Mit "Stoak wie a Felsen - Das Beste aus fünf Jahrzehnten" erscheint am 26. Juni anlässlich des 75. Geburtstages von Stefanie Werger eine besondere Werkschau auf farbiger Vinyl und CD, die einer der markantesten Stimmen des Austropop gewidmet ist.
Stefanie Werger ist weit mehr als eine erfolgreiche Interpretin: Sie ist eine prägende Singer/Songwriterin, die mit ihren Liedern, ihrer Sprache und ihrer Haltung über Generationen hinweg Spuren hinterlassen hat.
In einer Musikszene, die lange stark männlich geprägt war, hat sie sich mit unglaublichem Talent, künstlerischer Eigenständigkeit und einer großen Portion Charisma einen festen Platz erarbeitet und damit sehr früh eine besondere Rolle als erfolgreiche Frau in der österreichischen Pop- und Liedermacherszene eingenommen. Ihre Songs sind direkt, poetisch, humorvoll, unbequem und berührend zugleich - und genau darin liegt ihre anhaltende Kraft.
Andy Zahradnik nennt Stefanie Werger treffend eine "Liederatin" - ein Begriff, der ihr künstlerisches Wesen wunderbar auf den Punkt bringt. Denn Werger erzählt in ihren Liedern Geschichten, beobachtet scharf, formuliert lebensnah und verbindet literarisches Gespür mit musikalischer Kraft. Ihre Werke sind nie bloß Songs, sondern persönliche, gesellschaftliche und emotionale Momentaufnahmen.
Die Tracklist von "Stoak wie a Felsen - Das Beste aus fünf Jahrzehnten" enthält zentrale Stationen des Schaffens von Steffi Werger: Der Reigen spannt sich von I wü di g'spian, das hier in einer spektakulären Live-Version enthalten ist, über Klassiker wie Stoak wie a Felsen (ebenfalls als kraftvolle Liveaufnahme), Flamenco Turistico und Sommer bis hin zu dem wehmütigen Langsam wea i miad ihres letzten Albums. Als besonderer Bonustrack ist der brandneue Song So schene Leit inkludiert und damit erstmals auf Tonträger erhältlich.
Auch die Ausstattung der Edition unterstreicht den besonderen Charakter dieses Releases: Die LP erscheint auf weiß-silber marmoriertem Vinyl und macht die Veröffentl
Man singt und es wird: Im Zuge eines Zusammenbruchs hat Max Gruber den Soloartist Drangsal gekillt und die Band Drangsal gegründet. Am Ende des Tunnels steht das im Juni 2025 erscheinende Album, Aus keiner meiner Brücken die in Asche liegen ist je ein Phönix emporgestiegen.
Seit über zehn Jahren sichelt Max Gruber mittlerweile die Zick-Zack-Schneise Drangsal durch die deutsche Poplandschaft: Harieschaim aus 2016, Zores aus 2018 und zuletzt Exit Strategy – das ihm 2021 Platz 6 der Albumcharts bescherte – erdachte Gruber größtenteils im Alleingang. Und dann war da noch etwas nach seiner Exit Strategy: Ein Zusammenbruch. Max Gruber wusste nicht mehr, ob und wenn ja, wie er weiter Drangsal machen will, veröffentlichte im Ullstein-Verlag sein literarisches Debüt »Doch«, gründete Die Benjamins, holte so gemeinsam mit Charlotte Brandi, Thomas Götz und Julian Knoth Hans-A-Plast Frontfrau Annette Benjamin aus dem Ruhestand und reaktivierte unlängst das 2016 mit Stella Sommer gegründete Duo Die Mausis.
Und doch, von innen wie von außen, immer wieder die Frage nach einem neuen Drangsal-Album. Wenn es denn überhaupt nochmal eines geben soll, erkannte Gruber, musste er die Arbeitsweise, auf deren Grundlage Drangsal-Songs entstehen, fundamental verändern. Auf alles Ringen folgte, was unvermeidbar war: Der Reset. Max Gruber hat den Soloartist Drangsal gekillt und die dreiköpfige Band Drangsal gegründet – zusammen mit zwei Mitmusikern, die ihn aus seinen Gewohnheiten gelöst haben: Lukas Korn und Marvin Holley.
Erstgenannter ist Gitarrist und Produzent, spielt in der Band Lyschko, produzierte zuletzt das Album silber von Mia Morgan und hat seit 2020 als Bassist an der Drangsal-Liveband partizipiert. Zweiterer studierte Jazz- und klassische Gitarre sowie Komposition in Stuttgart und Wien, stand mit Sam Vance-Law und Fil Bo Riva auf der Bühne und arrangierte für Film und Theater. Lukas Korn und Marvin Holley haben dafür gesorgt, dass sich die zentrale Figur im Kosmos Drangsal dreiteilt.
Das Liedermachen in Bandkonstellation ließ alle Angst platzen: Getragen von Euphorie nahmen Gruber, Holley und Korn ab Ende 2022 etliche Songskizzen und damit den Unterbau eines siebzehnteiligen Albums auf. Nach Kreativurlauben an der polnischen Grenze und Ostsee stand eine von Max Rieger produzierte und von Lukas Korn Co-produzierte vierte Drangsal-LP. Sie trägt den schwergängigen Titel Aus keiner meiner Brücken die in Asche liegen ist je ein Phönix emporgestiegen und erscheint im Juni 2025. Gruber, Holley und Korn haben sich auf das Credo so wenig wie möglich, so viel wie nötig verständigt – und dadurch einen Umbruch im Klangkosmos Drangsals manifestiert, der völlig neue Dynamiken mit sich bringt. Aus keiner meiner Brücken die in Asche liegen ist je ein Phönix emporgestiegen hält Leerstellen aus, in seinem Zentrum stehen, statt Synthesizer, Akustikgitarren, die immer wieder an der Grenze zu Blues und Jazz wandeln. Wo speziell auf Exit Strategy noch überzuckerter Synth-Pop preschte, ist nun Klavier zu hören; Orgel, Klavinet und Cembalo; Xylophon, Violinen und Celli; von Ralph Heidel gespielte Querflöten und Saxophone.
Dazwischen drei Episoden, in denen sich Gospel Chöre und Technobeats breitmachen. Max Rieger hat die drei dazu motiviert, Echtheit, auch Imperfektion im Moment der Aufnahme zuzulassen – und großen Anteil daran, dass »Aus keiner meiner Brücken die in Asche liegen ist je ein Phönix emporgestiegen« ein realistisches Abbild des Trios bietet. Die Stimmung? Dagegen eher ein Wechselbad. Max Gruber singt von Selbstentfremdung, vom Für und Wider des Stillstands, vom Sichhingeben und Sichwegschmeißen – mal auf deutsch, mal auf englisch, mal zart, mal angewidert. Grubers Stimme klingt, nach einer klassischen Gesangsausbildung, die der Einunddreißigjährige angetreten hat, zielbewusster. Umarmungen Marke »Ich hab von der Musik geträumt und Inkomplett treffen auf Gewitterwolken à la Mein Eid und dem Sophia-Blenda-Feature Mein Mo(nu)ment. Entlang rigoroser Entkernung und Hexenjagd geht es Bergab – für dich, für mich, für Max Gruber sowieso. Er ist über weite Teile der Platte hinweg auf der Flucht vor sich selbst, den alten Geistern, dem leidigen Wachzustand: Wär’ ich doch bloß nimmermehr erwacht, ich schliefe in ewigem Glück. Gruber sucht und sucht: Nach innerem Frieden, nach Gnade, nach unverbranntem Boden, nach neuen Versionen seiner Selbst – und das vergeblich. Immerhin scheinen Erinnerungen mit der Zeit zu verschwimmen: Grubers Worte – zu sich und zur Welt – klingen im hinteren Teil der Platte sanfter, vergebender, resümierender. Ein Schlüsselmoment? Das von der Schauspielerin Rosa Lembeck eingesprochene, Monolog artig formulierte Klanggedicht Rosa – Es ist so: Man singt und es wird.
"Es war ein langes Jahr, weil ich so langsam war" lautet der Einstieg zum neuen Album "endlich Wienerlieder". (Release 15.03.2024, Medienmanufaktur Wien). Das Album ist Ninos Großvater Rudolf Mandl gewidmet, einem Wienerlied-Sänger. Für Nino eine "Hommage an meine familiäre Verbindung zur Wiener Musiktradition." Ob Nino nun von Heurigen zu Heurigen ziehen wird, um den lustigen Gesellschaften seine Liedkunst zu schenken, kann man nicht versprechen. Was man definitiv bekommt, ist eine tiefe Auseinandersetzung des Künstlers mit seinem Lebensmittelpunkt, aus verschiedenen Lebensepochen. Damit besteht eine gewisse Verwandtschaft zu Ninos "Kochbuch Take 16". Spezialgäste sind mit dabei am Album. So singt er gemeinsam mit Ernst Molden bei seiner Version von "La Paloma" eine Ode an die Wiener und Wienerinnen.
Silva Screen Records freut sich, die Veröffentlichung von „Beneath Painted Skies: Music from the Studio Ghibli Movies“ anzukündigen, einem neuen Album von London Music Works und Nick Squires, das die außergewöhnlichen musikalischen Welten einiger der beliebtesten Animationsfilme würdigt.
„Beneath Painted Skies“ erscheint im Oktober 2026 als physisches Album und ist eine symphonische Neuinterpretation von Titeln aus dem Studio Ghibli. Es vereint eine umfassende Sammlung von Themen und Musikstücken aus den Filmen des Studio Ghibli – von der windumtosten Wunderwelt von „Nausicaä aus dem Tal der Winde“ und dem fliegenden Abenteuer von „Das Schloss im Himmel“ über die zarte Nostalgie von „Nur gestern“ der emotionalen Erhabenheit von „Prinzessin Mononoke“ bis hin zur traumhaften Schönheit von „Chihiros Reise ins Zauberland“ und „Das wandelnde Schloss“.
Das Album ist eine Hommage an die bemerkenswerte emotionale Bandbreite dieser Musik: zarte, idyllische Melodien, hochfliegende Orchester-Themen, intime Charakterstücke und Momente stiller Besinnung. In der gesamten Sammlung verleihen London Music Works und Nick Squires diesen beliebten Werken eine reichhaltige, filmische Sensibilität und fangen dabei das Gefühl von Flug, Erinnerung, Kindheit, Verlust, Staunen und Magie ein, das diese Musik über Generationen hinweg nachklingen lässt.
Die Trackliste umfasst mehr als vier Jahrzehnte legendärer Animationsfilme, darunter Musik aus „Mein Nachbar Totoro“, „Kikis kleiner Lieferservice“, „Porco Rosso“, „Das Grab der Leuchtkäfer“, „Ponyo auf der Klippe am Meer“, „Der Wind steigt“, „Als Marnie da war“, „Die Legende der Prinzessin Kaguya“, „Auf dem Poppy-Hügel“ und „Der Junge und der Reiher“.
Mit Darbietungen von London Music Works und Nick Squires bietet „Beneath Painted Skies“ eine wunderschön gestaltete Reise durch eine der bezauberndsten Landschaften der Filmmusik.
[x] d6. Ask Me Why [Mothers Message] (from "The Boy and the Heron")
[y] d7. Fine on the Outside [Vocal Version] (from "When Marnie Was There")
GEORG DANZER - "JAHRESZEITEN" - Das Beste aus fünf Jahrzehnten Anlässlich des 80. Geburtstags des großen österreichischen Liedermachers GEORG DANZER veröffentlicht Sony Music eine von Georg Danzers langjährigem Wegbegleiter und Manager Franz Christian Schwarz liebevoll kompilierte Best Of mit dem Titel "Jahreszeiten". Das auf farbiger 2LP sowie auf 1CD erhältliche Album umfasst Lieder aus jeder Schaffensphase des 2007 verstorbenen Künstlers, dessen musikalisches Erbe die österreichische Musik nachhaltig prägte. Das Albumcover setzt sich aus vier Portraits Georg Danzers zusammen, die von Nina Maron, Tochter des unvergessenen Sigi Maron, gemalt wurden. Franz Christian Schwarz beschreibt die Zusammenstellung der Best Of mit folgenden Worten: "Alle meine Lieder sind wie Sonne Mond & Sterne" ist der Beginn eines Liedes auf der CD-Single "Sonne, Mond & Sterne", die anlässlich der gleichnamigen DVD-Veröffentlichung von Georg Danzer erschienen ist. Diese Liedzeile gab auch den Ausschlag, die vorliegende Doppel-LP "Jahreszeiten" zu nennen, um die Bandbreite von Danzers musikalischer Vielfalt unter Beweis zu stellen. Danzer schaffte es wie kaum ein anderer Beobachtungen, Erzählungen, Gedanken und Emotionen in Worte und Melodien zu fassen. Mit über fünfhundert veröffentlichten Liedern für sich selbst und andere Interpretinnen und Interpreten zählt Danzer zu den produktivsten Liederschreibern des Landes. Einige seiner Lieder hielten auch in Schul- und Notenheften Einzug. Die vorliegende Doppel-Vinyl und die um einen Titel verkürzte CD-Version wurden eine spezielle Zusammenstellung, auf der neben bekannten Liedern auch solche zu hören sind, die entweder bisher unbekannt oder dem Zuhörer nicht so geläufig sind, aber das musikalische Spektrum des großartigen Poppoeten widerspiegeln. Sie dient zur Auffrischung von Erinnerungen ebenso wie als Anreiz, sich mit dem Werk Danzers vertraut zu machen oder es neu zu entdecken. Der Frühling ist für viele Menschen ein Zeichen dafür, das
TV Star aus dem Raum Seattle-Tacoma präsentieren mit ,Music For Heads" ihr Debütalbum und verbinden darin Psychedelic Rock, Jangle Pop, Garage Rock, Shoegaze und klassischen Indie-Rock zu einem warmen, zeitlosen Sound. Inspiriert von Bands wie The Brian Jonestown Massacre, Mojave 3 sowie der alternativen Gitarrenmusik der 1990er Jahre, vereint die Band eingängige Melodien mit atmosphärischen Gitarrenlandschaften und treibenden Rhythmen. Die fünfköpfige Gruppe entwickelte ihren Sound über mehrere Jahre hinweg und schafft auf den zehn Songs eine gelungene Mischung aus psychedelischer Tiefe, Pop-Sensibilität und roher Garage-Energie. Mit ,Music For Heads" liefert TV Star ein ebenso nostalgisches wie eigenständiges Debüt, das klassische Indie-Einflüsse in einen frischen, modernen Kontext setzt.
It's hard to explain an album when one listen is enough. All the more so with MaMaMa: there's no room to stay passive. Listening to his new album, EST, means immersing yourself in an atmosphere that's softly psychedelic, comforting and organic all at once. A dreamy, electronic pop that proves this Strasbourg-at-heart, Paris-by-adoption musician, arranger, singer, songwriter and producer never stops reinventing himself. After changing his name — formerly Petit Prince — and delivering two critically acclaimed albums ("MaMaMa-gnificent." / "Hooks you carry in your head for a long time" / "sumptuous arrangements"), Elliott Diener now offers an even more sincere record. Real songs in French, after two albums where production sometimes took up all the space: "when you make heavily produced music, once you strip away the layers of sound, there's no fruit left underneath. On EST, I don't need makeup for the songs to work," he admits.
That's what this new album is about: the song and the French language first, then the pleasure of sound. An album less concerned with talking about its own making, more inhabited, more embodied, within a contemporary folklore. With this new album, don't expect to be bored: EST is his best record yet.
No pretense
Entirely conceived in his studio in Pantin — a room of his own, at last — imagined as a space free of any daydream, open to every sonic landscape, MaMaMa offers a record that's both hazy and downy soft. Often composed very early in the morning, it has become nostalgic without being dark, melancholic without being sad, with a few lineages showing through: Flavien Berger, Moodoïd, Feu! Chatterton for the taste for words and unease, Mount Kimbie for the approach to sound and rhythm. Unsurprising, given that EST was finalized with the British duo's producer. Live, MaMaMa is preparing a show in the style of Nicolas Jaar or UTO. Hypnotic and immersive.
The most liberating thing is that EST is an album without pretense. With it, we move through perseverance (in Aussi loin qu'il tiendra debout), the small arrangements we make to avoid facing reality (Tout sauf la vérité), and the fragility of bonds we thought were solid (Si bien ensemble). We also touch on lasting conflicts with the people we love (Anywhere You Are, There You Are), misunderstanding (Elle me parle une langue), and the erosion of friendships (S'envoler). EST draws an intimate and redemptive map of human relationships, in a body of work that's both lucid and sensitive — like when he also addresses social masks such as filial love (in Beau garçon, dedicated to his son) or relationships that have become impossible.
"It's really the album that sounds most like me, in terms of sonic landscape," Elliott points out. A record that rises above the noise of an imperfect, shifting world — like us — joyful in its words, liberating in its production. A true gem.
Produced by François Tétaz and Luke Howard and recorded primarily at Melbourne's Synth Temple, Tina Arena's Way Of The World reimagines “True Faith” (New Order), “Way of the World” (Max Q / Michael Hutchence), “Enjoy the Silence” (Depeche Mode), “Ordinary World” (Duran Duran), “Torno Bambina” (Ada Mori) and “Cayendo” (Frank Ocean) through stunning orchestral arrangements, prepared piano, analogue synthesis and electronic textures.
Rather than traditional cover versions, these are complete artistic reimaginings that reaffirm Tina Arena as one of Australia's most expressive and enduring vocalists. Of first single “True Faith”, Tina says: “Making the deliberate choice to focus on the lyric of true faith was musically revelatory for me. It presented a blank musical canvas with endless vulnerability and space for me to explore.”
François Tétaz, a Grammy and ARIA-winning producer known for his work with Gotye, Kimbra and Architecture in Helsinki, contributes synthesisers, Rhodes, prepared piano and drum machines throughout, while pianist and composer Luke Howard shapes the EP's restrained, cinematic language. The pair are joined by an ensemble including the Budapest Art Orchestra, Peter Knight, James Rushford, Mindy Meng Wang and orchestrator Felix Watson, giving the collection its rich, orchestral backbone.
The EP announcement lands amid a landmark 50-year career anniversary for Tina — one of Australia's highest-selling artists of all time, having sold more than 10 million albums worldwide.
Verdad Y Error (2026) resides in the tension between the thrashing of external noise and beating centred internal calm. Gibrana Cervantes is known for her work across experimental music and contemporary performance, a practice with focussed intensity and surging physicality, often pushing the limits of endurance, presence, and embodiment. A central axis of her performance practice is her ongoing collaboration with acclaimed choreographer Florentina Holzinger, including composing the music for SEA WORLD (2026), Florentina Holzinger’s critically acclaimed installation for the Austrian Pavilion at the Venice Biennale. Alongside this, she is a core member of the experimental ensemble Amor Muere (Mabe Fratti, Concepción Huerta, and Camille Mandoki). Cervantes maintains an active recording practice that directly informs her live output including her collaboration Memoria (2025), with Colombian Drone Mafia (Nyksan) for Ambie-Tón (Tratratrax),
Verdad y Error is a record of her artistic approach which expands her body and the violin’s horizon of possibility to near breaking point. Cervantes uses a register closely associated with Metal, yet buried deep in the alchemy of these pieces are motifs which hark back to her classical background. Across these pieces the violin is used as an instrument with a fragmented and shifting voice — blurred, repeated, and reshaped through distortion. “Many of these pieces come from images, memories, and sensations that have stayed with me for years. I'm interested in the blurring of what actually happened and what time transforms.” The recordings are built with layers of violin tones which oscillate between recognisable, processed, stretched and shifted, and lay embedded in a frequency stratum of volatile static and noise. “The violin on this album doesn't appear as a clean instrument. I process it, repeat it, distort it, and multiply it until it begins to feel more like memory than melody. Something blurry, shifting, difficult to grasp.” The origins of the album were born at a time when Cervantes was seeking inner calm amidst a relentless external noise, questioning the validity or possibility of memory and its radically changing perception in relation to experience. Subsequent reflection on this contemplative moment allowed her to develop a relational music which moves through memory, erosion, repetition, and emotional ambiguity. Creating a space that feels both intimate and unstable, mercurial with the patina of lived imperfection.
Akin to the unreliable narrator and linguistic instability, each piece functions as an emotional landscape suspended between clarity and confusion. An album which balances melody, brutality, fragility and noise
throughout its sprawling recordings and artwork, which operates as an analogue to the music. The visual world of the album developed in collaboration with Mauro Ventura was compiled across various media with a mix of handwritten texts, burned typography, metallic textures, and fragile physical materials. “I wanted the record to feel tactile and imperfect — something emotionally direct but physically worn.” says Cervantes. More than offering explanations, verdad y error exists as a conversation between memory and disappearance, noise and stillness, truth and error.
On Dummy’s new album, do you love the color of the sky?, the Los Angeles-based 5-piece deliver a breathtaking piece of work that introduces new textures and rhythms to their already varied and refined catalog. For the band’s third album, and first for new label home Polyvinyl, the group split time between self-recording at their home studio as well as Studio 22, linking up with frequent collaborator and engineer Joo-Joo Ashworth (Corridor, Automatic, Spiral XP). The band focused on intentionality and experimentation, exploring downtempo dance beats and electronic music while pushing the guitar as far as they could, using new self-sampling and processing techniques. Percussionist Alex Ewell’s overall sound design and production skills can be heard across the album, with layered drum sounds and rhythmic tremolo techniques shining throughout. Tracks like “Full Spectrum Dominance” and “Alluvial Fan” showcase the band’s tasteful pop sensibilities, while closing track “Heaven’s What You Make Of
It” features perhaps the strongest vocal delivery yet from vocalist/keyboardist
Emma Maatman. Additionally, the dynamic exchange between guitarists Joe Trainor and Nathan O’Dell is absolutely gorgeous, adding a new layer of immersion and directness that is unlike anything the band has done before. The result is Dummy’s most ethereal and sincere record to date, with more feminine and delicate undertones that sit beautifully alongside the gritty and noisy textures the band has become known for. Dummy has been praised in numerous outlets such as Paste, Stereogum, Aquarium Drunkard and Pitchfork, who described their second album, Free Energy, as “the
sound of a band turning all its potential energy into music that’s dazzlingly kinetic and powerful." The band has toured the US, UK, and EU extensively, with festival appearances at Austin Psych Fest, Treefort Music Festival, and others. In addition to larger outlets and festivals, the band’s strong ties to community and DIY ethos are ever-present, oftentimes preferring to play and connect with different local artists on tour, uplifting those around them while shining a light on the history of independent music.
On Dummy’s new album, do you love the color of the sky?, the Los Angeles-based 5-piece deliver a breathtaking piece of work that introduces new textures and rhythms to their already varied and refined catalog. For the band’s third album, and first for new label home Polyvinyl, the group split time between self-recording at their home studio as well as Studio 22, linking up with frequent collaborator and engineer Joo-Joo Ashworth (Corridor, Automatic, Spiral XP). The band focused on intentionality and experimentation, exploring downtempo dance beats and electronic music while pushing the guitar as far as they could, using new self-sampling and processing techniques. Percussionist Alex Ewell’s overall sound design and production skills can be heard across the album, with layered drum sounds and rhythmic tremolo techniques shining throughout. Tracks like “Full Spectrum Dominance” and “Alluvial Fan” showcase the band’s tasteful pop sensibilities, while closing track “Heaven’s What You Make Of
It” features perhaps the strongest vocal delivery yet from vocalist/keyboardist
Emma Maatman. Additionally, the dynamic exchange between guitarists Joe Trainor and Nathan O’Dell is absolutely gorgeous, adding a new layer of immersion and directness that is unlike anything the band has done before. The result is Dummy’s most ethereal and sincere record to date, with more feminine and delicate undertones that sit beautifully alongside the gritty and noisy textures the band has become known for. Dummy has been praised in numerous outlets such as Paste, Stereogum, Aquarium Drunkard and Pitchfork, who described their second album, Free Energy, as “the
sound of a band turning all its potential energy into music that’s dazzlingly kinetic and powerful." The band has toured the US, UK, and EU extensively, with festival appearances at Austin Psych Fest, Treefort Music Festival, and others. In addition to larger outlets and festivals, the band’s strong ties to community and DIY ethos are ever-present, oftentimes preferring to play and connect with different local artists on tour, uplifting those around them while shining a light on the history of independent music.
R.M.F.C. sound like? Let’s stay with the overused descriptors – I think R.M.F.C. is rock music band, more specifically a post-punk band. Indulge me. If you could say anything about post punk it means post-Wire, who were past punk before punk had an opportunity to codify and become everything brilliant and stupid that we’ve spent 40 years unpacking. Wire’s opening Pink Flag jab – Chairs Missing straight – and 154 hook knockout has haunted the mixing desks of ambitious post-punk bands since, and every major city in the western world has at least one Pink Flag band, one Chairs Missing band, one 154 band. Few bands manage to sound like all 3 records, but R.M.F.C. are a Rock Music Fan Club...
Anyone paying attention to underground Australian guitar overdose would relate: the R.M.F.C. Club Hits LP has been the culmination of five years of work, patience and discipline. If you’ve heard these songs live at any of their shows over the past couple of years you’ll understand – the wait is over and the result is exhilarating.
‘Bands like Devo, The Fall, and The Birthday Party have set the way for this type of post-punk rock (all in their own way). Surely, also, the rock scenes of the past fifteen years in Australia have also been influential. Thinking of bands like Royal Headache, Dick Diver, and Eddy Current Suppression Ring, there’s even been a fairly recent tradition of expanding styles of rock and roll (let alone the bigger, famous rock-centered acts). The Sydney based R.M.F.C., and the scene (or friend circle) from which it’s emerging, is carrying a torch of rock music which has the potential of a wider appeal.’ - POST-TRASH
Nach ersten limitierten Singles veröffentlicht The Operator Sound INC. sein Debütalbum "Esoteric Audio For Space Age Witchcraft" innerhalb der "21st Century Library Music"-Reihe des englischen Labels Library Of The Occult. Die Aufnahmen erfolgten direkt auf Tonband unter Verwendung modularer Synthesizer, einer alten elektronischen Orgel und einfacher Rhythmusmaschinen und liefern den klassischen Space-Age-Lounge-Vibe der 1960/70er Jahre, jedoch auf eine düstere und okkulte Weise verfremdet, die aus einem Planetarium der 70er Jahre zu stammen scheint.
Tropical Fu*k Storm revisit the live album concept on ‘Inflatable Graveyard Vol. 2’, their second live album and the follow-up to the critically acclaimed ‘Fairyland Codex’. Recorded over three nights during a sold-out residency at New York venue TV Eye, the album finds the band at the height of their incendiary powers, turning already combustible songs into something even more ferocious and unpredictable.
Fine-tuned and road-tested through heavy touring, songs from ‘Fairyland Codex’ are stretched into new forms. Ballad “Stepping on a Rake” takes on heavier undertones, “Irukandji Syndrome” becomes a launchpad for a guitar solo worthy of the Velvets’ “I Heard Her Call My Name” and “Moscovium” sounds more urgent than ever.
The band also revisit back catalogue favourites including “Who’s My Eugene” and “You Let My Tyres Down”, alongside a cover of Australian punk heroes The Saints’ “This Perfect Day”.
Tropical Fu*k Storm have built a catalogue worth obsessing over, but their live show is where the band’s brilliance really breaks open, and ‘Inflatable Graveyard Vol. 2’ catches that chaos in the act.
Key Quotes:
“Tropical Fuck Storm are masters of tension and release.” The Guardian.
“If anyone's qualified to make music about all-encompassing terror, it ought to be Tropical Fuck Storm.” Pitchfork.
“Thrilling noise-rock pranksters” Uncut.
“End times chaos… A gloriously imperfect storm” MOJO.
“A galvanising opus of incredible political bite” The Line Of Best Fit.
“One of the most rewarding listens in rock music” Consequence Of Sound.
Tropical Fu*k Storm revisit the live album concept on ‘Inflatable Graveyard Vol. 2’, their second live album and the follow-up to the critically acclaimed ‘Fairyland Codex’. Recorded over three nights during a sold-out residency at New York venue TV Eye, the album finds the band at the height of their incendiary powers, turning already combustible songs into something even more ferocious and unpredictable.
Fine-tuned and road-tested through heavy touring, songs from ‘Fairyland Codex’ are stretched into new forms. Ballad “Stepping on a Rake” takes on heavier undertones, “Irukandji Syndrome” becomes a launchpad for a guitar solo worthy of the Velvets’ “I Heard Her Call My Name” and “Moscovium” sounds more urgent than ever.
The band also revisit back catalogue favourites including “Who’s My Eugene” and “You Let My Tyres Down”, alongside a cover of Australian punk heroes The Saints’ “This Perfect Day”.
Tropical Fu*k Storm have built a catalogue worth obsessing over, but their live show is where the band’s brilliance really breaks open, and ‘Inflatable Graveyard Vol. 2’ catches that chaos in the act.
Key Quotes:
“Tropical Fuck Storm are masters of tension and release.” The Guardian.
“If anyone's qualified to make music about all-encompassing terror, it ought to be Tropical Fuck Storm.” Pitchfork.
“Thrilling noise-rock pranksters” Uncut.
“End times chaos… A gloriously imperfect storm” MOJO.
“A galvanising opus of incredible political bite” The Line Of Best Fit.
“One of the most rewarding listens in rock music” Consequence Of Sound.
Georg Danzer war eine Lichtgestalt der Austropop Szene. Wie kein anderer hat er mit seinen Songs und Texten ins Schwarze der österreichischen Seele getroffen. Die Anekdoten auf "13 schmutzige Lieder" sind schlüpfrig, verwegen und oftmals herrlich unkorrekt. Danzers lässiger Dialekt macht den Reiz aus, er gibt den schmutzigen Liedern den Charme, der sie so unverwechselbar macht. Am 7. Oktober hätte Georg Danzer seinen 80. Geburtstag gefeiert. Zu diesem Anlass veröffentlicht Sony Music eine Neuauflage seiner "13 schmutzigen Lieder" auf "schmutziger Vinyl" - als Spezialpressung auf Black Dust Vinyl mit Orange & Schwarz. GEORG DANZER - "13 schmutzige Lieder" - ab 2.10.26 auf schmutziger Vinyl erhältlich! Tracklist: New Orleans Alptraum Stomp | Murphy's Law | Sado-Maso | Swinging Prostata | Rosarode Gummihandschuach | Gnädige Frau in Malaga | Eigentlich bin ich ein Schwein | Der imaginäre Vibrator-Walzer vom 22. Juli 1998 | Karibik in Unterhosen | Olle Weiber san G'frassta | A alte Drecksau | Strandbrunzer-Tango | Ballade vom versteckten Tschurifetzen | Ruaf die Zeitansage an | Leck Mich | Ich denk an Sex | Suche nette Partnerin zum Bumsen ... | Kreuzritter | Tanz Erotisch
Mit "Autosmile", ihrem Debüt für das Label 4AD, schärft das US-Duo @ (At) sein unverwechselbares Profil zwischen psychedelischem Folk, Indie-Rock und experimentellem Pop. Die Songwriter:innen Victoria Rose und Stone Filipczak entwickelten ihre Musik zunächst über Jahre hinweg aus der Distanz. Auf dem Nachfolger ihres vielbeachteten Debüts Mind Palace Music bündeln sie diese Arbeitsweise zu einer ebenso verspielten wie ausgereiften Klangsprache. Die elf Songs von Autosmile verbinden klassische Songstrukturen mit komplexen Arrangements, ungewöhnlichen Harmonien und einer ausgeprägten DIY-Ästhetik. Obwohl Stone während der Albumarbeiten nach Philadelphia zog und beide erstmals in derselben Stadt lebten, blieb der kreative Prozess bewusst unkonventionell. Unterstützt von befreundeten Musiker:innen, die Cello, Violine und Schlagzeug beisteuerten, entstand ein überraschend üppiger Sound, der dennoch seinen intimen Charakter bewahrt. Inhaltlich bewegt sich das Album zwischen Verlust, Selbstreflexion und Hoffnung. Der Opener "Bird" verbindet düstere Folk-Klänge mit eingängigen Pop-Momenten, während der knapp siebenminütige Titeltrack "Autosmile" eine Trennungserfahrung in eine poetische Reise voller mystischer Bilder und existenzieller Fragen verwandelt. Songs wie "I Know You Are (But What Am I Thinking)" feiern die Schönheit von Veränderung und Vergänglichkeit, während "Punish My Mind" das Spannungsfeld zwischen Selbstbestrafung und Selbstfürsorge auslotet. Trotz der oft dunklen Grundstimmung bleibt Autosmile von einer spielerischen Experimentierfreude geprägt. Prog-Einflüsse treffen auf Indie-Sensibilität, Melodie auf Komplexität. Victoria Rose und Stone Filipczak verzichten bewusst auf eindeutige Botschaften und schaffen stattdessen offene Deutungsräume, in denen sich persönliche Krisen und neue Möglichkeiten begegnen. Das Ergebnis ist ein Album, das Schönheit und Schmerz gleichermaßen umarmt und selbst in seinen melancholischsten Momenten einen leisen Optimismus bewahrt.
„Mutant präsentiert in Zusammenarbeit mit Sony Music Masterworks und Amazon MGM Studios stolz den kompletten Soundtrack zu Lord & Millers epischem Meisterwerk ‚Project Hail Mary‘. Dieses Sammler-Boxset mit 4 LPs enthält Daniel Pembertons komplette Originalmusik – mit über 30 Minuten exklusivem Material, das in keiner anderen Veröffentlichung enthalten ist – gepresst auf 3 x 140 g Gold-Vinyl Das Original-Soundtrack-Album des Films – 10 Musikausschnitte aus dem Film, gepresst auf exklusivem Zoetrop-Vinyl Ein 16-seitiges Booklet mit Liner Notes des Komponisten Daniel Pemberton sowie von Name Namerson und Another Person „Project Hail Mary“-Slipmat „Project Hail Mary“-Aufnäher (3 Zoll)“
Father John Mistys bahnbrechendes zweites Album aus dem Jahr 2015, ,I Love You, Honeybear", ist zurück auf Vinyl, remastered und neu verpackt als Einzel-LP. Ursprünglich wurde es als Doppel-LP veröffentlicht. Das Album wird mittlerweile als Klassiker angesehen und enthält die Fan-Favoriten ,Chateau Lobby #4 (in C for Two Virgins)" und den Titelsong ,I Love You, Honeybear". Bei der Veröffentlichung erhielt ,I Love You, Honeybear" viel Kritikerlob, u.a. Pitchfork Best New Music, eine perfekte Bewertung von Exclaim! und begeisterte Kritiken von NME, Mojo, Q, Spin und anderen. Es wurde als eines der besten Alben des Jahres 2015 von Pitchfork, Billboard, The A.V. Club, NME und Stereogum gefeiert. ,I Love You, Honeybear" wurde von Josh Tillman und Jonathan Wilson produziert und von Phil Ek gemischt. Diese Ausgabe wurde 2024 von Adam Ayan bei Ayan Mastering neu gemastert. Diese zweite Ppressung kommt auf schwarzem Vinyl.
Father John Mistys bahnbrechendes zweites Album aus dem Jahr 2015, ,I Love You, Honeybear", ist zurück auf Vinyl, remastered und neu verpackt als Einzel-LP. Ursprünglich wurde es als Doppel-LP veröffentlicht. Das Album wird mittlerweile als Klassiker angesehen und enthält die Fan-Favoriten ,Chateau Lobby #4 (in C for Two Virgins)" und den Titelsong ,I Love You, Honeybear". Bei der Veröffentlichung erhielt ,I Love You, Honeybear" viel Kritikerlob, u.a. Pitchfork Best New Music, eine perfekte Bewertung von Exclaim! und begeisterte Kritiken von NME, Mojo, Q, Spin und anderen. Es wurde als eines der besten Alben des Jahres 2015 von Pitchfork, Billboard, The A.V. Club, NME und Stereogum gefeiert. ,I Love You, Honeybear" wurde von Josh Tillman und Jonathan Wilson produziert und von Phil Ek gemischt. Diese Ausgabe wurde 2024 von Adam Ayan bei Ayan Mastering neu gemastert. Diese zweite Ppressung kommt auf schwarzem Vinyl.
GERBlair / Huber - ECLIPSE ist das eindrucksvolle Debut eines der spannendsten neuen Jazz-Duos Europas. Der preisgekronte Frankfurter Saxophonist Darius Blair und Gitarrist Niko Huber entwickeln in reduzierter Besetzung einen eigenstandigen, modernen Sound zwischen Jazz, Hip-Hop-Asthetik und improvisierter Musik. Entstanden aus ihrer langjahrigen Freundschaft und intensiven Zusammenarbeit seit der Pandemie, lebt das Album von intuitiver Interaktion, klanglicher Prazision und emotionaler Tiefe. Die neun kompakten Stucke verbinden subtile Grooves, atmospharische Weite und starke melodische Ideen. Aufgenommen im Berliner Funkhaus mit einem Grammy-pramierten Produktionsteam, steht ECLIPSE fur die kraftvolle Verschmelzung zweier musikalischer Personlichkeiten - reduziert, innovativ und zeitlos.ENGBlair / Huber - ECLIPSE marks the striking debut of one of Europe's most exciting emerging jazz duos. Award-winning Frankfurt saxophonist Darius Blair and guitarist Niko Huber craft a distinctive and modern sound from a minimalist setup, blending jazz, hip-hop influences, and improvisation. Rooted in a long-standing musical partnership, the album thrives on intuitive interplay, sonic clarity, and emotional depth. Across nine concise tracks, the duo balances subtle grooves, open textures, and strong melodic ideas. Recorded at Berlin's renowned Funkhaus with a Grammy-winning production team, ECLIPSE captures the powerful alignment of two artistic voices-refined, innovative, and timeless.
Mutant präsentiert in Zusammenarbeit mit WaterTower Music und DC Studios stolz die erste physische Veröffentlichung von Claudia Sarne’s Original-Soundtrack zu „Supergirl“. Die Komponistin Claudia Sarne sagte über die Entstehung der Musik für „Supergirl“: „Die Vertonung von ‚Supergirl‘ war wie ein wilder Fiebertraum. Ich habe mich besonders mit der Unordnung und Komplexität ihrer Figur identifiziert und liebte die Bandbreite, die der Film erforderte. Die Möglichkeit, von dreckigen Synth-Basslinien und -Sequenzen zu großen thematischen Orchesterstücken und traurigen Solo-Klavierpassagen zu wechseln, war eine unglaubliche Reise. Craig wünschte sich Musik, die das Gefühlsleben der Figuren zum Ausdruck bringt – von Ruthyes Herzschmerz und Idealismus über Karas Verzweiflung und Rebellion bis hin zu Lobos Nihilismus und Krem’s Schrecken; all das verbunden durch die Liebesgeschichte zwischen Kara und Krypto.“ Mit einem Cover-Artwork von Bilquis Evely, gepresst auf 2x 140 gm Farbvinyl, mit einer im Siebdruckverfahren bedruckten D-Seite.
Mit Music From The Films Of Francis Ford Coppola erscheint eine sorgfaltig kuratierte Doppel-LP, die die unverwechselbare Klangwelt eines der einflussreichsten Regisseure des modernen Kinos wurdigt. Von Der Pate uber Apocalypse Now bis hin zu The Conversation und The Outsiders vereint diese Sammlung Musik aus Filmen, die das amerikanische Kino seit den 1970er Jahren nachhaltig gepragt haben. Die Zusammenstellung zeigt eindrucksvoll, wie entscheidend Musik fur die emotionale Wirkung von Coppolas Filmen war. Neben den Kompositionen von Carmine Coppola finden sich Aufnahmen von Kunstlern wie Buddy Holly, The Beach Boys, Elvis Presley oder Richard Wagner. Die Doppel-LP beleuchtet das Zusammenspiel von Bild und Ton und richtet sich gleichermaßen an Filmfans, Soundtrack-Sammler und Liebhaber klassischer Filmmusik.
“High Spirits” zeigt eine ungewöhnliche, nicht minder faszinierende Seite des jamaikanisch-britischen Altsaxophonisten Joe Harriott, eines der großen Originale des britischen Jazz. Nach seinen bahnbrechenden
Free-Form-Experimenten widmete sich Harriott hier acht Songs aus dem gleichnamigen Musical von Hugh
Martin und Timothy Gray. Mit Shake Keane an Trompete und Flügelhorn, Coleridge Goode am Bass
und Bobby Orr am Schlagzeug ist Harriotts klassisches Quintett in Bestform zu hören. Aufgenommen
im September 1964 und 1965 als Teil der von Denis Preston betreuten Lansdowne Series veröffentlicht,
verbindet das Album melodische Zugänglichkeit mit souveränem Post-Bop und brillanten Improvisationen.
Here we go! Ein echter 90er-Jahre-Kult-Hit ist zurück auf Vinyl! „Saturday Night“ von Whigfield, der legendäre Top-Hit aus dem Jahr 1994, ist endlich wieder als streng limitierte farbige 12“ Maxi Single erhältlich.
Mit seinem unverwechselbaren Dance-Sound, der eingängigen Melodie und dem legendären „Saturday Night“-Refrain eroberte Whigfield 1994 die internationalen Charts und wurde zu einem der großen Dance-Klassiker der 90er Jahre.
Jetzt gibt es den Hit endlich wieder auf hochwertigem, farbigem Vinyl – ein echtes Highlight für alle Fans der 90s, Dancefloor-Klassiker und Vinyl-Sammler.
Die Maxi Single enthält insgesamt 4 verschiedene Mixe und bietet damit gleich mehrere Versionen des unvergessenen Dancefloor-Hits.
Ein echter Dance-Klassiker ist zurück auf Vinyl! „2 Times“ von Ann Lee, der große Superhit aus dem Jahr 1998, erscheint endlich wieder als farbige, streng limitierte 12“ Maxi Single.
Mit seinem unverwechselbaren Eurodance-Sound, der eingängigen Melodie und dem legendären Refrain gehört „2 Times“ zu den unvergessenen Dance-Hits der späten 90er Jahre. Jetzt gibt es den Kult-Track endlich wieder als besonderes Vinyl-Release – ein Highlight für Nostalgiker, DJs und alle Vinyl-Liebhaber.
Die 12“ Maxi Single bietet insgesamt 5 verschiedene Mixe und lädt damit zu einer musikalischen Zeitreise zurück in die große Ära des 90er-Jahre-Dance ein.
Das farbige Vinyl und die streng limitierte Auflage machen diese Veröffentlichung zu einem besonderen Sammlerstück, das in keiner Dance- und Vinyl-Sammlung fehlen sollte.
Pünktlich zum großen PROJECT PITCHFORK Jubiläum und der anstehenden Tour feiern zwei außergewöhnliche Veröffentlichungen ihre längst überfällige Premiere auf Vinyl: „First Anthology“ und „Second Anthology“. Zwei sorgfältig zusammengestellte Rückblicke, die nicht nur die Entwicklung einer der prägendsten Dark-Electro-Bands aller Zeiten nachzeichnen, sondern auch eindrucksvoll zeigen, warum PROJECT PITCHFORK bis heute nichts von ihrer Faszination verloren haben.
FIRST ANTHOLOGY Die ersten zehn Jahre einer außergewöhnlichen Band – von den visionären Anfängen bis zum internationalen Durchbruch. „First Anthology“ vereint die frühen Klassiker und Meilensteine von PROJECT PITCHFORK und dokumentiert den Aufstieg einer Formation, die den Dark-Electro-Sound nachhaltig geprägt hat. Ein eindrucksvolles Zeitdokument voller wegweisender Songs und zeitloser Hymnen.
Pünktlich zum großen PROJECT PITCHFORK Jubiläum und der anstehenden Tour feiern zwei außergewöhnliche Veröffentlichungen ihre längst überfällige Premiere auf Vinyl: „First Anthology“ und „Second Anthology“. Zwei sorgfältig zusammengestellte Rückblicke, die nicht nur die Entwicklung einer der prägendsten Dark-Electro-Bands aller Zeiten nachzeichnen, sondern auch eindrucksvoll zeigen, warum PROJECT PITCHFORK bis heute nichts von ihrer Faszination verloren haben.
SECOND ANTHOLOGY Mit „Second Anthology“ setzt sich die Reise nahtlos fort und umfasst die Schaffensphase ab 2002. Kraftvolle Elektronik, epische Klanglandschaften und eine beeindruckende Dichte an Klassikern machen diese Sammlung zu einem eindrucksvollen Zeugnis der ungebrochenen Kreativität von PROJECT PITCHFORK.
"Beirut City Pop" vereint zehn Aufnahmen aus der libanesischen Privatpress-Kassettenszene der späten 1970er und 1980er Jahre. Diese Songs, die von kurzlebigen Bands und Studioprojekten entstanden sind, bewegen sich zwischen Disco, Pop, Soul, Jazz, Bossa, Rock und AOR. Viele davon wurden während des libanesischen Bürgerkriegs produziert, zu Hause kopiert und nur im Freundeskreis und in lokalen Gemeinschaften verbreitet, wobei einige ausschließlich auf handkopierten Kassetten erhalten geblieben sind. Viele der Musiker waren über Ziad Rahbanis "Bypass Studio" miteinander verbunden, arbeiteten projektübergreifend zusammen und teilten eine gemeinsame musikalische Sprache. Inspiriert von der Genremischung des japanischen City Pop spiegelt der Titel sowohl den Klang als auch den Geist dieser Aufnahmen wider. Mit Künstlern wie Stephanie Stephanou, Force, Games, Andromeda und Walid Itayim dokumentiert "Beirut City Pop" eine eng verbundene Musikszene, deren Kreativität und musikalische Kameradschaft trotz außergewöhnlicher Umstände Bestand hatten.
Keen listeners who have dug below the surface of Oren Ambarchi"s triple-digit discography know that alongside hypnotic minimalism, veins of irreverent and joyously wayward exploration run deep. Cooked is something of a landmark in Oren"s work, bringing this gloriously cuckoo sensibility right into the heart of his most high-profile solo work. Carrying on the grand Ambarchi tradition of meticulously constructed all-star studio jams (which reached new heights with Shebang), Cooked brings together collaborators from Australia, Germany, Japan and Sweden for two side-long epics where the foot keeps tapping even as the mind boggles. Cooked is a long way from the spacious, light-dappled grooves of Ghosted, but Oren"s Swedish bandmates play starring roles here, with Johan Berthling"s double bass anchoring both sides, and drummer Andreas Werliin lending his delicate touch to the second piece, "Sleight of Hand". Beginning with glistening layers of electric 12-string guitar, "Sleight of Hand" takes some key cues from electric Miles touchstones like "Feio" or his epic take on David Crosby"s "Guinnevere", with Berthling"s sparse basslines punctuating an almost weightless cornucopia of shifting detail, glimmering with subtle contributions from Michiko Ogawa on sho and James Rushford on a panoply of acoustic keyboards. Suddenly, everything is overwhelmed by a knotty, hyper-complex "solo" from Marcus Pal on digital synthesis, teleporting us to an alternate history where Allan Holdsworth traded the SynthAxe for Xenakis" UPIC. Building with additional drums and percussion from Will Guthrie to a peak of sizzling intensity, the music then goes sideways into a gently surreal coda, where some distinctly Zawinul-esque chords and Fredrik Rasten"s guitar float over a sprightly rhythm box, the avian inventions of Swedish virtuoso whistler Isak Hedtjärn wafting atop the sunlit stew.
George Michaels zweites Soloalbum »Listen Without Prejudice« enthält die erfolgreichen Singles »Praying for Time«, »Freedom '90«, »Waiting for That Day«, »Heal the Pain«, »Cowboy and Angels« sowie »Soul Free«.
Das wegweisende und mehrfach mit Platin ausgezeichnete Album erschien ursprünglich im Jahr 1990 und zählt zu den bedeutendsten Veröffentlichungen seiner Solokarriere. Mit seiner musikalischen Vielfalt und zeitlosen Qualität begeisterte es Fans auf der ganzen Welt.
Bisher war das Album lediglich in einer äußerst limitierten Auflage auf farbigem Vinyl im Vereinigten Königreich erhältlich. Diese besondere Splatter-Vinyl-Edition macht die Veröffentlichung nun zu einem begehrten Sammlerstück und einem absoluten Highlight für Fans von George Michael sowie für Vinyl-Liebhaber.
Dina Summer is the Berlin-based collaborative project of Greek-German dark-disco couple Local Suicide and Bavarian electronic producer Kalipo. The supergroup began working together in 2019 and have since been refining their combined sound. It is a unique blend of their influences, drawing from 80s italo disco, new wave, EBM and early 00s electroclash for a dark retro-futuristic synth/wave pop sound that stands out with club-ready basslines, epic melodic hooks, and lyrics ranging from dadaist abstractions to empowering, thought-provoking themes.
The trio will return with their new mini album, “Children Of The Night”, bringing together all the elements that have defined their sound so far. From the disco infused synth pop of “Burning Heart” and “Bats In Paris,” recalling their debut album Rimini (2022), to the dark club driven tracks “Fuel”, “Komodo 3000”. and the title track “Children Of The Night,” which echo the atmosphere of Hide & Seek (2024), and the dark wave influenced indie songs “Rat Race” and “On The Road”, which would have felt right at home on “Girls Gang” (2025), the release showcases the full spectrum of the band's musical identity. The nine track record takes its title from and pays homage to Bela Lugosi's iconic line in Dracula (1931): “Listen to them. Children of the night… what music they make”.
Format: Ltd transparent clear vinyl
Dina Summer ist das in Berlin ansässige Gemeinschaftsprojekt des griechisch deutschen Dark Disco Duos Local Suicide und des bayerischen Elektronikproduzenten Kalipo. Die Supergroup begann 2019 gemeinsam zu arbeiten und hat seitdem ihren gemeinsamen Sound kontinuierlich weiterentwickelt. Dieser verbindet auf einzigartige Weise ihre Einflüsse und schöpft aus Italo Disco der 1980er Jahre, New Wave, EBM und Electroclash der frühen 2000er. Das Ergebnis ist ein dunkler, retro futuristischer Synth Wave Pop Sound, der sich durch clubtaugliche Basslines, epische melodische Hooks und Texte auszeichnet, die von dadaistischen Abstraktionen bis hin zu empowernden und zum Nachdenken anregenden Themen reichen.
Das Trio kehrt nun mit seinem neuen Mini Album „Children Of The Night“ zurück, das alle Elemente vereint, die ihren Sound bisher geprägt haben. Von dem Disco geprägten Synth Pop von „Burning Heart“ und „Bats In Paris“, der an ihr Debütalbum „Rimini“ (2022) erinnert, über die düsteren, cluborientierten Tracks „Fuel“, „Komodo 3000“ und den Titelsong „Children Of The Night“, die die Atmosphäre von „Hide & Seek“ (2024) aufgreifen, bis hin zu den von Dark Wave beeinflussten Indie Songs „Rat Race“ und „On The Road“, die ebenso gut auf „Girls Gang“ (2025) hätten erscheinen können, zeigt die Veröffentlichung die gesamte Bandbreite der musikalischen Identität der Band.
Das Album mit seinen neun Tracks trägt seinen Titel in Hommage an Bela Lugosis ikonische Zeile aus dem Film Dracula (1931): „Listen to them. Children of the night… what music they make.“
Die dunkle Seite des Italo Disco geht in die nächste Runde! „The Dark Side Of Italo Disco – Vol. 4“ präsentiert erneut 8 ausgewählte Italo-Disco-Songs der 80er Jahre, die mit ihren geheimnisvollen Sounds, treibenden Beats und einer ganz besonderen Atmosphäre einen düsteren Charme versprühen.
Zwischen melancholischen Synthesizer-Melodien, hypnotischen Rhythmen und futuristischen Klängen zeigt diese LP die geheimnisvolle und faszinierende Seite des legendären 80er-Jahre-Sounds.
Ein absolutes Highlight für Italo-Disco-Fans und alle, die ihre Plattensammlung um eine außergewöhnliche Auswahl voller Atmosphäre und Kultfaktor erweitern möchten.
Error 404 ist das Debütalbum von Roubix. Glitch Pop auf dem Fundament von Italo Disco. Mehr gibt es dazu eigentlich nicht zu sagen. Es klingt, als würde Europa der 80er durch ein gestörtes Signal senden. Arpeggios, große analoge Hooks und der typische 80er-Drumsound – alles bricht auseinander, setzt wieder ein und baut sich neu auf. Der Glitch ist kein Fehler. Er ist der Kern des Albums. Nostalgie, die nicht vollständig lädt. Verbindungen, die immer wieder abbrechen. Und trotzdem hört man nicht auf zu tanzen. Vergangenheit und Gegenwart laufen hier nicht nebeneinander – sie kollidieren. Nach seinem Einzug ins Halbfinale des Eurovision Song Contest 2024 für San Marino und inzwischen über einer Million Streams ist Error 404 das erste vollständige Statement von Roubix.
Dan Kye is the mysteriously evoked moniker from multi-instrumentalist, producer, and vocal sensation Jordan Rakei. The New Zealand-born artist - who now resides in London - presents his first long-player from Dan Kye, ‘Small Moments’, on Bradley Zero’s Rhythm Section INTL. An ode to the dancefloor, the musical project was born out of Jordan’s lockdown experience, created from the comfort of his own home. Recorded with just a laptop, extra live instruments and guest musicians, ‘Small Moments’ seamlessly transcends across electronica, jazz and funk, with each genre being effortlessly fused with Jordan’s melancholy vocals. Allowing himself to push the boundaries, Jordan’s Dan Kye moniker draws on the energetic and uplifting elements of house and techno and perfectly mixes it with the sultry vocals and emotion that come with the live elements we know and love from Jordan Rakei. The record offers listeners a journey through more floor-heavy tracks such as ‘Mogeri’ and ‘Raro’ to more groove infused offerings such as ‘Rainbow Road’ (which is named after one of the maps in Mario Kart and inspired by the energy of Prince’s iconic live concert at The Aladdin in Las Vegas), whilst tracks, like ‘Sober’, take on a more lyrical and anthemic feel.
Jordan Rakei: “Rhythm Section INTL was my entry point into dancefloor orientated music, and it was Bradley who asked me whether I could head in that direction so he could play my music out in the clubs. Dan Kye has still got melodies, but the main focus is to keep it high energy.”
After meeting Bradley Zero online whilst living in Australia, Jordan eventually moved to London in 2014. The same day he landed, he went straight to a Rhythm Section party to meet Bradley, and it was here that he first got a taste for house music. He enjoyed Rhythm Section INTL’s ability to draw on both live and electronic talent; and thus, after Bradley asked him for some productions for the parties, the idea for Dan Kye was born. ‘Small Moments’ is a musical masterpiece that can be enjoyed as much on the dancefloor as it can in the comfort of your own home and is a perfect step into Jordan’s landscape and idealism of dance orientated music.
Bradley Zero - “In around 2014 the proprietor of the famous Northside Records in Melbourne handed me a self released 12” from a new, unknown artist based in Brisbane. It was Jordan Rakei - Franklin’s Room. I’d been home almost a year before I actually got round to listening to it and I remember that moment like it was yesterday. I lay down on the sofa, put the record on and was transported! The Dan Kye project is a testament to the experimental and independent ethos Jordan lives by and is a product of an artist reaching full stride but not afraid to still try something new. This ‘Small Moments’ LP was conceived in a record store, born in a club on Rye Lane and is now flying the nest, throwing caution to the wind and making a bold statement.”
Intifaxa is the first part in a series of 4 outstanding double vinyl albums with bonus songs, previously released on CD between 1990 and 1994 on the Australian cult label Extreme Music.
Intifaxa is full of heavy percussion fire with deep tribal grooves, embedded in modulated field recordings. The album is a transcendental journey into Eastern soundscapes and a secret weapon for DJs who enjoy to tear down the borders of tribal underground house and psychedelic trance music.
The original tracks were perfectly remastered for this first time ever vinyl release and the new masters received high praise from the Extreme Music owner Roger Richards.
New sleeve designs were created by Oleg Galay, who is famous for his artworks for many Muslimgauze reissues.
All 4 album covers are made from extra heavy cardboard with deluxe spot UV finish and inside print.
Who Cares A Lot? The Greatest Hits spotlights some of the biggest tracks released by Faith No More between 1987 and 1997. It includes massive hits such as “Epic”, “Easy”, “Evidence” and their first single “We Care A Lot.”
Presented in chronological order, this collection highlights the journey Faith No More went on, starting with tracks such as “We Care A Lot” and “Introduce Yourself”; tracks sung by original lead singer Chuck Mosley. After his departure in 1988, the band turned to current frontman Mike Patton, who’s first album with the band was the renowned “The Real Thing.”
Faith No More have maintained a cult status, being widely credited for developing alternative metal and having influence on bands such as Limp Bizkit and Slipknot. Founding member and bassist of Nirvana, Krist Novoselic, cites Faith No More as one of the bands who paved the way for Nirvana. This record presents a true celebration of Faith No More’s music and is on gold vinyl for the first time.
The band had previously announced a European tour in 2020, which had to be postponed due to the COVID-19 pandemic. These dates have now been rearranged for dates across the UK and rest of Europe during June and July of 2021, with an Australia and New Zealand tour to follow.
Transparent grünes Vinyl! Wieder lieferbar! Zum ersten Mal überhaupt seit der digital-only Veröffentlichung 2011 erscheint nun der erste "Minecraft"-Soundtrack in physischer Form. Die Vinylversion enthält zwölf Tracks! "Minecraft - Volume Alpha" ist das Werk des deutschen Komponisten und Musikers Daniel Rosenfeld. Unter seinem Künstlernamen C418 erschuf Rosenfeld den weitreichenden Soundtrack und das lebendige Sounddesign, das das auf Voxel aufgebaute Universum von "Minecraft" zum Leben erweckte. Fans und Kritiker waren durch die Bank weg begeistert von seinen beatlosen, ausgewogenen Electro-Stücken. Die bekannte Gaming Seite "Kotaku" führte den Soundtrack unter der "Best Game Music" 2011 und nannte die Musik "beeindruckend beruhigend", während The Guardian die zerbrechlichen Stücke Rosenfelds aus Klavier und minimalistischem Ambient mit den legendären Künstlern ERIK SATIE und BRIAN ENO. In einem Interview destillierte Polygon "Volume Alpha" auf seine Essenz hinuntern: "Der Soundtrack ist nicht gebunden an die Retro-Ästhetik der Minecraft Graphik. Der Soundtrack setzt sich über sie hinweg. Das Album ist ein Versuch, die kombinierte Game/Music Erfahrung in etwas Himmlisches zu übersetzen."
