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House music legends NATURAL RHYTHM deliver a 4 track EP of some of their finest work. This release has the vibe that will get people up, keep them moving and keep the trainspotters looking.

The Dwarves return to their punk roots with a fun, energetic record. Standout tracks include: Damned If I Do, We Are The Scene, Psychosis Tripping. Jenkem finds The Dwarves returning to the raw, confrontational energy that defined their early work, delivering a fast, irreverent blast of punk rock that blends melody, aggression, and their trademark shock humor. Packed with short, high-impact tracks like "We Are The Scene," "Damned If I Do," and "Psychosis Tripping," the album balances tight songwriting with the band's chaotic, anything-goes attitude, moving effortlessly between hardcore punk bursts and hook-driven rock moments. Formed in the mid-1980s and long led by founding member Blag Dahlia, The Dwarves have built a reputation as one of punk's most provocative and unpredictable acts. Emerging from the underground with releases like Blood Guts & Pussy, they became notorious for their explicit artwork, confrontational lyrics, and myth-making persona that blurred fact and fiction. Over decades, the band has shifted fluidly between garage rock, hardcore punk, and pop-inflected punk, while maintaining a consistent identity rooted in speed, satire, and rebellion. Their ever-changing lineup has included notable musicians such as HeWhoCannotBeNamed and members connected to acts like The Queers and Zeke, reinforcing their deep ties within the punk scene. With Jenkem, The Dwarves reaffirm their core strengths--brevity, intensity, and attitude--while delivering a record that feels both nostalgic and immediate. The songs hit quickly and leave an impression, driven by sharp riffs, pounding rhythms, and Dahlia's biting vocal delivery. As a continuation of their long-standing ethos, the album stands as a reminder of the band's enduring ability to provoke, entertain, and channel punk's most unfiltered spirit.

Daughter of Swords ist das Soloprojekt der Singer-Songwriterin Alex Sauser-Monnig aus North Carolina (they/she), die auch mit Bands wie Mountain Man und The A's Musik veröffentlicht hat. Ihr Solodebüt, Dawnbreaker, war eine ruhige Folk-Platte, die 2019 veröffentlicht wurde; in den Jahren seither hat Sauser-Monnig ein neues Selbstverständnis gefunden, persönlich und musikalisch. In den letzten Jahren ist die Musik von Daughter of Swords dorniger geworden, ein unvorhersehbares Gewirr aus Synthesizern, berauschenden Gitarren und blubbernden Rhythmen, ein Glanz, der Songs über die rohe menschliche Intensität im großen Stil umhüllt - Verknalltheit, Verlangen, Wut, Entfremdung, die Schrecken des Spätkapitalismus, die kaskadenartigen Paradigmenwechsel, auf die wir alle zuzusteuern scheinen. Eine Neubewertung innerer Systeme und Beziehungen aller Art - mit Kunst und Kreativität, mit anderen Menschen, mit dem Geschlecht - all dies ging einher mit Sauser-Monnigs Hinterfragung der spätkapitalistischen Kultur, die das Leben für arbeitende Künstler zu einer ungerechten Plackerei macht. Gezwungen, ihre gewohnten Denk- und Lebensweisen aufzugeben, fanden Sauser-Monnig neue Energie darin, alte Beschränkungen aufzulösen - sei es in Bezug auf das Musikgeschäft oder ihr Konzept von Geschlecht. Ihre Priorität war es, die Stimmung jedes Tracks zu maximieren, was in "Alex" Schichten aus synthetischen Texturen und unorthodoxen Schnörkeln zum Ausdruck kommt.

Futurismo präsentiert das legendäre Debütalbum "Only Theatre Of Pain" (1982) der Gothic-Legenden Christian Death in neuen limitierten Deluxe-Formaten - remastert und erweitert um frühe Demos und rarem Material, samt Poster. "Only Theatre Of Pain" gilt als Meisterwerk und Ursprung des Deathrock - ein wegweisendes Epos von unheiliger Kraft und tiefschwarzer Emotionalität. Obwohl seine Wurzeln im Punk liegen – die Ursprünge der Christian Death-Originalbesetzung liegen in der Früh-1980er Hardcore-Explosion in Südkalifornien –, kann die Bedeutung dieses Werks für die nachfolgende Musiklandschaft nicht hoch genug eingeschätzt werden. Wie ein Adrenalinstoß ins Herz der Finsternis entspringt diese ungezügelte und geheimnisvolle Aufnahme bis heute jeder Kategorisierung. Mit dem visionären Rozz Williams (damals noch Teenager) sowie Punk-Legende Rikk Agnew (Adolescents), James McGearty und George Belanger präsentiert "Only Theatre Of Pain" eine musikalische Erkundung, geprägt von psychosexueller Lyrik und einem tiefen Glaubenskampf, aufgenommen innerhalb weniger Tage mit Produzentenlegende Thom Wilson. Klanglich und visuell seiner Zeit voraus, ist dieses Stück sakrilegischer US-Punk ein absolutes Muss für alle, die sich für Gothic begeistern, für Fans von The Misfits, Bauhaus und The Cramps.

For their third album As You Please, Citizen is looking inward. Pairing up again with longtime producer Will Yip, the band presents twelve songs that fuse aspects of their entire catalog into one neoteric whole. While the cathartic melancholy of their debut Youth and the jarring intensity of 2015's Everybody is Going to Heaven are both present, the most welcome addition to Citizen's arsenal on As You Please is the range of auxiliary instrumentation and sonic experimentation on the album. This is most notable on "In the Middle of it All," where vocalist Mat Kerekes is sampled singing the song title in a modulated, haunting chorus that echoes throughout the song. The addition of organs and unconventional drum effects on songs like "You Are A Star" and "Medicine" create shifting emphases on tension and frailty, while the huge choruses of songs like opener "Jet" and "I Forgive No One" are reminders that while Citizen dove headfirst into uncharted territory with their new album, the band is still as good as ever at writing emotionally-charged anthems. As You Please presents Citizen's vision at the most focused it has ever been - it is delicately crafted to provoke at every moment.

After breaking through with a gold selling debut in the late 1990’s, Harlem emcee Cam’ron quickly emerged as a leading figure in hip-hop, just as the genre was reaching mass audiences for the first time. A platinum-selling classic on Roc-A-Fella Records came a few years later, followed by the founding of the iconic collective Dipset and the release of three more seismic solo albums over the course of the 2000s. The last chapter in his historic run was 2009’s Crime Pays, which drew praise from critics while also lighting up the Billboard Charts, showcasing Cam’s sonic evolution while proving his pen game remained unmatched. More than 15 years after it’s release, this vital collection is now receiving an official vinyl pressing for the first time ever. A perpetually underrated lyricist with transcendent rhyme mechanics embedded in his leisurely flow, Cam’ron is in peak form on Crime Pays, effortlessly walking listeners through the details of his fascinating life and times. With suprisingly modern production supplied by AraabMuzik, I.N.F.O., Skitzo, and more, this memorable album is an important chapter in the story of a truly essential artist.

Produced by Manilow and longtime collaborator Michael Lloyd, What A Time brings together an eclectic and cross-generational group of collaborators, including Kenneth “Babyface” Edmonds, nine-time GRAMMY® winner Dave Cobb, and longtime co-writers Bruce Sussman and Adrienne Anderson. The result is a collection that pairs Manilow’s signature melodic grandeur with fresh textures and stylistic turns — from classic, string-swept torch songs to groove-driven R&B flourishes, heartland rock touches, and gospel-inspired crescendos.

On her new album, Neon Summer Skin, Bedouine, the project of Azniv Korkejian, explores this feeling of safety long before one can fully understand the concept. Written with vivid, honest and intimate imagery after visiting her family in Saudi Arabia, it tells the story of family and upbringing, and mourns the end of her childhood. There is a singular resonance and newfound heft in this music previously unheard in Bedouine’s discography. Bedouine is known for making gentle, lilting folk songs that build fingerpicked guitar melodies into tsunamis of emotion. Her masterful songwriting and timeless melodies have earned her praise from publications like Pitchfork, who said her music “boasts a surreal calm and lived in glow,” and Rolling Stone, who lauded her “humble folk-pop brilliance,” plus an NPR Tiny Desk Concert, and tours with the likes of Fleet Foxes and Father John Misty. While working on the record, Bedouine realized the pain of displacement, of searching for home, has been a throughline in her family history. Other relatives have also experienced this sense of loss as they’ve migrated between Armenia, Syria, and Saudi Arabia. “I felt so frustrated about the places that I'm from becoming war torn or difficult to return to,” she says. “My family has been split apart time and time again.” This realization prompted her to document and honor her parents’ lives and stories. On a family trip to Houston, Bedouine recorded a conversation with her mother and sampled the introduction to “Canopies.” The song tells the story of her mother’s time in an orphanage. She was put there by her own mother as a way of escaping her abusive father. Nearby, her mother would sing about feeling her daughter’s essence in the air: "The waves of Beirut's beaches flutter, and how sweetly they blow my darling's air." It’s a story of profound yearning told with the quiet profundity of a flower blossoming.

Hailing from New Orleans, Louisiana, Soilent Green emerged in the early 1990s as a formidable force in the extreme metal scene, blending sludge, grindcore, and death metal into a uniquely savage sound. The band quickly gained recognition for their ferocious intensity and uncompromising approach, pioneering a fusion of genres that profoundly influenced the development of extreme metal. With a history spanning over two decades, the band has faced more than its share of adversity and struggles. Yet they continue to push forward. Driven by passion, perseverance and an unrelenting will to dominate. On stage, Soilent Green is known for their electrifying performances, harnessing raw energy and aggression to create unforgettable shows. Each performance is a visceral experience, featuring blistering riffs, thunderous drums, and guttural vocals that resonate deeply with audiences. Whether headlining festivals or playing intimate gigs, Soilent Green leaves an indelible mark, forging a connection with fans that cements their legacy as one of extreme metal’s most revered bands.

After six years, Seahaven return with their long-awaited self-titled album, their first new full-length since 2020's Halo of Hurt. Formed in Torrance, CA in 2009, the band built a dedicated following with releases like Winter Forever, blending emotional songwriting with expansive alternative and indie-leaning rock. Their self-titled album marks the next chapter for the band, delivering a focused collection of songs that reflects their continued evolution.

PAUL WALKER: Paul Walker is the debut studio album by American post-hardcore band, Drug Church. It features 10 tracks, including "Thinking About Joining Drug Church", "Reading Youtube Comments", and "Clifton Country". SWELL: Drug Church, monsters of alt-rock, have weathered a year of dope shows and fan adoration since the release of their seminal punk masterpiece Paul Walker. Now, the chickens have come home to roost. The band has dedicated itself fully to a true ‘sophomore slump’ EP full of indulgent missteps and overreaching stabs at pop crossover. All that being told, they’re “the sickest band ever” has yielded real results. On Swell, Drug Church push their idiosyncratic blend of punk and alt to new heights of sick. Recorded with J. Robbins (every band, ever) in a big, professional studio, Swell delivers the biggest Drug Church sound to date. It’s pretty much the life-changer you assumed it would be. This new repress of the album includes remastered tracks. HIT YOUR HEAD: Drug Church is the logical limit of heavy alt. Like the Bee Girl from the Blind Melon video pitting hard for Helmet. Hit Your Head, recorded with Jay Maas, fully embraces the futureless aesthetic the band hinted at on previous records. This is worst-body-on-the-beach music. These are fired-from-your-window-tinting-job songs. An album for people on probation for crimes that aren't even cool. Big riffs and petty concerns.

The Flaming Sideburns' debut album remastered 25th anniversary edition out in June via Svart Records In the beginning of the new Millennium, The Flaming Sideburns were getting ready to record our first proper album. First we rented Ismo Alanko’s old rehearsal room in Otaniemi, Espoo, and turned it into a recording facility. Old analog tape recorders, vintage microphones, a Space Echo unit, and other top equipment were brought in directly from Berlin, Germany by the album’s producer, Jürgen Hendlmeier. As producer Jürgen Hendlmeier recalls the final steps of the sessions: “Fact is, when we mastered the record at Seawolf Studios we had no real idea what to do with this equipment. We just wanted to make it louder and louder – that was all we wanted. We wanted to go to twelve instead of eleven.” When Hallelujah Rock’n’Rollah was first released, it did not sound as “natural” as it had originally been planned to be – but the album was a huge success for the band nevertheless. For this remastered edition, Hendlmeier dug deep enough to finally find the files containing all the original mixes. The album’s producer then remastered the album himself, and the end result is far more convincing. Compared to the original version—which is already very good—the album now feels as if it has been completely remixed for the better. As a bonus, on the original album some of the songs were edited shorter, but now all of them appear in their original length. -Eduardo Martinez

The Flaming Sideburns' debut album remastered 25th anniversary edition out in June via Svart Records In the beginning of the new Millennium, The Flaming Sideburns were getting ready to record our first proper album. First we rented Ismo Alanko’s old rehearsal room in Otaniemi, Espoo, and turned it into a recording facility. Old analog tape recorders, vintage microphones, a Space Echo unit, and other top equipment were brought in directly from Berlin, Germany by the album’s producer, Jürgen Hendlmeier. As producer Jürgen Hendlmeier recalls the final steps of the sessions: “Fact is, when we mastered the record at Seawolf Studios we had no real idea what to do with this equipment. We just wanted to make it louder and louder – that was all we wanted. We wanted to go to twelve instead of eleven.” When Hallelujah Rock’n’Rollah was first released, it did not sound as “natural” as it had originally been planned to be – but the album was a huge success for the band nevertheless. For this remastered edition, Hendlmeier dug deep enough to finally find the files containing all the original mixes. The album’s producer then remastered the album himself, and the end result is far more convincing. Compared to the original version—which is already very good—the album now feels as if it has been completely remixed for the better. As a bonus, on the original album some of the songs were edited shorter, but now all of them appear in their original length. -Eduardo Martinez

Das Debütalbum ,Good To Go" von Occrasy wurde auf analogem 8-Spur-Tonband aufgenommen - eine bewusste Entscheidung, um alles Überflüssige wegzulassen und sich auf das Wesentliche zu konzentrieren: rohe Energie, live und hautnah. Gemeinsam mit Produzent Niklas Berglöf, bekannt unter anderem durch seine Arbeit mit Hurula und Linn Koch-Emmery, nahm die Band elf Songs auf, die schrill aufschreien, unkontrolliert verzerren und der schwedischen Rockszene neue Energie verleihen. Das Ergebnis ist ein Hexengebräu musikalischer Einflüsse - von Boogie-Grooves und Rock im Stil von Primal Scream bis hin zu liebevollen Verbeugungen vor dem Debütalbum von The Strokes.Musikjournalist Fredrik Strage beschreibt Occrasy als ,den besten Garage-Krach aus Borlänge seit Mando Diao - oder vielleicht sogar seit Sator."

Mit "Eyes Full" legt Zoh Amba ein eindringliches Songwriter-Debüt vor - und zugleich die erste Veröffentlichung bei Matador. Bekannt geworden als Saxophonist:in der New Yorker Freejazz-Szene und gefeiert auf internationalen Festivals, kehrt Amba nun zu den eigenen Wurzeln zurück: zur Gitarre und zur Heimatstadt Kingsport in Tennessee. Die Songs auf "Eyes Full" tragen den rauen Geist dieser Landschaft in sich - zwischen schlingerndem Blues und Appalachian Folk. Im Zentrum steht das Sehen und Gesehenwerden. Amba richtet den Blick auf Menschen aus amerikanischen Kleinstädten: Arbeiter, Suchende, jene, die kämpfen und oft übersehen werden. Aufgewachsen in den Bergen Tennessees, zog Amba mit 17 nach San Francisco und später nach New York. Doch die Vergangenheit lässt sich nicht abschütteln - sie fordert ihre eigene Stimme. Lange glaubte Amba, dass instrumentale Musik allein zur Transzendenz führen könne. Doch irgendwann drängten sich Worte nach vorn. Die Gitarre wurde zum Werkzeug, um Erinnerungen und Erfahrungen direkt zu begegnen. So entstanden Songs voller Empathie für Menschen am Rand der Gesellschaft - Figuren zwischen Schmerz, Einsamkeit und Hoffnung. Aufgenommen wurde "Eyes Full" live und ohne Overdubs in den Drop of Sun Studios in Asheville. Kevin Hyland an der E-Gitarre und Jim White am Schlagzeug verleihen den Songs eine rohe, unmittelbare Kraft. Ambas Stimme knurrt, flüstert und brennt sich durch die Stücke. Zärtlichkeit und eruptive Energie liegen hier oft nur einen Herzschlag auseinander. "Eyes Full" ist ein Album, das hinschaut - und lange nachhallt.

Gatefold LP Reissue in Crystal Blue Persuasion. Back in 1999 when David Byrne originally compiled this retrospective - making it the first in our critically acclaimed World Psychedelic Classics series - the idea of doing a psychedelic album from outside the U.S. or Europe was a total surprise. More than twenty years since this anthology first hit the shelves, the mutants are back in stock with their electric guitars, cans of bug spray, and deviant, freaky psychedelia.

Maximum Penalty wurden 1986 gegründet und gelten als eine der einzigartigsten Bands, die während der Blütezeit des New Yorker Hardcore entstanden sind. Die Band, die von Sänger Jimmy Williams ins Leben gerufen wurde und 1988 durch den Gitarristen Joseph Affe verstärkt wurde, begann mit schnellem Hardcore-Punk und entwickelte sich nach und nach zu etwas Größerem, angetrieben von melodischen Rhythmen und gefühlvollem, klarem Gesang. Maximum Penalty war von Anfang an ein fester Bestandteil legendärer Veranstaltungsorte wie CBGB und Coney Island High und tourte in den 90er Jahren auch durch Nordamerika und Europa, wo sie die Bühne mit Bands wie Agnostic Front, Madball, Sick Of It All und Gorilla Biscuits teilten. Die erste Schaffensphase von Maximum Penalty umfasste eine beeindruckende Diskografie - ,Demo 89", die EP ,East Side Story" von 1995, die LP ,Independent" von 1996, die LP ,Super Life" von 1997 sowie eine Reihe von Titeln auf verschiedenen Compilations, darunter ,Where The Wild Things Are" und ,Satisfaction Guaranteed" von Blackout Records. Maximum Penalty tauchte 2009 mit der LP ,Life & Times" (Reaper Records) wieder auf und brachte ihren Sound neuen und alten Hörern näher. Der Einfluss, den Maximum Penalty auf die moderne Hardcore-Szene hatte, ist unbestreitbar. Turnstile nahm die Band in eine einflussreiche Playlist auf, und der Hardlore-Podcast erklärte Maximum Penalty zu einer der ,am meisten unterschätzten Hardcore-Bands". Im Jahr 2025 veröffentlichte die Hardcore-Band End It aus Baltimore ein Cover von ,Could You Love Me?" aus dem 1996er Album ,Independent", hauchte dem Titel neues Leben ein und veranlasste Fans, das Original zu entdecken. Zum 30-jährigen Jubiläum wird ,Independent" zum ersten Mal überhaupt auf Vinyl gepresst, und zwar über Flatspot Records. Gitarrist Joseph Affe bemerkt: ,Maximum Penaltys ,Independent` ist das einzige Album, das nie auf Vinyl erschienen ist, da Vinyl zu der Zeit, als es auf CD veröffentlicht wurde, nur eine Nebensache war. Während wir weiter spielten und neue Veröffentlichungen herausbrachten, war die Veröffentlichung von ,Independent` auf Vinyl etwas, das wir schon immer tun wollten, und nun sind wir endlich, 30 Jahre später, so weit. Die ,Independent`-Ära war eine großartige Zeit in der Geschichte von Maximum Penalty - es bedeutet uns sehr viel, zu sehen, dass ein neues Publikum die Platte zum ersten Mal entdeckt, das ist unglaublich!"

Maximum Penalty wurden 1986 gegründet und gelten als eine der einzigartigsten Bands, die während der Blütezeit des New Yorker Hardcore entstanden sind. Die Band, die von Sänger Jimmy Williams ins Leben gerufen wurde und 1988 durch den Gitarristen Joseph Affe verstärkt wurde, begann mit schnellem Hardcore-Punk und entwickelte sich nach und nach zu etwas Größerem, angetrieben von melodischen Rhythmen und gefühlvollem, klarem Gesang. Maximum Penalty war von Anfang an ein fester Bestandteil legendärer Veranstaltungsorte wie CBGB und Coney Island High und tourte in den 90er Jahren auch durch Nordamerika und Europa, wo sie die Bühne mit Bands wie Agnostic Front, Madball, Sick Of It All und Gorilla Biscuits teilten. Die erste Schaffensphase von Maximum Penalty umfasste eine beeindruckende Diskografie - ,Demo 89", die EP ,East Side Story" von 1995, die LP ,Independent" von 1996, die LP ,Super Life" von 1997 sowie eine Reihe von Titeln auf verschiedenen Compilations, darunter ,Where The Wild Things Are" und ,Satisfaction Guaranteed" von Blackout Records. Maximum Penalty tauchte 2009 mit der LP ,Life & Times" (Reaper Records) wieder auf und brachte ihren Sound neuen und alten Hörern näher. Der Einfluss, den Maximum Penalty auf die moderne Hardcore-Szene hatte, ist unbestreitbar. Turnstile nahm die Band in eine einflussreiche Playlist auf, und der Hardlore-Podcast erklärte Maximum Penalty zu einer der ,am meisten unterschätzten Hardcore-Bands". Im Jahr 2025 veröffentlichte die Hardcore-Band End It aus Baltimore ein Cover von ,Could You Love Me?" aus dem 1996er Album ,Independent", hauchte dem Titel neues Leben ein und veranlasste Fans, das Original zu entdecken. Zum 30-jährigen Jubiläum wird ,Independent" zum ersten Mal überhaupt auf Vinyl gepresst, und zwar über Flatspot Records. Gitarrist Joseph Affe bemerkt: ,Maximum Penaltys ,Independent` ist das einzige Album, das nie auf Vinyl erschienen ist, da Vinyl zu der Zeit, als es auf CD veröffentlicht wurde, nur eine Nebensache war. Während wir weiter spielten und neue Veröffentlichungen herausbrachten, war die Veröffentlichung von ,Independent` auf Vinyl etwas, das wir schon immer tun wollten, und nun sind wir endlich, 30 Jahre später, so weit. Die ,Independent`-Ära war eine großartige Zeit in der Geschichte von Maximum Penalty - es bedeutet uns sehr viel, zu sehen, dass ein neues Publikum die Platte zum ersten Mal entdeckt, das ist unglaublich!"