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2024 Reissue

"Still Smiling" is the first album of songs written in four hands by Teho Teardo and Blixa Bargeld; a work conceived and composed over two years, with dedication, working side by side, deciding and choosing every sound, every word, every silence together. The album, contains 12 songs: 10 previously unreleased, a new version of "A Quiet Life" and the cover "Alone with the moon" by Tiger Lillies. On the album, recorded between Rome and Berlin, in Teardo"s Rome studio and in Einstürzende Neubauten"s "Andere Baustelle" (the historic band of which Bargeld is leader), cellist Martina Bertoni and the Balanescu 4et collaborated. Teho and Blixa dialogue in symbiosis, Blixa"s deep and intense singing ranging from Italian to English and German, Teho"s music sublimating and enchanting between strings, electronics and experimentation. The maturation of ideas and intentions, in the numerous journeys between the two capitals, the desire, listening and meeting of their respective expressions, have left their mark. Still Smiling is a record that gives time, it is a privileged vision that covers all the sky between Rome and Berlin. The collaboration between the two artists began in 2009 for "Ingiuria", a performance by Raffaello Sanzio"s "Societas" that featured Alexander Balanescu on stage in addition to Bargeld and Teardo. In 2010, Bargeld and Teardo collaborated again to record A Quiet Life, the title track of the soundtrack of the film "A Quiet Life" with Toni Servillo. After these two experiences, a strong understanding and artistic affinity was born, which has led to the genesis of "Still Smiling".

Die Musikzeitschriften "Audio" und "Stereo Play" betitelten Lenny Mac Dowell als "Rockflötist Nummer eins in Deutschland".
Lenny Mac Dowell hatte unzählige Tourneen mit Musikern wie Manni von Bohr, Horst Stachelhaus (Birth Control), Peter Oehler, Mike Herting, Bodo Schopf (Michael Schenker Group) oder Zeus B. Held (Guru Guru), Clemens Winterhalter, Alex Grünwald und immer wieder Großproduktionen mit Musikern wie Pete York (Spencer Davis Group) und Wolfgang Schmid (Passport).
Eine Ära des musikalischen Experimentierens setzte sich unter eigener Produktion fort. Nach "Flying Torso" folgt "Balance Of Power", das mehr in die esoterischen Gefilde geht - feinste Meditationsmusik mit Ambient-Elementen. Auch das Album "The Farthest Shore" spiegelt die meditativen und esoterischen Klänge wider. 1987 veröffentlichte Lenny Mac Dowell in einem Gemeinschaftsprojekt mit Christoph Spendel "Autumn Breath" oder "Landscapes" (2015) und in den 90er Jahren bis heute "The Lost Paradise", "Echnatons Return", "Launch Control", "Get Ready", "Retrospective", "Lenny Goes India", "Look Of Love" und "Raja Yoga" Produktionen unter eigener Flagge.
"Vinyl Experience" eignet sich auch hervorragend als Referenz oder zum Testen Ihres Soundsystems, von der Plattenspieleranlage bis zu den Lautsprechern.

Das 10. Studio-Album der beliebten Band - bestehend aus Conor Oberst, Mike Mogis und Nate Walcott - enthält Gastauftritte von langjährigen Freund*innen wie Cat Power, Matt Berninger von The National und Alex Orange Drink von The So So Glos. "Five Dice, All Threes" wurde in Eigenregie produziert und in Mikes und Conors Studio ARC in Omaha, Nebraska, aufgenommen. Es ist ein Album von ungewöhnlicher Intensität und Zärtlichkeit, von gemeinschaftlichem Exorzismus und persönlicher Ausgrabungen. Das sind natürlich Qualitäten, die die Fans von Bright Eyes auch nach fast drei Jahrzehnten ihrer Karriere erwarten. Aber selbst mit ihrer reichen Geschichte im Rücken verströmen diese neuen Songs eine emotionale Spannung wie nichts, was sie zuvor versucht haben. Conor hat schon immer mit einer Stimme gesungen, die ein Gefühl von Leben und Tod vermittelt. Auf "Five Dice, All Threes" macht man sich manchmal Sorgen um ihn, manchmal scheint er der Einzige zu sein, der den Durchblick hat, um uns aus dem Schlamassel zu helfen. Wie bei Bright Eyes üblich, ist die Musik voller Subtexte, die zum tieferen Hinhören einladen - das Markenzeichen einer Band, die das Album immer als ihr eigenes, erhabenes Kunstwerk betrachtet hat. Mit den neuen Songs umarmt das Trio die schwer fassbare Qualität, die sie über Generationen und Genres hinweg so beständig und einflussreich gemacht hat, und bringt ihren hausgemachten Sound aus einem Schlafzimmer in Omaha zu einem begeisterten Publikum in aller Welt. In Conors Songwriting liegt das Versprechen, dass unsere einsamsten Gedanken und Gefühle großartige Formen annehmen können, wenn sie zwischen Freund*innen ausgetauscht, aus Lautsprechern geschmettert oder von Menschenmengen geschrien werden. "Five Dice, All Threes" ist so bekenntnisreich und ungeschützt, wie Conor es seit Jahren nicht mehr war. Mit diesen zeitlos konstruierten und doch unverschämt modernen Songs verdient er sich seinen Platz in der seltenen Klasse von Songwritern, die mit dem Alter furchtloser und grenzenloser geworden sind. Im Spiel der Dreier würde der titelgebende Zug einen perfekten Wurf bedeuten. In der Welt von Bright Eyes bedeutet Perfektion jedoch etwas anderes, denn hier sind es unsere Fehler, die uns Autorität verleihen, und die Suche nach Bedeutung ist nur möglich, wenn wir den dunklen, kurvenreichen Weg dorthin mitmachen. Auf "Five Dice, All Threes" umarmen Bright Eyes diese Überzeugungen mit Musik, die sich aufregend lebendig anfühlt, als wären wir alle mit ihnen im Raum, schreien mit und gewinnen die Kraft, gemeinsam vorwärts zu gehen. Das klingt nicht nur nach den klassischen Bright Eyes. Es klingt auch wie ihre Zukunft.

Das 10. Studio-Album der beliebten Band - bestehend aus Conor Oberst, Mike Mogis und Nate Walcott - enthält Gastauftritte von langjährigen Freund*innen wie Cat Power, Matt Berninger von The National und Alex Orange Drink von The So So Glos. "Five Dice, All Threes" wurde in Eigenregie produziert und in Mikes und Conors Studio ARC in Omaha, Nebraska, aufgenommen. Es ist ein Album von ungewöhnlicher Intensität und Zärtlichkeit, von gemeinschaftlichem Exorzismus und persönlicher Ausgrabungen. Das sind natürlich Qualitäten, die die Fans von Bright Eyes auch nach fast drei Jahrzehnten ihrer Karriere erwarten. Aber selbst mit ihrer reichen Geschichte im Rücken verströmen diese neuen Songs eine emotionale Spannung wie nichts, was sie zuvor versucht haben. Conor hat schon immer mit einer Stimme gesungen, die ein Gefühl von Leben und Tod vermittelt. Auf "Five Dice, All Threes" macht man sich manchmal Sorgen um ihn, manchmal scheint er der Einzige zu sein, der den Durchblick hat, um uns aus dem Schlamassel zu helfen. Wie bei Bright Eyes üblich, ist die Musik voller Subtexte, die zum tieferen Hinhören einladen - das Markenzeichen einer Band, die das Album immer als ihr eigenes, erhabenes Kunstwerk betrachtet hat. Mit den neuen Songs umarmt das Trio die schwer fassbare Qualität, die sie über Generationen und Genres hinweg so beständig und einflussreich gemacht hat, und bringt ihren hausgemachten Sound aus einem Schlafzimmer in Omaha zu einem begeisterten Publikum in aller Welt. In Conors Songwriting liegt das Versprechen, dass unsere einsamsten Gedanken und Gefühle großartige Formen annehmen können, wenn sie zwischen Freund*innen ausgetauscht, aus Lautsprechern geschmettert oder von Menschenmengen geschrien werden. "Five Dice, All Threes" ist so bekenntnisreich und ungeschützt, wie Conor es seit Jahren nicht mehr war. Mit diesen zeitlos konstruierten und doch unverschämt modernen Songs verdient er sich seinen Platz in der seltenen Klasse von Songwritern, die mit dem Alter furchtloser und grenzenloser geworden sind. Im Spiel der Dreier würde der titelgebende Zug einen perfekten Wurf bedeuten. In der Welt von Bright Eyes bedeutet Perfektion jedoch etwas anderes, denn hier sind es unsere Fehler, die uns Autorität verleihen, und die Suche nach Bedeutung ist nur möglich, wenn wir den dunklen, kurvenreichen Weg dorthin mitmachen. Auf "Five Dice, All Threes" umarmen Bright Eyes diese Überzeugungen mit Musik, die sich aufregend lebendig anfühlt, als wären wir alle mit ihnen im Raum, schreien mit und gewinnen die Kraft, gemeinsam vorwärts zu gehen. Das klingt nicht nur nach den klassischen Bright Eyes. Es klingt auch wie ihre Zukunft.

Das 10. Studio-Album der beliebten Band - bestehend aus Conor Oberst, Mike Mogis und Nate Walcott - enthält Gastauftritte von langjährigen Freund*innen wie Cat Power, Matt Berninger von The National und Alex Orange Drink von The So So Glos. "Five Dice, All Threes" wurde in Eigenregie produziert und in Mikes und Conors Studio ARC in Omaha, Nebraska, aufgenommen. Es ist ein Album von ungewöhnlicher Intensität und Zärtlichkeit, von gemeinschaftlichem Exorzismus und persönlicher Ausgrabungen. Das sind natürlich Qualitäten, die die Fans von Bright Eyes auch nach fast drei Jahrzehnten ihrer Karriere erwarten. Aber selbst mit ihrer reichen Geschichte im Rücken verströmen diese neuen Songs eine emotionale Spannung wie nichts, was sie zuvor versucht haben. Conor hat schon immer mit einer Stimme gesungen, die ein Gefühl von Leben und Tod vermittelt. Auf "Five Dice, All Threes" macht man sich manchmal Sorgen um ihn, manchmal scheint er der Einzige zu sein, der den Durchblick hat, um uns aus dem Schlamassel zu helfen. Wie bei Bright Eyes üblich, ist die Musik voller Subtexte, die zum tieferen Hinhören einladen - das Markenzeichen einer Band, die das Album immer als ihr eigenes, erhabenes Kunstwerk betrachtet hat. Mit den neuen Songs umarmt das Trio die schwer fassbare Qualität, die sie über Generationen und Genres hinweg so beständig und einflussreich gemacht hat, und bringt ihren hausgemachten Sound aus einem Schlafzimmer in Omaha zu einem begeisterten Publikum in aller Welt. In Conors Songwriting liegt das Versprechen, dass unsere einsamsten Gedanken und Gefühle großartige Formen annehmen können, wenn sie zwischen Freund*innen ausgetauscht, aus Lautsprechern geschmettert oder von Menschenmengen geschrien werden. "Five Dice, All Threes" ist so bekenntnisreich und ungeschützt, wie Conor es seit Jahren nicht mehr war. Mit diesen zeitlos konstruierten und doch unverschämt modernen Songs verdient er sich seinen Platz in der seltenen Klasse von Songwritern, die mit dem Alter furchtloser und grenzenloser geworden sind. Im Spiel der Dreier würde der titelgebende Zug einen perfekten Wurf bedeuten. In der Welt von Bright Eyes bedeutet Perfektion jedoch etwas anderes, denn hier sind es unsere Fehler, die uns Autorität verleihen, und die Suche nach Bedeutung ist nur möglich, wenn wir den dunklen, kurvenreichen Weg dorthin mitmachen. Auf "Five Dice, All Threes" umarmen Bright Eyes diese Überzeugungen mit Musik, die sich aufregend lebendig anfühlt, als wären wir alle mit ihnen im Raum, schreien mit und gewinnen die Kraft, gemeinsam vorwärts zu gehen. Das klingt nicht nur nach den klassischen Bright Eyes. Es klingt auch wie ihre Zukunft.

Unter den Galionsfiguren der französischen Disco hatte Bernard Fèvre, besser bekannt als Black Devil, wahrscheinlich die kürzeste Karriere, aber er war der brillanteste und einzigartigste Kopf von allen. Sein erstes Album Disco Club, das 1978 erschien, blieb zwar zunächst unbeachtet, ist aber inzwischen ein Muss, ein Sammlerstück, das viele Hörer dazu veranlasst hat, sich mit seinem umfangreichen Werk zu beschäftigen. Von Rockmusik bis Music Hall, von Sound-Illustration bis Disco, von Pop bis Reggae, von Filmmusik bis Werbung - Bernard Fèvre hat mit so vielen Genres experimentiert, dass es schwer war, den Überblick nicht zu verlieren. Eines seiner besten Alben trägt sogar einen so eindeutigen Titel wie The Strange World of Bernard Fèvre. Machen Sie sich auf den Weg in eine kosmische Dimension, die an das Unbekannte grenzt. BERNARD FEVRE (BLACK DEVIL DISCO / MILLPATTE / SUSPENSE) SPACE ODDITIES ist eine Reihe, die sich der Library-Music französischer (und anderer) Elektronik-Pioniere widmet. Das Projekt wird von Alexis Le-Tan & Jess initiiert und kuratiert und von Born Bad Records veröffentlicht.

Vinyl-Reissue in Faksimile-Gatefold-Edition, mit den originalen Einführungstexten. 1984 brachte ECM mit
der Veröffentlichung von Arvo Pärts Tabula rasa eine gänzlich neue Klangdimension in die Musikwelt und
rief mit dem Album das ‚ ECM New Series‘ Label ins Leben. Anlässlich des 40-jährigen Jubiläums der New
Series präsentiert diese Vinyl-Sonderedition die Platte in ihrer ursprünglichen Gestalt. Das Album markiert
auch den Schnittpunkt einiger der langjährigsten und bedeutendsten musikalischen Begleiter des Labels in
seiner über 50 Jahre langen Geschichte: Arvo Pärt, Gidon Kremer und Keith Jarrett. ”Pärts Musik reicht
weit über die verschworene Gemeinschaft der Kenner hinaus, die im Allgemeinen zeitgenössische klassische
Musik unterstützen. Er ist ein Komponist, der in eindringlich klaren, vertrauten Tönen spricht, ohne die
Musik der Vergangenheit zu duplizieren. Er hat eine musikalische Entdeckung gemacht, die sich kaum
in Worte fassen lässt – etwas, das mit der Kraft der Musik zu tun hat, die Starrheit von Raum und Zeit
auszulöschen. Seine Akkorde bringen einer nach dem anderen den Lärm des Ichs zum Schweigen und binden
den Geist an eine ewige Gegenwart.” –Alex Ross, The New Yorker. ”Das Album, das Pärts Namen in den
Westen und in die Welt brachte (...). Dies ist ohne jeden Hauch eines Zweifels eine der großen Aufnahmen
des letzten Jahrhunderts.
–Rob Cowan, Gramophone (2023)

Schwarzes 140g Bio-Doppel-Vinyl mit bedruckten Innenhüllen ohne Beilagen



Einstürzende Neubauten präsentieren ihr neues Album. Sie suchen nach neuen Formen. Nach dem unentdeckten Ton und dem noch unausgesprochenen Wort. Seit ihrer Gründung am 1. April 1980 verschieben die Einstürzenden Neubauten die Parameter von Mainstream und Subkultur, um das Unhörbare hörbar zu machen. Und vielleicht auch das Unerhörte. Ein sich über vier Dekaden erstreckender Feldforschungsversuch, der nun ins nächste Stadium tritt. In ihrem 44. Bestehensjahr geht die Formation weit zurück zu ihren Wurzeln, um sich gleichzeitig neu zu definieren. Ein verändertes Selbstverständnis, für das das Berliner Quintett plus eins 2024 sein eigenes Genre kreiert hat: apm - alien pop music. Ständige Weiterentwicklung - so könnte man das Schaffen der Einstürzenden Neubauten kurz und knapp zusammenfassen. Eine musikalische Evolution, die beim 1981 veröffentlichten Albumdebüt "Kollaps" beginnt und sich nun auf dem im April 24 erscheinenden Album "Rampen - apm: alien pop music" manifestiert, auf diesem präsentieren sich Blixa Bargeld, N.U. Unruh, Alexander Hacke, Jochen Arbeit, Rudolph Moser und Felix Gebhard nun von ihrer unberechenbarsten und eigenwilligsten Seite. Auf ihrem neuen Album setzen die Neubauten nun allen Sound-Spekulationen ein - wenn auch spätes - Ende. Schon seit Mitte der 1980er-Jahre experimentieren die Einstürzenden Neubauten auf der Bühne mit sogenannten Rampen: Öffentliche Improvisationen mit offener Entwicklung und Ausgang; Abschussrampen ins noch Unerforschte, die die Band im Jahr 2022 auf ihrer letzten "Alles in Allem"-Tournee im Zugabenteil performte und deren Mitschnitte als Basis für das neue Album dienen. "Rampen - apm: alien pop music" ist Popmusik für Paralleluniversen und Zwischenwelten. Für Hyperräume und Interzonen. Mikrokosmisch und intergalaktisch zugleich. Eine demimondäne Behauptung außerhalb aller physikalischen Gesetze, mit der die Einstürzenden Neubauten ein stilistisches Niemandsland zwischen Vergangenheit und Zukunft betreten. Rückkehr zu den Wurzeln einerseits, andererseits entsteht aus lärmgewaltigen Kracheruptionen, auf kryptische, oftmals fragmentarische Lyrics treffend, eine neue Kunstform: Populäre Musik für Aliens und Außenseiter. Aus Anti-Pop ist Alien Pop geworden. Fremdartig. Kokonhaft versponnen. Ungehört. Sonus inauditus. Nicht ganz unabsichtlich erinnert das reduzierte Coverartwork an das ikonische Layout des "Weißen Albums" von den Beatles. "Ausgehend von der Idee, dass die Einstürzenden Neubauten in einem anderen Sonnensystem ebenso berühmt sind wie die Beatles in unserer Welt", so Blixa Bargeld über die Gratwanderung zwischen Avantgarde und Augenzwinkern, Provokation und popkultureller Diskontinuität. Womit auch direkt das zentrale Thema vorgegeben wäre, das sich wie ein roter Faden durch alle Songs zieht: Veränderung, utopische Gedankenspiele und Vergänglichkeit. "Ich habe auf der Platte ein paar Lösungen gefunden und Dinge formuliert, wie ich sie vorher noch nicht formuliert habe, weil sie mir noch nicht so klar waren. Ich bin jemand, der denkt, durch Musik Erkenntnisse zu gewinnen. Das war schon immer so. Die Überzeugung, in der Musik etwas zu finden, was ich vorher nicht wusste. Und etwas zu singen, was ich vorher nicht wusste. Etwas, was sich dann als Wahrheit herausstellt. Oder zumindest als sinnvoll, wenn man es ein wenig kleiner halten will." Dieses Album repräsentiert die nächste Stufe der Evolution, auf der man die bekannte Sprache schließlich hinter sich gelassen hat. Und die Eröffnung weiterer, unendlicher Möglichkeiten: alien pop music.

„Drifts and Surfaces“ ist ein dreiteiliges Set, wobei jedes Werk aus Auftragsarbeiten hervorgeht und durch gemeinsame Themen vereint wird: der Fluss zwischen ephemerer Bewegung und alltäglichem Stillstand, das Paradoxon von außergewöhnlicher und alltäglicher Schönheit und der Ehrgeiz und Müßiggang, der das Leben im 21. Jahrhundert ausmacht Saxl nutzt weiterhin kammermusikalische Ensembles neben analogen Synthesizern und digitalen Experimenten und vertieft sich dabei in strukturelle Emotionen und die lebendigen Details kleiner Handlungen. Während ihre bahnbrechende LP „The Blue of Distance“ (2021) Feld-Aufnahmen aus den Adirondacks und dem Lake Superior verarbeitete, stammt Saxls Quellenmaterial hier vor allem aus Live-Percussion und anderen Instrumenten. Das Projekt begann 2018 im Brooklyner Stadtteil Red Hook in dem Proberaum, den sich Saxls Band mit dem Percussion-Trio Tigue teilt. Später im selben Jahr spielten sie gemeinsam eine Residency und nahmen das Stück auf. 2021 begann sie ein neues Auftragswerk mit Third Coast Percussion aus Chicago. Der Titel „Drifts“ bezieht sich auf den Roman von Kate Zambreno aus dem Jahr 2020, in dem die Protagonistin von der Arbeit von Chantal Ackerman fasziniert ist, die die typisch weiblichen, unsichtbaren Formen der häuslichen Arbeit als ebenso wertvoll darstellt wie Tätigkeiten, die gemeinhin als produktiv angesehen werden. Saxl stellt „Drifts“ im Geiste dieser feministischen These auf: „Es fühlt sich an, als gäbe es hier eine kleine Reihe von Frauen, die diese Idee erforschen und kleine Aktionen feiern, von denen ich hoffe, dass ich deren Arbeit fortsetze.“ Das letzte Stück, „Surfaces“, wurde vom Guggenheim Museum in Verbindung mit der Alex Katz-Retrospektive im Jahr 2022 in Auftrag gegeben. Die Gruppe - bestehend aus Henry Solomon am Baritonsaxophon, Robby Bowen am Glasmarimbaphon und Saxl - lehnt sich an leichte, nachdenkliche Töne an, die von der Gegenwartsbezogenheit des bahnbrechenden Malers inspiriert sind. Katz' Arbeit beschäftigt sich mit der optischen Wahrnehmung von „schnell vergehenden Dingen“, wie der Liminalität der Dämmerung, wenn die Umrisse eines Objekts beginnen, undeutlich zu werden. „Die Art und Weise, in der sich unsere Wahrnehmung der Dinge verändert, nicht weil sie sich verändern, sondern weil wir uns verändern“, erklärt Saxl. „Ich wollte, dass sich diese wirklich kleinen Veränderungen dramatisch anfühlen, um die imaginäre Bewegung in seinen Gemälden widerzuspiegeln.“ Tritt man zurück, um „Surfaces“ innerhalb des Sets zu betrachten, findet Saxl den Strom, der sich durch die gesamte Arbeit zieht, das Konzept des Selbst als Teil von etwas Größerem. „Katz‘ Darstellung mehrerer Generationen von New Yorker Künstlern hat mich dazu inspiriert, darüber nachzudenken, dass es kein individuelles ‘Ich' als Künstler gibt, ohne die Künstler, die vor mir kamen, und die Gemeinschaft der Künstler, mit denen ich zusammengewachsen bin. Die Grenzen zwischen uns verschwimmen, und ich habe das Gefühl, dass ich auf einer verwobenen Oberfläche getragen werde, die von der Gemeinschaft um mich herum gebildet wird. Gleichzeitig weiß ich aber auch, dass ich mich irgendwann nach innen wenden und allein hinausschwimmen muss.“

Der gefeierte Pianist Joep Beving veröffentlicht sein erstes gemeinsames Album mit dem in Berlin arbeitenden niederländischen Cellisten und Produzenten Maarten Vos. Ihr Album vision of contentmenterscheint auf Nils Frahms Label LEITER und folgt auf die Zusammenarbeit an Henosis, Bevings drittem Album aus dem Jahr 2019. Die LP, die von Frahm im LEITER Studio im Funkhaus Berlin abgemischt wurde, enthält acht neue Kompositionen und ist sowohl auf Vinyl als auch über alle digitalen Plattformen erhältlich. Während Beving noch nie ein komplettes Album mit anderen Musiker*innen aufgenommen hat, kollaboriert Vos regelmäßig mit Künstler*innen wie Julianna Barwick, Nicolas Godin (AIR) und Alex Smoke. "Endlich ergab sich die Gelegenheit, mit ihm Musik zu machen." sagt Beving. "Ich versuche immer, kleine Welten zu schaffen, in die die Hörer*innen kurzzeitig eintauchen können. Die Arbeit mit Maarten und Nils hat mir ungemein dabei geholfen, dies zu erreichen. Maarten ist ein wahrer Klangkünstler und Nils ist, nun ja... der Meister des Klangs!" Aus ihrer mitunter düsteren Arbeit, entstand eine universelle Lobrede auf das, was der Pianist "Trost finden in der Akzeptanz des Unvermeidlichen" nennt. Aber das Album ist weit mehr als das. Es ist auch eine erstaunlich persönliche Hommage an Mark Brounen, ihren Freund und - in Bevings Fall - Manager, der nach einem mehrjährigen Kampf gegen den Krebs während der Aufnahmen zu diesem Album verstarb. Der Großteil von vision of contentment wurde im Juli 2023 in "de Berenpan", einem Wald außerhalb eines kleinen Dorfes in der niederländischen Provinz Utrecht, geschrieben und mit verschiedenen Synthesizern, einem Cello und einem Klavier aufgenommen. Das Album vermittelt gewiss auf mehreren Wegen eine Idee von Ruhe und Gelassenheit, sei es in unserer Welt oder im Jenseits. Es beginnt mit den blechernen Klängen von "on what must be", und endet mit ruhigen, fast aufmunternden "The boat". Zwischen diesen sensiblen 'Buchenden" liegt ein halbes Dutzend Tracks: Das geisterhafte "Penumbra", das dumpfe, nostalgische "A night in Reno" und das amorphe, beunruhigende "Hades". Vos" schwermütige Cello-Klänge auf "The heron" werden dagegen schnell von einer zauberhaften Klaviermelodie erhellt, die nur durch Geräusche gestört wird, die von einer übernatürlichen Präsenz im Raum zeugen könnten. vision of contentment ist eine wunderbare Hommage an das Leben und alles, was danach kommen mag - kathartisch, spirituell erweckend und letztlich voller Liebe.

"Tools of Oppression / Rule by Deception" ist das neue Album von The Hope Conspiracy. Das Album wurde von Kurt Ballou und Zach Weeks in den God City Studios produziert. Das Artwork für die Veröffentlichung stammt von dem gefeierten Künstler Alexander Heir (Death/Traitors).

Dies ist wahre akustische Gewalt, die sich gegen politische Spaltung, wirtschaftliche Manipulation, Kriegsgewinnlerei, Medienpropaganda und andere abscheuliche Formen globaler Unterdrückung richtet. Luftschutzsirenen heulen auf, während die ahnungsvollen "Those Who Gave Us Yesterday" und "The Prophets and Doom" wie brennende Schrapnells explodieren. Der Höllenritt geht weiter mit "A Struggle For Power" und "Live In Fear", zwei bösartigen Blasts, die vor Bosheit und Verachtung nur so strotzen. "Shock By Shock" und "Of A Dying Nation" leiten die doomig-düstere Schwere ein
und drosseln das Tempo auf ein mittelschnelles Sperrfeuer. "Confusion/Chaos/Misery" zieht das Tempo an und geht mit verbrannter Erde auf die soziopolitischen Alpträume los, die uns alle umgarnen, während "Broken Vessels" die Opioid-Krise und die Sucht als Ganzes thematisiert. Dies führt zu "The West Is Dead", einer dystopischen Hardcore-Hymne mit vielen Hooks, und dem epischen Schlussstück "The Specter Looms"; ein unheilvoller Soundtrack zum stetigen Niedergang unserer modernen Zeit.Keine Frage, The Hope Conspiracy ist zurück, um eine kalte, harte Aussage über die Existenz in der Endzeit zu treffen.

"Tools of Oppression / Rule by Deception" ist das neue Album von The Hope Conspiracy. Das Album wurde von Kurt Ballou und Zach Weeks in den God City Studios produziert. Das Artwork für die Veröffentlichung stammt von dem gefeierten Künstler Alexander Heir (Death/Traitors).

Dies ist wahre akustische Gewalt, die sich gegen politische Spaltung, wirtschaftliche Manipulation, Kriegsgewinnlerei, Medienpropaganda und andere abscheuliche Formen globaler Unterdrückung richtet. Luftschutzsirenen heulen auf, während die ahnungsvollen "Those Who Gave Us Yesterday" und "The Prophets and Doom" wie brennende Schrapnells explodieren. Der Höllenritt geht weiter mit "A Struggle For Power" und "Live In Fear", zwei bösartigen Blasts, die vor Bosheit und Verachtung nur so strotzen. "Shock By Shock" und "Of A Dying Nation" leiten die doomig-düstere Schwere ein
und drosseln das Tempo auf ein mittelschnelles Sperrfeuer. "Confusion/Chaos/Misery" zieht das Tempo an und geht mit verbrannter Erde auf die soziopolitischen Alpträume los, die uns alle umgarnen, während "Broken Vessels" die Opioid-Krise und die Sucht als Ganzes thematisiert. Dies führt zu "The West Is Dead", einer dystopischen Hardcore-Hymne mit vielen Hooks, und dem epischen Schlussstück "The Specter Looms"; ein unheilvoller Soundtrack zum stetigen Niedergang unserer modernen Zeit.Keine Frage, The Hope Conspiracy ist zurück, um eine kalte, harte Aussage über die Existenz in der Endzeit zu treffen.

High Roller Records, reissue 2024, black vinyl, ltd 150, gatefold, lyric sheet, Hitten formierten sich im Jahre 2011 in Murcia, einer Stadt im Südosten Spaniens (nahe Alicante). Im selben Jahr erschien ihr erstes Demo namens »Darkness Queen«. Zwei EPs sowie das vollständige Album »First Strike With The Devil« (2014) folgten, bevor Hitten für die Vinyl-Veröffentlichung ihres Zweitlings »State Of Shock« einen Vertrag mit High Roller Records unterzeichneten.Mit mitreißenden Nummern wie “Don’t Be Late”, “Endless Race” und “Eternal Force” war »State Of Shock« eine klare Steigerung gegenüber dem naiven Erstling. Gitarrist und Bandgründer Dani Meseguer gibt Accept, Iron Maiden, Judas Priest und Saxon als Hittens musikalische Inspirationsquellen an, genauso wie US-Metal-Legenden der Kategorie Fifth Angel, Crimson Glory, Shok Paris und Metal Church.“Wir sind sehr zufrieden damit, wie »State Of Shock« aufgenommen worden ist”, erklärt Dani Meseguer. “Wir haben ein paar coole Festivals gespielt, sind in Europa auf Tour gewesen und sogar in Japan wollte man uns sehen.” Dennoch, die Zeit zwischen »State Of Shock« und dem brandneuen Album »Twist Of Fate« hielt für Hitten auch einen Tiefschlag bereit. Im September 2017 absolvierte Sänger Aitor seinen letzten Auftritt für die Band. Mit Alexx Panza stand aber sofort Ersatz parat. Dani Meseguer: “Alexx ist ein Geschenk des Himmels. Für uns war es einfach perfektes Timing.” “Wir sind mehr als glücklich mit dem Endresultat von »Twist Of Fate«”, fährt Dani Meseguer fort. “Vom Cover-Artwork bis zu den einzelnen Songs erfüllt die Scheibe höchste Qualitätsansprüche. Ich bin der festen Überzeugung, dass die Fans »Twist Of Fate« noch mehr mögen werden als »State Of Shock«. Der Mix (von Javi Félez) und das Mastering (Patrick W. Engel) sind einfach unglaublich. Die Platte hat alles, was ein gutes Metal-Album haben muss: verrückte Twin-Gitarren, emotionale Solos, spitze Schreie, schöne Gesangsharmonien und einen machtvollen Background-Gesang. Alexx als Sänger hat einen fantastischen Job abgeliefert. Seine stimmliche Bandbreite ist einfach enorm. Er ist in den tiefen Tonlagen extrem sicher aber beherrscht auf der anderen Seite auch diese high-pitched Screams, die wir alle so lieben.”

High Roller Records, reissue 2024, black vinyl, ltd 150, gatefold, lyric sheet, Hitten formierten sich im Jahre 2011 in Murcia, einer Stadt im Südosten Spaniens (nahe Alicante). Im selben Jahr erschien ihr erstes Demo namens »Darkness Queen«. Zwei EPs sowie das vollständige Album »First Strike With The Devil« (2014) folgten, bevor Hitten für die Vinyl-Veröffentlichung ihres Zweitlings »State Of Shock« einen Vertrag mit High Roller Records unterzeichneten.Mit mitreißenden Nummern wie “Don’t Be Late”, “Endless Race” und “Eternal Force” war »State Of Shock« eine klare Steigerung gegenüber dem naiven Erstling. Gitarrist und Bandgründer Dani Meseguer gibt Accept, Iron Maiden, Judas Priest und Saxon als Hittens musikalische Inspirationsquellen an, genauso wie US-Metal-Legenden der Kategorie Fifth Angel, Crimson Glory, Shok Paris und Metal Church.“Wir sind sehr zufrieden damit, wie »State Of Shock« aufgenommen worden ist”, erklärt Dani Meseguer. “Wir haben ein paar coole Festivals gespielt, sind in Europa auf Tour gewesen und sogar in Japan wollte man uns sehen.” Dennoch, die Zeit zwischen »State Of Shock« und dem brandneuen Album »Twist Of Fate« hielt für Hitten auch einen Tiefschlag bereit. Im September 2017 absolvierte Sänger Aitor seinen letzten Auftritt für die Band. Mit Alexx Panza stand aber sofort Ersatz parat. Dani Meseguer: “Alexx ist ein Geschenk des Himmels. Für uns war es einfach perfektes Timing.” “Wir sind mehr als glücklich mit dem Endresultat von »Twist Of Fate«”, fährt Dani Meseguer fort. “Vom Cover-Artwork bis zu den einzelnen Songs erfüllt die Scheibe höchste Qualitätsansprüche. Ich bin der festen Überzeugung, dass die Fans »Twist Of Fate« noch mehr mögen werden als »State Of Shock«. Der Mix (von Javi Félez) und das Mastering (Patrick W. Engel) sind einfach unglaublich. Die Platte hat alles, was ein gutes Metal-Album haben muss: verrückte Twin-Gitarren, emotionale Solos, spitze Schreie, schöne Gesangsharmonien und einen machtvollen Background-Gesang. Alexx als Sänger hat einen fantastischen Job abgeliefert. Seine stimmliche Bandbreite ist einfach enorm. Er ist in den tiefen Tonlagen extrem sicher aber beherrscht auf der anderen Seite auch diese high-pitched Screams, die wir alle so lieben.”

Die Liverpooler YOBS veröffentlichen ihr selbstbetiteltes Debütalbum am 3. Mai 2024 über Fuzz Club und folgen damit ihrer ersten Doppelsingle "Fortune Teller b/w Cemetery Man", mit der die vierköpfige Band die Szene mit einem herrlich schmutzigen und hedonistischen Feuerwerk betrat.

Das Clash Magazine schrieb über YOBS: "Schädelzerschmetternde Riffs und halluzinogene Effekte". YOBS liefern primitive Garage-Punk/Noise-Rock-Salven, die mit erschlagender Intensität vorbeirasen. Auf den zehn Tracks des Albums und der
rasanten 26-minütigen Spielzeit schwelgt die Band in einem rauen, spaßigen Rock'n'Roll, der deine Knochen genauso zum Vibrieren bringt wie deine Lautsprecher. YOBS, die aus den Trümmern der inzwischen aufgelösten Liverpooler Bands Weird Sex und Ohmns entstanden sind, wurden 2022 gegründet und bestehen aus Joey Ackland (Gesang), Alex Smith (Bass/Gesang), Michael Quinlan (Gitarre/Gesang) und George Gebbie (Schlagzeug).

Ihr Debütalbum, das sie in vier Tagen in den Hackney Road Studios mit James Aparicio aufgenommen haben, ist das Ergebnis eines Jahres 2023, in dem sie mit Bands wie A Place To Bury Strangers, Mark Sultan, C.O.F.F.I.N, Alien Nosejob und anderen raue, ohrenbetäubende Shows gespielt haben.

Limitierte LP-Neuauflage: rot-goldfarbenes Vinyl, inklusive eines neu gestalteten Posters zum Ausklappen. Unser Album zum 1.Mai. Zum Tag der Arbeit und für den Kater danach. Die Arbeit verändert sich. Roboter ersetzen uns. Der Kapitalismus zerbröselt. Wir brauchen einen neuen Soundtrack - aber wie klingen work songs in einer Zukunft, in der die Natur der Arbeit selbst so unsicher ist? Mit ihrem zweiten Duo-Album Never Work suchen Ariel Sharratt und Mathias Kom (von der kanadischen Garagen-Folk-Band The Burning Hell) nach Antworten. Einige Songs sind Lieder über Arbeiter, andere sind Lieder für Arbeiter, aber die meisten sind beides zugleich. Musikalisch nutzt Never Work die akustischen Elemente eines Old-School-Folk-Revivals (...Guthrie, Seeger, Dylan..) die, tongue-in-cheek, mit Billig Electronica der 80er versponnen werden. Textlich greifen sie Anregungen von Gewerkschaftsaktivisten und situationistischen Witzbolden auf. Alles in allem die richtigen Instrumente, um die sogenannte Gig-Economy, technologischen Feudalismus, Klassenkämpfe, rebellische self-service Geräte und vollautomatisierten Luxuskommunismus zu erkunden. Sharratt und Kom sind vor allem als Teil der kanadischen Garagen-Folk-Band The Burning Hell bekannt. Seit fast einem Jahrzehnt haben sie sich mit ihren smarten, von dunklem Humor geprägten Songs und ihren dynamischen Live-Shows eine solide Fangemeinde erspielt, teilweise mit Freunden im Geiste, wie Jeffrey Lewis oder The Wave Pictures 2016 legten Sharratt und Kom eine erste Pause vom Bandformat ein, um ihre erste Duo-Platte "Don't Believe The Hyperreal" aufzunehmen. Das Album belebte die Atmosphäre klassischer Pop-Folk-Duette der 60er neu und bot eine intimere Seite ihres Songwritings, darunter den Underground-Hit "Fuck The Government, I Love You". Never Work nun gibt ihrem zweifellos charmanten Duett einen neuen Dreh: weg von der Romantik hin zu selbstreflexiven, zuweilen bissigen Betrachtungen von Arbeit in unserer Gesellschaft. Das beinhaltet ihre eigene Position als Musiker, unser Selbstverständnis in einem bröckelnden System von Arbeit, sowie die Rolle des Kapitals, das uns alle weiterhin prägt, auch wenn wir selbst keins besitzen. Never Work ist eine Protest-Playlist für unsere kollektive Reise ins Vergessen oder an den Strand, ernsthaft und ironisch zugleich.

Ltd. Edition Vinyl: limitiertes gelbes 180g Doppel-Vinyl, Cover mit Prägung und Durchnummerierung, bedruckte Innenhüllen, Poster und Fotos der Bandmitglieder

Einstürzende Neubauten präsentieren ihr neues Album. Sie suchen nach neuen Formen. Nach dem unentdeckten Ton und dem noch unausgesprochenen Wort. Seit ihrer Gründung am 1. April 1980 verschieben die Einstürzenden Neubauten die Parameter von Mainstream und Subkultur, um das Unhörbare hörbar zu machen. Und vielleicht auch das Unerhörte. Ein sich über vier Dekaden erstreckender Feldforschungsversuch, der nun ins nächste Stadium tritt. In ihrem 44. Bestehensjahr geht die Formation weit zurück zu ihren Wurzeln, um sich gleichzeitig neu zu definieren. Ein verändertes Selbstverständnis, für das das Berliner Quintett plus eins 2024 sein eigenes Genre kreiert hat: apm - alien pop music. Ständige Weiterentwicklung - so könnte man das Schaffen der Einstürzenden Neubauten kurz und knapp zusammenfassen. Eine musikalische Evolution, die beim 1981 veröffentlichten Albumdebüt "Kollaps" beginnt und sich nun auf dem im April 24 erscheinenden Album "Rampen - apm: alien pop music" manifestiert, auf diesem präsentieren sich Blixa Bargeld, N.U. Unruh, Alexander Hacke, Jochen Arbeit, Rudolph Moser und Felix Gebhard nun von ihrer unberechenbarsten und eigenwilligsten Seite. Auf ihrem neuen Album setzen die Neubauten nun allen Sound-Spekulationen ein - wenn auch spätes - Ende. Schon seit Mitte der 1980er-Jahre experimentieren die Einstürzenden Neubauten auf der Bühne mit sogenannten Rampen: Öffentliche Improvisationen mit offener Entwicklung und Ausgang; Abschussrampen ins noch Unerforschte, die die Band im Jahr 2022 auf ihrer letzten "Alles in Allem"-Tournee im Zugabenteil performte und deren Mitschnitte als Basis für das neue Album dienen. "Rampen - apm: alien pop music" ist Popmusik für Paralleluniversen und Zwischenwelten. Für Hyperräume und Interzonen. Mikrokosmisch und intergalaktisch zugleich. Eine demimondäne Behauptung außerhalb aller physikalischen Gesetze, mit der die Einstürzenden Neubauten ein stilistisches Niemandsland zwischen Vergangenheit und Zukunft betreten. Rückkehr zu den Wurzeln einerseits, andererseits entsteht aus lärmgewaltigen Kracheruptionen, auf kryptische, oftmals fragmentarische Lyrics treffend, eine neue Kunstform: Populäre Musik für Aliens und Außenseiter. Aus Anti-Pop ist Alien Pop geworden. Fremdartig. Kokonhaft versponnen. Ungehört. Sonus inauditus. Nicht ganz unabsichtlich erinnert das reduzierte Coverartwork an das ikonische Layout des "Weißen Albums" von den Beatles. "Ausgehend von der Idee, dass die Einstürzenden Neubauten in einem anderen Sonnensystem ebenso berühmt sind wie die Beatles in unserer Welt", so Blixa Bargeld über die Gratwanderung zwischen Avantgarde und Augenzwinkern, Provokation und popkultureller Diskontinuität. Womit auch direkt das zentrale Thema vorgegeben wäre, das sich wie ein roter Faden durch alle Songs zieht: Veränderung, utopische Gedankenspiele und Vergänglichkeit. "Ich habe auf der Platte ein paar Lösungen gefunden und Dinge formuliert, wie ich sie vorher noch nicht formuliert habe, weil sie mir noch nicht so klar waren. Ich bin jemand, der denkt, durch Musik Erkenntnisse zu gewinnen. Das war schon immer so. Die Überzeugung, in der Musik etwas zu finden, was ich vorher nicht wusste. Und etwas zu singen, was ich vorher nicht wusste. Etwas, was sich dann als Wahrheit herausstellt. Oder zumindest als sinnvoll, wenn man es ein wenig kleiner halten will." Dieses Album repräsentiert die nächste Stufe der Evolution, auf der man die bekannte Sprache schließlich hinter sich gelassen hat. Und die Eröffnung weiterer, unendlicher Möglichkeiten: alien pop music.

Das Debütalbum von Geelong's starken Trio aus erfahrenen Punk/Alternative/Noise-Rockern feat. 'Lightning' Ben Watkins (ex- Warped), Buzz Munday (ex- Bored!) und Adam Doherty (ex- Spaghetti Westerns). GRYTT mischen OZ-Hardrock mit Proto-Punk-Attitüde und noisy Alternative. Das selbstbetitelte Debütalbum von GRYTT klingt, als hätte Lemmy die Amme für das Kind von Husker Du und Wipers gespielt. Buzz' unglaubliches und unnachgiebiges Schlagzeugspiel bietet eine klapprige Kulisse aus "Friedhofsschicht in der Gießerei"-ähnlichem Gepolter als Vehikel für Ben und Ads' solipsistisches und a-rhythmisches Gitarren- und Bassgefuchtel und eine kollektive, temperamentvolle Reihe fataler lyrischer Erklärungen, die mit einer solchen Intensität deklamiert werden, dass sie geradezu lebensverbessernd klingen; Ihr dreckiges, maritimes Stolzieren ist eine eingängige, von Verzerrungen getriebene melodische Schwere, d.h. diese Australier beweisen ein für alle Mal, dass ihr Sinn für Dynamik sowohl intensiver als auch immenser ist als der der anderen Kinder im Block! Inspiriert von Husker Du, Black Sabbath, Wipers und ZZ Top (neben vielen anderen), verbindet die aus Geelong stammende Rockband GRYTT die Sounds des harten Aussie-Rocks mit einer lärmenden Proto-Punk-Attitüde. Die Band wurde 2022 gegründet und besteht aus Sänger/Gitarrist "Lightning" Ben Watkins (Ex-Warped), Schlagzeuger Buzz Munday (Ex-Bored!) und Bassist Adam Doherty (Ex-Spaghetti Westerns). Obwohl sie angeblich Teil einer Szene sind, die Aggression und Lärm ebenso schätzt wie Hooks und Melodien, zeigen GRYTT eine auffällige Pop-Sensibilität. Der Gesang ist üppig geschichtet und doch knurrig, und die Texte schaffen es, eine Schönheit in den Banalitäten des Vorstadtmelodrams zu finden. Unterstrichen von schreienden Garagenrock-Gitarren und der kraftvollen Rhythmusgruppe der Gruppe, treiben GRYTT den Rock'n'Roll mit Vollgas voran. "Featuring members of international touring artists Bored! and Warped "Recorded, Mixed & Mastered at Goatsound, Melbourne Australia by Jason Fuller "Ltd 300 copies on white vinyl worldwide, artwork by the renowned Alex Hegyesi

Harp – das gemeinsame Projekt von Tim Smith (ehemaliger Sänger und Songwriter von Midlake) und seiner Frau Kathi Zung – kündigen ihr Debütalbum "Albion" (via Bella Union) an.

"Es ist nicht das Ziel, es ist die Reise", schrieb schon der amerikanische Philosoph Ralph Waldo Emerson. Doch bei Smith scheint das Gegenteil der Fall zu sein. Der Weg zu "Albion" mag lang und kurvenreich gewesen sein, und holprig obendrein, aber die Musik, die Harp geschaffen hat, ist voller schöner Melodien, Dramatik und Details. Die zehn Songs und zwei zur Stimmung passende Instrumentals werden umrahmt von akustischen und elektrischen Gitarren, sanften Keyboardtönen und Smiths besonderer Stimme; mit anderen Worten, die Quintessenz dessen, was die Leute in erster Linie zu seiner Arbeit mit Midlake hingezogen hat.

Auf dem neuen Album ist alles jedoch in etwas dunkleren Tönen gehalten. Es sind Lieder über den Zustand des Menschen, von verlorener und gefundener Liebe, von Angst bis Freude, von Furcht bis Akzeptanz, alles in eine sehr eigene poetischen Sprache verpackt. "Albion" wurde von Smith größtenteils allein zu Hause aufgenommen, mit Gastbeiträgen des ehemaligen Midlake-Bassisten Paul Alexander bei "Silver Wings" und "Throne Of Amber", E-Gitarren von Max Kinghorn-Mills von der Band

Nach einem monumentalen Jahr macht sich der belgische Superstar-Produzent, DJ und Live-Performer Lost Frequencies bereit, das Jahr 2023 mit einem großen Finale abzuschließen: mit seinem dritten Album 'All Stand Together', das am 10. November über Sony Music erscheint! Auf "All Stand Together" nehmen Lost Frequencies und eine Reihe von alten und neuen Kollaborateuren die Zuhörer mit auf eine Reise voller Wohlfühl-Elektronik. Vom internationalen Nr. Hit 'Where Are You Now' mit Calum Scott, über die aktuelle Soloveröffentlichung 'The Feeling' und einem Titeltrack, der die Szene zum Kochen bringen wird. Featurings mit Netsky, James Arthur, Tom Gregory und vielen anderen. Von House- und Tropical-Sounds über Einflüsse von Folk, akustischen Instrumentals und starken Gesangsdarbietungen bis hin zu tanzbaren Hymnen - "All Stand Together" wird das bisher charakteristischste Album von Lost Frequencies.

"Zum 30-jährigen Jubiläum von Forest Enter Exit veröffentlichen Deine Lakaien eine neue Auflage ihres Klassikeralbums, inklusive der EP Mindmachine. Das Album ist als schwarze und als streng limitierte silberne Doppelvinyl im Gatefold verfügbar, außerdem gibt es eine Doppel-CD im Digisleeve. Das Thema des Albums hat an Aktualität nichts eingebüßt.

""Forest Enter Exit handelt von Traum und Wirklichkeit. Traum und Wirklichkeit sind Bilder, die im Gehirn entstehen und vom Charakter des Einzelnen geformt werden. Ausbruchsversuche, wie Drogen, Mindmachines und Cyber-Welten werden daran nichts
ändern, im Gegenteil, nur die Vereinsamung beschleunigen. Die neun Songs auf Forest Enter Exit führen durch die verschiedensten Winkel sublimer Träume und menschlicher Vorstellungskraft. Ausflüge in virtuelle Realitäten enden in nüchternem Alltagsgrau, um von dort sofort wieder in die schillernden Welten längst vergangener Zeiten entführt zu werden.

Ein ganz persönlicher Audio-Trip zwischen Schein und Sein. Entsprechend der thematischen Vielfalt werden auf Forest Enter Exit verschiedenste Musikrichtungen in typischer Lakaienmanier miteinander verbunden. Forest Enter Exit ist ein weiterer Beweis
für die musikalische Eigenständigkeit der Band. Das Duo Deine Lakaien sind Alexander Veljanov, Gesang, und Ernst Horn, Keyboards und Produktion. Die beiden arbeiten gemeinsam im Studio von Ernst und stellen dort - angefangen bei der Rohfassung eines Titels bis hin zum fertigen Masterband - alles her.“ "

"Zum 30-jährigen Jubiläum von Forest Enter Exit veröffentlichen Deine Lakaien eine neue Auflage ihres Klassikeralbums, inklusive der EP Mindmachine. Das Album ist als schwarze und als streng limitierte silberne Doppelvinyl im Gatefold verfügbar, außerdem gibt es eine Doppel-CD im Digisleeve. Das Thema des Albums hat an Aktualität nichts eingebüßt.

""Forest Enter Exit handelt von Traum und Wirklichkeit. Traum und Wirklichkeit sind Bilder, die im Gehirn entstehen und vom Charakter des Einzelnen geformt werden. Ausbruchsversuche, wie Drogen, Mindmachines und Cyber-Welten werden daran nichts
ändern, im Gegenteil, nur die Vereinsamung beschleunigen. Die neun Songs auf Forest Enter Exit führen durch die verschiedensten Winkel sublimer Träume und menschlicher Vorstellungskraft. Ausflüge in virtuelle Realitäten enden in nüchternem Alltagsgrau, um von dort sofort wieder in die schillernden Welten längst vergangener Zeiten entführt zu werden.

Ein ganz persönlicher Audio-Trip zwischen Schein und Sein. Entsprechend der thematischen Vielfalt werden auf Forest Enter Exit verschiedenste Musikrichtungen in typischer Lakaienmanier miteinander verbunden. Forest Enter Exit ist ein weiterer Beweis
für die musikalische Eigenständigkeit der Band. Das Duo Deine Lakaien sind Alexander Veljanov, Gesang, und Ernst Horn, Keyboards und Produktion. Die beiden arbeiten gemeinsam im Studio von Ernst und stellen dort - angefangen bei der Rohfassung eines Titels bis hin zum fertigen Masterband - alles her.“ "

Auf diesem Album arbeitete Voss mit einer langen Liste an Menschen zusammen, die sowohl die Musik als auch die Bühne mit Parfitt geteilt haben, darunter unter anderem Bob Young, John Coghlan, Jackie Lynton, Rhino Edwards, Alex Toff und Rick Parfitt Jr., mit dem er für dieses Album ein Duett aufgenommen hat.

Auf diesem Album arbeitete Voss mit einer langen Liste an Menschen zusammen, die sowohl die Musik als auch die Bühne mit Parfitt geteilt haben, darunter unter anderem Bob Young, John Coghlan, Jackie Lynton, Rhino Edwards, Alex Toff und Rick Parfitt Jr., mit dem er für dieses Album ein Duett aufgenommen hat.

"Ethik" kann man getrost als das bislang facettenreichste, modernste und frischeste ARTEFUCKT Album beschreiben. Ehrlich, echt und authentisch, wie bisher jedes Album der 2015 von André Doney in Rheinberg gegründeten Band.

Die Vorproduktion zu "Ethik" begann Anfang diesen Jahres. Durch den plötzlichen Tod des Schlagzeugers Uli wurde diese jedoch unterbrochen, da emotional vorerst nicht an eine Weiterarbeit zu denken war.
Nach der Beisetzung schrieb André in Gedenken den Song "Abendmahl", welch half die emotionale Brücke zu überwinden und die Arbeit am neuen Album wieder aufzunehmen.
"Ethik" entstand schließlich ab Juni diesen Jahres im "Illuminiated Music Studio" des Produzenten Jörg Wartmann, und dem "Soundart Recording Studio" von Alexander Lysjakow. Im letzteren wurden unter anderem die Drums eingespielt. Diesen Part übernahm nach Ulis Tod Martin Winde.
Wie auch alle bisherigen ARTEFUCKT Alben spiegelt auch "Ethik" quasi einen Lebensabschnitt, verarbeitet erlebtes, reflektiert, schaut nach vorn, träumt, lacht, weint, liebt, hasst, teilt aus, steckt ein, erfreut, trauert, macht Mut…steckt einfach voller Emotionen und Leben.

Chalice Hymnal, das neue Album der Experimental-Psych-Rocker von GRAILS, wurde von der Band über den Zeitraum von fünf Jahren produziert und ist teilweise beeinflusst von den Produktionstechniken des Gründungsmitglieds Alex Hall, der europäischen Psych und experimentellen Hip-Hop produziert und Emil Amos' anderer Band, LILACS & CHAMPAGNE. Amos meditative Metalband OM und sein Singer-Songwriter-Projekt HOLY SONS scheinen auch in Chalice Hymnal durch. Das schmalere Lineup wird durch Zak Riles (auch Mitglied des Experimental-Kraut-Trios WATTER) durch Synthies und Elektoprogramming ausgeglichen. Das neue Album von GRAILS ist gewohnt tiefgängig, sowohl musikalisch als auch emotional. GRAILS fünftes Album Deep Politics von 2011 wurde quasi aus dem Stand von Vielen als Kultalbum bezeichnet. Darauf kultivierte die Band erstmals einen ganz eigenen Sound. Anstatt dort weiter zu machen, haben sie nun die riffbasierte Heavyness ihrer früheren Alben in ein nuancierteres Riffmeisterwerk umgebaut. Die typischen Einflüsse aus Westernfilmsoundtracks, obskurer Musik, die man in Aufzügen hört und Psychedelischem Krautrock sind nach wie vor hörbar, aber Chalice Hymnal scheint mit größerer Geduld arrangiert und produziert. Keine andere Band klingt wie GRAILS, und auf Chalice Hymnal pflegen sie mehr denn je einen ganz eigenen Sound.

Georgia meldet sich mit ihrem dritten Album "Euphoric" zurück!

Als Co-Produzentin von Rostam (Haim, Carly Rae Jepsen, Clairo) hat Georgia zum ersten Mal mit einem anderen Produzenten an ihrem eigenen Material gearbeitet. Das Ergebnis ist ihr dynamisches drittes Studioalbum mit zehn energiegeladenen Songs, das am 28. Juli erscheinen wird. "Euphoric" folgt auf "Seeking Thrills" aus dem Jahr 2020. Seitdem hat Georgia mit Künstlern wie Mura Masa, Gorillaz, Shygirl, Baby Tate, Dan Carey und David Jackson zusammengearbeitet. Zuletzt schrieb sie mit Olly Alexander von Years and Years und wirkte an Shania Twains #1 Album "Queen Of Me" mit. All diese Erfahrungen sind in ihr kommendes Album eingeflossen. Die erste Single aus dem Album, "It's Euphoric" war das erste Stück, das Rostam und Georgia gemeinsam schrieben, und es bestimmt die gesamte bunte Klangwelt des Albums.

"Ob man sie nun Darkwave, Synth-Pop, Post-Punk, EBM oder anders nennen sollte, was Body of Light machen, ist Tanzmusik. Und was die Tanzmusik angeht, so trifft sie jede Genusszone genau ins Schwarze." - Treble Bitter Reflection, das vierte Album der Wüstenbrüder Alex und Andrew Jarson alias Body Of Light, verfeinert ihren schwelenden, stürmischen Synth-Pop zu einer transformativen Suite von Hymnen, Träumereien und Abrechnungen. Nach dem Neo-EBM-Klassiker "Time To Kill" (2019) suchten sie nach Inspirationen aus versteckten Momenten in ihren eigenen Arkanen - Kassetten aus der Kindheit, Heimvideos, verworfene Demos - und stellten sich die Frage: "Wie können wir das wachsen lassen?" Gesampelte Schnipsel von Stimmen, Geräuschen, Synthesizern und Feldaufnahmen flackern in der Peripherie der 11 Tracks von Bitter Reflection auf und murmeln wie halb vergessene Nostalgien oder verdrängte Erinnerungen. Zusammen mit Josh Eustis von Telefon Tel Aviv, haben Body Of Light in Los Angeles eine erweiterte Palette von Live-Instrumenten - Klavier, Bass, Saxophon, Akustikgitarre - zusätzlich zu alten Akai-Samplern, Moogs und archaischer Hardware in Bitter Reflection integriert, was dem Album eine eklektische, unvorhersehbare Sound-Palette verleiht. Dies ist Musik zwischen den Zwillingsflammen von Wahrheit und Sehnsucht, Romantik und Realität, Katharsis und Kontrolle, geboren aus einem Band, das durch Jahre, Träume und Blut besiegelt wurde. Bitter Reflection führt durch eine Galerie der anhaltenden Faszinationen von Body Of Light: Depeche-eske Deklarationen des Schreckens und des Exzesses, grüblerische Dancefloor-Epiphanien, liebeskranke Spiegel-Balladen mit orchestralen Stabs von Art Of Noise und sanfte Thomas-Dolby-Melancholien der Stadtsilhouette.

"Ob man sie nun Darkwave, Synth-Pop, Post-Punk, EBM oder anders nennen sollte, was Body of Light machen, ist Tanzmusik. Und was die Tanzmusik angeht, so trifft sie jede Genusszone genau ins Schwarze." - Treble Bitter Reflection, das vierte Album der Wüstenbrüder Alex und Andrew Jarson alias Body Of Light, verfeinert ihren schwelenden, stürmischen Synth-Pop zu einer transformativen Suite von Hymnen, Träumereien und Abrechnungen. Nach dem Neo-EBM-Klassiker "Time To Kill" (2019) suchten sie nach Inspirationen aus versteckten Momenten in ihren eigenen Arkanen - Kassetten aus der Kindheit, Heimvideos, verworfene Demos - und stellten sich die Frage: "Wie können wir das wachsen lassen?" Gesampelte Schnipsel von Stimmen, Geräuschen, Synthesizern und Feldaufnahmen flackern in der Peripherie der 11 Tracks von Bitter Reflection auf und murmeln wie halb vergessene Nostalgien oder verdrängte Erinnerungen. Zusammen mit Josh Eustis von Telefon Tel Aviv, haben Body Of Light in Los Angeles eine erweiterte Palette von Live-Instrumenten - Klavier, Bass, Saxophon, Akustikgitarre - zusätzlich zu alten Akai-Samplern, Moogs und archaischer Hardware in Bitter Reflection integriert, was dem Album eine eklektische, unvorhersehbare Sound-Palette verleiht. Dies ist Musik zwischen den Zwillingsflammen von Wahrheit und Sehnsucht, Romantik und Realität, Katharsis und Kontrolle, geboren aus einem Band, das durch Jahre, Träume und Blut besiegelt wurde. Bitter Reflection führt durch eine Galerie der anhaltenden Faszinationen von Body Of Light: Depeche-eske Deklarationen des Schreckens und des Exzesses, grüblerische Dancefloor-Epiphanien, liebeskranke Spiegel-Balladen mit orchestralen Stabs von Art Of Noise und sanfte Thomas-Dolby-Melancholien der Stadtsilhouette.

Wytch Hazel melden sich fulminant mit einem neuen Album zurück!
Ihre musikalische Ausrichtung wird meistens als Hard Rock mit mittelalterlichen Anklängen beschrieben. Als wichtige Einflüsse werden häufig Thin Lizzy, Wishbone Ash und Jethro Tull genannt. Die drei Vorgänger-Alben erreichten auch bei deutschen Musikkritikern aus der Hardrock- und Metal-Szene gute bis sehr gute Bewertungen, u.a. war das 2020er Album 'III: Pentecost' im renommierten Deaf Forever-Magazin 'Album des Monats'. Mit fieberhafter Kreativität, progressiver Dynamik und beflügelt von charakteristischem Twin Guitar-Salven sucht die englische Band nach dem perfekten Sound - und ihrer ganz eigenen Interpretation von klassischem Hardrock. Und diese glitzernde Schatzkiste von 'IV: Sacrament' erweist sich als überaus würdiger Nachfolger des gefeierten Vorgängers. Ist es nicht nur die beste Produktion des Quartetts aus Lancashire, sondern auch ihre durchgehend stärkste Sammlung von ergreifenden Hooks und zeitlosen Melodien.

ROCK HARD
Soundcheck #3
"…Wer sich vor dem Kauf des Albums ein Bild vom "neuen" Sound der Briten machen möchte, kann sich auf YouTube ´A Thousand Years´ reinziehen. Im Grunde ist das für Kenner der Band aber nicht nötig: Wer WYTCH HAZEL bisher mochte, wird auch an ihrem neuen Album seine helle Freude haben."

ECLIPSED
"... Auf "IV: Sacrament" geht es zwischen Riffs und Gitarrenduellen oft melodisch, aber immer heftig zur Sache, Luft holen kann man nur bei einem anderthalbminütigen Zwischenspiel. Dass die Songs verhältnismäßig kurz sind, ist hierbei allerdings ein kleiner Wehrmutstropfen, da die Band mit dem epischen siebenminütigen Finale 'Digging Deeper' deutlich zeigt, dass sie gerade in der Langform zu bestechender Form aufläuft."

VISIONS
"…In den zehn Songs auf IV: Sacrament operieren Wytch Hazel mit allen Soundcharakteristika ihrer Vorgängeralben. Das bedeutet massig Reverb auf mittig abgemischten, analogen Gitarrenamps und wenige Spitzen in Riffing und Gesang. All das wird durchzogen von träumerischen Gitarrenleads, die Hendras sich gerne mit Alex Haslam teilt und in The Fire's Control oder A Thousand Years auch mal an den Songanfang setzt…"

powermetal.de
"…Dass eine Band auch mit dem dritten Studio-Album noch Weltklasse sein kann in heutigen Zeiten, in denen die meisten wirklich guten Bands ja komplett als Hobby-Truppen agieren kommt kaum vor (Ausnahme ATLANTEAN KODEX?). Auch das vierte Album ist also eine Großtat, eine 43-minütige Traumreise. Vielleicht sehe ich es in ein paar Monaten sogar auch auf Zehner-Niveau. Im Moment muss es sich mit 9,5 Punkten zufrieden geben. Klar gab es dieses Jahr noch keine stärkere Veröffentlichung, aber zur Perfektion fehlt halt das letzte kleine bisschen (noch). Das ist für mich ok."

Wytch Hazel melden sich fulminant mit einem neuen Album zurück!
Ihre musikalische Ausrichtung wird meistens als Hard Rock mit mittelalterlichen Anklängen beschrieben. Als wichtige Einflüsse werden häufig Thin Lizzy, Wishbone Ash und Jethro Tull genannt. Die drei Vorgänger-Alben erreichten auch bei deutschen Musikkritikern aus der Hardrock- und Metal-Szene gute bis sehr gute Bewertungen, u.a. war das 2020er Album 'III: Pentecost' im renommierten Deaf Forever-Magazin 'Album des Monats'. Mit fieberhafter Kreativität, progressiver Dynamik und beflügelt von charakteristischem Twin Guitar-Salven sucht die englische Band nach dem perfekten Sound - und ihrer ganz eigenen Interpretation von klassischem Hardrock. Und diese glitzernde Schatzkiste von 'IV: Sacrament' erweist sich als überaus würdiger Nachfolger des gefeierten Vorgängers. Ist es nicht nur die beste Produktion des Quartetts aus Lancashire, sondern auch ihre durchgehend stärkste Sammlung von ergreifenden Hooks und zeitlosen Melodien.

ROCK HARD
Soundcheck #3
"…Wer sich vor dem Kauf des Albums ein Bild vom "neuen" Sound der Briten machen möchte, kann sich auf YouTube ´A Thousand Years´ reinziehen. Im Grunde ist das für Kenner der Band aber nicht nötig: Wer WYTCH HAZEL bisher mochte, wird auch an ihrem neuen Album seine helle Freude haben."

ECLIPSED
"... Auf "IV: Sacrament" geht es zwischen Riffs und Gitarrenduellen oft melodisch, aber immer heftig zur Sache, Luft holen kann man nur bei einem anderthalbminütigen Zwischenspiel. Dass die Songs verhältnismäßig kurz sind, ist hierbei allerdings ein kleiner Wehrmutstropfen, da die Band mit dem epischen siebenminütigen Finale 'Digging Deeper' deutlich zeigt, dass sie gerade in der Langform zu bestechender Form aufläuft."

VISIONS
"…In den zehn Songs auf IV: Sacrament operieren Wytch Hazel mit allen Soundcharakteristika ihrer Vorgängeralben. Das bedeutet massig Reverb auf mittig abgemischten, analogen Gitarrenamps und wenige Spitzen in Riffing und Gesang. All das wird durchzogen von träumerischen Gitarrenleads, die Hendras sich gerne mit Alex Haslam teilt und in The Fire's Control oder A Thousand Years auch mal an den Songanfang setzt…"

powermetal.de
"…Dass eine Band auch mit dem dritten Studio-Album noch Weltklasse sein kann in heutigen Zeiten, in denen die meisten wirklich guten Bands ja komplett als Hobby-Truppen agieren kommt kaum vor (Ausnahme ATLANTEAN KODEX?). Auch das vierte Album ist also eine Großtat, eine 43-minütige Traumreise. Vielleicht sehe ich es in ein paar Monaten sogar auch auf Zehner-Niveau. Im Moment muss es sich mit 9,5 Punkten zufrieden geben. Klar gab es dieses Jahr noch keine stärkere Veröffentlichung, aber zur Perfektion fehlt halt das letzte kleine bisschen (noch). Das ist für mich ok."

Repress 2023, Limitierte Auflage in Orange, mit Download Card. RVG aus Melbourne kehren mit ihrem mit Spannung erwarteten zweiten Album "Feral" zurück. Nach ihrem geliebten Debütalbum "A Quality of Mercy" (2017) widmen sich RVG der kniffligen Alchemie, die Dringlichkeit des Rock, die Anarchie des Punk und das Einfühlungsvermögen des Pop zu einem Album zusammenzuführen, das sich vital anfühlt: "Feral" ist eine Katharsis, ein Aufruf zu den Waffen und eine offene Anklage der zeitgenössischen Selbstgefälligkeit. "Feral" wurde in den Head Gap-Studios mit Produzent Victor Van Vugt (PJ Harvey, Nick Cave & The Bad Seeds, Beth Orton) aufgenommen. Der international bekannte Van Vugt lebt derzeit in Berlin und reiste nach Melbourne, um mit RVG zu arbeiten. Einer der wichtigsten Grundsätze des Produzenten ist das Gefühl der Spontaneität, das Einfangen der Essenz der Live-Performance eines Songs - ein Anliegen, das RVG bei den Aufnahmen über alles andere stellte. Die Band nahm die Instrumentalstücke des Albums live auf, so dass ihr Spiel von der Art von Elektrizität durchdrungen ist, die die Live-Show der Band in Australien und auf der ganzen Welt bekannt gemacht hat. "Feral" markiert den Beginn einer aufregenden neuen Ära für die Band. Dieses Album ist sowohl ein Hilferuf als auch ein Aufruf zum Handeln. RVG besteht aus Romy Vager, Reuben Bloxham und Marc Nolte.

Wie? Schon wieder Kärbholz? Kam nicht gerade erst Kapitel 11: Barrikaden; und jetzt schon wieder? Wer hat sich denn da vertan?
Eine wohl kalkulierte Promokampagne oder doch ein mathematischer Totalausfall? Im Hause Kärbholz scheint mit dem ersten Lockdown der kreative Funke einen Flächenbrand ausgelöst zu haben. Abwarten was die Zeit bringt, diese jedoch nicht verschwenden war das Kredo und so hat die Band im letzten Jahr nicht nur Material für einen Longplayer komponiert. Nein, Songs für ganze zwei volle Alben sind entstanden; alle relevant und keiner, von dem man sich hätte trennen können. Der einzige Weg für Kärbholz: Double In, Double Out.
Die Songs, die in einer Episode geschrieben worden sind, wurden vor Produktionsbeginn auf die zwei Alben aufgeteilt: Kapitel 10 und Kapitel 11. Und genau in dieser Reihenfolge erfolgten die finalen Aufnahmen gemeinsam mit den Produzenten Alexander Dietz und Eike Freese. Woche um Woche wohnte, lebte und arbeitete man zusammen. Kapitel 10: WILDE AUGEN wurde fertiggestellt - Halbzeit - und ab in die Herstellung.
Weiter ging es mit Kapitel 11: Barrikaden und genau dem Moment, in dem sich alles ändern sollte...
Während der finalen Studiophase zum eigentlich zweiten Album "Kapitel 11: BARRIKADEN" machte sich dieses Gefühl breit… dieses Gefühl, das jeder hatte, aber niemand wagte:
Dieses zweite Album ist eigentlich das perfekte ERSTE Album. Dies sind eigentlich die Songs, mit denen man aus der Stille heraustreten will und sollte, die sich dafür einfach aufdrängten.
Kapitel 10: WILDE AUGEN ist rudimentärer und ungestümer. Es ist der ungezogene Bruder mit den zerrissenen Hosen. Aber auch das musikalische Bindeglied zwischen heute und gestern, erinnert es doch vielleicht am ehesten an das Album RASTLOS von 2009.

Aber was tun? Kapitel 10: WILDE AUGEN war bereits produziert. Das Vinyl lag schon auf dem Tisch. Und darauf stand nun mal: KAPITEL ZEHN! Unumstößlich und unumkehrbar. Und mag hier auch niemand als mathematisches Wunderkind gelten, 10 kommt VOR 11.

Aber wie war das noch vor ein paar Jahren…"Immer mehr Herz als Verstand…"

Also was soll's! Ihr kennt Kapitel 11? Dann lernt nun Kapitel 10, die WILDEN AUGEN kennen. Diese Augen sind hungrig, wollen mehr und drehen sich im Kreise… da kümmert es doch am Ende nicht… dieses kleine bisschen Mathematik.

FÜR FANS VON: HEAT, Eclipse, Nestor, Hardline, Brother Firetribe
Mit ihrem neuen Album „Code Red“ schlägt die deutsche Hard Rock Band DEVICIOUS aus Karlsruhe ein neues Kapitel auf. 2017 gegründet, veröffentlichen sie nun ihr 5. Album in fünf Jahren. Nach einigen Klangexperimenten auf dem Vorgängeralbum „Black Heart“ kehren sie nun zurück zu ihren Wurzeln, zu dem, was sie am besten können. Große Arena-Melodien kombiniert mit bombastischen Chorarrangements und einer großen Produktion.
Das Album wurde von Bandleader und Songwriter Alex Frey selbst produziert und in den Mastersound Entertainment Studios in
Steinheim, Deutschland von Alexander Krull gemischt und gemastert. Er ist der Hauptakteur hinter den Bands ATROCITY und LEAVE’S EYES sondern steht auch auf der Producer- und Mastering-Liste von Bands wie ATROCITY, LEAVE’S EYES, DORO, CREMATORY, VELVET VIPER oder ZAR. Das neue Kapitel von DEVICIOUS beinhaltet auch einen neuen Sänger. Antonio Calanna verließ die Band nach dem letzten Album auf freundschaftlicher Basis, um sich auf andere Projekte zu konzentrieren. Sein Nachfolger ist niemand geringerer als der ehemalige TNT-Sänger Baol Bardot Bulsara, der bereits
auf dem „Black Heart“-Album einige Backing-Vocals gesungen hat und bei einigen Black Heart-Headliner-Shows an Bord war. Mit Baol ist die Band flexibler, da er eine breitere Bandbreite hat und alles von melodischen Balladen bis hin zu Power Metal-Melodien singen kann.

Mit „Code Red“ liefern DEVICIOUS ihr bisher kraftvollstes und ausgereiftestes Werk ab. Ein melodisches Meisterwerk mit allen DEVICIOUS-Markenzeichen.

Néo-Romance ist das klangmalerisches Debüt-Album der kanadischen Pianistin und Komponistin Alexandra Stréliski bei XXIM Records (Sony Music). Inspiriert von den Geschichten ihrer Vorfahren in Europa und einer neuen Liebe in Rotterdam, findet die Musikerin mit polnisch-jüdischen Wurzeln darin einen neuen, romantischen Zugang zum Leben und ihrer Musik. In ihrer Heimat Kanada ist Alexandra Stréliski seit ihrem Album Inscape (2018) mit dem sie offen ihren Burn-Out thematisierte, mit über 140.000 verkauften Alben und 300 Millionen Audiostreams weltweit ein gefeierter Medienstar und erhielt 2020 den renommierten JUNO Award.Néo-Romance ist inspiriert von großen persönlichen Veränderungen im Leben von Alexandra Stréliski. Es ist die Geschichte ihrer Öffnung für die Liebe und neue Erfahrungen nach dem Rückzug durch ihren Burn-Out, verstärkt durch die Pandemie. So ist Alexandra Stréliski während der weltweiten Gesundheitskrise nach Rotterdam gezogen, um dort mit ihrer Lebenspartnerin zusammen zu leben. Ihr Weg nach Europa führte sie damit zu den Wurzeln ihrer Familie. Sie besuchte die Wohnhäuser in Amsterdam, in denen ihre Vorfahren einst lebten, und entdeckte in einer Bibliothek in Paris Kompositionen von einem ihrer Vorfahren, der Lehrer und Komponist in der Zeit der Romantik war.Die Vorstellung einer kollektiven Identität und gemeinsamen Geschichte fand in Alexandra Stréliski einen tiefen Widerhall, der durch die erzwungenen Trennungen und das Gefühl der Isolation infolge der pandemischen Abriegelungen noch verstärkt wurde. Entsprechend entstammen ihre Kompositionen für Néo-Romance "einem sehr tiefen, sehr persönlichen Raum". Diese Erfahrung versucht Alexandra Stréliski auf ihrem Album mit anderen Menschen zu teilen. Sie erklärt: "Bei Néo-Romance geht es um Geschichten gegen Einsamkeit und Isolation. Wir sollten uns daran erinnern, wie universell unser emotionales Spektrum als Menschen ist, im Gegensatz zu einer Polarisierung. Wir alle machen die gleichen Traumata durch - Leben, Tod, Trennungen - wir können also hoffnungsvoll bleiben und von unserer eigenen, wunderbaren Existenz träumen. Wir können uns verlieren und in unseren Gefühlen leben - es ist alles in uns, und darin sehe ich Hoffnung. Die Prämisse und das Setting für das Album ist: Wie kann man in dieser desillusionierten, beängstigenden Zeit, in der wir leben, einen positiven, inneren Zugang im Sinne der Romantik zur Welt finden", erklärt Alexandra Stréliski.Auch musikalisch lässt sich Alexandra Stréliski von der Romantik inspirieren und versucht ihr kompositorisches Spektrum zu erweitern. Insbesondere von Frédéric Chopin lässt sie sich beflügeln, mit dessen Musik sie aufgewachsen ist. Das Label der "Neo-Klassik" möchte sie hinter sich lassen. Für die 14 Stücke des Albums arbeitet sie strikt melodieorientiert und gibt den Themen Zeit sich zu entwickeln. Die Kompositionen sind jeweils als eine in sich geschlossene Idee und entsprechend farben- und kontrastreich zeigt sich das Album: So stehen etwa den sanften und ruhigen "Rêveries" und "Border" die bewegten Stücke "The Hills" und "The Breach" gegenüber, die von schnell auf- und absteigende Klavierarpeggien geprägt sind. Für Néo-Romance arbeitete Alexandra Stréliski auch erstmals mit einem Streichtrio zusammen, das sie in Paris aufgenommen hat. Vereinzelt setzt sie auch eine Kirchenorgel als subtile Begleitung für ihre Klavierlinien ein.

Ov Sulfur bewegen sich auf einem okkulten musikalischen Pfad, der klanglich schrill, lyrisch blasphemisch und absolut episch ist. Das Century Media-Debüt der Band aus Las Vegas, The Burden Ov Faith, ist Blackened Deathcore, der die Konventionen des Genres herausfordert und gleichzeitig zu Vergleichen mit Dimmu Borgir oder Behemoth in ihrer Blütezeit einlädt,, wobei ein unheilvoller Sinn für Melodie die düsteren musikalischen Landschaften durchdringt. Im Mittelpunkt steht der ehemalige Suffokate-Sänger Ricky Hoover, der in Tracks wie dem vulkanischen Opener 'Stained in Rot' oder dem unvergesslichen 'Death Ov Circumstance' die Fallen der konservativen Religiosität anprangert. Produziert von Morgoth Beatz (Winds of Plague, Polyphia) und abgemischt von Josh Schroeder (Lorna Shore, Mental Cruelty) mit Mitstreitern wie Slaughter To Prevail-Sänger Alex Terrible, Ex-Killswitch Engage/Light The Torch-Frontmann Howard Jones und anderen, die dem unheiligen Chor ihre Stimmen leihen, ist dies ein ebenso unerbittlicher wie unvergesslicher Sturz in die Dunkelheit.

Der Titel dieses Projektes ist aus den Worten Avalon und Fantasia (Phantasie) zusammengesetzt und bezeichnet „eine Welt jenseits der menschlichen Vorstellungskraft“. Dass es sich bei AVANTASIA jedoch um weit mehr als nur ein Projekt handelt, sollte außer Frage stehen. Neben EDGUY Mastermind Tobias Sammet sind u.a. folgende Musiker auf "AVANTASIA" vertreten: Markus Grosskopf, Henjo Richter, Alex Holzwarth, Kai Hansen, Andre Matos (Ex-Angra), David DeFeis (Virgin Steele), Oliver Hartmann (Ex-At Vance), Rob Rock (Impellitteri), Sharon De Adel (Within Temptation) sowie weitere Freunde und Wegbegleiter, von denen einige zu Sammets größten Inspirationsquellen zählen und ihn nachhaltig in seiner Art Musik zu machen beeinflusst haben. "Avantasia" überzeugt nicht durch die Namen der mitwirkenden Musiker, sondern in erster Linie durch seine starken und ergreifenden Songs, eingekleidet in eine faszinierende und gleichsam spannende Story.
Jetzt endlich werden die beiden ersten Teile der Avantasia-Reihe von AFM als Platinum Edition aufwändig wieder aufgelegt unter anderem als limitiertes Digipak und erstmals als farbiges Doppel Vinyl!