Search:abstrakt

Sometimes artistic genius can be hiding in plain sight. Innovators and sonic pioneers that are stalwarts of the 140 dubstep scene can be taken for granted with just how damn good they are.

With DDD favourite Abstrakt Sonance’s second LP on the label ‘Nature of Things’, he is taking his organic fuelled, harmonically intuitive, bass driven madness to new heights.

With his signature blend of primitive percussion, scattered chops and savage sub frequencies - Abstrakt’s record is an 11 track tour-de-force of production mastery, impish tendency and true artistic expression.

To single out particular tunes on the album seems a fallacious exercise, given the strength in-depth of the sequence of work - with guest appearances scattered in from producers Wraz., Coltcuts and Outsider, alongside the stunning vocals of Sahala and bars from the godson of grime, Saskilla.

Let us just tell you that each one will have you flying through the jungle like tarzan on speed, with enough adrenaline to fend off any silverback gorilla and emotional guile to lead a troop of chimpanzees.

Existential musings over the Nature of Things can be confusing at best - but with Abstrakt Sonance it equates to sonic and visual clarity.

Careful though, he could still pop you with the Snipa.

It’s been a pretty eventful year for FKOF Records, but we’re delighted to be ending it with a bang and by welcoming two brand artists to the imprint. We’ve been long-time fans of Oddkut and Abstrakt Sonance and when we discovered they’d been on the buttons together we knew it was material we wanted to home...

New album by Los Angeles MC Kid Abstrakt produced by Leo Low
Pass from Amsterdam inspired by the golden era greats like A Tribe
Called Quest, De La Soul or The Pharcyde!
Now here's a funky introduction of how nice Kid Abstrakt is!
The young MC from Los Angeles, CA represents the jazzy 90s rap sound like no one else in 2023. Not only on the Westcoast but internationally. Kid Abstrakt is keeping the legacy of A Tribe Called Quest, De La Soul & The Pharcyde alive and relevant by using it as a source of inspiration to tell his own story.

Kid Abstrakt started out as part of local trio Revolutionary Rhythm before releasing his first album “Daydreaming” in 2017, produced by The Deli from Austin, Texas. With a growing fanbase overseas Kid Abstrakt started working with producers and bands like Cap Kendricks (Germany), Emapea (Poland) and Jazzbois (Hungary).

“Still Dreaming” - his new album for Melting Pot Music - is entirely
produced by Leo Low Pass from Amsterdam. Leo's signature sound of jazzy boom-bap and Lofi beats provides the perfect backdrop for Abs positive and skillful rhymes. One could easily dismiss “Still Dreaming” as a throwback album with a sound that is somehow stuck in the past. Kid Abstrakt’s love for that jazzy boom-bap is all over the place. He even raps about it - with the same passion and humbleness that he raps about his life, his family and the world we are living in today.
That's why we rather call “Still Dreaming” feelgood music that doesn't suck. Feature artists include Vsteeze, Tab One, Kamau, Awon, Rain Bisou and Hvmble. Artwork by Gizem Winter.

Genetic Code' is the new EP from BC natives ColtCuts and Abstrakt Sonance... both DDD veterans. As a result of their tinkering and experimentation in the laboratory we have four mutated tracks which will splice themselves neatly into your set.

This is Abstrakt Sonance's long awaited album on DDD.

Abstrakt Sonance makes his return to Aufect for the labels's first 12" release in a decade! Enlisting the likes of Crowell and legendary Grime MC, Killa P on the title cut "New Style", together they deliver a smackdown with a skippy Grime-Dubstep hybrid banger in a mood fitting for the status quo.

Label owners Greazus step up to flip "New Style" with a remix leaning heavy on 808's and an infectiously animated piano-esque hook.

"Lay It On" turns up the vibes and dips into R&B vocals chops and loose drums that seem to be melting into each other.

Fans of deep, heavy Dubstep will love "Squad Up". This one is meant to push soundsystems - minimal dubby chords, deep dubs, rolling drums, nuff said.

Milan-based imprint Just This present Cristalli Ionici, a four-track EP from Italian duo Abstrakt featuring a Marcel Fengler remix.

Abstrakt is a collaborative project from Luca Rambelli and Filippo Scorcucchi concerned with the intense study of spatial timbres - a psychedelic trip represented as a sonic aesthetic.

A relatively new endeavour, their debut on Just This offers an expertly crafted voyage into the outer reaches of the imagination. Sonically, the EP files under ambient techno, brandishing swirling textures and tangible effects to create a blissful meditative state.

For his remix of the title track, Marcel Fengler places the subtle complexion of the original and places it inside a driving rhythmic pattern of syncopated percussion and unrestrained energy.

2024 Repress

This EP is the first instalment in a series of four compilation releases that aim to showcase fresh electronic talent in the UK Electro/Techno scene. Future Funked sees Phil and Matt combining styles to create an electro throw down with chunky analogue basslines. Six Number Test is slow 808 workout from Abstract Knights, the owners of London electronica label Colony productions. Vorticism; Quick, tight beats, Robiotic Rhythms and deep sub bass make up the basis of Vorticism.X Insert is Menacing filtered bass lines, crunchy electronic beats, beautiful reverberant melodies and soft classic style Toytronic pads.

Ein aufmerksamer Zuhörer der Welt zu sein, bedeutet, von Sprache umgeben zu sein. Sprache hallt durch fast jeden Raum, in dem sich Menschen aufhalten, ob unerwünscht oder erwünscht, banal oder tiefgründig. Worte stehen auf der Seite und klingen im Ohr nach, vermehren sich endlos. Diese Überfülle fasziniert den Komponisten und Musiker Ben Vida schon lange, aber in den letzten Jahren hat sie zu einer neuen Art des Musikmachens geführt, die die Vorrangstellung der Sprache in unserer Klang- und Kulturwelt gleichzeitig hervorhebt und hinterfragt. Sanft und spielerisch bricht Vida die Hierarchie von Bedeutung und Klang der Sprache auf, bis sie in egalitärer Harmonie existieren. Oblivion Seekers ist Vidas neuestes Album in diesem Kompositionsstil, nach der Zusammenarbeit mit dem New-Music-Ensemble Yarn/Wire The Beat My Head Hit aus dem Jahr 2023. Wie bei seinem Vorgänger liegt der Fokus der Musik auf koordinierten Duetten aus gesprochenem Wort in neutralem Ton, wobei die variablen Rhythmen der bewegten Worte komplexe interne rhythmische Strukturen schaffen. Er wird von den Stimmen von Nina Dante, Christina Vantzou, John Also Bennett und Félicia Atkinson, die einen einzigartigen Klang erzeugen, der weder ihrer noch seiner ist und in seiner Geschlechtsdarstellung, seinem Akzent und seiner Aussprache fließend ist. Die instrumentalen Kompositionen, die den Hintergrund des Albums bilden, haben den ungezwungenen Fluss eines Dialogs, gesprächig, aber zurückhaltend, selten als Motor der Veränderung. Es herrscht eine ruhige, konzentrierte Stimmung, die durch den zurückhaltenden Rhythmus der Stimmen noch verstärkt wird, sodass man das Gefühl hat, die Musik sei ein langes Mantra, das nie ganz zu seinem Ausgangspunkt zurückkehrt. Der Effekt ist bezaubernd, gleichermaßen einschläfernd und fesselnd, und suggeriert Wiederholung, ohne sich jemals genau gleich zu bewegen. Die Instrumentierung der vier Stücke des Albums variiert; ,Be Yr Own Abyss" wird durch den wellenartigen Kontrapunkt der Saxophone geprägt, während der mehrdeutige Klang des Vibraphons über ,Oblivion Seekers" schwebt und Frasers anschwellender Bass den einzigen dramatischen Auftritt des Albums liefert. Die Musik verändert sich im Ohr, während der Text die Form und Bewegung der Komposition ständig neu definiert und in einen neuen Kontext stellt, auch wenn sie in ihrem jenseitigen Glanz konsistent bleibt. Der Text besteht oft aus Sprachfetzen, denen Vida während seines Lebens beim Komponieren begegnet ist: zufällig mitgehörtes Gemurmel in der Schlange im Supermarkt, eindrucksvolle Sätze aus einem Roman, den er gerade las, Eindrücke von Musik, die er immer wieder auf seinem Plattenspieler hörte. Kleine, ansonsten unbedeutende Details sammeln sich an, nicht um eine Erzählung zu bilden, sondern um einen Eindruck vom komplexen Prozess der Bedeutungsfindung zu vermitteln, der im täglichen Leben stattfindet. Charaktere und Szenen tauchen im Bild auf und verschwinden wieder, und Sätze, die nach einer Erklärung verlangen, dürfen einfach vorbeiziehen. Vidas Liebe zu Robert Ashley ist gut dokumentiert, aber vielleicht noch bedeutender sind Mark E. Smith und The Fall, Neil Tennant und die gesprochenen Verse der Pet Shop Boys, die gesamte Geschichte des Hip-Hop und Meredith Monk. Die Art und Weise, wie die Worte dargeboten werden, ist genauso wichtig wie die Worte selbst und offenbart eine Intentionalität und Direktheit, die Vida mit den abstrakten Konstruktionsmustern des Textes hervorhebt und untergräbt. Auf Oblivion Seekers ist der omnidirektionale Lärm der Marmor, den Vida abträgt, um zu beleuchten, wie wir die unermessliche Fremdheit der Welt verarbeiten. Der Triumph des Albums besteht darin, dass wir nichts von dem schönen Geheimnis verlieren, wie diese Zeichen unsere äußere und innere Welt miteinander verbinden.

,Paradessence", das dritte Album von Visible Cloaks, ist ein Werk der Entstehung und Illusion. Die vierzehn Songs des Albums verschieben, heben und schimmern vor einem schwach leuchtenden Hintergrund der Nacht, einem höhlenartigen Raum, der durch spärliche hyperreale Darstellungen der natürlichen Welt geformt wird. Die Arrangements sind gleichzeitig grandios und zerbrechlich, sowohl eine Umkehrung als auch eine Kulmination dessen, was zuvor kam, und so abenteuerlich wie alles, was sie bisher produziert haben. Seit ihrer Umwandlung von Cloaks zu Visible Cloaks im Jahr 2014 haben Spencer Doran und Ryan Carlile eine komplexe Matrix gegensätzlicher Konzepte entworfen: organisch und künstlich, zufällig und bewusst, authentisch und repliziert. Der Albumtitel, der aus dem satirischen Portmanteau des Autors Alex Shakar aus ,paradox" und ,essence" stammt, spiegelt diese Spannungen direkt wider: Die Paradessence von Konsumgütern ist der ,schismatische Kern", der ihre Attraktivität ausmacht (in Shakars Beispiel ist Kaffee begehrt, weil er gleichzeitig entspannend und anregend wirkt). Der Balanceakt von Paradessence verleiht diesen Spannungen eine größere Dringlichkeit, da das Leben im 21. Jahrhundert durch eben diese Spannungen neu geordnet wird. Stille ist ein wichtiger Charakter in Paradessence, der nicht nur in der Gestaltung des Klangs zu spüren ist, sondern auch in dem Druck, den er auf alles und alles, was entsteht, ausübt. Die Gruppe ließ sich vom Konzept des ,positiven Raums" des Architekturtheoretikers Christopher Alexander beeinflussen, einer Idee, dass der Form der Leere um ein Objekt herum die gleiche Aufmerksamkeit geschenkt werden kann wie der Konstruktion des Objekts selbst. Wir hören, wie Klänge ihre eigene Stille in sich tragen, zwischen Existenz und Nicht-Existenz oszillieren und wie Mikroorganismen Lebenszyklen durchlaufen. Die Instrumente, die Paradessence untermauern, haben etwas Kollektives an sich. Sie bewegen sich wie eine Herde, so wie wenn der Wind über ein Feld voller Blätter weht und die Luft in der Abwesenheit von Bewegung sichtbar wird; mehrere Arten leben in derselben Melodie zusammen, treten hervor, ziehen sich zurück und verwandeln sich im Laufe von mehreren Minuten. ,Anstatt Stücke zu schaffen, die horizontal als Umgebungen funktionieren", sagt Doran, ,wollten wir sie als lebendes Material konzipieren, das sich im Raum verändert und ständig im Fluss ist." Die Songformen entfernen sich von der Atmosphäre und tendieren zur reinen Abstraktion. Utopismus schwebt am Rande; eine Beziehung zu imaginären Zukünften, die weder naiv, zynisch noch nostalgisch ist. Die Welt, die Visible Cloaks im Laufe der Zeit aufgebaut haben, wird oft von Mitwirkenden physisch umgesetzt, von denen eine vertraute Besetzung für Paradessence zurückkehrt. Motion Graphics (Joe Williams) ist auf ,synthetic woodwinds" zu hören und hat das Album mitgemischt, wobei er ihm mit seinem charakteristischen Glanz Kontur verliehen hat. Die miteinander verbundenen Stücke ,Shapes" und ,Thinking" wurden zusammen mit den Innovatoren der Umweltmusik Yoshio Ojima und Satsuki Shibano entwickelt, die auch mit dem Duo an der generationsübergreifenden FRKWYS-Kollaboration serenitatem gearbeitet haben. Das letztere Stück enthält einen von Ojima verfassten gesprochenen Text, der von Shibano auf Japanisch und von der Komponistin und langjährigen Freundin Félicia Atkinson auf Französisch gelesen wird. Das Componium Ensemble, Dorans Projekt für ,unbestimmte Kammermusik" mit selbstspielenden Software-Instrumenten, bildet die Grundlage für ,System" in einem Moment von Pessoa-scher Heteronymie. Auf dem Album ist auch Ioana Selaru zu hören, eine rumänische Komponistin und Violinistin, die ,Intarsia" mit ihrer Stimme und ihrem Streicherspiel bereichert. Doran beschreibt ihre Zusammenarbeit als ,eine Übung in illusorischer Präsenz", die sie gemeinsam aus ,der Idee entwickelt haben, ihr reales Instrumentenspiel virtuellen Instrumenten gegenüberzustellen, um die Grenzen zwischen synthetischen Streichinstrumenten und denen, die in der Realität existieren, zu verwischen". Selarus energiegeladene Darbietung in ,Intarsia" ist ein deutlicher Beweis für den dramatischen Kern von Paradessence: ein dringliches skulpturales Unterfangen, ein Instrument und eine menschliche Stimme, moduliert von einem Meer synthetischen Wachstums. Doran beschreibt, wie für ihn ,dieses Verschieben zwischen dem Realen und dem Virtuellen etwas ganz anderes einfängt, etwas Seltsames und Unbeschreibliches, das ein fester Bestandteil des Lebens in der digitalen Moderne ist, sowohl online als auch im realen Leben". Es ist elektronische Musik, die nicht nur durch ihre wechselnden Formen eine abstrakte Darstellung unserer aktuellen Traumrealität heraufbeschwört, sondern auch imaginäre Räume schafft, die emotional nuanciert sind und zu Momenten der Anmut führen.

,Paradessence", das dritte Album von Visible Cloaks, ist ein Werk der Entstehung und Illusion. Die vierzehn Songs des Albums verschieben, heben und schimmern vor einem schwach leuchtenden Hintergrund der Nacht, einem höhlenartigen Raum, der durch spärliche hyperreale Darstellungen der natürlichen Welt geformt wird. Die Arrangements sind gleichzeitig grandios und zerbrechlich, sowohl eine Umkehrung als auch eine Kulmination dessen, was zuvor kam, und so abenteuerlich wie alles, was sie bisher produziert haben. Seit ihrer Umwandlung von Cloaks zu Visible Cloaks im Jahr 2014 haben Spencer Doran und Ryan Carlile eine komplexe Matrix gegensätzlicher Konzepte entworfen: organisch und künstlich, zufällig und bewusst, authentisch und repliziert. Der Albumtitel, der aus dem satirischen Portmanteau des Autors Alex Shakar aus ,paradox" und ,essence" stammt, spiegelt diese Spannungen direkt wider: Die Paradessence von Konsumgütern ist der ,schismatische Kern", der ihre Attraktivität ausmacht (in Shakars Beispiel ist Kaffee begehrt, weil er gleichzeitig entspannend und anregend wirkt). Der Balanceakt von Paradessence verleiht diesen Spannungen eine größere Dringlichkeit, da das Leben im 21. Jahrhundert durch eben diese Spannungen neu geordnet wird. Stille ist ein wichtiger Charakter in Paradessence, der nicht nur in der Gestaltung des Klangs zu spüren ist, sondern auch in dem Druck, den er auf alles und alles, was entsteht, ausübt. Die Gruppe ließ sich vom Konzept des ,positiven Raums" des Architekturtheoretikers Christopher Alexander beeinflussen, einer Idee, dass der Form der Leere um ein Objekt herum die gleiche Aufmerksamkeit geschenkt werden kann wie der Konstruktion des Objekts selbst. Wir hören, wie Klänge ihre eigene Stille in sich tragen, zwischen Existenz und Nicht-Existenz oszillieren und wie Mikroorganismen Lebenszyklen durchlaufen. Die Instrumente, die Paradessence untermauern, haben etwas Kollektives an sich. Sie bewegen sich wie eine Herde, so wie wenn der Wind über ein Feld voller Blätter weht und die Luft in der Abwesenheit von Bewegung sichtbar wird; mehrere Arten leben in derselben Melodie zusammen, treten hervor, ziehen sich zurück und verwandeln sich im Laufe von mehreren Minuten. ,Anstatt Stücke zu schaffen, die horizontal als Umgebungen funktionieren", sagt Doran, ,wollten wir sie als lebendes Material konzipieren, das sich im Raum verändert und ständig im Fluss ist." Die Songformen entfernen sich von der Atmosphäre und tendieren zur reinen Abstraktion. Utopismus schwebt am Rande; eine Beziehung zu imaginären Zukünften, die weder naiv, zynisch noch nostalgisch ist. Die Welt, die Visible Cloaks im Laufe der Zeit aufgebaut haben, wird oft von Mitwirkenden physisch umgesetzt, von denen eine vertraute Besetzung für Paradessence zurückkehrt. Motion Graphics (Joe Williams) ist auf ,synthetic woodwinds" zu hören und hat das Album mitgemischt, wobei er ihm mit seinem charakteristischen Glanz Kontur verliehen hat. Die miteinander verbundenen Stücke ,Shapes" und ,Thinking" wurden zusammen mit den Innovatoren der Umweltmusik Yoshio Ojima und Satsuki Shibano entwickelt, die auch mit dem Duo an der generationsübergreifenden FRKWYS-Kollaboration serenitatem gearbeitet haben. Das letztere Stück enthält einen von Ojima verfassten gesprochenen Text, der von Shibano auf Japanisch und von der Komponistin und langjährigen Freundin Félicia Atkinson auf Französisch gelesen wird. Das Componium Ensemble, Dorans Projekt für ,unbestimmte Kammermusik" mit selbstspielenden Software-Instrumenten, bildet die Grundlage für ,System" in einem Moment von Pessoa-scher Heteronymie. Auf dem Album ist auch Ioana Selaru zu hören, eine rumänische Komponistin und Violinistin, die ,Intarsia" mit ihrer Stimme und ihrem Streicherspiel bereichert. Doran beschreibt ihre Zusammenarbeit als ,eine Übung in illusorischer Präsenz", die sie gemeinsam aus ,der Idee entwickelt haben, ihr reales Instrumentenspiel virtuellen Instrumenten gegenüberzustellen, um die Grenzen zwischen synthetischen Streichinstrumenten und denen, die in der Realität existieren, zu verwischen". Selarus energiegeladene Darbietung in ,Intarsia" ist ein deutlicher Beweis für den dramatischen Kern von Paradessence: ein dringliches skulpturales Unterfangen, ein Instrument und eine menschliche Stimme, moduliert von einem Meer synthetischen Wachstums. Doran beschreibt, wie für ihn ,dieses Verschieben zwischen dem Realen und dem Virtuellen etwas ganz anderes einfängt, etwas Seltsames und Unbeschreibliches, das ein fester Bestandteil des Lebens in der digitalen Moderne ist, sowohl online als auch im realen Leben". Es ist elektronische Musik, die nicht nur durch ihre wechselnden Formen eine abstrakte Darstellung unserer aktuellen Traumrealität heraufbeschwört, sondern auch imaginäre Räume schafft, die emotional nuanciert sind und zu Momenten der Anmut führen.

After a six-year hiatus, Efdemin returns with POLY — his fifth studio album, released on the recently revived Berghain-affiliated label, Ostgut Ton.

As the title suggests, POLY explores multiplicity: of rhythm, texture, style, and emotion. Across eleven meticulously sculpted textures, the album weaves a multidimensional web of sonic references, nodding to the origins of techno while pushing resolutely into uncharted terrain. POLY feels like an afterglow—of decades on the dancefloor, of restless sonic exploration, and of a profound connection to the spaces and communities that have shaped Efdemin’s sound.

Over the course of 60 minutes we are taken through different territories and landscapes of sound. Mysterious and swirling, abstract and droning textures over at times fast and stoic rhythmic concepts. Sometimes the sunlight breaks into the opaque and mysterious soundscapes before the pulse is taken over and sucks us back straight into the club.

The overall tone of POLY is mild and playful, introvert and at times dreamy. The music is rich in sonic expression and breathes the spirit of musical concepts that have been refined over the course of decades. What Sollmann has condensed here feels like a culmination of his multilayered and polyphonic personality situated between Club, Museum, Studio and Academy.

The album cover features a striking photograph of a human ear by renowned German artist Isa Genzken. Known for her radical visual language, Genzken’s work here functions as a metaphor for deep listening. The ear symbolises the layered complexity and immersive quality of the music on POLY — an invitation to perceive sound in all its depth, fragility, and force and unlock it’s potential to unite different voices in a distorted reality.
Nach einer sechsjährigen Pause kehrt Efdemin mit POLY zurück – seinem fünften Studioalbum, das auf dem kürzlich wiederbelebten Label Ostgut Ton, dem in-house Label des Berghain erscheint.

Wie der Titel vermuten lässt, beschäftigt sich POLY mit Vielfältigkeit: von Rhythmus,Textur, Style und Emotionen. In elf Stücken webt das Album ein multidimensionales Netz aus klanglichen Referenzen, das auf zurückliegende Ansätze der Klubmusik verweist und gleichzeitig entschlossen in neues Terrain vordringt.

POLY wirkt wie ein Nachglühen – von Jahrzehnten auf der Tanzfläche, von unermüdlicher klanglicher Erkundung und von einer tiefen Verbindung zu den Räumen und Communities, die Efdemins Sound geprägt haben. Im Laufe von 60 Minuten werden die Hörer*innen durch verschiedene Territorien und Klanglandschaften geführt. Mysteriöse und wirbelnde, abstrakte und dröhnende Texturen über teilweise schnellen und stoischen rhythmischen Konzepten. Manchmal bricht das Sonnenlicht in die undurchsichtigen und geheimnisvollen Klanglandschaften ein, bevor der Puls wieder die Oberhand gewinnt und uns direkt zurück in den Klub saugt.

Der Gesamteindruck von POLY ist mild und verspielt, introvertiert und manchmal verträumt. Die Musik ist reich an klanglichem Ausdruck und atmet den Geist musikalischer Konzepte, die im Laufe von Jahrzehnten verfeinert wurden. Was Sollmann hier verdichtet hat, fühlt sich wie eine Kulmination seiner vielschichtigen und polyphonen Identität an, die sich zwischen Klub, Museum, Studio und Akademie bewegt.

Das Albumcover ziert die Nahaufnahme eines menschlichen Ohrs der renommierten deutschen Künstlerin Isa Genzken. Genzken´s Arbeit wirkt hier als Metapher für deep listening. Das Ohr symbolisiert die vielschichtige Komplexität und immersive Qualität der Musik auf POLY – eine Einladung, Klang in seiner ganzen Tiefe, Zerbrechlichkeit und Kraft wahrzunehmen und sein Potenzial zu erschließen, widerstreitende Stimmen in einer verzerrten Realität zu vereinen.

Jack Callahan und Jeff Witscher waren echt müde. Seit der Jahrtausendwende hatten sie sich beide in der amerikanischen Underground-Experimental-Musikszene abgemüht, unter Namen, die du vielleicht kennst oder auch nicht: Rene Hell, Marble Sky, die Reihe, um nur einige zu nennen. Ihr erstes Album Think Differently war das Ergebnis einer Reihe von Endpunkten: der Auflösung ihrer Underground-Szene und, nicht zuletzt deswegen, der Tatsache, dass die abstrakte Musik, die sie seit jeher getrennt und gemeinsam gemacht hatten, nicht mehr so gut ankam wie früher. Wo sonst sollten sie hingehen als auf die andere Seite des Hufeisens: zur Popmusik. Warum also nicht den Zeichen der Zeit folgen? Eine Gitarren-Pop-Rock-Hymne zum Jahrtausendwechsel aufnehmen, die davon handelt, dass man als alternde Underground-Musiker keine Noise-Musik mehr machen will. ,Sorry to Hear That" ist ein Album über ,Think Differently". Wenn ,Think Differently" ein meta-konzeptuelles Album war, dann ist ,Sorry to Hear That" ein meta-meta-konzeptuelles Album. Meta Meta+Hodos. Es wurde über einen Zeitraum von 9 Monaten nach dem ersten Album aufgenommen. Es war eine Zeit persönlicher und beruflicher Umbrüche: Der anfängliche Optimismus aufgrund der Aufmerksamkeit, die "Think Differently" erhielt, schlug schnell in Fanatismus um und mündete unweigerlich in Angst, Enttäuschung und Zerwürfnis. Das Album, das sie schließlich aufgenommen haben, ist ein Dokument und eine Erzählung über diese Zeit. ,Sorry to Hear That" ist eine Fortsetzung, die klanglich und konzeptionell dort ansetzt, wo das erste Album aufgehört hat. Hier gibt es mehr Gitarre, mehr Breakbeats, mehr selbstbezogenes Unwohlsein und mehr humorvolle Selbstironie. Es fängt perfekt ein, was das Duo von Anfang an vermitteln wollte: Es ist ein mitreißendes Album voller Kommentare von beiden Seiten, dem Spieler und dem Gespielten, die bis ins Unendliche gesteigert werden. ,Sorry to Hear That" hat eine Reihe von Gastauftritten von alten und neuen Kumpels aus der Independent-Musikszene: Marlon DuBois, Frontmann von Shed Theory, Dylan Baldi und Jayson Gerycz von Cloud Nothings, Flannery Silva alias F.G.S., Jazz Lambaux und andere.

Der Ambient-Loafergaze-Soundtrack für interdimensionale Reisen. Zusammengestellt aus rauschenden Kassetten, die zwischen 1991 und 1995 auf vier Spuren aufgenommen wurden, erschien Lovesliescrushings zweites Album ,Xuvetyn" im Jahr 1996 und erlangte etwa 30 Jahre später den Glanz einer Legende. Diese Doppel-LP-Ausgabe befindet sich in einem Tip-On-Cover, illustriert mit den abstrakten Fotografien von Melissa Arpin und Scott Cortez, sowie einem Textblatt mit den Liedtexten in Elbisch und Englisch zum Mitlesen. ,Eine verwirrend schöne Wolke aus Neon-Drones und Stimmen von der anderen Seite. Musik, die Sie umhüllt, in der Sie verschwinden können." - Jefre Cantu-Ledesman

"Morning Star" zeigt Kekht Aräkh auf dem Weg zu einer authentischeren, verfeinerten Version seiner selbst. Das Album wurde in Berlin und Stockholm aufgenommen und entstand in einer Phase intensiven persönlichen und künstlerischen Wachstums. Es verbindet aggressive Black-Metal-Passagen mit immersiven, strukturierten Klanglandschaften, die sowohl intim als auch weitläufig wirken. Seit seinen Anfängen in Mykolajiw, Ukraine, hat Dmitry (alias Crying Orc), der alleinige Kopf hinter dem Projekt, einen unverwechselbaren Weg innerhalb des Black Metal gesucht. Diese Vision entfaltete sich durch sein Debütalbum "Through the Branches to Eternity EP" (2018) und die Alben "Night & Love" (2018) und "Pale Swordsman" (2021), die eine charakteristische Spannung zwischen wildem, viszeralem Black Metal und zarten, introspektiven Balladen etablierten. Auf "Morning Star" erreicht diese Dynamik eine neue Tiefe. Das Album entstand in einer Phase künstlerischer Klarheit und erkundet eine rauere, persönlichere Gefühlspalette, geprägt von Stress, Angst und langen Phasen der Schreibblockade, was ihm eine seltene Unmittelbarkeit und Verletzlichkeit verleiht. Dmitry nahm fast alle Instrumente selbst auf, das Schlagzeug stammt von Jonathan (Spira Me, Vanskapth, Olycka). Bladee steuerte den Gesang bei und war Co-Autor der Texte zu "Eternal Martyr", eine unerwartete Zusammenarbeit, die eine intuitive Chemie offenbart. VS--55 und Varg2Ö fügen abstrakte Samples und subtile Texturdesigns hinzu, die "Morning Star" seine unverwechselbare Körnigkeit und analoge Wärme verleihen, während James Ginzburg (Emptyset, Osmium) sich um das finale Mastering kümmerte und die dynamische Tiefe und atmosphärische Fülle verstärkte. Mehrere Tracks greifen früheres Material mit neuen Perspektiven wieder auf. ,Wänderer" und ,Drömsang" wurden teilweise neu aufgenommen oder komplett neu interpretiert. Intensive, treibende Passagen kollidieren mit spärlichen, kontemplativen Zwischenspielen und erzeugen eine Landschaft, die sowohl viszeral als auch eindringlich ist. Themen wie Isolation und Wanderschaft tauchen in "Wänderer" auf, traumhafte Melancholie in ,Drömsang", existenzielle Kämpfe in "Angest" und Reflexionen über Zeit und Transformation in "Three winters away". Mit "Morning Star" verbindet Kekht Aräkh vergangene Erkundungen mit neuer kollaborativer Energie und produziert ein Album, das die Black-Metal-Tradition der 90er Jahre würdigt und gleichzeitig Lo-Fi-Wärme, melancholische Melodien, klangliche Experimente und emotionale Offenheit umfasst. Das Ergebnis ist ein zutiefst persönliches Statement - ein Album, das sowohl eine Ankunft als auch eine Fortsetzung seiner künstlerischen Reise darstellt.

What happens when the mathematical rigor of Johann Sebastian Bach is stripped of its classical facade? With the album SRDNG x LPZG, the duo AMAS, together with double bassist Frithjof-Martin Grabner, delivers a radical answer on May 15th, 2026. The work does not merely translate Bach’s legacy; it consistently reimagines it within the aesthetics of Minimal, Dub-Techno, and Ambient. The creation of this extraordinary abstraction spanned three years and two geographical poles: the raw isolation of Sardinia and the academic precision of Leipzig.

The project found its origin in the seclusion of Pula, at the southernmost tip of Sardinia. There, AMAS extracted and digitally dissected the rhythmic and tonal essence of 14 selected works by Bach. In a temporary local studio, these minimalist sequences fused with field recordings of the surroundings to form a hypnotic framework of electronic structures. Back in Leipzig, this foundation met Frithjof-Martin Grabner. In an intense session held in a hall of the historic HMT Leipzig, spontaneous improvisations emerged that breathe the spirit of Miles Davis’ approach to "Ascenseur pour l’échafaud": free play based on rudimentary sketches, an intuitive reaction to the material—comparable to Davis’ iconic scoring of silent film images. It is a deliberate prioritization of atmosphere over technical perfection. Grabner utilizes the full spectrum of his instrument, creating sounds that, in post-production, often blur the line between analog depth and synthetic texture.

The result is an organic symbiosis: the vastness of Sardinia (SRDNG) meets the intellectual density of Leipzig (LPZG), while the strictness of the Baroque dissolves into the repetitive energy of Minimal Techno. To do justice to this conceptual ambition, the album will be released in an uncompromisingly audiophile edition. Limited to 200 copies worldwide, the double LP is pressed on 180g vinyl and features a front cover with a special 3D effect, continuing the visual tradition of the AMAS series. An album for listeners who understand Bach as a living origin of modern sound art—and for lovers of electronic music seeking a new, organic soul within the repetitive depth of techno.

Modeselektor kündigen mit "Classics Vol. 1" einen neuen Release samt begleitender Live-Konzert-Tour an.

Mit "Classics Vol. 1" (CV1) veröffentlichen Modeselektor eine besondere Edition, die wie ein musikalischer Lebenslauf funktioniert. CV steht nicht zufällig für Curriculum Vitae. Eigentlich wollten Szary und Gernot alte Tracks aus ihren ersten beiden Alben "Hello Mom!" und "Happy Birthday!" neu aufnehmen. Doch was als Rekonstruktion begann, verwandelte sich fast vollständig in etwas Neues. Eine frische Sammlung von Stücken, die den Geist ihrer frühen Releases atmet, ohne sie einfach zu kopieren. Das Duo blickt zurück und erschafft dabei Zukunft. Tracks wie "KILL BILL Vol.4", "Edgar" und andere Albentitel dienten als Ausgangsmaterial, wurden zig mal auseinander und wieder zusammengebaut, neu interpretiert und dann doch in den meisten Fällen nur als abstrakte Inspiration verwendet. Das Ergebnis ist eine Rückschau, die sich emanzipiert hat. Ein mutiges Experiment, ein gescheiterter Versuch im allerbesten Sinne.

"Classics Vol. 1" schlägt so eine unerwartete Brücke zwischen damals und morgen und fasst alles zusammen, was Modeselektor ausmacht: Neugier, Chaos, Humor und ein unerschütterliches Bedürfnis, immer wieder Neues aus der eigenen Geschichte herauszuarbeiten. Und was passt besser zu Rückbesinnung, neuem kreativen Schub und Energie: Eine Tour. Modeselektor gehen 2026 auf eine ausgedehnte Konzertreise und spielen auch mehrere Festivals weltweit.

Die Adult-Punks von DEBT RAG beweisen einmal mehr das explosive Potenzial gemeinschaftlicher Zusammenarbeit. ,It Is Clear What's Going On" gewährt uns einen Einblick in ihr gemeinsames Gedankengut, das auf Band als ein pulsierendes, funkelndes Ganzes festgehalten ist. Diese Platte anzuhören ist, als würde man durch das Schlüsselloch in den Proberaum spähen und auf ein Feuerwerk aus Farben und Experimenten stoßen, gespickt mit schallendem Gelächter. DEBT RAG lachen - nein, nicht über dich, aber auch nicht mit dir. DEBT RAG kümmern sich nur um DEBT RAG und den freudigen Lärm, der entsteht, wenn man mit seinen kreativsten Mitstreitern Musik macht. Diese Songs bergen Möglichkeiten, und zwar nicht im Abstrakten. Was ist der Tonumfang eines einzelnen Beckens? Wie viele verschiedene Lautäußerungen können drei Menschen hervorbringen? Was ist das emotionale Potenzial einer Trompete? DEBT RAG stellt diese Fragen und gibt gleichzeitig die Antworten. Ihre Musik ist weitreichend, völlig frei, aber niemals selbstverliebt. Ob sie nun die langjährige Tradition des Trios mit Anti-Gesellschafts-Hymnen (,Gary's World", ,Syzygy") fortsetzen oder die Überreste einer Bandprobe collagieren (,Drumbo 2", ,Smartest Musicians") - es sind sorgfältige Kompositionen mit einer spannenden Logik, die sie selbst erfunden haben. Jeder Song ist eine kleine Welt, resonant, messerscharf, mit absoluter Klarheit der Vision. DEBT RAG ist, wie DEBT RAG eben ist. Wir könnten alle das eine oder andere davon lernen. - Grace Ambrose

Nach der Veröffentlichung von „idea 1“, kündigt Kelela ihr neues, drittes Album an, das am 10. Juli bei Warp Records erscheint – und veröffentlicht die zweite Single „linknb“, produziert von Oscar Scheller.

Der Track entstand in einer Phase der Schreibblockade und begann als Mantra, das Kelela schrieb, um sich wieder an die Arbeit zu bringen. Angeführt von einem labyrinthischen Gitarrenriff über treibenden Metal-Drums ist „linknb“ ein Song über Selbstvertrauen, das man sich durch Schwierigkeiten erarbeitet hat, darüber, sich nicht klein machen zu lassen. „Es ist nicht schwer, mutig zu sein / Es ist leichter, zu viel preiszugeben / Ich weiß nur, dass ich den Weg geebnet habe, unterbezahlt.“

Das von Mischa Notcutt inszenierte Video versetzt Kelela in die Mitte einer urbanen Traumlandschaft. Als enger Freund und Kelelas ehemaliger Kreativdirektor war Notcutt die naheliegende Wahl. Das Video lässt Realismus und Abstraktion ineinanderfließen und verwandelt eine einsame Reise in eine Meditation über Selbstfindung und Erneuerung.

Mit „new avatar“ rückt alles, worauf Kelela hingearbeitet hat, in den Fokus. Sie begann ihre ersten Songs in der Indie-Szene von Washington, D.C. zu schreiben, bevor die Clubmusik und die elektronische Produktion, die ihre frühe Karriere prägten, die Oberhand gewannen. Mit „new avatar“ schließt sie den Kreis: R&B, unterlegt mit verzerrten Gitarrenklängen, trifft auf neue Schnittstellen in der Tanzmusik und gipfelt in einem Sound, der aus all den musikalischen Einflüssen schöpft, die sie je geprägt haben. Das Album enthält zudem Kollaborationen mit PinkPantheress, A. K. Paul und Fousheé.

„Dieses Album findet Trost in der Konfrontation“, sagt Kelela. „Ich möchte nicht, dass die Musik von dem ablenkt, was wirklich in der Welt vor sich geht; ich möchte, dass sie in dieser verrückten Zeit Sinn ergibt und den Menschen gleichzeitig hilft, mit der Schönheit und Freude in Kontakt zu kommen, die sie ebenfalls erleben.“

Das Album setzt sich mit einer Welt auseinander, die aus allen Nähten auseinanderfällt, und mit der Klarheit, die das Überleben erfordert.

„Die Leute sollten auch wissen, dass meine Freunde und ich ständig lachen und dass Humor kein Abwehrmechanismus ist; er ist Ausdruck dafür, wie scharfsinnig wir die Dinge einschätzen und wie klar wir die Welt sehen.“

Im Kern schildert „new avatar“ eine vielschichtige Erfahrung, und obwohl die Außenwelt präsent ist, schwächt sie Kelelas Entschlossenheit zu keinem Zeitpunkt.

About Kelela: Throughout her globally revered, boundary-pushing career, Kelela has established a lane of her own in R&B and electronic music. On her long-awaited third album, new avatar, the singer/songwriter (through the versatility of the guitar) challenges perceptions of these genres, while weaving together fragments of lived experiences to shape a world of connection and resilience during times of unrest.

The songs journey through Black femme rage, joy as resistance, Gotham City-esque dystopia, misogynoir, romantic tension, and more. It’s anchored by production that demands a broader rethink about alternative, rock and indie music.

Kelela’s defiant nature has propelled her so far already — from her hometown of Washington, D.C to world stages. In 2013, she released her debut mixtape, Cut 4 Me. She continued solidifying her revolutionary R&B sound with 2015’s Hallucinogen EP, with The New York Times naming its single, “Rewind,” one of the “25 Songs That Tell Us Where Music Is Going”. By 2017, she released her electric debut album Take Me Apart (which was followed by 2018’s TAKE ME A_PART, THE REMIXES), building upon her intimate storytelling.

After a nearly five-year hiatus, she returned in 2023 with her groundbreaking second album, Raven, and its critically-acclaimed counterpart, RAVE:N, The Remixes in 2024. Raven has been hailed as one of the ‘Best Albums of 2023’ by Pitchfork, Billboard, Vulture, Variety, and more, while the remixes solidified her as a leader in the dance music space.

In 2025, Kelela showcased yet another innovative side of her artistry with her live album In The Blue Light, which hit #5 on the Contemporary Jazz chart and #20 on the Jazz Albums chart. Now, with new avatar, Kelela displays the masterful intention she puts into forming new sonic cityscapes. But don’t confuse it with escapism: “I don't want the music to be a distraction from what's really going on in the world; I want it to help you get into it.”

Nach der Veröffentlichung von „idea 1“, kündigt Kelela ihr neues, drittes Album an, das am 10. Juli bei Warp Records erscheint – und veröffentlicht die zweite Single „linknb“, produziert von Oscar Scheller.

Der Track entstand in einer Phase der Schreibblockade und begann als Mantra, das Kelela schrieb, um sich wieder an die Arbeit zu bringen. Angeführt von einem labyrinthischen Gitarrenriff über treibenden Metal-Drums ist „linknb“ ein Song über Selbstvertrauen, das man sich durch Schwierigkeiten erarbeitet hat, darüber, sich nicht klein machen zu lassen. „Es ist nicht schwer, mutig zu sein / Es ist leichter, zu viel preiszugeben / Ich weiß nur, dass ich den Weg geebnet habe, unterbezahlt.“

Das von Mischa Notcutt inszenierte Video versetzt Kelela in die Mitte einer urbanen Traumlandschaft. Als enger Freund und Kelelas ehemaliger Kreativdirektor war Notcutt die naheliegende Wahl. Das Video lässt Realismus und Abstraktion ineinanderfließen und verwandelt eine einsame Reise in eine Meditation über Selbstfindung und Erneuerung.

Mit „new avatar“ rückt alles, worauf Kelela hingearbeitet hat, in den Fokus. Sie begann ihre ersten Songs in der Indie-Szene von Washington, D.C. zu schreiben, bevor die Clubmusik und die elektronische Produktion, die ihre frühe Karriere prägten, die Oberhand gewannen. Mit „new avatar“ schließt sie den Kreis: R&B, unterlegt mit verzerrten Gitarrenklängen, trifft auf neue Schnittstellen in der Tanzmusik und gipfelt in einem Sound, der aus all den musikalischen Einflüssen schöpft, die sie je geprägt haben. Das Album enthält zudem Kollaborationen mit PinkPantheress, A. K. Paul und Fousheé.

„Dieses Album findet Trost in der Konfrontation“, sagt Kelela. „Ich möchte nicht, dass die Musik von dem ablenkt, was wirklich in der Welt vor sich geht; ich möchte, dass sie in dieser verrückten Zeit Sinn ergibt und den Menschen gleichzeitig hilft, mit der Schönheit und Freude in Kontakt zu kommen, die sie ebenfalls erleben.“

Das Album setzt sich mit einer Welt auseinander, die aus allen Nähten auseinanderfällt, und mit der Klarheit, die das Überleben erfordert.

„Die Leute sollten auch wissen, dass meine Freunde und ich ständig lachen und dass Humor kein Abwehrmechanismus ist; er ist Ausdruck dafür, wie scharfsinnig wir die Dinge einschätzen und wie klar wir die Welt sehen.“

Im Kern schildert „new avatar“ eine vielschichtige Erfahrung, und obwohl die Außenwelt präsent ist, schwächt sie Kelelas Entschlossenheit zu keinem Zeitpunkt.

About Kelela: Throughout her globally revered, boundary-pushing career, Kelela has established a lane of her own in R&B and electronic music. On her long-awaited third album, new avatar, the singer/songwriter (through the versatility of the guitar) challenges perceptions of these genres, while weaving together fragments of lived experiences to shape a world of connection and resilience during times of unrest.

The songs journey through Black femme rage, joy as resistance, Gotham City-esque dystopia, misogynoir, romantic tension, and more. It’s anchored by production that demands a broader rethink about alternative, rock and indie music.

Kelela’s defiant nature has propelled her so far already — from her hometown of Washington, D.C to world stages. In 2013, she released her debut mixtape, Cut 4 Me. She continued solidifying her revolutionary R&B sound with 2015’s Hallucinogen EP, with The New York Times naming its single, “Rewind,” one of the “25 Songs That Tell Us Where Music Is Going”. By 2017, she released her electric debut album Take Me Apart (which was followed by 2018’s TAKE ME A_PART, THE REMIXES), building upon her intimate storytelling.

After a nearly five-year hiatus, she returned in 2023 with her groundbreaking second album, Raven, and its critically-acclaimed counterpart, RAVE:N, The Remixes in 2024. Raven has been hailed as one of the ‘Best Albums of 2023’ by Pitchfork, Billboard, Vulture, Variety, and more, while the remixes solidified her as a leader in the dance music space.

In 2025, Kelela showcased yet another innovative side of her artistry with her live album In The Blue Light, which hit #5 on the Contemporary Jazz chart and #20 on the Jazz Albums chart. Now, with new avatar, Kelela displays the masterful intention she puts into forming new sonic cityscapes. But don’t confuse it with escapism: “I don't want the music to be a distraction from what's really going on in the world; I want it to help you get into it.”

Black Midi war von Anbeginn der Band ein illustres wie kreatives Tummelbecken für die Mitglieder der britischen Band - nun löst sich Geordie Greep mit seinem am 4. Oktober bei Rough Trade Records erscheinendem Solo-Debüt noch mehr von jeglichen Einschränkungen und Kompromissen! Eines der Hauptthemen von Anthony Powells Roman "A Dance to the Music of Time" ist der Kontrast zwischen jenen Charakteren, die nur von Macht getrieben werden, und jenen, die mehr mit den sinnlichen Freuden des Lebens in Einklang stehen. Unweigerlich holen die Zeit und das Schicksal jeden Protagonisten ein, und der Leser kann darüber nachdenken, ob ihr Schicksal gerechtfertigt ist oder nicht. "The New Sound" wirkt oft wie eine Wiederholung von Powells Thema, untermalt von einem schrägen - und völlig verkabelten - Palm Court Orchestra. Das Album ist mit Sicherheit eines, das den Hörer über die gesamten elf Tracks hinweg voll in seinen Bann zieht. Greep: "Ich war besorgt wegen der Länge, um nicht zu viel zu verraten. Aber ich bin es auch verdammt leid, Musik zu hören und im Voraus zu wissen, was sie bedeutet oder was sie zu tun versucht. Bei all meiner Lieblingsmusik geht es darum, dass der Hörer sich mit dem auseinandersetzt, was vor sich geht. Meine Lieblingssänger, wie Peter Hammill oder Nat King Cole, sind buchstäblich einmalig. Das liebe ich. Vor allem bei Texten, bei denen man nicht genau weiß, worum es geht, aber man weiß, dass es nicht nur abstrakte Gedanken sind."

"Tranquilizer is, Ambience by force" - Oneohtrix Point Never

"Tranquilizer" klingt nicht nach Beruhigung, sondern nach Wiederauftauchen. Daniel Lopatin verurteilt nicht unser Bedürfnis nach Flucht, sondern erkundet vielmehr, was danach passiert. Sein neues Album zeichnet eine Bewegung von schwereloser Ruhe hin zu etwas Bodenständigerem nach – keine Heldenreise, sondern der notwendige Kreislauf von Rückzug und Rückkehr, der uns in einer ebenso überwältigenden wie banalen Welt den Verstand bewahrt.

Wir stürzen aus der triefenden Glückseligkeit von "Lifeworld" in die traurige Melancholie von "Cherry Blue" und die spastischen Grooves von "Rodl Glide". Wie immer bei OPN kollidiert das Reale mit dem Unwirklichen. Wer genau hinhört, hört das Kratzen von Fingern auf einem Griffbrett, einen Stein, der über einen Kerkerboden gleitet, das Quietschen einer sich öffnenden Tür. Lopatins Musik war nie ein abstraktes Farbfeld; sie hat Gewicht, Kanten, Schatten. Während "R Plus Seven" nur aus kristallinen Arpeggiatoren bestand und "Garden Of Delete" ein fieberhaftes Erbrechen gurgelnder Synthesizer war, fühlt sich "Tranquilizer" an, als würde man aus einem Traum fallen, den man noch berühren kann.

Der Dritte Raum kehrt mit einem neuen Album ins Harthouse zurück: Hypnotischer Techno, abgefahrene SynthesizerReisen, verspieltes Sequencing und eine hochmusikalische Interpretation elektronischer Tanzmusik. Mit einer einzigartigen Mischung aus analoger Wärme und futuristischer Präzision erkundet dieses Album die Welt unterbewusster Muster, Traumlogik und körperbewegender Rhythmen. Einfallsreich und gleichzeitig clubtauglich erzählt Replacement Dreams eine Geschichte von Bewegung, Introspektion und klanglicher Transformation. Minimalistisch in der Form und doch reich an Klangtexturen, verbindet das Album mechanische Struktur mit traumhafter Abstraktion. Replacement Dreams ist ein konsequentes Techno-Statement. Dieses Album ist eine unerbittliche Reise durch hypnotisches Sequencing, präzise Drum-Programmierung und die unverwechselbare Wärme und Härte analoger Synthese – geschaffen für die dunkleren, intensiveren Momente der Nacht.

Der Dritte Raum kehrt mit einem neuen Album ins Harthouse zurück: Hypnotischer Techno, abgefahrene SynthesizerReisen, verspieltes Sequencing und eine hochmusikalische Interpretation elektronischer Tanzmusik. Mit einer einzigartigen Mischung aus analoger Wärme und futuristischer Präzision erkundet dieses Album die Welt unterbewusster Muster, Traumlogik und körperbewegender Rhythmen. Einfallsreich und gleichzeitig clubtauglich erzählt Replacement Dreams eine Geschichte von Bewegung, Introspektion und klanglicher Transformation. Minimalistisch in der Form und doch reich an Klangtexturen, verbindet das Album mechanische Struktur mit traumhafter Abstraktion. Replacement Dreams ist ein konsequentes Techno-Statement. Dieses Album ist eine unerbittliche Reise durch hypnotisches Sequencing, präzise Drum-Programmierung und die unverwechselbare Wärme und Härte analoger Synthese – geschaffen für die dunkleren, intensiveren Momente der Nacht.

Japans kultige Goldgrube DD. Records wurde innerhalb weniger Jahre eröffnet und wieder geschlossen. In dieser kurzen Zeit (1980-1985) erschienen 222 Tapes (und einige Vinyl-LPs) mit der seltsamsten, gewagtesten und süchtig machendsten subversivsten Musik aus ihren sozialen und kreativen Kreisen, die ausserhalb Japans nicht zu finden waren. Jedes Tape enthielt abstrakte, xerografische, oft von Musikern selbst erstellte Grafiken, während sich die inhaltliche Bandbreite von Avant-Punk, kubistischer Ambient-Musik, Soundcollagen, Pop-Concréte, Jazz-Prog bis zu früher Computermusik erstreckte. Zum Abschluss erschien vorliegende Compilation als Abschiedsgeschenk, die 5 fieberhafte Jahre neuer Musik abrundete und die kreative Identität des Avantgarde-Labels unterstrich. Darin befinden sich 13 endlose und merkwürdige Schätze, die jetzt nochmal das Licht der Welt erblicken.

Michael Mayer albums don’t come round too often, which is one of many reasons why his fourth collection, The Floor Is Lava, is a genuine event. It’s been eight years since his last one, the collaborative & released on !K7; its predecessors, Mantasy (2012) and Touch (2004), took their sweet time, too. It’s no real surprise, given the many hats Mayer wears – globetrotting DJ, revered remixer, inveterate collaborator, and boss of both Kompakt and Imara – that his solo productions are relatively sparing. But this also speaks to their quality: Mayer’s name on a record sleeve is a sign of quality, of music that’s both looking to the future and calling back to the past, that balances the imperatives of the dancefloor and the loungeroom, that’s as exploratory as it is functional.

On The Floor Is Lava, Mayer seems to be taking the temperature of both the music that surrounds him (past and present), and the ides of the industry he works within. There’s that iconic album title, for a start. “The album’s mindset,” he says, reflecting on those four words together. For Mayer, it’s partly a critique of the way the industry boxes in both producer and listener, focuses them on genre, on market, on the next new thing: “Being a free minded spirit that transcends genres has become an uphill battle.” A battle worth fighting, though, and with The Floor Is Lava, the result is an album that’s varied, quixotic, idiosyncratic, charming, and deeply, addictively listenable.

Throughout, Mayer finds thrills in exploration and juxtaposition, allowing unexpected things to blossom and giving them their life, their platform, throwing the listener exciting curveballs: “It’s a DJ album by a DJ that’s easily bored.” Either easily bored, or endlessly curious, The Floor Is Lava is rich with ideas. It opens with “The Problem”, which looks back to look forward, embracing the rickety way early house productions threw samples together with gleeful abandon. Mayer mentions Pal Joey, and the scene around Rockers Hi-Fi and their Different Drummer imprint, as reference points, and you can hear that freewheeling spirit throughout.

It’s followed by “Vagus”, a slinky, sensual minimal house number that Mayer describes as his “musical catnip”. The flow of these two opening cuts defines the dynamic of The Floor Is Lava, defining the dialectical drive at its core: thesis and antithesis leads to synthesis, but with a welcome prickliness that means you’re always excited, always engaged. It’s also productive in the way it derives energy from rubbing genres and sounds against each other, in unexpected ways, for maximum musical frisson. There’s psychedelic techno on “Feuerstuhl”, more minimal techno with “Ardor” (Mayer mentions ‘Immer 1’ era 90s minimal as inspiration), slippery, Shepard-tone breakbeat through “Sycophant”, a lovely, lush vocal turn on the poppy “The Solution”.

The album closes with the melancholy “Süßer Schlaf”, where Mayer sets a poem by Goethe to one of his most haunted, moving pieces of music yet, in abstract tribute to a lost friend. It’s one of the most affecting moments on The Floor Is Lava. There’s also an update on 2020’s wild Brainwave Technology EP, with the surrealist glitter-stomp of “Brainwave 2.0” (check out those handclaps!),where Mayer’s thinking about the socio-political precipice of the now: “I’m reading with great interest about this whole complex of how humanity is about to cross so many lines and the implications that the resulting financial and educational inequality will bring.”

That’s The Floor Is Lava: then and now, brainwaves and nerve structures, problems and solutions, genres on fire; the real, the unreal, and the surreal. An album for the easily bored and the endlessly curious. Mayer has the last word, telling us all you need to know about the album’s spirit: “Burning for the cause, being zealous, being addicted to the heat of the night, the exuberant powers of music.”

Michael Mayer veröffentlicht nicht oft Alben, was einer von vielen Gründen ist, warum ‘The Floor Is Lava’ ein echtes Ereignis ist. Es sind acht Jahre vergangen seit seinem letzten Werk, dem Kollaborationsalbum &, das auf !K7 erschien; seine Vorgänger, Mantasy (2012) und Touch (2004), ließen ebenfalls auf sich warten. Es überrascht nicht wirklich, da Mayer viele Rollen gleichzeitig erfüllt – weltreisender DJ, vielbeschäftigter Remixer, unermüdlicher Kollaborateur und Chef von sowohl Kompakt als auch Imara – weshalb seine Solo-Produktionen eher sparsam ausfallen. Doch das spricht auch für deren Qualität: Ein Album mit Mayers Namen auf dem Cover steht für Qualität, für Musik, die sowohl in die Zukunft blickt als auch auf die Vergangenheit verweist, die das Gleichgewicht zwischen den Anforderungen des Dancefloors und des Wohnzimmers hält, die genauso erforschend wie funktional ist.

Auf The Floor Is Lava scheint Mayer sowohl die Musik um ihn herum (vergangen und gegenwärtig) als auch die Strömungen der Branche, in der er arbeitet, zu reflektieren. Da wäre zunächst der ikonische Albumtitel. „Die Grundhaltung des Albums“, sagt er, drückt sich in diesen vier Worte aus. Für Mayer ist es teilweise eine Kritik daran, wie die Industrie sowohl Produzenten als auch Hörer in Schubladen steckt, sie auf Genres, auf den Markt und auf das nächste große Ding fokussiert: „Ein freier Geist zu sein, der Genres überschreitet, ist zu einem steinigen Weg geworden.“ Ein Kampf, der sich jedoch lohnt, und mit The Floor Is Lava ist das Ergebnis ein Album, das vielfältig, eigenwillig, charmant und tiefsinnig, aber auch süchtig machend ist.

Im gesamten Album findet Mayer Freude an der Erforschung und Gegenüberstellung von Stilen, lässt unerwartete Dinge erblühen und gibt ihnen Raum, überrascht den Hörer mit spannenden Wendungen: „Es ist ein DJ-Album von einem DJ, der sich schnell langweilt.“ Entweder langweilt er sich schnell oder er ist unendlich neugierig – The Floor Is Lava ist reich an Ideen. Es beginnt mit „The Problem“, das in die Vergangenheit blickt, um nach vorne zu schauen, und die wilde Art, wie frühe House-Produktionen Samples mit fröhlicher Unbekümmertheit zusammenwarfen, aufgreift. Mayer nennt Pal Joey und die Szene um Rockers Hi-Fi und ihr Label Different Drummer als Referenzpunkte, und dieser freie Geist zieht sich durch das gesamte Album.

Es folgt „Vagus“, eine sinnliche Minimal-House-Nummer, die Mayer als seine „musikalische Katzenminze“ beschreibt. Der Fluss dieser beiden Eröffnungstracks definiert die Dynamik von The Floor Is Lava und den dialektischen Antrieb im Kern: These und Antithese führen zu einer Synthese, jedoch mit einer willkommenen Schärfe, die dafür sorgt, dass man immer aufgeregt und engagiert bleibt. Zudem gewinnt das Album Energie, indem es Genres und Klänge auf unerwartete Weise aneinanderreibt, um maximalen musikalischen Nervenkitzel zu erzeugen. Es gibt psychedelischen Techno in „Feuerstuhl“, mehr Minimal Techno mit „Ardor“ (Mayer erwähnt ‘Immer’ Ära Minimal als Bezugspunkt), gleitenden Shepard-Ton-Breakbeat in „Sycophant“ und einen lieblichen, üppigen Vocal-Auftritt im poppigen „The Solution“.

Das Album schließt mit dem melancholischen „Süßer Schlaf“, in dem Mayer ein Gedicht von Goethe vertont und eine seiner bisher eindringlichsten und bewegendsten musikalischen Kompositionen schafft, als abstrakten Tribut an eine verschiedene Freundin. Es ist einer der ergreifendsten Momente auf The Floor Is Lava. Ebenfalls gibt es ein Update der wilden Brainwave Technology-EP von 2020, mit dem surrealistischen Glitzer-Stampfer „Brainwave 2.0“ (hör dir diese Handclaps an!), in dem Mayer über den sozio-politischen Abgrund der Gegenwart nachdenkt: „Ich lese mit großem Interesse über diesen ganzen Komplex, wie die Menschheit dabei ist, so viele Grenzen zu überschreiten und welche Auswirkungen die daraus resultierende finanzielle und bildungstechnische Ungleichheit haben wird.“

Das ist The Floor Is Lava: Damals und heute, Gehirnwellen und Nervengeflechte, Probleme und Lösungen, brennende Genres; das Reale, das Unreale und das Surreale. Ein Album für die schnell Gelangweilten und die unendlich Neugierigen. Mayer hat das letzte Wort und sagt uns alles, was wir über den Geist des Albums wissen müssen: „Brennen für die Sache, leidenschaftlich sein, süchtig nach der Hitze der Nacht, den überschwänglichen Kräften der Musik.“

Continuing where Oddkut and Abstrakt Sonance’s FKOFv007 left off, our 8th record is a collaborative affair – three artists, four tunes and a whole lot of weight. 11th Hour is one of our long-standing collaborators, having appeared on our second ever EP back in 2013, and Substrada is quickly following in Jason’s footsteps with his latest outing with us. And, as you’d suspect, we’re delighted to welcome Charles back after his epic (collab) FKOFd046 in 2020. Last, but definitely not least, we welcome Kusmo to the FKOF family – an artist we’ve super excited about.

“FKOFv008’s been doing the rounds for most of 2022, with two solo outings for Substrada and two collaborative efforts. We’ve had some epic DJ support from the likes of Mala, but it’s hard to choose a favourite from across this record. ‘Coolin’ With The Gang’ is signature Substrada; all spooky atmospheres, suffocating sub pressure and a few vocal samples that have upset a few radio stations over the last 12 months. It’s a banger. The second A- side is the meditative ‘Predator Flow’ – eyes down power and our favourite beats, bass and space recipe. Watch for this one! The third inclusion, the Kusmo collab entitled ‘Wump’, does what you’d expect. It is, as it proudly exclaims, “the shit”. We’re excited to see where these two take their efforts (separately and together)! The record closes with the absolute scenes ‘Colossus’ has inspired across the dance floors this year, with Substrada and 11th Hour joining forces to create one of our tunes of the year. It is relentless.

“FKOF Records celebrates its tenth birthday in 2023 and we’ve got some epic physical releases coming to celebrate our decade of 140bpm. Substrada’s FKOFv008 gives you some idea of what we’ve got coming, and we hope you enjoy these four tunes (from three of our favourite producers!) as we close out 2022. Thank you for all your support this year, and we’ll see you on the flipside.

It’s 2020, the year Pop Ambient turns twenty-one years old, a spritely young adult waltzing out of its teenage joys and tears. Pop Ambient has always stood for a certain classicism and elegance, a kind of beatless music that’s diaphanous and hazy, gossamer and glittering. It’s a music that’s no less inviting for its slow pace and becalmed nature, with a different kind of tension bubbling under the surface. For twenty-one years, KOMPAKT co-founder Wolfgang Voigt has curated a series of peerless compilations that repeatedly find refreshing answers to a simple question – What happens when the dancefloor is empty, and everyone’s home to drift away?

As with many other Pop Ambient compilations, Pop Ambient 2021 offers a welcome platform to contributions from both old friends and new faces. It opens with the gorgeous, slo-mo drift of “Of A Vessel”, from new Kompakt signings Blank Gloss. Sending their music out into the world from their home in Sacramento, this duo makes music that’s featherlight and luscious, the muted chime of a guitar over here, the steady hum of a halatial drone over there; everything in its right place, and nothing overdone. The poise is all. Neozaïre (Tobias Sawitzki aka Noorden) and Seventh World (Juho Hietala aka Blamstrain) are our other two new voices, the latter closing (the CD version of) Pop Ambient 2021 with a long, lambent dreamsong, Neozaïre offering us two gaseous, morphing driftworks, “Vor den Toren Europas” and “In Verschwenderischer Fülle” (CD only), etched across with bell-like arpeggios.

Pop Ambient has always felt like a field for play for the KOMPAKT cognoscenti, and 2021 is no different, with Joachim Spieth collaborating with Pepo Galán on the sidereal visions of “Libration”, while Leandro Fresco teams up with Thore Pfeiffer on the lovely “Abejorro”. Pfeiffer also contributes two lovely solo miniatures of abstract longing. Yui Onodera calls in again, long distance, for their fourth Pop Ambient running, with the refracted, glinting lightscapes of “Cromo 5” and “Monochrome”, while there are also star turns from Max Würden, both solo and in Reich & Würden (with Luis Reichard), and Morgen Wurde, who drops by with the ‘ethereal drama’ of “Mittsommer”.

Pop Ambient gets the balance right: visions and soundscapes, long-distance communications and intimate asides, sweetness and light, drama and dreaming, all wrapped up in floral abstractions – a most beautiful distraction.

Wir schreiben das Jahr 2020, das Jahr, in dem Pop Ambient einundzwanzig Jahre alt wird – das entspricht etwa einem lebenshungrigen jungen Erwachsenen, der gerade aus den letzten Teenager-Freuden und Leiden herausgewachsen ist. Pop Ambient steht seit jeher für eine gewisse Klassik und Eleganz, beatfreie Musik, die, transparent und leicht verschwommen, zart und glitzernd leuchtet. Musik, die trotz ihrer Langsamkeit und ihrer sanften Natur unter Spannung steht, weil hier immer etwas unter der scheinbar ruhigen Oberfläche brodelt.

Einundzwanzig Jahre lang hat KOMPAKT-Mitbegründer Wolfgang Voigt diese einzigartige Compilation-Reihe kuratiert, die immer wieder neue Antworten auf eine einfache Frage findet: Wie füllt man die Leere nach dem Club?

Wie viele andere Pop Ambient-Compilations bietet auch Pop Ambient 2021 eine Plattform für die musikalischen Beiträge von alten Freunden und einigen neuen Gesichtern. Es beginnt mit dem wunderbaren Slo-Mo-Drift von "Of A Vessel" von Blank Gloss, einem neuen Kompakt Signing. Das Duo stammt aus Sacramento in Kalifornien und sendet von dort seine überaus leichte und sinnliche Musik in die Welt hinaus – ein zartes Zupfen an einer Gitarresaite hier, das gleichmäßige Dröhnen eines prunkvollen Soundscapes hier; alles ist hier am richtigen Platz und passiert ohne übertriebene Betonung. Gelassenheit ist alles. Neozaïre und Seventh World sind zwei weitere Neuzugänge. Hinter Seventh World steckt der finnische Produzent Juho Hietala aka Blamstrain, der (die CD Version von) Pop Ambient 2021 mit einem epischen, flackernden Traum names “Light The Waves Before Dawn“ beschließt, während Neozaïre, ein Seitenprojekt von Tobias Sawitzki aka Noorden, zwei gasförmige, sich immer wieder morphende und abdriftende Tracks abliefert: "In Verschwenderischer Fülle" (CD only) mit seinen glockenartigen Arpeggios und “Vor Den Toren Europas“.

Pop Ambient fühlte sich immer schon an wie ein Experimentierfeld für eingefleischte KOMPAKT-Künstler, und auch 2021 ist das nicht anders: zum Beispiel Joachim Spieth’s Kooperation mit Pepo Galán ("Libration") oder Leandro Fresco, der mit Thore Pfeiffer das liebevolle "Abejorro" produzierte. Pfeiffer steuert mit “Grape“ und “Center“ zwei weitere Solo-Miniaturen voller abstrakter Sehnsucht bei. Der japanische Klangkünstler Yui Onodera meldet sich mit den gebrochen-glitzernden Lichtlandschaften von "Cromo 5" und "Monochrome" bereits zum vierten Mal auf Pop Ambient zu Wort, während Max Würden sowohl solo, als auch als Teil von Reich & Würden (mit Luis Reichard) ebenso wie Morgen Wurde schon zu den Stars dieser Compilation gehört.

REPRESSED !!

Warp präsentiert die ersten 3 Autechre LP-Klassiker "Incunabula" (1993), "Amber" (1994) und "Tri Repetae" (1995), die seit 2001 nicht mehr erhältlich waren. Das britische Duo hatte mit seinem polyrhythmischen, abstrakten, dissonanten Stil einen massgeblichen Einfluss auf das 1990'er Electronica-Genre. Die ersten AE Werke reichen von Post-Acid-House-Electronica über zerstreute-hypnotische Ambient-Klanglandschaften bis zum B-Boy-Flavour ihrer Mitt-90'er-Exkursionen in Jungle, Industrial und HipHop-Gefilde. Schwarzes Doppel-Vinyl im Gatefold mit Download-Coupon in Postkarten-Grösse.

2014 markierte die Rückkehr des Aphex Twin nach 13 Jahren kreativer Abstinenz. Sein Album "Syro" überraschte mit glasklarem Sound und einer ausgeglichenen Balance aus Eingängikeit und Komplexität alle Generationen von Liebhabern abstrakter elektronischer Musik und gilt als eine der definitiven Release-Überraschungen des Jahres, die ihm zahlreiche Jahrespoll-Platzierungen und sogar eine Grammy-Nominierung einbrachte. Dermassen von den Reaktionen entzückt, verwirklicht der Aphex Twin seine Ankündigung weiterer Releases und legt nur wenige Monate spaäter diese neue EP nach, die seinen Ausnahmestatus als einer der innovativesten und kreativsten Elektronikproduzenten fernab gängiger Strukturen unterstreicht.

An album Maximum Rock 'N' Roll deemed not punk enough to review, Unwound's 1994 sophomore effort was a lethal depth charge aimed at major label grunge and independent hardcore alike. From the off-kilter, vertiginous rhythm of "Entirely Different Matters" to the neck-snapping velocity of "What Was Wound" to the relentless pounding at the end of "All Souls Day," New Plastic Ideas is the Sonic Youth-loving older sister to Fake Train's postpunk- obsessed little brother.

Sonderausgabe auf türkisfarbenem Vinyl. Ursprünglich 2009 veröffentlicht und seit Jahren vergriffen. Seit ,Endless Summer" hat uns die Musik von Christian Fennesz fasziniert. Während viele Laptop-Künstler nicht über ein leeres elektronisches Rumpeln ohne Tiefe hinauskommen, schafft es Fennesz, eine Welt voller ungehörter und reichhaltiger neuer Klänge zu erschaffen. Christians Idee, mit Mark Linkous von Sparklehorse zusammenzuarbeiten, hat uns sofort begeistert. Die beiden Künstler waren schon ein paar Mal gemeinsam aufgetreten und hatten beide das Gefühl, dass in dieser Zusammenarbeit noch mehr Potenzial steckte. Nur zwei Tage im Dezember 2007 reichten aus, um über 40 Minuten der erhabenen Kombination aus Fennesz und Sparklehorse aufzunehmen. Vorbereitete Kuriositäten und jede Menge Inspiration machen diese Aufnahmen einzigartig in ihrem Stil und insbesondere in dieser Serie. Songs und Klanglandschaften von seltener Schönheit mit atemberaubender Atmosphäre, in denen abstrakte Klänge und gut ausgearbeitete traditionelle Songstrukturen aufeinandertreffen und akustische Instrumente und Elektronik ein herausragendes Ambiente schaffen.

Aufgenommen 1959 innerhalb von zwei Tagen in San Francisco, zeigt „Alone in San Francisco“ Thelonious
Monk in einer seltenen, ungezwungenen Form – solo, ohne Publikum und ohne Ensemble. Da er sich
nirgendwo verstecken konnte, zeigte sich Monk (wenig überraschend) der Situation gewachsen und schuf
eines der intimsten Dokumente seines Schaffens.
Das Album bietet eine Mischung aus Standards und Eigenkompositionen. Es beginnt mit Monks schwungvollem,
virtuosem Klassiker „Blue Monk“, seinem wohl am häufigsten aufgenommenen Werk, bevor es in die schräge
Eleganz von „Ruby, My Dear“ übergeht. An anderer Stelle unterstreichen zwei Takes des faszinierend
betitelten „There’s Danger in Your Eyes, Cherie“ Monks Improvisationsinstinkt, der zwischen beschwingter
Meditation und verspielter Abstraktion oszilliert.
Diese Neuauflage des Albums erscheint als Teil der Original Jazz Classics Series auf 180-Gramm-Vinyl,
gepresst bei RTI, mit vollständig analogem Mastering von den Originalbändern bei Cohearent Audio und
einer Tip-On-Hülle, die das Original-Artwork originalgetreu nachbildet.

In den letzten fünf Jahren hat sich Joe Westerlund intensiv mit der Clave beschäftigt, dem metrischen Muster, das zunächst die afro-kubanische und lateinamerikanische Musik geprägt hat und dann in fast alle Bereiche des Jazz und Rock Einzug gehalten hat. Was bedeutete es, dass eine Idee so flexibel war, dass sie so viele Formen annehmen konnte und dabei doch ihre eigene Essenz behielt? Das Ergebnis ist für Westerlund ein Sprung ins Unbekannte: Curiosities from the Shift, ein 12-Track-Spielplatz mit endlos verwobenen Beats und Melodien, auf dem Westerlunds Begeisterung für die Clave auf seinen experimentellen Umgang mit Texturen trifft und seine rhythmische Symphonie mit Freunden Hand in Hand geht, die diesen Raum gemeinsam mit ihm gestalten. Die dreiteilige Suite, die die erste Hälfte von Curiosities ausmacht, beginnt mit den Schrottplatz-Percussions und den entzückenden Bass-Splashes, die ,Tem" umrahmen, und endet mit dem surrealistischen Boom-Bap von Daumenklavieren und Shakers auf ,Can Tangle". Diese Stücke strahlen eine hart erkämpfte Freude aus, als würde Westerlund sich in Echtzeit daran erfreuen, eine potenzielle Sackgasse zu entdecken, aber trotzdem seinen eigenen Weg nach vorne zu finden. Diese Songs wurden zu einer Art Arbeitsplan für das Terrain, das Westerlund auf Curiosities erkundet, vom glorreichen Call-and-Response-Opener ,Nu Male Uno" bis zum unheimlich amorphen Schlussstück ,Felt Like Floating". Alle diese Songs zeichnen sich durch einen erkennbaren Rhythmus aus, wie den galoppierenden Gang in der Mitte von ,Midpoint" und den kopfnickenden Puls, der sich durch ,Persurverance" schlängelt, dessen Name augenzwinkernd falsch geschrieben ist, um seiner Aussprache aus North Carolina via Wisconsin zu entsprechen. Aber das sind nur Sprungbretter für andere Texturen, Stimmungen und Ideen, wie die New-Age-Anklänge - schimmernde Metallophone, zwitschernde Vögel, zurückhaltende Flöten -, die ,Midpoint" durchziehen, oder die Dub-artigen Delays und Gamelan-Hymnen, die ,Persurverance" durchziehen. Dies ist zutiefst vielschichtige Musik, deren treibender Kern durch eine Reihe überraschender Entscheidungen ausgeglichen wird. Bittersüße und Freude, Trauer und Befreiung, Seufzer und Lächeln: All das ist hier vorhanden und verflechten sich bis ins Unendliche. In den Monaten nach den ersten Sessions wandte sich Westerlund an Freunde - darunter Tim Rutilli von Califone, den Saxophonisten Sam Gendel, den Trompeter Trever Hagen und die Violinisten Libby Rodenbough und Chris Jusell. Es waren seine am gründlichsten komponierten und präzisesten Werke, aber er wollte hören, was passierte, wenn seine Freunde in Echtzeit darauf reagierten. Sie lieferten Anmut, Tiefe und Gefühl, wobei ihre Parts den Vorhang zu verborgenen Winkeln rhythmischer Welten öffneten. Westerlund gibt bereitwillig zu, dass er von der Betonung des Grooves und des Metrums des Albums überrascht ist, die sich von abstrakten Klängen abhebt. Nachdem er so lange mit Bands gelebt und gearbeitet hatte, ging er davon aus, dass er mit grundlegenden Metren fertig war. Diese 12 Songs verschmelzen so viele von Westerlunds Leidenschaften zu endlos faszinierenden Stücken, die mit vertrauten Elementen seine Abenteuer ins Unbekannte übertragen. Verspielt, aber zart, wehmütig, aber wundersam, von Beats angetrieben, aber nicht an sie gebunden - dies ist Westerlunds bisheriges Vermächtnis, das Soloalbum, das einen Blick auf eine musikalische und emotionale Landschaft eröffnet, die vielleicht sogar noch reichhaltiger ist, als er es sich jemals hätte vorstellen können.

"Morning Star" zeigt Kekht Aräkh auf dem Weg zu einer authentischeren, verfeinerten Version seiner selbst. Das Album wurde in Berlin und Stockholm aufgenommen und entstand in einer Phase intensiven persönlichen und künstlerischen Wachstums. Es verbindet aggressive Black-Metal-Passagen mit immersiven, strukturierten Klanglandschaften, die sowohl intim als auch weitläufig wirken. Seit seinen Anfängen in Mykolajiw, Ukraine, hat Dmitry (alias Crying Orc), der alleinige Kopf hinter dem Projekt, einen unverwechselbaren Weg innerhalb des Black Metal gesucht. Diese Vision entfaltete sich durch sein Debütalbum "Through the Branches to Eternity EP" (2018) und die Alben "Night & Love" (2018) und "Pale Swordsman" (2021), die eine charakteristische Spannung zwischen wildem, viszeralem Black Metal und zarten, introspektiven Balladen etablierten. Auf "Morning Star" erreicht diese Dynamik eine neue Tiefe. Das Album entstand in einer Phase künstlerischer Klarheit und erkundet eine rauere, persönlichere Gefühlspalette, geprägt von Stress, Angst und langen Phasen der Schreibblockade, was ihm eine seltene Unmittelbarkeit und Verletzlichkeit verleiht. Dmitry nahm fast alle Instrumente selbst auf, das Schlagzeug stammt von Jonathan (Spira Me, Vanskapth, Olycka). Bladee steuerte den Gesang bei und war Co-Autor der Texte zu "Eternal Martyr", eine unerwartete Zusammenarbeit, die eine intuitive Chemie offenbart. VS--55 und Varg2Ö fügen abstrakte Samples und subtile Texturdesigns hinzu, die "Morning Star" seine unverwechselbare Körnigkeit und analoge Wärme verleihen, während James Ginzburg (Emptyset, Osmium) sich um das finale Mastering kümmerte und die dynamische Tiefe und atmosphärische Fülle verstärkte. Mehrere Tracks greifen früheres Material mit neuen Perspektiven wieder auf. ,Wänderer" und ,Drömsang" wurden teilweise neu aufgenommen oder komplett neu interpretiert. Intensive, treibende Passagen kollidieren mit spärlichen, kontemplativen Zwischenspielen und erzeugen eine Landschaft, die sowohl viszeral als auch eindringlich ist. Themen wie Isolation und Wanderschaft tauchen in "Wänderer" auf, traumhafte Melancholie in ,Drömsang", existenzielle Kämpfe in "Angest" und Reflexionen über Zeit und Transformation in "Three winters away". Mit "Morning Star" verbindet Kekht Aräkh vergangene Erkundungen mit neuer kollaborativer Energie und produziert ein Album, das die Black-Metal-Tradition der 90er Jahre würdigt und gleichzeitig Lo-Fi-Wärme, melancholische Melodien, klangliche Experimente und emotionale Offenheit umfasst. Das Ergebnis ist ein zutiefst persönliches Statement - ein Album, das sowohl eine Ankunft als auch eine Fortsetzung seiner künstlerischen Reise darstellt.

"Morning Star" zeigt Kekht Aräkh auf dem Weg zu einer authentischeren, verfeinerten Version seiner selbst. Das Album wurde in Berlin und Stockholm aufgenommen und entstand in einer Phase intensiven persönlichen und künstlerischen Wachstums. Es verbindet aggressive Black-Metal-Passagen mit immersiven, strukturierten Klanglandschaften, die sowohl intim als auch weitläufig wirken. Seit seinen Anfängen in Mykolajiw, Ukraine, hat Dmitry (alias Crying Orc), der alleinige Kopf hinter dem Projekt, einen unverwechselbaren Weg innerhalb des Black Metal gesucht. Diese Vision entfaltete sich durch sein Debütalbum "Through the Branches to Eternity EP" (2018) und die Alben "Night & Love" (2018) und "Pale Swordsman" (2021), die eine charakteristische Spannung zwischen wildem, viszeralem Black Metal und zarten, introspektiven Balladen etablierten. Auf "Morning Star" erreicht diese Dynamik eine neue Tiefe. Das Album entstand in einer Phase künstlerischer Klarheit und erkundet eine rauere, persönlichere Gefühlspalette, geprägt von Stress, Angst und langen Phasen der Schreibblockade, was ihm eine seltene Unmittelbarkeit und Verletzlichkeit verleiht. Dmitry nahm fast alle Instrumente selbst auf, das Schlagzeug stammt von Jonathan (Spira Me, Vanskapth, Olycka). Bladee steuerte den Gesang bei und war Co-Autor der Texte zu "Eternal Martyr", eine unerwartete Zusammenarbeit, die eine intuitive Chemie offenbart. VS--55 und Varg2Ö fügen abstrakte Samples und subtile Texturdesigns hinzu, die "Morning Star" seine unverwechselbare Körnigkeit und analoge Wärme verleihen, während James Ginzburg (Emptyset, Osmium) sich um das finale Mastering kümmerte und die dynamische Tiefe und atmosphärische Fülle verstärkte. Mehrere Tracks greifen früheres Material mit neuen Perspektiven wieder auf. ,Wänderer" und ,Drömsang" wurden teilweise neu aufgenommen oder komplett neu interpretiert. Intensive, treibende Passagen kollidieren mit spärlichen, kontemplativen Zwischenspielen und erzeugen eine Landschaft, die sowohl viszeral als auch eindringlich ist. Themen wie Isolation und Wanderschaft tauchen in "Wänderer" auf, traumhafte Melancholie in ,Drömsang", existenzielle Kämpfe in "Angest" und Reflexionen über Zeit und Transformation in "Three winters away". Mit "Morning Star" verbindet Kekht Aräkh vergangene Erkundungen mit neuer kollaborativer Energie und produziert ein Album, das die Black-Metal-Tradition der 90er Jahre würdigt und gleichzeitig Lo-Fi-Wärme, melancholische Melodien, klangliche Experimente und emotionale Offenheit umfasst. Das Ergebnis ist ein zutiefst persönliches Statement - ein Album, das sowohl eine Ankunft als auch eine Fortsetzung seiner künstlerischen Reise darstellt.

Seit etwas mehr als einem Jahrzehnt hat sich EXEK ganz leise zu einer der faszinierendsten Bands der Welt entwickelt, die sich von Album zu Album verändert und weiterentwickelt und sich nach und nach geöffnet hat, ohne jemals diese seltsame, unergründliche und insgesamt essentielle Eigenschaft zu verlieren, die sie so großartig gemacht hat - so EXEK-mäßig. Nun bringt die Post-Punk-Band aus Melbourne - Sänger und Chefarchitekt Albert Wolski, Gitarrist Jai Morris-Smith, Schlagzeuger Chris Stephenson, Synthesizer-Spezialist Andrew Brocchi, Trompeterin und Sängerin Valya YL Hooi und Bassist Ben Hepworth - ihr siebtes Album und erstes für DFA raus: ,Prove The Mountains Move". Es ist, wie Wolski sagt, ,ein bisschen epischer" als alles, was er bisher aufgenommen hat, ein üppiges und unverhohlen melodisches Set surrealistischer Popmusik, das sich in Widersprüchen suhlt. ,Dieses Album ist in seiner Machart experimentell", sagt Wolski, ,aber es klingt nicht unbedingt experimentell." Dafür gibt es einen guten Grund. Die Arbeit begann an einem kalten Nachmittag im Juni 2023, als Wolski und Stephenson sich in den Pelican Refill Studios in Melbourne trafen, um die Drums aufzunehmen - das erste, was sie immer machen. Danach ging Wolski alleine nach Hause und fing an, die aufgenommenen Beats und Breaks durchzugehen, wobei er sich von den Drum-Sounds zu Melodien und Basslines leiten ließ, Loops und Layers erstellte und so die Grundlage für ,Prove The Mountains Move" schuf. ,Ich fühle mich wohl dabei, alleine wie ein verrückter Wissenschaftler herumzutüfteln", sagt er. ,Ich habe es auch genossen, ohne klare Absicht auf Aufnahme zu drücken. Meistens führte mich das in eine interessante Richtung, die mein Bewusstsein wahrscheinlich nicht gesucht hätte." Und doch gelangte Wolski irgendwie zu seinem direktesten Werk seit Beginn des Projekts, neu inspiriert von der Klarheit und Prägnanz des Mainstream-Pop, der starken und unbestreitbaren Anziehungskraft einer einfachen Gesangsmelodie. Nachdem die berühmt-berüchtigten strengen COVID-Lockdowns in Melbourne beendet waren, wollte er einfach draußen bleiben. ,Die Arbeit an neuer Musik trat gegenüber dem Feiern mit Freunden in den Hintergrund", sagt er. ,Und diese Partys waren voller großer Hits als Soundtrack - Sachen, die ich selbst nicht wirklich hörte, Sachen, denen ich seit meiner Jugend nicht mehr begegnet war. Aber in den frühen Morgenstunden des Sonntags klingt ,Alive" von Pearl Jam, als würde man mit Gott sprechen. Genauso wie ,All I Wanna Do" von Sheryl Crow und ,Feel" von Robbie Williams. Krautrock und Dub waren immer noch in meiner DNA, aber die Musik, die ich zu machen begann, war vielleicht etwas unbeschwerter und vielleicht auch etwas emotionaler." Das heißt nicht, dass man hier Spuren von Eddie Vedder in Wolskis Gesang erwarten sollte, aber die Einsätze fühlen sich auf ihre eigene Weise ähnlich an - so klingt es, wenn EXEK wirklich alles geben. Nimm zum Beispiel die schwebenden Synthesizer des Openers ,Sidestepping" oder die gewaltigen Gitarren von ,Arriverderci Back Pain", die pyrotechnischen Klavierklänge von ,Don't Answer (When They Call)" oder die Bowie-artige Melancholie von ,You Have Been Blessed". Die Arrangements wirken offener, der Sound fokussierter. Es fällt nicht schwer, Wolski zu glauben, wenn er sagt, dass er viel Zeit damit verbracht hat, seine Mixe von ,Prove The Mountains Move" mit einigen der wichtigsten Alben, die je aufgenommen wurden, darunter ,Abbey Road", zu vergleichen. Aber alles ist relativ. Und textlich bleibt Wolski weiterhin verschlüsselt. ,Jeder Song ist eine Vignette in einem abstrakten Milieu, sei es ein experimentelles Chiropraktik-Geschäft am Flughafen oder spärlich bekleidete Kreaturen aus Staub in einem Food Court. Egal wie verrückt das auch sein mag, es gibt Themen und Motive auf dem gesamten Album, sowohl textlich als auch musikalisch, die sich in verschiedenen Songs widerspiegeln und aufeinander Bezug nehmen." Diese Dissonanz zwischen direkt und indirekt, glatt und strukturiert, schattig und glühend, verrückt und ausdruckslos ist die treibende Kraft im Herzen dieser Songs, seiner bisher besten.

ince its opening in spring 2021, JUBG, a still young Cologne gallery for contemporary art, has specialized in the broad field of artists and collaborations working along artistic interfaces, especially those between visual art and experimental and/or electronic music. For example, JUBG has already hosted exhibitions by Markus Oehlen, Kim Gordon, Wolfgang Voigt, Matthias and Aksel "Superpitcher" Schaufler, Sven-Åke Johansson, and Emil Schult. Albert Oehlen, who is a kind of mentor and supporter of the gallery, was also a guest at Albertusstraße this summer, where he presented the exhibition D-I-E ORPHEUSMASCHINE together with Michael Wertmüller, Thomas Stammer and the poet Rainald Goetz.

It is only logical that the gallery now expands its sphere of activity to include its own label, on which music appears that comes from similar contexts as the artists listed above already suggest.

As catalog number 1, JUBG is now releasing the official soundtrack to "The Painter" from 2021. The film, German title "Der Maler", is a mixture of feature film and documentary and a collaboration between German director Oliver Hirschbiegel, best known for his Oscar-nominated film "Downfall", and Albert Oehlen, with whom Hirschbiegel has a long friendship, as they both once studied together at the Hochschule der Bildenden Künste in Hamburg.

The docu-fiction shows Oehlen struggling with a painting and pondering the meaning of his work. Oehlen is played by German actor and musician Ben Becker, accompanied by the off-screen voice of Charlotte Rampling. In the film, Becker makes a painting that Oehlen himself creates step by step behind the camera, while the actor improvises the process in front of the camera.

The wonderful music for this film comes from no less than two outstanding personalities whose individual biographies and musical signatures could hardly be better suited to this project. On the A-side it is Gudrun Gut, icon not only of the German electronic music scene since at least the 90's, singer, composer, DJ, label owner (Monika Enterprise) and of course founding member of the legendary 80's New Wave band Malaria. On the B-side it’s the world famous and award winning US avant-garde trumpeter and improvisational musician Nathan "Nate" Wooley, who has played with Fred Frith and John Zorn among others.

Gudrun Gut's tracks bear such beautiful titles as "Bewegung", "Küste" or "Weinen" and she once again pulls out all the stops of her great skills and decades of experience as a producer of the most diverse electronic music genres. These are unusual and much more experimental musical paintings that she creates here than on her recent solo works. Edgy, angular, raw and unpolished, yet always elegant and clever, she subverts the male artist madness depicted extensively in the film in her own unique way.

Nathan Wooley answers with the instrument he has been familiar with since childhood, the trumpet, with which he is able to create a ravishingly virtuosic noise. His pieces are more like sketches, often only 90 seconds or a few minutes long, but in all their abstractness underpin the narrative of the film almost perfectly.

A limited edition of 20 copies in total, painted and signed by Ben Becker, can be purchased directly through JUBG.

JUBG, eine noch junge Kölner Galerie für zeitgenössische Kunst, hat sich seit ihrer Eröffnung im Frühjahr 2021 auf das weite Feld von Künstler:innen und Kollaborationen spezialisiert, die entlang künstlerischer Schnittstellen tätig sind, insbesondere an denen zwischen bildender Kunst und experimenteller und/oder elektronischer Musik. So hat JUBG bereits Ausstellungen von Markus Oehlen, Kim Gordon, Wolfgang Voigt, Matthias und Aksel "Superpitcher" Schaufler, Sven-Åke Johansson und Emil Schult gezeigt. Auch Albert Oehlen, der eine Art Mentor und stiller Unterstützer der Galerie ist, war im Sommer dieses Jahres zu Gast in der Albertusstraße, wo er zusammen mit Michael Wertmüller, Thomas Stammer und dem Dichter Rainald Goetz die Ausstellung D•I•E ORPHEUSMASCHINE präsentierte.

Es ist nur logisch und folgerichtig, dass die Galerie ihren Wirkungskreis nun um ein eigenes Label erweitert, auf dem Musik erscheint, die aus ähnlichen Zusammenhängen und Sphären stammt, wie es die oben aufgezählten Künstler:innen bereits vermuten lassen.

Als Katalog-Nummer 1 veröffentlicht JUBG nun den offiziellen Soundtrack zu "The Painter" aus dem Jahr 2021. Der Film, deutscher Titel “Der Maler”, ist eine Mischung aus Spiel- und Dokumentarfilm und eine Zusammenarbeit zwischen dem deutschen Regisseur Oliver Hirschbiegel, vor allem bekannt für seinen Oscar-nominierten Film "Der Untergang", und Albert Oehlen, mit dem Hirschbiegel eine lange Freundschaft verbindet, studierten sie doch beide zusammen einst an der Hochschule der Bildenden Künste in Hamburg.

Die Doku-Fiktion zeigt Oehlen, wie er mit einem Gemälde kämpft und über die Bedeutung seines Werks nachdenkt. Oehlen wird vom deutschen Schauspieler und Musiker Ben Becker gespielt und von der Stimme von Charlotte Rampling aus dem Off begleitet. Im Film erstellt Becker ein Gemälde, das Oehlen selbst hinter der Kamera Schritt für Schritt anfertigt, während der Schauspieler den Prozess wiederum vor der Kamera improvisiert.

Die wunderbare Musik zu diesem Film kommt von gleich zwei herausragenden Persönlichkeiten, die mit ihren individuellen Biographien und musikalischen Handschriften kaum besser zu diesem Projekt passen könnten. Auf der A-Seite ist dies Gudrun Gut, Ikone nicht nur der deutschen elektronischen Musikszene seit mindestens den 90er Jahren, Sängerin, Komponistin, DJ, Label-Betreiberin (Monika Enterprise) und natürlich Gründungsmitglied der legendären 80er Jahre New Wave-Band Malaria, auf der B-Seite der weltberühmte und Preisgekrönte US-amerikanische Avantgarde-Trompeter und Improvisationsmusiker Nathan “Nate” Wooley, der u.a. mit Fred Frith und John Zorn zusammengespielt hat.

Gudrun Gut’s Tracks tragen so schöne Titeln wie “Bewegung”, “Küste” oder “Weinen” und sie zieht hier einmal alle Register ihres großen Könnens und ihrer jahrzehntelangen Erfahrung als Produzentin der verschiedensten elektronischen Musikspielarten. Es sind ungewöhnliche und sehr viel experimentellere musikalische Gemälde, die sie hier entwirft als auf ihren jüngsten Solo-Werken. Kantig, eckig, roh und ungeschliffen und dabei immer elegant und schlau, unterläuft sie den im Film ausgiebig dargestellten männlichen Künstlerwahnsinn auf ihre ganz eigene Art und Weise.

Nathan Wooley antwortet mit dem ihm seit Kindesbeinen vertrauten Instrument, der Trompete, mit der er in der Lage ist, einen hinreißend virtuosen Lärm zu erzeugen. Seine Stücke sind eher Skizzen, oft nur 90 Sekunden oder ein paar wenige Minuten lang, die in all ihrer Abstraktheit das Narrativ des Films nahezu perfekt untermalen.

Eine auf insgesamt 20 Exemplare limitierte Edition, bemalt und signiert von Ben Becker, ist direkt über die JUBG zu erwerben.

KANONENFIEBER: "In der Schule lernen wir, dass Krieg etwas Schlechtes ist. Vom Prager Fenstersturz bis zur Ermordung des Thronfolgers in Sarajevo - Krieg bedeutet immer Gewalt. Wir hören von politischen Spannungen, gewagten Feldzügen und zermürbenden Materialschlachten. Untermauert wird all das von Zahlen, so gewaltig und abstrakt, dass sie beinahe irreal wirken: 17 Millionen Tote allein im Ersten Weltkrieg.
Wenn sich der Pulverdampf vom Schlachtfeld verzogen hat, bleiben nur noch Tote zurück - keine Menschen. Doch wer war der Mann, der erschossen im Granatentrichter liegt? Wer war der kaum 17-jährige Junge, der nach einem Minentreffer im Unterstand erstickte, schreiend nach seiner Mutter? Wer war der Feldwebel, der Fahnenjunker, der Pionier - der einfache Soldat, der innerhalb weniger Sekunden sein Leben und seine Identität verlor? Ein einzelnes Schicksal, das im Schatten des "großen Ganzen" so winzig erscheint, dass es kaum Beachtung findet.
Genau hier setzt Soldatenschicksale an.
Von der Landung der Amerikaner an der Westfront über den erbarmungslosen Winterkrieg im Osten bis hin zu den Kämpfen auf und unter der Wasseroberfläche der Nordsee - es geht um Menschen. Um Stimmen. Um Geschichten, die in Vergessenheit geraten. "Soldatenschicksale" versammelt überarbeitete Fassungen von "Yankee Division" (2022), "Der Füsilier" (2023) und "U-Bootsmann" (2023) sowie zwei neue Stücke, die als "Skagerrak" fungieren.
Skagerrak. Die größte Seeschlacht des Ersten Weltkriegs.
Nach jahrelangem Wettrüsten zwischen dem Deutschen Kaiserreich und Großbritannien ist es am 31. Mai 1916 so weit: zwei Großmächte prallen aufeinander. In den Songs "Z-Vor!" und "Heizer Tenner" wird der Untergang des Kleinen Kreuzers SMS WIESBADEN geschildert, erzählt aus der Sicht eines Marinemelders und eines Heizers. Artillerie, Flammen, Maschinenlärm - und mittendrin: zwei Männer, die Teil einer Geschichte werden, die keiner überlebt."
Ltd. CD Mediabook, Ltd. Gatefold LP & LP-Booklet, LP, Digital album.

"Tranquilizer is, Ambience by force" - Oneohtrix Point Never

"Tranquilizer" klingt nicht nach Beruhigung, sondern nach Wiederauftauchen. Daniel Lopatin verurteilt nicht unser Bedürfnis nach Flucht, sondern erkundet vielmehr, was danach passiert. Sein neues Album zeichnet eine Bewegung von schwereloser Ruhe hin zu etwas Bodenständigerem nach – keine Heldenreise, sondern der notwendige Kreislauf von Rückzug und Rückkehr, der uns in einer ebenso überwältigenden wie banalen Welt den Verstand bewahrt.

Wir stürzen aus der triefenden Glückseligkeit von "Lifeworld" in die traurige Melancholie von "Cherry Blue" und die spastischen Grooves von "Rodl Glide". Wie immer bei OPN kollidiert das Reale mit dem Unwirklichen. Wer genau hinhört, hört das Kratzen von Fingern auf einem Griffbrett, einen Stein, der über einen Kerkerboden gleitet, das Quietschen einer sich öffnenden Tür. Lopatins Musik war nie ein abstraktes Farbfeld; sie hat Gewicht, Kanten, Schatten. Während "R Plus Seven" nur aus kristallinen Arpeggiatoren bestand und "Garden Of Delete" ein fieberhaftes Erbrechen gurgelnder Synthesizer war, fühlt sich "Tranquilizer" an, als würde man aus einem Traum fallen, den man noch berühren kann.

Die italienische Singer-Songwriterin Marta Del Grandi veröffentlicht Ende Januar 2026 ihr neues Album Dream Life bei Fire Records, ihre erste neue Musik seit dem raffinierten, hingebungsvollen Pop ihres Albums Selva aus dem Jahr 2023. Del Grandi kehrt mit einem Album zurück, das in einem Feld der Träume spielt, einer multidimensionalen Panoramaaufnahme, unterbrochen von gelassener Desillusionierung, die musikalische Grenzen überschreitet, während persönliche Hoffnungen und Sehnsüchte gegen die Weite der Sterne und darüber hinaus geworfen werden. Das Album beginnt mit ,Antarctica", einem Song, der sich mit dem ethischen Dilemma der Welt auseinandersetzt und uns mit einem Riff, das an Talking Heads in ihrer Blütezeit erinnert und mit abstrakten Phrasierungen à la Laurie Anderson durchsetzt ist, aus unserer Komfortzone reißt. ,Neon Lights" unterstreicht diese Stimmung, geht jedoch auf einer persönlicheren Ebene darauf ein. Die verzerrten Gitarren und der wandernde Bass bieten einen härteren Einblick in rebellische Selbstfindung, eingebettet in einen symphonischen Klangteppich. Weiter in ,Dream Life" ist ,Alpha Centauri" ein eindringliches, introspektives Stück Pop-Magie, das Martas wunderschöne Stimme in Nostalgie für die Teenagerzeit schwelgen lässt und ihr inneres Kind wiederentdeckt, während eine entfernte Tuba eine Gegenmelodie trägt. Der Titeltrack untersucht den Quantensprung zwischen Realität und unseren Träumen und Ambitionen und bildet einen Kontrapunkt zu ,Shoe Shaped Cloud" und seiner grüblerischen Untersuchung einer gescheiterten Beziehung, die von einer schmerzerfüllten Stimme vorangetrieben wird, die an Radiohead in ihrer zerbrechlichsten Phase erinnert. Das Album spiegelt das wachsende Bewusstsein wider, dass wir die Zukunft oder das Ergebnis unserer Pläne nicht vollständig kontrollieren können. Dieser rote Faden zieht sich durch das gesamte Album, eine Reise, die poetisch, ironisch und tief in der Gegenwart verwurzelt ist. ,Mein vorheriges Album Selva hatte einen poetischen und bukolischen Charakter - in meinem Kopf kann ich mir jeden Song als Ölgemälde vorstellen - Dream Life hat einen zeitgemäßeren Ansatz, mit Texten, die politische und soziale Themen berühren, einer expliziteren persönlichen Erzählweise und einem klareren Pop-Sound. Es ist eher wie ein Fotobuch, klarer und detaillierter." - Marta Del Grandi Limitiertes, goldfarbenes Vinyl, bedruckte Innenhülle, mit DLC oder Digi-Sleeve CD.

FLAPS - Eine fast 48 Minuten lange Solo-Gitarrenimprovisation. In einem Stück. Terrie geht an viele Grenzen und Ecken. Eine faszinierende Reise durch Klanglandschaften und Stimmungen. Wie ein abstrakter Film in seinem Kopf.

Did You Enjoy Your Time Here...? ist das neue Studioalbum von PremRock, einem Künstler von Backwoodz Studioz(vielleicht am besten bekannt als die Hälfte von ShrapKnel; das ernüchternde Yin zu Curly Castros wildem Yang). DYEYTH knüpft da an, wo Prems nachdenkliches Backwoodz-Debütalbum ,Load Bearing Crow's Feet" aus dem Jahr 2021 aufhörte: klar, herzlich und gnadenlos witzig. Das Album wurde von Sebb Bash, Blockhead, YUNGMORPHEUS, Child Actor, Controller 7, ELUCID, Small Professor, Jeff Markey und Fines Double produziert, während Prems langjähriger Kollaborateur Willie Green alles zusammenfügt. Textlich wird Prem von einigen der weltweit besten Künstler unterstützt, darunter Pink Siifu, Billy Woods, Cavalier, Nappy Nina, Illogic, AJ Suede, Mary Esther Carter und natürlich Castro. Jeder Gast holt das Beste aus dem Mix heraus und sorgt für fruchtbare Kollaborationen, die weit über einfache Gastverse hinausgehen. Mit originellen Artworks, die vom Album inspiriert sind, vom Chicagoer Künstler Gabe Karagianis. Die besten Formulierungen sind diejenigen, die mehr als eine Bedeutung haben. Wie beim Betrachten eines abstrakten Gemäldes können Worte für verschiedene Menschen unterschiedliche Bedeutungen haben. Eine Frage oder ein Satz, der entweder zu einer längeren existenziellen Überlegung oder einfach nur zu einem Achselzucken führt. Könnte sich auf das gesamte Leben beziehen, auf 90 Minuten in einer Einrichtung oder auf 5 Jahre in einer romantischen Beziehung. Der kurze, berauschende Rausch einer Designerdroge oder die automatisierte Umfrage am Ende einer Online-Transaktion. Es ist eine einfache, aber heimlich geladene Frage. Nun, hast du es getan?

Auch nach sieben Jahren stehen WIDOWSPEAK immer noch für Atmosphäre. Ihre Musik ist eine Überlappung von Indie Rock, Dreampop, Shoegaze, Slow-Core und "Cowboy Grunge". Die Band aus Brooklyn hat mit dem vierten Album "Expect The Best" die Balance zwischen gegenseitigen Kräften wie hell/dunkel, leise/laut, Stress/Entspannung gefunden. Nachdem er mit der Band viel umhergezogen war, kehrte Hamilton in seine Heimat zurück, an den Ort seiner Kindheit. Dort fand er Halt und neue Energie, was ihm half ein Album zu schreiben, dessen roter Faden die Selbsterkenntnis ist. Die selbstreflektierenden Texte thematisieren die Furcht vor Antriebslosigkeit ("Dog") oder Ängste im digitalen Zeitalter ("Expect The Best") oder Motivationslosigkeit ("When I Tried"). WIDOWSPEAK haben es mit ihrem neuen Album geschafft, die dynamischen Veränderungen ihrer Musik zu steuern und sind dabei feinfühlig und zurückhaltend. Die neun Songs sind geprägt von einer Melancholie, aber auch weiterhin getragen von dem für WIDOWSPEAK typischen Twang-Gitarrensound. "Expect The Best" ist eine abstrakte Hommage an die 90er Jahre und bringt zugleich die gewohnte WIDOWSPEAK Intimität mit sich, für die sie geliebt werden.

Das 2024er Album des irischen Indie-Folk-Singer/Songwriters Fionn Regan wird erstmals auf Vinyl erhältlich: "O AVALANCHE" ist voller schwebender Intimitäten, abstrakt und intuitiv, durchdrungen von einem Gespür für die erhebende Verbindung zwischen Umgebung und Emotionen. Zwischen sonnendurchfluteten Kulissen und leuchtenden Arrangements entstand eine Reihe wundervoll-erhabener Songs. Koproduziert mit Ian Grimble (Travis, Manic Street Preachers, Texas), schafft Regans abseits gelegenes Gespür für Klima und Landschaft einen weiteren kreativen Höhepunkt und ein Album, in dem man sich verlieren kann.

Come Back Down, das neue Album des experimentellen Pop-Duos Total Wife aus Nashville, entstand am Rande des Schlafes. Wenn die Komponistin und Produzentin Luna Kupper während nächtlicher Mixing-Sessions einzuschlafen begann, folgten ihr die Songs in den Zwischenraum zwischen Traum und Wachsein. Wie Dale Cooper in Twin Peaks wachte sie mit einer neuen Perspektive auf das Puzzle auf, das sie gerade zusammensetzte. ,Ich bin eine psychologische Mixerin - ich versuche mir vorzustellen, wie jemand den Klang erlebt, anstatt mich darauf zu versteifen, all diese verschiedenen Töne zu erzeugen und all diese Geräte zu benutzen, um einen bestimmten Klang zu erzielen", sagt Kupper. Und wie eine Spirale vom Wachleben in den Traum sind die Songs auf Come Back Down endlos selbstreferenziell und bauen aus einem einzigen Punkt ganze Universen auf. Kupper hat alle ihre Synthesizer verkauft, um die Miete zu bezahlen, bevor sie mit der Arbeit an dem Album begann, und so wird jeder anorganische Klang stattdessen aus Samples der eigenen Arbeit der Band aufgebaut. Eine Gitarre in einem Song kann in dem nächsten Song neu verarbeitet und als Synthesizer verwendet werden, während überall auf dem Album Gesangs-Samples aus einem einzigen unveröffentlichten Cover von Elliott Smiths ,Between the Bars" verwendet werden. Als Hommage an diesen Prozess hätte das Album beinahe den Namen ,The Julia Set" bekommen, nach der mathematischen Gleichung, die sich immer wieder selbst speist und wunderschöne fraktale Bilder erzeugt. Die Absicht war, etwas Komplexes, aber Zugängliches zu schaffen; experimentell, aber präzise und ohne Abstraktion. Auch in ihren Texten ist die Texterin und Sängerin Ash Richter so direkt wie eh und je. Sie griff auf ihre Erfahrungen mit der Isolation während der Pandemie zurück, um über Verbindung und Trennung zu schreiben, und nutzte ihre Texte als Mittel für die Kommunikation, die im Alltag fehlte. In dem hochfliegenden, shoegazigen Track ,peaches" wurde ein Sturm, der die Absage einer Aufnahmesession erzwang, zur Metapher für emotionale Distanz. ,still asleep" erzählt von Richters Euphorie nach der ersten Tournee von Total Wife und beobachtet, wie diese sich allmählich in Paranoia verwandelt. ,Danke, Vollmond, mein Herz ist übervoll", singt sie, bevor sie fragt: ,Gibt es so etwas wie zu viel Glück?" Die Erfahrung der Isolation veranlasste Richter, an ihre Kindheit zurückzudenken, eine Zeit, die für sie von Einsamkeit und Spielen in der Natur geprägt war - auf Bäume klettern, Matschkuchen backen, sich im Wald verlaufen. In Tracks wie ,in my head" und ,second spring" nutzt sie Bilder aus der Natur, um sich an diese Zeit zu erinnern und eine Verbindung zu ihrem einsamen inneren Kind herzustellen. ,Ich fühle mich mit transzendentalistischer Literatur und magischem Realismus verbunden - dem Versuch, Dinge auf konkrete Weise zu vermitteln, aber mit einem Element von Psychologie und Mysterium", sagt sie. Richter und Kupper, Freunde aus der Highschool, gründeten Total Wife im Jahr 2016 und zogen 2020 von Boston nach Nashville. Beide sind sowohl bildende Künstler als auch Musiker, was sie durch vielschichtige und zielgerichtete Visuals in ihre Arbeit mit Total Wife einfließen lassen. Eine DIY-Ader prägt alles, was sie tun - von der Gestaltung ihrer eigenen Kunstwerke und Musikvideos über die Aufnahme ihrer eigenen Musik bis hin zur Veröffentlichung von Kassetten über ihr Label Ivy Eat Home und der Ausrichtung von Hauskonzerten in ihrem Keller, den sie Ryman 2 getauft haben. In Nashville haben sie sich in einer schrägen Szene niedergelassen, die unter dem Parkett der Plattenindustrie lebt, einem Bienenstock kollaborativer und kreativer Energie, der sie begeistert hat, die Stadt ihr Zuhause zu nennen. Kurz nach ihrem Umzug nach Nashville haben sie auch zum ersten Mal eine Live-Band zusammengestellt, bestehend aus Ryan Bigelow, Sean Booz und Billy Campbell, die ihrem kreativen Prozess eine Portion Spontaneität und Lebendigkeit verleiht, die sich auch in Come Back Down widerspiegelt.

Das 2024er Album des irischen Indie-Folk-Singer/Songwriters Fionn Regan wird erstmals auf Vinyl erhältlich: "O AVALANCHE" ist voller schwebender Intimitäten, abstrakt und intuitiv, durchdrungen von einem Gespür für die erhebende Verbindung zwischen Umgebung und Emotionen. Zwischen sonnendurchfluteten Kulissen und leuchtenden Arrangements entstand eine Reihe wundervoll-erhabener Songs. Koproduziert mit Ian Grimble (Travis, Manic Street Preachers, Texas), schafft Regans abseits gelegenes Gespür für Klima und Landschaft einen weiteren kreativen Höhepunkt und ein Album, in dem man sich verlieren kann.

Der Erfolg von Pavement mit ihrer ausverkauften Reunion-Tour, den goldenen Schallplatten oder jüngst dem von der Kritik gefeierten "Pavements"-Film ist ein Beweis für ihr großes Erbe, welches bis heute junge Newcomer-Bands beeinflusst. Obwohl sie in ihrer ursprünglichen Zeit von 1989 bis 1999 zu einer der einflussreichsten amerikanischen Indie-Rock-Bands wurden, erreichten sie nie den Mainstream-Erfolg anderer Kollegen dieser Zeit. Ihr Lo-Fi-Stil und die oft ironischen, abstrakten Texte haben allerdings eine treue Fangemeinde aufgebaut. Wie seltsam bahnbrechend diese wunderbar verspulte wie verspielte Band ist, wurde einem gerade erst jüngst wieder im Kino durch den Film "Pavements" bewusst, dessen Soundtrack jetzt auf Vinyl und CD erscheinen wird. Der Soundtrack, zusammengestellt vom Pavement-Produzenten/Cutter Robert Greene und der Band selbst, vereint disparate Elemente des Films. Dazu gehören Dialog-Ausschnitte, Szenen aus dem fiktiven Oscar-Köder-Biopic "Range Life", sowie Aufnahmen der Besetzung aus dem Jukebox-Musical "Slanted! Enchanted!". Ergänzt wird das Ganze durch Live- und Probe-Aufnahmen der Reunion-Tour der Gruppe im Jahr 2021. Die Aufnahmen der kompletten Band wurden von Bryce Goggin abgemischt, der bereits an den Pavement-Klassikern "Crooked Rain Crooked Rain", "Wowee Zowee" und "Brighten the Corners" mitgewirkt hat.

Unfolding ist Jessica Moss' meditativstes und klagendstes Soloalbum und vielleicht das erste in der jahrzehntelangen Diskografie der Violinistin und Komponistin aus Montreal, das man zu Recht als Ambient bezeichnen kann. Die ehemalige Mitglied von Silver Mt Zion und Black Ox Orkestar schöpft aus Postklassik, Drone, Minimalismus, Industrial/Metal, Power Electronics, Klezmer und anderen Folk-Traditionen. Es handelt sich hierbei nicht um abstrakte Ambient-Musik; vielschichtige Violinenmelodien, elektroakustische Bearbeitungen, intermittierende Stimmen und Percussion von Tony Buck, dem Schlagzeuger von The Necks, bringen zutiefst emotionale, genreübergreifende Kompositionen hervor, die von einem Geist der Suche und Beschwörung geleitet sind und sich in einer vorherrschenden Atmosphäre von Beschwörung und trauernder Zurückhaltung entfalten. Die Untrennbarkeit von Persönlichem und Politischem hat sich für Moss in den letzten zwei Jahren immer stärker herauskristallisiert. Als Kernmitglied der Montrealer Sektion von Musicians For Palestine hat sie mehrere Benefizkonzerte mitorganisiert und gespielt und im Frühjahr 2024 das Soloalbum For UNRWA veröffentlicht (das über 800 Unterstützer fand und Tausende von Dollar einbrachte). Später im selben Jahr zerbrach ihre langjährige Fernbeziehung aufgrund politischer Differenzen. In enger Zusammenarbeit mit dem Produzenten Radwan Ghazi Moumneh (Jerusalem In My Heart) entstanden ,Unfolding" in den letzten zwölf Monaten, dem zweiten Jahr des Völkermords in Palästina, als direkte Reaktion auf unser kollektives Miterleben, unsere kollektive Trauer, als Portal zur kollektiven Trauer, als Suchscheinwerfer durch unsere inneren Wettersysteme, auf der Suche nach einander in der Dunkelheit. Moss bewegte sich bereits in Richtung einer erhöhten Fragilität und einem tiefen Zuhören, ihre Musik wurde zunehmend langatmig und zeremoniell. Trotz der stark gesunkenen finanziellen Rentabilität von Tourneen wurde ihre Hingabe, Raum zu schaffen, Verflechtungen herzustellen und eine Verbindung zu einem intimen Live-Publikum aufzubauen, zu ihrem kreativen Leitstern, ihre Solo-Praxis wurde durch ihr Engagement und die Kommunikation in diesen Räumen geprägt. Die jüngsten politischen und persönlichen Umwälzungen haben diese ritualisierten, reparativen musikalischen Prozesse nur noch verstärkt. Die beiden langen Stücke auf der ersten Seite von Unfolding verkörpern diese Sensibilität. ,Washing Machine" verwebt Schichten von Streicherdrones und Filigranarbeit, sanft verzerrt durch Verzerrerpedale und Verstärkung, wobei unentzifferbare, ausgeblasene Sprechstimmen den Mix zeitweise als fragmentarische Palimpseste verhüllter Rezitationen und unbeschreiblicher Gefühle umhüllen. Der Ursprung des Stücks liegt in einer Telefonaufnahme einer europäischen Waschmaschine, die Moss aufnahm, als sie neben ihr saß, mit gebrochenem Herzen auf dem Badezimmerboden, und Trost fand, indem sie eine Melodie zu den mechanischen Obertönen der Waschmaschine summte, die ihren Zyklus durchlief. Das Herzstück des Albums, ,One, Now", beginnt als zarte Anrufung mit Basspuls, Glockenspiel und Glocken, gezupften Saiten und traurigen Lead-Violinenlinien, die von jüdischen und arabischen Modi beeinflusst sind. Umgebungsgeräusche, Feldaufnahmen und wortlose Gesänge werden hinzugefügt, während sich Violinenmelodien überlagern und zu einer hypnotisierenden Drone-Landschaft verschmelzen: eine halb improvisierte, lebendige Komposition, die durch Tony Bucks pinselstrichartiges Schlagzeugspiel und Moumnehs ,Schrei in die Leere" am Ende noch weiter belebt wird. Die zweite Seite ist ein vierteiliges Werk mit dem Titel ,no one / no where / no one is free / until all are free", das sich durch Umgebungsgeräusche, elegische postklassische Streicher und verzerrte harmonische Drones zu einem Höhepunkt aus liturgischer Orgel, rituellen Glocken und schimmernden elektronischen Spuren entwickelt, der die Bühne bereitet für den letzten Song des Albums: die erschütternde Chor-Komposition ,until all are free", eine weltliche Hymne, die aus Jessicas mehrspurigen Gesangsaufnahmen besteht (die sie aber gerne mit anderen im Konzert singen würde). Unfolding ist ,einem freien Palästina in unserer Lebenszeit" gewidmet. Danke fürs Zuhören.

Für Joyer, das Indie-Rock-Duo der Brüder Nick und Shane Sullivan von der Ostküste, ist Distanz in letzter Zeit ein seltsamer roter Faden - Distanz von zu Hause, Distanz zueinander, Distanz von einer stabilen Routine. Ihr aktuelles Album ,On the Other End of the Line_" reflektiert, wie Aufenthalte an weit entfernten Orten sie geprägt haben, Ängste und ein brennendes Verlangen nach Verbindung offenbart haben. Letztendlich ist es jedoch eine hoffnungsvolle Reflexion zweier unterschiedlicher Perspektiven auf wechselnde Kulissen und den Druck der Kreativität, gefiltert durch eingängige Ernsthaftigkeit und knackige Sechs-Saiten-Klänge. Seit ihrem letzten Album ,Night Songs", das 2024 erschien, sind sowohl Nick als auch Shane in andere Städte gezogen - Nick von Brooklyn nach Philadelphia und Shane von Boston nach Brooklyn - und mussten sich an ein neues Leben gewöhnen. Zusammen mit Joyers immer hektischer werdendem Tourplan, bei dem sie mit Horse Jumper of Love, Wishy und villagerrr, um nur einige zu nennen, suchten die Brüder nach gesünderen Ansätzen für ihr Leben auf Tour und zu Hause und kämpften mit der Einsamkeit in einer neuen Stadt. Trotz der Höhen und Tiefen war das Tourleben für Joyer bereichernd - sie trafen Gleichgesinnte und wuchsen als Band zusammen, was den Wunsch nach neuem Material weckte. Eifrig darauf bedacht, die Pop-Melodik von Night Songs noch weiter voranzutreiben, begannen Joyer mit dem Schreiben eines neuen Albums und buchten acht Tage in einem Studio in Chicago mit Henry Stoehr von Slow Pulp, der sie zu einem experimentelleren Aufnahmeprozess ermutigte, der an Joyers Zeit vor der Live-Band erinnerte, als sie ohne Deadlines im Keller ihrer Mutter Demos aufnahmen. Sie reduzierten ihre Shoegaze-Einflüsse zugunsten folkigerer Elemente und weniger konventioneller, ambitionierterer Arrangements. On the Other End of the Line_ zeigt Joyer von ihrer verletzlichsten Seite, weniger auf Bilder und Abstraktionen setzend und einen Blick auf ihr brodelndes Inneres gewährend.

Für Joyer, das Indie-Rock-Duo der Brüder Nick und Shane Sullivan von der Ostküste, ist Distanz in letzter Zeit ein seltsamer roter Faden - Distanz von zu Hause, Distanz zueinander, Distanz von einer stabilen Routine. Ihr aktuelles Album ,On the Other End of the Line_" reflektiert, wie Aufenthalte an weit entfernten Orten sie geprägt haben, Ängste und ein brennendes Verlangen nach Verbindung offenbart haben. Letztendlich ist es jedoch eine hoffnungsvolle Reflexion zweier unterschiedlicher Perspektiven auf wechselnde Kulissen und den Druck der Kreativität, gefiltert durch eingängige Ernsthaftigkeit und knackige Sechs-Saiten-Klänge. Seit ihrem letzten Album ,Night Songs", das 2024 erschien, sind sowohl Nick als auch Shane in andere Städte gezogen - Nick von Brooklyn nach Philadelphia und Shane von Boston nach Brooklyn - und mussten sich an ein neues Leben gewöhnen. Zusammen mit Joyers immer hektischer werdendem Tourplan, bei dem sie mit Horse Jumper of Love, Wishy und villagerrr, um nur einige zu nennen, suchten die Brüder nach gesünderen Ansätzen für ihr Leben auf Tour und zu Hause und kämpften mit der Einsamkeit in einer neuen Stadt. Trotz der Höhen und Tiefen war das Tourleben für Joyer bereichernd - sie trafen Gleichgesinnte und wuchsen als Band zusammen, was den Wunsch nach neuem Material weckte. Eifrig darauf bedacht, die Pop-Melodik von Night Songs noch weiter voranzutreiben, begannen Joyer mit dem Schreiben eines neuen Albums und buchten acht Tage in einem Studio in Chicago mit Henry Stoehr von Slow Pulp, der sie zu einem experimentelleren Aufnahmeprozess ermutigte, der an Joyers Zeit vor der Live-Band erinnerte, als sie ohne Deadlines im Keller ihrer Mutter Demos aufnahmen. Sie reduzierten ihre Shoegaze-Einflüsse zugunsten folkigerer Elemente und weniger konventioneller, ambitionierterer Arrangements. On the Other End of the Line_ zeigt Joyer von ihrer verletzlichsten Seite, weniger auf Bilder und Abstraktionen setzend und einen Blick auf ihr brodelndes Inneres gewährend.

Für Joyer, das Indie-Rock-Duo der Brüder Nick und Shane Sullivan von der Ostküste, ist Distanz in letzter Zeit ein seltsamer roter Faden - Distanz von zu Hause, Distanz zueinander, Distanz von einer stabilen Routine. Ihr aktuelles Album ,On the Other End of the Line_" reflektiert, wie Aufenthalte an weit entfernten Orten sie geprägt haben, Ängste und ein brennendes Verlangen nach Verbindung offenbart haben. Letztendlich ist es jedoch eine hoffnungsvolle Reflexion zweier unterschiedlicher Perspektiven auf wechselnde Kulissen und den Druck der Kreativität, gefiltert durch eingängige Ernsthaftigkeit und knackige Sechs-Saiten-Klänge. Seit ihrem letzten Album ,Night Songs", das 2024 erschien, sind sowohl Nick als auch Shane in andere Städte gezogen - Nick von Brooklyn nach Philadelphia und Shane von Boston nach Brooklyn - und mussten sich an ein neues Leben gewöhnen. Zusammen mit Joyers immer hektischer werdendem Tourplan, bei dem sie mit Horse Jumper of Love, Wishy und villagerrr, um nur einige zu nennen, suchten die Brüder nach gesünderen Ansätzen für ihr Leben auf Tour und zu Hause und kämpften mit der Einsamkeit in einer neuen Stadt. Trotz der Höhen und Tiefen war das Tourleben für Joyer bereichernd - sie trafen Gleichgesinnte und wuchsen als Band zusammen, was den Wunsch nach neuem Material weckte. Eifrig darauf bedacht, die Pop-Melodik von Night Songs noch weiter voranzutreiben, begannen Joyer mit dem Schreiben eines neuen Albums und buchten acht Tage in einem Studio in Chicago mit Henry Stoehr von Slow Pulp, der sie zu einem experimentelleren Aufnahmeprozess ermutigte, der an Joyers Zeit vor der Live-Band erinnerte, als sie ohne Deadlines im Keller ihrer Mutter Demos aufnahmen. Sie reduzierten ihre Shoegaze-Einflüsse zugunsten folkigerer Elemente und weniger konventioneller, ambitionierterer Arrangements. On the Other End of the Line_ zeigt Joyer von ihrer verletzlichsten Seite, weniger auf Bilder und Abstraktionen setzend und einen Blick auf ihr brodelndes Inneres gewährend.

Im Album "Bags" des "Chores" CAREBENDER geht es nicht nur um einen bestimmten Klang, sondern immer auch um Fürsorge, Aufmerksamkeit und eine gemeinsam entwickelte Idee. Bags - Gepäck, Gefäß, Mitbringsel oder Last - ist zu- allererst ein gemeinschaftlicher Akt des Songwritings, Spielens, Aufnehmens und Editierens. Während die Texturen der Songs sich von seidig im Eröffnungstrack "one or" bis zu aufrührerischem Schreien im Track "enter fast" stark unterscheiden, so teilen sie doch denselben Impuls, Machtverhältnisse anzugreifen und sich ihnen entgegenzustellen. Textlich bewegt sich Care- bender dabei zwischen Abstraktion und direkter Ansprache und verbindet politische Kritik mit persönlichen Themen. Carebender gestaltet Protest in vielen Formen, immer klar, präsent und niemals passiv. Nach ihrem selbstbetitelten Debüt auf BlauBlau im Jahr 2022 wird Carebender ihr zweites Album auf einem Netzwerk von vier Labels veröffentlichen - wie in der Musik ist auch hier der Schlüssel die Kollaboration. Limitiert auf 150 Stück, schwarzes vinyl Cover und Textblatt - Risodruck Downloadcode.

"Irritating Post Punk New Wave Kraut Disco Trash Duo from Switzerland in Glitter Tights and Spandex Wigs with obscure and high potential Dancing Beats and and songs that stick in your brain like chewing gum". It's their fifth' full lenght amd second for VVR! DIE GROSSE KUNST DER REDUKTION: BLIND BUTCHER ist ein abstraktes musikalisches Künstler/Musiker-Duo aus Luzern der Schweiz, welches Glitzer-Leggings trägt und das Gesicht hinter einem Leuchfarben-Spandex Vorhang versteckt. Ihre Ästhetik und Outfits werden angefertigt von Corinne Odermatt, aber vor allem überzeugen sie durch ihre Musik, die einem, wenn mensch sie live erlebt, nicht aus dem Staunen herauskommen und perplex im Raum stehenlässt. Wie zwei obskure Kreaturen von einer anderen Galaxie treiben sie ihren Disco Beats durch den Raum, oder wie hier durch die Rille einer Vinyl-Schallplatte. Aufgenommen wurde diese zweite Produktion für Voodoo Rhythm beim renommierten Swamp Land Studio in Toulouse Frankreich mit Lo Spider (Destination Lonely) und gemastert in Detroit von Bill Skibbe at Third Man Mastering. Das Coverfoto und Artwork entwarf Ralph Kuehne. Classic black Vinyl LP 180g including Booklet and free Download Card

Tender / Wading zeigt Matthew Sage, alias M. Sage, in den Ausläufern und Weiden Colorados, wo er schreibt, aufnimmt und zu einem Stück seiner Heimat und Identität zurückkehrt, wobei ein Akt der Fürsorge den nächsten nach sich zieht. Das Album, das hauptsächlich auf Klavier und Klarinette aufgebaut ist und dann mit Gitarre, modularem Synthesizer, Percussion und Feldaufnahmen aus der Umgebung seines Zuhauses verziert wurde, ist eine weitreichende, ruhige Vision von Vitalität, radikaler Sanftheit und dem beruhigenden Gefühl, nach Hause zu kommen, auch wenn sich das Zuhause verändert hat. Seit den frühen 2010er Jahren hat Sage ein eigenwilliges Musikrepertoire zusammengestellt, das sich in verschiedene Klangrichtungen erstreckt, sich in Veröffentlichungen auf Geographic North, Orange Milk und Moon Glyph manifestiert und sowohl kritische Aufmerksamkeit als auch eine treue Zuhörerschaft für jede neue Wendung erlangt hat. 2023 debütierte Sage bei RVNG Intl. mit Paradise Crick, das zeitgleich mit seiner laufenden Arbeit im improvisierten Ambient-Jazz-Quartett Fuubutsushi erschien. Nun präsentiert er sein nächstes Soloalbum und seine neue Richtung. Tender / Wading folgt auf Sages Rückkehr nach Colorado nach fast einem Jahrzehnt in Chicago, wo er nun mit seiner jungen Familie dreißig Meilen außerhalb seiner Heimatstadt ein paar Hektar verwildertes Land bewirtschaftet. In einem ganzheitlichen Kontrast zu Cricks synthetischer Klangwelt schafft Sage Kunst aus dem Akt des Pflegens neuen Wachstums, hinterfragt Konstrukte des häuslichen Lebens und versteht die Spuren seines früheren Selbst durch die schmutzverschmierte, schweißvernebelte Linse der Gegenwart. Das Ergebnis ist sein bisher autobiografischstes Material, geprägt von Zeit und Veränderungen in der Wahrnehmung sowie bedeutungsvollen Details aus Sages psychischer Suche. Sage vergleicht das Gefühl, verschiedene Versionen von sich selbst zu sehen, mit der berühmten Hase-Ente-Theorie des Philosophen Ludwig Wittgenstein. ,Es ist dieselbe Zeichnung, aber je nachdem, wer man ist, wo man ist und wann man ist, sehen manche Menschen einen Hasen und manche eine Ente oder beides", erklärt Sage. Hier sind das Subjekt und der Betrachter, zurück in vertrauten Landschaften, als Partner und Elternteil, der Gestrüpp zurückschneidet, gedemütigt von invasiven Pflanzen, Schädlingsbefall und verdichtetem Lehmboden, seine Prioritäten haben sich grundlegend geändert. Und doch ist auch dieses andere Ich da: ein gewiefter Akademiker, der oft in Memes denkt und das Ziehen seines Handys in der Hosentasche spürt. ,In diesem Album geht es darum, diese Wahrnehmungsverschiebungen zu ergründen und ihnen Raum zu geben, beides zu tun: hüpfen und quaken." Es ist ein inneres Kind, das Sages intermediale Praxis in seinem Atelier leitet, einer Scheune, die nach dem großen Umzug im Jahr 2022 im Rahmen einer hausweiten DIY-Renovierung umgebaut wurde. Im Inneren werden Gedichte zu Zeichnungen, zu Skulpturen im Hinterhof und darüber hinaus, und alberne Ausflüge in den Vogelgesang oder die Freude an der Herausforderung, Klarinette zu lernen, weichen ernsthafter Musik. ,Ich glaube, ich habe entdeckt, dass es diese Linien gibt, die alles miteinander verbinden", sagt er. ,Und dieses Album ist voller hartnäckigem Optimismus und Hoffnung, aber auch der Bewusstheit, dass wir uns in einer späten Phase befinden, und dem Versuch, mit der Rhetorik dieser Phase umzugehen." Für Tender / Wading setzt Sage einen unverwechselbaren Sound ein: eine pastorale Art von Folk Kosmiche, kontemplativer elektroakustischer Barn Jazz für die Front Range, voller blasser Puddle Blues und rostigen Oil Drum Reds. Die meisten Songs entstanden auf einem 1910er Hamilton-Klavier, das kurioserweise in Chicago gebaut, von den Vorbesitzern zurückgelassen und von Mäusen bewohnt worden war. Die zufällige Begegnung mit dem Instrument fühlte sich kosmisch an, nicht nur wegen seiner Verbindung zur Windy City, sondern auch wegen Sages sich weiterentwickelnder Herangehensweise an das Songwriting nach Fuubutsushi. Er fühlt sich hinter den Tasten wohler und kehrt zurück zum Schlagzeug (seiner Jugendliebe). In einem passenden Raum für Holzblasinstrumente umarmt er das Elementare und Absichtliche und verleiht der Musik von Anfang an mehr strukturelles Gewicht und Wärme. Tender's M. Sage verbindet die Studioexperimente und Improvisationen seiner Vergangenheit mit einem geschärften Ohr für melodische Phrasierungen und Akkordwechsel und hat seine übliche Fülle an Demos auf neun finale Stücke reduziert. Seine charakteristischen Weltbilder bleiben erhalten, von Holzhauskröten, die in statischer Elektrizität schwimmen, über raschelndes Gras und Regen, der in die Dachrinnen plätschert, bis hin zu walzenden Sternbildern im Mondlicht. Während Cricks Universum aus magischem Realismus und digitaler Fantasie entstanden ist, greift Tender / Wading direkter auf menschliche Erfahrungen zurück. Er weist schnell Vorwürfe zurück, es handele sich um ein hochkonzeptionelles Album: ,Ich mache einfach die Musik, die ich selbst gerne in meinen Kopfhörern hören würde, während ich Unkraut jäte oder so." Es könnte beides sein, wie der Hase und die Ente behaupten würden: zutiefst persönlich und abstrakt, eine faszinierende und natürliche Wendung eines experimentellen Künstlers des 21. Jahrhunderts, dessen Vermächtnis sich in Echtzeit weiterentwickelt und wächst.

REPRESSED !!
Warp präsentiert die ersten 3 Autechre LP-Klassiker "Incunabula" (1993), "Amber" (1994) und "Tri Repetae" (1995), die seit 2001 nicht mehr erhältlich waren. Das britische Duo hatte mit seinem polyrhythmischen, abstrakten, dissonanten Stil einen massgeblichen Einfluss auf das 1990'er Electronica-Genre. Die ersten AE Werke reichen von Post-Acid-House-Electronica über zerstreute-hypnotische Ambient-Klanglandschaften bis zum B-Boy-Flavour ihrer Mitt-90'er-Exkursionen in Jungle, Industrial und HipHop-Gefilde. Schwarzes Doppel-Vinyl im Gatefold mit Download-Coupon in Postkarten-Grösse.

Lathe of Heaven kehren mit ihrem zweiten Album Aurora zurück, einer kühnen Erweiterung ihrer klanglichen und thematischen Palette, die sich wie eine Reihe lebendiger, emotionaler Vignetten entfaltet. "Aurora" ist eine bisher unerforschte Variante des Lathe of Heaven-Sounds, die eine delikate Balance zwischen ihren Punk-Wurzeln und einer fesselnden New-Wave- und 80er-Jahre-Post-Punk-Ästhetik bietet, die Einflüsse aus dem britischen und finnischen Post-Punk der mittleren 80er-Jahre mit subtilen Nuancen aus dem Underground-Pop der 90er-Jahre und der Gegenwart kombiniert. Aufgenommen mit Ben Greenberg bei Circular Ruin und gemastert von Brad Boatright, ist das Album klanglich beeinflusst vom melodischen Rock von The Cure, Musta Paraatis Gothic-Post-Punk-Synthie und intensivem Schlagzeugspiel und A Flock of Seagulls' Art-Pop-Gesang und Gitarrenriffs. Textlich schreckt Aurora nicht vor schweren Themen zurück. Aurora ist als eine Sammlung von Science-Fiction-Kurzgeschichten gedacht, die von Themen wie Antikolonialismus, Vielfalt und Gleichberechtigung beeinflusst sind und sich in den Texten niederschlagen. Diese Geschichten sind von den Romanen von Ursula K. le Guin, Octavia Butler, Greg Egan und Peter Watts inspiriert und führen den Hörer in mythische, kühne und etwas beunruhigende Realitäten. Der Titeltrack "Aurora" spielt in einer dystopischen Zukunft, in der die Erde aufgrund von nuklearem Fallout längst verlassen ist - er erforscht Themen wie Verlust, Liebe und Hingabe. "Oblivion" befasst sich mit dem Phänomen der semantischen Sättigung - wenn man ein Wort oft genug sagt, verliert es seine Bedeutung. "Exodus" ist eine Neuinterpretation des Schiffsparadoxons von Theseus und erzählt von der Erfahrung, das Bewusstsein in einen neuen, perfekten Körper zu übertragen. An anderer Stelle steht "Portrait of a Scorched-Earth" für einen direkten Akt des Widerstands. Als einer der emotionalsten Songs des Albums bricht er mit der üblichen lyrischen Abstraktion der Band und ist eine schonungslose Abrechnung mit den Schrecken der modernen Kriegsführung und der Vertreibung, die in der gelebten Tragödie von Gaza wurzelt. Lathe of Heaven hoffen, dass "Aurora" ein breites Spektrum an Emotionen hervor ruft und zum Nachdenken über den Zustand unserer Realität und der Menschheit anregt. Es ist literarisch, ohne prätentiös zu sein, politisch, ohne zu predigen, und emotional, ohne mit der Wimper zu zucken. Jeder Song hält ein Stück eines zerbrochenen Spiegels, und was zum Vorschein kommt, ist eine prismatische, verwundete Schönheit, die mit tausend Gesichtern zurückstarrt. "Aurora" erhebt den Anspruch, "ohne Angst in das traumlose Vergessen zu zittern". Sie sind herzlich eingeladen.

Der schwüle Ton von Eliana Glass ist nicht zu überhören - sie wechselt zwischen einer unkonventionellen, suchenden Qualität und ihrer ergreifenden, ehrfurchtgebietenden Bandbreite. Auch ihr Klavierspiel besitzt dieses mitreißende Hin und Her zwischen dem Jenseitigen und dem schmerzlich Menschlichen - jede Melodie ist ihr eigenes, einzigartiges, schmerzhaftes Reich. Glass' spärliche, meditative Musik fängt oft, wie sie sagt, die ,Verdichtung des Alltags" ein, ein Bild, das zu der bittersüßen, flüchtigen und abstrakten Natur ihrer Arbeit passt. Glass' Debütalbum E erscheint bei Shelter Press und ist nicht nur ein zärtliches Porträt ihrer lebenslangen Beziehung zum Klavier, sondern auch eine Destillation ganzer Lebenszeiten. Vier Jahre lang arbeitete Glass mit dem Mitbegründer und Produzenten von Public Records, Francis Harris (Frank & Tony, Adultnapper), und dem Tontechniker Bill Skibbe (Shellac, Jack White) zusammen, um das Album E in verschiedenen Studios in Nashville, Brooklyn, Memphis und Benton Harbor, Michigan, aufzunehmen. Glass' experimentelle, improvisatorische Werke erinnern an den sinnlichen Minimalismus von Annette Peacock, die freudige Rätselhaftigkeit von Carla Bley und die wehmütige Intimität von Sibylle Baier. Ihre Verehrung für die Größen des Leftfield Jazz und der freien Improvisation ist unüberhörbar, aber immer gefiltert durch ihren unverwechselbaren, naturalistischen Sound. ,Dreams" ist eine majestätische Interpretation von Peacocks gleichnamigem Stück aus dem Jahr 1971, ,Sing Me Softly the Blues` ist eine minimale, fesselnde Neuinterpretation von Baiers Jazzstandard mit einem von der norwegischen Sängerin Karin Krog adaptierten Text, und ,Emahoy` ist eine schmachtende Hommage an die äthiopische Pianistin, Komponistin und Nonne Emahoy Tsegué-Maryam Guèbrou und ihre 2006 erschienene Kompilation Éthiopiques. Glass' Musik basiert auf einem taktilen, sprunghaften Klang und ihrer stimmlichen Kraft und Vielseitigkeit. E's glatte Stöße von Kontrabass und Schlagzeug kitzeln den Gehörgang und betonen die Schlagfertigkeit ihrer unverwechselbaren tiefen Stimme, die sonore, androgyne Gelassenheit mit flatterhafter Zartheit verbindet. E hat auch eine rätselhafte elektronische Note, die die verschwommenen Emotionen von Glass' Songwriting noch verstärkt. Von Hintergrundrauschen und windigem Gesang bis hin zu kaleidoskopischen Synthesizern stammen diese subtilen, geschmackvollen Verzierungen oft von speziellem analogem Equipment: einer unterirdischen Echokammer aus den 1960er Jahren, einem Cooper Time Cube (im Grunde das Hardware-Äquivalent der Audioverarbeitung durch einen Gartenschlauch) und einem AEA-Bandmikrofon aus den 1940er Jahren. Aber das bedeutet nicht, dass E veraltet klingt - Glass' Songs sind von einem zukunftsweisenden Geist durchdrungen und fungieren letztlich als Vehikel für ihre berauschenden Emotionen und fragmentierten Erinnerungen und Träume. Glass' eigentümliche stimmliche Alchemie und ihre lebhaften Klavierausflüge sind meisterhaft und ganz und gar ihre Sache, und ihr Debütalbum ist ein Geschenk von klangvoller Schönheit und lohnender Mehrdeutigkeit. Als Musikerin und Improvisatorin ist Glass von der Suche nach Bedeutung, nach Klängen, nach Neuem, nach Verbindung begeistert und beherrscht diese. Und wie Krog 1975 in ,Sing Me Softly the Blues" sang: ,Life's so thrilling / if you search."

A Study of Losses", das siebte Studioalbum von Beirut, ist eine Odyssee mit 18 Tracks. Das Projekt entstand im Frühjahr 2023, als Viktoria Dalborg, Direktorin des schwedischen Zirkus Kompani Giraff, Condon fragte, ob er Interesse hätte, die Musik für ihr nächstes Projekt zu liefern, eine Show, die auf einer Adaption eines Romans der deutschen Autorin Judith Schalansky basiert. Die Hauptthemen in Schalanskys Buch "Verzeichnis einiger Verluste" und in der Adaption für die Zirkusshow befassen sich mit dem Konzept des Verlusts und der Vergänglichkeit von allem, was uns bekannt ist: von ausgestorbenen Tierarten, verlorenen architektonischen und literarischen Schätzen bis hin zu abstrakteren Konzepten des Verlusts durch den Prozess des Alterns. "A Study of Losses" reist durch elf Songs und sieben erweiterte instrumentale Themen, die nach den Mondmeeren benannt und von der erschreckenden Geschichte eines Mannes inspiriert sind, der davon besessen ist, alle verlorenen Gedanken und Schöpfungen der Menschheit zu archivieren. Musikalisch jedoch taucht er wieder in Chorgesang, Renaissance und andere Stile ein, die seine frühe Arbeiten inspiriert haben, sowie in Variationen von Klängen und Ideen, die sich auf eine seiner Lieblingsplatten, "69 Love Songs" von The Magnetic Fields, beziehen. Mit einer Länge von fast einer Stunde ist es das bei weitem umfangreichste Album, das Beirut je gemacht hat, und es gehört fraglos zu Condons bisher schönsten Arbeiten. "A Study of Losses" ist das zweite neue Beirut-Album innerhalb von nur zwei Jahren und die Fortsetzung eines weiteren, charakteristisch produktiven Kapitels für Zach Condon. Nach einem halben Jahrzehnt, das er damit verbrachte, sich von hartnäckigen Halsproblemen und einem drohenden mentalen Zusammenbruch zu erholen - was ihn daran zweifeln ließ, ob er jemals wieder vor Publikum auftreten würde - folgt "A Study of Losses" auf "Hadsel", das "einen neuen Anfang für Beirut" markierte, lobte Pitchfork und nannte es "eine aus Verzweiflung und Einsamkeit geborene Platte, die sich dennoch voller Leben anfühlt". Während sich "Hadsel" um eine gewaltige, antike Kirchenorgel drehte, die Condon während eines dunklen arktischen Winters in Nordnorwegen entdeckte, wird "A Study of Losses" durch Streichquartette und Arrangements der Cellistin und "No No No"-Mitarbeiterin Clarice Jensen aufgehellt. Geschrieben und aufgenommen von Zach Condon in Berlin (DE) und Stokmarknes (NO), wobei die Wurzeln des Albums in Schweden und Deutschland liegen, erweitert "A Study of Losses" auch die weite Welt, die er durch die Musik von Beirut aufgebaut hat, seit er das Projekt als neugieriger und umherziehender 14-Jähriger begonnen hat. "Als ich zum ersten Mal angesprochen wurde, einen Soundtrack für einen Zirkus zu schreiben, kam zunächst ein gewisses Trauma der 'Elephant Gun'-Ära hoch", erklärt Condon, als er Ende 2024 ,Caspian Tiger' von "A Study of Losses" vorstellt. "Ich war jahrelang in eine Schublade gesteckt worden, in der ich ein skurriles Zirkuskind war, voller sepiafarbener Bilder von Groschenromanen und vielleicht Löwendompteuren mit Schnurrbärten. Es hätte nicht weiter davon entfernt sein können, wie ich mir die Musik vorstellte, die ich machte. Es ist also eine Ironie, dass ich das Projekt von Kompani Giraff so verlockend fand."

Auf "Cryptic Aura" rotiert der fette Wahnsinn! AZURE EMOTE laden mit ihrem vierten Album zu einer "Tour de Force" durch die äußeren stellaren Gefilde des Death Metal ein, wo die musikalischen Möglichkeiten gegen die Unendlichkeit konvergieren und sich in alle Richtungen und Dimensionen auszudehnen scheinen, bis die Gravitation ihres ultraschweren Sounds alles in den Schlund eines zermalmenden Ereignishorizonts zieht. Jeder Track auf "Cryptic Aura" ist in seiner eigenen abstrakten Verrücktheit einzigartig, aber sie sind dennoch allesamt durch eine Verschmelzung von verstörenden Atmosphären, rastloser Unruhe und trotziger Kreativität miteinander verbunden. AZURE EMOTE wurden im Jahr 2003 von Sänger und Keyboarder Mike Hrubovcak mit Unterstützung seines langjährigen Freundes, den Gitarristen Ryan Moll (TOTAL FUCKING DESTRUCTION), in Philadelphia, Pennsylvania gegründet. Sein Ziel war die Erschaffung eines experimentell-musikalischen Ventils, um persönliche Negativität auszudrücken. Alle willkürlichen Einschränkungen wie etwa Genregrenzen, die oft die extreme Metal-Szene prägen, lehnte Hrubovcak dagegen entschieden ab. Dieses Ziel wurde bereits mit dem Debüt "Chronicles of an Aging Mammal" (2007) erreicht. Obwohl das Album schnell Kultstatus erlangte, mussten AZURE EMOTE eine Pause einlegen, da sich Hrubovcak auf ausgiebige Tourneen mit seinen anderen Bands konzentrierte – insbesondere MONSTROSITY und VILE. Im Sommer 2011 wurden AZURE EMOTE gemeinsam mit dem FEAR FACTORY- und MALIGNANCY-Schlagzeuger Mike Heller wiederbelebt, was schließlich zur Veröffentlichung des zweiten Langspielers "The Gravity of Impermanence" im Jahr 2013 führte. Das Line-up besteht weiterhin aus Kelly Conlon, der auf DEATHs "Symbolic"-Meisterwerk den Bass spielte und u.a. auch Mitglied von MONSTROSITY war. Mit der Aufnahme der ehemaligen ELUVEITIE-Sängerin und Multi-Instrumentalistin Anna Murphy, jetzt CELLAR DARLING, sowie dem Violinisten Pete Johansen (ex-SIRENIA) haben AZURE EMOTE ihre beeindruckende musikalische Spannweite erneut ausgebaut. "Cryptic Aura" ist das in Töne gegossene Gedankenspiel, wie Death Metal klingen kann, wenn alle Überlegungen zu stilistischer "Reinheit" und musikalische Vorurteile über Bord geworfen werden. Dabei bleibt der brutale Kern des Genres unangetastet. AZURE EMOTE laden zu einem atemberaubenden Ritt in die Unendlichkeit des Death Metal ein.

A Study of Losses", das siebte Studioalbum von Beirut, ist eine Odyssee mit 18 Tracks. Das Projekt entstand im Frühjahr 2023, als Viktoria Dalborg, Direktorin des schwedischen Zirkus Kompani Giraff, Condon fragte, ob er Interesse hätte, die Musik für ihr nächstes Projekt zu liefern, eine Show, die auf einer Adaption eines Romans der deutschen Autorin Judith Schalansky basiert. Die Hauptthemen in Schalanskys Buch "Verzeichnis einiger Verluste" und in der Adaption für die Zirkusshow befassen sich mit dem Konzept des Verlusts und der Vergänglichkeit von allem, was uns bekannt ist: von ausgestorbenen Tierarten, verlorenen architektonischen und literarischen Schätzen bis hin zu abstrakteren Konzepten des Verlusts durch den Prozess des Alterns. "A Study of Losses" reist durch elf Songs und sieben erweiterte instrumentale Themen, die nach den Mondmeeren benannt und von der erschreckenden Geschichte eines Mannes inspiriert sind, der davon besessen ist, alle verlorenen Gedanken und Schöpfungen der Menschheit zu archivieren. Musikalisch jedoch taucht er wieder in Chorgesang, Renaissance und andere Stile ein, die seine frühe Arbeiten inspiriert haben, sowie in Variationen von Klängen und Ideen, die sich auf eine seiner Lieblingsplatten, "69 Love Songs" von The Magnetic Fields, beziehen. Mit einer Länge von fast einer Stunde ist es das bei weitem umfangreichste Album, das Beirut je gemacht hat, und es gehört fraglos zu Condons bisher schönsten Arbeiten. "A Study of Losses" ist das zweite neue Beirut-Album innerhalb von nur zwei Jahren und die Fortsetzung eines weiteren, charakteristisch produktiven Kapitels für Zach Condon. Nach einem halben Jahrzehnt, das er damit verbrachte, sich von hartnäckigen Halsproblemen und einem drohenden mentalen Zusammenbruch zu erholen - was ihn daran zweifeln ließ, ob er jemals wieder vor Publikum auftreten würde - folgt "A Study of Losses" auf "Hadsel", das "einen neuen Anfang für Beirut" markierte, lobte Pitchfork und nannte es "eine aus Verzweiflung und Einsamkeit geborene Platte, die sich dennoch voller Leben anfühlt". Während sich "Hadsel" um eine gewaltige, antike Kirchenorgel drehte, die Condon während eines dunklen arktischen Winters in Nordnorwegen entdeckte, wird "A Study of Losses" durch Streichquartette und Arrangements der Cellistin und "No No No"-Mitarbeiterin Clarice Jensen aufgehellt. Geschrieben und aufgenommen von Zach Condon in Berlin (DE) und Stokmarknes (NO), wobei die Wurzeln des Albums in Schweden und Deutschland liegen, erweitert "A Study of Losses" auch die weite Welt, die er durch die Musik von Beirut aufgebaut hat, seit er das Projekt als neugieriger und umherziehender 14-Jähriger begonnen hat. "Als ich zum ersten Mal angesprochen wurde, einen Soundtrack für einen Zirkus zu schreiben, kam zunächst ein gewisses Trauma der 'Elephant Gun'-Ära hoch", erklärt Condon, als er Ende 2024 ,Caspian Tiger' von "A Study of Losses" vorstellt. "Ich war jahrelang in eine Schublade gesteckt worden, in der ich ein skurriles Zirkuskind war, voller sepiafarbener Bilder von Groschenromanen und vielleicht Löwendompteuren mit Schnurrbärten. Es hätte nicht weiter davon entfernt sein können, wie ich mir die Musik vorstellte, die ich machte. Es ist also eine Ironie, dass ich das Projekt von Kompani Giraff so verlockend fand."

Fünf lange, meditative Titel zwischen Jazz, Ambient und World Music präsentiert „Openness Trio“, das
Blue-Note-Debüt eines einzigartigen musikalischen Kollektivs, bestehend aus Gitarrist und Produzent Nate
Mercereau, Saxophonist Josh Johnson und Schlagzeuger Carlos Niño. Die drei Künstler bringen umfassende
Erfahrungen aus der Zusammenarbeit mit Künstlern wie André 3000, Meshell Ndegeocello, Kamasi Washington, Shabaka, Jeff Parker, Makaya McCraven und vielen anderen in das gemeinsame Projekt ein.
Die Musik von Nate Mercereau, Josh Johnson und Carlos Niño ist mal überwältigend und bildhaft („Hawk
Dreams“), mal abstrakt und voll subtiler Stimmungen („Elsewhere“). Alle Titel verbindet die intensive
Kommunikation der drei Künstler, die eindringliche Emotionalität und die Faszination gemeinsamer Erkundungen und Entdeckungen. Die Aufnahmen entstanden in fünf verschiedenen Sessions in Los Angeles und
Ventura County – unter freiem Himmel in den Hügeln von Ojai mit Blick auf die Topatopa Mountains, in
einem stimmungsvollen Wohnzimmer im Elysian Park, in einer „Oak Tree Cathedral“ im Churchill Orchard
in Ojai, inmitten einer Sammlung elektronischer Instrumente im Hof eines Hauses in Echo Park und unter
einem Pfefferbaum in Elsewhere / Topanga Canyon

Der Titel dieser Arbeit von Beatrice Dillon ist dem Begriff ,basho" entnommen, der von Kitaro Nishida, dem japanischen Philosophen und Vater der Kyoto-Schule, entwickelt wurde. Kitaros ,basho" bezieht sich auf einen grundlegenden Ort oder ein Feld, in dem Dinge existieren und interagieren. Dabei geht es nicht nur um einen physischen Ort, sondern um einen abstrakteren Raum, in dem alle Erfahrungen, Gedanken und Phänomene miteinander verbunden sind. In Nishidas Philosophie ist ,basho" ein dynamischer, lebendiger Ort, an dem Subjekt und Objekt, Selbst und Welt, nicht getrennt sind, sondern sich gegenseitig bedingen. Inspiriert davon entwickelt Beatrice Dillon eine Musik von komplexer Natur, die nie aufhört, sich als reine Präsentation zu konstituieren, die ständig neu belichtet wird und in jedem Moment sowohl das Objekt der Aufmerksamkeit als auch den Hörer, der darauf zielt, reaktiviert. Dillons Basho, das sowohl seine Klänge (die keinen wirklichen Ursprung oder inneren Raum haben) als auch seine Idiome aus der elektronischen Musik entlehnt, ist eine Ablenkung, eine Neuanordnung, die uns durch vertraute, aber plötzlich fremde Elemente in ein Feld des reinen Hörens zurückführt. Still Forms des japanischen Komponisten Hideki Umezawa schöpft sein Klangmaterial aus der Erforschung der Baschet-Klangstrukturen, Instrumente, die von den Brüdern Bernard und François Baschet in den 1950er Jahren entwickelt wurden und seitdem in der Welt des zeitgenössischen Musikschaffens hoch geschätzt werden. Diese Strukturen wurden 1970 auf der Weltausstellung in Osaka vorgestellt, und einige sind in Japan geblieben. In verschiedenen Aufnahmesitzungen in Japan, aber auch in Frankreich, erforscht Hideki Umezawa das faszinierende klangliche Potenzial dieser atypischen Instrumente neu, um sie in eine hochgradig beherrschte Komposition einzubinden, in der Klänge akustischen Ursprungs und elektronische Texturen aufeinander reagieren, wie in der verzerrten Reflexion der Resonatoren der Baschet-Strukturen. Still Forms ist somit eine Hommage an und eine Zeitreise durch die unglaubliche Inspirations- und Erfindungskraft dieser Klangstrukturen, aber auch ein zugespitzter Vorschlag für eine zeitgenössische elektroakustische Komposition, die sich zu erneuern weiß, ohne ihre Ursprünge zu verleugnen.

Der Grammy-nominierte, New Yorker Komponist/Perkussionist Eli Keszler präsentiert sein neues, selbstbetiteltes Album. In den letzten Jahren kollaborierte Keszler mit Oneohtrix Point Never, Skrillex, Rashad Becker und Laurel Halo, komponierte die Filmsoundtracks für Olmo Schnabels "Pet Shop Days" (2023), Lotfy Nathans "Harka" (2022) und Dasha Nekrasovas "The Scary Of Sixty First" und lieferte mit Daniel Lopatin die Filmmusik für "Uncut Gems" (2019). Nach gefeierten Alben wie "Icons" (2021) und "Stadium" (2018) ist sein neuestes Werk ein freizügiger, Lynch-artiger Songzyklus, in dem Keszlers virtuose Darbietungen eine lebendige Landschaft abstrakt-elektronischer Klänge durchqueren. Das Album atmet, knarrt und seufzt auf 12 Tracks. Noir-artige Jazz-Torch-Songs machen huschenden Trommeln und filmischen, dubartigen Texturen Platz. Die Texte werden von fast unhörbaren Stimmen geflüstert und geweint, als kämen sie aus einem entfernten Raum. Mit Gastauftritten von Sängerin Sofie Royer und Saxophonist Sam Gendel.

"Live in Oberhausen", das zweite Live-Album von KANONENFIEBER, wurde während ihrer bis dato größten Headliner-Show in Oberhausen aufgenommen. 1.800 Zuschauer füllten die ausverkaufte Turbinenhalle II, um Teil der "Die Urkatastrophe"-Tour zu werden. Sechzehn der insgesamt zwanzig europaweiten Konzerte waren bereits Monate vor dem Beginn der Tour ausverkauft. Damit konnte die Band, die nur 2,5 Jahre zuvor ihre erste Liveshow gespielt hat, einen weiteren Meilenstein in ihrer Karriere setzen.In der Setlist finden sich nicht nur beliebte Songs des Debütalbums- "Menschenmühle" und der darauffolgenden EPs, sondern auch acht Tracks aus ihrer neuesten Veröffentlichung "Die Urkatastrophe".KANONENFIEBER über das Konzept von "Die Urkatastrophe": "Der Erste Weltkrieg beschleunigte den Weg in die Moderne und gilt als die "Urkatastrophe" des 20. Jahrhunderts, das von Kriegen, Gewalt und Vertreibungen geprägt war. Etwa 17 Millionen Menschen, Soldaten und Zivilisten, verloren ihr Leben, große Teile Europas wurden zerstört und ungelöste Probleme hinterlas-sen, die zu weiteren gewaltsamen Konflikten führten. Dieses Album soll die Opfer des Ersten Weltkrieges dem Vergessen entrei-ßen. Mögen ihre Schicksale auch nach über 100 Jahren Mahnung sein für die nachfolgenden Generationen," erklärt Noise.Der Black und Death Metal von KANONENFIEBER soll nicht nur unterhalten, sondern anregen, sich weiterzubilden und das Bewusstsein gegen die Verherrlichung des Krieges schärfen. Denn im Krieg gibt es keine Gewinner. Alle verlieren - ihr Leben, ihre Seelen, ihre Menschlichkeit. Der Krieg wird oft abstrakt und anhand von trockenen Zahlen und Statistiken dargestellt. KA-NONENFIEBER wollen die Geschichten der Namenlosen und Gesichtslosen erzählen, um einen kleinen Einblick in ihre persön-lichen Schrecken und damit in das größte Grauen für die Menschheit als Ganzes zu gewähren. Krieg.Das Album erscheint in den folgenden Formaten: Ltd. CD+Blu-ray Digipak, Gatefold 2LP and Digital Album.

"Live in Oberhausen", das zweite Live-Album von KANONENFIEBER, wurde während ihrer bis dato größten Headliner-Show in Oberhausen aufgenommen. 1.800 Zuschauer füllten die ausverkaufte Turbinenhalle II, um Teil der "Die Urkatastrophe"-Tour zu werden. Sechzehn der insgesamt zwanzig europaweiten Konzerte waren bereits Monate vor dem Beginn der Tour ausverkauft. Damit konnte die Band, die nur 2,5 Jahre zuvor ihre erste Liveshow gespielt hat, einen weiteren Meilenstein in ihrer Karriere setzen.In der Setlist finden sich nicht nur beliebte Songs des Debütalbums- "Menschenmühle" und der darauffolgenden EPs, sondern auch acht Tracks aus ihrer neuesten Veröffentlichung "Die Urkatastrophe".KANONENFIEBER über das Konzept von "Die Urkatastrophe": "Der Erste Weltkrieg beschleunigte den Weg in die Moderne und gilt als die "Urkatastrophe" des 20. Jahrhunderts, das von Kriegen, Gewalt und Vertreibungen geprägt war. Etwa 17 Millionen Menschen, Soldaten und Zivilisten, verloren ihr Leben, große Teile Europas wurden zerstört und ungelöste Probleme hinterlas-sen, die zu weiteren gewaltsamen Konflikten führten. Dieses Album soll die Opfer des Ersten Weltkrieges dem Vergessen entrei-ßen. Mögen ihre Schicksale auch nach über 100 Jahren Mahnung sein für die nachfolgenden Generationen," erklärt Noise.Der Black und Death Metal von KANONENFIEBER soll nicht nur unterhalten, sondern anregen, sich weiterzubilden und das Bewusstsein gegen die Verherrlichung des Krieges schärfen. Denn im Krieg gibt es keine Gewinner. Alle verlieren - ihr Leben, ihre Seelen, ihre Menschlichkeit. Der Krieg wird oft abstrakt und anhand von trockenen Zahlen und Statistiken dargestellt. KA-NONENFIEBER wollen die Geschichten der Namenlosen und Gesichtslosen erzählen, um einen kleinen Einblick in ihre persön-lichen Schrecken und damit in das größte Grauen für die Menschheit als Ganzes zu gewähren. Krieg.Das Album erscheint in den folgenden Formaten: Ltd. CD+Blu-ray Digipak, Gatefold 2LP and Digital Album.

Gerald Clayton kehrt mit seinem dritten Blue Note-Album zurück, seinem bislang ungewöhnlichsten Werk.
Auf „Ones & Twos“ spielt Clayton nicht nur Klavier, sondern auch Rhodes, Orgel, Kinderklavier und Synthesizer, seine Kompositionen sind zugleich abstrakt und eingängig, schillernd und groovy, akustisch und
elektrisiert.
„‘Ones & Twos‘ ist von der DJ-Kunst des Schallplatten-Auflegens inspiriert“, sagt Clayton. „Mir schwebte
ein Album vor, bei der die A-Seite gleichzeitig mit der B-Seite abgespielt werden kann.“ Die Erstveröffentlichung von „Ones & Twos“ besteht wie üblich aus Einzeltracks, später dieses Jahr wird Gerald Clayton
in einem zweiten Schritt die überlagerten Tracks veröffentlichen.

Es ist ein Fall von popkultureller Archäologie. Eine Spurensuche der elektronischen Musik. Nach über 30 Jahren tauchen verschollene Tapes von Holger Czukay wieder auf, die er einst "zur freien Verfügung" eingespielt hatte. Eine Sound-Meditation von 1997, die nun erstmals neu gemastert im Original und in einer "Version" von die ANGEL (Ilpo Väisänen / Dirk Dresselhaus) und Zappi W. Diermaier von der Krautrock-Legende Faust vorliegt.

Die Arbeiten aus dem Czukay-Studio sind eigenwillige Klangstrukturen, die Mastering-Ingenieur Dresselhaus alias Schneider TM einschätzt als "futuristisches Kleinod, das für seine Entstehungszeit musikalisch weit vorne ist." Für ein abstraktes Klanggebilde "tief und emotional" wie er sagt. Eine Komposition, die mit Avantgarde oder Neue Musik nur unzureichend beschrieben ist. Ein echter Czukay eben. Die Genese dieser Aufnahmen führt in die freigeistigen 1990er, als Holger Czukay in Köln mit jüngeren Techno-Kollegen wie Dr. Walker von Air Liquide mit Beats experimentierte und sich ansonsten sehr für die leise Explosion der digitalen Medien interessierte.

Es war der Tech-Pionier und Medienkünstler Arthur Schmidt alias Gvoon, der ihn in langen Gesprächen auf die (damals futuristische) Data-Maschine "RealityEngine" brachte, mit der sich virtuelle Welten erschaffen ließen. Vom Full-Body-Tracking-System bis zum gemeinsamen Prototyp eines "Internet-TV-Senders". Darauf liefen experimentelle Czukay-Videos, die er mit neuen Samples und Klangfragmenten ausstattete. Später wurde eine kontemporäre Show namens "Czukay/Gvoon:Magazine" daraus und auch die "Can-Live-Soloprojekts" im März 1999, ausgestattet mit der Body-Tracker-Technik von Gvoon. Die DDR-Vergangenheit seines Tech-Sparringspartners Schmidt, der ihm von seiner Zeit in Stasi-Haftanstalten erzählte, setzte in Czukay einen kreativen Prozess frei. Er setzte dieses Trauma in Töne um und machte ihm ein musikalisches Geschenk. "Gvoon-Brennung 1", eine Gabe, die Schmidt "irgendwann" einmal verwenden könne. Einfach so. Ein Soundtrack, der ganz profan auf Digital Audio Tape übergeben wurde.

Über 20 Jahre später brachte Schmidt das "Czukay-Geschenk" für eine zum Kunstwerk umfunktionierte Verhörzelle des Ministeriums für Staatssicherheit (MfS) wieder zum Einsatz. Als Installation für einen stockfinsteren, bedrückenden Raum mit Gummiwänden. Hier stieß wiederum Dresselhaus auf das Material. Ihm wurde klar, dass er dort mehr hörte als irgendwelche 1990er-Fragmente: "Es ist irgendwie Blues-mäßig, auf eine kybernetische und abstrakte Art." "Mit einem sehr langsamen Groove, der einen die gesamte Strecke aufmerksam hält", sagt Dresselhaus. Er beschreibt den Mastering-Prozess sowie die Neubearbeitung in Form der "Gvoon-Version 1" als Balanceakt zwischen Respekt vor dem historischen Material und einer zeitgemäßen Studio-Bearbeitung.

Eine respektvolle Verbeugung zum 87sten Geburtstag von Holger Czukay im März 2025.

Basse Brevis der kanadischen Komponistin Sarah Davachi wurde im Rahmen des Festivals Présences 2024 uraufgeführt, das Steve Reich gewidmet war und von Radio France und INA grm gemeinsam in Auftrag gegeben wurde. Ausgehend von ihrem eigenen minimalistischen Ansatz erkundet Sarah Davachi mit äußerster Sorgfalt die Verflechtungen und komplexen Beziehungen zwischen den klanglichen, räumlichen und zeitlichen Komponenten der Musik. Mit Hilfe von Entwicklungen, die im Laufe der Zeit nachvollziehbar sind, gelingt es der Komponistin, eine äußerst präzise, subtile und lebendige Musik zu schaffen. Was jedoch auffällt und in Basse Brevis besonders deutlich wird, ist die Tatsache, dass ein derartiger Ansatz, der sowohl abstrakt als auch zurückhaltend ist, dennoch zuweilen äußerst ergreifend ist. Das Werk verbindet Momente der formalen Erkundung mit Momenten reiner Emotion auf perfekt beherrschte Weise und erzeugt eine sanfte Spannung, während es zwischen zwei Arten des Hörens schwankt, die sich unentschlossen zwischen instrumentalen und konkreten Ansätzen bewegen und parallel dazu eine Diagonale des Klangs nachzeichnen, die sich um Wahrnehmung, Empfindung und Gefühl herum entfaltet.

After many years of artistic collaboration, the long-awaited album, KILLING TIME, bringing together London-based MC Killa P and Italian Bass music collective Numa Crew, has finally arrived.

Killa P, a name synonymous with potent lyricism and raw energy in the Grime scene, delivers a vocal masterclass throughout his debut long-player, soundtracked by the stellar production of the Numa Crew. Together they expertly navigate genres including dubstep, grime, dub, and jungle, while maintaining a distinct and cohesive musical identity.

Not simply a collection of individual tracks, Killing Time is a meticulously crafted journey through sound system music. There are no stylistic boundaries, as the long-player encompasses the entire musical spectrum that unites the Italian crew with the London-based MC, with Killa P free to showcase his evolution as an artist. Alongside them, the album also brings together a diverse cast of friends and collaborators, vocalists, and producers, each adding their own unique flavor.

From the pulsating dubstep-infused Boys in Blue, a searing commentary on social inequality, to the reggae-tinged steppa tune Love Inna We Heart featuring Charlie P and Long Range, a plea for unity and love, Killa P's lyrical dexterity shines.

Tracks such as Champion Sound, Badman City Pt.2 featuring the French Ragga legend Big Red, and No Laugh featuring Big Chain and Bristol’s Buggsy are a nod to Killa P's roots, beautifully showcasing his mastery of grime's signature sound, while the sped-up tempos of the Fleck collaboration Jungle Leng, and Can't Get Me Down featuring Ras Demo, inject a jolt of Junglist attitude. Different Life is a vibrant ‘carnival’ jam, that infuses grime and dancehall moods and sees the great Lady Lykez on the second verse.

The album wraps on a contemplative note with Dreaming, a collaboration with Abstract Sonance, and Heartless, featuring Killa’s son GK on production, revealing an introspective note that adds yet more depth to Killa P's artistry.

As the album’s second track, Family, proclaims: ‘man a deal with family, not friends’ - a fitting line to define the album as a whole… An ode to the unity and strength of family.

Seit ihrem Debüt als Brijean hat sich das Projekt der Schlagzeugerin/Singer-Songwriterin Brijean Murphy (der perkussive Herzschlag für Live-Bands wie Mitski, Poolside und Toro y Moi) und des Multiinstrumentalisten/Produzenten Doug Stuart mit Einfallsreichtum bewegt und Psych-Pop-Abstraktion mit Dancefloor-Sensibilität verschmolzen. Durch Körper und Geist, Rhythmus und Lyrik geben sie den Welten um sich herum und in ihrem Inneren einen Sinn. Das Album "Feelings" von 2021 zelebrierte die Selbstreflexion, die EP "Angelo" von 2022 verarbeitete persönlichen Verlust und fiel mit der ersten Headliner-Tour des Duos zusammen. "Macro", das im Juli 2024 auf Ghostly International erscheint, ist das zusammenhängendste, dynamischste, kollaborativste und songorientierteste Werk von Brijean. Hierzu holte sich die Band verschiedene Gastmusiker in ihr Wohnzimmer in LA, mit dabei sind u.a. Chris Cohen und Khruangbins "DJ" Johnson Jr.. Farbenfroh, kollaborativ, anspruchsvoll und mit viel Spaß belebt das Album einen Makrokosmos mit Charakteren, Stimmungen und Standpunkten, die in der Vorstellung verwurzelt sind, dass kein Gefühl endgültig ist und der einzige Ausweg ein Durchgang ist.

Seit sie die Wiener Musikszene mit ihrem Debüt ,Trouble" (2022) und dem Nachfolger-Album ,Lightning Trails" (2023) im Sturm erobert haben, etablierten sich die Jangle-Pop-Maestros Laundromat Chicks in jenem seltenen musikalischen Terrain, in der sich Humor, Übermut und Verletzlichkeit überschneiden. Von pubertären Power-Pop-Hymnen bis hin zu knackigem Jangle-Pop sind Laundromat Chicks die Art von Band, die einen an alle Lieblingsbands auf einmal erinnert. Auf ihrem Album ,Sometimes Possessed" (Siluh Records) erweitert die Band ihre Soundpalette. Mastermind Tobias Hammermüller führt sein Songwriting in neue Bahnen, indem die gewohnt schlagfertigen Gitarrenhymnen mit abstrakteren, sanfter klingendenmusikalischen Ideen abwechseln. Das Quartett, bestehend neben Hammermüller (Gesang/Gitarre) aus Theresa Strohmer (Gitarre/Gesang), Felix Schnabl (Schlagzeug) und Lena Pöttinger (Bass), war von Anfang an sehr produktiv - sowohl bei Laundromat Chicks als auch bei anderen Projekten. So spielen Strohmer und Pöttinger auch in der Garage-Pop-Band Topsy Turvy, während Schnabl sein eigenes 60er-Jahre-Garage-Punk-Projekt Salamirecorder hat und in der Psychrock-Gruppe Telebrains Schlagzeug spielt und singt. Laundromat Chicks' erste beiden Veröffentlichungen bei Siluh Records, sind eine Fundgrube an zu entdeckenden Gitarrenpops, z.B. die Single ,You're on the Line" ist so witzig undeindringlich wie jede pubertäre Powerpop-Hymne diesseits von Buzzcocks und The Undertones, während ,Nobody Believes Me" den eisigen Fatalismus von Joy Division mit dem knackigen Jangle von The Babies and Girls verbindet. Es steht außer Frage, dass die Laundromat Chicks in nur 20 Minuten eine Band sein können, die dich an alle deine Lieblingsbands auf einmal erinnert, aber auch gleichzeitig in neue, aufregende Gefilde entführen kann. Auf Sometimes Possessed erweitert diese speziellen Gebiete erheblich: Die bislang gewohnten 20 Minuten dehnen sich nun zu einem inspirierten 30-minütigen Fiebertraum aus. Damit sich die Gefühle entfalten konnten, musste der Startpunkt des Albums irgendwo aus einem abgelegenen bzw. fast vergessenen Fundus kommen. Das Ergebnis ist Laundromat Chicks' hitzeverzerrte Interpretation der von Ray Davies geschriebenen 60ties Ballade ,This Strange Effect", ein schwindelerregendes Duett, dargeboten von Sänger Hammermüller mit Gitarristin Theresa Strohmer als Duett.

Hana Vus "kontemplativer Indie-Pop fängt die Desillusionierung des jungen Erwachsenseins ein", schreibt der NME. Ihre neue LP Romanticism unterstreicht dieses Gefühl als ein Coming-of-Age-Werk, das die Vergänglichkeit der Jugend betrauert und nach einem Sinn sucht. Die in LA geborene Songwriterin macht seit der High School Musik und hat bereits ein Debütalbum und mehrere EPs mit glühenden, grüblerischen Hymnen voller Abstraktion und Emotionen veröffentlicht. Bei ihren früheren Arbeiten hat Vu immer wieder Feedback erhalten, aber für die Entwicklung von Romanticism hat sie sich von der Außenwelt abgeschirmt, um ihre eigene Vision zu bewahren. Das Ergebnis ist eine einheitliche Sammlung von Songs, die vor Tiefe und Intimität nur so strotzen. Die üppigen und lauten Songs erinnern sowohl an gitarrenlastigen Indie-Rock der späten Achtzigerjahre als auch an futuristisch anmutende Synthie-Bass-Schichten. Sie pulsieren vor Bedeutung und schütteln sich vor Verspieltheit, getragen von ihrer kraftvollen, sonoren Stimme und unterstrichen durch das von der Romantik inspirierte Artwork der Platte.

Earquake 1996 is the 6th part of the nineties cycle by Wolfgang Voigt, released as a double vinyl series on Profan. Besides the Mike Ink remix of one of his biggest techno hits Love Inc. R.E.S.P.E.C.T., Wolfgang Voigt dedicates this edition mainly to his most dust-dry, stoic, abstract-grooving minimal designs of that time. These are pieces with such sonorous, idiosyncratic names as Logorrhoee and Intoleratio, which enchant us back into a minimal techno cosmos of a very special kind.

It may be collected


Earquake 1996 ist der 6te Teil, des als Doppelvinyl Reihe auf Profan erscheinden Neunziger Jahre Zyklus von Wolfgang Voigt. Neben dem Mike Ink Remix eines seiner grössten Technohits Love Inc. R.E.S.P.E.C.T., widmet sich Wolfgang Voigt auf der vorliegenden Ausgabe vor allem seinen staubtrockensten, stoisch, abstrakt-groovenden Minimalentwürfen jener Zeit. Es sind Stücke mit so klangvoll-eigenwilligen Namen wie Logorrhoee und Intoleratio, die uns zurückverzaubern in einen Minimaltechno-Kosmos der ganz besonderen Art.

Es darf gesammelt werden

So, people. The penultimate edition of the Earquake Vinyl series is coming up. 1998. A great year for experiments on the edge of techno-laws and far beyond. Whether he lets the Schaffel bass drum dance with “Galoppmusik” or explores the resilience of trance through exuberant cluster atonality with “Loikum” on the riot label Auftrieb. Wolfgang Voigt's musical 360 degree universe mutates in all directions and once again reaches for the stars. Of course, a finely chiseled pinch of All/M:I:5 should not be missing, as should a generous measure of “Diskoschleifen 2000”, an art-music concept that saves disco from itself through abstraction and deconstruction, right? You have to go through that now.

So, Leute. Die vorletzte Ausgabe der Earquake Vinyl Reihe steht an. 1998. Ein super Jahr für Experimente am Rande der Techno-Gesetze und weit darüber hinaus. Ob er nun mit „Galoppmusik“ die gerade Bassdrum Schaffel tanzen lässt, oder mit „Loikum“ auf dem Krawall-Label Auftrieb die Belastbarkeit von Trance durch überbordende Cluster-Atonalität auslotet. Wolfgang Voigts musikalisches 360 Grad Universum mutiert in alle Himmelsrichtungen und greift mal wieder nach den Sternen. Da darf natürlich ebenso wenig eine fein-ziselierte Prise All/M:I:5 fehlen, wie ein gerüttelt Maß „Diskoschleifen 2000“, Konzeptkunst-Musik die vermittels Abstraktion und Dekonstruktion Disko vor sich selbst rettet, oder? Da müsst ihr jetzt durch.

Hello Everybody,

In recent years, the introductory texts for the Pop Ambient compilation series, which is released every year on Kompakt as the last release before the Christmas break, often began with the sentence "Every year again...".

“Every year again”, a quiet, almost unnoticed maxim of self-evidentness. Because this is already the 25th issue to be published this year.

25 years in increasingly fast-moving times in the even faster-moving music business is an eternity that doesn't just feel like it. It is all the more remarkable how I, as someone who is always restless and often driven by this fast pace himself, pleasantly almost haven’t realised how - in pop-ambient contexts - time does not pass (or passes differently) in the best sense.

When compiling the 25th edition I was asked, among other things, what it was like that I was still doing this and whether I had a favorite track. In the spirit of bringing all the tracks together I don't have a favorite track, or all of them. But I have a favorite part (moment) that I played. In this case it was a broad chord in a change of key at minute 2:55 in the piece Circles by Max Würden. A moment of majesty and familiarity that, at that moment, contains the entire Pop Ambient cosmos, that just works and doesn't explain anything - and I said: “...that's the reason why I'm still doing this.. .”

Pop Ambient is a statement without demands. Is promise without expectation. Is a path without a destination. Every year again.

Wolfgang Voigt, October 2024

And so to the facts:

01. Leandro Fresco / Thore Pfeiffer – Goldwasserfluss

The intercontinental collaboration between the two long-standing Pop Ambient artists Leandro Fresco from Argentina and Thore Pfeiffer from Mainz is a regular part of the series. They open this year's anniversary edition with the usual filigree.

02. Pass Into Silence – Mirage

The Japanese artist Tetsuo Sakae aka Pass into Silence returns to Kompakt 20 years after his legendary album “Calm Like A Millpond”. A master of tones that are as fine as they are stoic and crystal clear.

03. Tamarma & Sebastian Mullaert – Follow Me

For the first time, the well-known Swedish producer and DJ Sebastian Mullaert will be performing on Pop Ambient in cooperation with the Georgian sound artist Tamara Davitashvili. Their piece “Follow Me” fits confidently into the intimate, familiar sound cosmos.

04. Sono Kollektiv feat. Nathalie Brum – Periadriatische Naht

Sono Kollektiv is now a fixture on Pop Ambient, this time with Nathalie Brum. In particular, Luis Reich's characteristic flugelhorn always gives their sound that special jazzy touch.

05. Thore Pfeiffer – Phase Locked Loop 1

Thore Pfeiffer is a master of shimmering surfaces and hypnotically meandering loops.

06. Andrew Thomas feat. Julia Parr – Sunshine Night

An old friend from New Zealand is back with spherical sounds. Andrew Thomas, in collaboration with Julia Parr, sprinkles finely placed piano tones into distant soundscapes and even more distant voices.

07. Segensklang – Artifacts of Synthesis

We are pleased that Segensklang will be there again this year after his brilliant Pop Ambient debut last year. Deep and beautiful.

08. Ümit Han – Im Delirium

The Cologne producer Ümit Han is back for the third time. While he has so far explored the more emotional, soundscape aspects of the Pop Ambient universe, this year's piece "Im Delirium" rises to a pulsating mountain of sound with pearly, clear, effervescent sound crystals.

09. Würden & Schäfer – Analysis Of Variance II

In their track Analysis Of Variance II, Max Würden and Lukas Schäfer embed a finely placed beat impulse in a soft bed of modulating soundscapes and pleasant psychedelic spaceyness.

10. Max Würden– Circles

Max Würden once again shows his special feeling for one of the core statements of the Pop Ambient style spectrum. The abstract chord and soundscape movement between formal construction and emotional touchability, which seems like “pop music” under the microscope.

11. Blank Gloss – Jennifer’s Convertible

The Californian guitar-ambient duo takes us into their sublimely beautiful sound cosmos with their usual aplomb. Maximum condensed transparency. Lightness - heavy as gold.

12. Hendrik Meyer – Grün War Die Klamm

Another new addition is Hendrik Meyer. The versatile musician, also known for his MYR project distributed by Kompakt, leads us with a glistening, beautiful “wall of sound” determination into the eternity of a sunset that is only ended by the following track. Filmy Music.

13. Triola – Zum Renngraben

Jörg Burger aka Triola combines his typical “handmade” impulses and accents with a multi-dimensional, digital sound scenario in a pleasantly smoky, blurred stonewashed aesthetic.

As always, the indispensable final mastering by Jörg Burger ensures that everything is brought together and the sound is fine-tuned.

And like every year, the 25th edition is of course wrapped in an abstract, floral magic creation by Veronika Unland. Over the years, the grace of her imagery has increasingly merged with the musical aura to form an unmistakable magical symbiosis.

Hallo Leute,

In den vergangenen Jahren begannen die Anmoderationstexte zur Pop Ambient Kompilation-Reihe, die jedes Jahr als letzte Veröffentlichung vor der Weihnachtspause auf Kompakt erscheint, sinnigerweise immer mal wieder mit dem Satz “Alle Jahre wieder...".

„Alle Jahre wieder”, eine leise, fast unbemerkt zur Formel gewordene Maxime der Selbstverständlichkeit. Denn in diesem Jahr erscheint bereits die 25ste Ausgabe.

25 Jahre in zunehmend schnelllebigen Zeiten im noch schnelllebigeren Musikgeschäft, sind gerne mal eine nicht nur gefühlte Ewigkeit. Umso bemerkenswerter wie mir, als ewig Rastlosem und oft selbst von dieser Schnelllebigkeit Getriebenem, auf angenehme Weise fast entgangen ist wie sehr, in pop ambienten Zusammenhängen (gedacht), die Zeit im besten Sinne nicht (oder anders) vergeht.

Beim Kompilieren der 25sten Ausgabe wurde ich u.a. gefragt, wie es ist, dass ich das immer noch mache und ob ich ein Lieblingsstück hätte. Im Sinne des Zusammenbringens von allen Stücken habe ich kein Lieblingsstück, oder alle. Aber ich habe eine Lieblingsstelle, die ich dann gespielt habe. In dem Fall war es ein breit gesetzter Akkord in einen Tonartwechsel bei Minute 2:55 im Stück Circles von Max Würden. Ein Moment der Erhabenheit und Vertrautheit, der in diesem Moment den gesamten Pop Ambient Kosmos in sich trägt, der einfach nur wirkt und nichts erklärt - und ich habe gesagt: „...das ist der Grund, warum ich das immer noch mache...“

Pop Ambient ist Statement ohne Forderung. Ist Verheißung ohne Erwartung. Ist Weg ohne Ziel. Alle Jahre wieder.

Wolfgang Voigt, Oktober 2024

Und damit zu den Fakten:

01. Leandro Fresco / Thore Pfeiffer – Goldwasserfluss

Die interkontinentale Kollaboration der beiden langjährigen Pop Ambient Stamm-Künstler Leandro Fresco aus Argentinien und Thore Pfeiffer aus Mainz, ist regelmäßiger Bestandteil der Serie. Gewohnt filigran eröffnen sie die diesjährige Jubiläumsausgabe.

02. Pass Into Silence – Mirage

Der japanische Künstler Tetsuo Sakae aka Pass into Silence meldet sich 20 Jahre nach seinem sagenhaften Album „Calm Like A Millpond“ auf Kompakt zurück. Ein Meister der ebenso feinen wie stoisch-glasklaren Töne.

03. Tamarma & Sebastian Mullaert – Follow Me

Zum ersten Mal gibt sich der bekannte, schwedische Produzent und DJ Sebastian Mullaert in Kooperation mit der georgischen Klangkünstlerin Tamara Davitashvili auf Pop Ambient die Ehre. Ihr Stück „Follow Me“ fügt sich souverän in den intim-vertrauten Klangkosmos ein.

04. Sono Kollektiv feat. Nathalie Brum – Periadriatische Naht

Mittlerweile eine feste Größe auf Pop Ambient ist das Sono Kollektiv, diesmal mit Nathalie Brum. Insbesondere das charakteristische Flügelhorn von Luis Reich gibt ihrem Sound immer wieder diesen besonderen jazzigen Touch.

05. Thore Pfeiffer – Phase Locked Loop 1 Thore Pfeiffer ist ein Meister der flirrenden Flächen und hypnotisch mäandernden Loops.

06. Andrew Thomas feat. Julia Parr – Sunshine Night

Ein alter Bekannter aus Neuseeland meldet sich mit sphärischen Klängen zurück. Andrew Thomas, in Kooperation mit Julia Parr, sprenkelt fein gesetzte Klaviertöne in weit entfernte Flächen und noch entferntere Stimmen.

07. Segensklang – Artifacts of Synthese

Wir freuen uns, dass auch Segensklang nach seinem fulminanten Pop Ambient Debut im letzten Jahr auch dieses Jahr wieder mit dabei ist. Deep and beautiful.

08. Ümit Han – Im Delirium

Zum dritten Mal dabei ist der Kölner Produzent Ümit Han. Hat er bisher eher die emotional-flächigen Aspekte des Pop Ambienten Universums ausgelotet, schwingt sich sein diesjähriges Stück „Im Delirium“ mit perlend-klaren, sprudelnden Soundkristallen zu einem pulsierenden Klanggebirge auf.

09. Würden & Schäfer – Analysis Of Variance II

Max Würden und Lukas Schäfer betten in ihrem Stück Analysis Of Variance II einen fein gesetzten Beat-Impuls in ein weiches Bett aus modulierenden Flächen und angenehmer psychedelischer Spaceyness.

10. Max Würden – Circles

Max Würden zeigt einmal mehr sein besonderes Gefühl für eine der Kernaussagen des Pop Ambient Stilspektrums. Die wie „Popmusik“ unter dem Mikroskop anmutende, abstrakte Akkord- und Flächenbewegung zwischen formaler Konstruktion und emotionaler Berührbarkeit.

11. Blank Gloss – Jennifer’s Convertible

Das kalifornische Gitarren-Ambient Duo entführt uns mit gewohnter Souveränität in ihren erhaben-schönen Soundkosmos. Maximal verdichtete Transparenz. Leichtigkeit - schwer wie Gold.

12. Hendrik Meyer – Grün War Die Klamm

Ein weiterer Neuzugang ist Hendrik Meyer. Der vielseitige Musiker, u.a. auch bekannt durch sein über Kompakt vertriebenes MYR Projekt, führt uns mit gleißend-schöner „wall of sound“ Entschlossenheit in die Ewigkeit eines nur vom nachfolgenden Stück beendeten Sonnenuntergang. Film(Musik)reif.

13. Triola – Zum Renngraben

Jörg Burger aka Triola kombiniert die für ihn typischen „handmade“ Impulse und Akzente mit mehrdimensionalem, digitalen Soundszenario in angenehm rauchig-verwischter Stonewashed Ästhetik.

Für den alles zusammenführenden, klanglichen Feinschliff sorgt, wie immer, das unverzichtbare, finale Mastering von Jörg Burger.

Und wie in jedem Jahr ist auch die 25ste Ausgabe natürlich in ein abstrakt-florales Zaubergebilde von Veronika Unland gehüllt. Die Anmut ihrer Bildsprache ist über die Jahre immer mehr mit der musikalischen Aura zu einer unverkennbaren magischen Symbiose verschmolzen.

Der in Bristol ansässige irische Produzent Seamus Malliagh kreiert unter dem Namen Iglooghost ungezwungen-detailreiche, elektronische Musik, indem er Juke, Footwork, Punk, Electronica, Hip-Hop und Pop in einen Mixer wirft und ins Unendliche geht. Inspiriert von den alten Frontmännern von Factory Records, Flying Lotus, ARCA und den Metalbands seiner Jugend, entstand sein neues Album in einer alten Werkstatt an der Küste von Kent neben einer Kläranlage, umgeben von alten Stämmen, Abgasen, bedecktem Wetter und rauer See. Sein Ziel war ein Sound, der mehrere Genres miteinander vermischt und aus einer Art Küstenradiosendung aus einer fiktiven Zeitlinie strömt.

- "In jede Ecke und jeden Winkel von Tidal Memory Exos 43-minütiger Laufzeit sind so viele verrückte Ideen, Texturen und Rhythmen gestopft, dass es bemerkenswert ist, dass die Platte ihre thematische Stoßrichtung mit solcher Überzeugung beibehält. Dies ist ein dichtes, langes Stück Science-Fiction der nahen Zukunft, das abstraktes Geschichtenerzählen in gefühlsbetonte, Gänsehaut verursachende Clubmusik kleidet." - Resident Advisor

- "Iglooghosts Tidal Memory Exo ist ein Meisterwerk des Weltenbaus – denken Sie an geomagnetische Stürme, prähistorische Kreaturen, erfundene Mikro-Genres wie 'Foamtek' und 'Sporestyle'." – Dazed