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Das dritte, vielleicht beste Album von Captain Planet aus Hamburg, ursprünglich erschienen im Jahr 2012. Hier gibt es 11 eindringliche Emo-Punk Hits zu hören, all killer no filler. Endlich wieder auf Vinyl erhältlich! Kommt im Gatefold Cover, auf schwarz/weiss marmoriertem Vinyl und ist limitiert auf 500 Exemplare.

10” clear vinyl) Five years on since their last joint outing in Stroboscopic Artefacts Monad series, Speedy J and Lucy team up again as Zeitgeber on 'Seventeen Zero Four', a new three-tracker descending deep into the filthy, tenebrous outskirts of club music.

Five years on since their last joint outing in Stroboscopic Artefacts Monad series, Speedy J and Lucy team up again as Zeitgeber on 'Seventeen Zero Four', a new three-tracker descending deep into the filthy, tenebrous outskirts of club music. Torchbearers of techno as a life-affirming vehicle for human expression, as can be experienced through their multi-dimensional back catalogue of solo records and shared live performances at some of the finest clubs and events including Concrete, Goa Club and London’s E1, it's safe to say Jochem and Luca share a certain taste for taking things off the beaten path and into new perspectives. True to their bold approach towards production, 'Seventeen Zero Four' proudly continues the pair's tradition of chiselled floor-focused shifts and divagations outside the ringfenced domain of no-nonsense 4/4 mechanics initiated on their self-titled debut album in 2013.

Drawing first blood, the title-track 'Seventeen Zero Four' submerges us in a state of amniotic solitude as hell's all set to break loose around. Sonar bleeps drip and dissolve across invisible plateaux as thunder rumbles and roars in the distance, mirroring and shattering all linearity between the bars. 'One Zero Five' then implements a further straightforward groove, sequenced hats and kicks carving out a more familiar scenario for the dancers to appropriate, whilst maintaining that oddball, slightly off kind of minimal, dubbed-out blur. Rounding off the package, 'Twenty Zero Two' throws further jazz into the mix, letting its sine curves hula hoop into the upper layers of the outer-audio-space as a shrewdly engineered industrial swing drops the hammer for an epic last stretch.

The compilation "Celestial Birds" reveals and focuses on the widely unkown electronic compositions of the AACM founder and jazz pianist MUHAL RICHARD ABRAMS. #5 in the Perihel Series, curated by zeitkratzer director REINHOLD FRIEDL.

Anybody interested in jazz knows that Chicago has always been an impressive hot spot for new talents – and still is. One essential landmark in the history and development of jazz was the founding of the AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians) in May 1965. This non-profit organization was a melting pot (and starting point) for artists like ANTHONY BRAXTON, ROSCOE MITCHELL, GEORGE LEWIS or LESTER BOWIE and his ART ENSEMBLE OF CHICAGO but one of its actual founding members is known only to the deep connaisseurs: MUHAL RICHARD ABRAMS (1930 – 2017).
The autodidact pianist and composer left music school and university, deciding to learn music by himself.

From 1961 on, the EXPERIMENTAL BAND was his first ensemble, but it soon turned out that ABRAMS' interests went beyond jazz and that he was open to the avant-garde and new music and most of all: electronic music. Which led to a double problem: On the one hand, black musicians had almost no access to the rare electronic music studios located in and funded by universities or broadcasting corporations. On the other hand, there were strong reservations regarding electronic music in the black music community.

In his important book "A Power Stranger Than Itself – The AACM and American Experimental Music" GEORGE LEWIS writes that "the use of electronics … proved controversial and widely misunderstood in a world of jazz in which acoustic instruments became conflated with musical, and eventually, cultural and even racial authenticity." ABRAMS' response was to actually "hide" his electronic pieces on the B-sides of his albums, and this compilation focuses on some of his best electronic experiments: the 22-minute long epic "The Bird Song" from 1968 in its original version incl. the reverb that was removed on the later CD reissue on DELMARK, the synthesizer compositions "Conversations With The Three Of Me" (1989) and "Think All, Focus One"1995) plus " Spihumonesty" (1980) with a 2nd synthesizer played by GEORGE LEWIS and YOUSEF YANCEY on theremin.

"Celestial Birds" casts a new light on the underrated experimenter MUHAL RICHARD ABRAMS, his innovative approach to composition and pieces that lay dormant for way too long!

Die Gruppe Automat - Jochen Arbeit (u.a. Einstürzende Neubauten, Die Haut), Achim Färber (Phillip Boa & The Voodooclub, Skip McDonald) und Georg Zeitblom (wittmann/zeitblom) - funktioniert wie eine gut geölte Maschine: Sie surrt, sie schnurrt, sie geht unbeirrt ihres Weges. Gemeinsam mit dem Modular-Magier Max Loderbauer sowie Paul St. Hilaire alias Tikiman, Lydia Lunch und Mika Bajinski am Mikrofon präsentieren sie nun mit »Modul« auf Compost Records ihr abwechslungsreichstes und konzeptionell stimmigstes Album.

Die Gruppe Automat funktioniert wie eine gut geölte Maschine: Sie surrt, sie schnurrt, sie geht unbeirrt ihres Weges. Auf seinem vierten Album allerdings schaltet das Trio einen Gang herunter, differenziert seinen musikalischen Ansatz weiter aus und geht fruchtbare Kollaborationen mit anderen Figuren aus der Musikwelt ein. Neben Max Loderbauer, dem Bandnachbarn aus den Candy-Bomber-Studios in Berlin-Tempelhof, mit dem Jochen Arbeit, Achim Färber und Georg Zeitblom bereits im Jahr 2015 für eine gemeinsame EP zusammenarbeiteten, sind das am Mikrofon die Dub-Legende Paul St. Hilaire alias Tikiman, die Königin der Gossenpoesie Lydia Lunch und die Newcomerin Mika Bajinski. Sie alle tragen ihren Teil nach dem Leitprinzip bei, welches »Modul« seinen Namen verleiht: Die acht Stücke entstanden gemeinschaftlich nach einem Baukastensystem, das den Kompositionsprozess dynamisch in Bewegung setzte und gleichmäßig auf alle Beteiligten verteilte. Das Resultat ist ein musikalisches Perpetuum Mobile - ein Album mit dem gemäßigten Ruhepuls einer Dub-Produktion, das unablässig in Bewegung bleiben.
»Modul« bildet als Album einen ständigen Veränderungsprozess ab, der erstmals im Jahr 2018 im Rahmen eines Auftragswerks für das Berliner Festival Pop-Kultur live erfahrbar gemacht wurde. Auf Einladung des kuratorischen Teams erarbeiteten Zeitblom, Färber und Arbeit gemeinsam mit ihren musikalischen Gästen St. Hilaire, Lunch und Gemma Ray ein Live-Set, das konsequent aus dem Studio auf Grundlage einzelner Passagen entstand, die nach dem Prinzip eines Resonanzmoduls miteinander (re-)kombiniert wurden: es geht zwischen den einzelnen Mitgliedern hin und her, die Strukturen morphen und der Sound nimmt immer andere Formen an. Eben dieser Ansatz bedingt auch die ständige Weiterentwicklung der Stücke, die gemeinsam mit dem Produzenten Ingo Krauss zu einem Album geschliffen wurden, das seinen nahbaren improvisatorischen Charakter keinesfalls verloren hat. Im Vergleich zu den drei thematisch ausgerichteten Vorgängeralben »Automat«, »Plusminus« und »Ostwest«, die sich jeweils explizit mit Berliner Flughäfen, dem Genre Dub und der europäischen Flüchtlingskrise befassten, setzt »Modul« auf eine inhaltliche Durchlässigkeit, welche die musikalische Offenheit der Platte widerspiegelt.
Nachdem »Modul 15« das Album mit satten Dub-Sounds und einer rollenden Bassline eröffnet, hebt »Easy Riding« passend zu St. Hilaires vor Fernweh triefenden Lyrics das Tempo mit dezenten Riddims an. Schon im nächsten Song, »Ghost«, debütiert Bajinski mit distanziertem Stimmeinsatz über einem melancholischen Stück, dessen Klangbild von den modularen Beigaben Loderbauers geprägt ist. So geht es weiter über die verzahnten Rhythmen von »Ankaten«, die von den verhallten Stimmen Lydia Lunchs und St. Hilaires begleitet werden, hin zum balladesken »Nothing Strange« mit St. Hilaire über das fiebrige Vocoder-Stück »Who For Eyes« schließlich zu den beiden abschließenden Stücken, »Pavo« und »Modul 11«, welche eine tiefenentspannte Coda zu den vorigen Tracks bilden. »Modul« durchläuft so eine Reihe von Stimmungen, ständig wechselnden Klangfarben und musikalischen Ideen, die sich in immer neuen Konstellationen zusammenfinden. Der erweiterte künstlerische Ansatz ebenso wie das vergrößerte Personal machen das Album nicht allein deshalb zur abwechslungsreichsten, sondern auch konzeptionell stimmigsten Platte Automats, die sich darauf in bester Form präsentieren: Als gut geölte Maschine, die surrt, schnurrt und unbeirrt auf dem Weg ist -
immer in Richtung neuer, unerhörter Sounds.

High John & Douniah sind ein Alternative R&B / Neo Soul-Duo aus Hamburg und Berlin. Johns warme, Lo-Fi-beeinflusste Beats und Douniahs charakterstarke, soulige Stimme harmonieren auf eine organische und zeitlose Art, verbinden die Vibes der 90er Urban Music mit den Klangfarben und Themen unserer Zeit. High John hat dieses Jahr zusammen mit Plusma (dem Produzenten von Ace Tees “Bist du
down?”) das Instrumental-Album “High+” veröffentlicht und ist Teil des Raw Suppliers-Kollektivs. Douniah machte in den letzten Monaten mit zwei feinen Kollabos von sich reden: “Don't You Worry” mit Fuchy (aka Farhot) und “Naked Trees” mit Cap Kendricks.

'RIDE THE WAVE' is one of the most celebrated V.A. series of ORACULO RECORDS and is coming back.

On this new third edition darkwave substyles as synthwave, post-punk and ebm are perfectly represented again by Vore Aurora (USA), A Silent Noise (Italia), Pawns & Anatomy (USA), SM.Forma (Spain) and Werther Effekt (Brasil/Germany). All tracks have been specially remastered for LONG CUT vinyl by Eric Van Wonterghem at Prodam Berlin.

Denis Sulta - oder zu anderen Zeiten Hector Barbour - hat sich schnell zu einem der aufregendsten neuen Talente der stets fruchtbaren Glasgower Szene entwickelt. Seine Begeisterung und sein Musikwissen entwickelte er durch die Arbeit im international renommierten Plattenladen „Rubadub“, während er regelmäßig Sets im weltberühmten Sub Club spielte. Er hat Platten auf den einflussreichen Labels Dixon Avenue Basement Jams, Numbers und seinen eigenen Label, Sulta Selects, veröffentlicht. Die 44-minütige EP ist den Erinnerungen an die Menschen und Orte gewidmet, die die zutiefst persönliche und manchmal schwierige Reise an den Punkt geprägt haben, wo sich Sulta jetzt befindet.

COMA haben etwas sehr Seltenes geschafft: sie haben Songs geschrieben, die ein authentische Gefühl von Nähe, Wärme und, ja, auch Emotionalität ausstrahlen.

Die Kölner Elektronik Band verwebt auf ihrem Album Voyage Voyage verschollen geglaubte Ebenen der Erinnerungen in ein vielschichtiges zugleich aber auch irre zugängliches Album zeitgenössischen Elektro Pops. Musik, die sich freimacht von Zwängen, von Zeitgeist und genau deshalb eine einzigartige Stellung einnimmt. Das Album besticht durch verträumte Leichtigkeit und umarmt gleichzeitig eine melancholische Grundstimmung. Voyage Voyage klingt voller spannender Sound Ideen – es zischt und rauscht und hallt und klappert – und ruht doch entspannt in sich und vor allem aber jagt es nicht irgendeinem flüchtigen Moment hinterher, dieses Album steht ganz für sich, für COMAs leicht entrückten Pop voller Möglichkeiten. COMA sind typische Kinder der aufregenden Nullerjahre, Marius und Georg wurden musikalisch aufgezogen mit 80er-Jahre Zuckerwatte, haben dann in zerrissenen Jeans und Indie-Rock der 90er die Adoleszenz durchlebt, wurden erst von den Prinzen der Kölner Clubwelt wachgeküsst und erspielten sich mit diversen EPs und zwei Alben auf Kompakt viel internationales Lob und Anerkennung. Der britische Guardian attestierte ihnen begeistert “playfulness, prettiness and the kind of intense pleasure that results from perfectly interwoven melodies“.

Es ist genau diese vielgelobte unkonventionelle und spielerische Herangehensweise, die sie wohl auch dazu inspirierte, selbst noch während einer Clubnacht im Berghain ihre Gitarre auszupacken. Es liegt also alles in ihrer DNA, doch noch nie waren COMA-Tracks so persönlich und von Vocals und Texten geprägt.

LTD Edition!

COMA haben etwas sehr Seltenes geschafft: sie haben Songs geschrieben, die ein authentische Gefühl von Nähe, Wärme und, ja, auch Emotionalität ausstrahlen.

Die Kölner Elektronik Band verwebt auf ihrem Album Voyage Voyage verschollen geglaubte Ebenen der Erinnerungen in ein vielschichtiges zugleich aber auch irre zugängliches Album zeitgenössischen Elektro Pops. Musik, die sich freimacht von Zwängen, von Zeitgeist und genau deshalb eine einzigartige Stellung einnimmt. Das Album besticht durch verträumte Leichtigkeit und umarmt gleichzeitig eine melancholische Grundstimmung. Voyage Voyage klingt voller spannender Sound Ideen – es zischt und rauscht und hallt und klappert – und ruht doch entspannt in sich und vor allem aber jagt es nicht irgendeinem flüchtigen Moment hinterher, dieses Album steht ganz für sich, für COMAs leicht entrückten Pop voller Möglichkeiten. COMA sind typische Kinder der aufregenden Nullerjahre, Marius und Georg wurden musikalisch aufgezogen mit 80er-Jahre Zuckerwatte, haben dann in zerrissenen Jeans und Indie-Rock der 90er die Adoleszenz durchlebt, wurden erst von den Prinzen der Kölner Clubwelt wachgeküsst und erspielten sich mit diversen EPs und zwei Alben auf Kompakt viel internationales Lob und Anerkennung. Der britische Guardian attestierte ihnen begeistert “playfulness, prettiness and the kind of intense pleasure that results from perfectly interwoven melodies“.

Es ist genau diese vielgelobte unkonventionelle und spielerische Herangehensweise, die sie wohl auch dazu inspirierte, selbst noch während einer Clubnacht im Berghain ihre Gitarre auszupacken. Es liegt also alles in ihrer DNA, doch noch nie waren COMA-Tracks so persönlich und von Vocals und Texten geprägt.

I remember the first time I read W.E.B. DuBois eclectic masterpiece The Souls of Black Folk. The way in which this Weberian scholar flowed from personal account to prose to sociological analysis to music and even political intervention has had a lasting impact on my own work as a cultural anthropologist. It made me understand that as scholars we must use different means in order to give expression to the totality of the lived experience: There is only so much in an academic text.

The experience of alienation has always been at the heart of my scholarly and artistic practice. I have used academic writing, lecturing, theatre performance and electronic improvisation to understand and represent it as a theoretical concept, postcolonial condition and lived experience. I believe, some issues need to be told like a story, some analyzed in most abstract terms and others need to be sung like a gospel. The medium changes the message.

In this sense, I guess, I’m a singing cultural anthropologist.

For some time now I have been engaged in the use of dystopian themes and sounds to paint a sonic picture of structural racism and whiteness of our present. But recently I have grown weary of this Ballardian idea of Future Now and the resulting phantasmagorian aesthetics myself and others have been invested in. The widespread availability of Digital Audio Workstations, sequencers, loopers and delay pedals has lead us into a futuristic cul de sac best described by Mark Fisher as the very absence of future.

Likewise, I am most skeptical of the “naturalist” countermovement, the return of folk. Especially in Germany, I am convinced there is no such thing as an innocent or progressive folk musical expression as it is always connected to the idea of the homeland (“Heimat”) which in turn produces the colony. It seems to me, the current zeitgeist is stuck between a “museum of a dystopian future” and a “museum of an idealized past”, but I wanted to sing about the present.

So, I involuntarily returned to pop music in its two-folded meaning of something popular and addressing not an essentialist notion of “Volk” or its woke cousin “communities”, but society as a whole.

I entered the studio just with a few lo-fi sounding melodies and rhythms from my circuit bent CASIO synthesizer. I had no clue what the finished product would sound like. But as soon as Markus started drumming, in a way strangely reminding me of CAN’s Ethnographic Forgery Series, my uptight sounds were suddenly embedded within a warmer global sound spectrum. The alien at home and abroad and the strange overlapped: We were seeing one and the same sound differently but were gently held together by Tobias’ producing.

Making music is about building coalitions. It’s about suggesting an articulation of styles, sounds and people, that hasn’t materialized, yet, but may help us in the current crisis: I wanted Amon Düül II to send their drug induced archangel thunderbird to rescue the refugees, that had tried to escape the police by climbing up a tree in Munich in 2016. I wanted Sun Ra to taunt far-right protesters in Chemnitz in 2018. And I wanted to mourn the loss of a former kebab shop cum discotheque that served as proof that there is such a thing as a minoritarian universalism.

SCHLAND IS THE PLACE FOR ME is a pop album featuring songs of alienation, not only as a tragic experience, but as a pop-cultural promise. Maybe Bill Callahan sung it best, “I am Star Wars today, I am no longer English grey”. I want those who suffer from alienation to stand in alliance with those who seek alienation, and vice-versa. A coalition, that tolerates the possibility that we are moved by the same groove for contrary reasons.

Fehler Kuti
Munich, Autumn 2019

Music by Julian Warner, Markus Acher & Tobias Siegert
Saxophone on RINDERMARKT by Franz Brunner
Trombone on RINDERMARKT and IL by Matthias Götz
Recorded and mixed by Tobias Siegert in Munich.
SONTAGSFAVORIT mixed by Dario Albiez in Dusseldorf.
Mastered by Duphonic in Augsburg.
Artwork by Atelier Grande, Munich.

20 years of Pop Ambient. Already? One didn’t notice. It’s an anniversary which comes quietly. An anniversary with quiet tones.
In the spirit of the special restraint of pop-elegance, it has no reason to drawn attention to itself with a big „Tam-Tam“. Or better: „Bum-Bum“. The bass drum stays outside. Nevertheless, in fast-paced, overstimulated times of moving forward, it’s a joyful occasion to look back.
What strikes most by putting or listening to 20 years of pop ambient in a row is the central theme that holds together the dense aesthetic concept like the pearls of a necklace.
Floral beauty for digital naturalists. Music like flowers, that don’t wilt. Timeless. Ageless. But with all of the conceptual unity and resolution, Pop Ambient would not be Kompakt without the break, the friction, the expansion of musical boundaries in between tradition and innovation, in between conspiracy and the openness of the discourse.
Aestheticism, escapism, acting in the spirit of „nevertheless“. Swans drifting by, clouds pass over, everything is floating and: „Boredom is a stylistic device“ (Andy Warhol).

Pop Ambient Music is medicine against illnesses, that you don’t even suffer from. It’s giving everything, demanding nothing.
Musical lotus leafs, off which the virtual wastewater of our time is rolling like the reality is dripping off the matrix.


In this sense, we’re happy about the pop-ambient anniversary greetings from new and old companions like Thore Pfeiffer, Max Würden, Yui Onodera, Jörg Burger, Thomas Fehlmann, Morgen Wurde, Leandro Fresco aswell as contributions from T.Raumschmiere, Andrew Thomas and, after a long break, from friends from early days like Joachim Spieth, Markus Guentner und Klimek.

Pop Ambient 2020 is released digital, as CD and of course as a chic double vinyl. Also included in the package: The whole distinctive cover-series as an art book of 44 pages. And for all of the old and young fans and collectors there is the Pop Ambient 2001 in a overhauled original version out on vinyl for the very first time.



Breath in. Breath out. Thank you.



Wolfgang Voigt, September 2019.

20 Jahre Pop Ambient. Schon? Hat man gar nicht gemerkt. Ein Jubiläum auf leisen Sohlen. Ein Jubiläum der leisen Töne. Und ganz im Sinne pop-eleganter Zurückhaltung, kein Grund, großes Tam-Tam zu machen. Oder besser gesagt: Bum-Bum. Denn die Bassdrum bleibt ja draußen. Dennoch freudiger Anlass genug, in reizüberfluteten, schnelllebigen Zeiten auf dem Weg nach vorne einen Blick zurück zu werfen. Wenn man 20 Jahre Pop Ambient Platten hintereinander legt / hört, sticht einem zunächst der sprichwörtliche rote Faden ins Auge und ins Ohr. Der Faden, der das dichte, ästhetische Konzept zusammenhält wie die Glieder einer Perlenkette. Florale Schönheit für digitale Naturalisten. Musik wie Blumen, die nicht welken. Zeitlos. Alterslos. Aber Pop Ambient wäre nicht Kompakt, wenn nicht bei aller konzeptionellen Ge- und Entschlossenheit, auch der Bruch, die Reibung, das Ausweiten musikalischer Genregrenzen zwischen Tradition und Innovation, zwischen Konspiration und Diskursoffenheit, inkludiert wäre. Ästhetizismus, Trotzdemismus, Eskapismus. Schwäne treiben, Wolken ziehen, alles fließt – und: »Langeweile ist ein Stilmittel« (Andy Warhol).

Pop Ambient Musik ist Medizin gegen Krankheiten, die man gar nicht hat. Gibt alles und verlangt nichts. Musikalische Lotusblätter, an denen das virtuelle Schmutzwasser der Zeit abperlt, wie die Realität an der Matrix.

In diesem Sinne freuen wir uns über pop-ambiente Jubiläumsgrüße von neuen und alten Weggefährten wie Thore Pfeiffer, Max Würden, Yui Onodera, Jörg Burger, Thomas Fehlmann, Morgen Wurde, Leandro Fresco sowie Beiträge von T.Raumschmiere, Andrew Thomas und nach langer Pause, von Freunden aus frühen Tagen wie Joachim Spieth, Markus Guentner und Klimek.

Pop Ambient 2020 erscheint Digital, als CD und natürlich als schickes Doppelvinyl. Mit im Paket: Die gesamte unverwechselbaren Cover-Serie als 20-seitiges Kunstbuch. Und für alle neuen und alten Fans und Sammler, erscheint zeitgleich Pop Ambient 2001 erstmalig auch auf Vinyl, in generalüberholter Originalversion. Das Ganze gibt es zudem im schicken Jubiläumsschuber in limitierter Auflage und farbigem Vinyl, exklusiv erhältlich nur auf kompakt.fm …

Einatmen. Ausatmen. Danke.

Wolfgang Voigt, September 2019

With their third album ‘Fluid Motion’, Melbourne’s 30/70 are set to soar into higher territory as the face of Australia’s newest wave of soul-influenced brilliance.

From the swirling opening pads of “Brunswick Hustle” all the way through to the sax-laden shimmer of “Flowers” at its close, ‘Fluid Motion’ is an instant classic, effortlessly shifting between neo-soul and languid, Dilla-esque tendencies, astral-facing jazz textures and authentic vignettes of UK club music history.

It’s a formula that those already caught in 30/70’s celestial web are fully aware of; first defined on the local heat of their 2015 debut ‘Cold Radish Coma’ and majestically expanded upon with their critically acclaimed 2017 release ‘Elevate’ on Bradley Zero’s Rhythm Section INTL (mixed by Hiatus Kaiyote’s Paul Bender). ‘Elevate’ did exactly that - elevating both the scope of the band’s sound as well as their standing in the local and international community.

Since the last record was released, the music has brought the band on world tours and to the attention of the wider public and key tastemakers alike. Strongly supported by the likes of Gilles Peterson, Tom Ravenscroft, Jamie Cullum, Matthew Halsall and Bradley Zero, the UK has become something of a second home for 30/70.

London in particular has openly embraced the soulful sounds of Melbourne, as evidenced by Gilles’ latest Brownswood compilation ‘Sunny Side Up’ which features three tracks from 30/70 members: Ziggy Zeitgeist, Horatio Luna and Allysha Joy. The record is a follow up to his era-defining survey of the UK Jazz scene ‘We Out Here’, the compilation that kickstarted a whole generation of London’s under-the-radar Jazz kids to global headlining heights. It would appear we’re about to witness this same effect take place for the Melbourne contingent, of which 30/70 lead the charge. The city’s invasion is well and truly upon us.

While London is undoubtedly in love with what’s happening in Melbourne right now, this is no one way love affair. The 30/70 collective have had their ears to the ground and plugged into the sound of the UK underground. This new album takes inspiration from the syncopation of Broken-Beat, the immediacy of Grime’s and Dub’s sonic aesthetic to create something that is a truly global amalgamation of local sounds, finessed by Allysha Joy’s instantly recognisable vocals; the rawest and realest of voices.

Stroboscopic Artefacts releases ‘X – Ten Years Of Artefacts’, a 13-track album curated by Lucy, the nom de techno of Luca Mortellaro. It celebrates ten years of his label by boldly confirming its raison d’être: a continual redefinition of modern techno.

‘X – Ten Years Of Artefacts’ is a various artists album in which the label’s key artists respond to its tenth anniversary with fresh compositions. Artists with divergent perspectives and MOs are equally at home expressing themselves. These tracks’ timbres, tempos and moods differ greatly yet—somewhat improbably—they seem together, ideologically unified.

The album will be later complemented by a special remixes EP, with four new reworks of pivotal back catalogue material from the label (Donato Dozzy, Caterina Barbieri, Xhin and Klock). And from fall 2019, Lucy and an incredible cast of Stroboscopic Artefacts artists will begin an extended club tour to mark the anniversary.

On ‘X – Ten Years Of Artefacts’, Mortellaro features solo as Lucy, in collaboration with Rrose as Lotus Eater and together with Speedy J as Zeitgeber. (Rrose also appears alone with “The Myth of Purity.”) Shifted, Efdemin, L.B. Dub Corp (Luke Slater), James Ruskin, Denise Rabe, Adriana Lopez, Chevel, Alessandro Adriani and Serena Butler each feature, representing a group of singular artists whose relationships with the label range from years to months—Stroboscopic Artefacts’ past, present and future must exist simultaneously.

Back in September 2009, Lucy released “Why Don’t You Change/Dub Man Walking,” the first record from Stroboscopic Artefacts, which began a discography that, ten years later, is almost unparalleled in its ambition and vision. Put simply, Mortellaro wanted to create something that didn’t exist. Stroboscopic Artefacts would be respectful of, and indebted to, the great techno and electronic music artists of the past but would develop new paths forward for the label and the genre. The label refused to perpetuate the established dichotomies of electronic music — between the dance floor and home listening, between club music and experimental music, between the past and the future. It took risks knowing it wouldn’t always work. But within a year or so of the label’s inception, it was obvious Stroboscopic Artefacts’ approach had captured imaginations far beyond its Berlin base, showing us that the boundaries of techno are often constructs of limited imagination.

The label pursued constantly evolving methods of releasing music. It created concept-driven series like Monad, Stellate and Totem, establishing frameworks that would give freedom in limitation. Standout albums by Lucy, Xhin, Dadub, Zeitgeber, Chevel, Kangding Ray, Lotus Eater and Alessandro Adriani were deeply considered longform presentations.

With this new album, remix EP and tour, now is the moment for Stroboscopic Artefacts to look fondly at its past while drawing breath, reenergised, and hinting at new chapters.

A Winged Victory For The Sullen veröffentlichen auf Ninja Tune ihr neues Album, das musikalisch zwischen Neo-Klassik, Ambient und Electronic angesiedelt ist!

A Winged Victory For The Sullen, Spezialisten auf ihrem Gebiet der zeitgenössischen und elektronisch inspirierten Ambient-Musik, kehren auf dem neuen Album, „The Undivided Five“, mit einem mutigen Schritt zurück. Das Duo, bestehend aus Dustin O'Halloran und Adam Wiltzie, hat ikonische Filmmusik und zukunftsweisende Ambient-Projekte geschaffen und eine Reihe von Platten für Erased Tapes und Kranky veröffentlicht. Auf „The Undivided Five“ beleben sie ihre einzigartige Partnerschaft für nur ihr zweites Stück Originalmusik außerhalb von Film-, Fernseh- und Bühnen-aufträgen und kreieren ein Album, das Ritual, höhere Kräfte und ungekannte kreative Energien kanalisiert. Mit ihrer fünften Veröffentlichung (nach ihrem Debütalbum, zwei Film-Scores und einer EP) visieren sie konkret die Rolle der Nummer fünf an, inspiriert von der Künstlerin Hilma af Klint und der steten Wiederholung des perfekten fünften Akkords.

Auf diesem Album kreieren sie mutige neue Arbeiten, die auf ihren Fundamenten in Ambient und neoklassischer Musik aufbauen. Seit ihrem selbstbetitelten Debüt im Jahr 2011 ist das Duo Teil einer viel gelobten Szene mit Kollegen wie Max Richter, Nils Frahm, Hildur Guðnadóttir, Tim Hecker und Fennesz.

LTD Edition!

A Winged Victory For The Sullen veröffentlichen auf Ninja Tune ihr neues Album, das musikalisch zwischen Neo-Klassik, Ambient und Electronic angesiedelt ist!

A Winged Victory For The Sullen, Spezialisten auf ihrem Gebiet der zeitgenössischen und elektronisch inspirierten Ambient-Musik, kehren auf dem neuen Album, „The Undivided Five“, mit einem mutigen Schritt zurück. Das Duo, bestehend aus Dustin O'Halloran und Adam Wiltzie, hat ikonische Filmmusik und zukunftsweisende Ambient-Projekte geschaffen und eine Reihe von Platten für Erased Tapes und Kranky veröffentlicht. Auf „The Undivided Five“ beleben sie ihre einzigartige Partnerschaft für nur ihr zweites Stück Originalmusik außerhalb von Film-, Fernseh- und Bühnen-aufträgen und kreieren ein Album, das Ritual, höhere Kräfte und ungekannte kreative Energien kanalisiert. Mit ihrer fünften Veröffentlichung (nach ihrem Debütalbum, zwei Film-Scores und einer EP) visieren sie konkret die Rolle der Nummer fünf an, inspiriert von der Künstlerin Hilma af Klint und der steten Wiederholung des perfekten fünften Akkords.

Auf diesem Album kreieren sie mutige neue Arbeiten, die auf ihren Fundamenten in Ambient und neoklassischer Musik aufbauen. Seit ihrem selbstbetitelten Debüt im Jahr 2011 ist das Duo Teil einer viel gelobten Szene mit Kollegen wie Max Richter, Nils Frahm, Hildur Guðnadóttir, Tim Hecker und Fennesz.

The avant-garde composer and conductor Pierre Boulez was a titan of post-War experimental classical music. Born in the small cheesemaking town of Montrbrison in central France in 1925, Boulez studied at the Paris Conservatoire with the composer and organist Charles Messiaen and received private tuition from pianist Andrée Vaurabourg; after moving to the Marais district in 1945, he briefly studied with Schoenberg disciple, René Leibowitz, and further influence came from immersion in Balinese gamelan, Japanese classical music and African drumming, among other sources. Earning money by playing an early electronic keyboard called the ondes Martenot on theatre productions, Boulez soon became music director of the Renaud-Barrault theatre company (led by actor/direction Jean-Louis Barrault and his actor wife, Madeleine Renaud), leading to tours of Belgium, Switzerland, Britain and both North and South America. American composer John Cage became an ally, though they subsequently clashed over Cage’s commitment to the role of chance in his compositions, paving the way for an intense and lasting friendship with the German composer, Karlheinz Stockhausen, who arrived in Paris in 1952 to study with Messiaen. In July of that year, the pair attended the International Summer Course for New Music in Darmstadt, leading to contact with Italian composer Luciano Berio and other noteworthy figures. Then, in 1954, with backing from Barrault and Renaud, Boulez began staging a series of concerts of experimental music at the Petit Marigny theatre, titled Le Domaine musical. The pieces collected on this album are all taken from performances staged for the 1957 Domaine musical season, beginning with Berio’s “Serenata I,” conducted by Boulez, which debuted in Paris in March of that year; arranged for flute and fourteen instruments, Berio said that the idea behind the piece was for the solo flute to be confronted by continuously interchanging elements, rather than mere accompaniments or oppositions. Boulez’s own “Sonatine,” composed in 1946 for flute and piano, is a 12-tone piece that evidences Messiaen’s influence, with shades of Asian classical music in places; then, Stockhausen’s monumental “Zeitmasze” or “Time Measures,” a serial composition for five woodwinds, played in different combinations of tempos and speed, was partly inspired by Webern’s principles of homogenous and harmonic textures. Finally, Messiaen’s 1949 work “Cantéyodjayâ,” delivered by pianist Yvonne Loriod, takes it shape from the classical Hindu rhythms of ancient India, as with much of the composer’s oeuvre.

Die Acid-House-Pioniere 808 State melden sich mit ihrem ersten neuen Album seit 2002 zurück. 808 State gehörten zu den wegweisenden Acts der Manchester-Rave-Szene und feierten mit dem zeitlosen Klassiker "Pacific State" ihren grössten kommerziellen Erfolg. Auf "Transmission Suite" kombinieren sie ihren typischen Electro-House-Sound mit der Industrial-Vergangenheit ihrer Heimatstadt und Einflüssen aus klassischem Detroit Techno zu einer futuristischen Electro-Vision.

Mit ihrem dritten Album "Screamadelica" aus dem Jahr 1991 rechtfertigte die aus Glasgow stammende Band Primal Scream ihren soliden Ruf als eine der innovativsten Rockbands der Nineties. Die Scheibe gewann 1992 den ersten Mercury Music Award und wurde 1996 von der Zeitschrift Select als bestes Album der 90er Jahre bezeichnet. Die 20th Anniversary Collector's Edition von 2011 wird nun als 4CD Bookset neu aufgelegt. Enthalten sind: vier CDs (auf CD1 das komplett remasterte Album, CD2 stellt einen Live-Set von 1992 vor, CD3 glänzt mit 14 Remixes der vier Singles plus zwei Bonus-Tracks und CD4 ist die remasterte Version der legendären "Dixie Narco EP" von 1992). Mit 20-seitigem Booklet mit Photos von Grant Fleming/Kevin Westerberg sowie Interviews mit Bobby Gillespie, Andrew Innes und Andrew Weatherall über das Making Of dieses legendären Albums.

2019 bietet das Tag am Meer Festival nicht nur die gewohnt
schöne Kombination aus Landschaft, Musik und wunderbaren
Gästen, sondern es gibt auch noch einen kleinen Geburtstag
zu zelebrieren: unsere Tag am Meer Vinyl Compilation
zelebriert ihre fünfte Veröffentlichung. Seit 2015 präsentiert
BlackFoxMusic jedes mal eine ausgewählte Selektion an
Tracks von Künstlern, welche im jeweiligen Jahr bei Tag am
Meer gespielt haben und das gepresst auf schwarzem Gold.
Dieses mal mit Kid Simius im Magit Cacoon Remix, Kollektiv
Ost und dem Live Act JPattersson. In Zeiten von Spotify,
Deezer und Co. mag das für manch einen kurios anmuten,
doch so wie wir unser kleines Festival an einem ganz
außergewöhnlichen Ort veranstalten, ist auch die Idee und die
Umsetzung unserer jährlichen Compilation etwas Besonderes.
Die DJ’s und Live Acts liefern die Musik und die
Besucher*innen, liefern jedes Jahr aufs Neue die Bilder für das
Plattencover im darauffolgenden Jahr. Jedes Plattencover
setzt sich aus euren Schnappschüssen zusammen die Ihr uns
zusendet und ist somit ein waschechtes
Gemeinschaftsprojekt. Für uns ist dies eines von vielen
Puzzleteilen, welches zum Tag am Meer dazugehört, denn
Gemeinschaft lässt sich nicht nur zwischen Campingareal undDancefloor erleben, sondern auch im Rahmen eines Projektes
wie einer gemeinsamen Platte. Und dafür möchten wir euch
allen einfach einmal ‚Danke‘ sagen.

Blume, das atemberaubende Debüt-Album von Nerija erscheint am 02.08.2019 auf Domino.

Blume, das Debüt-Album von Nerija ist eine wahrhaft atemberaubende Sammlung von Kompositionen, die alles perfekt verkörpert, was Nérija ausmacht; lebendig, einnehmend, ansteckend und vor allem am Puls der Zeit.
Der Sound von Nérija findet seine Inspiration in unzähligen Genres - Hip-Hop, Afrobeat und Township-Musik, europäische Klassik und Soul - ein trotzig facettenreicher und einzigartiger Sound, der ebenso von Georgia Anne Muldrow hergeleitet werden kann wie von Arthur Russell, Duke Ellington und Eric Lau.