör zu finden. Obwohl das Album und seine Lieder eine gewisse Aufmerksamkeit und Zeit benötigen, um sich an die ungewohnten Klangwelten zu gewöhnen, offenbaren sie letztendlich eine atemberaubende Schönheit. Vor dem geistigen Auge schweben Adler über Städte, Steppenwinde erwecken Herzen und Geis, während sich Eis in arktische Tiere verwandelt und viele andere Wunder geschehen. Uralte Magie verbindet sich in diesen Songs mit moderner Energie und schafft etwas revolutionäres Neues, in dem eine der ältesten Ausdrucksformen der Menschheit enthalten ist: der Schrei nach Freiheit!

dreamcastmoe is the recording project of singer, songwriter, producer, and DJ Davon Bryant, a lifelong resident of Washington, DC. His music moves freely between moods and modes, hypnotic, romantic, traversing electronic, R&B, funk, soul, and hip-hop... Resident Advisor dubs it "soulful, cross-genre dance music." This ability to adapt and finesse, to twist in different directions while staying true and coherent in vision, can be traced to his home city and its complex cultural history. "Most Black kids in DC don't ever get to this point," he says. "This is what I am making this music for, in the DC tradition of soul and empathy and love that is rooted in this city. My music is for real people dealing with shit every day." A versatile, modern artist and collaborator, dreamcastmoe has thrived in the underground since his first uploads to Soundcloud and Bandcamp in 2017 and subsequent releases with labels like People's Potential Unlimited, Trading Places, and In Real Life Music. Bryant's laid-back personality, emotional honesty, and infectious energy shine through his work and how he talks about it, as Crack Magazine notes in their 2021 Rising feature: "a steady combination of confidence, creativity, and calmness." He grew up playing drums in church; he's worked dead-end jobs, had ups and downs, even sold off all his gear one time, but never stopped reinvesting in himself. He is quick to praise his co-producers, rattle off influences _ the visual feel of NBA 2K, the comedic timing of Bernie Mac, the savvy legacy of Duke Ellington, for starters _ and credit resourceful DC breakouts like Ankhlejohn that showed him the roadmap. His voice, a steady instrument, seemingly connects it all, capable of slow falsetto flow, swaggering talk-rap, and outright croon. His storytelling style is choppy yet fluid, like a mixtape, which is how Bryant sees Sound Is Like Water, his debut on Ghostly's International's freeform label, Spectral Sound. The two-part project culminates as a full-length LP release in November 2022. The first side, released as Part I, opens on the blurred beats of "El Dorado," which dreamcastmoe dedicates to his journey. It's a head-nodder, an off-kilter earworm co-produced by Max D (Future Times, RVNG Intl, etc.), with Bryant harmonizing hooks with synth jabs and a pitched-down presence. "Complicated" is the slow jam, delivered smoothly from a Saturday night crossroads. dreamcastmoe is contemplative and committed... gliding and locking ad-libs into skittering rhythms courtesy of co-producer Zackary Dawson _ but also willing to let something go, "acknowledging that everything in life IS NOT easy." "RU Ready" takes off from the jump as a tribute, challenge, and promise to his partner and his city ("The times you sat with me when I needed you the most / Told me the things that I needed to see / Young black man, really trying to be what I can be / And I'm really from DC). In its potent two-plus minutes, the sonics (co-produced by ZDBT) press the message, all cymbal crashes, breakbeats, and serrated synth lines. "Cloudy Weather, Wear Boots" is a blitzing dance-punk track made in collaboration with Jordan GCZ on Bryant's first trip to Amsterdam. The album's flipside opens on "Much More," the first of two synth-and-beat ballads co-produced by ZDBT. Later on "Long Songz," he claims, "I'm not writing love songs no more," prioritizing the vibe with "all my day ones." He calls it "a cry for more normal moments. Everything doesn't have to be a fantasy love story, more time spent getting to the money, growing, and making a way." He saves two of his most propulsive cuts for the finale, co-produced by Sami, co-founder of DC dance label 1432 R. As their titles suggest, "Take A Moment" and "Make Ya Mind" operate as anthems for movement, with Bryant free-flowing commands above wildly-styled percussion. Per Bryant, the latter is both "wake & bake jam" and a "dance floor bomb." His parting line: "Action / You got to show me action / Reaction." The world of dreamcastmoe straddles virtual reality and the realness of DC, images both imagined and lived-in. Bryant has a knack for unexpected melodies but what makes his music so exciting is his capacity to defy the expectations of genre and image. A fluid ingenuity and vulnerability bottled by Sound Is Like Water, and this is just the beginning.

Wer hat hier schlechte Laune, fragt Max Raabe mit seinem neuen Album und singt von der Liebe, von ihrem zarten Erblühen und Verwehen, von Gefühlen und ihrer Verwirrung. Es geht um die Verquickung von Glück und Zweifel, von Euphorie und Unsicherheit, von der Freude am anderen und dem Hadern mit sich selbst.

Mit Wer hat hier schlechte Laune schließt Max Raabe an seine letzten Produktionen an und geht noch einen Schritt weiter. Er wahrt die lieb gewonnene Ästhetik der Weimarer Republik, aber stärker denn je
übersetzt er seine künstlerischen Prägungen in moderne musikalische Formen. Zum ersten Mal ruhen einige der neuen Lieder auf einem Fundament aus elektronischen Rhythmen. Alle Freundschaften aus der »Raabe-Pop«-Phase sind wieder dabei: Annette Humpe, Christoph Israel, Peter Plate, Ulf Leo Sommer, Joshua Lange und Achim Hagemann. In der popmusikalischen Landschaft der Gegenwart ist Max Raabe ziemlich einzigartig – beseelt vom Witz
vergangener Zeiten, aber auch vom Wissen über den Wandel der Welt.

Available from Blank Forms for the first time since its original 1980 release on ALM-Uranoia, New Sense of Hearing documents a collaboration between Takehisa Kosugi and Akio Suzuki, two luminaries of Japanese experimental music in the lineage of Fluxus. Blank Forms's high-quality reissue of the sought-after, long out of print LP, is produced by musician-artist Aki Onda and mastered from the original tapes recorded on April 2, 1979, at Tokyo's Aeolian Hall. Described by Suzuki as the "culmination" of their sound,New Sense of Hearing features the two musicians improvising together in that empty Tokyo theater, Kosugi on vocals, violin, and radio transmitter and Suzuki on the Analapos, his namesake glass harmonica, spring cong, and kikkokikiriki, all apparatuses of his own invention. Suzuki and Kosugi first met at the city's Minami Gallery in 1976 on the occasion of "Sound Objects and Sound Tools," an exhibition of Suzuki's homemade instruments. Two years later, at the Festival d'Automne in Paris, Suzuki invited Kosugi to join him for a suite of performances as part of the exhibition "MA: Espace - Temps au Japon," organized by architect Arata Isozaki and composer-writer Toru Takemitsu. Suzuki and Kosugi performed together at the Musée des Arts Décoratifs, Paris, nearly fifty times, honing their approach to mutual improvisation, before traveling with the exhibition to Stockholm and New York_critic Tom Johnson wrote in the Village Voice that he had "seldom seen two performers so completely tuned in on the same types of sounds, the same performance attitude, the same philosophy, the same sense of what music ought to be."For New Sense of Hearing, the duo reunited in Japan and produced an extraordinary dispatch from their collaboration of arioso violin, echoing vocals and bangs, and metallic twangs. As Johnson observed in 1979, Kosugi and Suzuki are "in a very subtle artistic world where there can be no direct relationships. . . . Only coincidence." Takehisa Kosugi (1938-2018) was a composer, artist, and violinist from Tokyo. In 1960, Kosugi founded Group Ongaku, the country's first improvisational performance collective dedicated to Happenings, with Mieko Shiomi and Yasunao Tone. Four years later, Fluxus leader George Maciunas published Events, an eighteen-piece set of his text compositions. Between 1971 and '74, his band the Taj Mahal Travelers produced four live albums. In 1977, the Merce Cunningham Dance Company invited Kosugi to be their resident musician; from 1995 to 2011 he served as the company's musical director. The Whitney Museum of American Art presented "Takehisa Kosugi: Music Expanded," a two-day retrospective of Kosugi's work, in 2015. Akio Suzuki (b. 1941) was born in Pyongyang, North Korea, to Japanese parents. For the artist-musician's first Fluxus-style work Kaidan ni Mono wo Nageru (Throwing Things at the Stairs), 1963, Suzuki tossed a bucket of miscellaneous objects down a flight of stairs in Nagoya Station and listened to the sounds it produced. During the next decade, he would create original instruments including the Suzuki-type glass harmonica and the echo instrument Analapos. In 1976, Tokyo's Minami gallery hosted his first exhibition, "Akio Suzuki's World: Sound Objects and Sound Tools." For his 1988 performance piece Space in the Sun, Suzuki spent twenty-four hours listening to his surroundings on the meridian line which runs through Amino, Kyoto. Suzuki has performed and exhibited at many venues and music festivals, including Documenta 8 (Germany, 1987), the British Museum (2003), Musée Zadkine (France, 2004), Kunstmuseum Bonn (Germany, 2018), and the Museum of Contemporary Art Tokyo (2019).

Eigentlich kaum zu glauben, dass es bis heute kein Weihnachtsalbum des unvergessenen Louis Armstrong
gab, schließlich hat er einige der romantischsten, witzigsten und swingendsten Weihnachtssongs aller Zeiten
aufgenommen. Diesem Missstand hat sich jetzt das Jazzlabel Verve angenommen:
„Louis Wishes You A Cool Yule“ ist die erste Louis-Armstrong-Weihnachtsplatte überhaupt und präsentiert seine Weihnachtstracks erstmals als zusammenhängendes Gesamtwerk. Die Zusammenstellung enthält
sechs Decca-Singles aus den 1950er Jahren, zwei Duette mit seinen Lieblingspartnerinnen Ella Fitzgerald
und Velma Middleton, und den monumentalen Evergreen „What a Wonderful World“, der längst auch zu
einer Art Hoffnungshymne geworden ist, die zum Geist des Weihnachtsfestes passt.
Als besonderes Geschenk an Satchmo-Fans enthält das Album eine bisher unveröffentlichte Aufnahme
von Louis’ berührender Lesung von Samuel Clement Moores Gedicht „A Visit from St. Nicholas“ (auch
bekannt als „The Night Before Christmas“), für die Pianist Sullivan Fortner, eine Jazz-Ikone aus New
Orleans, eine wunderschöne musikalische Untermalung liefert.

There's no 123 without 4 in our beloved Speicher series. Robag Wruhme is back with two intense, low-slung monster tunes in his unique masterful fashion. "Fire" is destined to set your peak time dancefloor on fire with its killer bassline and trippy sequences. "Un-spok-en" is equally relentless and unfathomable, garnished with a haunting vocal snippet.

Es gibt kein 123 ohne 4 in unserer geliebten Speicher-Serie. Robag Wruhme kehrt mit zwei unglaublich intensiven, tiefergelegten Monstern zurück und schon ab dem ersten Beat ist klar, dass hier der Meister aus Weimar wieder mal in Hochform ist. "Fire" ist pure Primetime-Beglückung mit einer der fiesesten Basslines ever und schön trippigen Sequenzen on top. "Un-spo-ken" ist ähnlich unerbittlich und unberechenbar. Daran kann auch das zart dahin gehauchte Vocalschnipsel nichts ändern.

The origins of Cos date back to the second half of the sixties when Daniel Schell joined forces with Jean-Paul Musette, Pascale Son and Robert Pernet to form Classroom. When Classroom split, Daniel Schell and Pascale Son moved ahead and formed Cos together with Charles Loos, Alain Goutier and Bob Dartsch. They produced an experimental jazz rock sound linked to the influences above mentioned, but without being mere copycats since they always managed to keep to their own personality.



Postaeolian Train RobberyI is an obscure classic from the 1970's Belgian jazzy prog scene that has become a much sought after piece in the collector's market since it was originally released in 1974. Highly inspired by both the UK's Canterbury scene and the Zeuhl sound, the debut album by Cos has been compared to the likes of Soft Machine, Gong, Hatfield & The North, National Health, Gilgamesh, Egg, Placebo, Magma or Zao, with Pascale Son's unique wordless vocals and nonsense syllables singing in a voice that some sources have compared to Flora Purim's.The album was released on the small obscure label Plus, and has arised interest not only among prog-rock psych-heads and jazz experimentalists, but also among those looking for breaks and bits to sample.



The Wah Wah reissue comes housed in a beautiful reproduction of the original gatefold sleeve, featuring a 4-page image booklet and an insert with photos and liner notes. Mastered from the original tapes. We did the first official LP reissue with its original sleeve of this album some time ago and it sold out so soon that many of you has been asking for a reprint since - here is another 500 copies, again licensed from and with the collaboration of Daniel Schell.



Comes with a reproduction of killer original poster.

Saxophonist, dancer and rapper tyroneisaacstuart's debut album S!CK is
a simmering hybrid of choreography and improvisation, featuring some
of the UK's finest jazz musicians
An out- pouring of individual expression and creative collaboration, S! CK is an
album that does not compromise, from an artist whose sound is singular in its
multitude.
Divided into three acts - GUMBO, Apology and Peace – S!CK draws on the spirit of
the traditional New Orleans dish to bring a mix of diasporic musical ingredients to
tyroneisaacstuart's work at the intersection of jazz, contemporary dance, and
visual art.
Peppered with contributions from Moses Boyd, Theon Cross, Shirley Tetteh, Nikos
Zarkias, Jamie Murray, Jack Polley, Reiss Ellis Beckles, Kwaku Aacht and Zuri
Jarret- Boswell, S! CK's gumbo style blends ferocious group improvisations with
punchy production and visceral lyricism. Together it reflects the polyphony of
creative experiences Issac-Stuart has accumulated.

Dear Friends,
Do you know that tipping point, when an average gathering at a bar turns into a dancing party? A few seconds ago, you´ve been mixed up in boring small talk, then you suddenly get distracted by unobtrusive but cheerful sounds that unwittingly make your head bob, let you turn around and at least let you unintentionally find yourself in a bunch of smiling and dancing people…. so, music can save the night- Freudenthalers “Bar Rescue EP” definitely does. It appears nonchalant and unexcited, but always with a compelling spell.
With a touch of swing, a wobbling bass line and all the jazzy elements and cheering voices “The Swingers” gives that perfect vibe to really get a party going. “Worthy” is nearly cracking that harmony with raw, almost careless cut Afro Latin jazz samples, deep chords and spherical particles embedded, but a funky bass always keeps the easy vibe. “Lingerie” opens the flip-side with a tight beat, perfectly complemented with a noisy piano lick, strings, horns and some hip hop cuts. “Overseas Phone Number” then rounds out the release by featuring a swinging rhythm, lovely string pads, pleasant saxophone parts and paying tribute to a French rap classic. Altogether, you will answer it with a smile, for sure. With this in your bag, you´ll be prepared for toughest rescues!

P.S.: Physical release comes with handcrafted, screen printed artwork by fabulous graphic artist Zatina Kessl.

Mondays at The Enfield Tennis Academy, x2 LPs of long-form, lyrical, groove-based free improv by acclaimed guitarist & composer Jeff Parker's ETA IVtet. Recorded live at ETA (referencing David Foster Wallace), a bar in LA’s Highland Park neighborhood with just enough space in the back for Parker, drummer Jay Bellerose, bassist Anna Butterss, & alto saxophonist Josh Johnson to convene in extraordinarily depth-full & exploratory music making. Gleaned for the stoniest side-length cuts from 10+ hours of vivid two-track recordings made between 2019 & 2021 by Bryce Gonzales, Mondays at The Enfield Tennis Academy is a darkly glowing séance of an album, brimming over with the hypnotic, the melodic, & patience & grace in its own beautiful strangeness. Room-tone, electric fields, environment, ceiling echo, live recording, Mondays, Los Angeles. Jeff Parker's first double album & first live album, Mondays at The Enfield Tennis Academy belongs in the lineage of such canonical live double albums recorded on the West Coast as Lee Morgan’s Live at the Lighthouse, Miles Davis' In Person Friday & Saturday Night at the Blackhawk, San Francisco & Black Beauty, & John Coltrane's Live in Seattle.

While the IVtet sometimes plays standards &, including on this recording, original compositions, it is as previously stated largely a free improv group —just not in the genre meaning of the term. The music is more free composition than free improvisation, more blending than discordant. It’s tensile, yet spacious & relaxed. Clearly all four musicians have spent significant time in the planetary system known as jazz, but relationships to other musics, across many scenes & eras —dub & Dilla, primary source psychedelia, ambient & drone— suffuse the proceedings. Listening to playbacks Parker remarked, humorously & not, “we sound like the Byrds” (to certain ears, the Clarence White-era Byrds, who really stretched it).

A fundamental of all great ensembles, whether basketball teams or bands, is the ability of each member to move fluidly & fluently in & out of lead & supportive roles. Building on the communicative pathways they’ve established in Parker’s -The New Breed- project, Parker & Johnson maintain a constant dialogue of lead & support. Their sampled & looped phrases move continuously thru the music, layered & alive, adding depth & texture & pattern, evoking birds in formation, sea creatures drifting below the photic zone. Or, the two musicians simulate those processes by entwining their terse, clear-lined playing in real-time. The stop/start flow of Bellerose, too, simulates the sampler, recalling drum parts in Parker’s beat-driven projects. Mostly Bellerose's animated phraseologies deliver the inimitable instantaneous feel of live creative drumming. The range of tonal colors he conjures from his extremely vintage battery of drums & shakers —as distinctive a sonic signature as we have in contemporary acoustic drumming— bring almost folkloric qualities to the aesthetic currency of the IVtet's language. A wonderful revelation in this band is the playing of Anna Butterss. The strength, judiciousness & humility with which she navigates the bass position both ground & lift upward the egalitarian group sound. As the IVtet's grooves flow & clip, loop & repeat, the ensemble elements reconfigure, a terrarium of musical cultivation growing under controlled variables, a tight experiment of harmony & intuition, deep focus & freedom.

For all its varied sonic personality, Mondays at The Enfield Tennis Academy scans immediately & unmistakably as music coming from Jeff Parker‘s unique sound world. Generous in spirit, trenchant & disciplined in execution, Parker’s music has an earned respect for itself & for its place in history that transmutes through the musical event into the listener. Many moods & shapes of heart & mind will find utility & hope in a music that combines the autonomy & the community we collectively long to see take hold in our world, in substance & in staying power.

On the personal tip, this was always my favorite gig to hit, a lifeline of the eremite records Santa Barbara years. Mondays southbound on the 101, driving away from tasks & screens & illness, an hour later ordering a double tequila neat at the bar with the band three feet away, knowing i was in good hands, knowing it would be back around on another Monday. To encounter life at scales beyond the human body is the collective dance of music & the beholding of its beauty, together. – Michael Ehlers & Zac Brenner

Repress!

North Indian classical, hip hop and spiritual jazz improvisations recorded in Lahore, Pakistan

2022 Repress

Trip Recordings follows the huge success of its first three releases with a third double-vinyl album, once more curated by label owner Nina Kraviz and featuring gatefold artwork by in-house artist Tombo. The release draws on contributions from established Trip members Kraviz, Population One and Nikita Zabelin, in addition to new artists added to its expending roster including K-Hand, Philipp Gorbachev, Vladimir Dubyshkin and Roma Zuckerman.As established with the label's first three releases, TRP004 will function as a soundtrack to a scenario and its accompanying artwork from Kraviz and Tombo. The title 'Ivan, Come On! Unlock The Box!' (, ! !) is inspired by the track contributed by Philipp Gorbachev (Comeme/PG Tunes), from which Kraviz has extrapolated a story of a rule-defying Russian maverick who is 'searching for the key to the future'.Set for release in mid-November, TRP004's two twelve-inches orbit around a nucleus of talent drawn from label boss Nina Kraviz's homeland of Russia. In addition to 'I Believe I Can Fly (KLM Delayed Flight Version) - one of her own 'road tracks' produced during the producer's hectic global touring schedule - Kraviz has enlisted a quartet of her countrymen for this latest collection. Philipp Gorbachev contributes his most uncompromisingly techno track yet, while Moscow's Nikita Zabelin follows his label debut on TRP003 ('De Niro Is Concerned') with the sinister minimalism of 'Bells'. In addition, TRP003 marks the label debuts of Vladimir Dubyshkin and Roma Zuckerman, both of whom were recommended to Kraviz by Zabelin. The former - a true outsider, just 17 years of age and based in the remote Russian town of Tambov - follows an early 2015 LP for SUB-AMP Records with the disorienting off-kilter techno of 'Lose Yourself', while the latter marks his first ever release despite years of producing with the unsettling 'Geburt Part 2'.

Completing TRP004 are two defiantly individual international artists: K-HAND makes her Trip debut following a two-decade career that's seen her become on of Detroit's true underground, and relatively unsung, heroes. Her contribution, 'The Box', finds her clipping effortlessly within Trip's aesthetic, with a heady textured acid potboiler. Two more Barcode Population tracks, excavated from a mine of undiscovered Nineties-made rarities, complete the release with furiously paced techno rollers which will remain strictly vinyl-only.

Following the release of acoustic EP Letters To Our Former Selves – Acoustic late last year, Youth Fountain is excited to be back at it with new single “Peace Offering" “This track was written in the perspective of knowing you could never truly love or be loved by anyone before being comfortable with who you are as a person,” shares Tyler Zanon “No matter what positive aspects can come out of a relationship - if the foundation isn’t there of having that bare minimum of self love, things inevitably tend to tarnish.” As Youth Fountain prepares to move forward, the future perfectly mirrors the past. What began as a solo project by guitarist/vocalist Tyler Zanon in 2013 under the name Bedroom Talk eventually blossomed into a full-blown band by 2017, with the Vancouver-based Youth Fountain (then a duo) proudly announcing their presence with the debut single “ Grinding Teeth ” and a pair of Pure Noise Records releases that expertly toed the line between pop-punk fervor and more reflective emo moments. Alternative Press hailed the band’s 2019 debut full-length, Letters To Our Former Selves , as one of the year’s very best, dubbing it the “ perfect blend of emo-tinged punk to soundtrack reflecting on every single life decision you’ve ever made ,” while North American tours with the likes of Free Throw, Can’tSwim, and Chris Farren cemented Youth Fountain’s sweat-soaked sound as something best experienced live – all while dodging a few stray elbows and overzealous crowd-surfers. Now once again, Zanon finds himself as a solo artist following the departure of co-vocalist Cody Muraro in mid-2020 – but this time, he’s exactly where he wants to be. Youth Fountain’s new release, Letters To Our Former Selves – Acoustic EP, re-introduces Zanon’s project to the world, reimagining fan favorite aterial from the 2019 LP of the same name.

As Far As Death is the cross-generational debut of fire music evangelist and saxophonist Paul Flaherty with double bassist and composer Zach Rowden. The Connecticut natives forge an album of dynamic free jazz interplay that also draws on imporous textures of contemporary music - an ecstatic reflection. After a half century of blowing the alto and tenor saxes, Flaherty's playing continues to molt and electrify. Whether solo, or with collaborators (Joe McPhee, Chris Corsano, Bill Nace, Daniel Carter, etc.), his blues-based, lyrical melodies anchor lung-bursting gallops. Rowden - whether as Tongue Depressor (a string duo with Henry Birdsey), in performance with cellist Leila Bordreuil, or his own musique concrète constructions - balances harshness and elegiac drones. His past releases resemble resolute exploration into acoustics and noise. Together, Flaherty's monstrous howl is perfectly matched by Rowden's subterranean pitched drone and glacial pace. Each offers weeping lurches of tune, gasps of balladry and microtonal fields of interplay on five pieces. The side-long "Thrown Shadows" is an epic passage of avant jazz vs minimalism, as Rowden's low-register bowing offers a blackened landscape for Flaherty's most mournful notes. Artwork by Chris Corsano.

Mit dreißig Jahren aktiven, schändlichen Dienstes unter ihren Gürteln sind NECROPHOBIC unbestrittene Legenden des Death- und Black-Metal-Undergrounds. Die 1989 von Schlagzeuger Joakim Sterner gegründete Band aus Stockholm vertrat von Anfang an eine einzigartige und furchtlose Vision und bestätigte ihr Können 1993 mit dem mittlerweile legendären Debütalbum 'The Nocturnal Silence'. Indem sie den selbstbewussten Dilettantismus und die primitiven Klänge, die viele ihrer Kollegen schätzten, hinter sich ließen, schufen NECROPHOBIC eine kühne und lebendige eigene Identität und zauberten eine dicht melodische, aber unendlich verruchte Version von makaberem Extrem-Metal hervor, die seitdem von unzähligen weniger bekannten Bands nachgeahmt worden ist. Mit 'The Nocturnal Silence' veröffentlichen NECROPHOBIC ihr ursprünglich 1993 erschienenes Debüt-Album neu. Wie die bereits erschienenen Wiederveröffentlichungen 'Hrimthursum' und 'Death To All' wurde auch dieses Album von Dan Swanö im Unisound Studio remastered. Das Album wird als Ltd. CD Jewelcase im Slipcase, 180g LP inkl. LP-Booklet mit einem A2-großen Poster und als digitales Album verfügbar sein.

Immer schon war William Fitzsimmons auch ein hervorragender Interpret fremden Materials. Auf seinen Konzerten covert er gerne Songs seiner Helden wie Bob Dylan, Björk oder Kanye West. Einmal auf seine persönliche Musikgeschichte zurückzublicken und einige seiner Lieblingssongs für ein ganzes Album zu interpretieren, war da der nächste logische Schritt. Seine zärtlich hingetupfte, wehmütig-elegische Version des Joy-Division-Klassikers 'Love Will Tears Us Apart‘ schreibt dem eher düsteren Original ein hoffnungsvolles Element ein, 'Annie’s Song' von John Denver wird bei Fitzsimmons zur anmutigen Meditation, Peter Gabriels 'Solsbury Hill' zum intim berückenden Kammerspiel. Bereits an diesen Beispielen lässt sich das beeindruckend breite Spektrum des Albums ablesen, das zudem Songs von Künstler:innen wie Sarah Siskind, Chelsea Cutler, Sufjan Stevens und Iron & Wine enthält. 'Diese Vielstimmigkeit war mir wichtig', sagt Fitzsimmons. 'Ansonsten gab es eigentlich keine Regeln. Das sind alles Songs, die ich liebe. Die Bedeutung der Songs für mich persönlich war mir wichtiger als ihre Popularität. Ich habe allerdings bewusst darauf verzichtet, allzu offensichtliche Heldinnen und Helden wie Joni Mitchell und Bob Dylan zu covern.' Die Songs auf 'Covers, Vol. 1' kommen aus verschiedensten Ländern, Genres, Epochen und haben unterschiedliche Bekanntheitsgrade. Bei Fitzsimmons aber werden sie alle eins, es ist eine Anverwandlung der denkbar wunderbarsten Art. Erfüllt von der Liebe zu den Originalen, aber versehen mit der einmaligen Signatur dieses besonderen Künstlers. Die Geschichten, die William ganz konkret mit diesen Songs verbinden, sind so vielfältig wie die Musik selbst.