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1LP, Gatefold, 180gr, CrystalC

Es ist das Jahr 2012. No Future war gestern, Phon heißt jetzt dB und sogar das Internet hat sich halbwegs
durchgesetzt. Nun auch noch „auch“. Hast du nichts Besseres zu tun als die die ärzte zu hör’n?
Das Ende ist noch nicht vorbei. Die Beste Band der Welt ist jetzt eine Demokratie, ein Triumvirat
des guten Willens, eine GbR der Gerechtigkeit und sie haben viel zu viel Zeit, um sich nicht um den Rock
zu kümmern. Und natürlich um alle Phasen der engeren Beziehung zwischen Männern & Frauen & allen
anderen. Vom mehr oder weniger schüchternen Balzverhalten beim mehr oder weniger hoffnungsbeladenen ersten Fernblickkontakt bis zum passiv-aggressiven Psychoterror der Post-Partnerschaft. Philosophisch
wird’s obendrein.
„zeiDverschwÄndung“ fragt nach dem Sinn unseres Daseins und ob wir nicht einfach mal irgendwas anderes machen sollten, als Fan von BelaFarinRod zu sein. „Tamagotchi“ stellt den schwierigen ethischen
Problemen im beginnenden Zeitalter der Künstlichen Intelligenz eine wahre Hymne an Emotion entgegen.
„Waldspaziergang mit Folgen“ liefert einen ganz neuen Denkansatz der Theosophie. „M&F“ hingegen
wollen in aller Regel einfach nur in allen Konstellationen poppen.
die ärzte: Jetzt mit der absoluten Leere, ordentlich HeyHey!, einem Gott im Regal und der entscheidenden
Frage: Ist das noch Punkrock?

Das (kurze) Warten hat ein Ende. Nach nur etwas mehr als einem Jahr kehrt Umse mit einem neuen Release im Gepäck zurück. Am Ende muss eine Platte "bloß gut sein, keinen Schwanz hier interessiert konkret wie lange man an ihr saß, es zählt wie lange sie rotiert", äußert er sich dahingehend. Es ist das dritte Album auf seinem Label, Jakarta Records, "Hawaiianischer Schnee" heißt es. Geschrieben und konzeptioniert wurde die Platte in einem kleinen Landhaus in der niederländischen Provinz Gelderland. Für die gesamte Produktion zeichnet sich wie immer Deckah höchst selbst verantwortlich, der im RZwoDrehZwo Studio der Platte den letzten Schliff verlieh. Die Beiden sind "Chef in Sachen Sound, ein Traumduo, ein Ein-Raum-Studio, kein großes Equipment und das ist auch gut so". Seit 1997 ist Umse aka. Christoph Umbeck schon dabei und ist sich stets treu geblieben, ohne den bitteren Unterton, der viele MCs seiner Generation in 2015 auszeichnet. Nach wie vor "keine Zeit für vier Gänge, nur ne Bockwurst auf die Hand", nach wie vor dutzende Shows jedes Jahr zwischen Konstanz und Kiel, nach wie vor "Sternstunden zur Rush Hour". Anerkennung findet der Ratinger mittlerweile auch bei den Helden des Ruhrpott-Sounds - Aphroe (RAG) und Dike beehren ihn mit einem Feature auf "Hawaiianischer Schnee". Trotzdem ist das neue Album kein "hawaiianischer Schnee von gestern". Umse gelingt es wie auf seinen Vorgängeralben den schmalen Grad zwischen Trademarksound und ausprobieren zu meistern. Von vielschichtigen Betrachtungen über "Menschen", zu klassischen Rap-Tracks wie "Hawaiianischer Schnee" bis hin zu Sozialisationsbetrachtungen auf "Wer bist du". In den letzten Jahren findet sein Treiben nun vor immer größerem Publikum statt, harte Arbeit zahlt sich eben aus.

"Just As I Am" – wer spät seine Karriere startet, kann sich bereits ein ausdrucksvolles Persönlichkeitsprofil erarbeitet haben, auch wenn es so wie bei Bill Withers zunächst nicht von Musik geprägt worden ist. Withers diente viele Jahre in der US-Marine, jobbte als Milchmann und installierte bei einem amerikanischen Flugzeugbauer Toiletten in Jets, während seine selbst gefertigten und fleißig verschickten Demo-Tonbänder bei den Plattenfirmen im Abfluss landeten. 1971 folgte der steile Aufstieg, als der erfolgreiche Producer Booker T. Jones ihn ins Schlepptau nahm und ihm Top-Musiker wie den Gitarristen Stephen Stills, den Drummer Al Jackson und Donald 'Duck' Dunn als Bassmann ins Studio stellte.

In seinem Debüt-Album zeigt Withers seine universellen und ausgereiften Fähigkeiten als Sänger, Komponist und Interpret, die er in späteren Aufnahmen kaum mehr übertraf. "Harlem", ein ungeschönter Milieu-Funk über die die New Yorker Slums, "Grandma’s Hands", der obligatorische Rückblick in die Kindheit und die gemütslastige Ballade "Ain’t No Sunshine" mit ihrem gebetsmühlenartigen im Off-Beat kreisenden »I know, I know …« sind freigelegte musikalische Jahresringe eines erfahrenen Mittdreißigers, der endlich zu Wort kommt. Zu dieser Schallplatte des großen Songwriters mit dem kleinen Repertoire gibt es keine Alternative.

MEKONS - OUT OF DESPERATION (LUXURY CHICKEN SONG): ,Ein Luxus-Huhn ist was ganz Besonderes und Einzigartiges und hat einen hohen Wert. Es gibt auch ein handbemaltes Mekons-T-Shirt mit einem Huhn drauf, das eine Zigarette raucht. Hagar the Womb sind auch ganz besonders und einzigartig und haben einen hohen Wert, und ich bin froh, dass sie sich an dem Abend im Hawley Arms nicht wirklich getrennt haben, obwohl sie unseren Rider geklaut haben." - JON LANGFORD (Gründungsmitglied von Mekons, Three Johns und Waco Brothers), 2025 // HAGAR THE WOMB - FARE DODGING WITH THE MEKON'S RIDER (3 BEERS & A LEMON): Geschrieben von Ruth Elias & Chris Knowles. Aufgenommen bei Church Road Recording Company, Hove, von Paul Pascoe 2025. Hags: Ruth, Karen, Paul, Lorna, Mitch, Chris. Coverdesign & Illustration von Lorna Tiefholz. Text von Ruth. Der Labelaufdruck zeigt Chris, wie er eines der drei Biere im Zug trinkt. Dieser Song entstand kurz nachdem das dritte Bier getrunken war. ,Fare Dodging with the Mekon's Rider" entstand, nachdem wir vor ein paar Jahren in Brighton unsere Lieblingsband The Mekons supportet hatten. Im Gegensatz zu den Hags hatten sie einen reichhaltigen Rider, darunter eine Obstschale mit einer prächtigen Zitrone. Als wir uns auf den Weg zum Zug zurück nach London machten, steckte Ruth heimlich drei Bier aus dem Rider der Mekons in ihre Tasche und konnte sich dann nicht von der Zitrone trennen! Von Gesetzlosigkeit erfüllt, sind wir aus dem Zug ausgestiegen, nachdem uns gesagt wurde, dass wir nicht einsteigen könnten, weil wir die falschen Fahrkarten hatten. Wir haben die Biere getrunken, bevor der Zug den Bahnhof verließ, aber, liebe Leser, die Zitrone wurde nie verzehrt. Ein trauriges Ende für die Zitrusfrucht, aber in diesem Song, der unsere Errungenschaften des Abends feiert, wird sie nie vergessen werden.

Emerging in 2023, Die Anstalt are a Berlin-based post-punk and minimal synth trio who quickly established themselves with a blistering fusion of early EBM, synth-punk, and classic post-punk. Their sound channels the grit and tension of 1980s industrial sub cultures while feeling unmistakably contemporary. Recently signed to City Slang worldwide, the band are reissuing their independently released debut album through the label. They have also announced a UK and Ireland tour supporting A Place to Bury Strangers, alongside a hometown headline show at Berlin's legendary SO36 in November 2026.

Die Anstalt sound like no one else, even if everyone hears something different. Depending on who you ask, you'll catch traces of Malaria!, Boy Harsher, DAF, early EBM, synth-punk, or X-Mal Deutschland. Then there's the surf guitar, a detail that shouldn't work but somehow holds the whole thing together. The result is theatrical, confrontational, hypnotic, and relentlessly physical. They write slogans that stick. They're appropriately furious. Live, they're less a concert than a controlled explosion.

Their songs give voice to generational exhaustion, the dystopian absurdities of the present, warmongers, the manosphere, and the constant sense that the world is coming apart at the seams. Somehow, they also sound unmistakably like Berlin. That doesn't happen often, maybe once a decade, if we're lucky.

Most of all, Die Anstalt are proof that beneath the noise, the algorithms, and the endless churn of industry discourse, something vital still burns: rage, conviction, and hope in equal measure. At their core, they are a punk band. No posturing. No compromise. No messing around. They don't ask for permission. They burn it all down.

Die Anstalt, 2023 in Berlin gegründet, bewegen sich zwischen Post-Punk, Minimal Synth und frühem EBM. Innerhalb kürzester Zeit hat sich das Trio mit einer kompromisslosen Mischung aus Synth-Punk, klassischem Post-Punk und der rauen Energie der industriellen Subkulturen der Achtziger einen Namen gemacht – und klingt dabei nie nostalgisch, sondern entschieden gegenwärtig. Kürzlich unterschrieb die Band weltweit bei City Slang, wo nun auch ihr zunächst in Eigenregie veröffentlichtes Debütalbum neu erscheint. Im Herbst 2026 begleiten sie A Place to Bury Strangers auf deren UK- und Irland-Tour, bevor sie im November mit einer Headline-Show im legendären SO36 nach Berlin zurückkehren.Die Anstalt klingen vor allem nach sich selbst – auch wenn jede*r etwas anderes hört. Die einen denken an Malaria!, andere an Boy Harsher, DAF, frühen EBM, Synth-Punk oder X-Mal Deutschland. Und dann ist da diese Surf-Gitarre, die eigentlich nicht funktionieren dürfte und doch alles zusammenhält. Die Anstalt sind theatralisch, konfrontativ und hypnotisch. Sie schreiben Parolen, die hängen bleiben. Ihre Wut ist berechtigt. Live gleichen sie einem kontrollierten Ausbruch.Ihre Songs finden Worte für die Erschöpfung einer Generation, für die dystopischen Exzesse der Gegenwart, für Kriegstreiber, die Manosphere und die Absurditäten unserer Zeit. Irgendwie klingen sie dabei unverkennbar nach Berlin. Das passiert nicht oft – vielleicht einmal pro Jahrzehnt, wenn wir Glück haben.Vor allem aber beweisen Die Anstalt, dass unter dem Lärm, jenseits von Algorithmen, Trends und dem endlosen Gerede der Musikindustrie noch immer etwas brennt: Wut, Haltung und Hoffnung zugleich. Im Kern sind Die Anstalt eine Punkband. Kein Posieren. Keine Kompromisse. Kein Bullshit. Sie bitten nicht um Erlaubnis. Sie reißen alles nieder.

Mit der neuen Ausgabe der The Vinyls Collection steht diesmal die goldene Ära von Disco und Funk im Mittelpunkt. Die Compilation vereint 20 zeitlose Klassiker, die den Sound der Tanzflächen der 1970er- und frühen 1980er-Jahre geprägt haben. Von internationalen Disco-Hymnen bis zu wegweisenden Funk-Grooves bietet die Auswahl einen repräsentativen Querschnitt durch eine der einflussreichsten Epochen der Popmusik. Mit Künstlern wie Amii Stewart, Curtis Mayfield, Positive Force, Aaron Neville, Loleatta Holloway, Patrice Rushen und Silver Convention versammelt das Album zahlreiche stilprägende Aufnahmen des Genres. Ob Dancefloor-Klassiker, Soul-infizierte Grooves oder frühe Club-Favoriten - diese Zusammenstellung verbindet musikalische Qualität mit hohem Wiedererkennungswert und spricht sowohl langjährige Sammler als auch neue Liebhaber klassischer Disco- und Funkmusik an.

Bereits in den frühen 1920er Jahren hatte sich Coleman Hawkins in der New Yorker Jazzszene als einer
der ersten großen Improvisatoren auf dem Tenorsaxofon etabliert. Bis sich sein Gesundheitszustand 1966
rapide verschlechterte, hielt er stets mit der Entwicklung des Jazz Schritt. In seiner letzten Schaffensphase
zwischen 1960 und 1965 war er unter anderem auf Max Roachs Klassiker “We Insist!” und zusammen mit
Sonny Rollins auf dem gemeinsamen Album “Sonny Meets Hawk!” zu hören. Darüber hinaus spielte er
in diesen Jahren vier Alben für das damals trendsetzende Label Impulse! Records ein. Das letzte dieser
vier Alben, “Wrapped Tight”, war 1965 zugleich auch das letzte Album, das von Coleman Hawkins als
Bandleader noch zu Lebzeiten veröffentlicht wurde. Mit einem Sextett interpretiert er hier ein breitgefächertes Repertoire, das neben klassischen und zeitgenössischen Jazzstandards mit “She’s Fit” auch auch
ein Hawkins-Original enthält. Scott Yanow bewertete das Album in seiner Rezension bei AllMusic mit vier
Sternen und schrieb: “Auf Hawkins’ letzter starker Aufnahme improvisiert der Veteran - 43 Jahre nach
seinem Plattendebüt mit Mamie Smiths Jazz Hounds - kreativ über ein breit gefächertes Repertoire …
Glanzstück ist eine gewagte Version von ‘Out of Nowhere’, die zeigt, dass der Tenorsaxofonist auch 1965
noch neue Ideen hatte.”

Muss sich alles ständig so schwer anfühlen? Claud Mintz ringt ständig mit dieser Frage. Und zwar nicht in Form von höflichen kleinen Wortgefechten, sondern in Form von großen, langwierigen, existenziellen Kämpfen - von der Art, die einen letztendlich dazu bringen könnte, den Kurs des gesamten Lebens zu ändern. Die 10 Songs auf seinem facettenreichen und glanzvollen dritten Album ,Me and the Music" zeigen den 27-jährigen Singer-Songwriter und Produzenten aus Brooklyn, wie er sich mit dieser Frage auseinandersetzt und schließlich triumphierend zu etwas gelangt, das einer Antwort nahekommt: Die Dinge können schwer sein, aber das bedeutet nicht, dass man keinen Spaß haben kann. Das Leben kann schwer sein, aber das Bier in Ihrer Hand ist es nicht - warum sollten Sie es nicht für einen Moment in die Höhe recken, mit den Freunden um Sie herum mitsingen und Ihre Sorgen für die Dauer eines perfekten Indie-Pop- Songs vergessen? ,Me and the Music" ist Clauds erstes Album seit drei Jahren, seit dem 2023 erschienenen, hochgelobten ,Supermodels". Sowohl ,Supermodels" als auch ,Super Monster" aus dem Jahr 2021 waren weitgehend inspiriert von ,dieser einen unklaren Beziehung", von der er irgendwann während des Schreibens von ,Me and the Music" erkannte, dass sie ,eigentlich nie wirklich etwas war". ,Supermodels" war ein so ernstes Album, und ,ich habe einfach so lange in meinen Gefühlen geschwelgt", sagt Claud. ,Es gibt einen Unterschied zwischen Aufrichtigkeit gegenüber dem Leben und dem Leben zu ernst zu nehmen." Diese Erkenntnis veränderte alles: Im Titelsong von ,Me and the Music" singen sie: ,Das ist der letzte Song, den ich von dir ruinieren lasse", und das meinten sie auch so. Nachdem Claud diesen Song geschrieben hatte - in den berühmten Electric Lady Studios zusammen mit ihren Freunden Hank Heaven und Annie DiRusso -, begannen sie, sich völlig befreit zu fühlen. ,Dadurch wurde viel Bedauern losgelassen, das ich mit mir herumgetragen hatte, und es ermöglichte mir, zu denken _ das macht so viel Spaß", sagen sie. ,Musik zu machen macht so viel Spaß." Das Markenzeichen von Me and the Music sind also Songs, die die Komplexität des Erwachsenwerdens und des Lebens in der Welt einfangen, ohne dabei den Sinn für Verspieltheit oder Spaß zu verlieren. Es ist ein typisches ,Slice-of-Life"-Album , das neue Romanzen, Insider-Witze, Gap-Werbespots, die Band ,America" und das Land Amerika thematisiert und all diese Dinge mit Sorgfalt und Rücksicht behandelt. Die Lead-Single ,She Doesn't Love Me" von ,Me and the Music" ist in vielerlei Hinsicht der Kern des Albums - ein leichtfühliges Lied darüber, wie es ist, in den 2020er Jahren in Amerika queer und trans zu sein. (Es ist eine kraftvolle, mitreißende Hymne, die vor Schmerz nicht zurückschreckt - und trotzdem Lust macht, wie Claud in dem Titel singt, die ,Biere in die Luft zu recken".) Als Claud den Song gemeinsam mit Heaven und DiRusso schrieb, waren sie fest davon überzeugt, dass es ein Yacht-Rock-Song werden sollte; das Demo klang letztendlich dennoch ,Lo-Fi und Indie". ,Me and the Music" wurde von Claud und John Congleton (Alvvays, St. Vincent) produziert und bedeutet für Claud, dass sich der Kreis schließt: Mit diesem Album hatte Claud endlich das Gefühl, als Produzent selbstbewusst genug zu sein, um die Rolle des Co-Produzenten zu übernehmen (und hat seitdem eine Reihe viraler Singles von Romy Mars produziert). Die Zusammenarbeit ist natürlich ein wesentlicher Bestandteil von Clauds Arbeit - wer wären wir ohne unsere Freunde? Neben Claud gehört er zu einem Viertel zu Shelly, einer Band, die er gemeinsam mit Clairo, Noa Getzug und Josh Mehling gegründet hat. Auf ,Me and the Music" arbeitet Claud bei dem Titel ,The Legend" erneut mit ihrem langjährigen Kollaborateur Dan Nigro (Olivia Rodrigo, Chappell Roan) zusammen. Der Song thematisiert das Gefühl, tief in jemanden verliebt zu sein, der nicht mit einem gesehen werden möchte, sagt Claud: ,Es geht gewissermaßen um eine beschissene Beziehung und den Wunsch, die Liebe zur Schau zu stellen, ohne jedoch dazu in der Lage zu sein ", erklären sie. Doch wenn es auf ,Me and the Music" ein echtes Liebeslied gibt, dann ist es ,I Owe You", ein Dream-Pop-Road-Song, der hingebungsvoll und facettenreich ist. Er fängt den Geist von ,Me and the Music" als Ganzes ein: die Dinge Tag für Tag zu nehmen, Bilanz über das zu ziehen, was einen umgibt, und die schönen Dinge anzunehmen, wenn sie sich bieten. Das fühlt sich gar nicht so schwer an.

Philipp Poisel, der seit 2008 knapp eine Millionen Platten verkauft hat (u.a. zwei Platin-, zwei Gold-Alben), stellt sein neues Album vor. Das fünftes Studioalbum GUTE ZEITEN ist eine Hommage an die kleinen, warmen Momente, die uns auch in unruhigen Zeiten Hoffnung geben. Inspiriert von der Atmosphäre Siziliens - zwischen Meer, Stille und lebendigen Piazzas - vereint das Album seine typische Sprachkunst mit einer neuen Leichtigkeit und Aufbruchsstimmung. GUTE ZEITEN ist ein Sehnsuchtsort, ein Bewusstsein für das Glück im Hier und Jetzt. Ein Album, das Stärke gibt, verbindet und daran erinnert, dass gute Zeiten immer möglich sind - besonders, wenn wir sie gemeinsam erleben.

Philipp Poisel, der seit 2008 knapp eine Millionen Platten verkauft hat (u.a. zwei Platin-, zwei Gold-Alben), stellt sein neues Album vor. Das fünftes Studioalbum GUTE ZEITEN ist eine Hommage an die kleinen, warmen Momente, die uns auch in unruhigen Zeiten Hoffnung geben. Inspiriert von der Atmosphäre Siziliens - zwischen Meer, Stille und lebendigen Piazzas - vereint das Album seine typische Sprachkunst mit einer neuen Leichtigkeit und Aufbruchsstimmung. GUTE ZEITEN ist ein Sehnsuchtsort, ein Bewusstsein für das Glück im Hier und Jetzt. Ein Album, das Stärke gibt, verbindet und daran erinnert, dass gute Zeiten immer möglich sind - besonders, wenn wir sie gemeinsam erleben.

Willkommen zurück, The Charities eine süße, Soul-begeisterte 5-köpfige Band aus dem sonnigen Kalifornien. Sie sind mit ihrer zweiten 45er wieder bei Colemine vertreten, und es wird noch viel mehr folgen. Die A-Seite, Movin' on", ist ein Song, der von Anthony Masino, einem guten Freund der Band und Produzenten, geschrieben wurde. Der Song wurde bei Penrose Recorders in Riverside, Kalifornien, aufgenommen und abgemischt und ist ein echter Trennungs-Klassiker. Voller Soul ist er eine schonungslose Reflexion über die Entscheidungen im Leben. Ein kraftvoller Song, der direkt auf den Punkt kommt; klanglich sowohl traurig als auch triumphierend. Auf der B-Seite ist I'm Still Learning How". Stark inspiriert von vielen großartigen Songs der 60er Jahre mit zweistimmigen Harmonien, drückt der Song aus, dass Liebe ein Lernprozess ist. Nur weil es anfangs nicht klappt, heißt das nicht, dass man nicht wachsen und lernen kann.

Die EP ,PERFECT HOUSE" von MX Lonely ist der Nachfolger ihres hochgelobten Debütalbums ,ALL MONSTERS". Nach dem Erfolg ihres Albums (gelobt von Pitchfork, Stereogum, Alt Press, POST-TRASH und vielen anderen) kehrten sie zu den Songs zurück, die sie während der Arbeit an dem Album geschrieben hatten, und hauchten den Stücken Leben ein, die nicht auf die ursprüngliche Platte gepasst hatten. Sie haben einen schweren, düsteren Alternative-Rock-Sound entwickelt, der gleichermaßen von Schönheit durchzogen ist und von Stereogum als ,die Art von Indie-Rock, die wir in den 90ern als ,angular` bezeichnet haben und die in eine regelrechte Fuzz-Riff-Eruption ausartet" beschrieben wird. ,ALL MONSTERS" war ihre erste komplett selbst aufgenommene Veröffentlichung, auf der die Band - Synthesizer-Spieler und Sänger Rae Haas, Gitarrist Jake Harms, Bassist Gabriel Garman und Schlagzeuger Andy Rapp - einen lebendigen, unmittelbaren, analogen Sound eingefangen hat, der das Gefühl ihrer Live-Shows verkörpert und gleichzeitig ein länger andauerndes und nuancierteres Erlebnis schafft als je zuvor. Für die Zukunft wollen sie weiterhin auf Tour gehen und eine Community aufbauen, die auf gegenseitiger Katharsis basiert. Auch wenn sie sich der Selbstreflexion verschrieben haben, möchten MX LONELY letztendlich andere in ihre Welt einbeziehen.

Limitierte Auflage von weltweit 666 Exemplaren. Dale Crover sieht Neil Young sehr ähnlich so sehr, dass Neil ihn selbst engagiert hat, um die, ähm, junge Version von sich selbst im legendären Harvest Moon"-Video zu spielen. Es ist schwer, sich jemanden vorzustellen, der besser geeignet wäre, den Song zu covern als Crover, dank seiner Präsenz im Video und seiner langen Karriere als Solokünstler sowie seiner 43-jährigen Zugehörigkeit als Schlagzeuger bei den Melvins, dieser Rock-Institution aus dem Pazifischen Nordwesten. Crovers Version von Harvest Moon" eröffnet seine neue EP Get Yer Ba-Ba's Out" und geht nahtlos über in eine Interpretation des Melvins-Klassikers The Bit" aus dem Album Stag", denn Crover hat den Gitarrenpart geschrieben er ist in der gleichen Tonart, und warum auch nicht? Die EP enthält außerdem Akustikversionen von drei Songs aus Crovers Soloalbum Glossolalia" (Doug Yuletide", Rings" und Jane"), einen aus dem 2021 erschienenen Rat-A-Tat-Tat!" (I Can't Help You There") und den brandneuen Titelsong. Diese intime Inszenierung von Crovers Songs steht hier im Kontrast zum elektrischen, mit Gastmusikern gespickten Glossolalia", aber man kann diese Musik kaum als ausgemustert" bezeichnen. Es fühlt sich eher wie eine Weiterentwicklung des glam-beeinflussten Power-Pop an, den Crover seit The Fickle Finger of Fate" aus dem Jahr 2017 produziert. Die Arrangements von Produzent Toshi Kasai füllen den verfügbaren Leerrum mit Slide-Gitarre, Maultrommel, verschiedenen Glocken und anderen Idiophonen. Der Geist von Crovers Musik war noch nie deutlicher ein rastloses Verlangen, Neuland zu erkunden, kombiniert mit einer tiefen Liebe zum Rock 'n' Roll, dieselbe, die die Melvins zu einer der interessantesten und einflussreichsten Bands ihrer Generation gemacht hat.

Der 20-jährige in Pretoria lebende Produzent Sam Austin Audebe alias DJ BLACK LOW schickt sich mit seinem Debütalbum "Uwami" an das beliebte Tanzmusikgenre Amapiano aufzumischen. Der Hybrid aus Deep House, Jazz und Kwaito-Musik eroberte sich in den letzten fünf Jahren zunehmend einen Platz in der westlichen Global-Pop-Fangemeinde, während er in Südafrika bereits an jeder Straßenecke allgegenwärtig ist. Der Sound von DJ BLACK LOW ist im Vergleich zu anderen Amapiano Produktionen etwas roher und direkter und basiert auf verzerrte Samples und Synthies. Mit dabei sind auch Gäste wie DJ La Bengwa und DJ Saxo Boy.

,Bands Like It When You Yell `YAR!' At Them" war ursprünglich eine Promo-EP von Minus the Bear, die 2002 als Vorgeschmack auf das Debütalbum ,Highly Refined Pirates" erschien. Was als einfache Werbe-CD begann, entwickelte sich schnell zu einem Fan-Favoriten und erscheint 2026 erstmals offiziell auf Vinyl. Die Veröffentlichung zeigt die Band in ihrer frühen Hochphase und vereint ihren charakteristischen Mix aus Indie-Rock, Math Rock, Funk, verspielten Gitarrenfiguren und elektronischen Elementen. Neben frühen Albumtiteln enthält die EP mit ,Drop It Like It's Hot" auch einen exklusiven Song, der die kreative Experimentierfreude der Band eindrucksvoll dokumentiert. Heute gilt ,YAR!" als wichtiges Zeitdokument der Anfangsjahre von Minus the Bear und als perfekte Ergänzung zu ,Highly Refined Pirates", einem der prägendsten Indie-Rock-Alben der frühen 2000er-Jahre. Von Bernie Grundman für Vinyl remastert und mit bei 45 U/min geschnittenen Lackplatten trägt diese limitierte Auflage von 1.000 Exemplaren auf "San Juan Sands" Vinyl dazu bei, die aufregenden Anfangsjahre einer der beliebtesten Bands des amerikanischen Indie-Rock zu dokumentieren und zu bewahren.

Eine sorgfältig zusammengestellte Kollektion, die Desmond Dekkers Einfluss auf Ska, Rocksteady und
frühen Reggae unterstreicht. Mit herausragenden Titeln wie „Israelites“ und „007 (Shanty Town)“ fängt
sie jenen Sound ein, der dazu beitrug, jamaikanische Musik einem internationalen Publikum nahezubringen.
Dies ist eine kompaktere Version der „Essential Collection“ von 2023; sie erscheint anlässlich des National
Album Day 2026 (10. Oktober 2026) sowohl als Pressung auf schwarzem „Ecorecord“-Vinyl als auch
im Digisleeve-Format (1 CD) inklusive Booklet. Die Veröffentlichung bietet ein klares, warmes Klangbild
und dient als prägnanter Überblick über Dekkers wichtigste Aufnahmen – eine verlässliche Ergänzung für
Sammler und ein idealer Einstieg für alle, die den klassischen Reggae für sich entdecken möchten.

Mit „Tranquilo II“ schlagen In Extremo ein neues Kapitel ihrer beeindruckenden Erfolgsgeschichte auf. Am
23. Oktober 2026 erscheint das außergewöhnliche Akustikalbum mit 17 Songs, die mehr als drei Jahrzehnte
Bandgeschichte in überraschend neuem Klang präsentieren.
Statt ihre Klassiker lediglich leiser zu spielen, haben In Extremo Stücke wie „Spielmannsfluch“, „Frei
zu sein“, „Störtebeker“, „Liam“ und „Feine Seele“ komplett neu arrangiert. Swing, Rockabilly, Ska, Reggae und osteuropäische Einflüsse treffen auf historische Instrumente und den unverwechselbaren Sound der
erfolgreichsten Mittelalter-Rockband der Welt. Eingespielt wurde das Album in einem kleinen Studio in
Dornbirn – live, unmittelbar und mit viel Raum für spontane musikalische Ideen.
Unterstützt werden In Extremo von hochkarätigen Gästen: Metal-Ikone Doro Pesch verleiht „Feine Seele“
besondere Intensität, Jan „Monchi“ Gorkow und Max Bobzin von Feine Sahne Fischfilet sorgen bei „Störtebeker“ für eine ebenso ungewöhnliche wie mitreißende Begegnung, während Faun-Sängerin Laura Fella
den Klassiker „Liam“ bereichert. Mit „Heute wird der Himmel brennen“ enthält das Album außerdem einen
brandneuen Song.
Ein besonderes Highlight für Fans ist die exklusive Bonus-EP „Sternhagelvoller“, die der Deluxe-CD sowie
dem streng limitierten Vinyl-Bundle beiliegt. Das Herzstück bildet eine sechsminütige XXL-Version des
Partyklassikers „Sternhagelvoll“, aufgenommen mit zahlreichen Weggefährten aus der Mittelalter-Rock- Szene – darunter Mitglieder von Feuerschwanz, d’Artagnan, Faun, Tanzwut, Subway to Sally, Versengold,
Fiddler’s Green und Corvus Corax. Ergänzt wird die EP durch den exklusiven neuen Song „Amontillado“
und eine besondere Version von „Ave Maria“ mit der kroatischen Vokalformation Metaklapa.
Im November und Dezember bringen In Extremo „Tranquilo II“ auf große Akustiktour. In ausgewählten
Spielstätten wie dem Berliner Admiralspalast, der Hamburger Laeiszhalle, der Alten Oper Frankfurt und
dem Circus Krone in München stehen Nähe, Atmosphäre und musikalische Feinheiten im Mittelpunkt.
„Tranquilo II“ ist weit mehr als eine Reise durch die Vergangenheit: Es ist ein mutiges, vielseitiges und
überraschendes Album, das bekannte Hymnen neu entdecken lässt und zugleich eindrucksvoll zeigt, warum
In Extremo auch nach mehr als drei Jahrzehnten musikalisch unberechenbar bleiben.

Mit der Veröffentlichung des Albums ”Watertown” melden sich die Brothers Osborne zurück. Das Duo
präsentiert dabei erneut sein herausragendes musikalisches Können, erstklassiges Songwriting und jenen
unverwechselbaren Sound, der es zu einem der gefeiertsten Acts der Country-Musik gemacht hat. ”Watertown” markiert das neueste Kapitel in der Karriere des Duos und besticht durch herausragende Titel
wie „Born and Raised Hell (feat. Cody Johnson)“ und „Tough Kid (feat. Stephen Wilson Jr.)“. Die mit
einem Grammy ausgezeichneten Brothers Osborne verbinden auch hier Country, Rock und tiefgründiges
Storytelling auf eine Weise, die das Publikum überall begeistert.

Mit ’Fix Your Face’ präsentiert MASEGO sein drittes Album. Auf 16 Tracks verbindet der GRAMMY
nominierte Künstler seinen charakteristischen Sound mit neuer emotionaler Offenheit, Selbstreflexion und
Spiritualität. Gastbeiträge von Buju Banton, Keyshia Cole, Leon Thomas und Musiq Soulchild unterstreichen die musikalische Vielfalt des Albums - jetzt auch auf Vinyl.