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LIMITED EDITION FIRST PRESS OF 300 COPIES ON TRANSPARENT RED VINYL WITH JAPANESE STYLE OBI. NON-RETURNABLE.
Osaka quartet HIBUSHIBIRE return this August with their fifth studio album ‘Phantom Fuzzy Exotica‘.
Phantom Fuzzy Exotica continues to find the band exploring their own little universe, where psychedelia, 70’s hard rock and folk rock influences collide. You’ve got the short punchy riff heavy songs, the mellow time-out bits, and of course the epic psych jams and more vocals then previously. It’s all here, and as always they deliver the goods.
Phantom Fuzzy Exotica … in the bands own words
The initial image behind this album was “phantoms”- things that seem to exist, yet somehow don’t. Another thing that sets this album apart from our previous releases is that four of the five tracks feature vocals. The only instrumental is “Invocation and Ritual Dance of the Electric Nonsense.” We didn’t consciously plan it that way; it just happened naturally. After finishing last year’s tour, we didn’t have much time, but everyone’s ideas came together, and I think we’ve created an album we’re truly satisfied with.
Mandrake Oracle: The opening track of the album.Built around a single guitar riff by changchang, while the other instruments and electronics keep pushing the music forward. Personally, I imagined Deep Purple playing a Pink Floyd song while writing this one.
Minagoroshi Western: Imagined as the soundtrack to a fictional spaghetti western. In the end … everybody dies.
Daydream Rendezvous: A piece of daydream acid psychedelic folk.
Invocation and Ritual Dance of the Electric Nonsense: Hard psychedelic jazz rock. The title is a little nod to Frank Zappa.
Ai Vist Lo Lop (Cover): I’ve always loved Ai Vist Lo Lop by the wonderful Occitan traditional band Mont-Jòia, and I’d wanted to cover it someday. We especially enjoyed creating the a cappella section and finding the right sound for the main melody.
We sincerely hope you enjoy listening to this album as much as we enjoyed making it. — changchang
The Phantom Fuzzy Exotica European Tour 2026
AUGUST
19th Archive, Liverpool (UK) , 20th Ivory Blacks, Glasgow (UK), 21st The Golden Lion, Todmorden (UK), 22nd The Bunkhouse, Swansea (UK), 23rd Beautiful Days, Devon (UK), 25th The Peer Hat, Manchester (UK), 26th Le Pub, Newport (UK), 27th Strongroom Bar, London (UK) with Black Helium, 28th The Holloway, Norwich (UK), 29th The Sunflower Lounge, Birmingham (UK), 30th The Piper, St Leonards (UK) with Black Helium
SEPTEMBER
1st DND, Dunkirk (FR), 3rd Pilsen Busking Fest, Pilsen (CZ), 4th Pilsen Busking Fest, Pilsen (CZ), 6th Riff, Budapest (HU), 7th Végállomás Klub, Szombathely (HU), 8th A Beton, Győr (HU), 9th Chemiefabrik, Dresden (DE), 10th Bar Neun, Berlin (DE), 11th Subsol, Dusseldorf (DE), 12th Magasin 4, Brussels (BE), 13th De Onderbroek, Nijmegen (NL), 14th La Bulle Café, Lille (FR)
HIBUSHIBIRE are
Changchang (Guitar/Vocal/Bouzouki/Electronics/Melting Eye Spectacle), Tetsuji Toyoda (Bass/Vocal/Mermaid Mountain), AOI HAMA (Drums/Vocal/Cat Tongue Queen), Kohei Katsuma (Conga/Vocal/Theremin/Percussion/God Dog Family)

Mit „Everything’s Falling“ zeigen The Warning eindrucksvoll, warum sie zu den spannendsten Stimmen im
modernen Rock zählen. Das Latin-Grammy-nominierte Schwestertrio aus Monterrey, Mexiko, verbindet
Alternative Rock, Hard Rock und Metal zu einem kraftvollen Sound, der von starken Riffs und eingängigen
Melodien geprägt ist. Bekannt geworden durch ihr virales „Enter Sandman“-Cover, haben sich Daniela,
Paulina und Alejandra längst als eigenständige Künstlerinnen, mit einer internationalen Fanbase, in der
Rockszene etabliert.
Auf ihrem fünften Studioalbum „Everything’s Falling“ setzen sich The Warning mit inneren Konflikten,
Ängsten und Selbstzweifeln auseinander und verwandeln diese Themen in energiegeladene Songs mit ungefilterter Ehrlichkeit.

Album #4 der brandneuen Vinyl-Serie mit zukunftsweisenden Aufnahmen der musikalischen Avantgarde.
Unter den 24 Alben, aus denen sich die Originalausgabe der Avant-Garde-Reihe der Deutschen Grammophon zusammensetzt, die zwischen 1968 und 1971 erschien, zählt die Interpretation von „Paragraph 2
& 7“ aus „The Great Learning“ des englischen Komponisten Cornelius Cardew mit dem Scratch Orchestra
nach wie vor zu den beliebtesten und komplexesten.
Nach Abschluss seines Studiums an der Royal Academy of Music in London zog Cardew 1958 nach Köln
und arbeitete dort als Assistent von Karlheinz Stockhausen im Studio für elektronische Musik des Westdeutschen Rundfunks (WDR).
John Tilbury sagte, dass es Cardews Ziel sowohl mit dem Scratch Orchestra als auch mit „The Great
Learning“ war, „die grundlegendsten Prinzipien der westlichen Kunst und insbesondere das des Künstlers
als Aristokraten zu überwinden. Das Scratch Orchestra war ein Ausdruck der Universalität der Kunst;
Kunst als Lebensweise.“
Diese 1971 aufgenommene Veröffentlichung von „The Great Learning“ ist nach wie vor die wichtigste
Quelle für eine klangliche Erfahrung mit dem Scratch Orchestra und der bedeutendste Beitrag zu seinem
bleibenden Vermächtnis.
Gemastert und geschnitten von den originalen analogen ¼-Zoll-2-Spur-Masterbändern von Rainer Maillard
und Sidney Claire Meyer in den Emil Berliner Studios.
Limitierte und nummerierte Auflage mit Original-Artwork und einer neu gestalteten, wunderschön gearbeiteten Sammler-Cover mit neuen Liner Notes von Bradford Bailey, gepresst auf 180-g-Vinyl.

Zum 20-jährigen Jubiläum erscheint Pohlmanns Debütalbum Zwischen Heimweh und Fernsucht als hochwertige Colored 2LP Edition, eine besondere Veröffentlichung für langjährige Fans, Vinyl-Liebhaber und
Freunde deutschsprachiger Singer-Songwriter-Musik.
Mit seinem 2006 veröffentlichten Debüt legte Pohlmann den Grundstein für seine Karriere. Zwischen
Heimweh und Fernsucht verbindet authentisches Songwriting mit eingängigen Melodien und erzählt von
Aufbruch, Sehnsucht, Liebe und dem Wunsch, den eigenen Weg zu finden. Zwischen nachdenklichen
Momenten und unbeschwerter Leichtigkeit entfaltet das Album eine zeitlose Atmosphäre, die bis heute
begeistert. Titel wie „Wenn jetzt Sommer wär“, „Der Junge ist verliebt“ und der gleichnamige Song
„Zwischen Heimweh und Fernsucht“ zählen zu den bekanntesten Stücken des Albums und prägten seinen
frühen Erfolg.
Ob als nostalgische Reise zurück in die 2000er-Jahre oder als Neuentdeckung, diese Colored Vinyl Edition lädt dazu ein, Zwischen Heimweh und Fernsucht neu zu entdecken und immer wieder aufzulegen.

Mixed Emotions: Das legendäre Comeback-Album „We Belong Together“ erstmals auf Vinyl!
„Tag Alter, ick bin Drafi“. Mit diesen inzwischen legendären Worten begrüßte Poplegende Drafi Deutscher
im Jahr 1986 den jungen Sänger Oliver Simon. Es war der Beginn einer der erfolgreichsten Duo-Partnerschaften
der deutschen Musikgeschichte. Jetzt, genau 40 Jahre nach ihrer Gründung, erscheint das gefeierte
Comeback-Werk „We Belong Together“ aus dem Jahr 1999 zum ersten Mal auf edlem schwarzem Vinyl.
Eine Erfolgsgeschichte der Extraklasse
Was ursprünglich als Solo-Projekt für Oliver Simon geplant war, entwickelte sich unter der Regie von
Mastermind Drafi Deutscher schnell zum Pop-Phänomen Mixed Emotions. Die Kombination aus Drafis
markantem Timbre und Olivers glasklarer Stimme traf den Nerv der Zeit:
Chart-Rekorde: 1987 mit drei Singles gleichzeitig in den Single-Charts.
Edelmetall: Gold- und Platin-Auszeichnungen für beide Alben in den 80ern.
Internationale Hits: Erfolge weit über die Grenzen Europas hinaus, bis nach Südafrika.
Das 1999er Comeback: Mehr als nur Nostalgie
Nach der Trennung 1989 kehrten Mixed Emotions zehn Jahre später spektakulär zurück. Statt lediglich alte
Aufnahmen neu zu mischen, entschied sich das Duo für komplette Neuaufnahmen ihrer größten Klassiker
und Albumtracks, sowie für neue Hits wie den Uptempo-Ohrwurm „You Are My Angel“. Erneut stürmten
sie die Top 30 der Album-Charts und begeisterten Millionen in zahlreichen TV-Shows. Die musikalische
Chemie war auch nach einer Dekade Pause ungebrochen.
Exklusives Highlight für Sammler
Die vorliegende Vinyl-Edition bringt diesen Meilenstein der Pop-Schlager-Geschichte erstmals auf dem
„schwarzen Gold“ zurück. Als besonderes Schmankerl enthält die LP den brandneuen 2026er DJ Herzbeat
Remix von „Just For You“, der den unverkennbaren Mixed-Emotions-Sound perfekt in die heutige Zeit
übersetzt. Die Vinyl ist limitiert auf 500 Stück und nummeriert.
Die musikalische Formel von Mixed Emotions bleibt zeitlos. Für Drafi, Oliver und ihre treuen Fans gilt
auch heute mehr denn je: We Belong Together!

The Fall war eine englische Post-Punk-Band, die 1976 in Manchester gegründet wurde. Die Band existierte seither in wechselnden Besetzungen fort und war im Wesentlichen um ihren Gründer und einziges konstantes Mitglied, den verstorbenen Mark E. Smith, aufgebaut. Obwohl die Gruppe anfangs der Punk-Bewegung der späten 1970er Jahre zugeordnet wurde, durchlief ihre Musik im Laufe der Jahre etliche stilistische Wandlungen; sie zeichnet sich jedoch häufig durch einen rauen, gitarrenlastigen Sound sowie den wiederholten Einsatz von Repetitionen aus und wird stets von Smiths unverwechselbarem Gesang und oft kryptischen Texten getragen.

Die Band ist bekannt für ihre enorme Produktivität: Sie veröffentlichte über 25 Studioalben – eine Zahl, die sich mehr als verdreifacht, wenn man Live-Alben und sonstige Veröffentlichungen hinzurechnet. Über eine Handvoll kleinerer Hit-Singles in den späten 1980er Jahren hinaus blieb ihnen ein breiter kommerzieller Erfolg zwar verwehrt, doch konnten sie sich eine treue Fangemeinde mit Kultstatus bewahren. Die Band pflegte über lange Zeit eine enge Verbindung zu dem BBC-DJ John Peel, der sie bereits früh in ihrer Karriere nachdrücklich unterstützte und The Fall als seine Lieblingsband bezeichnete – mit der berühmten Begründung: „Sie sind immer anders; sie sind immer gleich.“

Remastered und mit zahlreichen Bonustracks versehen: Cherry Red wiederveröffentlicht das vierte Album von Dinosaur Jr., das ursprünglich 1991 auf Sire Records erschien, als Deluxe-Doppel-CD mit Singles-A- und B-Seiten sowie einem Konzertmitschnitt von 1991.

Vierte Auflage - das aktuelle Solo-Album vom dänischen Psych-Rock-Zauberers Uffe Lorenzen aka Lorenzo Woodrose aka... Seit zehn Jahren interpretiert Uffe Lorenzen (bekannt von u.a Baby Woodrose und Spids Nogenhat) auf allen seinen Alben ein altes dänisches Lied. Das gilt für seine drei Soloalben und die beiden Alben seiner aktuellen Rockband Lydsyn. Auf seinem neuen Soloalbum Glemte Spor ("Vergessene Spuren") hat er ein komplettes Album mit 10 Interpretationen von Liedern aus den Jahren 1967 bis 1999 aufgenommen. Einige davon sind dänische Klassiker, andere sind eher unbekannte Lieder, die er sich zu eigen gemacht hat. Viele davon können als Protestsongs betrachtet werden oder haben einen anti-war Charakter. ,Ich habe festgestellt, dass ich die Herausforderung, Songs anderer Leute zu interpretieren und sie zu meinen eigenen zu machen, wirklich mag. Sie zu verändern, zu interpretieren und vielleicht sogar zu verbessern. Viele der Songs werden den meisten Menschen unbekannt sein, während andere dänische Klassiker sind. Was sie gemeinsam haben, ist, dass sie mich irgendwie zu dem gemacht haben, der ich bin", sagt Uffe Lorenzen. Das Album wurde zusammen mit Morten Hart Grabowski in einem kleinen Studio in Kopenhagen aufgenommen. In mehr als 20 Sessions haben sie zusammen eine Liste von 50 Songs auf die zehn reduziert, die schließlich auf dem Album gelandet sind. Laut Lorenzen fanden die Aufnahmen in einer sehr entspannten Atmosphäre statt: ,Wir haben etwas Gras geraucht und Rotwein getrunken, was den Prozess sehr entspannt gemacht hat, und ich glaube, das hört man dem Endergebnis auch an." Später übernahm Flemming Rasmussen den Mix und das Mastering in seinem berühmten Sweet Silence Studio. Die erste Auflage war auf 1000 Exemplare in schwarzem Vinyl limitiert und ist ausverkauft, die zweite und dritte Auflage kamen streng limitiert für den Indie-Handel auf rotem und grünem Vinyl (500 Stück weltweit), die vierte Pressung ist bei Bad Afro traditionell Purple (weltweit ebenfalls 500 Stück).

Euronymous’ Deathlike Silence Productions in 1993, & with each subsequent release, Sigh grew to become one of the country’s greatest & most revered metal exports. With a journey through the strange & the psychedelic, incorporating a whole eclectic mix of genre styles & experimentation throughout their career, Sigh has remained a vital creative force in the avantgarde field whilst maintaining their old school roots, as witnessed with the stellar 2022 album, ‘Shiki’. 2025 also saw Sigh remaking their ‘Hangman’s Hymn’ album for a release on Peaceville as part of the band’s 35th anniversary celebrations, in the shape of ‘I Saw The World’s End: Hangman’s Hymn MMXXV’.

With the ongoing early line-up of Mirai Kawashima, Shinichi Ishikawa, & Satoshi Fujinami, ‘Scenario IV: Dread Dreams’ was the band’s fourth studio album, originally surfacing in 1999. This was also notably the final title in partnership with Sigh’s then-label, Cacophonous Records. Delving evermore into the experimental side of music to conjure an interlinked gallery of twisted soundscapes; ‘Dread Dreams’ became more of a journey into the realm of psychedelia & rock over black metal, with this Zappa-inspired odyssey acting as somewhat of a direct pre-cursor to what was to follow with the celebrated ‘Imaginary Sonicscape’ opus.

‘Dread Dreams’ was once more recorded at Shinjuku On Air Studio with J. Yamada, with a selection of guests including Damian Montgomery of Ritual Carnage lending lyrics plus guest vocals, along with King Fowley (Deceased), & Killjoy (Necrophagia) supplying additional song lyrics. Cover art came courtesy of renowned artist Joe Petagno (Motörhead, Autopsy).

Continuing with Peaceville’s re-issues of Sigh’s classic works, this edition of ‘Dread Dreams’ contains a new master created by Patrick Engel at Temple of Disharmony.

The release also includes a new interview with main-man Mirai Kawashima conducted by Dayal Patterson of Cult Never Dies, with his thoughts, influences & reflections on the album & its challenges.

Es gibt eine unbestreitbare Verbindung zwischen dem Süden und Ereignissen außerirdischen Ursprungs. Vom eklektischen Jazz-Guru Sun Ra bis zum deutschen Raketenwissenschaftler Wernher von Braun - Alabama hatte schon immer mehr als nur einen reißenden Anteil an Verbindungen zum Weltraum und zu Dingen außerirdischen Ursprungs. So war es auch bei ,Man or Astro-Man?", die vor einigen Jahren in einer kleinen Universitätsstadt in Alabama ankamen bzw. dort eine Bruchlandung hinlegten. Als sie ihre Plattensammlungen wiederentdeckten, die lange Zeit auf vergessenen Dachböden verstaut oder hinter Regalen mit alten Zeitschriftenausgaben in zahlreichen heruntergekommenen Secondhand-Läden in Alabama versteckt waren, verliebten sich die Mitglieder von ,Man or Astro-Man?" in die verkratzten Klänge von Link Wray, The Ventures, Dick Dale, The Shadows und Duane Eddy - also in Instrumental-Gitarren- und Surf-Musik der späten Fünfziger und frühen Sechziger. Gleichzeitig hatten bizarre Bühnenbilder und Auftritte von Kraftwerk, Sun Ra, Devo, Frank Zappa, The Sputniks und natürlich den Residents großen Einfluss auf die sich rasch entwickelnde Truppe. Dennoch war es das erzwungene Leben in einer hoffnungslos konservativen Kleinstadtumgebung, das Man or Astro-Man? dazu brachte, das Offensichtliche hinter sich zu lassen und sich viel stärker von dem beeinflussen zu lassen, was sie hassten, als von dem, was ihnen eigentlich gefiel. Im Grunde könnte man sagen, dass Man or Astro-Man? weitaus stärker von College-Football und muskelbepackten Verbindungs-Spinnern beeinflusst waren als von Science-Fiction. Die Band trieb es, besonders bei Live-Auftritten, auf die Spitze, so lächerlich wie möglich zu sein, und verspottete dabei ernsthafte ,alternative" Acts und mit ihnen die Musikindustrie selbst. ,Experiment Zero" (1996) war ihr Debütalbum bei Touch and Go. Es wurde in drei Tagen im eigenen Studio von Man or Astro-Man?, dem ,Zero Return" in Alabama, zusammen mit Steve Albini aufgenommen und gilt als eines der großartigen modernen, vom Surf-Stil beeinflussten Gitarren-Instrumentalalben. Da Man or Astro-Man? ,Experiment Zero" als ihr Meisterwerk der langen Entwicklung der Surf-Musik etablieren wollten, begannen sie, sich schneller als je zuvor weiterzuentwickeln. Sie veränderten ihren Sound weiter und erweiterten den Einsatz von Samples, Computerprogrammierung, Keyboards, elektronischen Spielereien sowie experimentellem analogem Schneiden und Einfügen von Tonband. Obwohl das Album von der Kritik weithin gelobt wurde, mussten sich langjährige Fans erst einmal daran gewöhnen. Wo die meisten Bands müde geworden wären oder einfach immer wieder dasselbe Album im Kreis gedreht hätten, erfanden sich Man or Astro-man? und ihre Live-Auftritte immer wieder neu.

Die Compilation vereint ikonische Tracks aus Tarantinos gesamtem filmischen Werk: von Pulp Fiction über Kill Bill bis Once Upon a Time in Hollywood. Mit dabei sind musikalische Größen wie Dick Dale, Johnny Cash, Joe Tex, The Coasters, The 5.6.7.8"s, Dee Clark, Keith Mansfield und viele mehr. Tarantino Sounds entführt in eine Welt aus Surf-Rock, Soul, Rockabilly und Retro-Vibes - genau wie Tarantino sie liebt und inszeniert.

Die späten 1990er Jahre waren eine fruchtbare Zeit in der amerikanischen Elektronik- Underground-Szene. Eine wachsende Zahl von Künstlern, verteilt über das ganze Land, beteiligte sich an der jüngsten Runde eines jahrzehntelangen transatlantischen musikalischen Dialogs. An der Schnittstelle von Hip-Hop, Elektronik und Soul versuchten diese Künstler, ihren eigenen Weg zu gehen. Im September 2001 schlossen sich Telefon Tel Aviv aus New Orleans, die Highschool-Freunde Joshua Eustis und der verstorbene Charles Cooper, schlossen sich diesem Dialog mit ihrem Debütalbum ,Fahrenheit Fair Enough" an, das bei Hefty Records erschien. Als Herzensprojekt war ,Fahrenheit" ein Versuch des Duos, ,etwas Sinnvolles beizutragen ", sagt Eustis heute, ,etwas eindeutig Amerikanisches und irgendwie auch Südstaatliches." Zum fünfzehnten Jahrestag der Veröffentlichung bringt Ghostly International ,Fahrenheit Fair Enough mit einer Vinyl-Ausgabe und zusätzlichem digitalem Bonusmaterial neu auf. Als sie Ende der 1990er Jahre in New Orleans lebten, standen Eustis und Cooper im Bann zweier musikalischer Strömungen: amerikanischer Klassiker - New Orleans' Bounce, Detroits Techno, Chicagos House - und britischer Electronica - Autechre, Aphex Twin, Jega. Aufgenommen im Laufe eines Jahres in Eustis' Kindheitszimmer im Stadtteil Riverbend in New Orleans, lotete ,Fahrenheit" das Potenzial amerikanischer elektronischer Musik in einer Zeit der Hoffnung aus. Die Tracks sollten ,sich ständig weiterentwickelnde Skulpturen" sein. Fasziniert von IDM, wollten die beiden ,etwas Schwung hineinbringen , es ein wenig lockerer gestalten, es aber auch hyperromantisch klingen lassen." Eustis und Cooper hatten sich ursprünglich eine ,harte Club-Platte" vorgestellt, doch stattdessen wurde ,Fahrenheit" von Fans und Kritikern, die seine stilistischen Wurzeln falsch interpretierten, als zartes Stück Electronica wahrgenommen. Die Musik klingt im Jahr 2016 umso relevanter, da der Weg, den Eustis und Cooper damals anstrebten, heute Realität ist. Und weil heute jeder darauf hört, was der Süden zu sagen hat." ,Wir wollten einfach nur sehen, ob wir es hinbekommen", erinnert sich Eustis. ,Wir wussten es nicht. Unser Ziel war es, etwas zu schaffen, auf das wir stolz sein konnten." Zum 25-jährigen Jubiläum dieser bahnbrechenden Elektronik-LP, einem Meilenstein der amerikanischen Elektronikmusik, erscheint eine Deluxe-Obi- Edition als Doppel-Vinyl in einer neuen Watercolor- Variante. Joshua Eustis und der verstorbene Charlie Cooper schufen einen Klassiker, der an der Schnittstelle von IDM, Experimental- und Bass-Musik ansiedelt und eine neue Generation von Künstlern (Loraine James, Kelly Moran u. a.) beeinflusste. Das Album kehrt nun endlich für eine neue Generation zurück.

Splayed Werks markiert einen deutlichen Wendepunkt im Werk von Tyondai Braxton. Das fünfte Soloalbum des US-Komponisten und Produzenten ist zugleich sein erstes Full-Length-Release seit dem symphonischen Telekinesis (2022) und der Auftakt einer neuen Zusammenarbeit mit dem renommierten britischen Label Erased Tapes. Auf über 70 Minuten entfaltet Braxton eine dichte, hochpräzise Welt aus Elektronik und Sounddesign - fragmentierter und unmittelbarer als seine bisherigen, oft großformatigen Arbeiten. Die 15 Tracks sind überwiegend kompakt gehalten und bewegen sich zwischen minimalistischer Komposition, experimenteller Clubmusik und installativer Klangkunst. Rhythmisch komplexe, rau strukturierte Stücke stehen neben beatlosen Passagen von fast ekstatischer Intensität. Splayed Werks ist gleichermaßen intellektuell anspruchsvoll und körperlich erfahrbar - handgemacht, intuitiv und klanglich kompromisslos. Braxton zählt seit über zwei Jahrzehnten zu den prägenden Figuren zwischen Neuer Musik, Elektronik und Avant-Pop: Mitbegründer von Battles, Kollaborateur von Philip Glass, Komponist für führende US-Ensembles und regelmäßiger Gast großer Festivals und Institutionen weltweit.

Black Marble erwachte im Herbst 2012 zum Leben, inspiriert vom Synthwave-Revival der frühen 2000er Jahre in New York City. Heute, vierzehn Jahre später und sieben Veröffentlichungen weiter, macht Chris Stewart weiterhin Platten, während er über Maschinen gebeugt sitzt, die sich beim Einschalten warm anfühlen und die man überreden muss, um in der Stimmung zu bleiben. Seine Alben, die ausschließlich von Stewart geschrieben, aufgenommen und veröffentlicht werden, bleiben einzigartige Visionen, mit Songs, die versuchen, ein diffuses Pastiche zu vermitteln, das nun von dem Wunsch geprägt ist, das Ganze in eine Botschaft zu hüllen, die davon erzählt, wo er gewesen ist und wohin er gehen will. In seiner neuesten Vision, ,Life in Small Spaces", kommentiert Stewart die Musikindustrie und seine Rolle darin und reflektiert darüber, wie sich Underground-Musik im Laufe der Zeit verändert hat und wie ein Leitbild, die Dinge einfach zu halten und sich selbst treu zu bleiben, das einzige Ideal für das Leben in dieser komplizierten Landschaft ist. Stewarts Wunsch, die Zeit mit intakten Idealen zu überbrücken, zeigt sich im Songwriting, das die Pop-Sensibilität des Projekts beibehält und gleichzeitig neue Tricks in den Hut zaubert. ,Life in Small Spaces" tauscht Synth-Wände gegen mehr Gitarre ein und greift dabei auf frühe amerikanische College-Radio-Staccato-Gitarrenlinien zurück, die an Pylon, The Necessaries und R Stevie Moore erinnern, sowie auf Live-Drum-Samples - eine Anspielung auf den einfachen, metronomartigen Stil von Wire. Stewart erklärt den Grund für die Veränderung als einen Weg, ,diese glockige, hypnotische Qualität zu erzeugen. Wie ein Radio-Drehknopf, der zwischen zwei Sendern steht." Visuell zeigt ,Life in Small Spaces" Stewart allein auf dem Cover in einem kargen Raum, umgeben von einer Explosion aus Konfetti - ein Bild, das eine in sich geschlossene Welt widerspiegelt, die zwar klein, trostlos und überladen wirken mag, aber ganz und gar seine eigene ist. Ein passender Rahmen für ein Album, das Begrenzung als eine Form der Klarheit begreift und die Geschichte davon erzählt, sich für ein einfaches Leben zu entscheiden, Stabilität und Komfort aufzugeben zugunsten einer Existenz voller mutiger und fesselnder Verbindungen. Dies spiegelt zudem Black Marbles Vertrauen nicht nur in seine Kunst wider, sondern auch in die Gemeinschaft, die sich im Laufe der Jahre um das Projekt herum entwickelt hat. ,Life in Small Spaces ist das, worüber ich als Künstler sprechen möchte. Es ist genau dort, wo ich mich in diesem Moment befinde, und ich weiß, dass ich mit meinen Gefühlen nicht allein bin." Dieses Gefühl ist kein Vorbehalt. Es ist der springende Punkt. ,Life in Small Spaces", mit seiner introspektiven Lyrik, die geschickt in Black Marbles strahlender Musikalität verborgen ist, ist eine ernsthafte Analyse der Belastungen, die Künstler prägen. Es ist eine Einladung, einen minimalistischeren Lebensstil zugunsten kreativen Ausdrucks und Freiheit zu akzeptieren und bewusst zu wählen - und niemals deine Werte für die verlockende Illusion von Erfolg opfern zu müssen.

Black Marble erwachte im Herbst 2012 zum Leben, inspiriert vom Synthwave-Revival der frühen 2000er Jahre in New York City. Heute, vierzehn Jahre später und sieben Veröffentlichungen weiter, macht Chris Stewart weiterhin Platten, während er über Maschinen gebeugt sitzt, die sich beim Einschalten warm anfühlen und die man überreden muss, um in der Stimmung zu bleiben. Seine Alben, die ausschließlich von Stewart geschrieben, aufgenommen und veröffentlicht werden, bleiben einzigartige Visionen, mit Songs, die versuchen, ein diffuses Pastiche zu vermitteln, das nun von dem Wunsch geprägt ist, das Ganze in eine Botschaft zu hüllen, die davon erzählt, wo er gewesen ist und wohin er gehen will. In seiner neuesten Vision, ,Life in Small Spaces", kommentiert Stewart die Musikindustrie und seine Rolle darin und reflektiert darüber, wie sich Underground-Musik im Laufe der Zeit verändert hat und wie ein Leitbild, die Dinge einfach zu halten und sich selbst treu zu bleiben, das einzige Ideal für das Leben in dieser komplizierten Landschaft ist. Stewarts Wunsch, die Zeit mit intakten Idealen zu überbrücken, zeigt sich im Songwriting, das die Pop-Sensibilität des Projekts beibehält und gleichzeitig neue Tricks in den Hut zaubert. ,Life in Small Spaces" tauscht Synth-Wände gegen mehr Gitarre ein und greift dabei auf frühe amerikanische College-Radio-Staccato-Gitarrenlinien zurück, die an Pylon, The Necessaries und R Stevie Moore erinnern, sowie auf Live-Drum-Samples - eine Anspielung auf den einfachen, metronomartigen Stil von Wire. Stewart erklärt den Grund für die Veränderung als einen Weg, ,diese glockige, hypnotische Qualität zu erzeugen. Wie ein Radio-Drehknopf, der zwischen zwei Sendern steht." Visuell zeigt ,Life in Small Spaces" Stewart allein auf dem Cover in einem kargen Raum, umgeben von einer Explosion aus Konfetti - ein Bild, das eine in sich geschlossene Welt widerspiegelt, die zwar klein, trostlos und überladen wirken mag, aber ganz und gar seine eigene ist. Ein passender Rahmen für ein Album, das Begrenzung als eine Form der Klarheit begreift und die Geschichte davon erzählt, sich für ein einfaches Leben zu entscheiden, Stabilität und Komfort aufzugeben zugunsten einer Existenz voller mutiger und fesselnder Verbindungen. Dies spiegelt zudem Black Marbles Vertrauen nicht nur in seine Kunst wider, sondern auch in die Gemeinschaft, die sich im Laufe der Jahre um das Projekt herum entwickelt hat. ,Life in Small Spaces ist das, worüber ich als Künstler sprechen möchte. Es ist genau dort, wo ich mich in diesem Moment befinde, und ich weiß, dass ich mit meinen Gefühlen nicht allein bin." Dieses Gefühl ist kein Vorbehalt. Es ist der springende Punkt. ,Life in Small Spaces", mit seiner introspektiven Lyrik, die geschickt in Black Marbles strahlender Musikalität verborgen ist, ist eine ernsthafte Analyse der Belastungen, die Künstler prägen. Es ist eine Einladung, einen minimalistischeren Lebensstil zugunsten kreativen Ausdrucks und Freiheit zu akzeptieren und bewusst zu wählen - und niemals deine Werte für die verlockende Illusion von Erfolg opfern zu müssen.

Taylor Hollingsworth aus Birmingham, Alabama, hat sich schon immer einer einfachen Einstufung widersetzt. Als er gebeten wurde, seine Musik zu beschreiben, tat er sich schwer - ein bisschen Folk, ein Hauch von Blues, eine Prise Rock 'n' Roll, aber nicht wirklich in eine einzige Schublade zu stecken. Schließlich prägte er den Begriff ,Folk n' Roll", um seinen Sound zu beschreiben. Jetzt bekennt er sich stolz zu diesem Sound mit seinem neuesten Album, das treffend den Titel ,Folk n' Roll" trägt. Fans von JJ Cale, Mississippi John Hurt, Chuck Berry, Richard Thompson, Jonathan Richman und John Prine werden große Freude an Hollingsworths Mischung aus zeitlosen Einflüssen haben. In den frühen 2000er Jahren tourte Hollingsworth ausgiebig mit seiner punkigen Rockband (stell dir eine Mischung aus Ramones, Chuck Berry und ZZ Top vor) und arbeitete als Session-Musiker, der auf Tour mit verschiedenen Künstlern Gitarre spielte (vor allem mit Conor Oberst und der Mystic Valley Band). Doch nach der Geburt seiner Tochter legte er eine Tourpause ein, um sich ganz seiner Familie zu widmen und sein Handwerk als Vollzeit-Musiker vor Ort in Birmingham, Alabama, zu verfeinern. In dieser Zeit perfektionierte er seine fesselnde Ein-Mann-Show, die er nun ,Folk n' Roll" nennt. Seine Auftritte sind ein unvergessliches Erlebnis - fingergepickte E-Gitarre, ein mit Mikrofonen ausgestattetes Fußstampfer-Pedal, das den rhythmischen Rückgrat bildet, und gelegentlich ein Looper-Pedal, um Gitarrensoli einzuflechten, während er seine charakteristischen erzählerischen Texte vorträgt - Texte, die von zahlreichen Künstlern gecovert wurden, vor allem von Conor Oberst und Phoebe Bridgers bei Better Oblivion Community Center. ,Folk `N Roll" ist sein zweites Album für das beliebte Indie-Label Dial Back Sound, nach dem von Kritikern gefeierten und geliebten ,Yahola" aus dem Jahr 2025.

,Giraffe" ist das neue Gemeinschaftsprojekt von Dave Harrington (Darkside), Robert Walter (The Greyboy Allstars), Spencer Zahn und Kosta Galanopoulos (Rio Kosta). Ihr Debütalbum ,The Towering Inferno With Bongo Drums" vereint spacige Psychedelia, jazzinspiriertes Zusammenspiel und freie Improvisation zu einem fließenden, experimentellen Hörerlebnis. Das Album wurde an einem einzigen Tag bei 64 Sound in Los Angeles aufgenommen und fängt vier versierte Musiker ein, die sich in einem instinktiven Groove vereinen.

Über die neun Songs des Albums hinweg erschafft Elanor Moss mit feinsinnigem Psych Folk ein eindringliches Wechselspiel aus Freude und Schmerz. Ihre düster-verträumten Momentaufnahmen bieten dabei weniger Katharsis als vielmehr ein Verständnis für die Komplexität des Wegs dorthin - Heilung nicht als Zustand, sondern als Prozess. Der Weg hin zu ihrem Debütalbum "The Knife, The Needle" war für Elanor Mos selbst eine komplexe Reise. Zeitweise fühlte sie sich von ihrer eigenen Musik entfremdet und suchte nach einem neuen Sound, anstatt den Raum zu besetzen, den sie sich bereits geschaffen hatte. "Nichts fühlte sich richtig an", erinnert sie sich, "also nahm ich den Druck heraus und versuchte, meine Beziehung zum Songwriting und zur Musik neu zu kalibrieren." Die drei Jahre, in denen die Songs für "The Knife, The Needle" entstanden, führten sie letztendlich zurück zu ihren Wurzeln und ihrer Liebe zu, wie sie es ausdrückt, "der Musik, die mich wirklich etwas fühlen ließ; der Musik, die ich schreiben wollte." "Das waren Folk- und zeitgenössische Folk-Songwriter", fährt sie fort. "Ich habe viel Zeit damit verbracht, Gitarre zu spielen", fährt sie fort. "Ich habe mir ein Vierspur Tape Gerät geliehen und darauf Demos aufgenommen. Ich habe mich intensiv mit Kurzgeschichten beschäftigt. Die schlichte, direkte Wahrhaftigkeit von Autor*innen wie Raymond Carver hat mich sehr angesprochen und inspiriert, während ich darauf wartete, dass meine Lust am Schreiben zurückkehrt. Ich habe außerdem wieder eine Therapie begonnen, in der ich anfing zu verstehen, woher ich komme, wie sich meine Familiengeschichte in meinem Handeln widerspiegelt und wie ich liebe und Liebe annehme. Aus der Langsamkeit und Stille dieser Rhythmen sind diese Songs entstanden." ,Sarah Waiting in the Car" gibt den Ton an, mit Moss' zartem, nachdenklichem Gitarrenspiel und den Pinselstrichen von Matthew Herds Ensemble - Marcus Hamblett (Horn), Jool Owen (Horn), Andrew Stuart-Buttle (Violine), Reid Jenkins (Violine), Linus Fenton (Kontrabass) und Herd (Saxophon) - die ihre Texte mit herzzerreißender Ernsthaftigkeit untermalen, während sich die Erzählung, die aus Moss herausfließt, von einem Treffen in der Bar zu den Nachwirkungen einer missbräuchlichen Beziehung wandelt, wobei Sanftheit in Gewalt umschlägt. In ,Fixer" ringt Moss mit der Tatsache, dass Liebe jemanden ebenso verletzen kann, wie sie ihn heilen kann. Ihr Album ,The Knife, The Needle" beschäftigt sich damit, wie Beziehungen durch die Liebe verändert, verkompliziert und erschüttert werden. Es ist ein erschütterndes Werk, zugleich geduldig und verletzlich, opulent umgesetzt und tief empfunden. Beide Objekte, die im Albumtitel genannt werden, können Blut vergießen, doch durch ihre Stimme und Gitarre erhellt, ist das, was aus den Wunden fließt, die sie hier teilt, nichts Geringeres als Poesie.

Die deutschsprachige Indie-Punkrock Band Hi! Spencer macht mit "immernie" ein Album, das nicht nach klaren Antworten sucht. Es ist ein Album über das Aushalten der eigenen Ambivalenz. Gefühle sind selten eindeutig. Hoffnung trifft auf Zweifel, Aufbruchsstimmung auf Heimweh - und manchmal fühlt sich alles gleichzeitig schwer und leicht an. Hi! Spencer sind gewachsen wie eine Kaugummiblase: langsam, stetig, aber mit Druck dahinter. Kein Hype, kein Abkürzen - sondern durchbeißen, weitermachen, langer Atem. Von kleinen Kellerklubs, in denen der Schweiß von der Decke tropft, bis auf die großen Bühnen des Landes. Alles selbst erspielt, alles Zug um Zug. Und genau deshalb hält das hier auch: weil es nicht aufgeblasen ist, sondern gewachsen. "immernie" ist der Moment, in dem sich nichts mehr kleinreden lässt - laut, schillernd und mit Wucht stellen Hi! Spencer klar: ihre Jahre sind noch lange nicht vorbei. Die Songs der Band haben mittlerweile millionenfache Aufrufe auf den Streamingportalen. Nach ausverkauften Clubtouren 2025 durch Deutschland und Österreich zählt die Band längst zu den gerngesehenen Gästen auf den großen Festivals, darunter Hurricane, Deichbrand und Highfield. "immernie" erscheint auf dem Label Merchcowboy Records, aufgenommen wurde das Album mit Tobi Schneider im DocMaKlang Studio Osnabrück.

Westside Cowboy aus Manchester zählen aktuell zu den spannendsten neuen Indie-/Alternative-Bands
Großbritanniens. Das Quartett, das sich vor drei Jahren in Manchester formierte und kürzlich bei Island
Records UK unterschrieben hat, veröffentlicht am 21. August sein Debütalbum It Goes On.
Mit der neuen Single „Kick Stones (The Boys)“ liefert die Band einen ersten Vorgeschmack auf ihren
mitreißenden Sound zwischen euphorischem Indie-Rock und emotionaler Intensität. Gemeinsam mit Produzent Loren Humphrey (Geese, Cameron Winter, Wunderhorse) entstanden elf Songs, die die Verwirrung,
Verzweiflung und Hoffnung des Erwachsenwerdens einfangen.
Westside Cowboy konnten bereits mehrere ausverkaufte Headline-Shows spielen, darunter im Scala in
London und im Gorilla in Manchester. Im Anschluss tourte die Band als Support von Geese durch Großbritannien und Europa, bevor sie im Herbst mit einer eigenen UK- und Europa-Tour unterwegs sein wird. It
Goes On ist das eindrucksvolle Debüt einer Band, die man jetzt auf dem Radar haben sollte.

Mit seinem 1965 erschienenen Album We’re Gonna Make It vereinte Little Milton die emotionale Tiefe des
Blues mit dem modernen Sound des Soul auf beeindruckende Weise. Nachdem der aus Mississippi stammende Sänger, Gitarrist und Songwriter Anfang der 1960er-Jahre über das Chess-Label Checker Records zur
Chess-Familie gestoßen war, verlieh er dem Traditionslabel mit seinem unverwechselbaren Stil neue Impulse.
Der Titelsong „We’re Gonna Make It“, eine eindrucksvolle Hymne, die eng mit der aufstrebenden amerikanischen Bürgerrechtsbewegung verbunden ist, hielt sich drei Wochen in Folge an der Spitze der US-amerikanischen
R&B-Charts. Das Album unterstreicht Little Miltons außergewöhnliche stimmliche Ausdruckskraft, seine
präzise Phrasierung und sein außergewöhnliches Gespür für die Verbindung von Blues und Soul – Qualitäten, die seinen Crossover-Erfolg maßgeblich begründeten. Zu den weiteren Höhepunkten zählen „Who’s
Cheating Who?“, „Blind Man“ und „Stand By Me“.
Erleben Sie den unverwechselbaren Klang eines der bedeutendsten Blues-Labels Amerikas in audiophiler
Qualität – mit der Chess Records Acoustic Sounds Series. Für diese hochwertigen Neuauflagen wurden
klassische Alben und Compilations aus dem Chess-Records-Katalog sorgfältig von den originalen analogen
Masterbändern neu gemastert und auf 180-Gramm-Vinyl bei Quality Record Pressings gefertigt. Jede Ausgabe erscheint in einem hochwertigen Tip-on-Gatefold-Cover aus erstklassigem Karton und erfüllt damit
höchste Ansprüche an Klangqualität und Verarbeitung.

Aufgenommen am 3. Juli 1960 beim legendären Newport Jazz Festival, zeigt At Newport 1960 Muddy
Waters in Höchstform. Begleitet von Otis Spann am Piano, Pat Hare an der Gitarre, Andrew Stevens
am Bass, Francis Clay am Schlagzeug und James Cotton an der Mundharmonika präsentiert Waters eine
mitreißende Performance, die tief in der Tradition des Blues verwurzelt und zugleich erstaunlich modern
klingt.
At Newport 1960 gilt als Meilenstein der Bluesgeschichte. Das Album trug maßgeblich dazu bei, den
Blues einem breiteren Publikum zugänglich zu machen, und festigte Muddy Waters’ Ruf als einer der
Väter des elektrischen Blues. Zu den Höhepunkten zählen Klassiker wie „I’m Your Hoochie Coochie Man“,
„Baby, Please Don’t Go“, „Got My Mojo Working“ sowie „Goodbye Newport Blues“ von Langston Hughes.
Erleben Sie den unverwechselbaren Klang eines der bedeutendsten Blues-Labels Amerikas in audiophiler
Qualität – mit der Chess Records Acoustic Sounds Series. Für diese hochwertigen Neuauflagen wurden
klassische Alben und Compilations aus dem Chess-Records-Katalog sorgfältig von den originalen analogen Masterbändern neu gemastert und auf 180-Gramm-Vinyl bei Quality Record Pressings gefertigt. Jede Ausgabe erscheint in einem hochwertigen Tip-on-Gatefold-Cover aus erstklassigem Karton und wird damit
auch höchsten Ansprüchen an Klang und Ausstattung gerecht

YHWH Nailgun waren schon immer von einer schonungslosen Direktheit geprägt. Was einst als rohes Duo begann, hat sich längst zu einer kompromisslosen Band entwickelt, deren Klang ebenso aggressiv wie eigenständig ist. Mit ihrem neuen Album Magazine schärfen sie dieses Profil weiter und entziehen sich bewusst jeder klaren Einordnung. Das kurze, nur etwa elf Minuten lange Werk wirkt wie ein konzentrierter Ausbruch von Energie. Schon der Opener "Ghost of Love" baut sich langsam auf, bevor Schlagzeug und grelle Gitarren plötzlich mit voller Wucht einsetzen. Diese Idee des "Ein- und Ausblendens" verstehen sie nicht nur als Stilmittel, sondern als Hinweis darauf, dass ihre Musik über das Hörbare hinaus weiterexistiert. Im Vergleich zum Debüt 45 Pounds zeigt sich Magazine reduzierter und präziser. Das Schlagzeug klingt roher, fast karg, während der Fokus stärker auf Klarheit liegt-vor allem bei Zack Borzones Stimme. Statt sich hinter Effekten zu verstecken, tritt sein Gesang nun unverhüllt hervor. Seine Texte, voller düsterer Bilder und religiöser Symbolik, gewinnen dadurch an Gewicht: Visionen von Asche, Blut und mythischen Kreaturen entfalten eine unmittelbare, beinahe bedrückende Intensität. Religiöse Motive waren schon immer zentral für die Band, doch auf Magazine werden sie klarer ausgesprochen. Der Name YHWH verweist selbst auf das unaussprechliche Gottesbild; nun stehen Themen wie Gott, Teufel und Moral offen im Raum. Im abschließenden Track "To the Devil" kulminiert dies in einer fast beschwörenden Atmosphäre, die zugleich beunruhigt und fasziniert. Trotz ihrer extremen Klangsprache verfolgen YHWH Nailgun keinen konfrontativen Ansatz gegenüber anderen Genres. Ihr Fokus liegt allein auf dem eigenen kreativen Raum-fern von Trends oder Erwartungen. Magazine wirkt dadurch wie ein Fragment eines endlosen musikalischen Flusses: kurz, intensiv und bewusst unvollständig, als würde die eigentliche Musik jenseits des Albums weiterlaufen.

When the CD was issued, this album was Andy's first solo record in 26 years since Mega Shebang in 1980. It was produced by Glyn Johns with Andy's band including Dave Bronze, Henry Spinetti, Rabbit (John Bundrick), Katie Kisoon, Pat Arnold and Carole Kenyon.

Japanese black metal legends Sigh formed in 1989/1990. The genre-classic debut ‘Scorn Defeat’ followed on Euronymous’ Deathlike Silence Productions in 1993, & with each subsequent release, Sigh grew to become one of the country’s greatest & most revered metal exports. With a journey through the strange & the psychedelic, incorporating a whole eclectic mix of genre styles & experimentation throughout their career, Sigh has remained a vital creative force in the avantgarde field whilst maintaining their old school roots, as witnessed with the stellar 2022 album, ‘Shiki’. 2025 also saw Sigh remaking their ‘Hangman’s Hymn’ album for a release on Peaceville as part of the band’s 35th anniversary celebrations, in the shape of ‘I Saw The World’s End: Hangman’s Hymn MMXXV’.

With the ongoing early line-up of Mirai Kawashima, Shinichi Ishikawa, & Satoshi Fujinami, ‘Scenario IV: Dread Dreams’ was the band’s fourth studio album, originally surfacing in 1999. This was also notably the final title in partnership with Sigh’s then-label, Cacophonous Records. Delving evermore into the experimental side of music to conjure an interlinked gallery of twisted soundscapes; ‘Dread Dreams’ became more of a journey into the realm of psychedelia & rock over black metal, with this Zappa-inspired odyssey acting as somewhat of a direct pre-cursor to what was to follow with the celebrated ‘Imaginary Sonicscape’ opus.

‘Dread Dreams’ was once more recorded at Shinjuku On Air Studio with J. Yamada, with a selection of guests including Damian Montgomery of Ritual Carnage lending lyrics plus guest vocals, along with King Fowley (Deceased), & Killjoy (Necrophagia) supplying additional song lyrics. Cover art came courtesy of renowned artist Joe Petagno (Motörhead, Autopsy).

Continuing with Peaceville’s re-issues of Sigh’s classic works, this edition of ‘Dread Dreams’ contains a new master created by Patrick Engel at Temple of Disharmony.

The release also includes a new interview with main-man Mirai Kawashima conducted by Dayal Patterson of Cult Never Dies, with his thoughts, influences & reflections on the album & its challenges.

The Third Room launches its new curator-led series with Oscar Mulero, one of techno's most uncompromising and influential voices. Through decades of releases, DJ sets and his work with PoleGroup, Mulero has helped shape a sound defined by tension, reduction and depth, leaving a lasting mark on contemporary techno culture. For this first chapter, he brings together artists who reflect that same discipline and sonic clarity. Rather than focusing on solo authorship, Mulero shifts towards dialogue - connecting with producers who operate within a shared language, while bringing their own distinct perspectives to the record. He opens with Sonic Synergy, the only solo track: restrained, dub-influenced and immersive, built on warm low-end and gradual development. The centrepiece of the record follows with Reaction Pair, a collaboration with DVS1. Bringing together two of the scene's most established voices, the track unfolds as a fluid, open construction: a rolling, slightly woobly bassline meets evolving chords that build and dissolve tension in continuous cycles, creating a sense of forward motion without obvious peaks. Seven, with Luigi Tozzi, introduces a more spatial dimension, merging Tozzi's atmospheric depth with Mulero's steady drive. Closing track Between the Stars, with Isabel Soto, leans into a timeless, understated energy - functional without ever becoming forceful. Across all four tracks, the EP remains consistent in tone: spacious, spheric and focused on long-form movement. As the first entry in the series, it sets a clear direction - reduced, hypnotic techno built for longevity. ? 2026 The Third Room A1 Written and Produced by Oscar Mulero | A2 Written and Produced by Oscar Mulero & Zak Khutoretsky | D1 Written and Produced by Oscar Mulero & Luigi Tozzi | B2 Written and Produced by Oscar Mulero & Isabel Soto Mastered by Ahmet Sisman (The Third Room Studios) Artwork by Charlotte Ernst Design by Daniel Bornmann (STUEDIO.XYZ) Distribution by Clone Pressing by Matter Of Fact

In the years after independence, Tunisia made an unlikely bet: tourism. Beach resorts rose along the coast, each one trying to outshine the next, and each one needing a band to entertain their guests. A whole generation of musicians grew up on those hotel stages - sharing bills with James Brown, Claude François and the Mingus Dynasty - and what came out of it was a small revolution. Funk played on Tunisian instruments. Disco with an oud in it. Reggae carried back from the island of Kerkennah. A "Third Language" the press didn't quite know what to do with.

Tunis Hotel Stereo gathers nine of those records. Most of them were pressed in tiny quantities, sold to tourists as souvenirs, censored before reaching the radio, or quietly slipped onto a 45 between two hotel sets. Some of these artists filled the Carthage amphitheatre. Some topped the Maghreb hit-parades. Most have been waiting, for forty years, for someone to play their music again.

This compilation is the result of years of work - collating memories, hunting down records, sitting with the artists who made them, and with the people who once danced to them. It is the third release on Shakshouka Records, and the first compilation of Tunisian music ever curated by Tunisians, in Tunisia.

SIDE A

The mysterious Les 4 Dés, who turned the national anthem into psychedelic pop on Ya Tounes - and then nearly vanished. Peace Band, hard rockers turned hotel professionals, recording as Omnya at Hammamet's legendary Topkapi club. Ridha Zalila, the eternal shape-shifter, in a rare instrumental of Tiou Tiou Tiou. And Sadok Gharbi's Noujoum - pulled from his sabotaged, near-lost masterpiece Souar.

SIDE B

Carthago, the impossible big band that married the elite of Tunisian jazz-rock with the stars of tourist entertainment, with the original Dhikrayet. Khaled Mellef, one of the great UFOs of his generation, with Wait Till the Morning Dew, recorded in the Netherlands. Marhaba Band's Baba Bahri, originally pressed only for hotel guests and now a cult artefact. Corniche Band's Dance, cut in Milan during a technical stop on a cruise ship. And Jomaa Bouzrara, the "Bob Marley of the Maghreb," with Now That, drawn from his landmark 1983 debut Sunset.

These weren't rebels without a cause. They were musicians who understood that modernity and heritage are not opposites - that a Tunisian could play funk and still be deeply, irreducibly Tunisian. They drew from every direction at once, and built something that belonged to none of those worlds entirely, and to all of them at the same time.

This compilation is one small act of remembering. The music does the rest.

Cheap Trick - At Budokan: The Complete Concert is the the full version of the famous best-selling live album by the American rock band Cheap Trick. The louder, roaring versions of classics like "I Want You to Want Me" and "Surrender" connected to a wide audience in the late 1970s.

The recording became the band's best-selling album and captures the performance exactly as it was experienced on stage. Their raw-powered riffage and three-chord songs, combined with the posterboy looks of singer Robin Zander and the outrageous guitars played by Rick Nielsen made an impression all over the world. After this recording in Japan, and releasing an abridged 1-LP version of At Budokan, Cheap Trick became instant rock stars.

In 1998, the full Budokan show was finally released on CD, followed by a double vinyl release on Music On Vinyl in 2016. Both Cheap Trick fans and rock lovers in general will need this document of the band's most celebrated concert.

Cheap Trick At Budokan: The Complete Concert is available now as a limited edition of 3000 individually numbered copies on yellow vinyl and in packaged a gatefold sleeve.

„Roots, Rock, Reggae: Live at the Hammersmith Odeon“ ist ein atemberaubendes, bisher unveröffentlichtes
Live-Album von Bob Marley, das im Juni 1976 während der „Rastaman Vibration“-Tournee an mehreren
Abenden im Rahmen der Residency der Wailers im renommierten Londoner Hammersmith Odeon aufgenommen wurde. Die Buchung des Veranstaltungsortes war ein gewagter Schritt, doch Bob hatte durch den
Erfolg von „No Woman, No Cry“ in den britischen Charts neuen Ruhm erlangt, und ein begeistertes Publikum füllte den Saal bis auf den letzten Platz. Zu den Höhepunkten zählen der transzendente Titelsong,
das selten gespielte „Bend Down Low“, eine Extended Version von „Crazy Baldhead“ und eine 30-minütige
Zugabe, die ein 12-minütiges „Get Up, Stand Up“ enthält. Neue Liner Notes von Marleys Weggefährten
Don Letts liefern einen Augenzeugenbericht dieses Erlebnisses, das nun auf schwarzem Vinyl erhältlich ist

There are two version of the LP - limited to 100 numbered copies with transparent wax and classic black wax edition. Both 180g with special OBI strip.

Maciej Envee Goliński is an artist who probably needs no introduction. He has been working with U Know Me practically since the label's inception. His last album ("Time & Light") made a huge impact worldwide, but we had to wait eight years for the next vinyl release. In the meantime, Maciej has certainly been busy – he has released numerous club singles under several aliases, and has helped record and mix numerous albums from the world of jazz, soul, and electronica. "Wyszymory" is a carefully crafted concept album, inspired by our roots. "Wyszymory" is an album on which every open-minded listener will find something that has been playing in their soul for a long time...


"Of all things visible and invisible, my life is most filled with music and a fascination with sound. It matters not whether they are natural or artificial, isolated or resonating through space. Sounds that evoke
memories, as well as those entirely new. Some of them have resonated unchanged for thousands of years. Certain resonances and rhythms have remained unaltered for generations so distant that they have left no other trace in human civilization.

This bond with our ancestors truly fascinates me. Ever since I realized it, I have become more attuned to inspiration. Listening to traditional and classical music, I kept finding new anchor points. I was constantly surprised by new invitations to ponder what connects – or divides – the pulse of our region’s traditional music with the rhythms of Africa, the tribes of the vast East, or the frozen North. My great authority, Tomasz Stańko, in interviews conducted by Tomek Michałowski, used beautiful parables of love and creativity to bring me closer to the ­Cro-Magnon cave artists. The Icelandic literary magician Andri Snær ­Magnason, in his book On Time and Water, captivated me with the fascinating observation that through emotional contact, words, ideas, or memory, we reach back and forward two or even three generations – spanning a period of about 270 years. Then there is Sam Kowalski, who with his wonderful obereks played on the gitalele, took me on a hypnotic journey, from which one returns with a deep admiration for the art of musical storytelling, passed down from generation to generation. Finally, my own children surprise me with talents, behaviors, and increasingly distinct features of those generations that now dwell only in my hazy memory and on old photographs.

I wanted the protagonists of this album to be the very phenomena that modern humans share with their ancestors, ­regardless of the level of civilization. Most vital among them is the relationship between humans, nature, and their own emotions. Wyszymory has nothing to do with an academic study, though I did delve into Slavic mythology, archaeology, and history in search of inspiration. Nor is it an album of traditional music, even if such music is present thanks to wonderful instrumentalists. I managed to invite artists who cross boundaries daily, working not only with Polish music but also with Hindu and African traditions, and even jazz, with its long history of blending influences. Naturally, the album became a kind of sonic comic book, where individual scenes and stories – the sounds, pulsations, and ideas on how to use them – came to me over time, often under unique circumstances and in inspiring contexts."
Envee

Pure Devotion, benannt nach der gleichnamigen Live-Reihe von 2024, markiert einen weiteren Entwicklungsschritt für Overmono. Hinter dem Projekt stehen die Brüder Tom und Ed Russell, die bereits seit Jahren in der britischen Elektronikszene aktiv sind - sowohl gemeinsam als auch über ihre Solo-Projekte Tessela und Truss. Diese Erfahrungen aus dem UK-Underground bilden die Grundlage ihres Sounds bis heute. Das Album vereint bewusst Unschärfen, technische Imperfektion und zufällige Momente mit einer klaren künstlerischen Haltung. Über elf Tracks hinweg erweitern Overmono ihren Produktionsansatz und greifen dabei auf ungewöhnliche Mittel zurück: analoge Synthesizer aus den 70er- und 80er-Jahren, alte Lautsprechersysteme oder experimentelle Klangbearbeitung. Das Ergebnis wirkt kontrolliert, organisch und immer treibend. Auch die Vocals tragen zur Atmosphäre bei - unter anderem von John Joseph Holt, Kindora und Ruthven. Insgesamt legt Pure Devotion den Fokus stärker auf Emotionalität und Klangtiefe als auf reine Funktionalität im Clubkontext. Das Projekt entwickelte sich aus einer Neujustierung ihrer Live-Show und gewann parallel zu ihren Touraktivitäten an Form. Nach dem Erfolg ihres Debütalbums Good Lies (2023), welches ihnen größere Aufmerksamkeit und internationale Auftritte einbrachte, spielten Overmono zahlreiche Festivals und eigene Shows, darunter Glastonbury und Alexandra Palace in London. Während dieser Phase entstand neue Musik, die später in Rückzugsorten wie Spanien und Island weiter ausgearbeitet wurde. Die Single "Lockup" steht exemplarisch für die Herangehensweise des Duos: direkte, rhythmisch präsente Strukturen treffen auf zurückhaltendere, emotionale Elemente. Pure Devotion wirkt damit weniger wie ein Bruch als vielmehr wie eine konsequente Weiterentwicklung - geprägt von Erfahrung, Neugier und dem Anspruch, den eigenen Ansatz weiter auszuloten. Overmono sind eine neue Größe in der internationalen Club-Kultur.

Heisenberg continues its vinyl series with HSBRGV015, a four-track VA bringing together some of the labels all-time favorite artists. Romania s Nu Zau and Direkt set the tone with their signature hypnotic grooves and unmistakable swing. From Latvia, D I N adds a deeper, driving touch, while label head Saktu closes the record with a stripped, groovy, and trippy cut true to the Heisenberg sound.
HSBRGV015 is a pure reflection of the label’s identity, carefully selected, deeply underground, and made for those who truly understand. Vinyl only.

Auf ,Revelations of Divine Love", Jason Calhouns fünfter Veröffentlichung bei Dear Life Records, hat Calhoun ein besonders kraftvolles Album zusammengestellt, das surrt, summt und leuchtet. Im Gegensatz zu seinen jüngsten Werken, die sich um ausgedehnte, hypnotische Kompositionen drehen, wecken die vierzehn Tracks hier sofort deine Aufmerksamkeit und Neugier. Ihre Prägnanz unterstreicht nur eine seiner größten Stärken: die Fähigkeit, einen verfliegenden, flüchtigen Moment einzufangen und festzuhalten. Der Titel ist eine Anspielung auf die britische Anachoreta Julian von Norwich, deren gesammelte Schriften mit demselben Titel die frühesten sind, die jemals von einer Frau in englischer Sprache verfasst wurden. Hier dient er als verbindendes Thema für Calhouns ganz eigene Palette aus unruhigen Texturen und zaghaften Melodien. Das ist zweifellos persönliche Musik, aber sie fühlt sich auch greifbar an, fast wie Toffee in ihrer Präsentation - und bei einer so kraftvollen Kombination fällt es schwer, beim Hören ein Lächeln zu unterdrücken. Zum Beispiel, wenn der eindringliche Puls, der ,last one" trägt, plötzlich seine Farbe wechselt, während sich gähnende Töne offenbaren, oder wie ,eye dilation" auf Zehenspitzen in den Raum schleicht, wobei jede Note wie ein sorgfältig gewählter Schritt klingt. Obwohl das Album niemals gekünstelt oder überladen wirkt, bleibt es entschlossen intim.

Langsam, schnörkellos und größtenteils instrumental - auf ,Orphans" wendet sich Art Feynman nach innen. Das Album, das als ,Musik zum Nebenbei-Hören" konzipiert ist, soll den Alltag begleiten und die Atmosphäre untermalen, ohne konzentrierte Aufmerksamkeit zu erfordern. Es bewegt sich durch den Raum wie ein Windspiel - weniger etwas, dem man folgt, als etwas, das man spürt. Es sind intime, einsame Erkundungen, Skizzen, die sich weniger komponiert als vielmehr entdeckt anfühlen, und doch strahlen sie eine stille emotionale Klarheit aus. Während sich Feynmans frühere Arbeiten oft auf komplexe Grooves und dichtes Zusammenspiel stützten, ist ,Orphans" entwaffnend still, geduldig und beruhigend. Zu Beginn des Albums kann man sich fast vorstellen, wie Feynman über einem 4-Spur-Recorder sitzt, Melodien auf einem kleinen Casio nachspielt und seinem Instinkt folgt, wohin auch immer er ihn führt. Der Eröffnungstrack ,Soft Reminder" entfaltet sich mit einer sanften Orgelmelodie, die zu gleichen Teilen melancholisch und neugierig ist; ihre Töne verweilen in der Luft, anstatt voranzutreiben, und legen sich so mühelos im Raum nieder, wie sie zur stillen Reflexion einladen. An anderer Stelle vermittelt ,Soup Song" eine Art hausbackenen Minimalismus, wobei sein beharrliches Orgelmuster an den frühen, experimentierfreudigen Geist von Terry Rileys ,A Rainbow in Curved Air" erinnert. ,Always In Need of Something" verweist auf die verspielten, suchenden Qualitäten von Francis Bebey, wobei seine zyklische Phrasierung eine stille, menschliche Unruhe unter der Oberfläche andeutet. Durchgehend sammeln sich Klänge und Texturen sanft an und formen ebenso sehr eine Atmosphäre wie eine Reihe eigenständiger Kompositionen, wobei sie subtil die emotionale Temperatur des Raums verändern, den sie einnehmen. Das späte Herzstück des Albums, ,Ice Bath", einer der wenigen Momente mit Gesang, bietet eine subtile These: "It slowed me down / That's what I needed / For a new beginning." Der Song fühlt sich wie ein Wendepunkt an, eine Akzeptanz der Stille als notwendige Voraussetzung für Veränderung. Er geht nahtlos über in ,The Condition of New Things", ein wunderschön skizzenhaftes E-Gitarrenstück, das im offenen Raum nachhallt, wobei jede Note mit sorgfältiger Absicht platziert ist und an einige von Jeff Parkers Soloarbeiten erinnert. Der Abschluss-Track ,Plastic Flowers" schwebt herein, getragen von Vocoder-gefiltertem Gesang und einem zarten Bett aus Gitarre und Synthesizer. "To trick the eye but still touch the heart", singt Feynman - eine Zeile, die stillschweigend das Ethos des Albums umrahmt. Wie Licht, das im Laufe eines Tages über eine Wand wandert, mögen diese Aufnahmen bescheiden sein, in ihrer Einfachheit sogar illusionartig, doch ihre emotionale Resonanz ist unbestreitbar.

Maverick folk artist and touring veteran Rev Hammer has been writing and releasing music for over 40 years. He regards his music not so much as a passport to fame and fortune but as a ticket to ride and has enjoyed numerous tours, collaborations, and projects over his long and varied career. The Old Crow Folk Club album features 23 of his songs re-imagined by friends and artists including Justin Sullivan (New Model Army), Mark Chadwick (Levellers), Maddy Prior (Steeleye Span), Simon Friend (Levellers), Seth Lakeman, John Jones (Oysterband), Dan Donnelly & Jon Sevink (Levellers), Nick Harper, Kathryn Roberts & Sean Lakeman, Nick Parker,

The fifth installment in the acclaimed Killed By Hardcore series dives deep into the global underground of early hardcore punk, collecting 35 raw and obscure tracks from 1981-1988. Featuring rare cuts from legendary and cult bands across North America, South America and Europe, Killed By Hardcore Vol. 5 captures the speed, aggression and DIY spirit that defined hardcore's formative years. From the chaotic attack of Confuse (Japan) and the pioneering hardcore of Olho Seco (Brazil) to forgotten gems from Belgium, Italy, Poland, Sweden, Yugoslavia, Norway and the USA, this volume shines a light on some of the most uncompromising records ever committed to vinyl.

2026 Repress

***
He strode towards a long drink.
Running in the gutter,
scanning patterns.
Skin staring, stirring unbelief.
Scarred metal faces
on the iron streets,
spitting blood.
***

Early support by: Luke Slater, Tommy Four Seven, Dave Clarke, Marcel Dettmann, Chris Liebing, Ben Klock, Oscar Mulero, Speedy J, Len Faki, Shifted, Psyk, Pfirter, Objekt, James Ruskin, Sigha, Myler, Stanislav Tolkachev, Rebekah, Par Grindvik, Max M, Gary Beck, Dave Tarrida, Kike Pravda, Samuli Kemppi, Happa, DVS1, Joseph Capriati, Juho Kusti, Cassegrain, Kwartz, Clouds, Pacou, Octave, Stranger, Ansome, Black Asteroid, Hector Oaks, DJ Hyperactive, Christian Wunsch, Endlec, Kriz, Paula Temple, Exium, AnD, Joe Farr, Martyn Hare, Eomac, Dimi Angelis, Norman Nodge, Xhin, Dax J, Wire, Drvg Cvltvre, Sawf, Jamie Bissmire, Paul Mac, Inigo Kennedy, D. Carbone, J. Tijn, CTRLS, The Noisemaker, Jeroen Search, Dustin Zahn, Svreca, Unbalance, Truncate, Jeff Derringer, Jonas Kopp, Developer, 3.14..

Nothing have always been rule-breakers. Shoegaze renegades who've rebuilt the stereotypically lightweight genre in their own bloodyknuckled American image. Outlaw poets spilling existential dread on mile-wide canvasses of fuzz and reverb. Beginning as a Philly-born bedroom solo project in 2010, Nothing's music has always captured the full scale of the human condition, both the blaring anger and the whispering sadness. a short history of decay, Nothing's fifth solo album and first for Run For Cover Records, widens that aperture even further, providing the most hi-def rendering of Nothing to date. The band have never sounded this colossal, never felt this intimate, never been this honest. With the strongest arsenal in Nothing's ever-shifting lineup locked in -- guitarist Doyle Martin (Cloakroom), bassist Bobb Bruno (Best Coast), drummer Zachary Jones (MSC, Manslaughter 777), and third guitarist Cam Smith (Ladder To God, also of Cloakroom) -- singer-songwriter Domenic "Nicky" Palermo knew he had the manpower to make the band's most ambitious record yet. Co-written and produced with Whirr guitarist Nicholas Bassett, and with additional production and mixing work from Sonny Diperri (DIIV, Julie), a short history of decay, is the most evolved musical statement in Nothing's catalog. Songs like "Cannibal World" and "Toothless Coal" are cataclysmic lashings of mechanized industrial-gaze that sound like My Bloody Valentine -- except more extreme. On the other end of the spectrum, the ornately morose "Purple Strings" boasts a beautiful string arrangement that includes harpist -- and two-time Nothing contributor -- Mary Lattimore. That baroque delicacy permeates other a short history of decay, highlights, particularly "The Rain Don't Care," a lilting ballad that channels the worn-down elegance of Mojave 3, and also "Nerve Scales," a pattering bop that resembles Radiohead in its marriage of otherworldly atmosphere and mortal precision. Palermo calls the new record "a final chapter." Not the end of Nothing, but the conclusion of a story that began with Nothing's 2014 debut, Guilty of Everything -- another album about time, regret, and confronting uncomfortable truths -- and now resolves with a short history of decay,. As much a snapshot of Palermo's past as it is a leap into Nothing's future.

Wormwood ist eine 2014 gegründete Metal-Band aus Stockholm, die für ihre unverwechselbare Verschmelzung von Extreme Metal, atmosphärischer Tiefe und filmischem Storytelling bekannt ist. Durch die Verbindung von unheimlichen Klanglandschaften, skandinavischer Melancholie, Folk-Elementen und roher Rock-Intensität hat sich die Band eine einzigartige Identität geschaffen, die beim Publikum weltweit großen Anklang findet.

Mit vier Alben in voller Länge, einer EP und einer Live-Veröffentlichung – sowie der kommenden EP „Å“ – hat Wormwood ein beeindruckendes und sich stetig weiterentwickelndes Repertoire aufgebaut. Die Band wurde zweimal bei den schwedischen P3 Gold Awards als „Bester Rock-/Metal-Act“ nominiert, erreichte hohe Platzierungen in den offiziellen schwedischen Charts und erntete breite Anerkennung von internationalen Rock- und Metal-Medien, einschließlich häufiger Platzierungen auf weltweiten „Album des Jahres“-Listen.
Wormwoods Ruf reicht weit über das Studio hinaus. Die Band ist ausgiebig in ganz Europa aufgetreten, hat bei großen Festivals gespielt und Clubtourneen als Headliner bestritten, während sie sich stetig eine treue internationale Fangemeinde aufgebaut hat – insbesondere in Deutschland, Frankreich, den Niederlanden, Großbritannien und den USA. Ihre starke digitale Präsenz und ihre filmischen, hochwertigen Musikvideos verstärken ihre globale Reichweite und visuelle Identität zusätzlich.
Abgemischt und gemastert vom renommierten Produzenten Sverker Widgren (Wing Studios, Stockholm), verbindet der Sound von Wormwood ausgefeiltes Songwriting und musikalisches Können auf höchstem Niveau mit einer rauen, authentischen Note. Angetrieben von kraftvollen Melodien, atmosphärischer Fülle und emotionaler Intensität, erweitert die Band weiterhin kreative Grenzen und behält dabei eine klare künstlerische Vision bei.

Wormwood zählt heute zu den faszinierendsten und zukunftsweisendsten Acts der schwedischen Metal-Szene und vereint Kritikerlob, internationales Wachstum und einen Sound, der sie von anderen abhebt.

Wormwood ist eine 2014 gegründete Metal-Band aus Stockholm, die für ihre unverwechselbare Verschmelzung von Extreme Metal, atmosphärischer Tiefe und filmischem Storytelling bekannt ist. Durch die Verbindung von unheimlichen Klanglandschaften, skandinavischer Melancholie, Folk-Elementen und roher Rock-Intensität hat sich die Band eine einzigartige Identität geschaffen, die beim Publikum weltweit großen Anklang findet.

Mit vier Alben in voller Länge, einer EP und einer Live-Veröffentlichung – sowie der kommenden EP „Å“ – hat Wormwood ein beeindruckendes und sich stetig weiterentwickelndes Repertoire aufgebaut. Die Band wurde zweimal bei den schwedischen P3 Gold Awards als „Bester Rock-/Metal-Act“ nominiert, erreichte hohe Platzierungen in den offiziellen schwedischen Charts und erntete breite Anerkennung von internationalen Rock- und Metal-Medien, einschließlich häufiger Platzierungen auf weltweiten „Album des Jahres“-Listen.
Wormwoods Ruf reicht weit über das Studio hinaus. Die Band ist ausgiebig in ganz Europa aufgetreten, hat bei großen Festivals gespielt und Clubtourneen als Headliner bestritten, während sie sich stetig eine treue internationale Fangemeinde aufgebaut hat – insbesondere in Deutschland, Frankreich, den Niederlanden, Großbritannien und den USA. Ihre starke digitale Präsenz und ihre filmischen, hochwertigen Musikvideos verstärken ihre globale Reichweite und visuelle Identität zusätzlich.
Abgemischt und gemastert vom renommierten Produzenten Sverker Widgren (Wing Studios, Stockholm), verbindet der Sound von Wormwood ausgefeiltes Songwriting und musikalisches Können auf höchstem Niveau mit einer rauen, authentischen Note. Angetrieben von kraftvollen Melodien, atmosphärischer Fülle und emotionaler Intensität, erweitert die Band weiterhin kreative Grenzen und behält dabei eine klare künstlerische Vision bei.

Wormwood zählt heute zu den faszinierendsten und zukunftsweisendsten Acts der schwedischen Metal-Szene und vereint Kritikerlob, internationales Wachstum und einen Sound, der sie von anderen abhebt.