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Belgian minimalist, Dutch-language new wave/synth pop, since 1981! The historic album ‘Jonge Helden’ (1981) brought them instant eternal fame, the single ‘Lekker Westers’ (1983) a Belpop classic & the line-up changed wildly with icons such as Luc Van Acker (Revolting Cocks), Dani Klein (Vaya Con Dios), Willy Willy (The Scabs) or Andrew Chi Claes (Stuff) ...

However, MARCEL VANTHILT (lyrics & music) continues to rock the anarcho-Dadaist-electro-super-tronica scene to this day. Side note: Vanthilt often strayed into TV land (BRT, VPRO, MTV-EUROPE, BBC) and is now a DJ at Radio WILLY with the alternative ‘De M-Show’.

AA! is once again performing frequently in the best clubs (Depot, Casino, Macca) and on major stages (Pukkelpop, Villa Pace, Paulus Oostende). This will also be the case in 2026! This is due to the fresh and spicy new album ‘AA!PKPP’ in collaboration with PARKAPARAPLU.

PARKAPARAPLU: New dark wave duo from Antwerp. With ...

> EMMA ROTSAERT, singer and actress. She plays the lead role in the Ensor-nominated TV drama series ‘How To Kill Your Sister’ (2025). And comes from the same absurd planet as Vanthilt.
> GEERT VANBEVER, veteran of Wizards Of Ooze, Rudy Trouvé Septet, Dead Man Ray, Tuff Guac, among others... worked with Hugh Cornwell (The Stranglers) and Budgie (The Banshees), among others. Together, Emma & Geert also have a Sisters Of Mercy tribute band: Body Electric.

Mit "Ach, die Menschen" legt Keimzeit ihr mittlerweile 14. Studioalbum vor - ein Werk, das die Band erneut als souveräne, eigenständige Größe innerhalb der deutschen Musiklandschaft bestätigt. Unbeeindruckt von Trends setzt Keimzeit auf Kontinuität, poetische Beobachtungen und musikalische Gelassenheit. Im Zentrum stehen die charakteristischen Texte von Norbert Leisegang, die Alltagsmomente, Menschlichkeit und feine Zwischentöne mit liebevoller Präzision einfangen. Zwischen Reggae-Anklängen ("Bummelzug"), chansonhaftem Erzählen ("Fasching im Februar"), folkrockigen Elementen ("Gute Fee") und rockig-psychedelischen Momenten ("Stern") zeigt das Album die stilistische Bandbreite der Band. Auch persönliche Themen wie in "Therapie" und humorvolle Miniaturen wie "Sultan tanzt Samba" fügen sich zu einem warmen, lebensnahen Gesamtbild. "Ach, die Menschen" ist ein durch und durch typisches Keimzeit-Album - poetisch, geerdet, musikalisch frei atmend und voller liebevoller Alltagsparabeln.

'Beyond The Beyond' is the highly anticipated tenth studio album from inter-dimensional space travelling explorers The Cosmic Dead, the album takes listeners on a four track expedition into the deepest cosmos of the band. Recorded at Dystopia Recording Studio in Glasgow, 'Beyond The Beyond' features the riff rolling rhythm section of Tommy Duffin on drums and Omar Aborida on bass guitar alongside soaring fiddle acrobatics from Calum Calderwood and electronic textural bleeps and bloops from Luigi Pasquini on synthesizers, all wah laden and with phasers set to destroy - Turn on, tune in and immerse yourself in the sound of The Cosmic Dead.

Kelly Green Vinyl, limited to 350 copies. 'Beyond The Beyond' is the highly anticipated tenth studio album from inter-dimensional space travelling explorers The Cosmic Dead, the album takes listeners on a four track expedition into the deepest cosmos of the band. Recorded at Dystopia Recording Studio in Glasgow, 'Beyond The Beyond' features the riff rolling rhythm section of Tommy Duffin on drums and Omar Aborida on bass guitar alongside soaring fiddle acrobatics from Calum Calderwood and electronic textural bleeps and bloops from Luigi Pasquini on synthesizers, all wah laden and with phasers set to destroy - Turn on, tune in and immerse yourself in the sound of The Cosmic Dead.

That’s My Story“ ist das 1960 erschienene Album der Blues-Ikone John Lee Hooker, das ursprünglich bei
Riverside Records veröffentlicht wurde. Das Album zeichnet sich durch einen für einen Country-BluesSound rohen, reduzierten Ansatz aus. Hooker spielt Akustikgitarre in Titeln wie „I Need Some Money“
und „No More Doggin’“, um eine fesselnde Sammlung zu schaffen, die sein Können gekonnt zur Geltung
bringt. Diese Ausgabe wurde bei QRP auf 180-Gramm-Vinyl gepresst und von Matthew Lutthans bei The
Mastering Lab von den Originalbändern remastert (AAA).

Alisha's Attic were one of the defining English pop duos of the late 1990s and early 2000s. Formed by sisters Shelly and Karen Poole, the pair first appeared in 1988 under the name Keren & Chelle, releasing their single "Sugar Daddy". In 1996 Alisha's Attic released their debut single "I Am, I Feel" which reached the #14 in the UK Singles Charts. Their debut album, Alisha Rules the World was released in November 1996, produced by Dave Stewart of Eurythmics. The album became a major success, achieving Platinum in the UK and generated a string of single "Alisha Rules The World", "Indestructible" and "Air We Breathe" all of which reached the UK Top 15.

“III” is an intimate, cinematic and dream-like body of work — written, produced and mixed by Morita Vargas, and recorded in Buenos Aires between 2014 and 2025. The album was mastered by Rafael Anton Irisarri at Black Knoll Studio (NY), adding depth and clarity to its carefully built sonic landscape.

The visual world of the record is an essential part of the release. The cover artwork was crafted by Juliana Guglielmi, Ariadna Aylen Barrios, and Noelia Garreffa, whose combined vision creates a unified visual narrative that reflects the album’s emotional depth and atmospheric essence. The LP layout and full manufacturing realization were carefully executed by Ilja Tulit, translating the complex design ideas into their final tangible form of a vinyl release.

“III” marks a special release for Hidden Harmony Recordings. Morita Vargas was among the first artists released when the label began in 2020–2021, and her work played an important role in shaping the spirit and direction of Hidden Harmony.

With American idealism and societal unity in flames, the ethereal ambiance of Denver's ABRAMS has been permeated by vibrating, hair-trigger fury. On new album Loon, wistful melodies warp into dissonance and aggression, and crystalline beauty is inhabited by bitterness and rage. 2024's soaring and driving Blue City was a record full of arresting, nostalgic textures that Metal Hammer Magazine called "an upswell of positivity in the face of frustration that's sure to shake you from your existential slumber." But this is no longer the world of that album. The grinding hopelessness and chaos of these times have infused ABRAMS with the shattering intensity of Converge. Urgent and abrasive, Loon is acerbic, fed up, and riddled with pulverizing fury. Wistful melodies warp into dissonance and aggression. Crystalline beauty is inhabited by bitterness and rage. The band's instinctive hooks aren't gone, and hopeful moments do shine intermittently through. But it's clear that ABRAMS, like a lot of us, are pissed off. Desperate and seething, Loon is an irresistible, frenzied purge from a band refusing to give in. For fans of Torche, Converge, Cave-In, Failure, Quicksand and Hum. Coloured LP (white vinyl) & digipaked CD

Los Felcas were one of the best bands to come out of Peru during the golden years of the cumbia and tropical sounds explosion. This compilation brings together their finest recordings, taking from albums and obscure 45s, blending a wide range of influences-from psychedelic vibes to rhythms closer to guaracha and chicha-and now being reissued for the first time. In Lima, founding member, guitarist Florentino "Tino" León, quickly joined the Peruvian cumbia tropical movement led by electric guitarists Enrique Delgado (Los Destellos) and Berardo Hernández "Manzanita". This new style was soon practiced by other groups from Lima, such as Los Ecos, Los Beta 5, Los Diablos Rojos, and, a bit later, by bands from the rest of the country. This movement became a massive phenomenon. Nelson Ferreyra and the multifaceted singer Pablo Villanueva Branda "Melcochita", who had become fans, introduced them to the MAG record label. In mid-1973, they recorded their first 45 RPM singles, with 'Sabor a Felcas' being their most popular release. They recorded several albums during the late 70s and 80s, mostly on MAG: "La Blanquiñosa", "Tu bello cuerpo", "La cusqueñita" y "Manzanita coloradita". In the early 1990s, chicha music became popular in Argentina, especially in the north, where 'Boquita perfumada' by Los Felcas was a hit.

Free As You Wanna Be", the first album by drummer Bubbha Thomas and his band The Lightmen, predates the deep-set, maverick jazz issued by the likes of Tribe and Strata East: This album is a harbinger of the collective voice of resistance to the musical and cultural status quo that emerged in the 1970s jazz underground. Drummer, bandleader and activist Bubbha Thomas had toured America with R&B revues, served as a session musician for peacock and back beat records, and played straight ahead jazz with legends before the political and social upheaval of the late 1960s led him to a path first charted by Coltrane. Most of the tracks remain strongly groove-based with a clear sense of cohesion, but a few of the performances push further out than you might expect from later Lightmen releases, revealing the band's deep roots in avant-jazz. This lineup includes a very young Ronnie Laws sounding noticeably removed from the jazz-fusion style he'd adopt in the late '70s. Alongside Thomas on drums, the ensemble is rounded out by Doug Harris on tenor sax, Carl Adams on trumpet, Kenny Abair on guitar, and Joe Singleton on trombone.

Originally released in 2001, Up The Country is the debut album by The Sixth Great Lake and a quietly revered title within the late-'90s / early-2000s indie scene. Rooted in jangly guitars, melodic songwriting, and a distinctly pastoral sensibility, the album sits at the intersection of indie pop, folk-rock, and classic guitar-driven pop. Although initially released with modest exposure, Up The Country steadily developed a loyal following, earning cult status among fans of understated, melody-focused indie. Its charm lies in its simplicity: clean arrangements, memorable hooks, and an unforced warmth that has allowed the record to age exceptionally well over the past 25 years. This 25th anniversary reissue presents an opportunity to reintroduce an overlooked catalogue gem to today's market, appealing both to original fans and to a new audience drawn to timeless, guitar-led indie records. With renewed interest in archival and heritage releases, Up The Country offers strong long-term catalogue potential beyond initial anniversary demand. A timeless, understated record with strong appeal for fans of melodic, guitar-driven indie.

Mit „Stabile Poesie“ liefert Bosse ein kraftvolles, emotionales Album, das seine unverkennbare Handschrift
zwischen Indie-Pop, Tiefgang und unmittelbarer Nahbarkeit einmal mehr unter Beweis stellt. 12 Songs voller
Haltung, Wärme und poetischer Direktheit, gemacht für große Bühnen und intime Momente gleichermaßen.
Zum Release stehen attraktive physische Konfigurationen für Fans und Sammler bereit:
Die Standard LP erscheint auf schwarzem Bio-Vinyl und vereint alle 12 Tracks in hochwertiger Ausstattung.
Ergänzt wird das Angebot durch die CD im Mintpack als kompakte Alternative.
Die Ltd. 2CD im Hardcoverbuch kombiniert das Album mit 10 Live-Tracks und punktet durch hochwertige
Verpackung.

KONNAKOL, ZAYNs fünftes Studioalbum, ist sein bisher am stärksten kulturell geprägtes Projekt. Das
poporientierte Album erweitert den Sound, den die Fans erstmals auf seinem rekordbrechenden DebütStudioalbum ”Mind of Mine” hörten. KONNAKOL ist in seiner Definition der Akt, perkussive Klänge mit
der eigenen Stimme zu erzeugen, aber was es für ZAYN bedeutet, liegt viel tiefer. Es ist ein Klang, der
den Nachhall einer Zeit vor der Existenz von Worten in sich trägt. Inspiriert von seinem eigenen Erbe ist
dieses Album eine Weiterentwicklung dieses Verständnisses, in dem er jetzt mehr denn je weiß, wer er ist,
woher er kommt und wohin er gehen will.
ZAYNs fünftes Studioalbum ”KONNAKOL” erscheint auf Vinyl & CD.

Der Tenorsaxofonist Stanley Turrentine hatte sich in den frühen 1960er Jahren einen Namen als gefühlvoller Soul-Jazzer gemacht. Oft war er auf den Alben dieser Zeit gemeinsam mit seiner damaligen Frau, der
Hammond-Organistin Shirley Scott, zu hören. Mitte der 1960er Jahre öffnete sich Turrentine auf Alben wie
“Easy Walker” progressiveren Jazzklängen, ohne dabei seine Identität zu verlieren. Das abwechslungsreiche
Programm von umfasste hier sowohl hart groovende Nummern als auch sinnliche Balladen.

Carnival Diablos is an album of red-blooded metal that connected Annihilator’s legacy to their present-day and re-established Jeff Waters’ place in the thrash pantheon. From the frenzied call-and-response of album opener ‘Denied’ to the progressively-edged mid-tempo sway of the title track, Carnival Diablos is a wholly satisfying offering of steak and potatoes heavy metal thrash – more heavy metal, less thrash, but 100% Annihilator at one of their many peaks.

Wanda Felicia ist wieder bei Timmion Records mit ,Reflections Of Love" b/w ,All In The Game", einer gefühlvollen und echt menschlichen Doppel-A-Seite, die zwei sich ergänzende Facetten ihrer Kunst zeigt. Diese Veröffentlichung, die aus ihrem Debütalbum "Now Is The Time" stammt, rückt Wandas ausdrucksstarke Stimme und emotionale Klarheit in den Mittelpunkt, unterstützt von der unverkennbaren analogen Wärme von Cold Diamond & Mink. Auf der A-Seite sorgt ,Reflections Of Love" mit einem entspannten Funk-Unterton für mehr Tempo. Wandas Stimme schwebt selbstbewusst über dem Beat und vermittelt eine Reflexion über die Liebe, die ebenso tanzbar wie herzlich ist. Wenn sie ,you really got me now" singt, ist der Zuhörer bereits ganz bei ihr. Die B-Seite, ,All In The Game", verlangsamt das Tempo zu einer kraftvollen Beat-Ballade, in der Geduld und Ausdauer im Mittelpunkt stehen. Unterstützt von einem langsam brennenden Groove liefert Wanda eine Performance voller Entschlossenheit und stiller Stärke und erinnert uns daran, dass Liebe - wie das Leben - sich nach ihren eigenen Regeln entfaltet. Zusammen bilden diese beiden Songs eine wunderschön ausgewogene Platte, die Wanda Felicia von ihrer überzeugendsten Seite zeigt und ihren Platz als eine der faszinierendsten Stimmen von Timmion bestätigt.

Wanda Felicia ist wieder bei Timmion Records mit ,Reflections Of Love" b/w ,All In The Game", einer gefühlvollen und echt menschlichen Doppel-A-Seite, die zwei sich ergänzende Facetten ihrer Kunst zeigt. Diese Veröffentlichung, die aus ihrem Debütalbum "Now Is The Time" stammt, rückt Wandas ausdrucksstarke Stimme und emotionale Klarheit in den Mittelpunkt, unterstützt von der unverkennbaren analogen Wärme von Cold Diamond & Mink. Auf der A-Seite sorgt ,Reflections Of Love" mit einem entspannten Funk-Unterton für mehr Tempo. Wandas Stimme schwebt selbstbewusst über dem Beat und vermittelt eine Reflexion über die Liebe, die ebenso tanzbar wie herzlich ist. Wenn sie ,you really got me now" singt, ist der Zuhörer bereits ganz bei ihr. Die B-Seite, ,All In The Game", verlangsamt das Tempo zu einer kraftvollen Beat-Ballade, in der Geduld und Ausdauer im Mittelpunkt stehen. Unterstützt von einem langsam brennenden Groove liefert Wanda eine Performance voller Entschlossenheit und stiller Stärke und erinnert uns daran, dass Liebe - wie das Leben - sich nach ihren eigenen Regeln entfaltet. Zusammen bilden diese beiden Songs eine wunderschön ausgewogene Platte, die Wanda Felicia von ihrer überzeugendsten Seite zeigt und ihren Platz als eine der faszinierendsten Stimmen von Timmion bestätigt.

REPRESS!

Give It Back! was the sixth studio album by American psychedelic rock band The Brian Jonestown Massacre, originally released in 1997 by record label Bomp!. First time on 180g audiophile vinyl. Notably, this is the only album that features Peter Hayes, who later founded the Black Rebel Motorcycle Club. The sessions for the record were filmed for the documentary Dig!. Though only a couple of minutes of these sessions appear in the film.

"This album is everything that CHROMA is, and has always been to us, as a band and as individuals," enthuses Mather. "All of us are immensely proud of this record and feel that we've served our younger selves by creating it." "The album is dynamic in the sense that we think people might be surprised to see a different side of CHROMA, as you progress through the record. We can't wait to blend the tracks into the live show which will also now include more energy, some heavier riffs, but also some softer, more subtle songs.

Die Montrealer Ikone Tiga kehrt mit seinem vierten Album HOTLIFE zurück und läutet damit eine neue Ära in seiner unsterblichen Techno-Reise hin zu absoluter geistiger Freiheit ein. Mit Beiträgen von Boys Noize, Matthew Dear, Fcukers, MRD, Gesloten Cirkel, Paranoid London, Maara und den neuen Studio-Experten seiner Heimatstadt Priori und Patrick Holland befindet sich Tiga mit HOTLIFE auf dem Gipfel des Musikbergs und versetzt die Zuhörer mit ansteckenden Dancefloor-Klängen in Begeisterung: ,Wenn ich die Catharsis Machine einschalte", sagt der berühmte Sänger und Produzent, ,spielt es keine Rolle, ob Sie reich oder arm sind, denn Sie werden ein freier Mensch sein ..." Die Rückeroberung seines Platzes an der Spitze des himmlischen Firmaments der zeitgenössischen Tanzmusik verlief nicht ohne eine fesselnde und nachvollziehbare Erzählung. Nach einem mühsamen Kampf mit einer neurologischen Erkrankung, die er entdeckte und ,Vibe Fog" nannte, befand sich Tiga an einem Scheideweg: ,An einem bestimmten Punkt hieß es entweder, das Exoskelett zu kaufen und meine Virgin Megastore-Aktien zu verkaufen, oder Tiga City von Grund auf neu aufzubauen, Stein für Stein, Wasserspeier für Wasserspeier." Das Ergebnis ist ein Tiga, den langjährige Tiga-Beobachter als ,engelsgleich" und ,furchteinflößend" bezeichnen, was zu einem Album geführt hat, das die destillierte Essenz eines Trendsetters einfängt, der über alle menschlichen Grenzen hinausgeht. ,Meine Ja/Nein-Reaktionszeit bei künstlerischen Entscheidungen ist außergewöhnlich", fügt Tiga hinzu. ,Wir haben jede Sekunde, die wir bei jeder kreativen Entscheidung eingespart haben, in die Laufzeit des Albums reinvestiert. 12 Songs. 60 Minuten. Bemerkenswert."

A1 Dawn Razor x Electrosoul System - Hiper Dob. Progressive breaks in the best traditions of Layo & Bushwacka! Atmospheric, fiery, harmonious.

A2 Electrosoul System - #electrobidon. Powerful electro breaks with paranoid melodic harmonies and an original, memorable voice sample by the 46th President of the USA.

B1 DJ Brix - Under Attack (Electrosoul System Remix). Crisp breakbeat with an old-school touch, echoing early Chemical Brothers and Prodigy, acid house and the acid revolution.

B2 Dissident - Alter Samadhi (Eklektika Remix). Gloomy, mesmerizingly hypnotic future garage remix of a drum'n'bass classic by Dissident.

2026 Repress

DJ support comes from Roger Sanchez, Bob Sinclar, Claptone, Purple Disco Machine, Audiojack, David Penn, Sam Divine, Laurent Garnier, Chloe Caillet, Nicole Moudaber, Carlita, Groove Armada, Barry Can’t Swim, Bakermat, Danny Howard, Gorgon City and more!

Toolroom’s next Sampler showcases 4 big releases from Jesus Fernandez, Alex Preston, CASSIMM and Jewel Kid.

2024 Repress

Winnies Welt war nicht immer einfach. Manche sagen, er hätte berühmt werden können, aber es gab Probleme. Er hatte kurz Erfolg, aber das Leben kam ihm dazwischen. ,Manche Leute kümmern sich zu sehr. Ich glaube, das nennt man Liebe." Also lag es an Winston Hightower, die Chance zu ergreifen, sie festzuhalten und sich Gehör zu verschaffen. Ein Mann, der den Sound des amerikanischen Lofi liebt. Was befindet sich im Aschenbecher von Winston Hightowers "Day in the Life"? 14 Songs, die einem wehmütigen Herzen eine unbeschwerte Tarnung verleihen - es strahlt durch und durch. 33 RPM. Ein Pianist, der kein Klavier spielen kann und seine Melodien auf der Gitarre transponiert. Angenehme Klänge, überlagert von Gesprächen mit sich selbst. Was sieht dieser Ohio Player, wenn er in den Spiegel schaut? Nudge Squidfish? Daniel Johnson? Studio One Oldies Comps? Nach über 126 Songs auf Band sind wir immer noch dabei, das herauszufinden.

Niagara return to Discrepant with Buxtehude, a new work bending the legacy of Dietrich Buxtehude into their own fractured, electro-organic language.

Rather than a tribute, Buxtehude feels like an abstract dialogue with the Baroque composer’s sense of structure and flow—reimagined through Niagara’s raw synth work, off-grid rhythms and subtly warped melodic cycles. The trio let the music grow from the inside out: patterns expand and contract, harmonies tilt slightly off their axis, and small details accumulate until each piece reveals its own internal gravity.

There’s a clarity to Buxtehude that feels carved rather than composed. Tracks move with a quiet insistence, like mechanical organisms finding coherence through repetition and drift. Melodic fragments surface briefly, disappear, then return transformed, lending the album a strange balance between austerity and warmth.

With Buxtehude, Niagara continue to refine their unmistakable approach—playful yet rigorous, minimal yet full of life— remaining entirely their own.

Accessory ist das Soloprojekt von Jason Balla (von Dehd), einem in Chicago lebenden Songwriter und multidisziplinären Künstler. Ihre Arbeit dreht sich um den Konflikt zwischen Optimismus und Melancholie, wobei sie ihr scheinbar unendliches Gewicht mit gleicher Perspektive und Anmut halten und auf ihre Entsprechung durch neugierige und komplexe melodische Erfahrungen hinweisen, die die Spannung der natürlichen und digitalen Welt nachahmen. Ihr Debütalbum ,Dust" ist der Ort, an dem das Himmlische auf das Molekulare trifft. Engel, Sternschnuppen und Blitze unterhalten sich mit Blut, Serotonin und Kalzium. In einer Zeit von live gestreamtem Schmerz und überwältigender Apathie komponierte Balla diese Songs, um seine Welt in Ordnung zu bringen, um zum menschlichen Kern von allem vorzudringen und den Verfall für sich selbst und für alle anderen zu verarbeiten, die den Schmerz des Pessimismus und der Hoffnungslosigkeit spüren. Das Album ist eine Reise durch die Welt der Musik, die sich durch ihre Vielseitigkeit und ihre Fähigkeit auszeichnet, den Zuhörer in eine andere Dimension zu versetzen. Die Musik von Accessory ist eine Mischung aus Rock, Pop, Folk und elektronischen Klängen, die sich durch ihre Vielseitigkeit und ihre Fähigkeit auszeichnet, den Zuhörer in eine andere Dimension zu versetzen.

Faitiche welcomes a new artist: Christina Kubisch belongs to the first generation of sound artists. Her practice ranges from performances, concerts, to works with video and visual art, but she is best known for her sound installations and electro-acoustic compositions.

TUNING brings together three pieces by Christina Kubisch from different periods of her oeuvre. What they have in common is the way they transform sound phenomena originally considered “non-music” into compositions.

Jan Jelinek: Gaming in Silence (2024) is the most recent work on this compilation. It’s a collage of electromagnetic waves, voice, and abstract sound textures. How did this combination come about?

Christina Kubisch: Gaming was commissioned as a fixed-media composition for the Sound Dome at ZKM Karlsruhe. Since Resonances: The Electromagnetic Bodies Project (2005), I’ve been making recordings in the old and new server rooms at the ZKM and in their permanent collection of historical computer games. Computer games like Asteroids (Atari, 1979) and Poly-Play (VEB Polytechnik, 1986) have specially generated analogue electromagnetic waves that interest me in particular on account of their density, rhythms and textures. I originally studied painting and to me the work of composition often feels like painting an abstract picture. I alter my source material as little as possible, layering and overlapping until a distinctive sound space emerges. In recent pieces, I sometimes combine magnetic waves with field recordings or live instruments. In Gaming it’s my recording of a Chinese song about silence.

JJ: Two persons walking through a street in Madrid (2004) is a recording from your Electrical Walks series. Here we should give a brief explanation of one of your best known works: participants in an Electrical Walk move through public spaces wearing prepared headphones that allow them to receive electromagnetic waves from their surroundings – for example from security gates, ATMs or neon signs. They discover a situation that normally is inaudible to the human ear and they can actively shape it by choreographing their movements. I really admire this piece, not least because there’s no clear dividing line between participants and artist. What exactly do we hear in Two persons walking through a street in Madrid (2004)?

CK: With this early work, I wanted to understand what is heard by people participating in an Electrical Walk in the same place but moving in different ways. The Spanish composer Miguel Alvarez-Fernàndez and I set off from opposite ends of a major shopping street in Madrid, met briefly in the middle, and then continued to the end. We both recorded our walks and I then layered them over one another. You might call it a work of electromagnetic conceptualism.

JJ: Diapason (2009 version) is an installation that plays a composition based on sounds from fifteen tuning forks. This setting is audible in the recording: there’s no dramatic arc, no beginning or end – instead, it recalls a piece of aleatoric music focussing on the decay phase. How did you come to make this work and could you tell us something about your compositional method?

CK: Diapason is part of a series of three pieces that deal with “non-instruments” or instruments that no longer exist: electrical mine bells used to send signals to the workers underground; a historical glass harmonica originally used for medicinal purposes; and tuning forks that were used by doctors to test people’s hearing. All of these methods are no longer in use. The sound of the tuning forks, audible only if held close to the ear, was recorded at the electronic studio at Berlin’s Technical University in such a way that even their decay remained audible. The frequencies range between 64 and 2048 Hertz and they can be adjusted at micro-intervals using small movable weights. The sequence and the duration of the pauses are dictated by chance and were not defined in advance. The 2009 version was created for an installation in the historic Holy Cross Church (Korskirken) in Bergen. Visitors could enter and leave the space at any time, deciding for themselves where and for how long they wished to listen to the sounds played back over an array of small loudspeakers placed on the floor of the apse.

Credits:

Gaming in Silence: commission of the ZKM/Hertzlab, Karlsruhe 2023
elektronic sound processing: Tom Thiel
sound engineering and mixing: Eckehard Güther

Diapason: produced at Elektronisches Studio of TU Berlin
rearrangement: Eckehard Güther

Christina Kubisch, published by Edition Christina Kubisch / Random Musick Publishing

image front: Transitionen 2021 by C. Kubisch, sonagrams of electronic waves (courtesy: Galerie Mazzoli Berlin)
image back: Diapason Tuning Fork, property of Folkmar Hein, Photo: Archiv Christina Kubisch

design by Tim Tetzner
mastered by Giuseppe Ielasi
Thanks to Miguel Álvarez-Fernández, Folkmar Hein, Dominik Kautz and Mario Mazzoli

This album was recorded by Isao Suzuki with an international string band lineup featuring Hank Jones, Roy Haynes, and Ron Carter. Widely supported by jazz fans both in Japan and abroad, it remains highly sought after and continues to command strong popularity on the used market.

Bass (Piccolo Bass): Isao Suzuki
Bass: Ron Carter
Piano: Hank Jones
Drums: Roy Haynes

This striking and thought-provoking album, born from the encounter between a towering jazz personality and youthful sensibilities, captures the direction of Japanese jazz in the 1980s. It will be reissued as the fourth release in the "Spin This Now!" series.

Double Bass, Acoustic Piccolo Bass, Percussion: Isao Suzuki
Drums, Congas, Percussion: Keiyu Hirayama
Electric Guitar: Takayuki Kato
Piano, Electric Piano, Synthesizer: Masayoshi Yoneda
Trumpet, Flugelhorn: Shuji Miyake

In the Summer of 2023, Dans Dans were nearing the end of a two-and-a-half-year-long period of intense creativity, during which they had released two celebrated albums, Zink and 6, and had toured extensively in Belgium and abroad. Feeling it was time for a well-deserved break in activity, they decided to play three final, intimate concerts before going into hiding: two consecutive nights at Trix in Antwerp (hometown of drummer Steven Cassiers and guitarist Bert Dockx) and one at Botanique in Brussels (hometown of bassist Frederic Jacques). 'LIVE!', Dans Dans' first ever full length live record, features highlights from these memorable nights, offering excitingversions of several of the group's most beloved compositions from across their back catalogue. While the band is, at the time of writing, getting ready to start working on new material, these recordings from 2023 are a good reminder of the magic Dans Dans are able to conjur when they get together and play. Here is one of the most original instrumental trios of the last two decades in their natural habitat, on stage, performing for a live audience, speaking through their intensely personal music. Here is Dans Dans at full flight, effortlessly blending different musical genres and painting fascinating sonic landscapes full of energy, mystery and contrast.

To commemorate the 40th Anniversary of the passing of James Darroch, singer/songwriter/guitarist for Sydney's incredible The Eastern Dark, Grown Up Wrong! is thrilled to announce a long-awaited reissue of the band's classic single "Julie Is A Junkie/Johnny and Dee Dee".

Heavily influenced by the Ramones - the band opened their first live show with 'Blitzkrieg Bop' and from then on opened with a new Ramones song every time they played, working through the band's complete catalogue in chronological order - as all manner of hyper-melodic and high energy rock. The Eastern Dark were a classic trio powered by former Celibate Rifles bassplayer James Darroch's blazing guitar and anchored by former Lime Spiders backing vocalist Bill Gibson's hard driving and melodic bass playing (and supreme backing vocals) and Geoff Milne's untouchable beat keeping. They set Sydney's Radio Birdman influenced scene alight in 1984 and quickly built an international following on the back of their classic single. Sadly, just hours after completing what would become their next release - the mini-LP "Long Live the New Flesh" - the band's life, and that of 26-year old James Darroch, was brutally ended in a road accident whilst the band was on its way to Melbourne.

On the back of the tragedy, the band's music lived on and it's global impact was reflected in the influence it bore on numerous bands, from Boston's the Lemoneads to Tokyo's Teengenenete, and obviously a succession of Australian bands from the Hard-Ons through to God and the Meanies and beyond.

After years of searching, surviving members Bill Gibson and Geoff Milne recently found the single's original multi-track tapes, and for the new release, the original recordings have been both remixed and remastered for maximum impact under their supervision.

One of the longest standing figures amidst the Discrepant wolfpack, the unstoppable alias of sound collector Laurent Jeanneau returns to the fold 2 years after 'Tanzania II' with this 2.0 update of the celebrated 'The Lisu' sort-of-mixtape released way back in 2014.

Based on recordings of music from the Lisu communities in China and Thailand captured on site, this mix shows Gong more like a selector or dj, restricting electronic processing to a bare minimum in order to convey different histories, places and timeframes within the same mesmerising continuum. A respectful and deeply vivid evocation of all the richness and diversity found among the different strands of lisu music, from ceremonial vocal incantations through a chibeu string instrument "processed" in loco through saturated street speakers to moments of pure poetic radiance, 'The Lisu' flows gracefully with the keen sense of wonder and knowledge of one of this century's most thoughtful and insightful sonic travellers.

YOUNGE ist Adrian Younges Meisterwerk: ein Orchesteralbum, das aus der Perspektive eines Hip-Hop-Produzenten geschrieben wurde, und eine Hip-Hop-Platte, die mit der Disziplin klassischer und filmischer Musik komponiert wurde. Inspiriert von Komponisten wie Lalo Schifrin, David Axelrod, Ennio Morricone, Galt MacDermot und Geoff Barrow von Portishead, knüpft das Album an eine Tradition emotional aufgeladener, zukunftsweisender Musik an, die Jahrzehnte später durch Sampling still und leise den Hip-Hop geprägt hat.

Robert Pettersson, die kraftvolle Stimme hinter zwei der größten schwedischen Rockbands, Takida und Stiftelsen, tritt nun mit seinem ersten Soloalbum ins Rampenlicht. Bekannt für seine rohe Emotion und seinen unverwechselbaren Sound, hat Robert mehr als zwei Jahrzehnte damit verbracht, Charts anzuführen, Arenen auszuverkaufen und den modernen schwedischen Rock zu prägen. Sein Solodebüt zeigt eine persönlichere Seite und verbindet tiefgehende Texte mit elektronischen Klangwelten. Produziert wurde das Album von Roberts langjährigem Songwriting-Partner Chris Rehn. So habt ihr Robert Pettersson noch nie gehört - intim, mutig und unverkennbar authentisch.

Das dritte Album der Kassierer von 1996 ist wieder auf Vinyl erhältlich, Nachpressung von 500 Stück! "Habe Brille" ist benannt nach einem Stück aus einer Operette von Jacques Offenbach und der Titel deutet schon an, wohin die musikalische Reise geht: Es wird ein weiter Bogen geschlagen von der Klassik (hier brilliert Wölfi mit einem a capella Solo über acht Oktaven), Big Band-Einspielungen bis zu düsteren technoiden Maschinenklängen, wobei das Hauptgewicht selbstverständlich auf solidem Punkrock liegt. Die Kassierer überraschen mit ihren virtuos eingespielten Liedern auch verwöhnte Ohren und strafen all die Lügen, die ihnen musikalische Kompetenz absprechen wollen. Was wie ein Streifzug durch die Musikhistorie wirkt, bringt kurz vor der Jahrtausendwende die Vielfalt und Beliebigkeit aller Stile auf den Punkt und liefert nicht mehr und weniger ein Stück Zeitgeschichte. Dabei bleiben die vielen Ohrwürmer sofort im Gedächtnis und laden zum spontanen mitsingen ein. Das große Plus der Band liegt in ihrer konsequenten Konzentration auf die deutsche Sprache, deren Vielfalt sie tiefer ausschöpfen als jede andere Gruppe der Gegenwart. Die Musik der Kassierer läßt den Hörer niemals kalt, sie packt ihn, entwickelt ihre dämonische Kraft und läßt den Hörer als einen anderen zurück. Hier werden Grenzen der Wirklichkeit verzerrt und verschoben, hier wird die realität neu zusammengezimmert. "Habe Brille" bildet die Größe und die Ungeheuerlichkeit der Welt auf musikalische Weise ab. Die Kassierer sind Visionäre und Propheten des dritten Jahrtausends, sie sind Menschen von übermorgen, die mitten unter uns leben. "Nennt es infantil, nennt es genial, scheißegal, die KASSIERER kümmern sich einen Dreck drum - Hauptsache, es wird reagiert. (...) Musikalisch sind die KASSIERER hier unbestritten in Höchstform: von Swing über Volksmusik bis hin zu ihrem altgewohnten Primitiv-Punk ist alles dabei." - Ox-Fanzine / Ausgabe #24