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Seit Veröffentlichung einer ersten Single via Soundcloud in 2013 zählt sie in Großbritannien zu den meistbeachteten Newcomern: Holly "Låpsley" Fletcher. Ihre so eigenwillig wie traumwandlerisch arrangierte Musik zwischen Pop und schwebender Elektronik wird von den einschlägigen Gazetten sowie Radio-Stars wie BBC-DJ Zane Lowe über alle Maßen gelobt. Eine Berücksichtigung in der international renommierten "BBC Sound-Poll" ist da ganz folgerichtig. Mit ihrer ebenso verführerischen wie zerbrechlichen Stimme versteht es Låpsley auch live, restlos zu verzaubern - sei es auf der Glastonbury-"BBC Introducing"-Bühne, beim Reeperbahnfestival oder in Clubshows. Nach der 2015er-Single "Hurt Me", die sich in den deutschen Airplaycharts gut platzieren konnte, kommt pünktlich zum Jahresbeginn 2016 auch endlich ihr Debütalbum in die Läden. Produktionshilfe für "Long Way Home" leistete Rodaidh McDonald (Adele, The xx, Damon Albarn, Savages). Zwei Songs wurden mit Paul O'Duffy aufgenommen. Die erste Single-Auskopplung, "Love Is Blind", ist ein weiterer Fingerzeig dafür, dass Låpsleys Debüt eine neue Qualität an Tiefe und Wahrhaftigkeit in den elektronischen Pop einbringt.

Dawn of Chromatica ist eine Neuauflage von Lady Gagas sechstem Studioalbum Chromatica, welches von BloodPop produziert wurde. Mit einer Pop- und Hyperpop-Produktion enthält das Remix-Album Kollaborationen mit zahlreichen Künstlern wie Arca, Rina Sawayama, Pabllo Vittar, Charli XCX, Ashnikko, Shygirl, Dorian Electra und Bree Runway, während die Features von Ariana Grande, Blackpink und Elton John aus dem ursprünglichen Album beibehalten wurden.

Mit dem Album will Gaga ihre Liebe und Unterstützung
für jüngere Künstler zeigen. “I invite you to dance to this album in celebration of young artists all over the world. Artists who see
the world, feel the world, and put that feeling into something bigger than all of us: music.” - Lady Gaga

Mel Carters Debütalbum „When A Boy Falls In Love“, das ursprünglich 1963 auf Sam Cookes Label SAR Records/Derby erschien, ist ab 28. Mai wieder als LP erhältlich! Das von Sam Cooke und J.W. Alexander produzierte Album enthält von Cooke und Alexander geschrieben Songs sowie ”Why I Call Her Mine”, eine Eigenkomposition von Mel Carter, die 1963 als Single veröffentlicht
wurde. Mel Carter wurde von Cash Box als einer der 10 besten männlichen Newcomer-Sänger des Jahres 1963 bezeichnet und trat mit ”When A Boy Falls In Love” in zahlreichen Fernsehsendungen auf, darunter Dick Clark’s American Bandstand. Der Titelsong ”When a Boy Falls in Love” hielt sich 10 Wochen in den Pop-Charts. Der R&B-Kenner Bill Dahl hat nach einem Gespräch mit Carter die Liner Notes beigesteuert, die das ansonsten originalgetreu restaurierte Paket aufwerten. „When A Boy Falls In Love“ erscheint als 1LP.

More than one of Jack's many nicknames, Zagg is also a shout out to her
uncanny ability to select an unanticipated word or musical flourish, her
disarming poetic acumen, her ability to zoom in and out at lightning
speed and spin a phrase into a mantra, or the opposite of a mantra
Each song on this record is its own unique little world, keeping a listener
delightfully off-kilter throughout the entire affair.
Opening track 'FMK' operates likes a sonic thesis statement. For a quiet moment,
Jackie's confessing her recurring mother-in-law dreams and initiating a suddendeath round of Fuck Marry Kill. Then on a dime she somersaults into rocket-pop
posture, ready to cut loose and head to the movies with her best boogie- boy:
'Let's go to the movies and dance a little…you can share my Twizzler…Let's go to
the movies, you can dance at the movies!!!' The charging, industrial pop of 'Get
Out' is augmented with punching strings that are both lovely and foreboding. In
the lithe, Rickie Lee Jones-nodding 'Yesterday's Baby,' a giant foot-shaped cloud
looms in the mouth- shaped sky and Jackie gets microscopic — 'Why don't you
just let it burn out/Toss that glass of wine out/Stamp that Camel Light out/Shut
your mouth up shut up your mouth.' After a few more dances, deep diaphragmatic
breaths, and Blood on the Tracks winking ballads, knock-out marathon track 'Keep
Runner' gives it straight to some Wile E. Coyote tomfool who's out getting his butt
blown up again." The energy of the record, I think, comes from finding out Patti
Smith didn't make Horses until she was 29. Extremely influential Wiki experience.
Oh, and Adam Green, my all- time favorite songwriter and artist, painted me
looking like a doctrinal seer peering into a cartoon mirror for the cover.
Pressed on Transparent Yellow color vinyl.

If, among the Afro-Peruvian music groups that have emerged in recent years, there is one that has dared to take the sound to new dimensions, it is Perkutao. Heirs to the best Afro-Peruvian tradition, they have been able to integrate Afro-Cuban elements and various contemporary popular styles, which they play with amazing with speed and precision. "Mis ancestros", is their debut album for Buh Records. Perkutao is an Afro-Peruvian percussion ensemble founded in 2005, directed by Percy Chinchilla, musician, percussionist, zapateador and teacher of young generations of percussionists. "Mis Ancestros" (My ancestors) is their first record under the production of Manongo Mujica and is the fourth title of the collection "Perspectivas de la Música Afroperuana" (Perspectives on Afro-Peruvian Music). Chinchilla shares the artistic direction of Perkutao with William Nicasio 'Makarito', another outstanding percussionist. Both grew up in the famous Callejón del Buque, in the district of La Victoria, a spot preferred by bohemians and known by local music partying -jaranas criollas. Both were also formed in Perú Negro, an emblematic Afro-Peruvian ensemble, and both carry in their blood the cult of percussion and Afro tradition. Chinchilla comes from a family of Afro-Peruvian musicians including Caitro Soto and Ronaldo Campos. And Makarito is the son of Macario Nicasio and grandson of El Niño, legendary Cuban percussionist in charge of introducing congas and bongo to Afro-Peruvian rhythms. Perkutao arose precisely from the merging of these traditions, Afro-Peruvian, Afro-Cuban and Caribbean music, and have become one of the most sought-after percussion ensembles due to the intensity of their sound and their powerful performances that include stage movements and surprising acrobatic skills. In addition to Chinchilla and Makarito, the ensemble is completed by Edu Campos, Andree Liendo and Víctor Sánchez Pitín. "I follow in the footsteps of my ancestors, to the beat of the cajita, the quijada and the cajón, to the rhythm of a zamacueca, a festejo and a good landó". This is an excerpt of the lyrics of "Poema", the opening track of the album, the rhythmic base accompanies Chinchilla's voice and then increases in a crescendo that announces the paths to be explored by Perkutao. "Azañero Colorao", "Trucutum Kiti Pa" and "Cancha con Sabor", composed based on minor percussion (cajita, quijada), zapateo and cajón, respectively, are compositions that serve as an introduction, a tribute to the essential instruments of the Afro-Peruvian tradition. The last one in particular already defines Perkutao's style: a trepidant and orgiastic rhythm, hypnotic and hard hitting, Dionysian and cathartic. With "Madre Africa" and "Al Tayta Bukense", for djembes and congas, respectively, we find Perkutao retaking the Afro-Cuban heritage embedded to the Afro-Peruvian sounds, abakuá and festejo. "Lloraré", a version of a famous Cuban song, mirror the ensemble's fascination with Caribbean music (salsa is another genre cultivated by its members). "Mis ancestros" is an album about a tradition, but it is also a renewal. Perkutao opens a new direction for Afro-Peruvian music, its sound is an evocation and the here and now, it is deep-rooted but freely flowing percussion. Perkutao are Percy Chinchilla, William Nicasio "Makarito", Edu Campos, Andree Liendo y Víctor Sánchez Pitín. Produced by Manongo Mujica y Daniel Mujica. Recorded and mixed by Juan José Salazar at La Encía del Leopardo Estudio, Chorrillos, Lima, Perú. Mastered by Mario Breuer en Sensei Mastering, Córdoba, Argentina. Cover and Design by Yerko Zlatar.

Reshape contains musical interpretations by Alva Noto, ASC, bvdub, Warmth, Markus Guentner, Simone Giudice, zakè and Glos. the works are related to original pieces from Joachim Spieth's past creative phase and thus form a musical conclusion to the 15th label anniversary of Affin.

Although Los Hermanos Ballumbrosio are one of the most emblematic groups of Afro-Peruvian music, no single recording has been able to portray the essence of the group... Until now. "Homenaje a El Carmen" ("Homage to El Carmen"), their debut album for Buh Records, sets the record straight: it captures the true spirit of the musical tradition of El Carmen, a city located a few miles to the south of Lima that is home to the largest black community in Peru. Songs based on percussion and zapateo bring back the memories and experiences of a culture that has produced one of the greatest treasures of Peruvian music. "Homage to El Carmen", the third volume of the series "Perspectives on Afro-Peruvian Music", signals the return of the group to the recording studio, and also to the sources of rhythms such as festejo and panalivio, which they interpret with cajón, quijada (jawbone), congas, bongo and batá. The result is a distillation and a testimony of the memories and experiences that portray the cultural universe of El Carmen. We have access to a selection of traditional songs that are heard during the festivities, such as "Guanchivalito", which is played during the Yunza Negra, a ceremony in which a willow tree is cut to bring benefits to the community. "Panalivio " and "Serrana Vieja" are two traditional Christmas carols that are played in the "Hatajo de Negritos" and which reflect the syncretic character of the Afro-Peruvian culture. These songs speak of the difficulties of rural life, but they also serve as a vehicle to demonstrate the Ballumbrosio brother's mastery in the art of zapateo, a dance that is accompanied by violin and bells. The classic "La Esquina de El Carmen" is perhaps the song that best expresses the erotic character of festejo, also known as baile de cintura (waist dance). "Homage to El Carmen" is the highly anticipated return of the Ballumbrosio brothers to the recording studio. They have become indisputable references of Afro-Peruvian music and have displayed their sound and dances around the world. It was time for an album that portrays the essence of the group: a collective spirit, where the tutelary image of Amador Ballumbrosio always shines, and which traces a history from Africa to El Carmen. This album is published in vinyl format in a limited edition of 300 copies. Include 8 full-page booklet with liner notes in Spanish and English. Produced by Manongo Mujica and Daniel Mujica. Cover by Yerko Zlatar.

Padang Moonrise is the story of modern Indonesian music
that emerged underneath the volcanoes of Java and
Sumatra. Java, the most populous island in the archipelago
of over 17,000 islands and 1300 distinct ethnic groups, and
its capital city Jakarta, was where most of the post-colonial
national identity, politics, administration and music production
was centred.
Traditional songs from Java, Sumatra, Bali and beyond were
re-imagined by a small group of state-sponsored musicians
that also composed and arranged new music. These songs
aimed at consolidating a geographically disparate country
with a new language and new ideas of national character.
This compilation brings together a handful of these recordings
that combine elements of regional popular music, Islamic
Gambus, Javanese & Balinese Gamelan and Kroncong, with
jazz, Afro-Latin music & instrumentation, and vocal harmonies
influenced by banned American doo-wop and rock & roll.
The results are a unique blend of styles that have remained
mostly insulated from the world outside of Indonesia until a
recent worldwide resurgence in the interest of recorded music
of all forms has shone a new light on these nearly forgotten
recordings.
27 tracks compiled by Miles Cleret, on double vinyl with bonus
7”, housed in gatefold sleeve with extended liner notes.

Fleeting Symphony is the extraordinary concert dedicated to the Final Fantasy X music, composed by Nobuo Uematsu, Masashi Hamauzu and Junya Nakano, performed by the prestigious WDR orchestra of Cologne in 2016, now in vinyl edition!

Discover the extraordinary Fleeting Symphony, concert dedicated to the Final Fantasy X music, performed by one of the most prestigious symphony orchestras in the world, the magnificent WDR Funkhausorchester from Cologne in Germany.

Acclaimed Brooklyn artist Bird Streets has returned with Lagoon, an album about separation, rumination, regret, and recurrence. For his second album under the Bird Streets name, John Brodeur has widely expanded on the project’s collaborative foundation, enlisting production b Patrick Sansone (Wilco), Michael Lockwood (Aimee Mann, Fiona Apple), and Zach Jones (Sting) and Oscar Albis Rodriguez (A Great Big World), plus guest appearances from the likes of Aimee Mann, Ed Harcourt, John Davis (Superdrag), Jody Stephens (Big Star), and an array of top-shelf session players. With mixing split between Sansone and Grammy winner Michael Brauer (Coldplay, John Mayer), and mastering by Grammy nominee Pete Lyman (Brandi Carlile, Chris Stapleton), Lagoon is an enormous step forward from an artist who has been hailed or his evocative storytelling and keen attention to craft. Producer and multi-instrumentalist Patrick Sansone helmed sessions in Nashville (“Burnout”, “Leave No Trace”, the bossa-flavored “The Document”) and later in Memphis, where he and Brodeur were joined by John Davis on guitar and Jody Stephens on drums, forming a power-pop fantasy band of sorts. (“Machine”, “Go Free”, and wistful “SF 1993” come from the Memphis dates.) Back in Brooklyn, Brodeur cut several tracks with the production team of Zach Jones and Oscar Albis Rodriguez, including “Ambulance,” the catchy AM Gold of “Let You Down,” and the Last Waltz-styled soul-rock of “Disappearing Act.” When the pandemic threw a wrench in the works, Brodeur turned to Los Angeles-based producer Michael Lockwood to remotely helm Lagoon’s final stretch. Track listing: Sleeper Agent; Machine; Burnout; The Document; Let You Down; Leave No Trace; SF 1993; Ambulance; Disappearing Act; On Fire; Unkind; Go Free

I Prevail haben sich als die Vorreiter ihres Genres etabliert. Das neue Album, das erneut von Tyler Smyth produziert wurde, bietet die Art von stadiontauglichen Riffs, die einem die Zähne aus dem Zahnfleisch
klappern lassen, und unvergessliche, äußerst eingängige Melodien, die sich wochenlang im Kopf festsetzen.

Außerdem mischt die Band abwechselnd geschriene Vocals, die klingen, als wären sie aus den Tiefen der Hölle gekrochen, mit hochfliegenden, gefühlvollen Vocals und zu Herzen gehenden, intimen Texten, die so tief gehen, dass sie das Mark treffen. Das Endergebnis ist ein Album, das den Hörer auf sehr persönliche Weise berührt.

I Prevail haben sich als die Vorreiter ihres Genres etabliert. Das neue Album, das erneut von Tyler Smyth produziert wurde, bietet die Art von stadiontauglichen Riffs, die einem die Zähne aus dem Zahnfleisch
klappern lassen, und unvergessliche, äußerst eingängige Melodien, die sich wochenlang im Kopf festsetzen.

Außerdem mischt die Band abwechselnd geschriene Vocals, die klingen, als wären sie aus den Tiefen der Hölle gekrochen, mit hochfliegenden, gefühlvollen Vocals und zu Herzen gehenden, intimen Texten, die so tief gehen, dass sie das Mark treffen. Das Endergebnis ist ein Album, das den Hörer auf sehr persönliche Weise berührt.

Mit dreißig Jahren aktiven, schändlichen Dienstes unter ihren Gürteln sind NECROPHOBIC unbestrittene Legenden des Death- und Black-Metal-Undergrounds. Die 1989 von Schlagzeuger Joakim Sterner gegründete Band aus Stockholm vertrat von Anfang an eine einzigartige und furchtlose Vision und bestätigte ihr Können 1993 mit dem mittlerweile legendären Debütalbum The Nocturnal Silence. Indem sie den selbstbewussten Dilettantismus und die primitiven Klänge, die viele ihrer Kollegen schätzten, hinter sich ließen, schufen NECROPHOBIC eine kühne und lebendige eigene Identität und zauberten eine dicht melodische, aber unendlich verruchte Version von makabrem Extrem-Metal hervor, die seitdem von unzähligen weniger bekannten Bands nachgeahmt wurde. Mit 'Womb of Lilithu' veröffentlichen NECROPHOBIC ihr siebtes Album, das ursprünglich 2013 veröffentlicht wurde, neu. Die schwedischen Black-Death-Metal-Legenden legen dieses Album als letzte von insgesamt neun Wiederveröffentlichungen neu auf. Neben der ursprünglichen Albumversion aus dem Jahr 2013 enthält diese Wiederveröffentlichung zwei Live-Tracks als Bonus auf der D-Seite, die bisher noch nie veröffentlicht wurden. NECROPHOBIC zeigen sich auf 'Womb of Lilithu' von verschiedenen musikalischen Seiten und führen den Hörer durch ein tiefschwarzes Beschwörungsritual, begleitet von einer ausgewogenen Mischung aus Rohheit & Transparenz auch in Bezug auf die Produktion. 'Womb of Lilithu' ist wieder einmal ein wunderbares Werk schwarzer Death-Metal-Klangkunst aus Schweden. Wie schon die früheren Wiederveröffentlichungen 'Hrimthursum', 'Death To All' und 'Satanic Blasphemies' in diesem Jahr, wurde auch 'Womb Of Lilithu' von Dan Swanö im Unisound Studio remastered. Das Album wird erhältlich sein als Ltd. CD Jewelcase im Slipcase, Gatefold 180g Doppel-LP in schwarz mit 2-seitigem Einleger und einem doppelseitigen Poster im A2-Format sowie als Digitales Album.

Sonido Verde De Moyobamba feature on the second volume of Analog Africa's Sonic Expedition into the Peruvian Amazon, as well as being behind this brilliant new collection which drops on the same day from the same label. It is a coming together of eight super-rare cuts of guitar and organ inventiveness taken from the five albums the band recorded between 1981 and 1987 for Discos Universal. You would beard pushed to find any Cumbia from the Peruvian jungle that hits as hard as this with its incessant rhythms, mad acoustic guitars and bustling percussion.

The fight continues in Wood Oak City. After the events of Streets of Rage 4, our heroes wanted to prepare themselves for future threats. Axel, Blaze and their mates will start a very special deranged training with the help of Dr. Zan, who built an AI program from the remnants of Mister X’s brain that simulates every kind of danger they could be facing.

The "Mr. X Nightmare" soundtrack was composed by acclaimed video game musician Tee Lopes. The vinyl soundtrack includes a 12inch record with 12 riveting tracks, a download code for digital tracks, and an insert with artwork and liner notes by Lopes.

Walter Wegmüller (1937 - 2020) war ein schweizerisch-jenischer Künstler und wuchs unter schwierigen Verhältnissen in Bern auf. Nach Ausbildungen in Basel, Bern, Paris und London begann er seine künstlerische Karriere. Neben der Malerei und plastischen Arbeiten beschäftigte sich Walter Wegmüller mit dem ganzen Spektrum der Kunst. Er erlangte vor allem ab 1974 mit der Publikation seines "Zigeuner-Tarot" international breite Beachtung. Er war auf zahllosen Ausstellungen in Europa und Übersee erfolgreich und wurde immer wieder mit Preisen und Auszeichnungen bedacht. Er vergaß dabei aber niemals seine Herkunft als Verdingkind und "Rom-Kind aus dem Stamm der Kalderasch". Im Jahr 1973 veröffentlichte er mit einer all-star-Band das Album Tarot. In der Band spielen erfolgreiche Musiker wie Klaus Schulze, Manuel Göttsching, Harald Grosskopf, Dieter Dierks, Hartmut Enke, Jürgen Dollase, Walter Westrupp Es blieb der einzige Ausflug von Walter Wegmüller in die Welt der Musik. Das Album wurde als Vinyl zuletzt im Jahre 1976 veröffentlicht. Als CD im Jahr 2000. Es liegt jetzt erstmalig remastert vor. Bei Sammlern besonders begehrt ist eine deLuxe Box, die neben 2 Vinylscheiben diverse Karten der Künstler sowie erklärende Texte zu dem TAROT Bezug darstellt und Reprints der Tarot Karten von Walter Wegmüller enthält. Diese Box wovon nur 1.000 Exemplare hergestellt wurden erzielt heute Preise von bis zu 800 Euro und mehr. Und selbst die CD-Ausgabe von 2000 ist unter 80 Euro nur schwer zu bekommen. Die originalen, analogen Masterbänder wurden mit höherer Auflösung überspielt und mit großer Sorgfalt remastert.

1971 entstand unter der Leitung von Jürgen Dollase, der auch alle Titel komponierte, dieses Album, welches 1972 veröffentlicht wurde. Aufgenommen wurde in den Dierks Studios durch Dieter Dierks selbst. Dollase und der Schlagzeuger Harald Grosskopf waren später auch Mitglieder der legendären Cosmic Jokers. Das Debütalbum wurde von treuen Krautrock Fans eher im Bereich des Progressiv Rock verortet, womit sie dem Album nicht wirklich gerecht wurden. Opulente langatmige Werke wie Lunetic mit einer Spieldauer von 12 Minuten zählen heute zu den Highlights dessen was unter Krautrock zusammengefasst wird. Von den originalen analog Bändern transferiert und sorgfältig remastert, ohne den Charakter der Aufnahmen zu zerstören. Absolut hörenswert! ENG In 1971, under the direction of Jürgen Dollase, who also composed all the tracks, this album was recorded and finally released in 1972. It was recorded at Dierks Studios by Dieter Dierks himself. Dollase and drummer Harald Grosskopf were later also members of the legendary Cosmic Jokers. Loyal Krautrock fans labelled this album as Progressive Rock - but that doesn't really do justice. Opulent, lengthy works like Lunetic with a playing time of 12 minutes are today among the highlights of what is summarized as Krautrock. Transferred from the original analog tapes and carefully remastered without destroying the character of the recordings. Absolutely worth listening to!

As the first item in its catalog and on the occasion of the fortieth anniversary of the release of the album Hagda by Raïna Raï, the legendary band from Sidi Bel Abbès (Algeria), Elmir Records is happy to present the vinyl reissue of this multi-faceted pop-raï masterpiece. This mythical album recorded and self-produced in 1982, which cover of Ya Zina became an international hit, still sounds very modern thanks to the avant-garde guitar of Lotfi Attar. These eight electrified and electrifying raï tracks are ready to be (re)discovered! This new edition was remastered by Josh Stevenson in Canada and enriched with notes in French and English by the specialist Rabah Mezouane.

A new entity has made musical contact with Shipwrec. Alpha Vistor. The newly minted moniker of musician and sound designer Ivan Zapico, this four tracker debut is steeped in the traditions of electro. In the ghostly "Ciudad Fantasma" threats lurk in the murky shadows of basslines and beats, an unsettling atmosphere of menace penetrating speakers from the outset. Clinical percussion and an overarching unease introduce "20202020." Dark undercurrents of melody brood below shimmering glass chords in this foreboding work. The flip comes to life with "Malos Tiempos para la Guerra," an ominous prescience coming to bear in the track title. A hi-hat haze is broken by sweetened strings, a kick drum maintaining the intensity. When a snare arrives, it is accompanied by greasy acid basslines; brightness countered with shadow. The final encounter comes with "Templo de Cova." A soaked beat surfaces amid stabbing sythlines and twilight tones that break to triumphal highs, a reflective culmination to this ruminative record.

Green Splatter Vinyl

Attention… There has been a sighting of an unidentified spinning object in the area. It’s splattered green and black, waxy, 12 inch in diameter and contains two extremely dangerous peak time recordings that have been causing destruction on dancefloors the world over. Proceed with caution, as these are two super slick takes on tracks you may or may not have heard before, you’re mind is at risk of reaching pure euphoria.


DJ Support: Marco Carola, Sepp, Arapu, Nu Zao, Bodeler, Ben Sterling, Archie Hamilton, Rossi.

(GF Col. LP + DL
Formed in 1980 by guitar prodigy Leonardo Vela Rodriguez, Sonido Verde de Moyobamba created some of the hardest, craziest Cumbia to emerge from the Peruvian jungle. With distorted, surf-addled guitar facing off against lysergic organ and hyperactive tropical rhythms, Sonido Verde conjured the organic sound of the dense forests surrounding their hometown while riding their dance-party grooves to dizzying psychedelic peaks.

Compiled by Analog Africa, Sonido Verde de Moyobamba presents eight ultra-rare tracks of guitar and organ madness drawn from the band’s five albums recorded for Discos Universal between 1981 and 1987. Pressed on Sun Yellow colored vinyl, housed in a screen-printed jacket and strictly limited to 2000 copies, Sonido Verde is a definitive trip into the heart of the jungle.

Limited Edition 180g LP - Comes with a Silk-Screen printed cover and a Sun Yellow colored vinyl
Download for LP from Bandcamp also includes unlimited streaming of *Sonido Verde de Moyobamba* via the free Bandcamp app along with high-quality download in MP3, FLAC and more Analog

NOTHING MORE kehren mit ihrem langerwarteten siebten Studioalbum SPIRITS zurück, das am 14. Oktober erscheinen wird. SPIRITS enthält 13 Songs, die musikalisch zu den bis dato fokussiertesten, abenteuerlichsten und intensivsten Werken der Band zählen, wobei introspektive, philosophische Texte mit ungeschminkten, wuchtigen Hymnen vereint werden. Hierzu zählen die bereits erschienenen Auskopplungen "TURN IT UP LIKE", sowie die neue Single "TIRED OF WINNING", die sich aktuell in den Top 10 der Billboard Active Rock Charts befindet. Seit ihrem Debüt im Jahr 2003 haben NOTHING MORE mit den beiden #1-Singles "This is the Time (Ballast)" und "Go To War" Rock-Radio-Chartgeschichte geschrieben und haben mittlerweile bereits sieben Active Rock Radio Top-10-Singles in ihrem Repertoire. "SPIRITS" ist ein weiterer Beweis für ihre Kompetenz im Rock-Genre und darüber hinaus. Es dokumentiert die stürmische Zeit, die die Welt in den letzten zwei Jahren erlebt hat und fängt Themen wie Verzweiflung durch Isolation, die Spirale von Drogenmissbrauch, den Schmerz zerbrochener Beziehungen und das Überleben in der Selbstständigkeit ein, während es die Mission von NOTHING MORE zusammenfasst: Reflektieren, Provozieren, Inspirieren.

An ode to Nature or the nostalgia of a fantasized city, it’s the character of Zaka, the Voodoo Loa (spirit), who gives its protection to this collection inspired by the wonderfully free world of Library Music.

This second volume shows Blundetto’s passion for nature and the mystic of the eco-systems. You’ll hear the realm of a studio placed in the center of a French forest, the chicken ballroom, the daily walks at the rhythm of seasonal transformations of oaks and chestnut trees, the summer wind in the jungle of the vegetable garden responding to vintage keyboards, folk guitars and the silky sound of Mellotron.

Afro-Finnish band Maajo return with their third album, "Water of Life," a fluid celebration of various influences. Supported by two preceding singles, "Better Days" and "Unelmissani," the album is the group's first release with the Brooklyn, NY-based tastemaker label Wonderwheel Recordings. Maajo's signature Afro-Balearic sound meets late eighties new age and fusion, with touches of modern soul. The addition of two band members, Waina and Gilbert K, as well as featuring artists Issiaka Dembele and Ismaila Sané, has rooted the album's stories in a diverse range of backgrounds, featuring vocals in no less than six different languages.

Gilbert K's drum grooves pay tribute to the late Tony Allen's legendary heritage and the percussion experiments on a more melodic and atmospheric tip. Cold synth pads and 303 squeaks blend with warm guitars, fretless bass, and Issiaka Dembele's sublime kora harps and balafon mallets. "Water of Life" shows a band at its maturation point, reaching the cross-cultural coalescence of Finnish-African sound that's ready for the dancefloor or home-listening.

The three vocalists take centre-stage on the album: Waina hails from Zambia and sings in Nyanja, English and Finnish; a renowned musician in Zambia for over two decades who now calls Finland home, Waina wrote a song that reached the finals of the 2020 Afrimusic contest. Gilbert K primarily sings in his native Mauritian Creole while comprising part of the percussion line. He made his way to Finland by way of South Africa and China, eventually winning the Voice of Finland show. Gilbert K has played with such legends as Tony Allen, Andy Summers, Diana King, and Suzanne Vega. Ismaila Sané is from the Casamance region of Southern Senegal and sings in Wolof (a widely-spoken language in West Africa) on "Ndekete," and in Jola (a smaller language in Casamance) on "Èwàn".

Maajo is a sonic, linguistic, and cultural melting pot that has come together in Tampere, Finland, like a tropical breeze from the cold north. Their musical explorations lead from equatorial soundscapes to the woods and moods of their native Scandinavia. African influences, electronic beats and organic rhythms, ethereality and the sounds of nature all make up the patchwork sound of Maajo.

Not only is Maajo's music a way of travelling to faraway places, the songs themselves have travelled all over the globe. Maajo has evolved from a sample-based electronic music project to a full-sized band, including African vocalists and musicians. The group has put out two full-length albums and three EP's on Queen Nanny records, in addition to a release on German label Permanent Vacation. Maajo has received the remix treatment from artists such as Luke Vibert and Call Super, and has toured festivals and clubs internationally. The band has built a dedicated international following having been championed by the likes of Gilles Peterson (Worldwide FM), Tom Ravenscroft (BBC Radio 6), and Tim Sweeney (Beats In Space), while they've been featured by KEXP (Song of the Day), Resident Advisor, Ransom Note, and Pan-African Music.

"Water of Life" is out on Wonderwheel Recordings October 14th, 2022, both digitally and as an exclusive, limited-run 2xLP.




d 04: Better Days (Kumba) feat. Waina & Gilbert K

'A Dry Scary Blue' ist das Debütalbum des in Austin lebenden, fast 60-jährigen Mathematikprofessors und Troubadours Sean Keel, eine Sammlung rauer, stark evokativer, emotional komplexer Songs in der Tradition von Townes van Zandt, entstanden in Zusammenarbeit mit dem Alt-Country-Produzenten Gabriel Rhodes (Willie Nelson, Waylon Jennings, Emmylou Harris). 'A Dry Scary Blue' stellt einen unverwechselbaren, sehr individuellen Außenseiter vor, dessen raue, beschwörende Kompositionen sich auf eine lange und ehrwürdige Tradition ikonoklastischer texanischer Songwriter berufen. Dazu passen die sparsamen, kantigen Arrangements, die seine kraftvollen Texte untermalen.

Wie ein Schneesturm unter einer Glaskugel Im Herbst 2003 erschien bei dem amerikanischen Indie-Label File 13 Records Martin Revs mittlerweile sechstes Soloalbum. Nachdem Rev bereits 2002 zusammen mit seinem musikalischen Partner Alan Vega und ihrem gemeinsamen Projekt Suicide mit dem Album "American Supreme" neue Wege beschritten hatte, setze sich diese Neuausrichtung auch in seinen Soloarbeiten fort. Klang das 2000er Werk "Strangeworld" noch wie ein aus der Zeit herausgelöstes, abstraktes Komposite aller musikalischen Einflusswelten Martin Revs, scheinen auf dem drei Jahre später veröffentlichten Album "To Live" auch kontemporäre Einflüsse hörbar zu werden. So kommen hier erstmals Gitarren-Samples zum Einsatz. "Der Sound von "To Live" war eigentlich einer, den ich schon seit ein paar Jahren live auf der Bühne benutzte. Die Inspiration kam nicht aus den 2000er Jahren, sondern wahrscheinlich aus einer viel früheren Zeit, obwohl ich nicht genau sagen könnte, woher. Es hängt auch mit der Rhythmus-Technologie zusammen, die ich verwendet habe." erinnert sich Rev. Die Anmutung dieses Sequence-gesteuerten und für die späten 1990er Jahre so typischen Industrial-Rocks scheint - zumindest für ein Rev-Album - ungewohnt und so fielen die Kritiken beim Erscheinen der Platte 2003 zunächst sehr gemischt aus. Wie bereits Anfang der 1970er Jahre als Suicide für ihren neuartigen Sound gleichermaßen gehasst und gefeiert wurden, polarisierte Rev mit seiner Musik auch 30 Jahre später noch immer. Doch auch wenn jene Tracks auf "To Live" weniger von Synthesizer-Drones und minimalistischen Keyboardfiguren geprägt sind als die vorherigen Platten, so sind dennoch alle Stücke des Albums getrieben von jener eigentümliche Formsprache, die Martin Revs Sound so prägnant und unverkennbar macht. Verhallte, sich überlagernden RhythmusSchleifen durchzogen von Revs sporadisch einsetzendem, zärtlich wie bedrohlichem Sprechgesang wachsen zu einem heftigen Schneesturm unter einer Glaskugel an, in dem verchromtes Glitzer und goldenes Konfetti wie wild durcheinander gewirbelt werden. Besonders beeindruckend ist dies auf dem Track "Gutter Rock" gelungen, das wie ein übersteuertes, hypnotisch betörendes Stück Lounge-Exotika anmutet. Und es ist speziell dieser Sound der Gegenpole zwischen harten Drummachine- und Gitarrensalven und dem Ungreifbaren von Revs Stimme, in dem mitunter auch jene Stimmung und Verunsicherung zu Beginn des neuen Jahrtausends zu hören ist, die insbesondere in eine Stadt wie Revs Heimat New York beherrschte, die erst zwei Jahre zuvor von den Ereignissen des 11. Septembers 2001 erschüttert wurde. So ist "To Live" ein widerspruchsvolles und schwer zu verdauendes Werk, das als vor allem als Kind seiner Zeit und Transition innerhalb Martins Revs Gesamtwerk einen ganz besonderen Platz einnimmt.

Mit dreißig Jahren aktiven, schändlichen Dienstes unter ihren Gürteln sind NECROPHOBIC unbestrittene Legenden des Death- und Black-Metal-Undergrounds. Die 1989 von Schlagzeuger Joakim Sterner gegründete Band aus Stockholm vertrat von Anfang an eine einzigartige und furchtlose Vision und bestätigte ihr Können 1993 mit dem mittlerweile legendären Debütalbum The Nocturnal Silence. Indem sie den selbstbewussten Dilettantismus und die primitiven Klänge, die viele ihrer Kollegen schätzten, hinter sich ließen, schufen NECROPHOBIC eine kühne und lebendige eigene Identität und zauberten eine dicht melodische, aber unendlich verruchte Version von makabrem Extrem-Metal hervor, die seitdem von unzähligen weniger bekannten Bands nachgeahmt worden ist. Mit ´Bloodhymns´ veröffentlichen NECROPHOBIC ihr viertes Album, das ursprünglich 2002 veröffentlicht wurde. Die schwedischen Black-Death-Metal-Legenden legen dieses Album als eine von insgesamt neun Wiederveröffentlichungen neu auf. Wie bei den bisherigen Wiederveröffentlichungen der Klassiker von NECROPHOBIC ist auch diese ein Muss für jeden Black & Death Metal-Maniac! Eine gut produzierte schwedische Mischung aus Death Metal mit Black Metal-Zutaten, die zu einem dunklen und kalten Wahnsinn führt. Wie schon die früheren Veröffentlichungen ´Hrimthursum´, ´Death To All´ und ´Satanic Blasphemies´ in diesem Jahr, wurde auch ´Bloodhymns´ von Dan Swanö im Unisound Studio remastered.

First-time reissue of Aroma Di Amore's 2nd album, originally released in 1986.

Aroma Di Amore is/was Belgian’s premier cult band. Since the early eighties ADA innovatively combined electronics with rock. With a mix of razor-sharp Flemish lyrics and unconventional song structures the group earned a cult status in Belgium and abroad. 40 years later they conclude their career with a few last concerts and a vinyl box set spanning the years 1983-1987.

At the notorious Rock Rally of 1982 Aroma Di Amore stands out with their wonderful handling of the Flemish language, a deep bass, typical cold new wave drums, biting guitar riffs with the occasional flavor of absolute madness. Frontman Jos Verlooy adopts the stage name Elvis Peeters. The explanation for this remarkable pseudonym choice: in 1977 – the period of the singer's musical awakening – one of the two famous rocking Elvises (not Costello, but Presley) succumbs to his pill addiction. So, dixit Verlooy, there is an Elvis vacant. A banal surname belongs next to that exotic first name. A combination that breathes rock 'n' roll, according to the singer.

His companion Gerry Vergult – who very much determines the sound with his metallic riffs, somewhat indebted to Jean-Marie Aerts – adopts the stage name Fred Angst. Completely in line with the depressing zeitgeist of the 1980s. Gerry eats and breathes music. Besides composing most of ADA’s songs, he records & self-produces a few fantastic dark en loner solo minimal wave tracks as Fred Angst. He is still musically active, more towards the electronic leftfield nowadays under the moniker Zool.

It is clear from an early age that companion Elvis Peeters possesses the gift of the word. As an adolescent he published the punkzine “Dus”. The punk spirit stimulates Peeters. He begins to transform the poetry that he has been entrusting to paper for some time into song lyrics. It is on a whim and without any stage experience that punk friends Peeters and Angst register for the Rock Rally as Aroma di Amore. On a bed of post-punk and cold wave (Joy Division, Wire and Sisters of Mercy are the main influences), they initially let out playful, minimalist and nonsensical slogans such as "Doe De Mafia" (1982) and "Gorilla Dans De Samba" (1983). Later on, the tone becomes more serious, although Peeters' choice of words continues to show a penchant for absurdism and sarcasm. No one in Dutch songwriting imitates this verbal elasticity, certainly at that time.

The numerous songs about war are downright horrifying. In the 1980s, an arms race is underway. When the Belgian government decides to install nuclear missiles in 1981, Aroma di Amore asks for one minute of silence in the hall during performances. In "Lauwe Oorlog" (1983), Peeters exposes the core of his unrest: “paraat voor de parade / de vrede wordt begraven / met militaire eer”. To this day, the frontman of AdA still proudly wears his at least 30 year old 'atomic energy, no thanks!' button.

In 1984 Aroma releases Koude Oorlog on the new and independent Brussels label Play It Again Sam. The traditional press and radio ignore the record, but in the alternative circuits the mini-album does not go unnoticed, and the group starts to build a solid fan base, resulting in more and more offers for gigs. There's also interest in the Netherlands, and due to the international contacts of PIAS, the record also ends up in France, Switzerland, Spain and Canada.

Encouraged by this modest success, the group returns to the studio for a 12" single. With new group member Frits De Cauter on sax, they record "Voor De Dood". To this day, Voor De Dood remains the most popular AdA song, as evidenced by the countless compilations on which the song has appeared.

AdA goes to the Netherlands to record their next album “De Sfeer Van Grote Dagen”. The people from Nasmak have built a new studio in Eindhoven and one of the members, Theo Van Eenbergen (later Henry Rollins), will be the producer. “De Sfeer Van Grote Dagen” is the group's most adventurous album, and the reviews are again unanimously favorable. However, sales are disappointing and PIAS proposes to recruit Chris Reed of Red Lorry Yellow Lorry and record a new single with him. "Zonder Omzien" is recorded at the prestigious Pyramid Studio. However, PIAS is waiting to release the album and in the meantime AdA is recording a number of extra tracks with producer Ludo Camberlin, including "Koekoek In De Stad". Towards the end of the year, Lo and Elvis travel to Africa for a few months and as a result the group comes to a standstill. In this period, Zonder Omzien is released.

At the beginning of 1986, Peeters and Meulen return, and Andrea Smits leaves the group. Luc Pillards is hired as a replacement, and when Ludo Camberlin presents himself as a new label boss and producer (Anything But Records), they start recording their first full album for the label. “Harde Feiten" kicks in immediately, and the group is back up to cruising speed. In the first week of release, the record even appears in the bestseller list of the record stores.

At the beginning of 1987 the recordings for the second album start, this time in a production by Peeters and Angst themselves. Shortly after the shooting, AdA goes to Switzerland for a short but successful tour, with Men 2nd and Cas & Organized Crime as support act. "Koudvuur" is published in the autumn and considered to be their strongest record so far by the group, the reactions are rather low. Both the reviews in the press and the sales are disappointing and put a damper on the joy. Nevertheless, the group is invited to perform in Valencia, Spain, where they have an unexpected success.

MUTANT SOUNDS BLOG

Aroma Di Amore have always been outsiders, even within the confinement of the alternative rock circuit. Their peculiar blend of raw guitars, electronics, Dutch lyrics and unconventional song structures was too hybrid for many. Those howewer who, without prejudice, would lend an ear to the band's music, discovered an energetic, authentic and uncompromising collective that stood above all trends. While so many Belgian "connaisseurs" had their doubts about the possibilities of international recognition for a band singing in Dutch, Aroma Di Amore toured France, Switzerland and Spain; their records figured in alternative charts from Poland to Canada.

From beginning to end the nucleus of Aroma Di Amore consisted of Elvis PEETERS, who in a inimitable, possessed way delivered his highly original lyrics, and Fred ANGST, guitarist mastering the heaviest riffs as well as refined tapestries of sound. Furthermore, the line-up varied throughout the band's carreer with:- H.K. (Guitarist from 1982 until 1983)- Andrea SMITS (Organ from 1982 until 1985)- Luc PILLARDS (Synthsizer in 1986)- Jan WANDELAAR (Guitar and synthesizer in 1986)- Pulcherie (Saxophone in 1983)- Wout DOCKX (Bass from 1987 until 1988)and especially- Lo MEULEN (Bass from 1983 until 1987)and the late Frits DE CAUTER (Saxophone from 1984 until 1986)contributing to the music.

Music by Georgiy Potopalskiy aka Ujif_notfound. Written in Kyiv, Ukraine during May-June 2022.

Additional samples from Ukrainian movie "Shadows Of The Forgotten Ancestors" in tracks "Trembeat" and "Pieta"
Mastering & production by Dmytro Fedorenko
Artworks by Liosha Say
Design by Zavoloka

Das neue Album "nichts" der Aachener Post-Hardcore Band FJORT ist ein 50-minütiges Erlebnis. "nichts" gewinnt dem dichten Sound der Band, der fließend zwischen allen Spielarten von Hardcore und Postrock wandelt, zahlreiche neue Facetten ab. Die Täler sind tiefer denn je, in den Höhen ist kaum Luft zu atmen. Die Atmosphäre fühlt sich nahezu greifbar an. Lyrisch gaben sich FJORT seit jeher kryptisch und bleiben dieser Linie treu werden auf "nichts" jedoch auch konkret wie selten zuvor. Vielleicht, weil Zeiten wie diese mehr denn je nach Schonungslosigkeit lechtzen. Vielleicht auch, weil eine Art Galgenhumor seinen Weg auf das Album gefunden hat, der mit dem absoluten Ernst gekonnt bricht. Abwechslungsreicher und schlichtweg größer klang diese Band noch nie.

Re-release Gegründet 1970 von Dieter Moebius und Hans-Joachim Roedelius zählen Cluster zu den einflussreichsten Bands der experimentellen Elektronik- und Ambientmusik in Deutschland. "Cluster 71" war das Debütalbum des Duos und zählt laut dem Musikmagazin "The Wire" zu den "One Hundred Records That Set The World On Fire". "Cluster 71" ist ein Monster: Das Album enthält gerade mal drei (unbetitelte) Stücke und ist schwere Kost für unvorbereitete Ohren. Doch das Album war wegweisend wie kaum ein zweites elektronisches Musikwerk. Cluster waren vorher noch ein Trio und schrieben sich Kluster. Aufgrund musikalischer Differenzen trennten sich Moebius und Roedelius 1970 von Konrad Schnitzler und spielten 1971 im Hamburger Star Musikstudio ihr erstes Album ein. Clusters völlige Abkehr von gebräuchlicher Harmonik und Rhythmik bis hin zu totaler klanglicher Abstraktion, ihr selbstverständlicher Umgang mit Geräuschen, rigorose elektronische Live-Improvisationen und das Bewusstsein, nichts verlieren zu können - das alles kennzeichnet diesen innovativen Aufbruch. Der Begleittext stammt von Asmus Tietchens.

Die allererste Live-Show von THY CATAFALQUE wurde im August 2021 während des Fekete Zaj Festivals in Ungarn aufgenommen. 26 Musiker spielten 15 Songs aus der Diskografie von Thy Catafalque, die nun auf dieser einzigartigen Blu-ray 'Mezolit - Live at Fekete Zaj' festgehalten sind!

Die allererste Live-Show von THY CATAFALQUE wurde im August 2021 während des Fekete Zaj Festivals in Ungarn aufgenommen. 26 Musiker spielten 15 Songs aus der Diskografie von Thy Catafalque, die nun auf dieser einzigartigen Blu-ray 'Mezolit - Live at Fekete Zaj' festgehalten sind!

Born Bangalter in 1947, Daniel Vangarde is a French songwriter and producer. In 1967, he met Jean Kluger who became his publisher. In the 1970s, their tandem stood out in those fields, for a plethora of popular French artists such as Petula Clark, Claude François, Joe Dassin, Dalida, Régine, Sheila and Ringo. 1975 saw the birth of Vangarde’s label, Zagora, and his first and only solo LP. Later on, Vangarde and Kluger were responsible for a number of hit songs by The Gibson Brothers, Ottawan and La Compagnie Créole. With or without Kluger, Vangarde also wrote and produced songs that remained underground, under several monikers (Starbow, Who’s Who, Soul Iberica Band, Yamasuki, Rocky & Vandella…) and for various artists. Let’s open these incredible cosmic disco funk vaults! Available on Double Vinyl (featuring 2 exclusive tracks) & CD .

2022 Repress

After a few nice but largely unnoticed 12"s for lower-profile labels, Dürerstuben is ready to make a serious maneuver, and Pampa is pleased to provide them with the proper platform. The Sheets of Rane EP is the Berliner duo's most sophisticated statement yet, imbuing cold programmed sounds with a glowing human touch and a penchant for melody. A1 'Gscheids Planet' unfolds with a deceptive intro, click-clackety downtempo stomps and crunchy snares beneath a tender vocoder coo, just when some muted guitar plucks crescendo into a burst of robo-synths. Although three minutes have passed, only now does the song reveal its true nature, a summery tune with rich synths that billow in the wind. Then, as its title indicates, 'Haeckles Kosmos' further explores Dürerstuben's fascination with the unlimits of outer space. This star system in particular has a very tropical flair, punctuated with bouncy parallel fifths straight out of the Italo Orient. In between movements, the duo makes some brief non sequiturs into piano balladry, the kind that force a smile (and a record deal) out of DJ Koze. Finally, venturing even further into jacking territory, 'Freiherr in der Wall' hinges upon syncopated, sometimes faltering beatbox rhythms, a swaggering bassline and fluttering arpeggiation. Coupled with hand-played chords, this is a prime example of how Dürerstuben can tame the beast machine and let irregularities be strengths. If you can get down with Metro Area, Zapp, Tensnake, and yes, even Survivor, then pick this one up.

Seit der Bandgründung Mitte der 90er, haben Good Charlotte fünf Alben veröffentlicht und mit zahlreichen Künstlern kollaboriert. Die Band hat einen maßgeblichen Teil dazu beigetragen, das Pop Punk Genre weltweit zu etablieren. Dafür legten sie mit ihrem selbstbetitelten Debütalbum und den Singles 'Little Things' und 'Festival Songs' im Jahr 2000 das Fundament.
'The Young and the Hopeless', mit dem Good Charlotte 2002 riesige Erfolge feiern konnten, katapultierte die Band schließlich in den Pop Punk Olymp und machte sie zu weltweiten Superstars. Es folgten 'The Chronicles of Life and Death' (2004) und 'Good Morning Revival' (2007), die in ihrer Heimat ebenfalls mit Platin ausgezeichnet wurden. Nach ihrem letzten Album 'Cardiology' (2010), wurde es Zeit für eine Pause, man musste dringend durchatmen. Die Madden-Brüder konzentrierten sich auf ihr Recording Studio im Herzen Hollywoods, wo sie für andere Künstler vieler Genres schreiben, aufnehmen und produzieren. Außerdem sitzen die beiden in der Jury der australischen Version von The Voice.
Dass die beiden überhaupt wieder anfingen, ihre eigene Musik zu schreiben, ist laut Benji und Joel wohl den australischen Pop Punk Newcomern 5 Seconds of Summer zuzuschreiben. Die Zusammenarbeit mit der jungen, aufstrebenden Band, erinnerte die Brüder an den Spaß, den sie mit ihrer eigenen Band hatten und inspirierte die Beiden 2015 schließlich dazu, einen Neuanfang zu starten. "Es packte uns und das Schreiben kam wie von selbst," erklärt Joel. "Während wir an ein paar Platten für andere Künstler arbeiteten, wurde uns klar, dass es großen Spaß machen würde, wieder eine Good Charlotte Platte zu machen. Und eine Good Charlotte Platte können eben nur wir machen. Wir wurden ein bißchen nostalgisch und folgten unseren Instinkten."