Gluecifer, the undisputed "Kings Of Rock" from Norway disbanded in 2005 after a farewell tour and in November 2017, the band announced their reunion for 2018. After 7 years it was time to record a new album and it will be the first one since 2004. The fans are waiting with impatience and the band fulfill all their dreams with an apocalyptic piece of Rock music.
OSI's classic album Fire Make Thunder reissued on vinyl for the first time in January Fire Make Thunder is the fourth and final studio album by American progressive rock band OSI. Originally released by Metal Blade Records in 2012, this cult album is now reissued on vinyl with new limited colorways on January 16th via Svart Records. OSI (Office of Strategic Influence) began as a supergroup pairing between Fates Warning guitarist Jim Matheos and Chroma Key / ex-Dream Theater keyboardist Kevin Moore in 2002. Known for their extremely solid songwriting, critically acclaimed albums, and for having a unique sound of their own, OSI truly perfected the formula of progressive metal- and rock. Fire Make Thunder is a grand, imaginative album that has been stated as the band's greatest work. OSI left a mark on not only progressive metal, but many genres on this album. Filled with stirring and pleasing sounds, Fire Make Thunder shows the exquisite songwriting duo of Moore and Matheos excelling themselves.
OSI's classic album Fire Make Thunder reissued on vinyl for the first time in January Fire Make Thunder is the fourth and final studio album by American progressive rock band OSI. Originally released by Metal Blade Records in 2012, this cult album is now reissued on vinyl with new limited colorways on January 16th via Svart Records. OSI (Office of Strategic Influence) began as a supergroup pairing between Fates Warning guitarist Jim Matheos and Chroma Key / ex-Dream Theater keyboardist Kevin Moore in 2002. Known for their extremely solid songwriting, critically acclaimed albums, and for having a unique sound of their own, OSI truly perfected the formula of progressive metal- and rock. Fire Make Thunder is a grand, imaginative album that has been stated as the band's greatest work. OSI left a mark on not only progressive metal, but many genres on this album. Filled with stirring and pleasing sounds, Fire Make Thunder shows the exquisite songwriting duo of Moore and Matheos excelling themselves.
Confessor's genre defying album Unraveled reissued in January Confessor is a progressive doom metal band from North Carolina that made its mark on the underground metal scene in the late 80's by combining some of the genre's essential elements in a way that no band had attempted before. Once dubbed "the world's most obstinately technical metal band", Confessor's technically complex interpretation of traditional doom gained them a reputation also within the progressive metal circles. Their grand sophomore album Unraveled from 2005 will finally be reissued after two decades on January 16th via Svart Records. Following the release of their 1991 debut album, Condemned, Confessor disbanded in 1994 while they were already planning a second album. Sadly, in 2002 the band's guitarist Ivan Colon passed away, and in tribute to Ivan, the band re-formed in order to play a benefit show for him. Things went so well, that they decided to continue after almost a decade apart. Their second full length Unraveled followed in 2005; an immensely satisfying and unique blend of majestic Doom Metal raised to the next level.
Confessor's genre defying album Unraveled reissued in January Confessor is a progressive doom metal band from North Carolina that made its mark on the underground metal scene in the late 80's by combining some of the genre's essential elements in a way that no band had attempted before. Once dubbed "the world's most obstinately technical metal band", Confessor's technically complex interpretation of traditional doom gained them a reputation also within the progressive metal circles. Their grand sophomore album Unraveled from 2005 will finally be reissued after two decades on January 16th via Svart Records. Following the release of their 1991 debut album, Condemned, Confessor disbanded in 1994 while they were already planning a second album. Sadly, in 2002 the band's guitarist Ivan Colon passed away, and in tribute to Ivan, the band re-formed in order to play a benefit show for him. Things went so well, that they decided to continue after almost a decade apart. Their second full length Unraveled followed in 2005; an immensely satisfying and unique blend of majestic Doom Metal raised to the next level.
The night is restless, the streets eerily silent... only distant echoes and haunting rhythms fill the air. Halloween 2025 drags you deep into the atmosphere of a world forever changed.
As shadows lengthen and whispers grow louder, the familiar coziness of Lofi Girl’s room takes a darker turn. This 20-track compilation gathers artists from across the globe to conjure chilling melodies and spectral beats, the perfect soundtrack for the spooky season. Press play, and lose yourself in a soundtrack where the undead roam and even the walls seem to listen.
Free Mousse is a Paris-based collective and festival. They have been spreading their signature “Mousse” across the capital over the past three years. This year, they’ve decided to share it with everyone by pressing it on wax. To make it happen Blinkduus Dischetto and Kiss The Future, rising talented producers and close friends of Mousse team joined forces on a unique EP born from their collaboration.
On the record, you’ll find:
A1 – a banger by Kiss that has been tearing up dancefloors for a year now
B1 – a tech-house weapon from Blinkduus bringing the heat every time it’s played
Finally, both artists’ identities come together on A2 & B2 in exclusive cuts that we invite you to uncover.
We deliver mousse <3
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A true gem of French animated cinema, Sylvain Chomet's Les Triplettes de Belleville (2003) left a lasting impression with its quirky universe, tender humor, and unforgettable musical score.
Composed by Benoît Charest, this cult soundtrack blends retro swing, gypsy jazz, ramshackle brass bands, and cycling rhythms to create a unique atmosphere that is both nostalgic and fiercely modern.
This vinyl edition finally celebrates the soundscape of Belleville as it deserves to be celebrated: unusual percussion instruments made from bicycle parts, mischievous orchestrations, and the playful voice of the cult song “Belleville Rendez-vous,” performed by M - Matthieu Chedid in its French version.
Carefully remastered for analog format, the record captures all the warmth and vitality of this timeless music, a vibrant tribute to the creativity and audacity of the film.
A must-have for lovers of cinema, jazz, and beautiful vinyl editions.
Leave it to Langhorne Slim - a pioneer of raw, rule-breaking Americana for more than two decades - to reach far beyond the genre he helped inspire.
The Dreamin' Kind finds the Nashville transplant strapping on an electric guitar and embracing his longtime love of larger-than-life rock & roll. With it's chugging power chords, 1970s-sized riffs, and richly layered arrangements, The Dreamin' Kind is fueled not only by sheer amplification, but by the soul-baring songwriting that's become Slim's calling card, too. Tucked between those anthems are acoustic-driven songs that skirt the outer orbits of folk music, from the bare-boned heartbreak of ''Stealin' Time'' to the organic, orchestral sweep of ''Dance On Thru.'' The result is the more explorative and expansive album of Slim's career: a record made for rock clubs, campfires, and garages alike, produced by Greta Van Fleet's Sam Kiszka, and anchored by a lifelong desire to break down new walls.
''It felt like I was blowing some old shit up so I could plant some new flowers,'' Slim says of the creation process. ''I love acoustic music. I love folk music. But those aren't my only loves. Rock & roll has always tickled the same place in my soul as great singer-songwriter music, and I wanted to explore those influences. Raw songs that make you feel something: that's the stuff I'm after.''
'Yamame' (the Japanese name for a kind of freshwater salmon) was recorded in 1962 and was Miyazawa’s first album, but the sharpness and avant-garde modernity of the music creates a completely timeless quality. Miyazawa is one of a group of musicians who laid the foundation of the Japanese jazz scene. He wanted to express his cultural heritage by doing something he felt “only someone Japanese” could do, and so he dedicated himself to a pursuit of “Japanese jazz”. Incidentally, the album was originally simply titled “Akira Miyazawa”, but perhaps due to the impression the cover art and the track titles made, it was reissued in 1977 as “Yamame”, and has gone by that title ever since. This is an historic masterpiece of Japanese jazz.
Tenor Saxophone – Akira Miyazawa
Alto Saxophone, Flute – Sadao Watanabe (tracks: B1 to B3)
Baritone Saxophone, Clarinet – Tadayuki Harada (tracks: B1 to B3)
Trombone – Mitsuhiko Matsumoto (tracks: B1 to B3), Yasuhiro Tomoto (tracks: B1 to B3)
Trumpet – Akira Nakano (tracks: B1 to B3)
Piano – Masahiko Sato
Bass – Masanaga Harada
Bass Trombone – Takeshi Aoki (tracks: B1 to B3)
Drums – Kanji Harada, Takeshi Inomata
Supervised By – Jiro Kubota
„Weihnachten ist wirklich die schönste Zeit des Jahres“! „Im Laufe der Jahre habe ich viele originelle Weihnachtslieder geschrieben und ich hatte das Gefühl, dass es jetzt an der Zeit ist, die besten davon auf einem Album zu bündeln. Und hier ist es: Ein wundervolles Weihnachtsalbum mit einer Vielzahl von Liedern, von denen jedes ein wesentliches Element der Weihnachtsstimmung enthält, jetzt in einer Deluxe-Edition. 15 Songs, die ich sorgfältig ausgewählt habe. Ich habe 9 der 11 Originale mit den Amerikanern Jeff Franzel und Maria Christensen geschrieben und die anderen 2 Originalsongs mit den niederländischen Songwritern Simon Gitsels und Karel Schepers. Die Cover auf diesem Album sind Songs, die ich so sehr liebe, dass ich ihnen meine eigene Note geben und ihnen einen Platz auf dem Album geben wollte.“ Vier erfolgreiche Studioalben, mehreren Theatertourneen in den Niederlanden und erste internationale Shows, die allesamt ausverkauft waren. Es folgten bereits zahlreiche Auszeichnungen, darunter eine Goldene Schallplatte und bereits zweimal der renommierte Edison Jazz Award (der Holländische Grammy). Keine alltägliche Errungenschaft im Jazzbereich oder wie „Crooner“ Dennis es lieber nennt, im Swing, einem Stil, der für ihn unvergleichlich ist.
London label Only Music Matters rolls out more mysterious goodness here from another unknown artist. On this evidence, they like the afters and the moments in the night when time and space dissolve and subtly rule. 'AAA001A' is an elastic, dubby minimal tech cut with liquid pads and trippy vocal twist while the next cut is speedier but no less supple. This cosmic odyssey is marbled with vocal fragments, prickly acid and deft percussion and it all weaves endlessly while hypnotising perfectly. 'BBB002B' is more sparse and roomy, with grubby bass ripples and glitchy electronics colouring the groove. Priku and Arapu have already dropped this one to great receptions at Sunwaves 36 so if it's good enough for them...
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10-Jahre-Jubiläums-Reissue von Twit Ones wegweisendem Album „The Sit-In“ aus dem Jahr 2015. Von vielen Twit-Aficionados als eines seiner besten Werke gefeiert, unterschied sich „The Sit-In“ bei seinem Erscheinen deutlich von seinen vorherigen Alben – und Twits Musik war noch nie leicht vorhersehbar. „The Sit-In“ war die erste Twit-Platte, zu der man Räucherstäbchen anzünden kann, und auch zehn Jahre später hat sie nichts von ihrem Zauber verloren. Mit Sängerin May sowie den Poeten PB Louison und Imam Ally-Salaam. Artwork von Van Lagerstein und Robert Winter. Das 10-Jahres-Jubiläums-Reissue enthält außerdem eine Bonus 7"" mit vier neuen Tracks.
After the release of her highest charting album to date in 2024, Elles Bailey is back with brand new album "Can"t Take My Story Away". Fiercely independent, the British singer-songwriter has been steadily honing her craft for the better part of a decade. Her magnificent voice - instantly recognisable, full of grit - weaves stories of resilience and survival, of hope and new beginnings. In her music, we find liberation as she picks at the threads of human connection, carefully unravelling the truths we might not have realised about ourselves. Produced by Luke Potashnick and recorded with a stellar lineup of musicians separate from her live band, the eleven tracks of "Can"t Take My Story Away" tie together to form the album Elles has been destined to make. An honest and vulnerable glimpse into Elles" story, the record was created over a three year period, using songswhose origins can be traced back almost 10 years, "Can"t Take My Story Away" is Elles" life placed carefully together to form a dazzling, kaleidoscopic story.
After the release of her highest charting album to date in 2024, Elles Bailey is back with brand new album "Can"t Take My Story Away". Fiercely independent, the British singer-songwriter has been steadily honing her craft for the better part of a decade. Her magnificent voice - instantly recognisable, full of grit - weaves stories of resilience and survival, of hope and new beginnings. In her music, we find liberation as she picks at the threads of human connection, carefully unravelling the truths we might not have realised about ourselves. Produced by Luke Potashnick and recorded with a stellar lineup of musicians separate from her live band, the eleven tracks of "Can"t Take My Story Away" tie together to form the album Elles has been destined to make. An honest and vulnerable glimpse into Elles" story, the record was created over a three year period, using songswhose origins can be traced back almost 10 years, "Can"t Take My Story Away" is Elles" life placed carefully together to form a dazzling, kaleidoscopic story.
With WHERE IS MY HEAD?, his first full-length album since 2019, Indonesian-born artist Rich Brian redefines success on his own terms. No longer chasing hits, he turns inward — creating the most vulnerable and honest music of his career. The result is a cohesive, deeply personal body of work that strengthens his bond with an ever-growing fanbase. Brian handled most of the production himself, shaping an analog-forward sound rooted in his self-taught mastery of synthesizers and keyboards. He sings more than ever before, with a newfound confidence and maturity that signals real artistic growth. WHERE IS MY HEAD? isn’t just a return — it’s a revelation. Each track answers one central question: how can I make art that truly makes me happy? To visually explore this feeling of self-reflection, the album introduces two versions of Brian — a MAESTRO who scores music for the dreams of MOVIE BRIAN, who exists unaware inside the world the Maestro has created. This surreal, introspective concept is brought to life through a series of cinematic music videos and visualizers, all directed by Jared Hogan, expanding the depth of the album into a fully realized narrative world.
Takeo Moriyama's "Mori," out of print and difficult to find on CD, is now available on vinyl for the first time!
Commemorative release of the Nanzato Fumio Award
Selected as a Swing Journal Gold Disc (6th Edition, 59th Edition)
"Mori" features slow-tempo tracks.
Moriyama's drumming delivery develops this incredibly dramatic ballad.
The listener is enveloped in a vast forest.
This time, a George Gazzon ode brings a breath of fresh air to Moriyama's sound.
Vier Jahrzehnte nach ihrer Gründung schreiben Ian Astbury und Billy Duffy ein neues Kapitel in der Geschichte von The Cult. Gemeinsam mit John Tempesta (Bass) und Charlie Jones (Schlagzeug) ließen sie 2023 ihre legendäre Frühphase Death Cult für eine exklusive Konzertreihe wieder aufleben - eine Hommage an die Ursprünge einer der einflussreichsten britischen Rockbands der 1980er-Jahre. Das Ergebnis dieser intensiven Rückkehr erscheint am 16. Januar 2026 unter dem Titel "PARADISE LIVE" - ein 16 Songs starkes Live-Album, aufgenommen am 18. November 2023 in der ehrwürdigen Albert Hall in Duffys Heimatstadt Manchester. "PARADISE LIVE" erscheint als Doppel-LP im exklusiven "Black on White"-Splatter-Design, auf CD sowie digital. Das edle Artwork zeigt ein schwarz auf schwarz geprägtes Schmetterlingsmotiv - entworfen von Ian Astbury und kunstvoll neu interpretiert von Carter O"Sullivan (Beggars Art Department). Die Black-Splatter-Edition ist ausschließlich über den Band-Webshop erhältlich, während die White-Splatter-Edition im regulären Handel erscheint. Der Weg von The Cult begann 1981 mit Southern Death Cult, deren gleichnamiges Album posthum 1983 erschien. Noch im selben Jahr gründeten Astbury und Duffy Death Cult - der Beginn einer kreativen Partnerschaft, die seit über 40 Jahren Bestand hat. Bereits 1984 entwickelte sich daraus The Cult, die im selben Jahr ihr gefeiertes Debüt "Dreamtime" veröffentlichten. Mit "PARADISE LIVE" schließen Astbury und Duffy den Kreis - ein intensives, authentisches Live-Dokument, das Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft einer außergewöhnlichen Band miteinander verbindet.
Mit Framing Reality veröffentlichen The Livelines aus Osnabrück ihre neue EP - ein musikalisches Coming-of-Age-Tagebuch zwischen Selbstzweifel, Selbstbehauptung und dem Versuch, Kontrolle in einer sich ständig verändernden Welt zu finden. Die sechs Songs zeigen eine junge Band, die ihre Realität selbst in die Hand nimmt: ehrlich, direkt und mit einem Sound, der Pop-Melancholie mit tanzbarer Rock-Energie verbindet.
Nach über 60 Shows, zahlreichen Festivalauftritten, Supporttouren für Acts wie KAFFKIEZ, DAMONA und Hi! Spencer sowie ausverkauften Headline-Shows machen The Livelines klar, dass sie gekommen sind, um gehört zu werden. Framing Reality steht für den Versuch, das eigene Leben zu rahmen - zu entscheiden, wie man gesehen wird, wie man sich selbst sieht und was man aus den Dingen macht, die man nicht ändern kann.
„Deadline Season“ ist das Debütalbum von Lucy Liebe. Einigen könnte sie bereits als Gründungsmitglied von Bokoya sowie durch Konzerte mit douniah und Gianni Brezzo bekannt sein. Lucy ist Multiinstrumentalistin: Sie spielt Schlagzeug, Keys, Flöte, Trompete, Gitarre und Bass – und singt. Unterstützung erhält Lucy zudem von Sänger*innen AKA Kelzz, Coco Elane, garrrog, Giaa, Laíz und Rosa Landers sowie Trompeter Pachakuti.
Das Album entstand nach Lucys Umzug von Köln nach Berlin. „Ich war neu in der Stadt und wusste, dass ich nicht einfach weitermachen wollte wie zuvor", erinnert sie sich. „Also wurde ich sehr aktiv: habe Leute angeschrieben, Ordner mit Beats verschickt, Kontakte geknüpft. Parallel bewarb ich mich bei verschiedenen queeren Organisationen auf Forschungsstellen – ohne Erfolg. Was aber klappte, war eine Albumförderung. Und ich hatte ohnehin schon viel Material in Arbeit. Die meisten Songs sind während Sessions von Grund auf entstanden, mit Gästen, mit denen ich mich einfach treffen und gemeinsam etwas Neues schaffen wollte."
Musikalisch bewegt sich Deadline Season in viele Richtungen, bleibt dabei aber immer punktgenau und zu 100 Prozent Lucy Liebe. „Ich nenne es gerne Alternative R&B – vielleicht die 2025er-Version von Neo-Soul? Meine Jazz-Einflüsse sind auf jeden Fall noch da."
Five years after her bossa nova single "Tes petites fesses" and a notable appearance at the Colors studio in 2023, singer LYNN releases her debut album: La vie me va si bien. Comprising eleven tracks, it blends French neo-soul, smooth R&B, and minimalist pop, with a confident and sincere approach. For LYNN, each song explores the fragility of moments when tenderness shifts into doubt, expressing the fatigue of loving, the fear of losing oneself, and the beauty of longing. Her writing, precise and nuanced, focuses on detail and restraint. Accompanied by guitars, pianos, and layered voices, she tells stories between childhood and lucidity, in an organic and harmonious soundscape. The album exudes a controlled sincerity, meant to be listened to in calm, establishing LYNN as a distinctive voice, ready to mix gentleness with truth in a hurried world.
Maxi Pongratz ist ein außergewöhnlicher Musiker und Künstler, der mit seinem einzigartigen Akkordeon-Stil und seinen hintersinnigen Texten die deutschsprachige Musikszene bereichert. Bekannt wurde er als Mitglied der Band "Kofelgschroa", mit der er drei Alben veröffentlichte, die von Micha Acher ("The Notwist") produziert wurden. Sein musikalischer Weg war keineswegs vorgezeichnet: Ursprünglich gelernter Gärtner, hat er unter anderem Apfelstrudel im Hofbräuhaus gebacken und die Ski-Abfahrt "Kandahar" für den Weltcup präpariert. Doch seine Leidenschaft für Musik führte ihn von Wirtshäusern auf die Bühnen der Kleinkunstszene. Mit seinem vierten Solo-Album "rum&num" widmet sich Maxi Pongratz den großen Fragen des Lebens: Was bedeutet Heimat? Wie viel Ordnung braucht das Leben? Seine Musik bewegt sich zwischen Tradition und Rebellion, Wirtshausmusik und Dadaismus, Poesie und Klang. Er ist ein Grenzgänger, der mit neugierigem Blick und offenen Ohren die Welt erkundet und dabei die deutschsprachige Musikszene mit seiner Authentizität und Kreativität prägt.
To submit or to surrender? Robert Johnson resident Oskar Offermann doesn’t have the answers, and that’s kind of the point. Things change: one moment you’re touring the globe as a recognizable face of one of the greatest clubs in the world, the next you’ve started a new life as a teacher. How do you handle that shift? On this record, Offermann doesn’t offer solutions so much as trace his own way through it, reflecting the whole process in his music and creative work.
Whatever the story, whatever the case, Oskar Offermann can still produce some of the most emotive, bleepy, strange dance music out there and this 12 inch is the proof. Sonically and conceptually it leans into that precise, melancholic German school: at points drawing from 80s wave and experimental music, then flirting with trancey motifs and closing in divinely crafted breakbeat. In just four tracks it packs in a surprising amount of functional range, exactly what you’d expect from one of RJ’s longest-standing residents. The A- and B-sides mirror each other: they open at full intensity, tempos pushed well past the 130 BPM mark, easy to imagine ripping through a peak-time floor – and still both sides land on something far more personal and reflective.
Even inside a framework of high-intensity club tunes, Oskar’s character shines through loud and proud. Think the slightly disjarring yet melodically captivating winds in the middle of the B1 trance induced number “Accepting”, or the masterfully paced build of opener “Planet Interface”. The same goes for A2 “Televise Improvise” and B2 “Sei mal nur lieb”: on paper they should feel like breathers next to the two behemoths, but they don’t. Offermann crams so much substance and personality into them that they become quietly dangerous. There’s that magical mix of squelchy acid, rough low end and naturalistic melodies on B2, and the relentless emotional drive of A2 “Televise Improvise”. Oskar is really, really good at making dance music irresistible.
Character, skill and honesty in one record, meant for the attentive listener and the brave DJ. A rare combination nowadays, get it fast!
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With "sYn," Soulbound present their most uncompromising work to date. The fourth studio album from the melodic industrial metal band strikes a dark, direct tone, remaining both catchy and unsettling.
"It’s an album where I’ve limited myself to using only two instruments—a metallophone and a four-track tape recorder. Explorations of the metallophone and tape sounds are deconstructed and reintegrated into tracks with cassette loops. This release is part of this year’s Muscut label series, dedicated not to electronic but to electro-acoustic music focusing on analog recording and production."
Taken from the Shape platform interview (March 2024)
Das zweite Album von Spiritbox, Tsunami Sea, baut auf dem überaus erfolgreichen Debütalbum der Band
aus dem Jahr 2021 „Eternal Blue“ auf, das die Charts anführte und die Jahresendlisten der Kritiker dominierte, sowie auf der EP „Fear of Fear“ aus dem Jahr 2023, die der Band zwei aufeinanderfolgende
Grammy-Nominierungen einbrachte. Das von Mike Stringer und Dan Braunstein von Spiritbox koproduzierte Album zeichnet sich durch den typischen, gefühlsbetonten Sound der Band aus, der in den Singles
„Soft Spine“ und „Perfect Soul“ zu neuen Höhen der Intensität und Musikalität geführt wird.
Sir Colin Davis wählte die Musik von Sibelius, um eines seiner Konzerte als erster Gastdirigent des BSO im
Oktober 1972 zu eröffnen. Es war ein entscheidender Moment: Davis hatte die Bostoner Sibelius-Tradition
wiederbelebt. Dieses Album mit den Sinfonien Nr. 5 und 7 war sowohl die erste Veröffentlichung des
mittlerweile legendären Davis/Boston-Sibelius-Zyklus als auch eine der letzten Quadrophonie-Aufnahmen
bei Philips. „Niemand, der Colin Davis’ Zyklus der Sibelius-Sinfonien hört, wird daran zweifeln, dass er ein
geborener Sibelius-Interpret ist.“ – Gramophone Magazin
Erstmals als Doppel-LP konnte der Klang des Albums weiter verbessert und außerdem ”Tapiola” von
Sibelius inkludiert werden.
Die vollständig analoge Vinyl-Serie DECCA PURE ANALOGUE punktet mit einigen der legendärsten Aufnahmen aus den Archiven von Decca & Philips. Die Serie wird von Rainer Maillard gemastert und von
Sidney C. Meyer in den renommierten Emil Berliner Studios geschnitten, bei Pallas auf 180-Gramm-Vinyl
gepresst und in luxuriösen Gatefolds in handnummerierten, limitierten Auflagen präsentiert.
Es werden ausschließlich originale analoge Quellen verwendet, in diesem Fall vierspurige QuadrophonieBänder.
Jedes Album enthält das Original-Artwork und die Original-Liner Notes, Archivfotos und Faksimiles der
Original-Aufnahmeprotokolle sowie neu verfasste Anmerkungen, die die Geschichte der Aufnahme, den
technischen Hintergrund und den Mastering-Prozess detailliert beschreiben
Als Sir Georg Solti im Herbst 1969 sein Amt als Musikdirektor antrat, verglich er die Stadt Chicago und
ihr berühmtes Orchester einmal mit dem „Dornröschen“-Schlaf. Doch fünf Jahre später war es ein anderes
Ballett – Strawinskys „Le Sacre du Printemps“ –, das zeigte, wie explosiv diese neue Beziehung geworden
war, in einer Aufnahme, die auch ein halbes Jahrhundert nach ihrer Entstehung noch immer aus den Lautsprechern dröhnt. „Glamourös und kraftvoll.“ – Gramophone
Deccas vollständig analoge Vinyl-Serie DECCA PURE ANALOGUE punktet mit einigen der legendärsten
Aufnahmen aus den Archiven von Decca und Philips. Die Serie wurde von Rainer Maillard gemastert und
von Sidney C. Meyer in den renommierten Emil Berliner Studios geschnitten, bei Pallas auf 180-gr.-Vinyl
gepresst und in luxuriösen Gatefolds in handnummerierten, limitierten Auflagen präsentiert.
Es werden ausschließlich originale analoge Quellen verwendet – in diesem Fall 2-Track Stereo-Bänder–
und es kommen keine zusätzlichen Geräte im Signalweg zum Einsatz, d. h. es findet keinerlei digitale
Klangbearbeitung statt.
Die LP wurde für 45RPM gemastert, um einen besseren Hochtonbereich zu erzielen und die ganze „Wucht
und Klarheit“ der Originalaufnahme wiederzugeben.
Jedes Album enthält das Original-Artwork und Original-Liner Notes, Archivfotos und Faksimiles der OriginalAufnahmeprotokolle sowie neu verfasste Anmerkungen, die die Geschichte der Aufnahme, den technischen
Hintergrund und den Mastering-Prozess beschreiben.
Das Neujahrskonzert 1979 in Wien war sowohl musikalisch als auch technisch ein Höhepunkt. Es war sowohl
das Ende einer goldenen Ära für Willi Boskovsky, längjähriger Konzertmeister der Wiener Philharmoniker
und Dirigent sensationeller Neujahrskonzerte, als auch der Beginn eines neuen Zeitalters in der Aufnahmetechnik. Lange Zeit als erste digital aufgenommene Veröffentlichung von Decca gefeiert, hat die jüngste
Recherche eine Reihe von analogen Sicherheitsmastern zutage gefördert, die fast ein halbes Jahrhundert
lang unberührt in den Archiven der Decca schlummerten – bis heute. „Dies ist eine sensationelle Veröffentlichung.“ – Gramophone Magazin
Deccas vollständig analoge Vinyl-Serie DECCA PURE ANALOGUE punktet mit legendären Aufnahmen
aus den Archiven von Decca und Philips. Die Serie wurde von Rainer Maillard gemastert und von Sidney
C. Meyer in den renommierten Emil Berliner Studios geschnitten, bei Pallas auf 180-Gramm-Vinyl gepresst
und in luxuriösen Gatefolds in handnummerierten, limitierten Auflagen präsentiert.
Es werden ausschließlich originale analoge Quellen verwendet – in diesem Fall erstmals analoge Master
früher digitaler Aufnahmen – und es kommen keine zusätzlichen Geräte im Signalweg zum Einsatz.
Jedes Album enthält das Original-Artwork und die Original-Liner Notes, Archivfotos und Faksimiles der
Original-Aufnahmeprotokolle sowie neue Anmerkungen, die die Geschichte der Aufnahme, den technischen
Hintergrund und den Mastering-Prozess detailliert beschreiben
Mit „Angel’s Share“ veröffentlichen Nathan Evans und SAINT PHNX ihr gemeinsames Debütalbum und
liefern eine Platte voller Emotionen, Energie und dem unverkennbaren Geist ihrer schottischen Herkunft. Ein
Album, entstanden aus Freundschaft, nächtelangen Gesprächen und den besonderen Momenten im Leben,
die uns für immer verbinden. „Angels Share“ vereint die warme Klangwelt des Folk mit mitreißenden,
stadionreifen Hooks und ehrlichem, handgemachten Songwriting. Es ist eine Reise entlang von Küsten,
durch Erinnerungen und unzerbrechliche Verbindungen. Es ist ein Album für gemeinsame Momente, stille
Nächte und all das, was dazwischen liegt. Das Album ist jetzt als CD und Vinyl erhältlich.
Katie Schecter is for fans of Sharon Van Etten, Caroline Rose, and Amy Winehouse. Raised in NYC, it feels as if Katie Schecter time traveled to present day from a chicer and more sonically cool yesteryear of the future. She effortlessly blends the half-cool, half-kitsch of her home in Nashville that is neither new nor timeless. Deeply soulful and introspective indie rock vibes await the listener when you drop the needle on this LP. Produced with love and care by Nick Bockrath of Cage The Elephant with an incredible set of musicians (Homer Stenweiss, Leon Michels to name a few!) this LP is one that reveals more of itself the more you spin it.
Selbst in einer Karriere voller krasser Wendungen war ,Joggers & Smoggers" (1989) echt überraschend. Während ,Aural Guerilla" (1988) ein Versuch war, die verrückte Live-Energie der Band im Studio einzufangen, was echt gut geklappt hat, war der Nachfolger ,Joggers & Smoggers" ein Versuch, fast alle Grenzen zu ignorieren. Diese 34 Songs strotzen vor grenzenlosem Eklektizismus und verbinden die legendäre Intensität der Band mit spielerischen Umwegen, literarischen Erfindungen und Referenzen sowie erfolgreichen Kollaborationen (von den Noise-Rockern Thurston Moore und Lee Ranaldo bis hin zu den in Amsterdam ansässigen Improvisatoren Ab Baars und Wolter Wierbos und einer Reihe bereits bekannter Freunde und Verbündeter). Das Ergebnis ist nicht mehr eine streng ausgeführte Reihe von Songs, sondern ein großzügiger Ausbruch von Kreativität. Auf diesem Doppelalbum kombiniert The Ex Unruhe, Verspieltheit, ethnische Einflüsse und improvisatorische Ideen, wie sie bereits auf Veröffentlichungen wie ,Dignity Of Labour" (1983) und ,Blueprints For a Blackout" (1984) angedeutet wurden. Das Ergebnis ist ihr bis dahin umfangreichstes und einzigartigstes Album, vielleicht eine ihrer wirklich ,wichtigsten Veröffentlichungen", die die Grundlage für ihre bevorstehende Zusammenarbeit mit Tom Cora bildete.
Naked Lunch - Songs for the Exhausted (Reissue) 2004 markierte für Naked Lunch einen radikalen Neuanfang. Nach dem kometenhaften Aufstieg in den 90ern, geplatzten Major-Deals und finanziellen Katastrophen stand die österreichische Band vor dem Aus. Doch statt aufzugeben, zog sich das Quartett mit Produzent Olaf Opal (u.a. The Notwist) in ein Studio zurück und schuf über drei Jahre hinweg ein Werk, das als "nicht für möglich gehaltenes Meisterwerk" (Der Standard) gilt. Songs for the Exhausted ist kein leichtes Album: dunkel, intensiv, sperrig - und dennoch tröstend. Es erzählt von Müdigkeit und Wiedergeburt, von kompromissloser Kunst fernab des Pop-Business. 22 Jahre später erscheint dieses Kultalbum erstmals als Vinyl-Reissue bei Tapete Records - ein Muss für Liebhaber anspruchsvoller Indie-Musik.
Mighty Joseph is the combination of emcees Vast Aire (Cannibal Ox) with his long-time rhyme ally Karniege. The duo's sole album, Empire State (2008) was released during the tail-end of the last great non-commercial Hip-Hop period.
Never released on vinyl before, the album will be available soon on a double LP edition.
Rooted in the concrete streets but lyrically abstract, features and beats are provided by equal musical foils including Madlib, Camu Tao, Murs, J-Zone, Poison Pen and Vordul Mega (Cannibal Ox) among others.
Fan and critical attention were positive with All Hip Hop summing the album as "solid post-millennium product that bridges the gap between gritty street tales and a paranoid view of the future."
Plug One Magazine added that "Empire State" "unravels a unique perspective, documenting not only much personal change between the two emcees but also the changes in the streets of New York City. From poverty, to the September 11 attacks, to the abuse of Hip Hop culture in general, "Empire State" stands strong as a snapshot of the city."
French chanson, electro beats, pared-down or synthetic piano: at 21, Iliona draws on all of this. Plural, multifaceted, elusive. Yet her lyrics resonate as if one were singing heartache—and the love one hopes for—for the very first time.
She composes, records, and produces her tracks alone, determined to keep them as close as possible to the tunes, harmonies, and silhouettes she holds in her mind. This time, they are infused with the light of an intense love, and still carried by extreme sparseness in their arrangements: nothing—from electronic arpeggios to melodic autotune—is ever superfluous; everything has its place. Lifted by a new lightness, the tracks also echo the spirit of the yéyé sound Iliona has been listening to for a few years, without necessarily knowing the name of every songwriter or the mark they left behind. It’s their longing for carefree abandon that hovers over the hypnotic Si tu m’aimes demain and its music video inspired by the New Wave, the Beatles, and all those future memories you begin to build when you’re in love.
A gentle warmth also sweeps through the hazy doo-wop contours of Tête brûlée, and the lo-fi twist of Cocoon; but always with that veil of shadow that once floated over the apparent nonchalance of Françoise Hardy’s songs. That unease, that worried smile, resurfaces in the lovely pop gallop of Garçon manqué, an ode to the deepest friendships—the ones you hold in your arms to dance or, sometimes, to cry. Or in the delicate Cent fois, which whispers, “when will the movie scenes we quietly dreamed of come to life?”
The answer, perhaps, lies in wherever you hide, the party finds you, a superb soundtrack to an imaginary drama, whose venomous keyboards unfold the pictorial strength of Iliona’s songs.
